Головна › Система охолодження › Сучасне мистецтво японії аніме та манга. Вибухаючи каваї: як розуміти сучасне японське мистецтво

Сучасне мистецтво японії аніме та манга. Вибухаючи каваї: як розуміти сучасне японське мистецтво

В Ермітажі йде цікава виставка Сучасне мистецтвоЯпонії "МОНО-НО АВАРЕ. Чарівність речей".

Сказати, що я фанат сучасного мистецтва – я не можу. Мені більше подобається, коли є що порозглядати (багаторобна графіка, або декоративно-прекладне мистецтво, етнос – це все моє). Захоплюватися красою чистого концепту мені не завжди прикольно. (Малевич, соррі! Чорний квадрат я не люблю!)

Але сьогодні я дісталася цієї виставки!

Дорогоцінні, якщо ви в Пітері, цікавитеся мистецтвом і ще там не побували, то виставка буде до 9 лютого! Сходіть, бо цікаво!

Мене мало переконують концепти, як я вже писала вище. Я якось порахувала, що за рік відвідування сучасних виставок мені максимум здаються забавними один - два об'єкти. А багато речей мене настільки не чіпають, що шкода часу, що я витратила. Але це є у будь-якому жанрі, у будь-якому мистецтві, відсоток співвідношення таланту та посередності, добре якщо це один до десяти! Але ця виставка мені сподобалася.

Розмістилися японські витвори у виставкових залах Головного штабу. Перша інсталяція, яка зустрічає відвідувачів, це неймовірний розмір лабіринт, насипаний сіллю на підлозі. Сірий підлогу, біла сіль, неймовірно акуратно розмічений простір, сплетений в одне поле. Великий виставковий зал, і білий орнамент, що розповзся по підлозі, як якийсь дивовижний в'юн. Причому розумієш, наскільки це тимчасово мистецтво. Виставка закриється, лабіринт зметуть мітлою. Я якось дивилася фільм, "Маленький Будда". І там на початку буддійський чернець із кольорового піску викладав складний орнамент. А в кінці фільму, чернець зробив різкий рух пензлем і титанічний працю розвіявся за вітром. То був, то хоп і ні. І це каже, цінуй красу тут і зараз, все швидкоплинно. Так і цей лабіринт із солі, він вступає в діалог із тобою, ти починаєш відповідати на питання, перед якими він тебе ставить. Художник - Мото Ямамото.

Так Так! Ось такий великий лабіринт, чи відчули масштаб?

Другий об'єкт що полонить, це величезний купол з поліетилену та чорної смоли Ясуакі Онисі. Незвично вирішено простір. На чорних найтонших нерівних ниточках смоли висить, злегка рухаючись, купол....або гора зі складним рельєфом. Коли заходиш усередину, то бачиш строкатий візерунок точок – місць прилипання смоли. Смішно, ніби чорний дощ безшумний іде, а ти під пологом.

Як вигадала така техніка? Смішно, так? Але в живу це виглядає "живіше", купол злегка погойдується від вітерця, що створюється відвідувачами. І є відчуття твоєї взаємодії з об'єктом. Ти можеш увійти "в печеру", подивитися зсередини, як воно!

Але щоб не склалося враження, що все було лише чорно-білим, розмістю тут ще пару фотографій композиції, виконаної зі з'єднаних обручів. Такі кольорові смішні пластикові кучері! І теж, ти можеш пройти крізь цю кімнату всередині обручів, а можеш подивитися на все ззовні.

Ці об'єкти сподобалися мені найбільше. Звичайно, скоро концептуальне сучасне мистецтво стане іншим, співзвучним новому часу. Воно не повернеться до старого і не залишиться таким, як зараз. Воно зміниться. Але щоб зрозуміти, що було, куди мчав потік і що і звідки виникає, треба знати, що відбувається зараз. І не цуратися, що не її, концепт не для мене, а спробувати побачити його і оцінити. Талантів мало, як і за всіх часів, але вони є. І якщо експонати знаходять відгук, то не все втрачено!

Мистецтво та дизайн

3946

01.02.18 09:02

Сьогоднішня художня сцена Японії дуже різноманітна та провокаційна: розглядаючи роботи майстрів із Країни Вранішнього сонця, Ви вирішите, що потрапили на іншу планету! Тут мешкають новатори, які змінили «ландшафт» галузі у глобальному масштабі. Представляємо вам список 10 сучасних японських художників та їх витвори – від неймовірних істот Такасі Муракамі (який сьогодні святкує день народження) до строкатого всесвіту Кусами.

Від футуристичних світів до точкових сузір'їв: сучасні японські художники

Такасі Муракамі: прихильник традицій та класик

Почнемо з винуватця урочистості! Такасі Муракамі – один із найзнакових сучасних японських художників, який працює над картинами, великомасштабними скульптурами та модним одягом. На стиль Муракамі впливають манга та аніме. Він засновник руху Superflat, що підтримує японські художні традиціїта післявоєнну культуру країни. Муракамі просував багатьох своїх колег-сучасників, із деякими з них ми сьогодні теж познайомимося. «Субкультурні» твори Такасі Муракамі представлені на арт-ринках моди та мистецтва. Його провокаційний My Lonesome Cowboy (1998 рік) був проданий у Нью-Йорку на аукціоні Sotheby's у 2008-му за рекордні 15,2 мільйона доларів. Муракамі співпрацював із всесвітньо відомими брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton та Issey Miyake.

Тихо Асіма та її сюрреалістичний всесвіт

Член художньої виробничої компанії Kaikai Kiki та руху Superflat (і та, і інше засновані Такасі Муракамі) Тихо Асіма відома своїми фантастичними міськими пейзажами та дивними поп-істотами. Художниця створює сюрреалістичні мрії, населені демонами, привидами, молодими красунями, що зображуються на тлі дивовижної природи. Її твори зазвичай великомасштабні та друкуються на папері, шкірі, пластиці. У 2006-му році ця сучасна японська художниця брала участь у Art on the Underground у Лондоні. Вона створила 17 послідовних арок для платформи – чарівний краєвид поступово перетворювався з денного на нічний, з міського – на сільський. Це диво розквітло на станції метро Gloucester Road.

Тихару Сіма та нескінченні нитки

Інша художниця – Тихару Сіота – працює над широкомасштабними візуальними настановами для конкретних пам'яток. Вона народилася в Осаці, але зараз живе у Німеччині – у Берліні. Центральні темиїї творчості – забуття та пам'ять, мрії та реальність, минуле та сьогодення, а ще – конфронтація тривоги. Найвідоміші роботи Тіхару Сіоти – непроникні мережі чорної нитки, що охоплюють безліч побутових та особистих предметів – таких як старі стільці, весільну сукню, спалене фортепіано. Влітку 2014-го року Сіота поєднала пожертвовані їй туфлі та черевики (яких було понад 300) нитками червоної пряжі та підвісила їх на гачки. Перша виставка Тихару у столиці Німеччини відбулася під час Берлінського мистецького тижня у 2016-му році та викликала сенсацію.

Гей Аракава: скрізь, ніде

Ей Аракава натхненний станами змін, періодами нестабільності, елементами ризику, а його інсталяції нерідко символізують теми дружби та колективної праці. Кредо сучасного японського художника визначається перформативним невизначеним «скрізь, але ніде». Його витвори спливають у несподіваних місцях. У 2013 році роботи Аракави виставлялися на Венеціанському бієнале та в експозиції японського сучасного мистецтва в Музеї мистецтв Морі (Токіо). Інсталяція Hawaiian Presence (2014) була спільним проектом з нью-йоркською художницею Каріссою Родрігес та брала участь у бієналі Whitney. У тому ж 2014-му році Аракава та його брат Тому, які виступають дуетом під назвою United Brothers, пропонували відвідувачам Frieze London свій твір The This Soup Taste Ambivalent з радіоактивними коренеплодами дайкона Фукусіми.

Кокі Танака: взаємозв'язок та повторення

2015-го Кокі Танака було визнано «Художником року». Танака досліджує спільний досвід творчості та уяви, заохочує обмін між учасниками проектів та виступає за нові правила співпраці. Його установка в японському павільйоні на Венеціанському бієнале 2013 року складалася з відео з об'єктами, що перетворюють приміщення на платформу для художнього обміну. Інсталяції Кокі Танака (не плутайте з його повним тезкою-актором) ілюструють взаємозв'язок між об'єктами та діями, наприклад, на відео присутній запис простих жестів, що виконуються зі звичайними предметами (ніж, що нарізує овочі, пиво, що наливається у склянку, відкриття парасольки). Нічого суттєвого не відбувається, але нав'язливе повторення та увага до найдрібнішим деталямзмушують глядача цінувати мирське.

Маріко Морі та обтічні форми

Ще одна сучасна японська художниця, Маріко Морі, «чаклує» над мультимедійними об'єктами, поєднуючи відео, фотографії, предмети. Їй властиві мінімалістське футуристичне бачення та гладкі сюрреалістичні форми. Темою творчості Морі, що повторюється, є зіставлення західної легенди з західною культурою. У 2010 році Маріко заснувала Фонд Фау, освітню культурну. некомерційну організацію, Для якої вона виготовила серію своїх художніх інсталяцій на честь шести населених континентів. Нещодавно постійна установка Фонду «Кільце: одна з природою» була поставлена над мальовничим водоспадом у Ресенді недалеко від Ріо-де-Жанейро.

Ріоджі Ікеда: синтез звуків та відео

Ріоджі Ікеда – новий медіахудожник і композитор, робота якого в основному пов'язана зі звуком у різних «сирих» станах, від синусоїдальних звуків до шумів з використанням частот на межі людського слуху. Його захоплюючі інсталяції включають звуки, створені комп'ютером, які візуально перетворюються на відеопроекції або цифрові шаблони. Аудіовізуальні арт-об'єкти Ікеди використовують масштаб, світло, тінь, об'єм, електронні звуки та ритм. Відомий тестовий об'єкт художника складається з п'яти проекторів, які висвітлюють площу 28 метрів завдовжки та 8 метрів завширшки. Установка перетворює дані (текст, звуки, фотографії та фільми) у штрих-код та двійкові патерни нулів та одиниць.

Тацуо Міядзіма та світлодіодні лічильники

Сучасний японський скульптор та художник-монтажник Тацуо Міядзіма використовує у своєму мистецтві електричні схеми, відео, комп'ютери та інші гаджети. Основні концепції Міядзіми надихнуті гуманістичними ідеями та буддистськими вченнями. Світлодіодні лічильники в його установках безперервно блимають у повторенні від 1 до 9, символізуючи подорож від життя до смерті, але уникаючи остаточності, яка представлена 0 (нуль ніколи не з'являється в роботах Тацуо). Всюдисущі цифри в сітках, вежах, схемах виявляють інтерес Міядзіми до ідей безперервності, вічності, зв'язку та потоку часу та простору. Нещодавно об'єкт Міядзіми «Стріла часу» був продемонстрований на інавгураційній виставці «Незавершені думки, які видно в Нью-Йорку».

Нара Есімото та злі діти

Нара Йосімото створює картини, скульптури та малюнки, що зображують дітей та собак – суб'єктів, у яких відбито дитяче почуття нудьги та розчарування та запекла незалежність, природна для малюків. Естетика робіт Йосімото нагадує традиційні книжкові ілюстрації, це суміш неспокійної напруженості та любові художника до панк-року. У 2011-му році в Музеї товариства Азії в Нью-Йорку відбулася перша персональна виставка Йосімото під назвою Yoshitomo Nara: Nobody's Fool, що охоплює 20-річну кар'єру сучасного японського художника. Експонати були тісно пов'язані зі світовими молодіжними субкультурами, їх відчуження та протестом.

Яєю Кусама і простір, що розростається дивовижними формами

Вражаюча творча біографіяЯєй Кусами триває сім десятиліть. За цей час дивовижна японка встигла вивчити сфери живопису, графіки, колажу, скульптури, кіно, гравюри, екологічного мистецтва, інсталяції, а також літератури, моди та дизайну одягу. Кусама розробила дуже своєрідний стиль точкового мистецтва, що став її торговою маркою. Ілюзорні видіння, представлені в роботах 88-річної Кусами (коли світ здається покритим дивовижними формами, що розростаються), – це результат галюцинацій, які вона відчувала з дитинства. Кімнати з барвистими точками та «нескінченними» дзеркалами, що відбивають їх скупчення, впізнавані, їх не переплутаєш ні з чим іншим.

Красу, приховану в речах, японці відкрили в IX-XII століттях, в епоху Хейан (794 -1185 рр.) і навіть позначили її особливим поняттям «моно-но аваре» (яп. чарівність речей». «Чарівність речей» — одне з найбільш ранніх у японській літературі визначень прекрасного, воно пов'язане із синтоїстською вірою в те, що в кожній речі укладено своє божество — камі — і свою неповторну чарівність. Аваре - це внутрішня суть речей, те, що викликає захоплення, схвильованість.

- Васі (wasi) або вагами (wagami).
Ручне виготовлення паперу. Середньовічні японці цінували васи не лише за її практичні якості, а й за красу. Вона славилася своєю тонкістю, майже прозорістю, що, зрештою, не позбавляло її міцності. Васі виготовляється з кори дерева кодзо (шовковиці) та деяких інших дерев.
Папір васи зберігається протягом століть, свідчення тому альбоми та томи старовинної японської каліграфії, картини, ширми, гравюри, що дійшли крізь віки до наших днів.
Папір Васі волокнистий, якщо подивитися в мікроскоп, буде видно щілини, крізь які проникає повітря та сонячне світло. Ця якість використовується при виготовленні ширм та традиційних японських ліхтариків.
Сувеніри з вас дуже популярні серед європейців. Безліч маленьких та корисних предметів виготовляється з цього паперу: гаманці, конверти, віяла. Вони досить міцні і водночас легкі.

- Гохей.
Талісман із паперових смужок. Гохей - ритуальний жезл синтоїстського священика, до якого прикріплюються паперові зигзагоподібні смужки. Такі ж смужки паперу вивішують біля входу до синтоїстського храму. Роль паперу в синтоїзмі традиційно була дуже велика, і виробам із неї завжди надавався езотеричний зміст. А віра в те, що кожна річ, кожне явище, навіть слова, містять у собі камі – божество – пояснює і поява такого виду. прикладного мистецтваяк гохей. Синтоїзм у чомусь схожий на наше язичництво. Для синтоїстів ками поселяється особливо охоче у всьому, що незвичайно. Наприклад, у папері. А тим більше в закрученому в хитромудрий зигзаг гохей, який висить і сьогодні перед входом у синтоїстські святилища і вказує на присутність божества в храмі. Існує 20 варіантів складання гохей, і ті, що складені особливо незвично, приваблюють ками. Переважно гохей білого кольору, але трапляються також золотисті, сріблясті та багатьох інших відтінків. З IX століття у Японії живе звичай зміцнювати гохей на поясах борців сумо перед початком бою.

- Анесама.
Це виготовлення ляльок із паперу. У 19 столітті дружини самураїв робили з паперу ляльки, в які грали діти, переодягаючи їх у різний одяг. За часів, коли не було іграшок, анесама була для дітей єдиним співрозмовником, «виконуючи» роль матері, старшої сестри, дитини та друга.
Лялька згортається з японського паперу васи, волосся робиться з жатого паперу, фарбується тушшю і покривається клеєм, що надає їм глянець. Відмінною рисою є миленький носик на видовженому обличчі. Сьогодні ця проста, що не вимагає нічого, крім вмілих рук, традиційна за формою іграшка продовжує виготовлятися так само, як і раніше.

- орігамі.
Стародавнє мистецтво складання фігурок з паперу (яп. зачіски, літер.: «Складений папір»). Мистецтво орігамі своїм корінням сягає давній Китай, де і було винайдено папір. Спочатку орігамі використовувалося у релігійних обрядах. Довгий часцей вид мистецтва був доступний лише представникам вищих станів, де ознакою гарного тону було володіння технікою складання з паперу. Тільки після Другої світової війни орігамі вийшло за межі Сходу і потрапило до Америки та Європи, де відразу набуло своїх шанувальників. Класичне орігамі складається із квадратного аркуша паперу.
Існує певний набір умовних знаків, необхідних для того, щоб замалювати схему складання навіть найскладнішого виробу. Більша частина умовних знаків була введена в практику в середині XX століття відомим японським майстром Акірою Йосідзавою.
Класичне орігамі наказує використання одного квадратного рівномірно забарвленого аркуша паперу без клею та ножиць. Сучасні форми мистецтва іноді відходять від цього канону.

- Киригамі.
Киригамі - мистецтво вирізування різних фігур із складеного у кілька разів аркуша паперу за допомогою ножиць. Вид орігамі, в якому допускається використання ножиць та розрізання паперу у процесі виготовлення моделі. Це основна відмінність киригами від інших технік складання паперу, що підкреслено в назві: 切и (кіру) - різати, чі (гамі) - папір. Всі ми в дитинстві любили вирізати сніжинки – варіант киригами, вирізати в такій техніці можна не лише сніжинки, а й різні фігурки, квіточки, гірлянди та інші милі речі з паперу. Ці вироби можна використовувати як трафарети для принтів, прикраси альбомів, листівок, фоторамок, дизайн одягу, інтер'єру та іншого різного декорування.

- Ікебана.
Ікебана, (яп 生け花 або いけばな) у перекладі японської мови- Іке” – життя, “бана” – квіти, або “квіти, які живуть”. Японське мистецтво аранжування квітів - одна з найкрасивіших традицій японського народу. При складанні ікебану поряд з квітами використовуються зрізані гілки, листя і пагони. Основним є принцип вишуканої простоти, для досягнення якого намагаються підкреслити природну красурослин. Ікебана це створення нової природної форми, в якій гармонійно поєднуються краса квітки і краса душі майстра, що створює композицію.
Сьогодні в Японії існують 4 найбільші школи ікебану: Ікенобо (Ikenobo), Корю (Koryu), Охара (Ohara), Согецу (Sogetsu). Крім них є ще близько тисячі різних напрямків і течій, які дотримуються однієї з цих шкіл.

- Орібан.
У середині 17 століття з ікенобо відійшли дві школи охара (основна форма ікебани – орибану) та корю (основна форма – сека). До речі, школа охара досі вивчає лише орібану. Як кажуть японці, дуже важливо, щоб орігамі не перетворилося на орігамі. Гомі японською означає сміття. Адже як буває, склав папірець, а далі що з нею робити? Орибана пропонує багато ідей букетів для прикраси інтер'єру. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Помилена.
Вигляд образотворчого мистецтва, народженого флористикою. У нас флористика з'явилася вісім років тому, хоча у Японії існує понад шістсот років. Колись у середні віки самураї осягали шлях воїна. І помилена була частиною цього шляху, такою самою, як написання ієрогліфів та володіння мечем. Сенс помиляний полягав у тому, що в стані тотальної присутності в моменті (саторі) майстер створював картину із сухоцвітів (пресованих квітів). Потім ця картина могла служити ключем, провідником для тих, хто був готовий увійти в безмовність і пережити те саме саторі.
Суть мистецтва "помилена" полягає в тому, що, збираючи та засушуючи під пресом квіти, трави, листя, кору та наклеюючи їх на основу, автор створює за допомогою рослин справді твір "живопису". Інакше кажучи, помилана - це живопис рослинами.
Художня творчість флористів заснована на збереженні форми, кольору та фактури рослинного засушеного матеріалу. Японці розробили методику запобігання картин «помилка» від вигоряння та потемніння. Суть її в тому, що між склом та картиною відкачується повітря та створюється вакуум, який не дає рослинам псуватися.
Приваблює як нетрадиційність цього мистецтва, а й можливість проявити фантазію, смак, знання властивостей рослин. Флористи виконують орнаменти, пейзажі, натюрморти, портрети та сюжетні картини.

- Бонсай.
Бонсай, як явище, з'явився понад тисячу років тому в Китаї, проте пік свого розвитку ця культура досягла лише в Японії. (бонсаї - яп. 盆栽 букв. «Рослина в горщику») - мистецтво вирощування точної копіїсправжнього дерева в мініатюрі. Ці рослини вирощувалися буддійськими ченцями, за кілька століть до нашої ери і згодом перетворилися на одне із занять місцевої знаті.
Бонсаї прикрашали японські будинки та сади. В епоху Токугава парковий дизайн отримав новий поштовх: вирощування азалій і кленів стало проведенням багатих людей. Карликове рослинництво (хаті-но-ки - «дерево в горщику») теж розвивалося, але бонсаї того часу були дуже великими.
Зараз для бонсаї використовуються звичайні дерева, маленькими вони стають завдяки постійним підрізкам та різним іншим методам. При цьому співвідношення розмірів кореневої системи, обмеженої обсягом миски, і наземної частини бонсай відповідає пропорціям дорослого дерева в природі.

- Мідзухікі.
Аналог макраме. Це стародавнє японське прикладне мистецтво зав'язування різних вузлів із спеціальних шнурів та створення візерунків із них. Подібні витвори мистецтва мали надзвичайно широку сферу застосування - від подарункових листівок та листів до зачісок та сумочок. В даний час мідзухікі надзвичайно широко використовується в індустрії подарунків - до кожної події в житті належить подарунок, загорнутий і пов'язаний певним чином. Вузлів та композицій у мистецтві мідзухіки існує надзвичайно багато і далеко не кожен японець знає їх усе напам'ять. Звичайно, існують найпоширеніші і найпростіші вузли, які використовуються найчастіше: при поздоровленні з народженням дитини, на весілля чи поминки, день народження чи вступ до університету.

- Куміхімо.
Куміхімо - це японське плетіння шнурків-кісок. При переплетенні ниток виходять тасьми та шнурочки. Плетуть ці шнурки на спеціальних верстатах - Марудай та Такадай. Верстат Марудай використовується для плетіння круглих шнурків, а Такадай – плоских. Куміхімо в перекладі з японської означає «плетіння мотузок» (kumi - плетіння, складання разом, himo - мотузка, шнурок). Незважаючи на те, що історики завзято наполягають, ніби подібне плетіння можна зустріти у скандинавів та мешканців Анд, японське мистецтво куміхімо — справді одне з найдавніших видів плетіння. Перша згадка про нього відноситься до 550 року, коли буддизм поширився по всій Японії та спеціальні церемонії вимагали спеціальних прикрас. Пізніше шнурки куміхімо стали використовувати як фіксатор пояса обидва на жіночому кімоно, як мотузок для «упаковки» всього самурайського арсеналу зброї (куміхімо самураї використовували в декоративних і функціональних цілях, щоб зав'язувати свої обладунки та обладунки коня) а також для зв'язування.
Різноманітні візерунки сучасних куміхімо плетуться дуже легко на саморобних верстатах з картону.

- Комоно.
Що залишається від кімоно після того, як воно відслужило свій термін? Думаєте, його викидають? Нічого подібного! Японці так не зроблять ніколи. Кімоно річ дорога. Ось так просто викинути її немислимо і неможливо… Поряд з іншими видами вторинного використання кімоно, з дрібних клаптиків майстрині робили маленькі сувеніри. Це і маленькі іграшки дітям, лялечки, брошки, гірлянди, жіночі прикраси та інші вироби, старе кімоно використовується при виготовленні маленьких милих дрібниць, які узагальнено називаються «комоно». Дрібниці, які житимуть власним життямпродовжуючи шлях кімоно. Це означає слово «комоно».

- Канзаші.
Мистецтво прикраси шпильок для волосся (найчастіше прикрашалися квітами (метеликами тощо) з тканини (в основному шовк). Японська канзаші (kanzashi) - це довга шпилька для традиційної японської жіночої зачіски. Вони робилися з дерева, лаку, срібла, черепахового панцира Приблизно 400 років тому, в Японії змінився стиль жіночої зачіски: жінки перестали зачісувати волосся в традиційній формі - taregami (довге пряме волосся) і стали вкладати їх у вигадливі та химерні форми - nihongami. використовували різні предмети - шпильки, палички, гребені.Саме тоді навіть проста гребінець kushi перетворюється на витончений незвичайної краси аксесуар, який стає справжнім витвором мистецтва.Японський жіночий традиційний костюм не допускав наручних прикрас і намист, тому прикраси зачісок були головною красоюі полем для самовираження - а також демонстрації смаку та товщини гаманця власниці. На гравюрах можна бачити – якщо придивитися – як японки запросто навішували у свої зачіски до двадцяти дорогих канзашів.
В даний час спостерігається відродження традицій використовувати канзаші серед молодих японських жінок, які бажають додати вишуканості та елегантності своїм зачіскам, сучасні шпильки можуть бути прикрашені лише одним-двома витонченими рукоділлями.

- Кінусайга.
Дивовижні вид рукоділля з Японії. Кінусайга (kinusaiga, 絹彩画) це щось середнє між батиком і клаптиковим гаптуванням. Основна ідея полягає в тому, що зі старих шовкових кімоно по шматочках збирають нові картини – справжні витвори мистецтва.
Спочатку митець робить ескіз на папері. Потім цей малюнок перекладається на дерев'яну дошку. Контур малюнка прорізається жолобками, або канавочками, а потім зі старого шовкового кімоно нарізаються маленькі клаптики, що підходять за кольором і тоном, і краї цих клаптиків заповнюють канавки. Коли дивишся на таку картину, виникає відчуття, що дивишся на фотографію, або навіть просто спостерігаєш пейзаж за вікном, вони настільки реалістичні.

- Темарі.
це традиційні японські геометрично вишиті кулі, виконані найпростішими стібками, які колись були дитячою іграшкою, а тепер стали формою прикладного мистецтва, що має безліч шанувальників не тільки в Японії, а й у всьому світі. Вважається, що давно дані вироби виготовлялися дружинами самураїв для розваги. На самому початку вони дійсно використовувалися як куля для гри в м'яч, але крок за кроком почали набувати художніх елементів, перетворившись пізніше на декоративні прикраси. Ніжна краса цих куль відома по всій Японії. І сьогодні барвисті, ретельно виготовлені вироби є одним із видів народних промислів Японії.

– Юбінуки.
Японські наперстки, при ручному гаптуванні або вишивці їх надягають на середню фалангу середнього пальця робочої руки, за допомогою кінчиків пальців голці надається потрібний напрямок, а кільцем на середньому пальці голка проштовхується в роботі. Спочатку японські наперстки юбінуки виготовлялися досить просто - смужка щільної тканини або шкіри шириною близько 1 см у кілька шарів щільно оберталася навколо пальця і була разом скріплена декількома простими декоративними стібками. Оскільки юбінуки були необхідним предметому кожному будинку їх почали прикрашати геометричною вишивкою шовковими нитками. З переплетення стібків створювалися барвисті та складні візерунки. Юбінуки із простого предмета побуту перетворився також і на предмет для "любування", прикраси повсякденного життя.
Юбінуки все ще використовуються при шитті та вишивці, але крім цього їх можна зустріти і просто носити на руках на будь-якому пальці, як декоративні кільця. Вишивкою в стилі юбінуки прикрашають різні предмети у формі кільця - кільця для серветок, браслети, підставки для темарі, прикрашені вишивкою юбінуки, ще в такому стилі бувають вишиті голки. Ізори юбінуки можуть бути чудовим джерелом натхнення для вишивки обидва темарі.

- Суйбокуга чи суміє.
японський живопис тушшю. Цей китайський стиль живопису був запозичений японськими художниками у XIV ст., а до кінця XV ст. перетворився на основний напрямок живопису Японії. Суйбокуга монохромна. Вона характеризується використанням чорної туші (сумі), твердої форми. деревного вугілляабо китайської туші, що виробляється з сажі, яка розтирається в тушковиці, розбавляється водою і наноситься пензлем на папір або шовк. Монохромність пропонує майстру нескінченний вибір тональних варіантів, які китайці давним давно визнали «квітами» туші. Суйбокуга іноді допускає використання справжніх кольорів, але обмежує його тонкими прозорими мазками, які завжди залишаються підлеглими лінії, виконаною тушшю. Живопис тушшю поділяє з мистецтвом каліграфії такі суттєві характеристики, як жорстко контрольована експресія та технічну майстерність форми. Якість живопису тушшю зводиться, як і в каліграфії, до цілісності та опору на розрив проведеної тушшю лінії, яка ніби тримає на собі витвір мистецтва, подібно до того, як кістки тримають на собі тканини.

- Етегамі.
Боку звернено листівки (е - картина, тегамі - лист). Створення листівок своїми руками – взагалі дуже популярне заняття в Японії, а перед святом його популярність ще зростає. Японці люблять надсилати листівки своїм друзям, і отримувати їх також люблять. Це вид швидкого листа на спеціальних заготовках, його можна відправити поштою без конверта. У тегах немає спеціальних правил або технік, це може будь-яка людина без спеціальної підготовки. Етагами допомагає точно виразити настрій, враження, це листівка зроблена своїми руками, що складається з картини і короткого листа, що передає емоції відправника, такі як теплоту, пристрасть, турботу, любов і т.д. Шлють ці листівки на свята і просто так, зображуючи сезони, дії, овочі та фрукти, людей та тварин. Чим простіше намальована ця картина, тим цікавішою вона виглядає.

- Фурошики.
Японська техніка упаковки чи мистецтво складання тканини. Фурошики увійшли до побуту японців давно. Збереглися стародавні сувої періодів Камакура-Муроматі (1185 - 1573 рр.) із зображеннями жінок, що несуть на головах упаковані у тканині зв'язки одягу. Ця цікава техніка зародилася ще 710 - 794 нашої ери Японії. Слово "фурошики" буквально перекладається як "лазневий килимок" і є квадратним шматком тканини, який використовувався для загортання і перенесення предметів будь-яких форм і розмірів.
За старих часів у японських лазнях (фуро) було прийнято ходити у легких бавовняних кімоно, які відвідувачі приносили з собою з дому. Купальник також приносив спеціальний килимок (шики), на якому стояв, поки роздягався. Переодягнувшись у "банне" кімоно, відвідувач обертав свій одяг килимком, а після лазні загортав у килимок мокре кімоно, щоб донести його до будинку. Таким чином, килимок для лазні перетворився на багатофункціональну сумку.
Фурошики дуже зручний у застосуванні: тканина набуває форми предмета, який ви завертаєте, а ручки дозволяють легко перенести вантаж. Крім того, подарунок, загорнутий не в жорсткий папір, а в м'яку, багатошарову тканину, набуває особливої виразності. Існує безліч схем складання фурошики на будь-які випадки життя, повсякденні чи святкові.

- Амігурумі.
Японське мистецтво в'язання на спицях або гачком маленьких м'яких звірят і людиноподібних істот. Амігурумі (яп. човни, букв.: «в'язане-загорнуте») - це найчастіше симпатичні тварини (такі як ведмедики, зайчики, кішечки, собачки та ін), чоловічки, але це можуть бути і неживі об'єкти наділені людськими властивостями. Наприклад, кекси, капелюхи, сумочки та інші. Амігурумі в'яжуть або спицями або гачком. У Останнім часомамігурумі пов'язані гачком стали популярнішими і частіше зустрічаються.
в'яжуться із пряжі простим способом в'язання - по спіралі і, на відміну від європейського способу в'язання, кола зазвичай не з'єднуються. Вони також в'яжуться гачком меншого розміру щодо товщини пряжі, щоб створити дуже щільну тканину без будь-яких зазорів, через які може вилізти набивний матеріал. Амігурумі часто роблять із частин і потім їх з'єднують, виняток становлять деякі амігурумі, які не мають кінцівок, а мають тільки голову та тулуб, які становлять одне ціле. Кінцівки іноді наповнюються пластмасовими шматочками, щоб надати їм живої ваги, тоді як решта тіла наповнюється волоконним наповнювачем.
Поширенню естетики амігурумі сприяє їх миловидність (кавайність).

Сьогоднішній світ часто звинувачують у духовній кризі, у руйнуванні зв'язків із традиціями, у глобалізації, що неминуче поглинає національні основи. Все персоніфікується та знеособлюється одночасно. Якщо так зване класичне мистецтвоми могли поділити на національні школиі уявити, що є італійське мистецтво, що є німецьке мистецтво, а що є французьке; то чи можемо ми розділити сучасне мистецтво такі самі “школи”?

У відповіді на поставлене запитання мені хотілося б представити вашій увазі японське сучасне мистецтво. На конференції в Художньому музеї Морі на тему інтернаціоналізму в сучасному мистецтві минулого року професор Токійського університету Мічіо Хаясі припустив, що популярне сприйняття "японськості" на Заході закріпилося в 1980 році триєдністю "кітча", "природності" та "технологічної складності". Сьогодні популярне і особливо комерційно популярне сучасне мистецтво Японії досі може бути поміщене в цей трикутник. Для західного глядача воно залишається загадковим і оригінальним у силу специфічних особливостей, властивих лише мистецтву Японії. У серпні одразу на трьох арт-майданчиках зустрілися Захід і Схід: до 8 серпня проходила виставка "Дуальність існування - Пост - Фукусіма" на Манхеттені (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), експозиція "teamLab: Ультра Суб'є" серпня практично поруч (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); а "Цикл "Архати"" Такасі Муракамі в Палаццо Реалі, в Мілані, досі продовжує підкорювати та дивувати відвідувачів.

Усі представлені твори було створено після 11 березня 2011 року, коли на Японію обрушилося цунамі. Ядерна катастрофа на АЕС Фукусіма згуртувала націю, змусила переглянути пріоритети та цінності, і знову звернутися до давно забутих традицій. Мистецтво не могло залишитися осторонь і уявило світові новий типхудожника, орієнтованого на потреби сучасного глядача, і в той же час шанує традиції і цінності, що історично склалися.

Такасі Муракамі - комерційно успішний художник, що популяризував техно-кітч і створив нову візуальну мову superflat, що базується на традиціях японського живопису нихонгу та специфіці аніме та манга. Ідеологія його скульптур, що тиражуються, і епатажних інсталяцій полягала в демонстрації зміни Японії після війни, коли споживання стало превалюючим. Але 11 березня 2011 року розділило життя Японії на “до” та “після”, подібно до двох страшних серпневих днів 1945 року, коли були скинуті ядерні бомби на Хіросіму та Нагасакі. Після того сильного землетрусу, що спричинило жахливі наслідки, Муракамі став на шлях переосмислення буддизму і японської естетики, зробив крок у бік повернення до витоків і духовності. Перша робота, яка започаткувала цикл «Архати», – «500 архатів», показана на персональній виставці Такасі Муракамі в Досі, Катар, в 2012 році. Повернення до буддійської тематики пояснюється автором спробою усвідомлення, що в цьому світі є не тільки ми, що є сили, які від нас незалежні, і що ми повинні вдосконалюватися щоразу, щоб перестати бути залежними від власних бажаньта афектів. Щільна стіна архатів, що ніби захищають глядачів від бурхливих стихій протягом усіх 100 метрів полотна, вселяла в душу кожного умиротворення та спокій. Але Муракамі не обмежився лише однією роботою і продовжив цикл картин, доповнивши і розгорнувши розповідь, наче застосовуючи прийом манга і розповідаючи історію візуальному оформленні. Друга частина циклу була представлена у галереї Blum & Poe ( Лос Анджелес) в 2013 році. Сьогодні ж у Мілані архати втретє мандрують світом, поширюючи ідею повернення до духовності та відмови від афектів. Незважаючи на повчальність і глибину сенсу, картини легко сприймаються через сміливе та яскраве колористичне рішення, самого художньої мови. Елементи манга привнесли до них необхідну частку популяризації, щоб трансльовані ідеї буддизму були легко прочитані і сприйняті навіть непосвяченою публікою.

Наступним представником сучасного японського живопису можна назвати Казукі Умезава, учня Муракамі, що повертає нас до питання школи і наступності. Він створює цифрову візуалізацію аніме персонажів, малюючи їх поверх наклейок, щоб створити додаткову глибину та зоровий хаос. З випадкових і розкиданих по всьому Інтернету зображень він конструює колажі, ламає фони, створюючи мандали, що відображають структуру та уяву отаку (фанати аніме та манга). Звернення до буддійського символу посилює семантичну цінність робіт молодого художника, поєднуючи, з одного боку, сакральне і усталене в культурі, з іншого боку, сучасну проблематику, але з включенням специфічно-японського феномена – аніме.

Такасі Муракамі та Казукі Умезава вміло балансують між актуальністю та традиційністю, кітчем та стилем.

Дивно, що після землетрусу 11 березня 2011 року в Японії 16-річний хлопчик, який упродовж дев'яти днів перебував у пастці під уламками свого будинку та був врятований, на запитання журналіста про мрії на майбутнє відповів: “я хочу стати художником”.

posted by: chernov_vlad in

Тадасу Такаміне. "Боже, зберігай Америку", 2002. Відео (8 хв. 18 сек.)

Подвійна перспектива: Сучасне мистецтво Японії
Куратори Олена Яїчникова та Кендзіро Хосака

Частина перша: "Реальність/Звичайний світ".Московський музей сучасного мистецтва, гір. Москва, Єрмолаєвський пров., д. 17
Частина друга: «Уявний світ/Фантазії».Московський музей сучасного мистецтва, гір. Москва, Гоголівський бульвар, 10

Московський музей сучасного мистецтва разом із Японським фондом представляють виставку «Подвійна перспектива: Сучасне мистецтво Японії», покликану познайомити широку публіку із сучасними японськими художниками.
Подвійна перспектива — це два куратори з різних країн, два майданчики музею та двочастинна структура проекту. Виставка, що курується Оленою Яїчниковою і Кендзіро Хосака, об'єднує роботи понад 30 художників різних напрямків, які працювали з 70-х років XX століття до теперішнього часу. Проект складається з двох частин — «Реальний світ/Повсякденність» та «Уявний світ/Фантазії», які розташовані на майданчиках музею на Єрмолаївському провулку, 17 та Гоголівському бульварі, 10.

Хіраки Сава. "Житло", 2002. Одноканальне відео (стереозвук), 9 хв. 20 сек.
Courtesy: Ota Fine Arts, Токіо

Частина перша: «Реальність/Звичайний світ»

У першій частині виставки «Реальний світ/Повсякденність» представлений погляд японських художників на навколишній світ через звернення до світової історії 20 століття (Ясумаса Морімура, Йосинорі Ніва та Юкен Теруя), роздуми про пристрій сучасного суспільства(Dumb Type та Тадасу Такаміне), взаємодія з міським простором (contact Gonzo та ChimPom) та пошуки поезії у повсякденності (Cімабуку, Цуєсі Одзава, Кохей Кобаясі та Тецуя Умеда). Ясумаса Морімура в серії відеоробіт «Реквієм» перетворюється на різних історичних персонажів: Чапліна, письменника Юкіо Місіму і навіть Леніна - і відтворює епізоди з їхнього життя Інший учасник проекту Тецуя Умеда створює інсталяції з підручних засобів, звичайних речей — таким чином мистецтвом стає найбанальніша повсякденність. На виставці будуть показані роботи Йоко Оно - знаменита Cut Piece у версії 1965 і 2003 років і звукова інсталяція Cough Piece (1961). Виставка презентує твори Кісіо Суга — одного з центральних представників руху Моно-Ха (Mono-Ha, у перекладі «Школа речей»), який запропонував японську альтернативу західному модернізму. Фото-секція представить роботи Тосіо Сібата, Такасі Хомма та Ліеко Сіга.

Яю Кусама. "Я тут, але ніде", 2000. Змішана техніка. Інсталяція в Maison de la culture du Japon, Париж.
Збори автора

Твори, що становлять другу частину проекту, представлять публіці вільний, уявний світ, у якому існують усе те, що ми не здатні розглянути в реальному житті, все те, що знаходиться за її межами. Роботи художників цієї частини виставки відсилають до японської поп-культури, світу фантазій, наївності, міфів та роздумів про космогонічний устрій світу. Кожен учасник виставки вкладає у поняття «уяву» свій власний зміст. Так художник Таданорі Екоо у своїх відносинах із уявним світом робить головною темоюсвоїх робіт зникнення, а точніше самозникнення. Схожий мотив простежується й у творчості Яєй Кусама: проеціюючи свої фантазії на реальність, вона створює світ, сповнений химерних візерунків. Гігантську скульптуру «Дитя сонця» (2011) роботи Кендзі Янобе було створено у страшний час, коли стався вибух на атомній електростанції «Фукусіма-1». Його монументальний об'єкт стає точкою перетину уяв. Художник розуміє, що досвід, пережитий на межі реального, стане поштовхом до створення нового світу. У частині «Уявний світ/Фантазії» також представлені роботи Есітомо Нара, Такасі Муракамі, Макото Айда, Хіракі Сава та багатьох інших.
Деякі роботи було створено спеціально для виставки. Художник Ёсинорі Нива для свого проекту «У московських квартирах розшукується Володимир Ленін» (2012) приїжджав до Москви для того, щоб знайти артефакти, пов'язані з особистістю революціонера у квартирах москвичів. Його робота — це відеодокументація його пошуків та подорожей Москвою. Художник Тецуя Умеда, чиї роботи будуть представлені одночасно на двох майданчиках, приїде до Москви для того, щоб продати свої інсталяції на місці.
Ці дві, на перший погляд, непорівнянні частини виставки покликані показати два полюси японського мистецтва, які насправді виявляються невіддільні один від одного.
В рамках виставки також планується проведення відкритих майстер-класів та творчих зустрічейіз учасниками проекту. Пройдуть лекції японського куратора Кендзіро Хосака та художника Кендзі Янобе. Для Росії ця виставка вперше у подібному масштабі представляє сучасне японське мистецтво.

Есітомо Нара. "Льодяниково-синя ніч", 2001. 1166,5 х 100 см. Полотно, акрил
Фото: Ёсітака Утіда