heim › Chassis › Die Arbeit eines Theaterkritikers. Theaterkritiker

Die Arbeit eines Theaterkritikers. Theaterkritiker

Dissertationen sind marode, kritische Studien bleiben.

L. Grossmann

Mir schien immer, dass wir uns selten mit eigentlicher Theaterkritik befassen. So wie ein Schauspieler in seinem Leben nur wenige Male (laut den Aufzeichnungen der Großen) die Zustände der Flucht, der Schwerelosigkeit und dieses magische „Nicht-Ich“, Reinkarnation genannt, verspürt, so kann ein Theaterschriftsteller das selten von sich behaupten beschäftigte sich mit Kunstkritik. Es lohnt sich kaum zu zählen Theaterkritik im wahrsten Sinne des Wortes flüssige und oberflächliche Aussagen über die Aufführung oder theatralische Schlussfolgerungen, die auf ihren Platz unter anderen Bühnenphänomenen hinweisen. Unsere Texte, insbesondere Zeitungstexte, sind eine Art Symbiose von Theaterwissenschaft und Journalismus, sie sind Notizen, Betrachtungen, Analysen, Eindrücke, was auch immer, während das Wesen der Theaterkritik, das die Souveränität des Berufsstandes bestimmt, etwas anderes ist. Theaterkritik schien immer eine tiefere, organischere, ursprünglich künstlerische Beschäftigung zu sein.

Wenn Regisseure oder Schauspieler (und das passiert immer) sagen, dass die Natur ihrer Arbeit mysteriös und für Kritiker unverständlich ist (lass sie gehen und eine Aufführung machen, um zu verstehen ...) - das ist erstaunlich. Die Beziehung des Kritikers zum Text der Aufführung, der Prozess seines Verstehens ähnelt dem Akt, eine Rolle zu kreieren oder eine Regiepartitur zu komponieren. Mit einem Wort: Theaterkritik ist Regie und Schauspiel zugleich ähnlich. Diese Frage wurde nie gestellt, und selbst dass Kritik Literatur sein sollte, ist vielen Theaterkritikern oft nicht klar.

Beginnen wir damit.

Kritik als Literatur

Sei nicht beleidigt, ich werde dich daran erinnern. Die russische Theaterkritik entstand ausschließlich unter der Feder großer Schriftsteller. Sie waren die Begründer vieler Genres. N. Karamzin ist der Autor der ersten Rezension. P. Vyazemsky - Feuilleton (nehmen wir zumindest das über "Lipetsk Waters"), er ist auch Autor eines der ersten Porträts des Dramatikers (V. Ozerovs Lebensgeschichte in den posthumen Gesammelten Werken). V. Zhukovsky erfand das Genre des "Darstellers in der Rolle" und beschrieb das Mädchen Georges in Phaedra, Dido, Semiramide. A. Puschkin brachte „Bemerkungen“ hervor, Notizen, P. Pletnev schrieb vielleicht den ersten theoretischen Artikel über das Handeln mit Thesen buchstäblich „von Stanislavsky“. N. Gnedich und A. Shakhovskoy veröffentlichten Korrespondenz ...

Die russische Theaterkritik wurde berühmt für herausragende Schriftsteller - von A. Grigoriev und A. Kugel bis V. Doroshevich und L. Andreev wurde sie von Menschen behandelt, deren literarische Begabung sich in der Regel nicht nur in theatralisch kritischer Arbeit ausdrückte Kritiker waren im weitesten Sinne Schriftsteller, daher gibt es allen Grund, die russische Theaterkritik als Teil der russischen Literatur zu betrachten, als einen bestimmten künstlerischen und analytischen Zweig der Prosa, der in genau denselben unterschiedlichen Genres und stilistischen Modifikationen existiert wie jede andere Art von Literatur. Theaterkritiken, Parodien, Porträts, Essays, Scherze, Problemartikel, Interviews, Dialoge, Pamphlete, Verse etc. - all das ist Theaterkritik als Literatur.

Die Innenkritik entwickelte sich parallel zur Entwicklung des Theaters selbst, aber es wäre falsch zu glauben, dass sie erst mit dem Aufkommen der Theaterwissenschaft als Wissenschaft eine andere Qualität erlangte. Bereits zur Zeit der Entstehung der russischen Kritik wurden ernsthafte Definitionen von Kreativität dieser Art gegeben. „Kritik ist ein Urteil nach den Regeln des gebildeten Geschmacks, unparteiisch und frei. Du liest ein Gedicht, du siehst dir ein Bild an, du hörst eine Sonate, du empfindest Lust oder Unlust, das ist der Geschmack; analysieren Sie den Grund für beide - das ist Kritik “, schrieb V. Zhukovsky. Diese Aussage bekräftigt die Notwendigkeit, nicht nur ein Kunstwerk zu analysieren, sondern auch die eigene Wahrnehmung davon, „Lust oder Unlust“. Puschkin argumentierte mit Schukowskis Subjektivismus: „Kritik ist die Wissenschaft der Entdeckung von Schönheit und Fehlern in Kunstwerken und Literatur, basierend auf perfekter Kenntnis der Regeln, die einen Künstler oder Schriftsteller in seinen Werken leiten, auf einem gründlichen Studium von Mustern und auf lang Langzeitbeobachtung moderner bemerkenswerter Phänomene." Das heißt, laut Puschkin ist es notwendig, den Entstehungsprozess der Kunst selbst zu verstehen („Langzeitbeobachtung“), laut Zhukovsky sollte man den eigenen Eindruck nicht vergessen. Vor zwei Jahrhunderten konvergierten die Standpunkte und drückten den Dualismus unseres Berufsstandes aus. Der Streit ist bis heute nicht beendet.

Es wäre falsch zu glauben, dass erst mit dem Aufkommen der Regie und mit der Entwicklung der Theaterwissenschaft der Text der Aufführung zum Gegenstand der Theaterkritik wurde. Keineswegs, die Kritik hat das Stück von Anfang an von der Aufführung getrennt (Karamzin analysiert in seiner Rezension von Emilia Galotti das Stück und bewertet dann die Leistung der Schauspieler) und beschrieb sorgfältig das Spiel des Schauspielers in einer Rolle oder ein anderer (Gnedich, Zhukovsky), der Polemik über die Richtungen der Theaterkunst anhand von Beispielen schauspielerischer Kreationen ausführt und Kritik in "bewegte Ästhetik" verwandelt, wie V. Belinsky es später nannte. Bereits in den frühen 1820er Jahren erschienen bemerkenswerte Beispiele für die Analyse der Schauspielkunst, P. Pletnev schreibt in einem Artikel über Ekaterina Semenova brillant über die Methoden des Schauspiels, über die innere Struktur des Schauspielers. Mit der Entwicklung des Theaters, je nachdem, was die Bühne in diesem Moment beherrschte, befasste sich die Kritik entweder mit den Merkmalen von Trends und Genres, dann wurde die Dramaturgie zur Hauptsache, dann der Schauspieler, und als die Ansätze der Regie in den In diese Richtung tastete sich die russische Theaterkritik vor.

Mit dem Aufkommen des Regietheaters und der Theaterwissenschaft als Wissenschaft erhielt die Theaterkritik ein theoretisches Fundament, das theatralische Kriterien organisch assimilierte. Aber es war und bleibt Literatur. Es ist kaum möglich, Kritik daran zu denken, theatralische Aussagen über die Aufführung zu erheben, ihre Eigenschaften zu benennen, die die Richtung bestimmen, in die diese Aufführung gehört. Obwohl es eine Meinung gibt, dass dies auch Kritik ist, dass die Aufgabe eines Theaterkritikers, nachdem er einen „Schmetterling“ gefangen hat, der gestern eine Live-Aufführung war, darin besteht, ihn „auf eine Nadel zu stechen“, ihn in eine Sammlung anderer zu legen Schmetterlinge, klassifizieren das Phänomen und weisen ihm eine „Identifikationsnummer“ zu .

Es scheint, dass die Theaterkritik, wie jede Kunstkritik, „die Wissenschaft nicht ersetzt, nicht mit der Wissenschaft zusammenfällt, nicht durch die darin enthaltenen Elemente des wissenschaftlichen Charakters bestimmt wird“, „ihre Bedeutung der künstlerischen Kreativität und ihres Themas beibehält - Bildende Kunst, sie kann einen ästhetischen, soziologischen oder journalistischen Charakter annehmen, ohne daraus überhaupt Ästhetik, Soziologie oder Linguistik zu werden ... Poesie kann also wissenschaftlich oder politisch sein und im Wesentlichen Poesie bleiben; So kann ein Roman philosophisch, sozial oder experimentell sein und bis zum Ende ein Roman bleiben. In der Arbeit von N. Krymova, K. Rudnitsky, I. Solovieva, A. Svobodin, V. Gaevsky, A. Smelyansky und anderen großen Kritikern der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, von denen viele Theaterkritiker mit Grundausbildung waren, Wir werden Beispiele für ästhetische, soziologische Kritik, journalistische usw. finden, wie es in anderen historischen Epochen der Fall war.

* Grossman L. Genres der Kunstkritik // Grossman L. P. Der Kampf um Stil. M., 1927. S. 21.

Theaterkritik als bewegende Ästhetik entwickelt sich parallel zum theatralischen Prozess, manchmal voraus, manchmal hinterher, mit der Entwicklung des Theaters ändern sich sein kategorischer Apparat und sein künstlerisches Koordinatensystem, aber jedes Mal können Texte als wahre Kritik angesehen werden, „wo bestimmte Arbeiten beurteilt werden, wo es um künstlerische Produktion geht, wo ein bestimmtes kreativ bearbeitetes Material gemeint ist und wo Urteile über die eigene Komposition gefällt werden. Natürlich ... Kritik ist aufgerufen, ganze Richtungen, Schulen und Gruppen zu beurteilen, aber unter der unabdingbaren Bedingung, von bestimmten ästhetischen Phänomenen auszugehen. Nicht-objektive Argumente über Klassizismus, Sentimentalität usw. können sich auf jede Theorie, Poetik oder jedes Manifest beziehen - sie gehören keineswegs in den Bereich der Kritik.

Um Gedichte schreiben zu können, braucht man Kenntnisse der Versgesetze, aber auch „Hören“, eine besondere Denkweise usw. Das Wissen um die Grundlagen der Poesie macht aus einem Schriftsteller keinen Dichter, ebensowenig wie aus einem Menschen Wer über das Theater schreibt, wird zum Theaterkritiker, der die Gesamtheit des theaterwissenschaftlichen Wissens hat. Auch hier brauchen wir ein „Gehör“ für die Darbietung, die Fähigkeit, sie lebendig wahrzunehmen, zu reflektieren und einen künstlerisch-analytischen Eindruck davon zu Papier zu bringen. Zugleich ist der Theaterapparat eine unbestrittene Grundlage: Das Phänomen Theater muss in den Kontext des Theaterprozesses gestellt werden, mit der allgemeinen Situation der Zeit, allgemeinen kulturellen Fragen korreliert werden. Auf dieser Kombination der objektiven Existenzgesetze des Theaters und der subjektiven Wahrnehmung des Werkes, wie zu Zeiten von Schukowski-Puschkin, baut sich der innere Dialog des Kritikers mit dem Gegenstand seiner Reflexion und Recherche auf – der Aufführung.

