Головна › Тест-Драйви › Мистецтво доби відродження. Культура та мистецтво епохи відродження - реферат Твори мистецтва в епоху відродження есе

Мистецтво доби відродження. Культура та мистецтво епохи відродження - реферат Твори мистецтва в епоху відродження есе

Епоха відродження відноситься за деякими даними до XIV – XVII ст. за іншими – до XV – XVIII ст. Існує так само думка не виділяти відродження як епоху, а вважати його пізнім середньовіччям. Це період кризи феодалізму та розвитку буржуазних відносин в економіці та ідеології. Термін відродження (Реннесанс) запроваджено у тому, щоб показати, що у цю епоху відроджувалися найкращі цінності та ідеали античності, знищені варварами (архітектура, скульптура, живопис, філософія, література), але це термін трактувався дуже умовно, т.к. не можна реставрувати все минуле. Це не відродження минулого у чистому вигляді – це створення нового з використанням багатьох духовних та матеріальних цінностей античності. До того ж, не можна було викреслити цінності дев'яти століть середньовіччя, особливо духовні цінності, пов'язані з християнством. Відродження є синтез античних і середньовічних традицій, але більш рівні. На кожному етапі цієї епохи домінуючим був певний напрямок. Якщо це був «прометеїзм», тобто. ідеологія, що передбачає рівність всіх людей від природи, а також визнання приватного інтересу та індивідуалізму. Далі з'являються нові соціальні теорії, що відбивають дух часу, і чільну роль займає теорія гуманізму. Гуманізм епохи відродження орієнтований на вільнодумство і, відповідно, на справедливий устрій суспільної та державного життя, яке найчастіше передбачається досягати на демократичних засадах у межах республіканського ладу. Зміни зазнають також погляди релігію. Знову стає популярною натурфілософія і широке поширення набуває «пантемізм» (вчення, що заперечує бога як особистість і наближає його до природи). Останнім періодом Відродження є епоха Реформації, завершуючи цей величезний прогресивний переворот у розвитку європейської культури. Зазвичай історичне значення Відродження пов'язують з ідеями та художніми досягненнями гуманізму, що проголосив на противагу середньовічному християнському аскетизму велич та гідність людини. Його право на розумну діяльність, на насолоди та щастя у земному житті. Гуманісти бачили в людині найбільш прекрасний і досконалий витвір Бога. Вони поширили на людину властиві Богу творення, творчі здібності, бачили його призначення у пізнанні та перетворенні світу, прикрашеного своєю працею, у розвитку наук, ремесел. Почавшись у Німеччині, Реформація охопила низку європейських країн і призвела до відпаду від католицької церкви Англії, Шотландії, Данії, Швеції, Норвегії, Нідерландів, Фінляндії, Швейцарії, Чехії, Угорщини, частково Німеччини. Це широке релігійне і соціально-політичне рух, що розпочалося на початку 16 століття Німеччині і спрямоване перетворення християнської релігії.

Епоха відродження відноситься за деякими даними до XIV - XVII ст. за іншими – до XV – XVIII ст. Існує так само думка не виділяти відродження як епоху, а вважати його пізнім середньовіччям. Це період кризи феодалізму та розвитку буржуазних відносин в економіці та ідеології. Термін відродження (Реннесанс) запроваджено у тому, щоб показати, що у цю епоху відроджувалися найкращі цінності та ідеали античності, знищені варварами (архітектура, скульптура, живопис, філософія, література), але це термін трактувався дуже умовно, т.к. не можна реставрувати все минуле. Це не відродження минулого у чистому вигляді – це створення нового з використанням багатьох духовних та матеріальних цінностей античності. До того ж не можна було викреслити цінності дев'яти століть середньовіччя, особливо духовні цінності, пов'язані з християнством. Відродження є синтезом античних і середньовічних традицій, але на вищому рівні. На кожному етапі цієї епохи домінуючим був певний напрямок. Якщо це був «прометеїзм», тобто. ідеологія, що передбачає рівність всіх людей від природи, а також визнання приватного інтересу та індивідуалізму. Далі з'являються нові соціальні теорії, що відбивають дух часу, і чільну роль займає теорія гуманізму. Гуманізм епохи відродження орієнтований на вільнодумство і, відповідно на справедливий устрій суспільного та державного життя, який найчастіше передбачається досягати на демократичних засадах у рамках республіканського ладу. Зміни зазнають також погляди на релігію. Знову стає популярною натурфілософія і поширення набуває «пантемізм» (вчення, що заперечує бога як особистість і наближає його до природи). Останнім періодом Відродження є епоха Реформації, завершуючи цей найбільший прогресивний переворот у розвитку європейської культури. Зазвичай історичне значення Відродження пов'язують з ідеями та художніми досягненнями гуманізму, що проголосив на противагу середньовічному християнському аскетизму велич та гідність людини. Його право на розумну діяльність, на насолоди та щастя у земному житті. Гуманісти бачили в людині найбільш прекрасний і досконалий витвір Бога. Вони поширили на людину властиві Богу творення, творчі здібності, бачили його призначення у пізнанні та перетворенні світу, прикрашеного своєю працею, у розвитку наук, ремесел. Почавшись у Німеччині, Реформація охопила низку європейських країн і призвела до відпаду від католицької церкви Англії, Шотландії, Данії, Швеції, Норвегії, Нідерландів, Фінляндії, Швейцарії, Чехії, Угорщини, частково Німеччини. Це широке релігійне і соціально-політичне рух, що розпочалося на початку 16 століття Німеччині і спрямоване перетворення християнської релігії.

Контрольна робота з дисципліни: «Культурологія»

на тему: «Культура епохи Відродження (Ренесансу)»

Виконав:

Студентка

Санкт-Петербург 2008

Вступ

1. Культура Відродження

2. Мистецтво відродження

3. Поезія епохи Відродження

4. Театр епохи Відродження

Висновок

Вступ

Епоха Відродження – дуже важливий етап розвитку європейської культури. Хронологічно входить до середньовічну історію європейських народів, що виникла у надрах феодальної культури, Відродження відкриває принципово нову культурну епоху, знаменуючи собою початок боротьби буржуазії за панування у суспільстві.

На цій ранній стадії розвитку буржуазна ідеологія була ідеологією прогресивною і відображала інтереси не тільки самої буржуазії, але і всіх інших класів і станів, що знаходилися в підпорядкуванні феодальної структури відносин, що зживає себе.

Епоха Відродження - це період розгулу Інквізиції, розколу католицької церкви, жорстоких воєн та народних повстань, що відбувалися на тлі формування буржуазного індивідуалізму.

Культура Ренесансу зародилася у другій половині XIV ст. І продовжувала розвиватися протягом XV та XVI ст., поступово охоплюючи одну за одною усі країни Європи. Виникнення культури Відродження було підготовлено низкою загальноєвропейських та локальних історичних умов.

У XIV – XV ст. зароджувалися ранньокапіталістичні, товарно-грошові відносини. Однією з перших вступила цей шлях Італія, чому значною мірою сприяли: високий рівень урбанізації, підпорядкування села місту, широкий розмах ремісничого провадження, фінансової справи, орієнтованих як на внутрішній, а й зовнішній ринок.

Складання нової культури було підготовлено і суспільною свідомістю, змінами настроїв різних соціальних верств ранньої буржуазії. Аскетизм церковної моралі в епоху активного торгово-промислового та фінансового підприємництва серйозно розходився з реальною життєвою практикою цих соціальних верств з їх прагненням до мирських благ, накопичення, потягом до багатства. У психології купецтва, ремісничої верхівки чітко проступали риси раціоналізму, розважливості, сміливості у ділових починаннях, усвідомлення особистих здібностей та широких можливостей. Складалася мораль, яка виправдовує «чесне збагачення», радості мирського життя, вінцем успіху якого вважалися престиж сім'ї, повага співгромадян, слава у пам'яті нащадків.

Термін «Відродження» (Ренесанс) виник XVI столітті. Термін «Відродження» означав спочатку не так назву всієї епохи, скільки самий момент виникнення нового мистецтва, який приурочувався зазвичай до початку XVI століття. Лише пізніше поняття це набуло ширшого сенсу і позначало епоху, як у Італії, та був та інших країнах сформувалася і розквітла опозиційна феодалізму культура. Енгельс охарактеризував Відродження як «найбільший прогресивний переворот із усіх, пережитих на той час людством».

1. Культура Відродження

XIII - XVI століття були часом великих змін в економіці, політичному та культурному житті європейських країн. Бурхливе зростання міст і розвиток ремесел, а пізніше і зародження мануфактурного виробництва, підйом світової торгівлі, що залучало до своєї орбіти дедалі більш віддалені райони поступове розміщення головних торгових шляхів із Середземномор'я на північ, яке завершилося після падіння Візантії та великих географічних відкриттів кінця XV і початку XVI століття , Змінили вигляд середньовічної Європи. Майже повсюдно тепер висуваються першому плані міста. Колись наймогутніші сили середньовічного світу – імперія та папство – переживали глибоку кризу. У XVI столітті Священна Римська імперія, що розпадалася, німецької нації стала ареною двох перших антифеодальних революцій - Великої селянської війни в Німеччині та Нідерландського повстання. Перехідний характер епохи, що відбувається у всіх сферах життя процес звільнення від середньовічних пут і разом з тим ще нерозвиненість капіталістичних відносин, що стають, не могли не позначитися на особливостях художньої культури та естетичної думки того часу.

Усі зміни у житті суспільства супроводжувалися широким оновленням культури - розквітом природничих і точних наук, літератури національними мовами і, особливо, образотворчого мистецтва. Зародившись у містах Італії, це оновлення захопило потім інші європейські країни. Поява друкарства відкрила небачені можливості для поширення літературних та наукових творів, а регулярніше і тісне спілкування між країнами сприяло повсюдному проникненню нових художніх течій.

Не означає, що середньовіччя відступило перед новими віяннями: у масовій свідомості традиційні уявлення зберігалися. Протистояла новим ідеям церква, використовуючи середньовічний засіб – інквізицію. Ідея свободи людської особистостіпродовжувала існувати у суспільстві, поділеному на стани. Не зникала остаточно феодальна форма залежності селян, а деяких країнах (Німеччини, у Європі) відбулося повернення до кріпацтва. Феодальна система виявляла досить велику життєстійкість. Кожна європейська країна зживала її по-своєму та у своїх хронологічних рамках. Капіталізм довгий часіснував як уклад, охоплюючи лише частину виробництва й у місті, й у селі. Проте, патріархальна середньовічна повільність стала відступати у минуле.

Величезну роль цьому прориві зіграли Великі географічні відкриття. У 1456 португальські кораблі досягли Зеленого мису, а в 1486 р. експедиція Б. Діаса обігнула Африканський континент з півдня, пройшовши мис Доброї Надії. Освоюючи узбережжя Африки, португальці одночасно посилали кораблі у відкритий океан, на захід та південний захід. В результаті на картах з'явилися невідомі раніше Азорські острови та острови Мадейра. У 1492 р. відбулася велика подія - Х. Колумб, італієць, що перебрався до Іспанії, у пошуках шляху до Індії перетнув Атлантичний океан і висадився біля Багамських островів, відкривши новий континент - Америку. У 1498 р. іспанський мандрівник Васко да Гама, обійшовши Африку, успішно привів свої кораблі до берегів Індії. З XVI ст. європейці проникають до Китаю та Японії, про які раніше мали лише найнеясніше уявлення. З 1510 починається завоювання Америки. У XVII ст. була відкрита Австралія. Змінилося уявлення про форму землі: кругосвітня подорож португальця Ф. Магеллана (1519-1522) підтвердила здогад про те, що вона має форму кулі.

2. Мистецтво відродження

Мистецтво античності становить одну з основ мистецької культури Відродження. Представники Відродження знаходять в античній культурі те, що співзвучне з їхніми власними устремліннями, - прихильність до реальності, життєрадісність, схиляння перед красою земного світуперед величчю героїчного подвигу. Разом з тим, склавшись в інших історичних умовах, ввібравши традиції романського стилю і готики, мистецтво Відродження несе в собі печатку свого часу. Порівняно з мистецтвом класичної давнини духовний світ людини стає все більш складним та багатогранним.

У цей час італійське суспільство починає активно цікавитися культурою Стародавньої Греції та Риму, розшукуються рукописи античних письменників, так було знайдено твори Цицерона та Тіта Лівія.

Малюючи ідеал людської особистості, діячі Відродження підкреслювали її доброту, силу, героїзм, здатність творити та створювати навколо себе новий світ. Високе уявлення про людину було нерозривно пов'язане з ідеєю свободи її волі: особистість сама обирає свій шлях і сама відповідає за свою долю. Цінність людини стала визначатися його особистими достоїнствами, а не становищем у суспільстві: «Благородство, немов якесь сяйво, що походить від чесноти і освітлює її власників, хоч би якого походження вони не були». (З "Книги про благородство" Поджо Браччоліні, італійського гуманіста XV століття).

Епоха Відродження - час великих відкриттів, великих майстрів та його видатних творів. Вона відзначена появою цілої плеяди художників-науковців, серед яких перше місце належить Леонардо да Вінчі. Це був час титанізму, який виявився і в мистецтві, і в житті. Досить згадати героїчні образи, створені Мікеланджело, і їхнього творця (поета, художника, скульптора). Люди, подібні до Мікеланджело або Леонардо да Вінчі, були реальними зразками. безмежних можливостейлюдини.

Образотворче мистецтво в епоху Відродження досягає небаченого розквіту. Це з економічним підйомом, з великим зрушенням, що у свідомості людей, які звернулися до культу земного життя і краси. В епоху Відродження об'єктивне зображення світу було побачене очима людини, тому однією з важливих проблем, які постали перед художниками, була проблема простору.

Художники стали бачити світ інакше: площинні, ніби безтілесні зображення середньовічного мистецтва поступилися місцем тривимірному, рельєфному, опуклому простору. Рафаель Санті (1483-1520 рр.), Леонардо да Вінчі (1452-1519 рр.), Мікеланджело Буонарроті (1475-1564 рр.) оспівували своєю творчістю досконалу особистість, в якій фізична і духовна краса зливаються воєдино у відповідності із вимогами античної естетики. Художники Ренесансу спираються на принципи наслідування природи, використовують перспективу, правило «золотого перерізу» у побудові людського тіла. Леонардо да Вінчі характеризує живопис як «найбільшу науку». Принцип «природовідповідності», прагнення якнайточніше відтворити зображуваний об'єкт, і навіть властивий цьому періоду інтерес до індивідуальності повідомляють тонкий психологізм роботам майстрів Відродження.

Роботи художників стають передплатними, тобто. підкреслено авторськими. Дедалі більше з'являється автопортрет. Безперечною ознакою нової самосвідомості є й те, що художники все частіше ухиляються від прямих замовлень, віддаючись роботі з внутрішнього спонукання. До кінця XIV століття відчутно змінюється і зовнішнє становище митця у суспільстві. Художники починають удостоюватися всіляких суспільних зізнань, посад, почесних та грошових синекур. А Мікеланджело, наприклад, піднесений на таку висоту, що без остраху образити вінценосців він відмовляється від пропонованих йому високих почестей. Йому цілком вистачає прізвисько «божественний». Він наполягає, щоб у листах до нього опускали будь-які титулування, а писали просто Мікеланджело Буонаротті. Генія має ім'я. Звання йому тягар, бо пов'язані з неминучими обставинами і, отже, хоча б із частковою втратою тієї самої свободи від усього, що заважає його творчості. Адже логічна межа, до якої тяжів художник Відродження, - здобуття повної особистої незалежності, припускаючи, зрозуміло, насамперед свободу творчу.

Якщо Мікеланджело можна назвати найгеніальнішим художником Відродження, то Леонардо – найбільшим задумом художника Ренесансу. Мікеланджело матеріалізував дух, а Леонардо одухотворював природу. Якщо Леонардо і Мікеланджело можна як 2 полюса Відродження, його серединою можна назвати Рафаеля. Саме його творчість найповніше висловила всі принципи Відродження, воно вклалося всередині Ренесансу. Мистецтво Рафаеля на всі часи стало символом гармонії, втілило її у собі.

У мистецтві Ренесансу людина стала реальною та незалежною цінністю. У архітектурі це проявляється у олюдненні пропорцій будинків, а й у створенні ідей поверху. В архітектурі особливо велику роль відіграло звернення до класичної традиції. Воно виявилося у відмові від готичних форм і відродженні античної ордерної системи, а й у класичної пропорційності пропорцій, у створенні у храмовому зодчестві центричного типу будинків із легко осяжним простором інтер'єру. Особливо багато нового було створено у галузі цивільного зодчества. В епоху Відродження набувають більш ошатного вигляду багатоповерхові міські будівлі (ратуші, будинки купецьких гільдій, університети, склади, ринки тощо), виникає тип міського палацу (палаццо) - житло багатого бюргера, а також тип заміської вілли. Вирішуються по-новому питання, пов'язані із плануванням міст, реконструюються міські центри. Формується ставлення до архітектури як прояву індивідуального майстерності.

У музиці продовжується розвиток вокальної та інструментальної поліфонії. Особливо помітна нідерландська поліфонічна школа, що склалася в XV столітті, яка грала значну роль у професійній європейській музиці протягом двох століть, аж до появи опери (композитори Ж. Депре, О. Лассо). У світській музиці з'являються нові жанри: фроттолі – пісня народного походження в Італії; вільніско - пісенька на будь-яку тему, від ліричних і пасторальних до історичних та повчальних - в Іспанії; мадригал - вид пісенної лірики, що виконувався рідною мовою. У той же час деякі музичні діячі доводять переваги монадичної музики, на противагу захопленню багатоголосством. З'являються жанри, що сприяють утвердженню гомофонії (одноголосся) – сольна пісня, кантата, ораторія. Розвивається і теорія музики.

3. Поезія епохи Відродження

Говорячи про епоху Відродження як про великий історичний переворот, Ф. Енгельс у передмові до «Діалектики природи» наголошував, що в ході цього перевороту в Європі склалися нації, народилися національні літератури, викувався новий типлюдини. Ця епоха «потребувала титанів» - і «породила титанів за силою думки, пристрасті та характером, але багатосторонності та вченості».

Важко знайти великого діяча культури епохи Відродження, який не писав би віршів. Талановитими поетами були Рафаель, Мікеланджело та Леонардо да Вінчі; вірші писали Джордано Бруно, Томас Мор, Ульріх фон Гуттен, Еразм Роттердамський. Мистецтві писати вірші навчалися у Ронсара принці Франції. Вірші складали римські папи та італійські князі. Навіть екстравагантна авантюристка Марія Стюарт упустила витончені віршовані рядки, прощаючись із Францією, де протікала її весела юність. Ліричними поетами були видатні прозаїки та драматурги. Очевидно, великий переворот мав свій ритм, чітко вловлюваний талановитими людьми, і пульс, що бився. У видимому хаосі історичних подій, що обрушилися на Європу, - у війнах, повстаннях, великих походах за тридев'ять земель, у нових і нових відкриттях - звучала та «музика сфер», той голос історії, який завжди виразний у революційні епохи людям, здатним його почути. Ці нові ритми життя з величезною силою зазвучали в поезії, що народжувалась на нових європейських мовах, які у багатьох випадках набували своп законів саме у зв'язку з діяльністю поетів.

Важливим та загальним моментомдля всієї європейської поезії епохи Відродження було те, що вона відірвалася від співочого мистецтва, а незабаром і від музичного акомпанементу, без якого була немислима народна лірика середньовіччя, а також мистецтво лицарських поетів - трубадурів та мінезінгерів. Ціною зусиль сміливих реформаторів поезія стала областю строго індивідуального творчості, у якому нова особистість, народжена бурях Відродження, розкривала свої відносини коїться з іншими людьми, із суспільством, з природою. Збірники італійських поетів XIV-XV століть ще називаються по-старому: «Пісенники» - «Канцоньєрі», але вірші вже друкуються для виголошення вголос чи читання подумки, заради племені любителів поезії, що збільшувався, забували весь світ над книгою віршів, подібно до юних героїв « Божественної Комедії» Паоло та Франческе.

Проте поезія нового часу допомогла остаточно порвати зв'язок із піснею, особливо народної. Більше того, саме в епоху раннього Відродження всіма країнами Європи прокочується могутня хвиля народної поезії, переважно пісенної. Можна сміливо сказати, що розквіт ліричної поезії цієї пори почався саме з поезії народних мас - селянських і міських, повсюдно у Європі відчували, як наростають їхні сили, їх вплив життя суспільства. Епоха Відродження стала епохою великих народних рухів, що підривали традиції середньовіччя, які сповіщали наступ нового часу.

Глибинні зв'язки народного бунту та критики феодальної ідеології розкриваються у «Баченні Петра Орача», поемі 70-х років XIV століття, що приписується безвісному невдаху Вільяму Ленгленду та переповненою відлунням усної народної творчості. Носієм моральної істини тут виведено трудівник, орач. У XIV столітті, очевидно, склався і сюжетний основний кістяк балад про бунтаря і народного заступника Робіна Гуда, які стали улюбленим народним читанням, як тільки в Англії заробили друковані Верстати.

Своєрідним заповідником балади, де вона існує досі як живий поетичний жанр, стали численні архіпелаги Північної Атлантики зі своїми змішаним населенням переважно датського походження. Датська балада часів Відродження, зразки якої включені у цей том, стала класичним жанром народної поезії Північної Європи.

Починаючи з середини XV століття книгодрукарські верстати викидають безліч видань, розрахованих на широкі кола читачів, зразки народної поезії – пісні, романси, загадки, а також «народні книги» (серед них – книга про Тіля Уленшпігеля та книга про доктора Фауста). Їх переробляють і використовують письменники-гуманісти, навіть дуже далекі від руху народних мас, але які відчувають потяг до народних джерел. Погортаємо п'єси Шекспіра, його сучасників та попередників. Скільки народних балад ми знайдемо у самому серці їхніх задумів; в пісні Дездемони про івушку-іву, в пісні Офелії про Валентиновий день, в атмосфері Арденнського лісу («Багато шуму нема з чого»), де блукає Жак, що настільки нагадує про інший ліс - Шервудський, притоні стрільця Робіна Гуда та його веселою зеленоюбратії. Адже, перш ніж потрапити до чорнильниці вигадувачів, ці мотиви ходили по площах англійських міст, по сільських ярмарках і придорожніх харчевнях, виконувались мандрівними співаками, лякали побожних пуритан.

У поета тієї епохи було ще одне джерело натхнення: класична давнина. Пристрасна любов до знань гнала поета в далекі подорожі в анатомічні театри, в кузні та в лабораторії, але й у бібліотеки. До XV століття освічений європеєць знав деякі твори латинської літератури, що вціліли від античного Риму, своєю чергою багато що засвоїв у культури Стародавню Грецію. Але сама грецька культура стала широко відома пізніше, особливо після XV століття, коли в боротьбі з турками впала Візантія, остання опора середньовічної грецької цивілізації на Близькому Сході. Тисячі біженців-греків, що хлинули із земель, завойованих турками, до християнських країн Європи, несли з собою знання рідної мови та мистецтва, багато хто став перекладачами при європейських дворах, вчителями грецької мовиу європейських університетах, радниками при великих друкарських будинках, що видавали античних класиків в оригіналі та перекладах.

Античність стала ніби другим світом, у якому жили поети Відродження. Вони рідко здогадувалися про те, що культура античності була побудована на поті та крові рабів; народ античності вони уявляли собі як аналогію народу свого часу і його зображали. Приклад тому - чернь, що збунтувалася, в трагедіях Шекспіра, «античні» селяни і ремісники на полотнах художників Ренесансу або пастухи та пастушки в їх віршах і поемах.

Поступово в потоці літературного розвитку тієї епохи намітилися дві течії: одна в боротьбі за становлення нової національної літератури орієнтувалася на античні зразки, надавала перевагу їхньому досвіду народної традиції, навчала молодь писати «за Горацією» або «за Аристотелем». Іноді у своєму прагненні бути ближче до античних зразків ці «вчені» поети навіть відкидали риму, яка була безперечним завоюванням європейської середньовічної поезії. Представники іншого напряму - серед них Шекспір і Лоне де Вега, - високо цінуючи античну літературу і нерідко видобуваючи з її скарбниць сюжети та образи для своїх творів, все ж таки відстоювали за письменником не лише право, а й обов'язок, перш за все, вивчати та відтворювати в поезії живе життя. Про це розмовляє з акторами Гамлет, стосовно сценічної майстерності, про те ж твердить Лоне де Вега в трактаті «Про нове мистецтво писати комедії». Саме Липі прямо висловлює думку про необхідність зважати на народну традицію в мистецтві. Але й Шекспір у своїх сонетах, розповідаючи про якогось побратима по перу, який заперечував його поетичну славу, протиставляє його «вченій», «прикрашеній» манері свій «простий» і «скромний» стиль. Обидві течії загалом становили єдиний потік гуманістичної поезії, і хоча у ньому були внутрішні суперечності, зумовлені " різних країнах різними суспільними причинами, поети-гуманісти протистояли тим письменникам свого часу, які намагалися захищати старий феодальний світ, застарілі естетичні норми та старі поетичні прийоми.

П'ятнадцяте століття принесло багато нового в італійську поезію. На той час патриціанські прізвища стали поступово захоплювати владу у містах, які з купецьких держав-комун перетворювалися на герцогства і князівства. Сини флорентійських багатіїв, наприклад, знаменитого банкірського будинку Медічі, хизувалися гуманістичною освіченістю, опікувалися мистецтвом і самі були не чужі їм. Поети-гуманісти створювали латинські вірші з розрахунку на освічених читачів. Під пером таких талантів, як Анджело Поліціано, відродився потреба міської знаті культ галантних лицарів і прекрасних дам. Місто-комуна, що обороняло свої права від важкої хватки будинку Медічі, відповіло на виникнення нової аристократичної культури бурхливим розвитком народної сатиричної та побутової пісні; над романтичним захопленням феодальним минулим знущався Пульчі в героїкомічній поемі «Великий Моргант». Однак і у Флоренції і, особливо, у Феррарі - столиці-фортеці герцогів д'Есте, відродилася в оновленому варіанті любовно-пригодницька лицарська поема. про нечувані подвиги і пригоди лицаря Роланда (Орландо), який перетворився з суворого героя середньовічного епосу на палкого коханця, який збожеволів від ревнощів, звертаючись до фантазії різних століть і народів, Аріосто створив твір, в якому багато віщує «Дон-Кіхота».

Найпізніший внесок у європейську поезію Відродження належить поетам Піренейського півострова; рішучий поворот до нового світогляду та новій культурістався тут лише на рубежі XV та XVI століть, чому були свої причини. Перш за все, - реконкіста, що затягнулася, яка зажадала напруги всіх сил роз'єднаних і нерідко ворогували між собою братських народностей, що населяли півострів. Історичний розвиток Іспанії протікало своєрідно. Королівська влада не мала міцної опори в іспанських містах, і хоча вона по черзі зламала непокірну аристократію та міські комуни, справжнього державного та національного об'єднання не відбулося: іспанські королі панували, спираючись лише на силу зброї та церковну інквізицію. Відкриття наприкінці XV століття Америки та захоплення величезних її областей із золотими та срібними копальнями на короткий термін призвели до нечуваного збагачення Іспанії, а потім до падіння золота в ціні та катастрофічного зубожіння країни, де гонитва за легкою наживою витіснила турботу про розвиток ремесла та землеробства. Іспанська держава стала втрачати і свою політичну могутність, наприкінці XVI століття від неї відпали Нідерланди, в 1588 була розгромлена «Непереможна армада» - іспанський флот, посланий на завоювання Англії. Запанувала реакція. Натовпи жебраків і волоцюг потяглися випаленими сонцем полями і дорогами країни, яка, ставши царством авантюристів і мародерів, багато в чому залишалася феодальною країною.

І, проте, в Іспанії розквітла блискуча культура ренесансу. Вже література пізнього середньовіччя була тут багата та різноманітна. Арагонські, кастильські, андалуські традиції зливалися в щось нове, що вбирало в себе і впливу Галісії з її школою трубадурів, і Каталонії, і особливо Португалії, яка вже в XV столітті почала боротися за нові морські шляхи і загалом обганяла Іспанію в галузі культурного розвитку. Тісні культурні зв'язки з Іспанією посилили піввіковим (1580 - 1640 рр.) підпорядкуванням Португалії іспанської короні. Дуже важливим для літератур Іберійського півострова було їхнє багатовікове сусідство з літературами арабського світу. Через це сусідство іспанські поети отримали чимало мотивів та образів, особливо помітних у романсах XV – XVI століть. З іншого боку, Іспанія на той час була тісно пов'язана з Сицилійським королівством, з Венецією, тримала гарнізони та флоти у багатьох містах та гаванях Італії. У період свого формування іспанська ренесансна поезія пережила сильний та тривалий вплив італійської. (Те саме відноситься і до літератури Португалії)

Романтики у будь-якій літературі Західної Європи були продовжувачами та учнями майстрів епохи Відродження. Її повнокровне, людське мистецтво служило взірцем для численних прогресивних поетів XX століття. Художник соціалістичного реалізму, Йоганнес Р. Бехер знайшов необхідним у свої дослідження про сучасну літературу включити «Мало вчення про сонет» - етюд, що містить уважний аналіз шести мовних аспектів сонета: французького, німецького, англійського, італійського, португальського та іспанського.

Данте, Шекспір, Лопе де Вега, Сервантес, видані багатьма мовами народів СРСР, стали непросто нашими сучасниками, а й нашими соратниками. Як і картини художників Відродження, драматургія, пісні та вірші ренесансних поетів увійшли до культурного побуту радянської людини.

Один із титанів Відродження – Джордано Бруно – назвав свою книгу: «Діалог про героїчний ентузіазм». Така назва дуже точно визначає духовну атмосферу Відродження, що відображена в поезії XIV - XVI століть. Ця поезія розкрила красу людини, багатство її внутрішнього життя та незліченну різноманітність його відчуттів, показала пишність земного світу, проголосила право людини на земне щастя. Література Відродження підняла покликання поета до високої місії служіння людству.

4. Театр епохи Відродження

Театр є мистецтво представлення драматичних творів на сцені.Таке визначення цього поняття дає тлумачний словникОжегова.

Театр епохи Відродження - одне з найяскравіших і найзначніших явищ в історії всієї світової культури; це потужне джерело європейського театрального мистецтва - на всі часи. Новий театр народився із потреби перелити молоду енергію у дійство. І якщо поставити собі питання, в яку сферу мистецтв мало вилитися це дійство, це море веселощів, то відповідь зрозуміла: звичайно, у сферу театру. Карнавальна гра вже не могла залишатися на своїй колишній стадії стихійної самодіяльності і увійшла до берегів мистецтва, ставши творчістю, збагаченим досвідом стародавніх та нових літератур.

В Італії - вперше в Європі - на сцену піднялися актори-професіонали і вразили світ яскравою, сильною грою, що народжується тут же, на очах у глядача, і чарівною своєю свободою, азартом, блиском та дотепністю.

Так в Італії було започатковано театральне мистецтво нового часу. Сталося це у середині XVI століття.

Своєю вершиною театр Відродження досяг у Англії. Тепер він воістину увібрав у себе всі сфери життя, проникнув у глибини буття. Могутня когорта талантів піднімалася наче з-під землі. І головним дивом століття була людина зі Стратфорда, яка прийшла до Лондона, щоби писати п'єси для театру «Глобус». Гучна назва театру виправдалася - у творах Шекспіра справді відкрився світ: виднілися історичні дали прожитого, з'ясовувалися головні істини нинішнього століття і чудодійно, крізь пелену часу, проглядали контури майбутнього.

У величну епоху Ренесансу, в епоху Данте, Леонардо та Мікеланджело, маленький прапор, що майорить над «Глобусом», сповістив про грандіозне звершення. Геній Шекспіра злив докупи все раніше досягнуте в драмі і на сцені. Тепер за дві-три години на шести-восьми квадратних метрах можна було побачити світи та епохи.

Виник справді великий театр. Новий театр народжувався Італії. Народження це може бути віднесено до строго певної дати, імені чи твору. Йшов процес тривалий, багатосторонній – і в «верхах», і в «низах» суспільства. Він дав історично повноцінний результат лише після того, як було знайдено необхідне триєдність драми, сцени та великої публіки.

Про перші досліди ренесансної драматургії можна з усією певністю сказати, що вони були творами пера, але аж ніяк не сцени. Вийшла з материнського лона літератури, гуманістична драма якщо й залишала книжкові полиці, лише зрідка й без особливої надії сценічний успіх. А нехитрі простонародні фарси та імпровізації карнавальних масок притягували до себе натовпи глядачів, хоча не володіли і десятою часткою літературних достоїнств писаних п'єс. Саме на карнавалі забило джерело комедії дель арте - цієї справжньої прародительки нового європейського театру. Треба сказати, що на ранньому етапі розвитку нового театру взаємовідчуженість сцени та драми пішла обом на користь. Драма виявилася вільною від примітивів фарсової сцени, а сцена, тобто виконавське мистецтво, позбавлене драми та надане самому собі, отримала можливість інтенсивно розвивати власні творчі ресурси.

Вчена студія Помпоніо стала першими зборами любителів, які зіграли комедії Плавта. Персонажі, які багато століть перебували в положенні літературних героїв, знову крокували сценою (хоча, напевно, ще дуже впевнено).

Звістка про відкриття римського вченого незабаром рознеслася по всій Італії. Серед інших видовищ при дворах увійшло моду показувати і комедії Плавта. Мода була настільки велика, що Плавта латинською мовою зіграли і у Ватикані. Однак латину розуміли далеко не всі, тому наприкінці 70-х років гуманіст Батіста Гуаріні переклав твори Плавта та Теренція італійською мовою.

Успішний розвитоккомедії визначалося тим, що традиційна антична схема - боротьба юнака за володіння коханою, що охороняється строгими батьками, і витівки енергійних і енергійних слуг - виявилася зручною для живих замальовок сучасного побуту.

Під час карнавалу 1508 року у ферарському палаці поет Людовіко Аріосто показав свою «Комедію про скриню».

І точно прорвало шлюзи, які довго стримують життєдайний потік. Наступного року з'являється друга комедія Аріосто - «Підмінені», а в 1513 кардинал Біббієна демонструє в Урбіно свою «Каландрію». У 1514 році колишній секретар флорентійської республіки найпроникливіший Нікколо Макіавеллі пише найкращу п'єсу епохи - «Мандрагору».

Італійська комедія XVI століття виробила якийсь стандарт динамічних сюжетів: тут постійно повторювалися ті самі ситуації з підміненими дітьми, з переодягненими дівчатами, шахраями слуг комічними фіаско закоханих старих.

Італійські гуманісти посилено займалися вивченням спадщини Сенеки; потім в орбіту їхніх інтересів потрапили грецькі трагіки - Софокл та Евріпід. Під впливом названих античних авторів і народилася італійська трагедія Ренесансу, першим зразком якої стала «Софонісба» Джанджорджо Тріссіно (1515).

Тріссіно був глибоким знавцем давньогрецького театру. Складаючи свою трагедію, він орієнтувався на твори Софокла і Евріпіда. У «Софонісбі» використовувалися всі компоненти античної трагедії - хор, нагрудники, вісники, був поділ на акти, дотримувалися закони трьох єдностей і трьох акторів. Але в трагедії не було головного – значної суспільної теми, динаміки пристрастей, цілісної дії.

Сучасна аудиторія цікавилася трагічним жанром або в плані суто академічному, або з розрахунком знайти тут їжу для «потрясінь».

Таку їжу італійська трагедія давала з надлишком.

Нова трагедія прагнула "захопити дух" глядачів. Батько вбивав дітей своєї дочки, народжених від таємного шлюбу, і підносив їй на блюді їхні голови та руки, вражена дочка вбивала батька і заколювалася сама («Орбекка» Дж. Чінтіо, 1541). Дружина, кинута чоловіком, змушувала суперницю вбити прижитих від нього дітей, після чого вбивала її та посилала мертві голови своєму чоловікові; чоловік, своєю чергою, обезголовлював коханця дружини. До фіналу жорстоко подружжя отруювало одне одного («Даліда» Л. Грото, 1572).

«Трагедії жахів» приголомшували своїми кривавими сценами, не пробуджуючи думки, не ставлячи питань про сенс життя та обов'язки людини.

У вік, коли комедія хилилася до занепаду, а трагедія не вийшла на велику дорогу мистецтва, переможницею на драматургічній арені опинилася пастораль.

Спочатку пасторальний напрямок, отримав найяскравіший вираз у поезії - у творах Боккаччо («Амето», «Ф'єзоланські німфи») та в ліриці петраркістів. Але незабаром народився і новий драматургічний жанр.

Якщо трагедії панувала фатальна пристрасть, а комедії переважало чуттєве потяг, то пасторалі панувала «чисте кохання», що постала поза конкретних життєвих зв'язків як якийсь поетичний ідеал.

Театр англійського Відродження - це Шекспір та його блискуче оточення: Марло, Грін, Бомонт, Флетчер, Чемпен, Неш, Бен Джонсон. Але всі ці останні імена належать своєму віку та своїй нації; Шекспір же, який найглибше висловив дух свого часу і життя свого народу, належить всім вікам і всім народам.

Театр Шекспіра це своєрідний синтез культури Ренесансу.Визначивши собою найзріліший етап цієї культури, Шекспір говорив зі своїм віком і з прийдешніми століттями ніби від імені всієї епохи «найбільшого прогресивного перевороту».

Творчість Шекспіра було результатом розвитку національного англійського театру. Водночас воно певною мірою підсумовувало досягнення всієї попередньої поетичної, драматичної та сценічної культури стародавнього та нового часу. Тому в драмах Шекспіра можна відчути і епічний розмах гомерівської сюжетики, і титанічне ліплення монотрагедій древніх греків, і гру фабул римської комедії. Шекспірівський театр багатий на високий ліризм поетів-петракристів. У творах Шекспіра виразно чути голоси сучасних гуманістів, починаючи від Еразма Роттердамського і закінчуючи Монтенем.

Поглиблений розвиток успадкованого - ось що було найважливішою передумовою народження нового та найдосконалішого типу ренесансної драми, драми Шекспіра.

Висновок

Ідеї гуманізму – духовна основа розквіту мистецтва епохи Відродження. Мистецтво Відродження перейнято ідеалами гуманізму, воно створило образ прекрасної, гармонійно розвиненої людини. Італійські гуманісти вимагали свободи для людини. «Але свобода у розумінні італійського Ренесансу, – писав його знавець А.К. Дживелегов, - мала на увазі окрему особу. Гуманізм доводив, що людина у своїх почуттях, у своїх думках, у своїх віруваннях не підлягає жодній опіці, що над нею не повинно бути силою волі, що заважає йому відчувати і думати, як хочеться». У сучасній науці немає однозначного розуміння характеру, структури та хронологічних рамок ренесансного гуманізму. Але, безумовно, гуманізм слід розглядати як головний ідейний зміст культури Відродження, невіддільної від усього ходу історичного розвитку Італії в епоху розкладання феодальних і зародження капіталістичних відносин. Гуманізм був прогресивним ідейним рухом, який сприяв утвердженню засобу культури, спираючись насамперед на античну спадщину. Італійський гуманізм пережив ряд етапів: становлення у XIV столітті, яскравий розквіт наступного століття, внутрішню перебудову та поступові упади у XVI столітті. Еволюція італійського Відродження була тісно пов'язана з розвитком філософії, політичної ідеології, науки, інших форм суспільної свідомості і, у свою чергу, справила сильний вплив на художню культуру Ренесансу.

Відроджені на античній основі гуманітарні знання, що включали етику, риторику, філологію, історію, виявилися головною сферою у формуванні та розвитку гуманізму, ідейним стрижнем якого стало вчення про людину, її місце та роль у природі та суспільстві. Це вчення складалося переважно в етиці і збагачувалося в різних областях ренесансної культури. Гуманістична етика висунула першому плані проблему земного призначення людини, досягнення щастя його власними зусиллями. Гуманісти по-новому підійшли до питань соціальної етики, у вирішенні яких вони спиралися на уявлення про могутність творчих здібностей та волі людини, про її широкі можливості побудови щастя на землі. Важливою передумовою успіху вони вважали гармонію інтересів індивіда та суспільства, висували ідеал вільного розвитку особистості та нерозривно пов'язаного з ним удосконалення соціального організму та політичних порядків. Це надавало багатьом етичним ідеям та вченням італійських гуманістів яскраво вираженого характеру.

Багато проблем, що розроблялися в гуманістичній етиці, набувають нового змісту і особливої актуальності в нашу епоху, коли моральні стимули людської діяльності виконують все більш важливу соціальну функцію.

Гуманістичне світогляд стало одним із найбільших прогресивних завоювань епохи Відродження, що вплинула на подальший розвиток європейської культури.

Реформація зіграла значної ролі у становленні світової цивілізації. Не проголошуючи жодного певного соціально-політичного ідеалу, не вимагаючи переробки суспільства на той чи інший бік, не здійснюючи жодних наукових відкриттів чи досягнень на художньо-естетичній ниві, Реформація змінила свідомість людини, відкрила перед ним нові духовні горизонти. Людина отримала свободу самостійно мислити, звільнився від опіки церкви, отримав найвищу йому санкцію - релігійну те що, щоб лише власний розум і совість диктували йому, як слід жити. Реформація сприяла появі людини буржуазного суспільства - незалежного автономного індивіда зі свободою морального вибору, самостійного та відповідального у своїх судженнях та вчинках.

Список використаної літератури

1. Л.М.Брагіна «Соціально - етичні погляди італійських гуманістів» (II половина XV століття) Видавництво МДУ, 1983

2. З історії культури Середніх віків та Відродження. Видавництво «Наука», М 1976

3. 5 0 біографій майстрів західноєвропейського мистецтва. Видавництво «Радянський художник», Ленінград 1965

4. Гареї Еге. Проблеми італійського Відродження. - М., 1996.

5. Історія мистецтва розвинених країн. - М., 1998.

6. Культурологія Історія світової культури: Навчальний посібник для вузів/За ред. проф. О.М. Маркової. - М, 1995.

7. Культурологія Теорія та історія культури: Навчальний посібник. - М: суспільство «Знання» Росії, ЦІНО, 1996.

8. Лосєв Л.Ф. Естетика Відродження. - М., 1993.

9. Полікарпов В.С. Лекції з культурології. - М.: "Гардарика", "Експертне бюро", 1997.

Мистецтво епохи Відродження

Дипломна робота

Учня 4”E” класу

Художньої школи №2

Галайди Юри

Вступ................................................. ................... 3

1. Італійське Відродження.................................3

2. Північне Відродження.......................................5

3. Нідерланди............................................... ..........9

Висновок................................................. ............. 13

Детально про художників:

1.Леонардо да Вінчі ………………………………14

2.Рафаель Санті…………………………………….19

3. Мікеланджело Буонарроті……………………..24

Вступ.

У середні віки в Європі відбувалися бурхливі зміни в економічній, суспільній та релігійній сферах життя, що не могло не спричинити змін у мистецтві. У час змін людина намагається заново переосмислити навколишній світ, йде болісний процес «переоцінки всіх цінностей», користуючись крилатим виразом Ф. Ніцше.

Ці пошуки насамперед і найвиразніше проявляються у творчості людей мистецтва, які, як найтонші камертони, входять у резонанс із хиткім навколишнім світом і вплітають симфонію почуттів у свої твори.

Так, у середні віки осередком подібних змін стали Італія, Німеччина, Нідерланди та Франція. Спробуємо розібратися, що ж насправді відбувалося в цих країнах у той віддалений від нас час, якими думками були зайняті голови мислителів давно минулих днів, спробуємо через твори мистецтв вникнути в суть явищ часу, що називалися «Ренесанс».

1. Італійське відродження.

Через перехідний характер епохи Відродження хронологічні рамки цього історичного періоду встановити досить важко. Якщо ґрунтуватися на ознаках, які згодом будуть вказані (гуманізм, антропоцентризм, модифікація християнської традиції, відродження античності), то хронологія виглядатиме так: Проторенесанс (дученто і треченто – XII-XIII – XIII-XIV ст.), раннє відродження (кватрочен) XIV-XV ст.), Високе Відродження (чинквеченто XV-XVI ст.).

Італійське Відродження є не одне загальноіталійське рух, а ряд або одночасних, або рухів, що чергуються, в різних центрах Італії. Роздробленість Італії була тут не останньою причиною. Найповніше риси Відродження проявилися у Флоренції, Римі. Мілан, Неаполь та Венеція також пережили цю епоху, але не настільки інтенсивно, як Флоренція.

Термін «Renissance» (Відродження) був запроваджений мислителем і художником самої епохи Джорджо Вазарі («Життєпис знаменитих живописців, скульпторів та архітекторів»). Так він назвав час із 1250 по 1550 роки. З його погляду це був час відродження античності. Для Вазарі античність постає ідеальним чином.

Надалі зміст терміна еволюціонував. Відродження стало означати емансипацію науки та мистецтва від богослов'я, охолодження до християнської етики, зародження національних літератур, прагнення людини до свободи від обмежень католицької церкви. Тобто Відродження по суті стало означати гуманізм.

Чому в культурі та естетиці Відродження була така чітка орієнтація на людину? З соціологічної точки зору причиною незалежності людини, її самоствердження стала міська культура. У місті більш ніж де-небудь людина відкривала переваги нормального, звичайного життя.

Це відбувалося тому, що городяни були незалежнішими людьми, ніж селяни. Спочатку міста населяли справжні умільці, майстри, адже вони, залишивши селянське господарство, розраховували прожити лише своєю ремісничою майстерністю. Поповнювали кількість міських жителів та люди заповзятливі. Реальні обставини змушували їх покладатися лише на себе, формували нове ставлення до життя.

Чималу роль формуванні особливого менталітету грало і просте товарне виробництво. Почуття господаря, який і виробляє, і розпоряджається доходом сам, безумовно, також сприяло формуванню особливого незалежного духу перших жителів міст.

Італійські міста розквітли не тільки через зазначені причини, але й через активну участь їх у транзитній торгівлі. (Суперництво конкуруючих на зовнішньому ринку міст навіть було однією з причин роздробленості Італії). У VIII-IX століттях Середземне море знову стає місцем зосередження торгових шляхів. Усі прибережні жителі, за словами французького історика Ф. Броделя, отримували від цього зиск. Цим багато в чому пояснюється, що міста, які не мали достатніх природних ресурсів, процвітали. Вони пов'язували між собою приморські країни. Особливу роль збагаченні міст зіграли хрестові походи.

Отже, міська культура створювала нових людей, формувала нове ставлення до життя, створювала атмосферу, де народжувалися великі ідеї та великі твори. Але ідейно це оформлялося на елітарному рівні. Прості мешканці були далекі від ідейного оформлення світовідчуття.

Нове світовідчуття людини, що народжувалося, потребувало світоглядної опори. Античність і виступила такою опорою. Звичайно, не випадково до неї звернулися жителі Італії, адже цей видатний у Середземному морі півострів понад тисячу років тому населяли представники античної (римської) цивілізації, що пішла. « Саме звернення до класичної давнини пояснюється нічим іншим, як необхідністю знайти опору нових потреб розуму і нових життєвих устремлінь»,- писав російський історик Н.Карєєв на початку століття.

Отже, епоха Відродження – це звернення до античності. Але вся культура цього періоду вкотре доводить, що Відродження в чистому вигляді, Відродження як такого не буває. Мислителі-відродженці бачили в античності те, що хотіли. Тому зовсім не випадково особливу інтелектуальну розробку зазнав у цю епоху неоплатонізм. А.Ф.Лосєв блискуче показує у своїй книзі «Естетика Відродження» причини особливої поширеності цієї філософської концепції за доби італійського Відродження. Античний (власне космологічний) неоплатонізм було не привернути увагу відродженців ідеєю еманації (виходження) божественного сенсу, ідеєю насиченості світу (космосу) божественним змістом, нарешті, ідеєю Єдиного як максимально конкретного оформлення життя та буття.

Бог стає ближчим до людини. Він мислиться пантеїстично (бог злитий зі світом, він одухотворює світ). Тому світ і тягне за собою людину. Осягнення людиною світу, наповненого божественною красою, стає одним із головних світоглядних завдань епохи Відродження.

Характер художньої літературиВідродження.

Найкращим способом осягнення Божественної краси, розчиненої у світі, справедливо визнається робота людських почуттів. Тому виникає такий пильний інтерес до візуального сприйняття, звідси розквіт просторових видів мистецтва (живопису, скульптури, архітектури.). Адже саме ці мистецтва, на переконання діячів Відродження, дають змогу точніше сфотографувати Божественну красу. Тому культура Відродження має виразний художній характер.

Інтерес до античності пов'язаний у відродженців із модифікацією християнської (католицької) традиції. Завдяки впливу неоплатонізму стає сильною пантеїстична тенденція. Це надає унікальності та неповторності культурі Італії XIV-XVI століть. Відродженці по-новому глянули на себе, але при цьому не втратили віри в Бога. Вони почали усвідомлювати себе відповідальними за долю, значимими, але заодно не переставали бути людьми середньовіччя.

Суперечливість культури Відродження: радість самоствердження та трагізм світовідчуття. Наявність цих двох тенденцій, що перехрещуються (античність і модифікація католицизму) визначило суперечливість культури та естетики Відродження. З одного боку, людина Відродження пізнала радість самоствердження, з іншого боку, збагнула всю трагічність свого існування. І те, й інше пов'язане у світовідчутті людини Відродження з Богом.

Витоки трагізму творчості художників Відродження переконливо показані російським філософом М. Бердяєвим. Зіткнення античних і християнських почав спричинило глибоке роздвоєння людини, підкреслював він. Великі художники Відродження були одержимі проривом в інший, трансцедентальний світ. Мрія про нього вже була дана людині Христом. Художники були орієнтовані створення іншого буття, відчували у собі сили, подібні силам Творця; ставили собі по суті онтологічні завдання. Однак ці завдання були свідомо нездійсненними у земному житті, у світі культури. Художня творчість, яке відрізняється не онтологічною, але психологічною природою, таких завдань не вирішує і вирішити не може. Опора художників на досягнення епохи античності та їхня спрямованість у вищий світ, відкритий Христом, не збігаються. Це і призводить до трагічного світовідчуття, до суми відродження. Бердяєв пише: «Таємниця Відродження у цьому, що його вдалося. Ніколи ще не було послано у світ таких творчих сил, і ніколи ще не було так виявлено трагедію суспільства».

Культура італійського відродження дала світу цілу плеяду блискучих діячів, що незмірно збагатили скарбницю світової культури. Серед них необхідно назвати імена Данте Аліг'єрі (1265-1321), живописця Джотто ді Бондоне (1266-1337), поета гуманіста Франческо Петрарки (1304-1374), поета, письменника гуманіста Джованні Бокаччо (1313-1375), Донателло Донато ді Ніколло ді Бетто Барді (1386-1466), живописця Мазаччо Томмазо ді Джованні ді Сімоне Гвіді (1401-1428), гуманіста письменника Лоренцо Валлу (1407-1457), гуманіста письменника Піко 4 Марсіліо Фічіно (1433-1499), живописця Сандро Боттічеллі (1445-1510), живописця, вченого Леонардо да Вінчі (1452-1519), живописця скульптора, архітектора Мікеланджело Буонароті (1475-1564), живопис Тіціано Вечелліо Кадоре (1477-1566), живописця Рафаеля Санті (1484-1520), живописця Якопо Тінторетто (1518-1594) та багатьох інших.

2. Північне Відродження.

Під «північним Відродженням» прийнято мати на увазі культуру XV-XVI століть у європейських країнах, що лежать на північ від Італії.

Цей термін є досить умовним. Його застосовують за аналогією з італійським Відродженням, але якщо в Італії він мав прямий первісний зміст – відродження традицій античної культуриМистецтво Нідерландів, Німеччини та Франції (головних вогнищ північного Відродження) у XV столітті розвивалося як пряме продовження готики, як її внутрішня еволюція у бік. «мирського».Кінець XV і XVI століття були для країн Європи часом величезних потрясінь, найдинамічнішою і найбурхливішою епохою їхньої історії. Напруження наприкінці Столітньої війни Франції та Англії, криваві чвари католиків і гугенотів у Франції Здавалося б, клімат епохи мало сприяв становленню ясних і величних форм Високого Ренесансу в мистецтві. з іншого боку, поширюється гуманістична освіченість і посилюється я привабливість італійського мистецтва. Сплав італійських впливів із самобутніми готичними традиціями становить своєрідність стилю північного Відродження.

Головна ж причина, через яку термін «Відродження» поширюється на всю європейську культуру цього періоду, полягає у спільності внутрішніх тенденцій культурного процесу. Тобто – у повсюдному зростанні та становленні буржуазного гуманізму, у розхитуванні феодального світогляду, у самосвідомості особистості, що зростає.

У формуванні німецького Відродження чималу роль відіграв економічний чинник: розвиток гірничої справи, друкарства, текстильної промисловості. Все більш глибоке проникнення у господарство товарно-грошових відносин, включеність до загальноєвропейських ринкових процесів стосувалися великих мас людей і змінювали їхню свідомість.

Для формування відродження світосприйняття у романських країнах, на півдні Європи, колосальне значення мало вплив античної спадщини. Воно ставило ідеали та зразки світлого, життєствердного характеру. Вплив античної культури для Північного Відродження незначний, він сприймався опосередковано. Тому більшість його представників легше виявити сліди до кінця зжитої готики, ніж знайти античні мотиви. У роздробленій на сотні крихітних феодальних держав Німеччини було об'єднувальне начало: ненависть до католицької церкви, яка поклала край поборами і обтяжливими регламентаціями духовного життя. Тому один із головних напрямів боротьби за «царство Боже на землі» – боротьба з папством за реформування церкви. Південь Європи буде зачеплений процесами реформації значно меншою мірою.

Справжнім початком Північного Відродження можна вважати переклад Мартіном Лютером Біблії німецькою мовою. Ця робота тривала двадцять років, але окремі фрагменти стали відомі раніше. Лютерівська Біблія робить епоху, по-перше, у німецькій мові: вона стає основою єдиної німецької мови; по-друге, вона створює прецедент перекладу Біблії на сучасну літературну мову, і незабаром підуть її переклади англійською, французькою та іншими.

Ідеї лютеранства поєднують найпрогресивніші кола Німеччини: до нього опиняються і такі мислителі-гуманісти, як Філіп Меланхтон, художники Дюрер і Хольбейн, священик і вождь народного руху Томас Мюнтер.

Відродницька література у Німеччині спиралася на творчість Мейстерзінгерів. Найбільш досконалі зразки тогочасної поезії представив продовжувач цих народних традицій Ханс Сакс. Визначним прозаїком Північного Відродження став Еразм Роттердамський. Його найкраща книга«Похвала дурості» побачила світ 1509 року.

Серед видів художньої діяльності лідирував - як і в італійському Відродженні - живопис. Першим серед великих майстрів цього періоду має бути названий Хієронімус Босх. Його творчість підбиває підсумки досягнення середньовічного живопису і служить прологом Відродження. У картинах Босха, написаних переважно на релігійні сюжети, вражає об'єднання похмурих середньовічних фантазій та символів з елементами фольклору та точними реалістичними деталями. І навіть найстрашніші алегорії виписані з таким народним калоритом, що справляють життєствердне враження. Ніхто з наступних майстрів живопису в усьому світі не писатиме настільки фантастичні образи, що межують з безумством, але вплив Х.Босха ХХ століття відчує у творчості сюрреалістів.

Найбільшим майстром Північного Відродження у образотворчому мистецтвібув Альбрехт Дюрер. Він залишив колосальну спадщину: картини, графічні роботи, статті, листування.

На творчість Дюрера вплинули італійські майстри: він любив бувати в Італії, особливо у Венеції. Проте специфіка бачення світу Альбрехта Дюрера полягає у пошуках можливості найбільш об'єктивно відобразити світ, йому був чужий італійський ідеалізуючий реалізм, він прагнув добиватися від живопису та малюнка повної достовірності. Цим пафосом пройняті його автопортрети, особливо олівці у листах до брата, сюди ж можна віднести і портрет матері перед смертю.

Глибині графіки Дюрера можна спробувати зрозуміти через розшифрування середньовічних символів, які у нього справді зустрічаються. Але шукати розгадки цих зображень, що зачаровують, потрібно в епосі реформації. Можливо, листи його гравюр найяскравіше відобразили стійкість духу людей цього часу, їхню готовність відкинути будь-які спокуси, їх сумні вигадки про сумний результат війни. Саме про це думаєш, дивлячись на його «Вершника Апокаліпсису», «Меланхолію».

Є у творчості Дюрера ліричний початок. Сюди можна зарахувати найніжнішу за колоритом картину «Свято рожевих вінків», цикл гравюр «Життя Марії», який надихнув у ХІХ столітті Рільке на цикл віршів. У XX столітті композитор Хіндеміт створив для цих віршів цикл романсів.

Вершиною творчості Альбрехта Дюрера стало грандіозне зображення чотирьох апостолів, справжній гімн людині, одного з найяскравіших виразів Відродницького гуманізму.

Невід'ємно від цієї епохи та творчості Лукаса Кранаха Старшого. Його мадонни та інші біблійні героїні – явні городянки та сучасниці художника. Однією з його найкращих робіт є новаторсько написане №Розп'яття». Різко асиметрична композиція, незвичайні ракурси традиційних постатей, насиченість колориту справляють враження сум'яття, передчуття суспільних потрясінь. Матіс Нітхард, відомий також під ім'ям Грюневальд (1470-75 - 1528), вражає багатством та яскравістю релігійних фантазій, екстатичність, винахідливою композицією. Головний працю Грюневальда – «Ізенгеймський вівтар». Зображення Марії з немовлям вписано у багатофігурну святкову композицію з ангелами, які грають їм на музичних інструментах. За контрастом із цією світлою сценою написано «Розп'яття», похмуре та натуралістичне. Образ Христа-простолюдина, що багато ходив босоніж, виснаженого, близького до агонії, асоціюється з учасниками селянської війни.

Одним із найкращих портретистів цього періоду може вважатися Гаїс Гольбейн Молодший (1497-1543). Йому належать портрети Еразма Роттердамського та астронома Ніколаса Кратцера, Томаса Мора та Джейн Сеймур, які трактують образи сучасників як людей, сповнених гідності, мудрості, стриманої духовної сили. Їм також створено чудові ілюстрації до Біблії та «Похвали дурості», цикл гравюр «Танці смерті».

Своєрідною індивідуальністю було також відзначено творчість глави дунайської школи живопису Альбрехта Альтдорфера (1480–1538). Йому належить пріоритет у формуванні жанру пейзажу. Однак найцікавішою його картиною залишається "Битва Олександра з Дарієм" (1529). Батальній сцені на Землі вторять суперники на небі Сонце, Місяць і хмари. Картина наповнена безліччю декоративних деталей, вишукана за колоритом, чудова за своєю мальовничою майстерністю. До того ж це одна з перших написаних олією батальних сцен, так що Альтдорфер може вважатися основоположником ще одного мальовничого жанру.

Вік Північного Відродження був недовгий. Тридцятирічна війна вторглася у цей процес і затримала розвиток німецької культури. Але в історії воно залишилося як разюче цілісна епоха, як клуб геніїв, майстрів слова та живопису, які спілкуються між собою, беруть участь у спільній боротьбі, подорожують, пишуть разючі портрети один одного, взаємно надихаються ідеями. Залучення народів північних країн у загальноєвропейський культурний процес почалося під час Північного Відродження.

3. Нідерланди.

Невеликій країні, що включає територію нинішніх Бельгії та Голландії, судилося стати у XV столітті найяскравішим Італії осередком європейського мистецтва. Нідерландські міста, хоч і не були політично самостійними, давно вже багатіли і міцніли, ведучи велику торгівлю, а потім розвиваючи у себе мануфактурне виробництво тканин, килимів, скла. Великим центромміжнародної торгівлі було старовинне Брюгге, поетичне місто каналів; до кінця XV століття він затих, поступившись першістю жвавому Антверпену.

Готична архітектура Нідерландів – це не тільки храми, але ще більше ратуші, міські мури та башти, будинки купецьких.

І ремісничих гільдій, торгові ряди, склади і, нарешті, житлові будинки характерного типу, що надовго зміцнився: з вузькими фасадами і високими трикутними або ступінчастими фронтонами.

Оскільки церкви зводилися більше з цегли, ніж із каменю, то й церковна скульптура не набула великого розвитку. Клаус Слютер та його учні залишилися блискучим винятком у культурі Нідерландів. Головна її художня сила ще в середні віки виявилася в іншому – у мініатюрному живописі. У XV столітті мініатюра досягла високого ступеня досконалості, як можна бачити за знаменитим «Годинником герцога Беррійського», ілюстрованому братами Лімбург.

Любовна, старанна, поетична пильність погляду світ була успадкована від мініатюри великим живописом XV століття, розпочатої Яном ван Эйком. Маленькі картинки, що прикрашають рукописи, виросли у великі картини, що прикрашають стулки вівтарів. У цьому виникли нові художні якості. З'явилося те, чого в мініатюрі не могло бути: такий же пильний, зосереджений погляд на людину, на її обличчя, в глибину його очей.

В Ермітажі є картина великого нідерландського майстра Рогіра ван дер Вейдена «Св. Лука пише Мадонну» (євангеліст Лука вважався художником та покровителем цеху живописців). У ній багато типово для улюблених нідерландцями композицій: панорама міста та каналу, написана так дрібно, ніжно та ретельно, з двома задумливими людськими фігурками на мосту. Але найпрекрасніше - обличчя і руки Луки, який пише мадонну «з натури». У нього особливий вираз - дбайливо і трепетно чуйний вираз людини, яка весь пішов у споглядання. Так дивилися на вдачу старі нідерландські майстри.

Повернемося до Яна ван Ейка. Він починав як мініатюрист, працюючи разом із своїм старшим братом Губертом. Братам ван Ейк традиція приписувала винахід техніки олійного живопису; це неточно - спосіб застосування рослинних олій як сполучної речовини був відомий і раніше, але ван Ейкі його вдосконалили і дали поштовх його поширенню. Незабаром масло витіснило темперу

Олійні фарби з роками темніють. Старі картини, які ми бачимо в музеях, при своєму виникненні виглядали інакше, набагато світлішими та яскравішими. Але живопис ван Ейков має справді незвичайні технічні якості: фарби не жухнуть і століттями зберігають свою свіжість. Вони майже світяться, нагадуючи про сяйво вітражів.

Найбільш уславлений твір ван Ейков – великий Гентський вівтар – було розпочато Губертом, а після його смерті продовжено і в 1432 закінчено Яном. Стулки грандіозного вівтаря розписані у два яруси і всередині та зовні. На зовнішніх сторонах – благовіщення і уклінні фігури донаторів (замовників): так виглядав вівтар закритим, у буденні дні. На свята стулки розорювалися, у розкритому вигляді вівтар ставав ушестеро більше, і перед парафіянами виникало, у всій променистості ван-ейківських фарб, видовище, яке мало в сукупності своїх сцен втілювати ідею спокути людських гріхів і просвітлення. Нагорі в центрі деісус – бог-отець на престолі з Марією та Іоанном Хрестителем на всі боки. Ці постаті більше людського зростання. Потім оголені Адам і Єва в людський зріст і групи музикуючих та співаючих ангелів. У нижньому ярусі – багатолюдна сцена поклоніння Агнцю, розв'язана у значно меншому масштабі, дуже просторово, серед широкого квітучого пейзажу, а на бічних стулках – ходи пілігримів. Сюжет поклоніння Агнцю взятий з «Об'явлення Іоанна», де сказано, що після кінця гріховного світу на землю спуститься град божий, в якому не буде ночі, а буде вічне світло, і річка життя «світла як кристал», і дерево життя, щомісяця. що дає плоди, і місто - "чисте золото, як прозоре скло". Агнець – містичний символ апофеозу, який чекає на праведників. І, мабуть, художники постаралися вкласти в картини Гентського вівтаря всю свою любов до принади землі, до людських осіб, до трав, дерев, вод, щоб втілити золоту мрію про їхню вічність і нетлінність.

Ян ван Ейк був і визначним портретистом. У парному портреті подружжя Арнольфіні, що належить його пензлю. звичайних людей, одягнених за тодішньою досить химерною модою, у звичайній кімнаті з люстрою, балдахіном, дзеркалом і кімнатною собачкою представляється якимось чудовим таїнством. Він ніби поклоняється і вогнику свічки, і рум'янцю яблук, і опуклому дзеркалу; він закоханий у кожну межу блідого довгого обличчя Арнольфіні, який тримає за руку свою лагідну дружину так, ніби виконує потаємний церемоніал. І люди і предмети – все завмерло в урочистому стані, у благоговійній серйозності; всі речі мають прихований зміст, натякаючи на святість подружнього обітниці та домашнього вогнища.

Так починався побутовий живопис бюргерів. Ця тонка скрупульозність, любов до затишку, майже релігійна прихильність до світу речей. Але що далі, то більше виступала проза і відступала поезія. Ніколи вже згодом бюргерський побут не малювався у таких поетичних тонах священнодійства та гідності.

Раннє бюргерство північних країн теж було настільки «буржуазно обмеженим», як його пізні нащадки. Йому, щоправда, невластиві розмах і багатосторонність італійців, але й у вужчих масштабах світогляду бюргеру не далеке особливого роду скромну велич. Адже це він, бюргер, створив міста, він відстоював їхню свободу від феодалів, і йому ще треба було відстоювати її від чужоземних монархів та жадібної католицької церкви. На плечах бюргерства лежали великі історичні відносини, що сформували непересічні характери, виробили крім підвищеної поваги до матеріальних цінностей ще й стійкість, корпоративну згуртованість, вірність обов'язку і слову, почуття власної гідності. Як каже Томас Манн, бюргер був «середньою людиною у найвищому значенні цього поняття».

До італійців Відродження таке визначення не підходить: вони не відчували себе середніми людьми, хоч би й у високому розумінні. Арнольфіні, зображений Яном ван Ейком, був італієць, який жив у Нідерландах; якби його писав співвітчизник, портрет, напевно, виявився б іншим за духом. Глибокий інтерес до особистості, до її зовнішності та характеру – це зближує художників італійського та північного Відродження. Але вони цікавляться нею по-різному і бачать у ній різне. У нідерландців немає відчуття титанізму і всемогутності людської особистості: вони бачать її цінність у бюргерській доброчесності, в якостях, серед яких не останнє місце посідає смиренність і благочестя, свідомість своєї дещиці перед світобудовою, хоча і в цій смиренності гідність особистості не зникає, а навіть як би наголошується.

У середині і в другій половині XV століття в Нідерландах працювало багато прекрасних живописців: вже згаданий Рогір ван дер Вейден, Дірк Боутс, Гуго ван дер Гус, Мемлінг, Геертген Той синт Янс. Їхні художні особливості досить чітко помітні, хоча і не з тим ступенем виразності індивідуального стилю, як у італійських кватрочентистів. Вони переважно розписували вівтарі та писали портрети, писали і станкові картини на замовлення багатих городян. Особливу принадність у них мають композиції, пройняті лагідним, споглядальним настроєм. Вони любили сюжети різдва та поклоніння немовляті, ці сюжети вирішуються ними тонко та простодушно. У «Поклонінні пастухів» Гуго ван дер Гуса немовля худе і жалюгідне, як всяке новонароджене дитя, оточуючі дивляться на нього, безпорадного і скрюченого, з глибоким душевним розчуленням, мадонна тиха, як монашеня, не піднімає погляду, але відчувається. гордістю материнства. А поза ясел видніється пейзаж Нідерландів, широкий, горбистий, з звивистими дорогами, рідкісними деревами, вежами, мостами.

Тут багато зворушливого, але немає ніякої насолоди: помітна готична незграбність форм, деяка їх жорсткість. Особи пастухів у ван дер Гуса характерні і негарні, як завжди у творах готики. Навіть ангели – і ті негарні.

Нідерландські художники рідко зображують людей із красивими, правильними обличчями та фігурами і цим теж відрізняються від італійських. Просте міркування, що італійці, прямі нащадки римлян, взагалі були гарніші за блідих і пухких синів півночі, може, звичайно, бути взято до уваги, але головна причина все-таки не в цьому, а в відмінності загальної художньої концепції. Італійський гуманізм переймуться пафосом великого в людині та пристрастю до класичних форм, нідерландці поетизують «середню людину», їм мало діла до класичної краси та гармонійних пропорцій.

Нідерландці мають пристрасть до деталей. Вони є носіями таємного сенсу. Лілія у вазі, рушник, чайник, книга – всі деталі несуть крім прямого ще й таємне значення. Речі зображуються з любов'ю і здаються одухотвореними.

Повага до самих себе, до своїх буднів, до світу речей переломлювалася через релігійне світогляд. Такий був дух протестанських реформ, під знаком яких проходить нідерландське Відродження.

Найменша порівняно з італійцями антропоморфність сприйняття, переважання пантеїстичного початку та пряма наступність від готики позначаються у всіх компонентах стилю нідерландського живопису. У італійських кватрочентистів будь-яка композиція, як би вона не була насичена подробицями, тяжіє до більш-менш суворої тектоніки. Групи будуються на кшталт барельєфа, тобто основні постаті художник зазвичай намагається розмістити на порівняно вузькому передньому майданчику, у ясно окресленому замкнутому просторі; він їх архітектонічно врівноважує, вони твердо стоять на ногах: усі ці особливості ми знайдемо вже в Джотто. У нідерландців композиції менш замкнуті та менш тектонічні. Їх манять глибина і дали, відчуття простору у них живіше, повітряніше, ніж в італійському живописі. У постатях більше вибагливості і хиткість, їхня тектоніка порушується віялоподібно розбіжними донизу, зламаними складками шат. Нідерландці люблять гру ліній, але лінії служать вони не скульптурним завданням побудови обсягу, а, швидше, орнаментальним.

Нідерландці не мають чіткого акцентування центру композиції, посиленого виділення головних фігур. Увага художника розсіюється за різноманітністю мотивів, все здається йому привабливим, а світ різноманітним та цікавим. Якась сценка на далекому плані претендує на окрему сюжетну композицію.

Нарешті складається такий тип композиції, де взагалі немає центру, а простір заповнюється багатьма рівноправними між собою групами і сценами. При цьому головні діючі лицяіноді виявляються десь у куточку.

Подібні композиції зустрічаються наприкінці XV століття у Ієроніма Босха. Босх – чудово своєрідний художник. Суто нідерландські пильність і спостережливість поєднуються в нього з надзвичайно продуктивною фантазією і похмурим гумором. Один із його улюблених сюжетів – «Спокуса Святого Антонія», де пустельника беруть в облогу дияволи. Босх населяв свої картини легіонами маленьких повзучих, страшних тварин. Дуже страшно стає, коли у цих монстрів помічаєш і людські частини тіла. Вся ця кунсткамера дивовижних бісів значно відрізняється від середньовічних химер: ті були величніші і далеко не так зловісні. Апофеоз босховської демонології – його «Музичний пекло», схожий на сад тортур: оголені люди, перемішавшись з чудовиськами, що лізуть на них з усіх боків, корчать у болісній пожадливості, їх розпинають на струнах якихось гігантських музичних інструментів, стискують і перетискують , пхають у ями, ковтають.

Дивні фантасмагорії Босха народжені філософічними потугами розуму. Він стояв на порозі XVI століття, а це була епоха, яка змушувала болісно розмірковувати. Босха, мабуть, долали роздуми про живучість і всюдисущість світового зла, яке, як п'явка, присмоктується до всього живого, про вічний кругообіг життя і смерті, про незрозумілу марнотратність природи, яка всюди сіє личинки та зародки життя – і на землі, і на землі під землею, і в гнилому стоячому болоті. Босх спостерігав природу, можливо, гостріше і пильніше інших, але не знаходив у ній ні гармонії, ні досконалості. Чому людина, вінець природи, приречений смерті і тліну, чому він слабкий і жалюгідний, чому він мучить себе та інших, безперервно зазнає мук?

Вже одне те, що Босх задається такими питаннями, говорить про збуджену допитливість – явище, яке супроводжує гуманізму. Адже гуманізм не означає лише славослів'я всьому людському. Він означає і прагнення поринути у суть речей, розгадати загадки світобудови. У Босха це прагнення забарвлювалося в похмурі тони, але це було симптомом тієї розумової спраги, яка спонукала Леонардо да Вінчі досліджувати все – прекрасне та потворне. Могутній інтелект Леонардо сприймав світ цілісно, відчував у ньому єдність. У свідомості Босха світ відбивався роздроблено, розбитим на тисячі уламків, які входять у незбагненні з'єднання.

Але варто сказати і про романтичні течії, тобто під впливом італійського чинквеченто, - вони почали поширюватися в Нідерландах у XVI столітті. Їхня несамобутність дуже помітна. Зображення "класичної наготи", прекрасне в італійців, нідерландцям рішуче не давалося і виглядало навіть дещо комічно, як "Нептун і Амфітріта" Яна Госсарта, з їхніми пишними роздутими тілесами. Був у нідерландців і власний провінційний «маньєризм».

Зазначимо розробку жанрів побутової та пейзажної станкової картини, зробленої нідерландськими художниками у XVI столітті. Розвитку їх сприяло те, що найширші кола, ненавидячи папство та католицьке духовенство, все більше відверталися від католицизму та вимагали церковних реформ. А реформи Лютера та Кальвіна включали елемент іконоборства; інтер'єри протестанських церков мали бути цілком простими, голими – нічого схожого багате і ефектне оформлення в католицьких храмах. Релігійне мистецтвосильно скорочувалося обсягом, переставало бути культовим.

Почали з'являтися чисто жанрові картиниіз зображенням торговців у крамницях, змінював у конторах, селян на ринку, гравців у карти. Побутовий жанрвиріс із портретного, а пейзажний – із тих ландшафтних фонів, які так сподобалися нідерландським майстрам. Фони розросталися, і залишався лише крок до чистого краєвиду.

Проте все викуповує і концентрує в собі колосальний талант Пітера Брейгеля. Він в вищого ступенямав тим, що називають національною своєрідністю: всі чудові особливості його мистецтва сягають самобутніх нідерландських традицій. Як ніхто, Брейгель висловив дух свого часу та його народний колорит. Він народний у всьому: будучи безперечно художником-мислителем, він мислить афористично та метафорично. Філософія життя, укладена в його іносказаннях, гірка, іронічна, а й мужня. Улюблений тип композиції Брегеля - великий простір, як би побачений з вершини, так що люди виглядають маленькими і снують у долинах, проте все написано докладно і чітко. Розповідь зазвичай пов'язана з фольклором, Брейгель писав картини-притчі.

Поширений у нідерландців тип просторово-пейзажної композиції без акцентування головних осіб та подій Брейгель застосовує так, що в ньому розкривається ціла життєва філософія. Тут особливо цікаво «Падіння Ікара». Картина Брейгеля зображує мирний краєвид на березі моря: орач йде за плугом, пастух пасе овець, рибалок сидить з вудкою, а морем пливуть судна. Де ж Ікар та до чого його падіння? Потрібно уважно придивитись, щоб побачити в правому кутку жалюгідні голі ноги, що стирчать із води. Ікар упав із неба, але цього навіть ніхто не помітив. Звичайне життя тече, як завжди. Для селянина його рілля, для пастуха його стадо значно важливіше, ніж чиїсь злети та падіння. Сенс екстраординарних подій виявляється не скоро, сучасники його не помічають, занурені повсякденними турботами.

Творча діяльність Пітера Брегейля тривала недовго, він помер у 1569 році, сорока з гаком років, і не дожив до подій нідерландської революції. Незадовго до смерті він написав картину "Сліпі". Це найпотужніший, завершальний акорд мистецтва Брегейля, яке можна собі уявити як симфонію, пронизану єдиною темою. Люблячи свою багатостраждальну батьківщину, художник одного не міг вибачити своїм співвітчизникам: пасивності, глухоти, сліпоти, зануреності в метушню сьогоднішнього дняі нездатності піднятися на ті гірські вершини, що дають прозріння цілого, єдиного, спільного.

Висновок.

Тема Відродження багата та невичерпна. Такий потужний рух визначив розвиток усієї європейської цивілізаціїна багато років. Ми зробили тільки спробу проникнути в суть процесів, що відбувалися. Для подальшого вивчення нам необхідно детальніше відновити психологічний настрій людини Відродження, почитати книги того часу, вирушити до художніх галерей.

Зараз, наприкінці XX століття може здатися, що все це справи давно минулих днів, давнина покрита товстим шаром пилу, що не представляє дослідницького інтересу в наш бурхливий вік, але не вивчивши коренів, як зрозуміємо, що живить стовбур, що утримує крону на вітру змін?

Леонардо Да Вінчі

ЛЕОНАРДО ТА ВІНЧІ (Leonardo da Vinci) (15 квітня 1452, Вінчі поблизу Флоренції - 2 травня 1519, замок Клу, поблизу Амбуаза, Турень, Франція), італійський живописець, скульптор, архітектор, вчений, інженер.

Поєднуючи розробку нових засобів художньої мови з теоретичними узагальненнями, Леонардо да Вінчі створив образ людини, яка відповідає гуманістичним ідеалам Високого Відродження. У розписі «Таємна вечеря» (1495-1497, у трапезній монастиря Санта-Марія делле Граціє в Мілані) високий етичний зміст виражений у суворих закономірностях композиції, ясній системі жестів та міміки персонажів. Гуманістичний ідеал жіночої краси втілено у портреті Мони Лізи («Джоконда», близько 1503). Численні відкриття, проекти, експериментальні дослідження у галузі математики, природничих наук, механіки. Відстоював вирішальне значення досвіду у пізнанні природи ( записні книжкита рукописи, близько 7 тисяч аркушів).

Леонардо народився сім'ї багатого нотаріуса. Він склався як майстер, навчаючись у Андреа дель Верроккьо у 1467-1472 роках. Методи роботи у флорентійській майстерні того часу, де праця художника була тісно пов'язана з технічними експериментами, а також знайомство з астрономом П. Тосканеллі сприяли зародженню наукових інтересів юного Леонардо. У ранніх творах (голова ангела в «Хрещенні» Верроккьо, після 1470, «Благовіщення», близько 1474, обидва в Уффіці, «Мадонна Бенуа», близько 1478, Ермітаж) збагачує традиції живопису кватроченто, підкреслюючи плавну об'ємність тонкою, ледь вловимою посмішкою. У «Поклонінні волхвів» (1481-82, не закінчена; підмальовок - в Уффіці) перетворює релігійний образ на дзеркало різноманітних людських емоцій, розробляючи новаторські методи малюнка. Фіксуючи результати незліченних спостережень у нарисах, ескізах і натурних студіях (італійський олівець, срібний олівець, сангіна, перо та інші техніки), Леонардо домагається рідкісної гостроти в передачі міміки обличчя (вдаючись часом до гротеску і карикатури), а в ідеальну відповідність до драматургії композиції.

На службі у правителя Мілана Лодовико Моро (з 1481) Леонардо виступає у ролі військового інженера, гідротехніка, організатора придворних свят. Понад 10 років він працює над монументом Франческо Сфорца, отця Лодовіко Моро; виконана пластичної потужності глиняна модель пам'ятника в натуральну величину не збереглася (зруйнована при взятті Мілана французами в 1500) і відома лише за попередніми начерками.

На цей період припадає творчий розквіт Леонардо-живописця. У «Мадонні в скелях» (1483-94, Лувр; другий варіант - 1487-1511, Національна галерея, Лондон) улюблена майстром найтонша світлотінь («сфумато») постає новим ореолом, що йде на зміну середньовічним німбам: це однаково і божественно-людське, і природне таїнство, де скелястий грот, відбиваючи геологічні спостереження Леонардо, грає не меншу драматичну роль, ніж постаті святих передньому плані.

"Таємна вечеря"

У трапезній монастиря Санта-Марія делле Граціє Леонардо створює розпис «Таємна вечеря» (1495-97; через ризикований експеримент, на який пішов майстер, застосувавши для фрески олію в суміші з темперою, робота дійшла до нас у дуже пошкодженому вигляді). Високий релігійно-етичний зміст образу, де представлена бурхлива, суперечлива реакція учнів Христа на його слова про майбутню зраду, виражено в чітких математичних закономірностях композиції, що владно підпорядковує собі не тільки намальований, а й реальний архітектурний простір. Ясна сценічна логіка міміки та жестів, а також хвилюючо-парадоксальне, як завжди у Леонардо, поєднання суворої раціональності з невимовною таємницею зробили. Таємну вечерю» одним із найзначніших творів в історії світового мистецтва.

Займаючись також архітектурою, Леонардо розробляє різні варіанти «ідеального міста» та центрально-купольного храму. Наступні роки майстер проводить у безперервних переїздах (Флоренція - 1500-02, 1503-06, 1507; Мантуя та Венеція - 1500; Мілан - 1506, 1507-13; Рим - 1513-16). З 1517 року живе у Франції, куди був запрошений королем Франциском I.

«Битва при Ангьярі». Джоконда (Портрет Мони Лізи)

У Флоренції Леонардо працює над розписом у Палаццо Веккьо («Битва при Ангьярі», 1503-1506; не закінчена і не збереглася, відома за копіями з картону, а також за нещодавно виявленим ескізом - приватними зборами, Японія), що стоїть біля витоків батального жанру у мистецтві нового часу; смертельна лють війни втілена тут у несамовитій сутичці вершників.

У найвідомішій картині Леонардо, портреті Мони Лізи (так званої «Джоконди», близько 1503, Лувр) образ багатої городянки постає таємничим уособленням природи як такої, не втрачаючи при цьому чисто жіночого лукавства; внутрішню значущість композиції надає космічно-величний і водночас тривожно-відчужений пейзаж, що тане в холодному серпанку.

Пізні картини

До пізніх творів Леонардо належать: проекти пам'ятника маршалу Трівульціо (1508–1512), розпис «Свята Ганна з Марією та немовлям Христом» (близько 1500–1507, Лувр). В останній підбивається підсумок його пошуків в області світло-повітряної перспективи, тонального колориту (з переважанням холодних, зелених відтінків) і гармонійної пірамідальної комбінації; разом з тим це гармонія над безоднею, оскільки група святих персонажів, спаяних сімейною близькістю, представлена на краю прірви. Остання картина Леонардо, «Святий Іоанн Хреститель» (близько 1515-1517, там же) сповнена еротичної двозначності: молодий Предтеча виглядає тут не як святий аскет, а як сповнений чуттєвої краси спокусник. У серії малюнків із зображенням всесвітньої катастрофи (цикл з «Потопом», італійський олівець, перо, близько 1514-1516, Королівська бібліотека, Віндзор) роздуми про тлінність і нікчемність людини перед могутністю стихій поєднуються з раціоналістичними, що передбачають «вихрову» косм. уявленнями про циклічність природних процесів.

«Трактат про живопис»

Найважливішим джерелом вивчення поглядів Леонардо да Вінчі служать його записники і рукописи (близько 7 тисяч аркушів), написані розмовною італійською мовою. Сам майстер не залишив систематичного викладу своїх думок. "Трактат про живопис", підготовлений після смерті Леонардо його учнем Ф. Мельці і який зробив величезний вплив на теорію мистецтва, складається з уривків, багато в чому довільно витягнутих з контексту його записок. Для самого Леонардо мистецтво та наука були пов'язані нерозривно. Віддаючи в «суперечці мистецтв» пальму першості живопису як найбільш інтелектуальному, на його переконання, виду творчості, майстер розумів її як універсальну мову (подібну до математики у сфері наук), яка втілює все різноманіття світобудови за допомогою пропорцій, перспективи та світлотіні. «Живопис, - пише Леонардо, - наука та законна дочка природи..., родичка Бога». Вивчаючи природу, досконалий художник-природознавець цим пізнає «божественний розум», прихований під зовнішнім виглядомнатури. Залучаючись у творче змагання з цим божественно-розумним початком, художник тим самим утверджує свою подобу до верховного Творця. Оскільки він «має спочатку в душі, а потім у руках» «все, що існує у всесвіті», він також є «якийсь бог».

Леонардо – вчений. Технічні проекти

Як вчений і інженер Леонардо да Вінчі збагатив проникливими спостереженнями і припущеннями майже всі галузі знання того часу, розглядаючи свої нотатки та малюнки як нариси до гігантської натурфілософської енциклопедії. Він був яскравим представникомнового, що базується на експерименті природознавства. Особливу увагу приділяв Леонардо механіці, називаючи її «раєм математичних наук» і бачачи в ній ключ до таємниць світобудови; він спробував визначити коефіцієнти тертя ковзання, вивчав опір матеріалів, захоплено займався гідравлікою. Численні гідротехнічні експерименти отримали вираз у новаторських проектах каналів та іригаційних систем. Пристрасть до моделювання призводила Леонардо до разючих технічних передбачень, що набагато випереджали епоху: такі нариси проектів металургійних печей і прокатних станів, ткацьких верстатів, друкованих, деревообробних та інших машин, підводного човна і танка, а також розроблені після ретельного вивчення польоту птахів парашута.

Оптика

Зібрані Леонардо спостереження за впливом прозорих і напівпрозорих тіл на забарвлення предметів, відбиті у його живопису, сприяли утвердженню мистецтво принципів повітряної перспективи. Універсальність оптичних законів була пов'язана для нього з уявленням про однорідність Всесвіту. Він був близьким до створення геліоцентричної системи, вважаючи Землю «точкою у світобудові». Вивчав устрій людського ока, висловивши здогади про природу бінокулярного зору.

Анатомія, ботаніка, палеонтологія

В анатомічних дослідженнях, узагальнивши результати розтину трупів, у деталізованих малюнках заклав основи сучасної наукової ілюстрації. Вивчаючи функції органів, розглядав організм як приклад «природної механіки». Вперше описав ряд кісток і нервів, особливу увагу приділяв проблемам ембріології та порівняльної анатомії, прагнучи запровадити експериментальний метод і біологію. Утвердивши ботаніку як самостійну дисципліну, дав класичні описилисторозташування, геліо- та геотропізму, кореневого тиску та руху соків рослин. З'явився одним із основоположників палеонтології, вважаючи, що скам'янілості, що знаходяться на вершинах гір, спростовують уявлення про «всесвітній потоп».

Уявивши собою ідеал ренесансної «універсальної людини», Леонардо да Вінчі осмислювався в наступній традиції як особистість, що найбільш яскраво окреслила спектр творчих пошуків епохи. У російській літературі портрет Леонардо створений Д. С. Мережковським у романі «Воскреслені боги» (1899–1900)

Картини Леонардо да Вінчі:

“Діва та дитина з немовлям Джоном “Мона Ліза” 1503 р. Баптистом та св. Анною “

“ Голова молодої жінки "Мадонна з немовлям"

“ таємна вечеря ” 1495-1497

Рафаель Санті

Рафаель Санті (Raffaello Santi) (1483-1520), італійський живописець і архітектор. Представник Високого Відродження. З класичною ясністю та піднесеною одухотвореністю втілив життєствердні ідеали Відродження. Ранні твори («Мадонна Конестабіліз», бл. 1502-03) пройняті витонченістю, м'яким ліризмом. Земне буття людини, гармонію духовних і фізичних сил прославив у розписах станц (кімнат) Ватикану (1509-17), досягнувши бездоганного почуття міри, ритму, пропорцій, благозвучності колориту, єдності фігур та величних архітектурних фонів. Численні зображення Богоматері («Сикстинська мадонна», бл. 1513), художні ансамблі в розписах вілли Фарнезіна (1514-18) та лоджії Ватикану (1519, з учнями). У портретах створено ідеальний образ людини Відродження (Б. Кастільйоне, 1514-15). Проектував собор св. Петро будував капелу Кіджі церкви Санта-Марія дель Пополо (1512-20) в Римі.

Рафаель (наст. ім'я Рафаелло Санті) (Raffaello Santi) (26 або 28 березня 1483, Урбіно - 6 квітня 1520, Рим), італійський художник і архітектор. Син художника Джованні Санті. За свідченням Вазарі, навчався у Перуджіно. Вперше згаданий як самостійний майстер у 1500 році. У 1504-08 працював у Флоренції. Наприкінці 1508 р. на запрошення папи Юлія II переїхав до Риму, де поряд з Мікеланджело зайняв провідне місце серед художників, які працювали при дворі Юлія II та його наступника Лева X.

Вже в ранніх, написаних до переїзду до Флоренції, картинах позначився притаманний Рафаелю гармонійний склад обдарування, його вміння знаходити бездоганну згоду форм, ритмів, фарб, рухів, жестів, - і в таких невеликих за форматом роботах, майже мініатюрах, як "Мадонна Конестабіліз" (бл. 1502-03, Ермітаж), «Сон лицаря» (бл. 1504, Національна галерея, Лондон), «Три грації» (Музей Конде, Шантільї), «Святий Георгій» (бл. 1504, Національна галерея, Вашингтон) , і у більшому за форматом «Заручини Марії» (1504, Брера, Мілан).

Флорентійський період (1504-08)

Переїзд зіграв величезну роль творчому становленні Рафаеля. Першорядне значення для нього мало знайомство з способом Леонардо да Вінчі. Після Леонардо він починає багато працювати з натури, вивчає анатомію, механіку рухів, складні пози і ракурси, шукає компактні, ритмічно збалансовані композиційні формули. В останніх флорентійських роботах Рафаеля («Положення в труну», 1507, галерея Боргезе, Рим; «Св. Катерина Олександрійська», бл. 1507-08, Національна галерея, Лондон) виникає інтерес до складних формул драматично-схвильованого руху, розробленим Мікеланд.

Головна тема живопису флорентійського періоду – Мадонна з немовлям, якій присвячено щонайменше 10 робіт. Серед них виділяються три близькі за композиційним розв'язанням картини: «Мадонна зі щілинкою» (бл. 1506-07, Уффіці), «Мадонна в зелені» (1506, Музей історії мистецтв, Відень), «Прекрасна садівниця» (1507, Лувр). Варіюючи в них один і той же мотив, зображуючи на тлі ідилічного пейзажу юну матір і маленьких дітей, що грають біля її ніг - Христа та Іоанна Хрестителя, він поєднує фігури стійким, гармонійно врівноваженим ритмом композиційної піраміди, улюбленої майстрами Відродження.

Римський період (1509-20)

Переїхавши до Риму, 26-річний майстер отримує посаду «художника апостольського Престолу» та доручення розписати парадні покої Ватиканського палацу, що з 1514 керує будівництвом собору св. Петра, що працює в галузі церковної та палацової архітектури, в 1515 р. призначається Комісаром з давнини, відповідає за вивчення та охорону античних пам'яток, археологічні розкопки.

Розписи Ватиканського палацу

Центральне місце у творчості цього періоду займають розписи парадних покоїв Ватиканського палацу. Розписи Станці делла Сеньятура (1509-11) - одне з найдосконаліших творів Рафаеля. Величні багатофігурні композиції на стінах (що об'єднують від 40 до 60 персонажів) «Диспута» («Суперечка про причастя»), «Афінська школа», «Парнас», «Підстава канонічного та громадянського права» та відповідні їм чотири алегоричні жіночі фігурина склепіннях уособлюють богослов'я, філософію, поезію та юриспруденцію.

Не повторюючи жодної фігури і пози, жодного руху, Рафаель сплітає їх воєдино гнучким, вільним, природним ритмом, що перетікає від фігури до фігури, від однієї групи до іншої.

У сусідній Станці Елідора (1512-14), у розписах стін («Вигнання Елідора з храму», «Чудовий вивід апостола Петра з в'язниці», «Меса в Больсені», «Зустріч папи Лева I з Аттілою») та біблійних сценах на склепіннях переважає сюжетно-оповідальний та драматичний початок, наростає патетична схвильованість рухів, жестів, складних контрапостів, посилюються контрасти світла та тіні. У «Чудовому виведенні апостола Петра з в'язниці» Рафаель з незвичайною для художника Середньої Італії мальовничою тонкістю передає складні ефекти нічного освітлення – сліпучого сяйва, навколишнього ангела, холодного світла місяця, червоного полум'я смолоскипів та їхні відсвіти на латах.

До кращих робіт Рафаеля-монументаліста відносяться також виконані на замовлення банкіра і мецената Агостіно Кіджі розписи склепінь капели Кіджі (бл. 1513-14, Санта Марія делла Паче, Рим) і повна язичницької життєрадісності фреска5 «Три5». , Вілла Фарнезіна, Рим).

Виконані в 1515-16 картони для шпалер з епізодами історії апостолів Петра і Павла (Музей Вікторії та Альберта, Лондон) стилістично близькі до розписів Станц, проте в них з'являються вже перші ознаки вичерпаності класичного стилю Рафаеля, - риси холодної досконалості, захоплення ефектністю поз, надлишком жестикуляції. Ще більшою мірою це властиво фрескам ватиканської Станці дель Інчендіо (1514-17), виконаним за малюнками Рафаеля його помічниками Джуліо Романо та Дж. Ф. Пенні. Легкістю, витонченістю, багатством фантазії відрізняються чисто декоративні розписи, виконані помічниками Рафаеля за його малюнками в залі Психеї вілли Фарнезіна (бл. 1515-16) і т.з. Лоджія Рафаеля Ватиканського палацу (1518-19).

Римські Мадонни

У римський період Рафаель значно рідше звертається до образу Мадонни, знаходячи нове, глибше його рішення. У «Мадонні делла Седія» (бл. 1513, Пітті, Флоренція) юна мати в одязі римської простолюдинки, маленькі Іоанни Хреститель і Христос пов'язані воєдино круговим обрамленням (тондо); Мадонна ніби намагається вкрити у своїх обіймах сина - маленького Титана з недитячим серйозним поглядом. Нова, поліфонічно складна трактування образу Мадонни знайшла найповніше вираження у одному з найдосконаліших творів Рафаеля - вівтарі «Сикстинська Мадонна» (бл. 1513, Картинна галерея, Дрезден).

Портрети

Перші портрети відносяться до флорентійського періоду («Аньоло Доні», бл. 1505, Пітті, Флоренція; «Маддалена Строцці», бл. 1505, там же; «Донна Гравіда», бл.1505, там же). Однак тільки в Римі Рафаель подолав сухуватість і деяку скутість своїх ранніх портретів. Серед римських робіт виділяються портрет гуманіста Бальдассаре Кастільйоне (бл. 1514-15, Лувр) і т.з. «Донна Велата», можливо – модель «Сікстинської мадонни» (бл. 1516, Пітті, Флоренція), з їх благородним та гармонійним ладом образів, композиційною рівновагою, тонкістю та багатством колірного рішення.

Архітектурні твори

Рафаель залишив помітний слід і в італійській архітектурі. Серед його будівель - маленька церква Сан"Еліджо дельї Орефічі (закладена бл. 1509) з її строгим інтер'єром, капела Кіджі в церкві Санта Марія дель Пополо (закладена бл. 1512) інтер'єр якої є прикладом рідкісного навіть для епохи Відродження єдності архітектур , розроблений Рафаелем, - розписи, мозаїки, скульптури, і недобудована вілла Мадама.

Рафаель вплинув на подальший розвиток італійського та європейського живопису, ставши поряд з майстрами античності вищим зразком художньої досконалості.

Картини Рафаеля Санті:

"Німфа Галатея"

"Мадонна з немовлям"

"Святий Георгій бореться з драконом"

"Бачення пророка Єзеркіля" "Адам і Єва"

МікеланджелоБуонарроті

МИКЕЛАНДЖЕЛОБуонарроті (Michelangelo Buonarroti) (1475-1564), італійський скульптор, живописець, архітектор, поет. З найбільшою силою висловив глибоко людяні, сповнені героїчного пафосу ідеали Високого Відродження, і навіть трагічне відчуття кризи гуманістичного світогляду під час Пізнього Відродження. Монументальність, пластичність та драматизм образів, схиляння перед людською красоювиявилися вже у ранніх творах («Оплакування Христа», бл. 1497-98; «Давид», 1501-04; картон «Битва при Кашині», 1504-06). Розпис склепіння Сикстинської капели у Ватикані (1508-12), статуя «Мойсей» (1515-16) утверджують фізичну та духовну красу людини, її безмежні творчі можливості. Трагічні ноти, викликані кризою ренесансних ідеалів, звучать в ансамблі Нової сакристії церкви Сан-Лоренцо у Флоренції (1520-34), у фресці «Страшний суд» (1536-41) на вівтарній стіні Сикстинської капели, у пізніх варіантах бл. 1550-55) та ін. В архітектурі Мікеланджело панують пластичний початок, динамічний контраст мас (бібліотека Лауренціана у Флоренції, 1523-34). З 1546 р. керував будівництвом собору св. Петра, створення ансамблю Капітолію в Римі. Поезія Мікеланджело відрізняється глибиною думки та високим трагізмом.

Мікеланджело Буонарроті (Michelangelo Buonarroti) (1475, Капрезе - 1564, Рим), італійський скульптор, живописець, архітектор, поет, один з провідних майстрів Високого Відродження.

Юність. Роки навчання

Початкову освіту здобув у латинській школі у Флоренції. Навчався живопису у Гірландайо, скульптурі у Бертольдо ді Джованні в заснованій Лоренцо Медічі художній школі в Садах Медічі. Копіював фрески Джотто і Мазаччо, вивчав скульптуру Донателло, а 1494 року в Болоньї познайомився з роботами Якопо делла Кверча. У будинку Лоренцо, де Мікеланджело прожив два роки, він познайомився з філософією неоплатонізму, що надала сильний вплив на його світорозуміння і творчість. Тяжіння до монументальної укрупненості форм позначилося вже в перших його роботах - рельєфах «Мадонна біля сходів» (бл. 1491, Каза Буонарроті, Флоренція) та «Битва кентаврів» (бл. 1492, там же).

Перший римський період (1496-1501)

У Римі Мікеланджело продовжив розпочате в Садах Медічі вивчення античної скульптури, що стала одним із джерел його багатої пластики. До першого римського періоду належать антикізована статуя Вакха (бл. 1496, Національний музей, Флоренція) та скульптурна група «П'єта» (бл. 1498-99), що свідчить про початок творчої зрілості майстра.

Флорентійський період (1501-06). Статуя Давида

Повернувшись у 1501 до Флоренції, Мікеланджело отримав від уряду республіки замовлення створення 5,5-метрової статуї Давида (1501-04, Академія, Флоренція). Встановлена на головній площі Флоренції поруч із ратушею Палаццо Веккіо (нині замінена копією), вона мала стати символом свободи республіки. Мікеланджело зобразив Давида не у вигляді тендітного підлітка, що зневажає відрубану голову Голіафа, як це робили майстри 15 ст., а як прекрасного, атлетично складеного гіганта в момент перед битвою, повної впевненості та грізної сили (сучасники називали її terribilita – жахлива).

Одночасно в 1501-05 Мікеланджело працював над іншим замовленням уряду - картоном до фрески «Битва при Кашині», яка разом із розписом Леонардо да Вінчі «Битва при Ангьярі» мала прикрасити зал Палаццо Веккіо. Розписи не були здійснені, проте збереглася замальовка картону Мікеланджело, що провіщає динамікою поз і жестів розпису Сікстінського плафону.

Другий римський період (1505-16)

У 1505 р. папа Юлій II викликав Мікеланджело до Риму, доручивши йому роботу над своїм надгробком. Проект Мікеланджело передбачав створення, на відміну від традиційних для Італії цього часу пристінних надгробків, величного мавзолею, що вільно стоїть, прикрашеного 40 статуями більше людського зростання. Швидке охолодження Юлія II до цього задуму та припинення фінансування робіт викликало сварку майстра з татом і демонстративний від'їзд Мікеланджело до Флоренції у березні 1506. У Рим він повернувся лише у 1508, отримавши від Юлія II замовлення на розпис Сикстинської капели.

Розписи Сикстинської капели

Фрески Сікстинського плафона (1508-12) - найграндіозніший із здійснених задумів Мікеланджело. Відкинувши запропонований йому проект із фігурами 12 апостолів у бічних частинах склепіння та з орнаментальним заповненням його основної частини, Мікеланджело розробив власну програму розписів, яка досі викликає різні тлумачення. Розпис величезного склепіння, що перекриває велику (40,93 х 13,41 м) папську капелу, включає 9 великих композицій у дзеркалі склепіння на теми книги Буття - від «Створення світу» до «Всесвітнього потопу», 12 величезних постатей сивілл і пророків у бічних поясах склепіння, цикл «Предки Христа» в розпалубках і люнетах, 4 композиції в кутових вітрилах на теми чудового визволення іудейського народу. Десятки величних персонажів, що населяють цей грандіозний універсум, наділені титанічним виглядом та колосальною духовною енергією, виявляють незвичайне багатство найскладніших, пронизаних потужним рухом жестів, поз, контрапостів, ракурсів.

Надгробок тата Юлія II

Після смерті Юлія II (1513) Мікеланджело знову приступає до роботи над його надгробком, створює в 1513-16 три статуї - "Вмираючий раб", "Повсталий раб" (обидва в Луврі) і "Мойсей". Початковий проект, який неодноразово переглядався спадкоємцями Юлія II, не було здійснено. Відповідно до шостого за рахунком договору, укладеного з ними, в 1545 р. в римській церкві Сан-П'єтро ін Вінколі було встановлено двоярусне пристінне надгробок, що включило «Мойсея» і 6 статуй, виконаних на початку 1540-х рр. у майстерні Мікеланджело.

Чотири незакінчені статуї «Рабів» (бл. 1520-36, Академія, Флоренція), що спочатку призначалися для надгробка, дають уявлення про творчий метод Мікеланджело. На відміну від сучасних скульпторів він обробляв брилу мармуру не з усіх боків, а тільки з однієї, ніби витягуючи фігури з товщі каменю; у своїх віршах він неодноразово говорить про те, що скульптор лише вивільняє спочатку прихований у камені образ. Представлені в напружено-драматичних позах «Раби» ніби й самі намагаються вирватися з кам'яної маси, що їх сковує.

Капела Медічі

У 1516 р. папа Лев X Медічі доручив Мікеланджело розробити проект фасаду церкви Сан-Лоренцо у Флоренції, побудованої в 15 ст. Брунелески. Мікеланджело хотів зробити фасад цієї парафіяльної церкви роду Медічі «дзеркалом усієї Італії», але роботи було припинено через брак коштів. У 1520 кардинал Джуліо Медічі, майбутній папа Климент VII, доручив Мікеланджело перетворити Нову сакристію церкви Сан-Лоренцо на грандіозну усипальницю роду Медічі. Робота над цим проектом, перервана повстанням проти Медічі 1527-30 (Мікеланджело був одним із керівників трирічної оборони обложеної Флоренції), не була завершена на момент від'їзду Мікеланджело до Риму в 1534; виконані ним статуї було встановлено лише 1546.

Капела Медічі – складний архітектурно-скульптурний ансамбль, образний зміст якого породив різні тлумачення. Статуї герцогів Лоренцо та Джуліано Медічі, що сидять у неглибоких нішах на тлі архітектурної антикізованої декорації та одягнені в обладунки римських імператорів, позбавлені портретної подібності і, можливо, символізують Життя діяльне та Життя споглядальне. З графічно легкими обрисами саркофага контрастує пластична міць величезних статуй Дня і Ночі, Ранку та Вечору, що лежать на похилих кришках саркофагу в болісно-незручних позах, ніби готові сковзнути з них. Драматичний пафос цих образів Мікеланджело висловив у чотиривірші, написаному ним ніби від імені Ночі:

Мені солодко спати, а пущі - каменем бути,

Коли навкруги ганьба і злочин:

Не відчувати, не бачити – полегшення.

Замовкни ж, друже, до чого мене будити? (Пер. А. Ефрос).

Бібліотека Лауренціана

У роки роботи у Флоренції в 1520-34 склався стиль Мікеланджело-архітектора, що відрізняється підвищеною пластичністю та мальовничим багатством. Сміливо та несподівано вирішено сходи бібліотеки Лауренціана (проект бл. 1523-34, здійснено вже після від'їзду Мікеланджело до Риму). Монументальні мармурові сходи, майже повністю заповнюючи обширний вестибюль, починаючись прямо біля порога розташованого на другому поверсі читального залу, ніби випливає з дверного отвору вузьким маршем крутих сходів і, стрімко розширюючись, утворюючи три рукави, так само круто спускається вниз; динамічний ритм великих мармурових щаблів, спрямований назустріч тим, хто піднімається в зал, сприймається як сила, яка вимагає подолання.

Третій римський період. "Страшний суд"

Переїзд Мікеланджело до Риму в 1534 р. відкриває останній, драматичний період його творчості, що збігся із загальною кризою флорентійсько-римського Відродження. Мікеланджело зближується з гуртком поетеси Вітторії Колона ідеї релігійного відновлення, що хвилювали учасників цього гуртка, наклали глибокий відбиток з його світогляд цих років. У колосальній (17 х 13,3 м) фресці «Страшний Суд» (1536-41) на вівтарній стіні Сікстинської капели Мікеланджело відступає від традиційної іконографії, зображуючи не момент звершення Суду, коли праведники вже відокремлені від грішників, а його початок: Христос жестом піднятої руки обрушує на наших очах Всесвіт, що гине. Якщо в Сикстинському плафоні джерелом руху були титанічні людські постаті, то тепер їх захоплює, немов вихор, зовнішня сила, що перевершує їх; персонажі втрачають свою красу, їх титанічні тіла ніби спухають горби м'язів, що порушують гармонію ліній; повні розпачу руху та жести різання, дисгармонійні; праведники, які захоплюються загальним рухом, не відрізняються від грішників.

За свідченням Вазарі, папа Павло IV у 1550-ті роки. збирався збити фреску, але натомість художнику Даніеле да Вольтерра було доручено «одягти» святих або прикрити пов'язками на стегнах їхню наготу (ці записи були частково видалені під час реставрації, що закінчилася в 1993).

Трагічним пафосом пройняті й останні мальовничі роботи Мікеланджело – фрески «Розп'яття апостола Петра» та «Падіння Савла» (1542-50, капела Паоліна, Ватикан). У цілому нині пізній живопис Мікеланджело справила визначальний вплив формування маньеризма.

Пізні скульптури. Поезія

Драматична складність образного рішення та пластичної мови відрізняє пізні скульптурні роботи Мікеланджело: «П'єта з Никодимом» (бл. 1547-55, собор Флоренції) та «П'єта Ронданіні» (незакінчена група, бл. 1555-64, Кастелло Сфорцеско).

В останній римський період написано більшість із віршів Мікеланджело, що дійшли до нас, відмінних філософською глибиноюдумки та напруженою виразністю мови.

Собор св. Петра

У 1546 році Мікеланджело був призначений головним архітектором собору св. Петра, будівництво якого було розпочато Браманте, що встигло звести до моменту смерті (1514) чотири гігантські стовпи та арки середохрестя, а також частково один з нефів. За його наступників - Перуцці, Рафаеле, Сангалло, які частково відійшли від плану Браманте, будівництво майже не просунулося. Мікеланджело повернувся до центричного плану Браманте, одночасно укрупнивши всі форми та членування, надавши їм пластичної сили. Мікеланджело встиг за життя закінчити східну частинусобору та тамбур величезного (42 м у діаметрі) купола, зведеного після його смерті Джакомо делла Порта.

Ансамбль Капітолію

Другим грандіозним архітектурним проектом Мікеланджело став завершений лише у 17 ст. ансамбль Капітолію. Він включає перебудований за проектом Мікеланджело середньовічний палац Сенаторів (ратушу), увінчаний вежею, і два величні палаци Консерваторів з однаковими фасадами, об'єднаними потужним ритмом пілястрів. Встановлена в центрі площі антична кінна статуя Марка Аврелія і широкі сходи, що спускаються до житлових кварталів міста, довершили це ансамбль, який зв'язав новий Рим з грандіозними руїнами стародавнього Римського форуму, розташованими по інший бік Капітолійського пагорба.

Похорон у Флоренції

Незважаючи на неодноразові запрошення герцога Козімо Медічі, Мікеланджело відмовлявся повернутися до Флоренції. Після його смерті його тіло було таємно вивезено з Риму і урочисто поховано в усипальниці знаменитих флорентійців - церкви Санта-Кроче.

Роботи Мікеланджело Буонарроті:

“ Давид ”

“ Відділення світла від темряви ”

"Створення Сонця та Місяця"

Епоха Відродження - одна з найбільш вражаючих сторінок історії світового мистецтва. Вона охоплює близько трьох століть (XIV – XVI ст.). У порівнянні з епохами Стародавнього світу (близько 5000 тисяч років), середньовіччя (близько 1000 років), Відродження є дуже коротким періодом часу. Проте за кількістю геніальних творів мистецтва, новизною та сміливістю пошуків майстрів тієї епохи художня спадщинаВідродження не поступається попереднім етапам розвитку світового мистецтва.

Батьківщиною Відродження стала Італія. Вже в XIV столітті у творах великого італійського поета-гуманіста Франческо Петрарки (1304-1374) з'явилося поняття Рінашіменто - Відродження (французькою "Ренесанс").

У цей час були закладені основи сучасної науки, високого рівнядосягає література, що отримала з винаходом друкарства німцем Йоганом Гутенбергом раніше небачені можливості розповсюдження. У цей час роблять свої відкриття Христофор Колумб, Коперник, пишуть свої безсмертні твори великі італійці Данте, Петрарка, французи Франсуа Рабле, автор роману Гаргантюа і Пантагрюель, Мішель Монтень, творець знаменитих Досвідів. Трагедії Шекспіра, "Дон Кіхот" Сервантеса, що вражають глибиною проникнення в психологію людини, знанням її пристрастей і устремлінь, були написані в епоху Відродження.

Світоглядною основою ренесансської культури стає філософський напрямок гуманізму (від латинського "гуманус" - людина). Людина знову стає "мірою всіх речей". Девізом мистецтва епохи Відродження можна було б узяти слова, вкладені італійським гуманістом XV ст. графом Піко делла Мірандола в його панегіриці, в уста Бога-творця, що звертався до людини: "Я ставлю тебе до центру світу..."

На відміну від романської та готичної культури середньовічна культура Відродження мала світський характер, хоча основне коло сюжетів залишалося пов'язане з міфологічною та біблійною тематикою. Епоха Ренесансу протиставила церковним догматам світосприйняття гуманістів, які утверджували цінність людської особистості.

Однією з основ мистецтва Відродження стає по-новому зрозуміла спадщина античності.

Ідеали гуманізму знайшли своє відображення і в архітектурі: споруди набувають ясного гармонійного вигляду, їх пропорції та масштаби співвідносяться з людиною.

Справжнім засновником у образотворчому мистецтві Високого Відродження був геніальний флорентієць Леонардо да Вінчі (1452-1519)

Рукописи Леонардо свідчать, що він був не лише великим живописцем та скульптором, а й архітектором, механіком, інженером, ботаніком, анатомом.

Будучи різнобічно обдарованою людиною, Леонардо да Вінчі цікавився всім, що його оточувало, записуючи свої враження в блокнот, який завжди носив при собі. "Віддаючись невгасимій спразі знань, я мрію збагнути походження численних створінь природи", - говорив він про себе. Все своє життя художник розглядає світ з усім різноманіттям його форм, як творіння природи, що має свій "власний розум", закликаючи художників бути посередниками між природою та мистецтвом.

Популярне в рубриці: