Що таке картина у літературі. Модульні картини в інтер'єрі

Картина- Твір живопису, що володіє закінченим характером (на відміну від ескізу та етюду) та самостійним художнім значенням. Складається з основи (полотна, дерев'яної або металевої дошки, картону, паперу, каменю, шовку тощо), ґрунту та барвистого шару. Картина – один із видів станкового мистецтва. Картини бувають різних жанрів. Створюючи картину, художник спирається на натуру, але у процесі велику роль грає творчу уяву. Кінець 19 століття у всій Європі відзначений новим динамічним поглядом на світ. Художник рубежу століть повинен був відповідати постійно мінливому життю: не стільки відображати навколишній світ (цим тепер займаються фотографія та кіно), скільки зуміти виразити в картині свою індивідуальність, свій внутрішній світ, власне бачення. У картинах видатних живописців досягнуто вершин мистецтва. У різноманітних течіях модернізму відбувається втрата сюжету і відмови від образотворчості, цим поняття картини значно переглядається. Деякі художники, що належать до різних шкіл живопису, відійшли від зображення світу (людей, тварин, природи) таким, яким ми його бачимо. На їх мальовничих полотнах світ постає деформованим, іноді зовсім невпізнанним, бо художники керуються більше своєю уявою, ніж зоровим сприйняттям навколишніх явищ.

У розвитку живопису картина грає найважливішу роль.

Репродукцію також можна назвати картиною, якщо у відповідному контексті не важливо, копія це чи оригінальний твір.

Картина в переносному або більше загальному значенні- будь-який закінчений, цілісний витвір мистецтва, у тому числі - живий і яскравий опис, усне чи письмове, вид природи.

Живопис - це мистецтво площини та однієї точки зору, де простір та обсяг існують лише в ілюзії. Живопис завдяки складності образотворчих засобівздатна створити на площині таку глибину ілюзорного простору та багатовимірність художньої реальності, яка непідвладна іншим способам зображення. Кожна картина виконує дві функції - образотворчу та експресивно-декоративну. Мова художника цілком зрозумілий лише тому, хто усвідомлює декоративно-ритмічні функції поверхні картини.

В естетичному сприйнятті всі функції картини (і декоративні, площинні та образотворчі, просторові) повинні брати участь одночасно. Правильно сприйняти і зрозуміти картину - це означає одночасно, неподільно побачити і поверхню, і глибину, і візерунок, і ритм, і зображення.

Естетичне сприйняття картини багато в чому виграє, коли вона полягає у відповідну раму, що відокремлює живопис від навколишнього світу. Східний тип картини зберігає традиційну форму вільно висить розгорнутого сувого (горизонтального або вертикального). Картина, на відміну монументального живопису, не пов'язана жорстко з певним інтер'єром. Вона може бути знята зі стіни та повішена по-іншому.

Глибина ілюзорного простору картин

Професор Річард Грегорі описав "дивні властивості картин": «Картини - унікальний клас предметів, тому що вони одночасно видно і власними силами, і як щось зовсім інше, ніж просто аркуш паперу, на якому вони намальовані. Картини парадоксальні. Жодний об'єкт не може перебувати у двох місцях одночасно; ніякий об'єкт не може бути одночасно двовимірним та тривимірним. А картини бачимо саме так. Картина має цілком певний розмір, і водночас вона показує справжню величину людського обличчя, будівлі або корабля. Картини – неможливі об'єкти.

Здатність людини реагувати на відсутні, уявні ситуації, представлені в картинах, є важливим етапому розвитку абстрактного мислення».

Як створюються картини

Картина – це духовний світхудожника, його переживання та почуття виражені на полотні чи папері. Пояснити, як створюються картини, складно – краще це побачити самому. Неможливо передати словами, як художник зафарбовує полотно, яким пензлем він торкається полотна, які фарби вибирає. Під час роботи все стають одним цілим: художник, пензель та полотно. І вже після першого помаху пензлем у майстерні починає діяти особливе диво живопису.

Картини не просто розфарбоване полотно, вони впливають на почуття та думки, залишають слід у душі, пробуджують передчуття.

Як створюється картина?

Здавалося б, фарбами, пензлями, на полотні. Можливо ще одна універсальна відповідь: по-різному.

Методи роботи над картиною постійно змінювалися протягом історії мистецтва. Художники італійського Відродженняпрацювали зовсім інакше, ніж Рембрандт чи " маленькі голландці " XVII століття, романтики - інакше, ніж імпресіоністи, абстракціоністи, сучасні нам художники-реалісти. Та й у рамках однієї епохи і навіть одного напряму можна зустріти велику різноманітність.

Художників-реалістів минулого та сьогодення (якщо розуміти реалізм у широкому значенні слова) об'єднує таке:

Створення повноцінного твору, даному випадкукартини, портрета чи пейзажу, неможливо без глибокого вивчення життя, активного ставлення до нього автора. Засобами художнього пізнання життя є робота з натури, зорові враження, аналіз та синтез життєвих явищ.

Створення картини – складний, трудомісткий творчий процес, результати якого визначаються не витраченим часом, а мірою таланту, майстерності художника, силою та дієвістю оригінального образного рішення. Найважливішими віхамицього процесу є зародження і конкретизація задуму, безпосередні спостереження, ескізи, етюди з натури, що написання картини з обов'язково творчою, активною переробкою життєвого матеріалу.

І коли в музеї чи на виставці глядач підходить до картини, то перш ніж винести про неї своє судження, він повинен пам'ятати, що за нею завжди стоїть жива людина, художник, який вклав у роботу шматок свого життя, серце, нерви, талант і майстерність. Можна сміливо сказати, що картина - це здійснена мрія художника.

Г. С. ОСТРОВСЬКИЙ

Завершеність картини

У житті багато буває випадково - у картині таких випадковостей бути не може, у ньому все має бути завершено, логічно. У який момент картина вважається завершеною?

Віртуозний рембрандтовський пастозний мальовничий мазок, що так високо цінується пізніше і в наш час, викликав у сучасників Рембрандта лише подив і породжував глузування і гостроти з його приводу. Заперечуючи своїм критикам, Рембрандт заперечував правильність їхнього розуміння закінченості мальовничого твору, протиставляючи їм своє розуміння її, яке він формулював таким чином: картину має вважати закінченою тоді, коли митець сказав у ній усе, що він хотів. Щоб не чути докучливих йому питань про «незакінченість» його картин, Рембрандт перестав дозволяти близько підходити до них наївним відвідувачам своєї майстерні, які дивилися з великою цікавістю на бравурні мазки його живопису, лякаючи їх тим, що до картин не слід підходити дуже близько, оскільки нюхати їхні фарби шкідливо для здоров'я.

Матісс про свій живопис:

"Я просто намагаюся покласти на полотно ті кольори, які виражають моє відчуття. Необхідна пропорція тонів може змусити мене змінити форму фігури або змінити композицію. Поки я цієї пропорції не досяг у всіх частинах картини, я її шукаю і продовжую роботу. Потім настає момент, коли всі частини знаходять остаточні співвідношення, і тоді не можу доторкнутися до картини, не переробляючи її всю заново " .

Починаючи приблизно з імпресіоністів, категорії малюнка, форми і колориту тісно пов'язані, зрослися, здаються безперервним процесом: малюнок і колорит, ліплення та композиція, тон і лінія виникають і розвиваються ніби в один час. Процес писання картини може, так би мовити, продовжуватися безмежно, момент закінчення роботи є дещо умовним: у будь-якому місці полотна художник може продовжувати її, накладаючи нові мазки на подібні, але нижчі. Найбільш яскравим та послідовним представником цієї системи є Сезанн. У листах і записаних розмовах він неодноразово формулював цей змішаний чи, вірніше, нерозчленований метод живопису. Будь-якої миті робота над картиною може бути перервана, але твір не втратить естетичної повноцінності. Будь-якої миті картина готова.

Зв'язок образотворчого простору картини з реальним простором

Художник і теоретик мистецтва В. А. Фаворський в курсі теорії композиції наголошував, що істинно художньому твору від народження притаманне двоїсте існування: як предмета в навколишньому просторі і як щодо замкнутого світу з власними просторово-часовими відносинами. У живопису така мета досягається узгодженням внутрішньої конструкції картини з рамою, у скульптурі – з навколишнім простором (класичний приклад: статуя у ніші).

Для зв'язку образотворчого простору з реальним простором, де знаходиться глядач, використовується рама картини. Художники обіграють також багаторазове "репродукування рами" у самому зображенні, зорові рими, повтори вертикалей та горизонталей. Одним із характерних прийомів, що дозволяють візуально "зміцнити" зображення в межах прямокутного формату, є "скос кута". Відокремлення живопису від архітектури породило певну систему сприйняття станкової картини. Основним змістом картини стає вираз цілісного уявлення простору. Композиція втілюється в експозицію, в якій глядач має бути перед перетвореним світом просторово-часових відносин і бачить себе в ньому як у дзеркалі. Так прозоре скло епохи Відродження перетворилося на дзеркало епохи Класицизму та Бароко. Для мистецтва постренесансної епохи характерні обігравання відображень у дзеркалі, введення в композицію картини фігур-медіаторів, осіб, які своїм становищем, поглядом чи жестом руки вказують на дію, що відбувається в глибині картини, ніби запрошують увійти до неї. Крім рами в подібних композиціях виникає проскеніум - передня частина сцени, куліси, потім середній план, в якому відбувається головна дія, і фон - задник.

Головні постаті художник зазвичай поміщає в середньому картини, встановлюючи їх на уявну горизонталь як на постамент. Від положення цієї опорної горизонтальній лініїзалежить глибина " просторового шару " (у планиметричному відношенні - вище чи нижче щодо нижнього краю рами картини). Відкладаючи горизонталь багаторазово вгору, художник створює певний ритм руху на глибину уявного простору. Завдяки цьому навіть на невеликому полотні можна зобразити простір будь-якої протяжності з будь-якою кількістю фігур та предметів. У подібній експозиції доводиться спеціально звертати увагу глядача на те, що одні предмети знаходяться ближче, інші далі. Для цього застосовуються "покажчики": перспективне зменшення, введення масштабних орієнтирів (маленькі фігурки людей на далекому плані), перекривання планів, тональний контраст, тіні, що падають від джерела світла всередині або поза картиною. Іншим орієнтиром уявного руху глядача у просторі картини є діагоналі, головна їх - " діагональ входу " (зазвичай зліва направо).

Картина у картині

Зображення у зображенні

«Зображення у зображенні» може використовуватись у спеціальній композиційній функції. Подібна ієрархічна організація представлена ​​у разі зображення картини у картині (а також фресок у настінних розписах тощо).

"Картина у картині" - композиційний прийом, що у мистецтві класичної живописної картини XVI-XVII ст. Картина у картині може бути наділена особливим прихованим змістом.

Композиційний прийом «картина у картині» може виконувати кілька завдань:

• висловлювати ідею
• роз'яснювати сюжет
• протиставляти чи створювати гармонію
• бути деталлю обстановки (інтер'єру)

Найчастіше зображення тла у мальовничому творі можна зрозуміти як свого роду картина у картині, тобто самостійне зображення, побудоване за своїми спеціальними закономірностям. При цьому зображення фону більшою мірою, ніж зображення фігур на основному плані, підпорядковується суто декоративним завданням, можна сказати, що тут часто зображується не сам світ, але декорація цього світу, тобто представлено не саме зображення, а зображення цього зображення.

У голландців географічна карта, шпалера, картина, відкрите вікнояк включений у картину образ розширюють межі світу або служать розвитку алегоричного сенсу основного сюжету. Вермеєр, відкриваючи завісу майстерні, стає поводирем за трьома рівнями реальності: простором глядача, простором своєї майстерні, простором художнього твору (полотно, що стоїть на мольберті), уподібнюючи ці метаморфози плаванню океанами, нанесеним на географічну картуабо політ над нанесеною на карту землею.

Перетікання реальності – мистецтва – міфу можна спостерігати і у Веласкеса, який охоче вдається до прийому «картина в картині», прикладом чого можуть служити «Меніни» та «Пряхи».

"Картина в картині" є і у "Венері перед дзеркалом" Веласкеса, але туманне дзеркало лише відображає тінь богині кохання.

Картина та рама

Будь-яке зображення, створене художником, крім лише древніх наскельних малюнківмає обрамлення. Обрамлення - необхідна та важлива частинакомпозиції, воно завершує її, надає єдності. Обрамлення може бути на тій самій площині, де виконано і сама мальовнича чи графічна композиція. Воно ж може бути створене спеціально як рельєфна форма за допомогою декоративних, скульптурних і архітектурних елементів. Найчастіше зустрічаються обрамлення прямокутної форми, дещо рідше – круглої та овальної.

Рама допомагає виділити мальовничий твір з довкілляяк щось особливе і гідне уваги, разом із тим і пов'язує його з оточенням. Так, якщо стиль рами збігається з художнім виглядом, строєм та характером інтер'єру, де знаходиться картина, це сприяє цілісності ансамблю. Залежно від кольору, насиченості декоративними та скульптурними деталями рама значно впливає на загальне враження від мальовничого образу. Все це дозволяє говорити про єдність картини і рами, де обрамлення виконує, звичайно, не головну, але дуже потрібну функцію.

Шляхи розвитку станкового живопису були складними. Якою яскравою віхою в її історії став перехід від середньовіччя до Ренесансу! Найбільш істотним у ньому стало прагнення уникнути застиглості і абстрактності іконного зображення, що панував у середньовіччі. Приблизно в XIV столітті народжується картина в сучасному значенні цього слова, а разом з нею з'являється і рама, одягнена поки що в мереживо готичної декорації.

Перші рами не протиставлялися повністю всьому зображенню і відокремлювалися від нього; матеріали обох були подібні, умовна позолота фону, наприклад, давньоруської ікони чи візантійської переходила на обрамлення, та й саме зображення нерідко "виплескувалося" на нього. Потім межі між картиною і рамою стали зізнаватися дедалі визначніше. Все ж таки як якась пам'ять про попередні століття у рами зберігся її золотий колір. Коли з живопису зник золотий фон, що позначав світ божественного, позолоченість рами стала сприйматися умовно, інакше кажучи - як необхідний атрибут обрамлення, що допомагав виділяти у приміщенні картину, залучати до неї погляд глядача.

В епоху Ренесансу панувало уявлення про живопис як про погляд у світ через вікно, рама своїми формами дуже ясно натякала на уявлення, що існувало, і відповідала йому. Ці пишні, урочисті рами виготовлялися за малюнками художників у спеціальних майстернях або помічниками художника, які працювали в його майстерні.

У епоху Відродження живопис постійно порівнювали з дзеркалом, у якому відбивається дійсність, і рама, створена на кшталт орнаментальної оправи дзеркала, ще більше підкреслювала таке порівняння. Ця рама могла виготовлятися не тільки з дерев'яних рейок та гіпсу, але й із дорогоцінних матеріалів, включаючи срібло, слонову кістку, перламутр тощо. Коштовність матеріалів начебто відповідала коштовності живопису, посилювала її.

Старі майстри були дуже уважні до рами, враховували її вплив у процесі роботи, іноді навіть писали в готовому обрамленні, зважаючи на певний тон і декоративний ритм рами. Тому композиції старих майстрів часто дуже виграють у початкових рамах.

Спостереження над рамами старих майстрів дозволяють встановити ще один принцип - відповідність між профілем і шириною рами та розміром картини: так, голландські живописці мали звичай вставляти свої невеликі картиниу великі рами з глибоким, прямовисним профільуванням, яке ніби веде око до центру картини і ізолює її від будь-якого впливу оточення

На початку XX століття почали лунати голоси, які закликають взагалі відмовитися від рам, як від чогось надто матеріального, що "заземляє" духовність мистецтва. Різні художники авангардистських напрямів, сприйнявши такі заклики, почали виставляти твори без рам. Проте внаслідок такого нововведення самі їхні твори вже переставали бути картинами у тісному значенні цього слова. Це були якісь "об'єкти", "плями", найчастіше позбавлені ясного сенсу.

Хоча тепер немає одного стилю в оформленні рам, як було колись, але є більша, ніж раніше, відповідність рами індивідуальній манері художника.

У останнім часомна художніх виставкахможна помітити, що інертність щодо оформлення рам (нехай, мовляв, буде, а яка - не така важлива), яка виявлялася в минулому і в наших художників, починає долатися. Рами фарбують у різні тони, на них нерідко поміщаються невеликі додаткові зображення та написи, живописцям допомагають скульптори – з'являються рами з багатими пластичними мотивами.

Формат картин

Існують, однак, два специфічні елементи картини, які хіба що створюють перехід від площини до зображення, одночасно належать і до реальності картини, і її фікції - формат і рама. Може здатися, що формат картини – лише інструмент художника, але не безпосередній вираз його творчої концепції: адже художник лише обирає формат. А тим часом характер формату тісно пов'язаний з усією внутрішньою структурою художнього твору і часто навіть вказує правильний шлях до розуміння задуму художника. Як правило, формат обирається на початок роботи художника. Але відома низка художників, які любили під час роботи змінювати формат картини, то відрізаючи від неї шматки, то додаючи нові (особливо охоче цей робив Веласкес).

Найпоширенішим форматом для картини є чотирикутний, причому чистий квадрат зустрічається значно рідше, ніж чотирикутник, більш менш витягнутий вгору або вшир. Деякі епохи цінують круглий формат (tondo) чи овал. Вибір формату не має випадкового характеру, формат зазвичай виявляє глибоку, органічний зв'язокяк зі змістом художнього твору, з його емоційним тоном, і з композицією картини, у ньому однаково яскраво відбивається і індивідуальний темперамент художника, і смак цілої епохи. Прихований причинний зв'язок між форматом та задумом митця ми відчуваємо перед кожною картиною, від якої виходить чарівність справжнього художнього твору. Є картини, зміст яких настільки зрісся з характером формату, що найменше переміщення пропорцій, здається, мало б порушити стилістичну та ідейну рівновагу картини.

Горизонтальний, витягнутий формат, загалом, безумовно більш придатний для оповідальної композиції, для послідовного розгортання руху повз глядача. Тому до такого формату охоче звертаються художники, налаштовані епічно, які прагнуть активної композиції, дії,- наприклад італійські живописці XIV і першої половини XV століття (особливо у фрескових композиціях). Навпаки, формат квадратний або такий, у якому висота дещо переважає над шириною, як би одразу зупиняє динаміку дії та надає композиції характеру урочистої репрезентації – саме цей вид формату надавали перевагу для своїх вівтарних картин майстра Високого Відродження ("Сикстинська мадонна"). У свою чергу, при значному переважанні висоти над шириною композиція знову набуває динаміки, сильної тяги, але цього разу вгору або вниз; такий вузький формат був особливо до душі художникам аристократичним, декоративним (Кривеллі) або налаштованим містично (маньєристи, Греко ), які прагнуть втілити певні емоції, настрої.

Безперечним є також зв'язок формату з індивідуальним темпераментом художника: чуттєва, динамічна фантазія Рубенса вимагає більшого формату, ніж стримана і одухотворена фантазія Рембрандта. Нарешті, формат знаходиться у прямій залежності від мальовничої техніки. Чим ширше, вільніше мазок художника, тим природніше його прагнення великого формату.

Зображення, акварель, панно, пастель, краєвид, холст, ескіз, етюд, голівка, nature morte; мозаїка. Порівн. . .. Див. зображення ... Словник російських синонімів і подібних за змістом виразів. під. ред. Н. Абрамова, М: Російські словники, 1999. картина … Словник синонімів

Картина, картини, жен. 1. Твір живопису у фарбах. Жанрова картина. Акварель картини. 2. Кінематографічний фільм. 3. Ряд образів, що відрізняються наочністю та утворюють єдине ціле. Природа картини. Картина далекого минулого. Це… … Тлумачний словникУшакова

Твір живопису, що має самостійне художнє значення і має властивість закінченості (на відміну від етюду та ескізу). Картина, як правило, не пов'язана, подібно до фрески або книжкової мініатюри, з певним інтер'єром. Художня енциклопедія

- (Іноск.) Красива зовнішність. Порівн. «Подивишся, картина, а розглянеш, худоба». Порівн. Зубки в роді мигдалів, Очі, як коринка, Голос, що твій соловей, І собою картинка. Булочник. (Ком.) Порівн. Bildschön … Великий тлумачно-фразеологічний словник Міхельсона (оригінальна орфографія)

КАРТИНА, ы, жен. 1. Твір живопису. Малюнки російських художників. Розвісити картини. 2. Те саме, що фільм (у 2 знач.) (розг.). 3. Зображення чого зв. в художній твір. побуту. 4. Те, що можна бачити, оглядати чи… Тлумачний словник Ожегова

Жінки. картинка, нічка · зменшить. картина презирливе картинища · повів. мальовниче зображення, особ. у фарбах; | усне або письмове живе та яскраве зображення; | чудовий вид природи. | у покрівельників: два залізні листи разом склепаних. Тлумачний словник Даля

Рєпіна «Припили». Жарг. мовляв. Жарт. іронії. 1. Про невиправдані надії, невдачу, провал. 2. Про що л. абсурдному, незрозумілому, заплутаному. БСРЖ, 245; Вахітів 2003, 74. Сльозна картина. Сиб. Про те, що дуже шкода, до сліз шкода комусь л. ФСС, 91. За… … Великий словникросійських приказок

картина- КАРТИНА, панорама, полотно, полотно, розг., пренебр. мазня, розг., пренебр. пачкотня … Словник-тезаурус синонімів російської мови

- «КАРТИНА», СРСР, 1989, кол., 40 хв. Трагікомедія, телевистава. за однойменній п'єсіВ.Славкіна. Інженера, який проживає в готельному номері, відвідує місцевий художник невдаха, автор картини, що багато років висить на стіні цієї кімнати. Колись… Енциклопедія кіно

картина- Картина, ы, ж. Обличчя. Дай йому у картину. Картиною в калюжу. можл. арготизм 19 ст.; зустрічається, напр., у А. П. Чехова... Словник російського арго

картина- (Напр. явища) [А.С.Гольдберг. Англо-російський енергетичний словник. 2006 р.] Тематики енергетика загалом EN picture … Довідник технічного перекладача

Книги

• Картина, Гранін Данило Олександрович. Данило Гранін, лауреат Держпремії Росії та двічі лауреат Держпремії СРСР, у романі "Картина" знову звертається до проблем великого громадського звучання. Дія книги розгортається в...

Ми звикли бачити у музеях картини, написані різними фарбами: темперними, олійними, аквареллю. Але чи часто ми замислюємося над тим, як вони з'явилися, і хто був їхнім творцем? Вперше фарбою, якою послужила насправді глина, скористався ще первісна людина. Потім він почав змішувати глину, вугілля та інші природні барвники з жиром, що можна вважати вже першою справжньою фарбою. Пройшли цілі тисячоліття до появи фарби, яку почали використовувати художники.

Яєчна темпера

Такою фарбою стала яєчна темпера. Особливо популярною вона стала в епоху Відродження, коли нею працювали такі великі майстри як Рафаель, Леонардо да Вінчі та Мікеланджело. Темпера складалася з яєчного жовтка, води та сухих пігментів. На той час художники були змушені самі виготовляти фарби. Вони розтирали глину, рослинні мінерали, ягоди і навіть комах у дрібний порошок, потім змішували з водою та яєчним жовтком. Темпера вимагала від художників особливих навичок роботи. Ця рідка червона на диво швидко висихала. Це змушувало майстрів працювати дуже швидко, щоб зберегти єдність малюнка.

Масляні фарби

Справжню революцію в живописі справив у 15 столітті винахід масляних фарб Яном Ван Ейком. Як сполучну речовину він використовував лляну олію, замість звичного передусім яєчного жовтка. Строго кажучи, вони були відомі до нашої ери. Це підтверджують після руйнування Баміанських статуй Будди знайдені залишки фарб. Відомо, що олії для барвистих складів використовували й античні живописці. Різні трактати 8-12 століть говорять про використання лляної олії. Проте, речових підтверджень не збереглося. Масляні фарбибагато в чому перевершували яєчну темперу. Насамперед художників підкуповувала її пластичність. Масляні фарби легко змішувалися, що дозволяло створювати нові кольори. Фарби почали накладати тонкими шарами. Така техніка найкраще передавала простір, об'єм та глибину кольору.

Акварель

Незважаючи на те, що її поява відносять до 2 століття н.е., широку популярність вона набула лише на рубежі 18-19 століть. До її складу входять дрібно розтертий пігмент і легко розчиняються у воді клеї рослинного походження. Ця фарба розлучається водою і наноситься на папір. Специфіка акварельної технікиукладена у її прозорості. Аквареллю створюються легкі, ніжні, наче наповнені повітрям картини. Але є каверза: переробити малюнок або записати шар, як у олійного живописунаприклад, неможливо. При змішуванні кольорів більше двох, трьох фарба втрачає яскравість та чистоту, а при змиванні барвистого шару деформується папір, що призводить до появи бруду.

Починаючи з тих далеких часів фарби створювалися на основі натуральних компонентів: рослинних олій, деревної смоли та натуральних барвників. Але на початку ХХ століття хіміки, що працюють для великих виробників фарб, почали винаходити нові формули фарб. Саме у 20 столітті починається історія фарб, які можна бачити у магазинах сьогодні. Багато хто з них містить синтетичні компоненти, але нічим не поступається натуральним.

• Картина в живопису - витвір мистецтва, що має закінченим характером (на відміну від ескізу та етюду) та самостійним художнім значенням. На відміну від фрески чи книжкової мініатюри, картина не обов'язково пов'язана з певним інтер'єром чи системою декорування. Картина - одне із найбільш типових видів станкового мистецтва. Створюючи полотно, художник спирається на натуру, але у цьому велику роль грає творчу уяву. У розвитку живопису картина відіграє провідну роль.

  Складається з мальовничої основи (полотна, дерев'яної або металевої дошки, картону, паперу, каменю, шовку тощо), ґрунту та барвистого шару.

  Картина в драмі, опері, балеті, у кіномистецтві - закінчена частина акту чи твори, обмежена незмінним простором дії. При постановці на сцені зазвичай показується без зміни декорацій.

  Картина в переносному або більш загальному значенні - будь-який закінчений, цілісний витвір мистецтва, у тому числі - живий і яскравий опис, усний або письмовий, видів природи.

  Репродукція або копія оригіналу може також називатися картиною, якщо у відповідному контексті не має значення, копія це або оригінальний твір. Наприклад, «у коридорі висіла кілька картин». Якщо Ви не використовуєте сучасне освітлення(електрика, свічки і т.д.), перш ніж почати роботу над картиною (живопис) бажано засікти час, використовуючи сонячний годинник в один і той же день року, наприклад, якщо Ви почали писати картину о 13.00 і продовжували її писати протягом однієї години до 14.00 25 липня 1979 року, наступний сеанс листа у Вас буде з 13.00 до 14.00 25 липня 1980 року. Ця вимога пов'язана з астрономічним становищем нашої планети щодо сонця. Необхідно також усвідомлювати, що є картини (особливо старих майстрів) просочені отрутами, оскільки є отруйні рослини, рідини та мінерали, які використовувалися для їхнього написання.

  Професор Річард Грегорі описав «дивні властивості картин»: «Картини - унікальний клас предметів, тому що вони водночас видно і власними силами, і як щось зовсім інше, ніж просто аркуш паперу, на якому вони намальовані. Картини парадоксальні. Жодний об'єкт не може перебувати у двох місцях одночасно; ніякий об'єкт не може бути одночасно двовимірним та тривимірним, а картини ми бачимо саме так. Картина має певний розмір, і водночас вона показує справжню величину людського обличчя, будівлі чи корабля. Картини – неможливі об'єкти. Картини важливі, тому що око бачить у них відсутні предмети. Біологічно це надзвичайно дивно.

  Здатність людини реагувати на відсутні, уявні ситуації, представлені в картинах, є важливим етапом у розвитку абстрактного мислення.

  Йоганн-Вольфганг Гете писав: «Картини не просто розфарбоване полотно, вони впливають на почуття та думки, залишають слід у душі, пробуджують передчуття».