Der Schriftsteller erforscht gleichzeitig die Realität der Welt und seiner Seele. Der Theaterkritiker untersucht die Realität der Aufführung, aber durch sie die Realität der Welt (weil gute Leistung ist eine Aussage über die Welt) und seine Seele, und es kann nicht anders sein: Er erforscht ein Objekt, das nur in seinem Kopf lebt (mehr dazu weiter unten). Wohl oder übel hält er für die Geschichte des Theaters nicht nur die Aufführung fest, sondern auch sich selbst – einen Zeitgenossen dieser Aufführung, genaugenommen ihren Augenzeugen – einen Memoirenschreiber, der über ein System fachlicher und menschlicher Kriterien verfügt.

Das heißt keineswegs, dass das lyrische „Ich“ der Kritik dominiert, nein, es verbirgt sich hinter dem „Bild der Aufführung“ ebenso wie das „Ich“ des Schauspielers hinter der Rolle, das des Regisseurs – hinter der Text der Aufführung, des Schriftstellers - hinter dem figurativen System des literarischen Textes.

Der Theaterkritiker „versteckt“ sich hinter der Aufführung, löst sich darin auf, aber um zu schreiben, muss er verstehen, „was Hekabe für ihn ist“, einen Spannungsfaden zwischen sich und der Aufführung finden und diese Spannung in Worte fassen. „Das Wort ist das genaueste Werkzeug, das eine Person geerbt hat. Und nie zuvor (was uns immer wieder tröstet ...) konnte niemand etwas mit einem Wort verbergen: und wenn er log, verriet ihn sein Wort, und wenn er die Wahrheit kannte und sprach, dann kam sie zu ihm. Keine Person findet ein Wort, aber ein Wort findet eine Person “(A. Bitov„ Puschkin-Haus “). Ich zitiere oft diese Worte von Bitov, aber was soll ich tun - ich liebe es.

Da viele Kollegen mir nicht zustimmen, und sogar in der von Yu. herausgegebenen Sammelmonographie meiner heimatlichen (wirklich heimatlichen!) Abteilung „Einführung in die Theaterwissenschaft“ Art unserer Arbeit, dann freue ich mich natürlich, wenn ich auf Einstimmigkeit stoße . Hier in einem kürzlich von S. Yolkin im Internet veröffentlichten Interview mit A. Smelyansky lese ich: „Ich betrachte echte Theaterkritik und jede andere Kritik im weitesten Sinne als Teil der Literatur. Die Kriterien sind die gleichen und die Aufgaben sind die gleichen. Sie müssen sich die Aufführung ansehen, Sie müssen im Moment des Zuschauens absolut naiv sein, alle äußeren Einflüsse auf sich entfernen, die Arbeit aufnehmen und Ihre Gefühle in eine künstlerische Form formen, das heißt, die Eindrücke der Aufführung vermitteln und den Leser anstecken diesen Eindruck - negativ oder positiv. Ich weiß nicht, wie man das lernen kann... Es ist unmöglich, Theaterkritik außerhalb der literarischen Begabung zu betreiben. Wenn ein Mensch nicht schreiben kann, wenn die Sprache nicht sein Element ist, wenn er nicht versteht, dass eine Theaterkritik ein Versuch Ihres künstlerischen Schreibens über eine Aufführung ist, wird nichts funktionieren ... Die große russische Theaterkritik begann mit Belinsky, der beschrieb der betrunkene Schauspieler Mochalov. Betrunken, weil er manchmal betrunken war, als er Hamlet spielte. Belinsky sah sich die Aufführung viele Male an, und der Artikel „Mochalov spielt Hamlet“ wurde, wie mir scheint, zu einem großartigen Anfang dessen, was man in Russland Kunstkritik nennen kann. Vygotsky, ein Spezialist für Kunstpsychologie, sagte bekanntlich: „Der Kritiker ist der Organisator der Folgen der Kunst.“ Um diese Folgen zu organisieren, muss man ein gewisses Talent haben“ (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html).

Die schöpferische Tätigkeit eines Theaterkritikers im Dialog mit dem Forschungsgegenstand, die Erstellung eines literarischen Textes sollen den Leser zum aufgeklärten, emotional und analytisch entwickelten Zuschauer machen, und in diesem Sinne wird der Kritiker zum Schriftsteller, der, laut V. Nabokov „erweckt es den Farbsinn des Lesers durch Sprache, Sehen, Geräusche, Bewegung oder jedes andere Gefühl und beschwört in seiner Vorstellung Bilder eines fiktiven Lebens herauf, die für ihn so lebendig werden wie seine eigenen Erinnerungen. Die Aufgabe des Theaterkritikers ist es, beim Leser ein Gefühl für Farbe, Aussehen, Klang, Bewegung zu wecken - das heißt, Farbe, Klang mit literarischen Mitteln nachzubilden, und zwar „fiktiv“ (wenn auch nicht von ihm erfunden, aber nach dem Ende der Aufführung nur im Gedächtnis des Subjektkritikers fixiert, ausschließlich in seiner Vorstellung lebend) die figurative Welt der Aufführung. Nur ein Teil des Bühnentextes eignet sich zur objektiven Fixierung: Inszenierung, Szenografie, Lichtpartitur. In diesem Sinne sind Bezugnahmen auf die Realität des Bühnengeschehens an diesem Abend sinnlos, zwei nebeneinander sitzende professionelle Theaterkritiker, Kritiker, Spezialisten, Professoren, Professoren, subtrahieren manchmal gleichzeitig unterschiedliche Bedeutungen - und ihr Streit wird gegenstandslos sein: die Realität dass sie sich anders erinnern, verschwunden, sie ist ein Produkt ihrer Erinnerung, ein Objekt der Erinnerung. Zwei nebeneinander sitzende Kritiker sehen und hören denselben Monolog auf unterschiedliche Weise, je nach ihrer ästhetischen und menschlichen Erfahrung, demselben "Schukow"-Geschmack, Erinnerungen aus der Geschichte, der im Theater gesehenen Lautstärke usw. Es gibt Fälle als verschiedene Künstler gebeten wurden, gleichzeitig dasselbe Stillleben zu zeichnen - und das Ergebnis völlig unterschiedliche Gemälde waren, die oft nicht nur in der Maltechnik, sondern sogar in der Farbe nicht zusammenpassten. Dies geschah nicht, weil der Maler die Farbe absichtlich veränderte, sondern weil das Auge verschiedener Künstler eine unterschiedliche Anzahl von Farbtönen sieht. So ist es mit der Kritik. Der Text der Aufführung prägt sich ebenso in das Gedächtnis des Kritikers ein wie die Persönlichkeit des Wahrnehmenden, was sein innerer Apparat ist, der zur „Mitschöpfung derer, die verstehen“ (M. Bakhtin) bereit oder nicht bereit sind.

* Nabokov V. Vorlesungen über russische Literatur. M., 1996. S. 279.

Der Kritiker, dessen ganzer Körper auf die Wahrnehmung der Aufführung eingestimmt, entwickelt, offen ist („keine Vorurteile deines Lieblingsgedankens. Freiheit“ – so das Testament Puschkins), soll die Aufführung in der theatralischen Kritik so lebendig wie möglich gestalten. In diesem Sinne unterscheidet sich Kritik sowohl vom Theaterjournalismus, der darauf abzielt, den Leser über bestimmte Theaterereignisse zu informieren und das Phänomen Theater zu bewerten, als auch von der eigentlichen Theaterwissenschaft. Theaterwissenschaft ist nicht weniger faszinierend, aber sie stellt die Aufgabe, einen literarischen Text zu analysieren, und nicht eine plastische verbale Nachbildung des Bildes einer Aufführung, die im Idealfall eine emotionale Reaktion beim Leser hervorrufen kann.

Es sind nicht die Details der Beschreibung. Außerdem im letzten Jahren Mit dem Aufkommen von Videoaufnahmen schien es vielen, dass die Aufführung am objektivsten auf Film festgehalten wurde. Das ist nicht so. Im Saal sitzend drehen wir den Kopf, nehmen dynamisch die Handlung in ihrer polyphonen Entwicklung wahr. Von einem Punkt aus gefilmt, verliert die Performance jene Bedeutungen, Nahaufnahmen, Akzente, die in jeder Live-Performance vorhanden sind und die nach dem Willen des Regisseurs unser Bewusstsein prägen. Erfolgt die Aufnahme an mehreren Stellen, stehen wir vor der Interpretation der Aufführung in Form einer Montage. Aber das ist nicht der Punkt. Wenn wir uns heute die Aufnahmen von Yermolova oder Kachalov anhören, fällt es uns schwer, die Macht ihres Einflusses auf Zeitgenossen zu verstehen. Die Texte von Kugel, Doroshevich, Amfiteatrov geben einen lebendigen Yermolov in ihrem lebendigen Einfluss auf den Betrachter, die Person, die Gesellschaft - und die literarische, figurative Seite ihrer kritischen Studien spielt dabei eine große Rolle.

Kritik als Regie

Die Beziehung des Kritikers zum Text des Stücks ist der Beziehung des Regisseurs zum Stück sehr ähnlich. Lassen Sie mich erklären.

Indem man einen verbalen Text (ein Stück) in einen raumzeitlichen (Bühnen-)Text übersetzt, nach den Worten des Stücks komponiert, „stickt“, den Dramatiker interpretiert, es liest, es nach individueller Optik sieht, in die Welt eintaucht des Autors, der Regisseur schafft seinen eigenen souveränen Text, verfügt über professionelles Wissen im Handlungsfeld, dramatische Konflikte, hat ein gewisses, subjektives, innewohnendes Inneres figuratives System, Auswahl der einen oder anderen Probenmethode, Theaterform usw.

Die raumzeitlichen Gesetzmäßigkeiten der Aufführung in eine verbale Reihe, in einen Artikel übersetzen, den Regisseur interpretieren, seinen Bühnentext nach individueller Optik lesen, die Idee erraten und die Verkörperung analysieren, der Kritiker erstellt seinen eigenen Text, der über professionelles Wissen verfügt das gleiche Gebiet wie der Regisseur (Theorie- und Theatergeschichte, Regie, Dramaturgie), und ebenso kümmert er sich um Komposition, Gattungsentwicklung und innere Wechselfälle seines Textes und strebt nach größtmöglicher literarischer Ausdruckskraft. Der Regisseur erstellt seine eigene Version des dramatischen Textes.

Wir erstellen unsere eigenen Versionen des Bühnentextes. Der Regisseur liest das Stück, der Kritiker liest die Aufführung ("Sowohl wir als auch Sie sind gleichermaßen Fiktion, wir geben Versionen", hat er mir einmal zur Begründung dieses Gedankens gesagt. berühmter Regisseur). M. Bakhtin schrieb, dass „mächtige und tiefgreifende Kreativität“ weitgehend unbewusst ist und das vielfältig verstandene (dh durch die Gesamtheit des „Verständnisses“ der Arbeit von verschiedenen Kritikern widergespiegelte. - M. D.) durch das Bewusstsein aufgefüllt und im offenbart wird Vielfalt seiner Bedeutungen. Er glaubte, dass „das Verstehen den Text vervollständigt (einschließlich zweifellos des Bühnentextes. — M.D.): Es ist aktiv und hat einen kreativen Charakter.

Kreatives Verstehen setzt Kreativität fort, vervielfacht sich künstlerischer Reichtum Menschheit"*. Beim Theater ergänzt das Verständnis von Kritik nicht nur den kreativen Text, sondern reproduziert ihn auch im Wort, da der Text um 22.00 Uhr verschwunden ist und in der heutigen Fassung nicht mehr existieren wird. In einem Tag oder einer Woche werden Schauspieler auf der Bühne stehen, in deren Gefühlserlebnis dieser Tag oder diese Woche etwas verändern wird, das Wetter wird anders sein, das Publikum wird mit anderen Reaktionen in den Saal kommen usw. und das trotzdem dass die allgemeine Bedeutung der Aufführung ungefähr dieselbe bleibt, es eine andere Aufführung sein wird und der Kritiker eine andere Erfahrung machen wird. Deshalb ist es so wichtig, die Aufführung und die eigenen Gefühle, Gedanken, Empfindungen parallel dazu direkt im Saal mit einem Notizbuch „einzufangen“. Dies ist die einzige Möglichkeit, die Realität im Moment der Entstehung und Existenz dieser Realität zu erfassen. Eine Definition, eine Reaktion, ein während der Aktion spontan niedergeschriebenes Wort ist der einzige dokumentarische Beweis für den schwer fassbaren Text. Theaterkritik ist naturgemäß durch den Dualismus professioneller Wahrnehmung geprägt: Ich schaue als Zuschauer der Aufführung zu und fühle mich als Mensch in die Handlung hinein, lese den Bühnentext, präge ihn mir ein, analysiere und fixiere ihn gleichzeitig für die weitere literarische Vervielfältigung und at gleichzeitig mich selbst scannen, meine Wahrnehmung, nüchtern berichten, warum und wie ich die Performance wahrnehme / nicht wahrnehme. Das macht die Theaterkritik absolut einzigartig unter anderen Kunstkritikern. Dazu müssen wir die Fähigkeit hinzufügen, das Publikum zu hören und, wenn wir uns wieder mit ihm vereinen, den Energiedialog zwischen Publikum und Bühne zu fühlen und zu verstehen. Das heißt, Theaterkritik ist von Natur aus polyphon und der Regie ähnlich. Aber wenn der Regisseur durch das interpretierte Stück über die Welt spricht, dann spricht der Kritiker durch die Realität der Aufführung, die im Artikel gesehen, realisiert und reproduziert wird. „Man kann das Leben künstlerisch beschreiben – man bekommt einen Roman oder eine Geschichte oder eine Kurzgeschichte. Sie können das Phänomen Theater künstlerisch beschreiben. Dazu gehört alles: Leben, Charaktere, Schicksale, der Zustand des Landes, der Welt“ A. Smelyansky (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html). Ein guter Kritiker ist ein Schriftsteller, der sozusagen „öffentlich“, „laut“ liest und analysiert Kunstwerk nicht als einfache Summe abstrakter Gedanken und Positionen, die nur von einer „Form“ umhüllt sind, sondern als komplexer Organismus“*, schrieb der herausragende Ästhetiker V. Asmus. Es wird gesagt wie über Regie: Denn ein guter Regisseur in der Öffentlichkeit zerlegt laut und verwandelt sich in ein Raum-Zeit-Kontinuum, in einen komplexen Organismus Literarische Grundlage Aufführung (nehmen wir vorerst nur diese Art von Theater).

* Asmus V.F. Lesen als Arbeit und Kreativität // Asmus V.F. Fragen der Theorie und Geschichte der Ästhetik. M., 1968. S. 67-68.

Um die Aufführung „lesen und analysieren“ zu können, braucht der Regisseur alles Ausdrucksmittel Theater, und Theaterkritik braucht alle Ausdrucksmittel der Literatur. Nur durch sie wird der Bühnentext fixiert und eingeprägt, es ist möglich, die künstlerische Serie auf Papier zu übertragen, ihre bildliche Bedeutung zu entdecken und damit die Aufführung der Geschichte zu überlassen echte Literatur, was schon erwähnt wurde. Bühnenbilder, Bedeutungen, Metaphern, Symbole müssen in einem theaterkritischen Text eine literarische Entsprechung finden. Nehmen wir Bezug auf M. Bakhtin: „Inwieweit kann man die Bedeutung (eines Bildes oder eines Symbols) offenbaren und kommentieren? Nur mit Hilfe einer anderen (isomorphen) Bedeutung (Symbol oder Bild). Es ist unmöglich, es in Konzepte aufzulösen (um den Inhalt der Aufführung zu enthüllen, indem nur auf den konzeptionellen Theaterapparat zurückgegriffen wird. - M. D.). Bachtin glaubt, dass die gewöhnliche wissenschaftliche Analyse eine "relative Rationalisierung der Bedeutung" liefert und ihre Vertiefung "mit Hilfe anderer Bedeutungen (philosophische und künstlerische Interpretation)", "durch die Erweiterung des entfernten Kontextes"* erfolgt. „Ferner Kontext“ wird mit der Persönlichkeit des Kritikers, seiner beruflichen Ausbildung und Ausstattung assoziiert.

* Bakhtin M. Ästhetik der verbalen Kreativität. M., 1979. S. 362.

Das Genre der Aufführung und das Genre der theatralisch-kritischen Äußerung (sowie das Genre des Stücks mit dem Genre der Aufführung) sollten idealerweise korrespondieren, jede Aufführung erfordert vom Kritiker ein bestimmtes Vokabular (wie ein Stück vom Regisseur) , möglicherweise äquivalente Bilder, die das Raum-Zeit-Kontinuum in eine verbale Reihe übersetzen, verleiht die Performance dem theatralisch-kritischen Text einen rhythmischen Hauch, den Bühnentext „lesend“. Im Allgemeinen spielen wir oft eine Aufführung „nach Brecht“ auf Papier: Wir betreten das Bild der Aufführung, und verlassen es dann und erklären, sprechen über das Leben, das wir selbst beschrieben haben ...

„Der Kritiker ist der erste, der beste Leser; für ihn, mehr als für jeden anderen, sind die Seiten des Dichters geschrieben und bestimmt ... Er liest sich selbst und lehrt andere lesen ... einen Schriftsteller wahrnehmen, heißt ihn gewissermaßen reproduzieren, ihm nachsprechen inspirierter Prozess seiner eigenen Kreativität (Hervorhebung von mir. - M. D.). Lesen heißt schreiben.“* Diese Argumentation von Yu. Aikhenwald gilt direkt für die Theaterkritik: Nachdem die Aufführung verstanden und gefühlt wurde, ihr inneres künstlerisches Gesetz verstanden wurde, die Aufführung in den Kontext des Theaterprozesses gestellt wurde, ihre künstlerische Genese erkannt wurde, wird der Kritiker im Prozess des Schreibens "reinkarniert". " in dieser Aufführung, es auf dem Papier "verlierend", baut seine Beziehung zu ihm nach den Gesetzen der Beziehung zwischen dem Schauspieler und der Rolle auf - das "Abbild der Aufführung" betreten und es "verlassen" (mehr dazu unten) . "Outputs" können entweder wissenschaftlicher Kommentar, "Rationalisierung der Bedeutung" (nach Bachtin) oder "Erweiterung eines entfernten Kontextes" sein, was mit der persönlichen Wahrnehmung des Kritikers von der Welt des Stücks verbunden ist. Das allgemeine literarische Niveau des Artikels, die Begabung oder Mittelmäßigkeit des Textes, Bildsprache, assoziative Bewegungen, Vergleiche im Text des Artikels, Verweise auf Bilder in anderen Kunstgattungen, die den Leser-Zuschauer zu bestimmten künstlerischen Parallelen führen können, ihn zum Komplizen der Wahrnehmung der Aufführung machen, werden über den theatralisch-kritischen Text und den allgemeinen künstlerischen Kontext mit der Persönlichkeit des Kritikers verbunden, um seine Einschätzung des künstlerischen Geschehens zu bilden.

* Aikhenwald Yu. Silhouetten russischer Schriftsteller. M., 1994. S. 25.

„Ein unschätzbares Verständnis ist unmöglich … Ein Mensch, der versteht, geht mit seiner eigenen, bereits etablierten Weltanschauung, aus seinem eigenen Blickwinkel, aus seinen eigenen Positionen an eine Arbeit heran. Diese Positionen bestimmen bis zu einem gewissen Grad seine Einschätzung, bleiben aber selbst nicht unverändert: Sie sind der Arbeit ausgesetzt, die immer wieder Neues einbringt.<…>Wer versteht, sollte die Möglichkeit nicht ausschließen, seine bereits vorbereiteten Standpunkte und Positionen zu ändern oder gar aufzugeben. Im Akt des Verstehens findet ein Kampf statt, der zu einer gegenseitigen Veränderung und Bereicherung führt. Die innere Aktivität des Kritikers im Dialog mit der künstlerischen Welt der Aufführung, mit den "Schönheiten und Mängeln" im Prozess ihrer Bewältigung, ergibt einen vollwertigen theatralisch-kritischen Text, und wenn der Kritiker die Aufführung viele Male ansieht , er lebt damit wie mit einer rolle, erschafft ihr bild auf der bühne allmählich und akribisch, er ist unweigerlich der „wirkung des werks“ ausgesetzt, da bei jeder aufführung etwas neues auftaucht. Nur diese Arbeit, die Partitur einer Aufführung auf Papier zu erstellen, ist für mich im Idealfall Theaterkritik. Wir „spielen“ die Performance als Rolle.

* Bakhtin M. Ästhetik der verbalen Kreativität. S. 346-347.

Dies kommt äußerst selten vor, aber es ist notwendig, dies anzustreben, wenn Sie sich wirklich auf Kritik einlassen und keine Urteile auf dem Papier äußern.

ÜBER DIE TECHNIK DER KRITIK.

SCHNELLES LESEN VON MIKHAIL CHEKHOV

Tatsächlich sehen wir oft wie müde Darsteller aus, die, nachdem sie fünfzehn Minuten vor dem Auftritt auf die Bühne ins Theater gerannt sind, die Rolle auf Autopilot aussprechen. Echte Theaterkritik ist vergleichbar mit der künstlerischen Kreativität eines Schauspielers - sagen wir, in der Form, wie sie Michail Tschechow verstanden hat. Als ich sein Buch „Über die Technik des Schauspielers“ las, dachte ich immer, dass es ein Lehrbuch für einen Kritiker werden könnte, dass es uns gut tun würde, viele Übungen zu machen, um unseren eigenen psychophysischen Apparat zu trainieren.

Ich wollte immer ausführlich, ausführlich und langsam darüber schreiben, aber die Zeit reichte immer nicht. Es ist auch jetzt noch nicht da, daher riskiere ich, anstatt Tschechow langsam zu lesen, vorerst das Tempolesen vorzuschlagen ...

Wo beginnt Tschechow?

Abend. Nach einem langen Tag, nach vielen Eindrücken, Erlebnissen, Taten und Worten gönnen Sie Ihren müden Nerven Ruhe. Sie setzen sich mit geschlossenen Augen hin oder das Licht im Raum ist ausgeschaltet. Was taucht aus der Dunkelheit vor deinem inneren Auge auf? Die Gesichter der Menschen, denen Sie heute begegnen. Ihre Stimmen, ihre Gespräche, Handlungen, Bewegungen, ihre charakteristischen oder lustigen Züge. Du läufst wieder durch die Straßen, passierst die vertrauten Häuser, liest die Schilder... du folgst passiv den bunten Bildern der Erinnerungen des Tages.(Fragmente des Buches von M. Chekhov* sind im Folgenden hervorgehoben.)

* Tschechow M. Über die Technik des Schauspielers // Tschechow M. Literarisches Erbe: In 2 Bänden M., 1986. T. 2. S. 177-402.

So oder fast so fühlt sich ein Kritiker, der vom Theater kommt. Abend. Er muss einen Artikel schreiben... So oder fast so entsteht eine Aufführung im Kopf. Du kannst dich nur daran erinnern, weil es nirgendwo anders lebt als in deinem Bewusstsein, deiner Vorstellung.

Tatsächlich betreten wir von den ersten Minuten der Aufführung an die Welt der Imagination und leben parallel dazu ein gewisses Innenleben, darüber habe ich bereits geschrieben. Und dann stellt sich heraus, dass die Performance, die heute Abend zu Ende ging, nur in unser Gedächtnis eingeprägt ist, wir haben es mit virtueller Realität zu tun, mit dem Produkt unseres Bewusstseins (außerdem ist der Text der Performance im Kopf des Kritikers in einem solchen eingeprägt Art und Weise, was die Persönlichkeit des Wahrnehmenden ist, was sein innerer Apparat und seine „Wahrnehmungsgeräte“ sind).

Wir beginnen uns an die Aufführung als Realität zu erinnern, sie erwacht im Kopf zum Leben, die Bilder, die in dir leben, gehen Beziehungen miteinander ein, spielen Szenen vor sich her, verfolgen Ereignisse, die für Sie neu sind, Sie werden von seltsamen, unerwarteten Stimmungen erfasst. Unbekannte Bilder verwickeln Sie in die Ereignisse ihres Lebens, und Sie beginnen bereits, aktiv an ihrem Kampf, ihrer Freundschaft, Liebe, ihrem Glück und Unglück teilzunehmen ... Sie bringen Sie zum Weinen oder Lachen, zum Groll oder zur Freude mit mehr Kraft als bloße Erinnerungen .

Nur die Realität der Aufführung wird nicht vom Kritiker erfunden, sondern gesehen und im Gedächtnis und in einem Notizbuch festgehalten. Die Aufmerksamkeit des Kritikers konzentriert sich darauf, sich zu erinnern – das Bild der Aufführung zu reproduzieren, wenn er schreibt. Im Prozess der Aufmerksamkeit führen Sie innerlich vier Aktionen gleichzeitig aus. Erstens behalten Sie unsichtbar das Objekt Ihrer Aufmerksamkeit. Zweitens ziehen Sie ihn an sich. Drittens streben Sie selbst danach. Viertens durchdringst du es. Dies ist in der Tat der Prozess des Begreifens der Aufführungs- und Theaterkritik: Der Kritiker hält ein unsichtbares Objekt der Aufführung, zieht es an sich, als würde er sich darin "einleben", in den Ecken und Winkeln des Bühnentextes leben, mehr und sein Verständnis der Aufführung detaillierter und vertieft, eilt ihr entgegen, mit ihrer eigenen Innenwelt, ihren Kriterien, tritt in einen inneren Dialog, dringt in sie ein, in ihre Gesetze, Strukturen, Atmosphären.

Kritiker, wie jeder Künstler weiß solche Minuten. „Ich bin immer von Bildern umgeben“, sagt Max Reinhardt … Michelangelo rief verzweifelt aus: „Bilder verfolgen mich und zwingen mich, ihre Formen aus Felsen zu hauen!“

Das Bild der Aufführung, die er gesehen hat, beginnt den Kritiker zu verfolgen, die Charaktere, die sich in seinem Kopf festgesetzt haben, zwingen ihn wirklich, sie in Worten auszudrücken, in der Plastizität der Sprache, um das wieder zu materialisieren, was während der Aufführung jede Sekunde materiell ist, hat sich in die Form des Ideals verwandelt und fragt erneut nach der Welt aus der engen Bewusstseinszelle der Theaterkritik. (Wie oft ist es passiert: Sie sehen sich eine Aufführung an, ohne die Absicht zu haben, darüber zu schreiben, aber sie ist ständig in Ihrem Kopf präsent, und die einzige Möglichkeit, sie „loszuwerden“, besteht darin, sich hinzusetzen und zu schreiben.) Im Gegensatz zu M. Tschechow, der dem Schauspieler bewies, dass er unabhängig existiert kreative Bilder, Theaterkritiker kann es nicht beweisen. Sie existieren wirklich gegen seinen Willen, er beobachtet sie eine Zeitlang Auditorium. Und dann verschwinden sie...

Tschechow beginnt mit einem Protest gegen Kreativität als „Produkt“. Gehirnaktivität»: du konzentrierst dich auf dich selbst. Sie kopieren Ihre eigenen Emotionen und bilden die Fakten des Lebens um Sie herum mit fotografischer Genauigkeit ab.(in unserem Fall fixieren Sie die Aufführung als Tatsachenmaterial und streben nach fotografischer Genauigkeit). Er ruft dazu auf, die Macht über die Bilder zu übernehmen. Und wenn wir in die Welt der Aufführung eintauchen, beherrschen wir zweifellos die figurative Welt, die auf der Bühne lebte und in uns lebt. Wenn Sie eine bestimmte künstlerische Aufgabe haben, müssen Sie lernen, sie zu beherrschen, zu organisieren und gemäß Ihrem Ziel zu lenken. Dann werden die Bilder, deinem Willen unterworfen, nicht nur in der Stille des Abends vor dir erscheinen, sondern auch tagsüber, wenn die Sonne scheint, und auf einer lauten Straße und in der Menge und inmitten der Sorgen des Tages .

Aber Sie sollten nicht denken, dass die Bilder erscheinen, bevor Sie fertig und fertig sind. Sie werden viel Zeit benötigen, um sich zu ändern und zu verbessern, um den Grad an Ausdruckskraft zu erreichen, den Sie benötigen. Sie müssen lernen, geduldig zu warten.

Was machst du während der Wartezeit? Sie stellen Fragen zu den Bildern vor Ihnen, wie Sie Ihre Freunde fragen können. Die gesamte erste Arbeitsphase (Eindringung in die Aufführung) gibt Fragen und Antworten ein, du fragst, und das ist deine Tätigkeit während der Wartezeit.

Der Theaterkritiker tut dasselbe wie ein Schauspieler. Er denkt. Er stellt Fragen und wartet auf die Lebenden in seiner Erinnerung künstlerische Realität Performance wird mit der Geburt des Textes beginnen, seine Fragen zu beantworten.

Aber es gibt zwei Möglichkeiten, Fragen zu stellen. In einem Fall wenden Sie sich Ihrem Verstand zu. Sie analysieren die Gefühle des Bildes und versuchen, so viel wie möglich darüber zu erfahren. Aber je mehr Sie über die Erfahrungen Ihrer Figur wissen, desto weniger fühlen Sie sich selbst.

Der andere Weg ist das Gegenteil des ersten. Ihre Grundlage ist Ihre Vorstellungskraft. Wenn Sie Fragen stellen, möchten Sie sehen, worüber Sie fragen. Du beobachtest und wartest. Unter Ihrem fragenden Blick verändert sich das Bild und erscheint als sichtbare Antwort vor Ihnen. In diesem Fall ist er das Produkt Ihrer kreativen Intuition. Und es gibt keine Frage, auf die Sie keine Antwort bekommen könnten. Alles, was Sie besonders in der ersten Phase Ihrer Arbeit begeistern kann: der Stil des Autors und des gegebenen Stücks, seine Komposition, die Hauptidee, die charakteristischen Merkmale Schauspieler, der Platz und die Bedeutung Ihrer Rolle unter ihnen, ihre Merkmale im Allgemeinen und im Detail - all dies können Sie in Fragen verwandeln. Aber natürlich wird nicht jede Frage sofort beantwortet. Bilder brauchen oft lange, um die Transformation abzuschließen, die sie benötigen.

Eigentlich ist es nicht nötig, das Buch von M. Tschechow hier nachzudrucken. Alles, was er oben schreibt, ist völlig ausreichend dafür, wie im Idealfall (ich schreibe generell über das Ideale, und nicht im unkonzentrierten Alltag, der unsere Profession jeden Tag verrät!) der künstlerisch-analytische Prozess der Verbindung von Kritik und Performance stattfindet, wie Verbindungen innerhalb der Bühne gesucht werden (die Beziehung einer Person zu einer anderen Person, über die Tschechow schreibt...), wie ein Text entsteht, der dem Leser nicht nur erklärt, wie die Aufführung funktioniert, was ihr Gesetz ist, sondern es einem erlaubt fühlen, sich an das Thema gewöhnen - wie sich ein Schauspieler an die Rolle gewöhnt.

Diese künstlerische Bilder die ich beobachte, haben wie die Menschen um mich herum ein inneres Leben und seine äußeren Manifestationen. Mit nur einem Unterschied: Im Alltag kann ich hinter der äußeren Manifestation das Innenleben der Person, die vor mir steht, nicht sehen, nicht erahnen. Aber das künstlerische Bild, das auf meinen inneren Blick wartet, steht mir bis zum Schluss offen mit all seinen Emotionen, Gefühlen und Leidenschaften, mit allen Plänen, Zielen und verborgensten Wünschen. Durch die äußere Hülle des Bildes „sehe“ ich sein Innenleben.

Außerordentlich wichtig in unserem Geschäft scheint mir die psychologische Geste - PZh laut Tschechow.

Eine psychologische Geste macht es möglich ... die erste freie "Kohleskizze" auf einer großen Leinwand anzufertigen. Sie gießen Ihren ersten kreativen Impuls in die Form einer psychologischen Geste. Sie erstellen sozusagen einen Plan, nach dem Sie Ihre künstlerische Intention Schritt für Schritt umsetzen. Sie können physisch, physisch eine unsichtbare psychologische Geste machen. Sie können es mit einer bestimmten Farbe kombinieren und damit Ihre Gefühle und Ihren Willen wecken.

Genau wie ein Schauspieler, der eine Rolle spielen muss, indem er das richtige innere Wohlbefinden findet, brauchen auch Kritiker PJ.

ZUM ABSCHLUSS KOMMEN.

BERÜHREN Sie das Problem.

BREAK-Beziehungen.

NUTZE die Idee.

SCHIEBEN SIE AUS DER VERANTWORTUNG.

FALLEN Sie in Verzweiflung.

Frage stellen usw.

Wovon sprechen all diese Verben? Über Gesten, bestimmt und klar. Und wir machen diese Gesten in der Seele, versteckt in verbalen Ausdrücken. Wenn wir zum Beispiel ein Problem berühren, berühren wir es nicht physisch, sondern mental. Das Wesen der seelischen Berührungsgeste ist das gleiche wie das der körperlichen, mit dem einzigen Unterschied, dass die eine Geste allgemeiner Natur ist und unsichtbar in der geistigen Sphäre ausgeführt wird, während die andere, körperliche, einen besonderen Charakter hat und wird offenbar in der physischen Sphäre vollzogen.

IN In letzter Zeit, im ständigen Rennen, keine Kritik mehr machend, Texte an der Grenze von Theaterwissenschaft und Journalismus produzierend, denke ich selten an PZh. Aber in letzter Zeit habe ich aus „Produktionsnotwendigkeiten“ beim Sammeln einer Sammlung einen Berg alter Texte erneut gelesen, etwa tausend meiner eigenen Veröffentlichungen. Das Lesen meiner alten Artikel ist eine Folter, aber etwas blieb am Leben, und wie sich herausstellte, waren dies genau die Texte, in denen, wie ich mich erinnere, genau die PZh gefunden wurde, die ich in dem einen oder anderen Fall brauchte.

Sagen wir, ich kam nicht an Dodinos "Brothers and Sisters" heran (die erste Zeitungskritik zählt nicht, ich ging raus und ging raus - es war wichtig, die Aufführung zu unterstützen, das ist ein anderes Genre ...). Die Aufführung wurde Anfang März gezeigt, der April ging zu Ende, das Theatermagazin wartete, der Text ging nicht. Geschäftlich ging ich in meine Heimat Wologda, blieb bei der alten Freundin meiner Mutter. Und am allerersten Morgen, als ein nackter Fuß auf einen Holzboden trat und die Dielen knarrten (nicht Leningrader Parkett - Dielen), entstand die Bauchspeicheldrüse, nicht der Kopf, sondern das Bein, erinnerte sich an das Kindheitsgefühl von Holz, den frostigen Geruch Brennholz am Ofen, nasse Hügel unter der Märzsonne, gewaschen in der Hitze der Böden, Holzflöße, von denen Frauen im Sommer ihre Kleider spülten ... Kocherginskaya Holzwand, die Landschaft, ohne ihre konstruktive und metaphorische Bedeutung zu verlieren , näherte sich mir durch das gefundene PZh, ich war psychophysisch in der Lage, in die Aufführung einzutreten, sie anzuziehen, mich darin niederzulassen und seine zu leben.

Oder, ich erinnere mich, wir vermieten ein Zimmer, ich habe keine Rezension über „P. S." in Alexandrinka, einer Aufführung von G. Kozlov nach Hoffmanns Chrysleriana. Ich laufe entlang der dunklen Fontanka zum Büro, die Lichter sind an, die Schönheit der Rossi-Straße ist sichtbar, der Wind, der Winter, der Graupel blenden meine Augen. Von der Produktion gequält, müde, ich komme zu spät, aber ich denke an die Aufführung, ich ziehe sie zu mir und wiederhole: „Inspiration, komm!“ Ich höre auf: Hier ist es, der erste Satz, die Bauchspeicheldrüse ist gefunden, ich bin fast der gleiche nervöse Chrysler, der nicht funktioniert, Schnee in den Augen, Wimperntusche fließt. "Inspiration, komm!" Ich schreibe in ein Notizbuch direkt unter dem Schnee. Es kann davon ausgegangen werden, dass der Artikel geschrieben wurde, es ist nur wichtig, dieses wahre Wohlgefühl, seinen Rhythmus, nicht zu verlieren und es sogar theaterwissenschaftlich zu analysieren - dies kann in jedem Zustand erfolgen ...

Wenn die Aufführung in Ihrem Kopf lebt, stellen Sie ihr Fragen, ziehen Sie sie an, denken Sie in der U-Bahn oder auf der Straße darüber nach, während Sie Tee trinken, konzentrieren Sie sich auf ihre künstlerische Natur - PJ wird gefunden. Manchmal hilft sogar Kleidung der rechten Bauchspeicheldrüse. Zum Beispiel, wenn man sich zum Schreiben hinsetzt, ist es sinnvoll, mal einen Hut aufzusetzen, mal einen Schal (zuschauen, was für eine Aufführung!) oder zu rauchen – all das ist natürlich in der Vorstellung, denn wir kommunizieren mit ideale Welt! Ich erinnere mich (Entschuldigung, das ist alles über mich ...), ich konnte bei Fomenko nicht anfangen, über "Tanya-Tanya" zu schreiben, bis ich im Sommer in Shchelykovo plötzlich auf ein Blatt hellgrünes Papier stieß. Das ist es, und es ist für diesen Text geeignet - dachte ich, und als ich in der Loggia saß und Tee mit Minze gebrüht hatte, schrieb ich nur ein Wort auf dieses Blatt: "Gut!" Die Bauchspeicheldrüse wurde gefunden, der Artikel entstand von selbst.

Damit meine ich nur, dass echte Theaterkritik für mich keine geistige Tätigkeit ist, sondern im Grunde idealerweise sehr nah an Regie und Schauspiel (und eigentlich an jeglicher künstlerischen Kreativität) heranreicht. Was, ich wiederhole, Theaterwissenschaft, historisches und theoretisches Wissen, die Notwendigkeit von Kontexten (je breiter, desto schöner) nicht negiert.

Ein eigener Abschnitt könnte einem imaginären Zentrum gewidmet werden, das gut wäre, um die Kritik zu bestimmen, die den Text schreibt ... Dies hängt direkt mit der Ausrichtung des Berufsstandes zusammen.

Aber gleichzeitig ist der von Hand geschriebene Text ein PJ. Auf einem Computer ist es etwas anderes. Manchmal mache ich Experimente: Ich schreibe einen Teil des Textes mit einem Stift, ich tippe einen Teil. Ich glaube eher an die "Energie der Hand", und diese Stücke unterscheiden sich definitiv in der Textur.

Hier brauchen wir die Vergangenheitsform: Ich schrieb, ich glaubte, ich suchte PJ ... Wir beschäftigen uns immer weniger mit unserer eigenen professionellen Ausbildung, da die Schauspieler immer seltener drei Stunden vor der Aufführung in die Garderoben kommen und einschalten...

UND EIN BISSCHEN VON HEUTE

Leider gibt es jetzt immer weniger Beispiele dafür, was wir gerade Theaterkritik nennen wollen. Auf den Seiten unserer Publikationen finden sich nicht nur wenige literarische Texte, auch das Spektrum der Genres ist äußerst eng. Wie gesagt, es dominiert etwas, das an der Schnittstelle von Theaterwissenschaft und Journalismus entstanden ist.

Heute ist ein Kritiker mit vollständigen Informationen fast ein Produzent: Er empfiehlt Aufführungen für Festivals, schafft Reputation für Theater. Auch über Konjunktur, Verlobung, Mode, Dienstnamen und Theater kann man reden – allerdings im gleichen Umfang wie eh und je. „Die Klasse der Kritik wird am Material getestet, wenn es dir nicht gefallen hat, und du spielst nicht herum, versteckst dich nicht, sondern sprichst es bis zum Ende aus. Und wenn ein solcher Artikel Respekt für die Person einflößt, über die Sie schreiben, ist es eine hohe Klasse, daran erinnert man sich, bleibt sowohl ihm als auch Ihnen in Erinnerung. Das Kompliment ist am nächsten Morgen vergessen und negative Dinge bleiben als Kerben in der Erinnerung. Aber wenn Ihnen etwas nicht gefallen hat und Sie darüber geschrieben haben, machen Sie sich darauf gefasst, dass die Person Sie nicht mehr grüßen wird, dass Ihre Beziehung zu ihm enden wird. Der Künstler ist physiologisch so eingerichtet – er akzeptiert keine Verleugnung. Es ist, als würde man einem Mädchen aufrichtig sagen: "Ich mag dich nicht." Du hörst für sie auf zu existieren. In diesen Situationen wird die Ernsthaftigkeit der Kritik geprüft. Kannst du auf der Ebene bleiben, auf der du ein Kunstphänomen nicht akzeptierst und es mit deinem ganzen Sein leugnest“, sagt A. Smelyansky (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html).

Die Situation in unserer Kritik wiederholt ziemlich genau die Situation an der Wende der vergangenen Jahrhunderte. Damals blühte das Geschäft, das heißt, der Kunstmarkt expandierte, Scharen von Theaterreportern trugen eilige Analphabetenkritiken voreinander zu Tageszeitungen, Journalisten, die zu Beobachtern herangewachsen waren, zu größeren Zeitungen (der Leser gewöhnte sich an die Name des gleichen Beobachters - ein Experte, wie jetzt), die "goldenen Federn" V. Doroshevich, A. Amfiteatrov, V. Gilyarovsky - schrieben an die größten Zeitungen und A. R. Kugel mit einer Auflage von 300 Exemplaren. begann die große Theaterzeitschrift Theater und Kunst herauszugeben, die 22 Jahre lang bestand. Er hat es in erstellt spätes XIX Jahrhundert, damit die Kunst des wachsenden Kapitalismus einen professionellen Blick auf sich selbst fühlte und künstlerische Kriterien nicht verlor.

Aktuell Theaterliteratur besteht aus einer Welle von Zeitungsanzeigen, Anmerkungen, glanzvollen Interviews - und all das kann nicht als Kritik gewertet werden, weil das künstlerische Objekt nicht im Mittelpunkt dieser Veröffentlichungen steht. Das ist Journalismus.

Das Aufgebot der Moskauer Zeitungskritik, die auf alle bedeutenden Premieren schnell und energisch reagiert, erweckt den Eindruck, dass der Beruf (wie zu Beginn des letzten Jahrhunderts) zu existieren scheint. Der Aufmerksamkeitskreis ist zwar streng definiert, die Liste der Interessenten ebenfalls (in St. Petersburg sind dies Alexandrinka, Mariinka, BDT und MDT). Rezensenten großer Zeitungen tauchen ihre Feder in dasselbe Tintenfass, Stil und Ansichten sind einheitlich, nur wenige Autoren behalten ihren individuellen Stil bei. Auch wenn ein künstlerischer Gegenstand im Mittelpunkt steht, dann entspricht die Sprache seiner Beschreibung in der Regel nicht dem Wesen des Gegenstandes in der Literatur, von Literatur ist überhaupt keine Rede.

In St. Petersburg blieb sogar die Theaterkritik der Zeitungen im Sande. Jetzt laufen Gespräche in sozialen Netzwerken und Blogs, das ist eine neue Form des Dialogs und der Korrespondenz, aber jetzt gehen Briefe nicht mehrere Tage lang, wie von Gnedich an Batyushkov und von Chekhov an Suworin ... All dies hat natürlich nichts mit Kritik zu tun. Aber Blogs scheinen eine Art „Kreise“ zu sein, ähnlich denen, die es in der „Ära der aufgeklärten Theaterbesucher“ gab: Dort wollten sie mit Olenin oder Shakhovsky über die Aufführung diskutieren, hier – auf der Facebook-Seite von NN oder AA . ..

Und ich, in der Tat, dort auch.

Wer ist Theaterkritiker und wie wird man einer? Wie man nicht mit einer Bewertung tötet?

Ein Kritiker ist in den Köpfen einiger Leute ein Richter, der ein Urteil fällt: eine Aufführung sein oder nicht sein. Genauer gesagt: Ist es ein Meisterwerk oder kompletter Unsinn. In vielerlei Hinsicht ist dies eine Sackgassenmeinung, denn Kritik ist nicht nur eine einfache Rezension, kein einfaches Pro-e-Contro einer Produktion. Theaterkritik ist eine besondere Welt mit großen Fallstricken. Ohne sie hätte sich die Kritik längst auf das Format von Diskussionen und Posts in sozialen Netzwerken verlagert. Also, was ist es? Wo lernt man die Kunst des Rezensionsschreibens? Welche Talente muss man haben, um Theaterkritiker zu werden? Was sind die Herausforderungen in diesem Beruf?

Wenn wir uns an die Genres des Journalismus erinnern, gehört die Rezension zu einer von drei Gruppen - analytisch. Einfach ausgedrückt analysiert ein Theaterkritiker eine Aufführung. Er späht in jedes Detail, denn jede Kleinigkeit zählt. Aber eine Rezension ist nicht immer „Kritik“. Niemand wird Material lesen, in dem emotional geschrieben steht: "Ihre Leistung ist scheiße."

"Damir Muratov aus Omsk bei der Triennale des Russischen zeitgenössische Kunst in Moskau präsentierte seine Arbeit „Nicht jeder kann einen Künstler beleidigen“ – eine konzeptionelle Inschrift auf Leinwand. Wie in jedem ähnlichen Aktionismus, zusammen mit einem spielerischen Wortspiel, können Sie hier sehen wichtige Bedeutung , - sagt Alexey Goncharenko, Theaterkritiker. - Manchmal erlaubt eine scharfe Bemerkung eines Kritikers, Emotionen beiseite zu lassen, etwas in der Szene zu verändern und stärker zu machen, und manchmal kann ein unerwartetes Kompliment den Autor deprimieren (er erwartete, dass sie ihm in der Arbeit etwas Wichtigeres anmerken würden). Es ist nicht notwendig, Regisseure und Künstler einfach zu schelten, ebenso einfach zu loben, das kann das Publikum tun. Für den Theaterprozess ist es produktiver zu analysieren, zu zerlegen, Fragen zu stellen und Fragen zu stellen, und dann wird zusammen mit den Argumenten eine Bewertung des Kunstwerks geboren, ohne die es unmöglich ist, schließlich ist der Kritiker nicht der Autor von Oden, er bewundert nicht blind, sondern respektiert diejenigen, über die er schreibt ".

Um in diesem Genre zu schreiben, reicht es nicht aus zu wissen, was Theater ist. Kritiker ist ein ausgesuchtes Sammelsurium guter Sinn dieses Wort. Er kennt sich nicht nur in der Theaterkunst aus. Der Kritiker ist ein bisschen Philosoph, ein bisschen Soziologe, Psychologe, Historiker. Regisseur, Schauspieler, Dramatiker. Und schließlich ein Journalist.

„Als Angehöriger des Theaterberufs muss der Kritiker ständig zweifeln, - Elizaveta Sorokina teilt ihre Meinung, Chefredakteur Magazin "Dachs-Theater-Experte". - Sie können nicht einfach behaupten. Sie müssen immer wieder Hypothesen aufstellen. Und dann prüfen, ob es stimmt oder nicht. Die Hauptsache ist, keine Angst vor Fehlern zu haben, jeden zu schätzen. Wir dürfen nicht vergessen, dass der Theaterkritiker ein ebenso kreativer Beruf ist wie alle anderen Theaterberufe. Dass der Kritiker „auf der anderen Seite der Rampe“ steht, ändert daran nichts. Die Aussageeinheit des Regisseurs ist das Stück, der Schauspieler die Rolle, der Dramatiker das Stück und die Kritik der Text.

Eine der Herausforderungen für einen Kritiker besteht darin, Material für alle zu schreiben. Passen Sie sich an jeden Leser an, der seinen eigenen Geschmack und seine Vorlieben hat. Das Bewertungspublikum ist ziemlich groß. Dazu gehören nicht nur das Publikum, sondern auch die Aufführungsleiter (obwohl viele ehrwürdige Regisseure behaupten, dass sie keine Kritik an ihren Werken lesen) sowie die Kollegen im Laden. Stellen Sie sich vor, was es ist unterschiedliche Leute! Jeder von ihnen betrachtet das Theater auf seine Weise. Für die einen ist das „eine lustige Zeit“, für die anderen „eine Abteilung, von der man der Welt viel Gutes sagen kann“ (N.V. Gogol). Für jeden Leser sollte das Material nützlich sein.

In den meisten Fällen werden Rezensionen von Leuten geschrieben, die geschult wurden, sie zu verstehen Theaterkunst von innen - es sind Theaterkritiker. Absolventen der Moskauer Schule (GITIS), St. Petersburg (RGISI) und anderer. Menschen mit einem Journalistendiplom fallen nicht immer in den Kulturbereich. Wenn wir einen Theaterexperten und einen Journalisten vergleichen, ergibt sich eine interessante Analogie: Beide haben ihre eigenen Vor- und Nachteile beim Schreiben von Leistungsbeurteilungen. Kritiker, die das Theaterstudium absolviert haben, haben nicht immer eine Ahnung von den Genres des Journalismus. Es kommt sogar vor, dass sie hinter einer großen Anzahl von Begriffen vergessen, dass ein Nicht-Elite-Leser mit einer Fülle von unverständlichen Wörtern schnell gelangweilt ist. Kritiker aus journalistische ausbildung sie greifen in ihren Parametern zu kurz: Ihnen fehlt oft das charakteristische Wissen über das Theater, über seine Besonderheiten sowie die Fachterminologie. Sie verstehen das Theater nicht immer von innen heraus, das wurde ihnen einfach nicht beigebracht. Wenn die Genres des Journalismus ziemlich schnell erlernt werden können (wenn auch nicht zum ersten Mal), dann ist es einfach unmöglich, die Theorie des Theaters in ein paar Monaten zu beherrschen. Es stellt sich heraus, dass die Nachteile der einen die Vorteile der anderen sind.

Foto von FB Pavel Rudnev

„Der Theatertext ist kein Geldverdiener mehr, die Kulturseiten in den Medien sind aufs Unmögliche reduziert, die übrigen Zeitungen haben scharf korrigiert, - sagt Pavel Rudnev, Theaterkritiker und Theatermanager, Kandidat der Kunstkritik. - Konnte in den 1990er Jahren eine Aufführung in der Hauptstadt 30-40 Kritiken einheimsen, freuen sich Pressesprecher heute, wenn mindestens eine Kritik über eine Aufführung veröffentlicht wird. Die resonantesten Werke verursachen zehn Kritiken. Natürlich ist dies einerseits eine Folge des Marktes, der das Unverkäufliche verdrängt, andererseits eine Folge des Misstrauens zeitgenössische Kultur, neues Theater, neue Leute kommen in die Kultur. Wenn Sie das erste ertragen können, dann ist das zweite eine echte Katastrophe. Viele sagen, der Kritiker wird heute zum Manager, zum Produzenten. Und das ist leider eine erzwungene Sache: Sie müssen für sich selbst, Ihre Familie, sorgen. Das Problem ist jedoch, dass der Ruf und die Autorität eines Kritikers immer noch in erster Linie durch Texte und Analysen geschaffen werden. Und dass es heute sehr wenige Möglichkeiten für junge Theaterkritiker gibt, ist eine Katastrophe, denn die Reifung eines Kritikers ist ein langfristiger Prozess. Niemand kommt vollständig vorbereitet und ausgerüstet aus den Universitäten.

Als ich anfing, bekam ich unschätzbare Hilfe von hochrangigen Theaterexperten, denen ich für dieses Vertrauen dankbar bin – Olga Galakhova und Gennady Demin in der Zeitung Dom Aktora, Grigory Zaslavsky in Nezavisimaya Gazeta. Und das hatte seine eigene Bedeutung: Es gab Kontinuität – du hilfst mir, ich helfe anderen. Das Problem ist, dass es heute nirgendwo gibt, diese Grenze auch nur zu verlängern. Heute können leider nur die kostenlosen Features des Internets ihre Möglichkeiten bieten. Beispielsweise hat der Jugendrat des STD RF einen Blog für junge Kritiker „Start Up“ erstellt. Das Feld für Texte ist weit, denn es betrifft nicht nur die Kulturen der Hauptstadt, sondern vor allem die Regionen. Aber es ist schlimm, dass wir nichts für Texte bezahlen. Das ist beschämend!"

Theaterkritiker ist ein kreativer Beruf, viele widmen ihm uneigennützig ihr ganzes Leben. Bevor Sie jedoch ein Profi werden können, müssen Sie hart arbeiten. Ein Kritiker sollte in der Lage sein, die kreative Idee des Autors objektiv zu bewerten und seine Meinung genau und klar zu äußern. Sie müssen in der Lage sein, die Details wahrzunehmen, das Wort gekonnt zu beherrschen und lernen, das auf der Bühne präsentierte Bild der Welt wahrzunehmen. Ist es einfach? Nein. Aber wann haben uns Schwierigkeiten aufgehalten? Niemals. Nach vorne!

„Damir Muratov aus Omsk präsentierte auf der Triennale der russischen zeitgenössischen Kunst in Moskau seine Arbeit „Nicht jeder kann einen Künstler beleidigen“ – eine konzeptionelle Inschrift auf Leinwand. Wie in jedem ähnlichen Aktionismus kann man hier neben einem spielerischen Wortspiel eine wichtige Bedeutung erkennen - sagt Alexei Goncharenko, Theaterkritiker. - Manchmal erlaubt eine scharfe Bemerkung eines Kritikers, Emotionen beiseite zu lassen, etwas in der Szene zu verändern und stärker zu machen, und manchmal kann ein unerwartetes Kompliment den Autor deprimieren (er erwartete, dass sie ihm in der Arbeit etwas Wichtigeres anmerken würden) . Es ist nicht notwendig, Regisseure und Künstler einfach zu schelten, ebenso einfach zu loben, das kann das Publikum tun. Für den Theaterprozess ist es produktiver, zu analysieren, zu zerlegen, Fragen zu stellen und Fragen zu stellen, und dann wird zusammen mit den Argumenten eine Bewertung eines Kunstwerks geboren, ohne die es unmöglich ist, schließlich ist ein Kritiker kein Autor von Oden, er bewundert nicht blind, sondern respektiert diejenigen, über die er schreibt ".

Um in diesem Genre zu schreiben, reicht es nicht aus zu wissen, was Theater ist. Ein Kritiker ist ein ausgesuchtes Sammelsurium im guten Sinne des Wortes. Er kennt sich nicht nur in der Theaterkunst aus. Der Kritiker ist ein bisschen Philosoph, ein bisschen Soziologe, Psychologe, Historiker. Regisseur, Schauspieler, Dramatiker. Und schließlich ein Journalist.

„Als Repräsentantin des Theaterberufs muss ein Kritiker ständig zweifeln“, teilt Elizaveta Sorokina, Chefredakteurin des Magazins „Dachs-Theaterexpertin“, ihre Meinung. - Sie können nicht einfach sagen. Sie müssen immer wieder Hypothesen aufstellen. Und dann prüfen, ob es stimmt oder nicht. Die Hauptsache ist, keine Angst vor Fehlern zu haben, jeden zu schätzen. Wir dürfen nicht vergessen, dass ein Theaterkritiker ein ebenso kreativer Beruf ist wie alle anderen Theaterberufe. Dass der Kritiker „auf der anderen Seite der Rampe“ steht, ändert daran nichts. Die Aussageeinheit des Regisseurs ist das Stück, der Schauspieler die Rolle, der Dramatiker das Stück und die Kritik der Text.

Eine der Herausforderungen für einen Kritiker besteht darin, Material für alle zu schreiben. Passen Sie sich an jeden Leser an, der seinen eigenen Geschmack und seine Vorlieben hat. Das Bewertungspublikum ist ziemlich groß. Dazu gehören nicht nur das Publikum, sondern auch die Aufführungsleiter (obwohl viele ehrwürdige Regisseure behaupten, dass sie keine Kritik an ihren Werken lesen) sowie die Kollegen im Laden. Stellen Sie sich vor, was für verschiedene Menschen sie sind! Jeder von ihnen betrachtet das Theater auf seine Weise. Für die einen ist das „eine lustige Zeit“, für die anderen „eine Abteilung, von der man der Welt viel Gutes sagen kann“ (N.V. Gogol). Für jeden Leser sollte das Material nützlich sein.

In den meisten Fällen werden Rezensionen von Menschen geschrieben, die geschult wurden, die Kunst des Theaters von innen zu verstehen – das sind Theaterexperten. Absolventen der Moskauer Schule (GITIS), St. Petersburg (RGISI) und anderer. Menschen mit einem Journalistendiplom fallen nicht immer in den Kulturbereich. Wenn wir einen Theaterexperten und einen Journalisten vergleichen, ergibt sich eine interessante Analogie: Beide haben ihre eigenen Vor- und Nachteile beim Schreiben von Leistungsbeurteilungen. Kritiker, die das Theaterstudium absolviert haben, haben nicht immer eine Ahnung von den Genres des Journalismus. Es kommt sogar vor, dass sie hinter einer großen Anzahl von Begriffen vergessen, dass ein Nicht-Elite-Leser mit einer Fülle von unverständlichen Wörtern schnell gelangweilt ist. Journalistisch ausgebildete Kritiker greifen in ihren Parametern zu kurz: Ihnen fehlen oft die charakteristischen Kenntnisse über das Theater, seine Besonderheiten sowie die Fachterminologie. Sie verstehen das Theater nicht immer von innen heraus, das wurde ihnen einfach nicht beigebracht. Wenn die Genres des Journalismus ziemlich schnell erlernt werden können (wenn auch nicht zum ersten Mal), dann ist es einfach unmöglich, die Theorie des Theaters in ein paar Monaten zu beherrschen. Es stellt sich heraus, dass die Nachteile der einen die Vorteile der anderen sind.

Foto von FB Pavel Rudnev

„Theatertext ist kein Mittel mehr, um Geld zu verdienen, die Kulturseiten in den Medien wurden auf ein Unmögliches reduziert, der Rest der Zeitungen hat sich stark verbessert“, sagt Pavel Rudnev, Theaterkritiker und Theatermanager, Ph.D. in der Kunstgeschichte. - Wenn in den 1990er Jahren eine Aufführung in der Hauptstadt 30-40 Kritiken sammeln konnte, freuen sich Pressesprecher heute, wenn mindestens eine Kritik über eine Aufführung veröffentlicht wird. Die resonantesten Werke verursachen zehn Kritiken. Natürlich ist dies einerseits eine Folge des Marktes, der das Unverkäufliche herausquetscht, andererseits eine Folge des Misstrauens gegenüber der modernen Kultur, dem neuen Theater, neuen Menschen, die in die Kultur kommen. Wenn Sie das erste ertragen können, dann ist das zweite eine echte Katastrophe. Viele sagen, der Kritiker wird heute zum Manager, zum Produzenten. Und das ist leider eine erzwungene Sache: Sie müssen für sich selbst, Ihre Familie, sorgen. Das Problem ist jedoch, dass der Ruf und die Autorität eines Kritikers immer noch in erster Linie durch Texte und Analysen geschaffen werden. Und dass es heute sehr wenige Möglichkeiten für junge Theaterkritiker gibt, ist eine Katastrophe, denn die Reifung eines Kritikers ist ein langfristiger Prozess. Niemand kommt vollständig vorbereitet und ausgerüstet aus den Universitäten.

Elizaveta Pecherkina, rewizor.ru

Kurzreferenz

Alisa Nikolskaya ist professionelle Theaterkritikerin. Absolvent der GITIS, Fakultät für Theater. 13 Jahre in der Spezialität tätig, auch in der Produktion tätig Theaterproduktionen, Fotoausstellungen und andere Projekte.

Profguide: Alice, sag mir, warum brauchen wir einen Theaterkritiker? Wer braucht sie im Theater: das Publikum, der Künstler, der Regisseur?

Alisa Nikolskaja: Theater ist eine vergängliche Kunst. Die Performance lebt einen Abend lang und stirbt mit dem Schließen des Vorhangs. Der Kritiker dagegen fixiert das Bühnengeschehen, lässt ihn länger leben. Liefert Informationen an ein breites Spektrum von Menschen. Das heißt, es erfüllt die Funktion eines Historikers und Archivars. Außerdem findet der Kritiker Worte für alles, was im Theater passiert; formuliert, analysiert, erklärt. Mit einem Wort, in einem einzigen Theaterprozess ist der Kritiker für die Theorie verantwortlich.

Profguide: Wie arbeitet ein Kritiker? Ich stelle es so dar. Er geht hinter die Bühne und sagt zum Regisseur: „Hör zu, Petja! Du hast eine gute Show abgeliefert. Aber irgendwie ist es nicht ganz perfekt. Ich möchte diese Szene etwas kürzen, das Ende etwas verändern. Der Regisseur hört sich Kritik, Änderungen und Kürzungen an. Denn der Kritiker hat mit seinen Ausführungen den Nagel auf den Kopf getroffen. So?

Oder ein Kritiker schaut sich eine Aufführung an, geht nach Hause, schreibt eine Kritik und veröffentlicht sie in der Zeitung Kultura oder im Magazin Theater. Dann wird ihm für seine Arbeit, für sein Verständnis und seine Verherrlichung gedankt.

EIN.: Es mag so und so sein. Wenn zwischen einem Kritiker und einem Regisseur-Schauspieler-Dramatiker ein Live-Gespräch stattfindet, ist das wunderbar. Nicht ohne Grund auf Russisch Theaterfestivals im Rahmen der Gattung der mündlichen Diskussion. Das heißt, der Kritiker kommt, schaut sich die Performances an und analysiert sie im Gespräch mit dem Kreativteam. Dies ist für beide Seiten nützlich: Der Kritiker schärft seine Formulierungsfähigkeit und lernt, die an der Aufführung Beteiligten zu hören und zu respektieren, und das Kreativteam hört auf professionelle Meinungen und berücksichtigt sie. In Moskau gibt es so etwas fast nicht, und über Aufführungen wird nur einmal gesprochen, auf Initiative der einen oder anderen Seite. Fachliche Gespräche scheinen mir sehr wichtig zu sein. Dies ist eine lebendige Gelegenheit, den Prozess voranzutreiben.

Geschriebene Texte beeinflussen den Prozess viel weniger. Im Allgemeinen nimmt der Wert des gedruckten Wortes mit der Zeit ab. Sagen wir, in unserem Land wirkt sich eine negative Bewertung einer Aufführung nicht auf die Abendkasse aus, wie im Westen. Und der Regisseur, für dessen Aufführung sie geschrieben sind Negative Rückmeldung ignoriert sie meistens. Vielleicht, weil viele Laien über das Theater schreiben und das Vertrauen in den Beruf selbst untergraben wurde. Der Dialog ist heute nicht sehr gut. Und das Bedürfnis des Künstlers nach Kritik, und sogar die Kritik des Künstlers, ist minimal.

Profguide: Böse Zungen sagen: Wer selbst nicht weiß, wie es geht, geht in die Kritik.

EIN.: Ja, es gibt eine solche Meinung. Es wird angenommen, dass Kritiker diejenigen sind, die es nicht geschafft haben, Schauspieler oder Regisseur zu werden. Und von Zeit zu Zeit treffen sich solche Leute. Aber das bedeutet nicht, dass sie zu schlechten Kritikern werden. So gut wie ein Kritiker, der eine Profilbildung erhalten hat, ist nicht immer gut. Talent ist in unserem Beruf gefragt.

Profguide: Ich denke, dass gerade das moderne Theater einen Kritiker braucht. Er muss erklären. Denn das moderne Theater ist oft wie ein Kreuzworträtsel – es ist nicht klar. Man muss mit dem Kopf denken, nicht nur mit dem Herzen. Was denkst du darüber?

EIN.: Ist sicherlich erklärungsbedürftig. Formulieren. Analysieren Sie den Prozess. Heute hat sich der Umfang des Theaterspektakels stark erweitert, Elemente des Kinos, der Videokunst, der Musik am meisten verschiedene Typen Kunst. Es ist wahnsinnig interessant. Neue Stücke verstehen, zum Beispiel, oder moderner Tanz, wo sich alles extrem schnell verändert und ergänzt, entsteht vor unseren Augen. Nehmen Sie es einfach und begreifen Sie es. Obwohl das Herz nicht ausgeschaltet werden kann. Denn das heutige Theater wirkt sinnlich auf den Betrachter und wird nicht mehr nur mit dem Kopf wahrnehmbar sein.

Profguide: Was denkst du allgemein über modernes Theater? Was ist dieses Phänomen, und welche Fragen beantwortet oder versucht das moderne Theater zu beantworten?

EIN.: Heutzutage klafft eine große Lücke zwischen dem Theater, das nach dem Vorbild von vor einem halben Jahrhundert existiert, und dem Theater, das versucht, die sich schnell verändernde Zeit von heute einzufangen, darauf zu reagieren. Die erste Art von Theater antwortet auf nichts. Er lebt einfach. Jemand braucht es - und um Himmels willen. Wobei der kategorische Nicht-Einlassen-Wollen heute ein Unglück und ein Problem ist. Und die zweite Art von Theater, verkörpert in der Regel in kleinen Gruppen oder Einzelpersonen, sucht Nahrung aus dem, was um sie herum ist. In den Gedanken und Gefühlen eines Menschen, der in den Zuschauerraum kommt und sich nach den Echos seiner eigenen Seele sehnt. Das bedeutet nicht, dass modernes Theater auf Sozialität und Aktualität steht – obwohl auf diese Komponenten gar nicht verzichtet werden kann. Es gibt eine Annäherung an das heilige Theater. Sinnlich, Rückkehr zu den Ursprüngen der menschlichen Natur.

Profguide: Was denkst du, Alice, was das Hauptproblem zeitgenössisches Theater in Russland? Was fehlt ihm?

EIN.: Vieles fehlt. Die Hauptprobleme - Sozial- und Organisationsplan. Es gibt keinen Kontakt, keinen Dialog mit den Behörden: Bis auf seltene Ausnahmen kontaktieren die Behörden und der Künstler nicht, die Behörden sind an diesem Gespräch nicht interessiert. Dadurch liegt das Theater am Stadtrand öffentliches Leben, die Wirkung des Theaters auf die Gesellschaft ist es nicht. Einmalige, einzelne Ausnahmen.

Ein weiteres Problem ist die Distanz zwischen, sagen wir, Menschen, die ein Gebäude und Subventionen haben, und Menschen mit Köpfchen und Talent. Schau: in allem große Theater es gibt ein Stöhnen - "wo ist das neue Blut?". Und dieses neue Blut ist - und Regie, Schauspiel und Dramaturgie. Und diese Leute sind hier, es besteht keine Notwendigkeit, für sie zum Mars zu fliegen. Aber aus irgendeinem Grund sind sie in diesen Strukturen nicht erlaubt oder zumindest zugelassen. Und die Theaterleitung sitzt immer noch und träumt von einer Art „neuem Efros“, der vom Himmel fallen und alle Probleme lösen wird. Es macht mich traurig, das alles zu sehen. Es ist bitter zu sehen, wie die Regisseure, die keine Zeit haben, wirklich im Theater zu spielen, gehen, um Serien zu drehen. Es ist bitter, talentierte Schauspieler zu sehen, die seit Jahren keinen anständigen Job mehr haben. Es ist bitter zu sehen, wie Schüler durch das Bildungssystem verzerrt werden und ihre Individualität nicht verstehen, sich selbst nicht zuhören.

Profguide: Um Theaterkritiker zu sein, muss man das Theater lieben („... also mit der ganzen Seelenstärke, mit der ganzen Begeisterung, mit der ganzen Raserei, zu der es nur fähig ist ...“). Doch welche Eigenschaften sollte man im Zuge der Ausbildung und Vorbereitung auf diesen Beruf kultivieren?

EIN.: Ein Kritiker ist ein Nebenberuf. Der Kritiker fixiert und begreift, was er sieht, aber er selbst erschafft nichts. Dies ist ein Moment, der schwer zu ertragen ist, besonders für einen ehrgeizigen Menschen. Sie müssen bereit sein, dies zu erkennen. Und das Theater zu lieben ist ein Muss! Natürlich nicht alle. Auch die Bildung des eigenen Geschmacks, die Selbstbildung sind sehr wichtige Dinge. Wer braucht einen Kritiker, der nach jeder Aufführung vor Freude erstickt und nicht gut von schlecht unterscheidet? Sowie der, der wie zur Schwerstarbeit ins Theater geht und durch die Zähne schimpft „wie-ich-das-alles-hasse“, wird auch nicht gebraucht.

Profguide: Wo lernt man am besten, Theaterkritiker zu sein?

EIN.: Der unvergessliche Rektor von GITIS, Sergei Alexandrovich Isaev, sagte, dass Theaterwissenschaft kein Beruf, sondern eine Reihe von Kenntnissen sei. Ist das so. An der Theaterabteilung von GITIS (an der ich meinen Abschluss gemacht habe, und die meisten meiner Kollegen, die jetzt Kritiker praktizieren) geben sie eine sehr gute geisteswissenschaftliche Ausbildung. Nachdem Sie es erhalten haben, können Sie beispielsweise zur Wissenschaft oder im Gegenteil zur PR gehen oder sogar vom Theater zu etwas anderem wechseln. Nicht jeder Absolvent unserer Theaterabteilung wird zum schreibenden Kritiker. Aber – und nicht jeder Kritiker kommt aus der Theaterabteilung in den Beruf.

Meiner Meinung nach ist für eine Person, die sich für den Weg des „Schreibens“ entschieden hat, die Übung der beste Lehrmeister. Schreiben ist unmöglich zu lehren. Wenn dies für eine Person schwierig ist, wird sie sich nie an dieses Geschäft gewöhnen (ich habe viele solcher Fälle gesehen). Und wenn die Veranlagung vorhanden ist, dann hilft einem das an der Uni erworbene Wissen einfach weiter. Zwar hat sich die Theaterkritik heute größtenteils in Theaterjournalismus verwandelt. Und diese Voreingenommenheit gibt es nicht an den Universitäten. Und Menschen, die die Mauern derselben GITIS verlassen, sind möglicherweise nicht auf die weitere Existenz im Beruf vorbereitet. Hier hängt viel vom Lehrer und von der Person selbst ab.

Die Theaterabteilung von GITIS ist vielleicht der berühmteste Ort, an dem sie "Kritik" lehren. Aber nicht der einzige. Wenn wir von Moskau sprechen, dann wird die Richtung Theaterwissenschaft von den meisten Universitäten für freie Künste angeboten. RSUH zum Beispiel, wo die Qualität der Ausbildung hoch ist.

Profguide: Wie sieht die Karriere eines Theaterkritikers aus?

EIN.: Schwer zu sagen. Mir scheint, dass die Karriere eines Kritikers der Grad seines Einflusses auf den Prozess ist. Dies ist die Entwicklung eines individuellen Stils, an dem Kritiker erkannt werden. Und ein Glücksmoment, die Gelegenheit, „in“ zu sein richtige Zeit am richtigen Ort" ist auch dabei.

Profguide: Sie produzieren jetzt Theaterstücke. Wo ist es hergekommen? Keine Geduld mehr? Ist etwas in die Seele gewachsen? Wie haben Sie verstanden, dass ES gewachsen ist? Wie hat es Sie bereichert?

EIN.: Hier gibt es viele Faktoren. Vor einigen Jahren hatte ich das Gefühl, dass ich mit der bestehenden Theaterrealität nicht sehr zufrieden war. Ihr fehlt etwas. Und wenn etwas fehlt und Sie verstehen, was es ist, können Sie entweder auf Änderungen warten oder es selbst tun. Ich habe mich für das Zweite entschieden. Weil ich eine aktive Person bin und nicht weiß, wie ich an einem Ort sitzen und warten soll.

Ich probiere wirklich gerne neue Dinge aus. Vor fünf Jahren haben wir ein wunderbares Projekt der Fotokünstlerin Olga Kuznetsova „Fototheater“ ins Leben gerufen. Wir haben die schauspielerische Arbeit vor der Kamera und die Originalität des Raums kombiniert. Ein Projekt, The Power of Open Space, wurde im Na Strastnoy Theatre Center als Teil einer großen Ausstellung von drei Fotografen gezeigt. Andere - " königliche Spiele. Richard der Dritte", viel umfangreicher - wurde ein Jahr später gemacht und im Meyerhold Center gezeigt. Kurz gesagt, wir haben es versucht - es hat funktioniert. Jetzt verstehe ich wie interessante Richtung und wie es entwickelt werden kann.

Genau nach dem gleichen Prinzip "interessant - ich habe es versucht - es hat sich herausgestellt" werden meine anderen Projekte gemacht. Die Arbeit junger Filmregisseure wurde interessant - ein Programm zur Vorführung von Kurzfilmen im TsIM war geboren. Ich war vom Clubraum mitgerissen - ich fing an, Konzerte zu geben. Übrigens bedauere ich sehr, dass ich diesen Job aufgegeben habe. Ich möchte darauf zurückkommen. Und wenn mir morgen etwas anderes gefällt, werde ich gehen und versuchen, es zu tun.

Was das Theater angeht, stehe ich hier noch ganz am Anfang meiner Reise. Es gibt viele Ideen. Und alle konzentrieren sich in vielerlei Hinsicht auf Menschen – Schauspieler, Regisseure, Künstler – die ich liebe, deren Vision von der Welt und dem Theater mit meiner übereinstimmt. Teamarbeit ist mir sehr wichtig. Das Gefühl, nicht allein zu sein, unterstützt zu werden, interessiert zu sein, ist außergewöhnlich. Natürlich gab es Fehler und Enttäuschungen. Mit schmerzhaften und bitteren Folgen. Aber das ist eine Suche, ein Prozess, das ist normal.

Weißt du, das ist ein herrliches Gefühl, wenn du zum Beispiel einen außergewöhnlichen Künstler siehst oder ein Theaterstück liest – und plötzlich beginnt innerlich etwas zu pulsieren, du denkst „das ist meins!“. Und Sie beginnen zu erfinden: für einen Künstler - eine Rolle, für ein Theaterstück - einen Regisseur. Sie bauen den gesamten Arbeitsablauf in Ihrem Kopf und auf Papier auf: wie Sie an Geld kommen, wie Sie Menschen davon überzeugen, mit Ihnen zusammenzuarbeiten, sie mit Ihrem eigenen Brennen zu fesseln, wie Sie ein Team zusammenstellen, wie Sie das fertige Produkt bewerben, es arrangieren Schicksal. Der Arbeitsaufwand ist natürlich enorm. Es ist wichtig, keine Angst zu haben, sondern ohne Unterbrechung voranzukommen.

Profguide: Was ist Ihr Credo im Beruf des Kritikers?

EIN.: Credo, egal wie abgedroschen – sei du selbst. Lüge nicht. Töte nicht mit Worten. Gehen Sie nicht in die Demontage, Showdown. Es kommt vor, dass ein bestimmter Charakter - ein Schauspieler oder Regisseur - ehrlich gesagt unangenehm ist, und wenn Sie über seine Arbeit sprechen, beginnen Sie unwillkürlich, nach dem zu suchen, was schlecht ist. Und wenn Sie es gefunden haben, möchten Sie wirklich auf diesem Boden herumstreifen. Das ist nicht gut. Wir müssen unseren Eifer mäßigen. Das sage ich mir immer. Obwohl es vorkommt, dass ich mich nicht zurückhalte.

Profguide: Was ist für Sie die größte Schwierigkeit des Berufs? Welche Verpflichtung hat dieser Beruf? Ich sehe also, dass Sie fast alle Ihre Abende im Theater verbringen. Ist das nicht Schwerstarbeit?

EIN.: Nein, überhaupt keine Schwerstarbeit. Ich werde nicht müde zu sagen, dass der Beruf, auch wenn er sehr beliebt ist, nicht das ganze Leben erschöpft. Und es ist unmöglich zu erschöpfen. Andernfalls können Sie ein sehr unglücklicher Mensch werden. Und ich habe solche Beispiele vor Augen. Ja, das Theater nimmt einen erheblichen Teil meiner Zeit ein. Aber es ist eine bewusste Entscheidung. Viele der Menschen, die ich liebe, mit denen ich kommuniziere, sind Leute aus dem Theaterkreis. Und ich bin sehr daran interessiert, mit ihnen zu reden, auch über den Beruf. Aber ich habe auch Freunde, die absolut nicht theatralisch sind, und nicht theatralische Hobbies – und Gott sei Dank, dass sie es sind. Du kannst dich nicht in die Arbeit einsperren. Es ist notwendig, eine lebende Person zu sein, zu atmen und zu fühlen. Und Arbeit sollte nicht als harte Arbeit betrachtet werden. Anders schafft man es einfach nicht. Es ist notwendig, die Grenzen der Wahrnehmung zu erweitern.

Ich habe zum Beispiel diejenigen nie verstanden, die streng zu dramatischen Aufführungen gehen. Jetzt durchdringen sich alle Arten von Kunst. Ich gehe in die Oper und ins Ballett, in Konzerte und ins Kino. Und das ist für mich nicht nur Vergnügen oder Unterhaltung, sondern auch Teil der Arbeit.

Die Schwierigkeit für mich besteht zum Beispiel darin, mich nicht selbst zu belügen und nicht falsch zu sein. Manchmal schaut man sich ein unglaubliches Spektakel an – und man weiß nicht, wie man sich ihm nähert, um in Worte zu fassen, was man gesehen hat. Es ist selten, aber es passiert. Und dann verlässt du den Saal, du brennst, du brennst, und während du dich hinsetzt, um zu schreiben – Martyrium. Aber es gibt Qualen, und wenn Sie es mit einer sehr schlechten Leistung zu tun haben. Wie kann man sagen, dass dies schlecht ist, aber kein Gift spritzen und sich nicht zum Missbrauch herablassen, sondern das ganze „Was“ und „Warum“ klar sagen. Ich bin seit dreizehn Jahren im Beruf. Aber es kommt oft vor, dass ein neuer Text für mich eine Prüfung ist. Zuallererst zu mir selbst.

Profguide: Was ist für Sie das Schöne an diesem Beruf?

EIN.: Ganz im Prozess. Du kommst ins Theater, setzt dich in den Saal, schaust. Sie machen sich Notizen. Dann schreiben, denken, formulieren Sie. Sie suchen in sich selbst nach Assoziationen, Empfindungen, Echos dessen, was Sie bereits gesehen (oder gelesen) haben. Du ziehst Parallelen zu anderen Kunstformen. All dies ist ein erstaunliches Gefühl, das mit nichts zu vergleichen ist.

Und noch ein Vergnügen - Interview. Ich mache eigentlich nicht gerne Interviews, aber es gibt Menschen, die treffen sich mit Freude und Glück. Yuri Lyubimov, Mark Zakharov, Tadashi Suzuki, Nina Drobysheva, Gennady Bortnikov... Das sind Weltraummenschen. Ja, und viele andere können genannt werden. Jedes Treffen ist ein Erlebnis, ein Wiedererkennen, ein Naturverständnis, ein menschliches und kreatives.

Profguide: Kann man als Theaterkritiker Geld verdienen?

EIN.: Dürfen. Aber es ist nicht einfach. Vieles hängt von Ihrer eigenen Aktivität ab. Wie ein Freund und Kollege von mir sagt: „Wie viel ich gelaufen bin, habe ich so viel verdient.“ Außerdem ist zu bedenken, dass Texte über das Theater nicht von allen Medien nachgefragt werden. Deshalb lebst du in einem konstanten Extrem. Auf der Suche nach einer Kombination aus internen, beruflichen Bedürfnissen und banalem Überleben. Setzen Sie Ihr Wissen und Ihre Fähigkeiten maximal ein.

Beliebt in der Kategorie: