Plan der Idealstadt der Renaissance. Künstlerische Bilder der Renaissance

Kunst der Renaissance

Renaissance- Dies ist die Blütezeit aller Künste, einschließlich des Theaters, der Literatur und der Musik, aber zweifellos war die wichtigste unter ihnen, die den Geist ihrer Zeit am besten zum Ausdruck brachte, die bildende Kunst.

Es ist kein Zufall, dass es eine Theorie gibt, dass die Renaissance damit begann, dass sich die Künstler mit dem Rahmen des vorherrschenden „byzantinischen“ Stils nicht mehr zufriedengaben und sich auf der Suche nach Vorbildern für ihre Arbeit als erste an sie wandten zur Antike. Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) wurde vom Denker und Künstler der Epoche selbst, Giorgio Vasari („Biographie berühmter Maler, Bildhauer und Architekten“), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war dies die Zeit der Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike in idealer Weise.

In der Zukunft hat sich der Inhalt des Begriffs weiterentwickelt. Die Wiederbelebung bedeutete die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung zur christlichen Ethik, die Geburt nationaler Literaturen, den Wunsch des Menschen nach Freiheit von den Beschränkungen der katholischen Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen zu bedeuten Humanismus.

WIEDERBELEBUNG, RENAISSANCE(Französische Renaissance - Wiedergeburt) - eine der größten Epochen, ein Wendepunkt in der Entwicklung der Weltkunst zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst die XIV-XVI Jahrhunderte. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern. Diese Periode der Kulturentwicklung erhielt ihren Namen - Renaissance (oder Renaissance) im Zusammenhang mit der Wiederbelebung des Interesses an antiker Kunst. Die damaligen Künstler kopierten jedoch nicht nur alte Muster, sondern gaben ihnen auch einen qualitativ neuen Inhalt. Die Renaissance sollte nicht als künstlerischer Stil oder Richtung betrachtet werden, da es in dieser Zeit verschiedene künstlerische Stile, Trends und Strömungen gab. Das ästhetische Ideal der Renaissance wurde auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung - des Humanismus - geformt. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge. Die Rolle der kreativen Person hat besonders zugenommen.

Das humanistische Pathos der Zeit verkörperte sich am besten in der Kunst, die wie in früheren Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu vermitteln. Neu war, dass sie versuchten, das Materielle und das Geistige zu einem Ganzen zu vereinen. Es war schwierig, eine Person zu finden, die der Kunst gleichgültig gegenüberstand, aber der bildenden Kunst und der Architektur wurde der Vorzug gegeben.

Italienische Malerei des 15. Jahrhunderts meist monumental (Fresken). Unter den bildenden Künsten nimmt die Malerei einen Spitzenplatz ein. Es entspricht am ehesten dem Renaissance-Prinzip der „Nachahmung der Natur“. Auf der Grundlage des Naturstudiums entsteht ein neues visuelles System. Der Künstler Masaccio leistete einen würdigen Beitrag zur Entwicklung eines Verständnisses von Volumen, seiner Übertragung mit Hilfe von Hell-Dunkel. Die Entdeckung und wissenschaftliche Fundierung der Gesetzmäßigkeiten der Längs- und Luftperspektive beeinflusste maßgeblich das weitere Schicksal der europäischen Malerei. Eine neue plastische Sprache der Skulptur entsteht, ihr Begründer war Donatello. Er belebte die freistehende runde Statue wieder. Sein bestes Werk ist die Skulptur von David (Florenz).

In der Architektur werden die Prinzipien des antiken Ordnungssystems wiederbelebt, die Bedeutung der Proportionen erhöht, neue Gebäudetypen geformt (Stadtschloss, Landvilla usw.), die Architekturtheorie und das Konzept einer idealen Stadt entwickelt werden. Der Architekt Brunelleschi baute Gebäude, in denen er das antike Architekturverständnis mit den Traditionen der Spätgotik verband und zu einer neuen figurativen Spiritualität der Architektur gelangte, die den Alten unbekannt war. Während der Hochrenaissance wurde das neue Weltbild am besten in den Werken von Künstlern verkörpert, die zu Recht als Genies bezeichnet werden: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione und Tizian. Die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts als Spätrenaissance bezeichnet. Zu diesem Zeitpunkt erfasst die Krise die Kunst. Es wird geregelt, höfisch, verliert seine Wärme und Natürlichkeit. Einzelne große Künstler - Tizian, Tintoretto - schaffen jedoch in dieser Zeit weiterhin Meisterwerke.

Die italienische Renaissance hatte einen großen Einfluss auf die Kunst Frankreichs, Spaniens, Deutschlands, Englands und Russlands.

Der Aufstieg in der Entwicklung der Kunst der Niederlande, Frankreichs und Deutschlands (XV-XVI Jahrhunderte) wird als Nordrenaissance bezeichnet. Das Werk der Maler Jan van Eyck, P. Brueghel d. Ä. ist der Höhepunkt dieser Periode der Kunstentwicklung. In Deutschland war A. Dürer der größte Künstler der deutschen Renaissance.

Die Entdeckungen der Renaissance auf dem Gebiet der geistigen Kultur und Kunst waren von großer historischer Bedeutung für die Entwicklung der europäischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten. Das Interesse an ihnen hält bis heute an.

Die Renaissance in Italien durchlief mehrere Phasen: Frührenaissance, Hochrenaissance, Spätrenaissance. Florenz wurde zum Geburtsort der Renaissance. Die Grundlagen der neuen Kunst wurden von dem Maler Masaccio, dem Bildhauer Donatello und dem Architekten F. Brunelleschi entwickelt.

Der erste, der Gemälde anstelle von Ikonen schuf, war der größte Meister der Proto-Renaissance Giotto. Er war der erste, der sich bemühte, christliche ethische Ideen durch die Darstellung echter menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln, wobei er die Symbolik durch die Darstellung realer Räume und bestimmter Objekte ersetzte. Auf den berühmten Fresken von Giotto in Arena-Kapelle in Padua neben den Heiligen sieht man ganz ungewöhnliche Gestalten: Hirten oder einen Spinner. Jede einzelne Person in Giotto bringt ganz bestimmte Erfahrungen, einen bestimmten Charakter zum Ausdruck.

In der Ära frühe renaissance In der Kunst findet die Entwicklung des alten künstlerischen Erbes statt, neue ethische Ideale werden geformt, Künstler wenden sich den Errungenschaften der Wissenschaft (Mathematik, Geometrie, Optik, Anatomie) zu. Die führende Rolle bei der Bildung der ideologischen und stilistischen Prinzipien der Kunst der Frührenaissance wird von gespielt Florenz. In den Bildern von Meistern wie Donatello, Verrocchio dominiert die Reiterstatue des Condottiere Gattamelata David von Donatello die heroischen und patriotischen Prinzipien ("St. George" und "David" von Donatello und "David" von Verrocchio).

Masaccio war der Begründer der Renaissance-Malerei.(Wandmalereien in der Brancacci-Kapelle, "Dreifaltigkeit") verstand es Masaccio, die Tiefe des Raumes zu vermitteln, Figur und Landschaft mit einer einzigen kompositorischen Idee zu verbinden und den einzelnen Porträts Ausdruckskraft zu verleihen.

Aber die Entstehung und Entwicklung des bildlichen Porträts, das das Interesse der Renaissancekultur am Menschen widerspiegelte, sind mit den Namen der Künstler der Umrbi-Schule verbunden: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Das Werk des Künstlers sticht in der Frührenaissance hervor Sandro Botticelli. Seine Bilder sind vergeistigt und poetisch. Die Forscher bemerken die Abstraktion und den raffinierten Intellektualismus in den Werken des Künstlers, seinen Wunsch, mythologische Kompositionen mit kompliziertem und verschlüsseltem Inhalt zu schaffen ("Frühling", "Die Geburt der Venus"). Einer von Botticellis Biographen sagte, dass seine Madonnen und Venus den Eindruck erwecken Verlust, der uns ein Gefühl unauslöschlicher Traurigkeit verursacht... Einige von ihnen haben den Himmel verloren, andere - die Erde.

"Frühling" "Geburt der Venus"

Der Höhepunkt in der Entwicklung der ideologischen und künstlerischen Prinzipien der italienischen Renaissance ist Hochrenaissance. Der Begründer der Kunst der Hochrenaissance ist Leonardo da Vinci, ein großer Künstler und Wissenschaftler.

Er schuf eine Reihe von Meisterwerken: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Streng genommen zeichnet sich das Gesicht der Gioconda durch Zurückhaltung und Ruhe aus, das Lächeln, das ihren Weltruhm begründete und das später zu einem unverzichtbaren Bestandteil der Werke wurde der Leonardo-Schule ist darin kaum zu spüren. Doch in dem sanft schmelzenden Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt, gelang es Leonardo, die grenzenlose Variabilität der menschlichen Mimik fühlbar zu machen. Obwohl die Augen von Gioconda den Betrachter aufmerksam und ruhig anblicken, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber kaum wahrnehmbare Schatten zeichnen sich in der Nähe ihrer Ecken ab, was Sie glauben lässt, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln, sprechen werden. Schon der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt erahnen, wie widersprüchlich ihre Erfahrungen sind. Nicht umsonst quälte Leonardo sein Model mit langen Sessions. Wie keinem anderen gelang es ihm, in diesem Bild Schatten, Schattierungen und Halbtöne zu vermitteln, die ein Gefühl von zitterndem Leben entstehen lassen. Kein Wunder, dass Vasari dachte, dass man am Hals der Mona Lisa sehen kann, wie eine Ader schlägt.

Im Porträt von Gioconda hat Leonardo nicht nur den Körper und die ihn umgebende Luftumgebung perfekt inszeniert. Er hat auch ein Verständnis dafür eingebracht, was das Auge braucht, damit ein Bild einen harmonischen Eindruck macht, weshalb alles so aussieht, als wären die Formen natürlich aus dem anderen entstanden, wie es in der Musik geschieht, wenn eine gespannte Dissonanz aufgelöst wird durch einen harmonischen Akkord. Gioconda ist perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben, ihre Halbfigur bildet etwas Ganzes, gefaltete Hände geben ihrem Bild Vollständigkeit. Jetzt konnte natürlich von den bizarren Locken der frühen Verkündigung keine Rede sein. Doch wie weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarlocke der Gioconda harmoniert mit dem durchsichtigen Schleier, und der über die Schulter geworfene Stoff findet ein Echo in den glatten Windungen der fernen Straße. In all dem zeigt Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen. „In technischer Hinsicht galt Mona Lisa immer als etwas Unerklärliches. Jetzt glaube ich, kann ich dieses Rätsel lösen“, sagt Frank. Ihm zufolge verwendete Leonardo die von ihm entwickelte Technik "sfumato" (italienisch "sfumato", wörtlich - "verschwand wie Rauch"). Der Trick besteht darin, dass Objekte in den Gemälden keine klaren Grenzen haben sollten, alles sollte nahtlos ineinander übergehen, die Umrisse von Objekten werden mit Hilfe des sie umgebenden Licht-Luft-Schleiers weicher. Die Hauptschwierigkeit dieser Technik liegt in den kleinsten Strichen (etwa ein Viertel Millimeter), die weder unter dem Mikroskop noch mit Röntgenstrahlen einer Erkennung zugänglich sind. So dauerte es mehrere hundert Sitzungen, um ein da Vinci-Gemälde zu malen. Das Bild der Mona Lisa besteht aus etwa 30 Schichten flüssiger, fast durchsichtiger Ölfarbe. Für solche Schmuckarbeiten musste der Künstler offenbar eine Lupe verwenden. Vielleicht erklärt die Verwendung einer so mühsamen Technik die lange Arbeit an dem Porträt - fast 4 Jahre.

, "Das letzte Abendmahl" hinterlässt einen bleibenden Eindruck. An der Wand entfaltet sich das uralte Gospel-Drama des betrogenen Vertrauens, als würde es sie überwinden und den Betrachter in die Welt der Harmonie und der majestätischen Visionen entführen. Und dieses Drama findet seine Auflösung in einem allgemeinen Impuls, der sich an die Hauptfigur richtet - einen Ehemann mit traurigem Gesicht, der das Geschehen als unvermeidlich hinnimmt. Christus hatte gerade zu seinen Jüngern gesagt: "Einer von euch wird mich verraten." Der Verräter sitzt bei den anderen; Die alten Meister stellten Judas separat sitzend dar, aber Leonardo brachte seine düstere Isolation viel überzeugender zur Geltung, indem er seine Züge mit einem Schatten verhüllte. Christus ist seinem Schicksal unterwürfig, voller Bewusstsein des Opfers seiner Leistung. Sein geneigter Kopf mit gesenkten Augen, die Geste seiner Hände sind unendlich schön und majestätisch. Durch das Fenster hinter seiner Figur öffnet sich eine bezaubernde Landschaft. Christus ist das Zentrum der ganzen Komposition, all dieses Wirbels von Leidenschaften, die herumtoben. Seine Traurigkeit und Ruhe sind sozusagen ewig, natürlich - und das ist die tiefe Bedeutung des gezeigten Dramas.Er suchte die Quellen perfekter Kunstformen in der Natur, aber N. Berdyaev sieht ihn für den kommenden Prozess verantwortlich der Mechanisierung und Mechanisierung des menschlichen Lebens, die eine Person aus der Natur gerissen hat.

Malerei erreicht klassische Harmonie in der Kreativität Raffael. Seine Kunst entwickelt sich von den frühen, kühlen umbrischen Madonnenbildern (Madonna Conestabile) zur Welt des „glücklichen Christentums“ der florentinischen und römischen Werke. „Madonna mit Stieglitz“ und „Madonna im Sessel“ sind weich, menschlich und sogar gewöhnlich in ihrer Menschlichkeit.

Aber das Bild der "Sixtinischen Madonna" ist majestätisch und verbindet symbolisch die himmlische und die irdische Welt. Raphael ist vor allem als Schöpfer sanfter Madonnenbilder bekannt. Aber in der Malerei verkörperte er sowohl das Ideal des universellen Menschen der Renaissance (Porträt von Castiglione) als auch das Drama historischer Ereignisse. Die Sixtinische Madonna (um 1513, Dresden, Gemäldegalerie) ist eines der inspirierendsten Werke des Künstlers. Geschrieben als Altarbild für die Kirche des Klosters St. Sixtus in Piacenza unterscheidet sich dieses Gemälde in Gestaltung, Komposition und Bildinterpretation deutlich von den Madonnen der Florentiner Zeit. Anstelle eines intimen und irdischen Bildes eines schönen jungen Mädchens, das herablassend den Vergnügungen zweier Babys folgt, haben wir hier eine wundervolle Vision, die plötzlich am Himmel auftauchte, weil jemand einen Vorhang zurückgezogen hatte. Umgeben von goldenem Glanz, feierlich und majestätisch schreitet Maria durch die Wolken, das Christkind vor sich haltend. Links und rechts knien vor ihrem St. Sixtus und St. Barbara. Die symmetrische, streng ausbalancierte Komposition, die Klarheit der Silhouette und die monumentale Verallgemeinerung der Formen verleihen der Sixtinischen Madonna eine besondere Erhabenheit.

In diesem Bild gelang es Raphael vielleicht mehr als anderswo, die lebensechte Wahrhaftigkeit des Bildes mit den Merkmalen idealer Perfektion zu verbinden. Das Bild der Madonna ist komplex. Die berührende Reinheit und Naivität einer sehr jungen Frau verbindet sich in ihm mit fester Entschlossenheit und heroischer Opferbereitschaft. Dieses Heldentum lässt das Bild der Madonna mit den besten Traditionen des italienischen Humanismus in Verbindung stehen. Die Kombination von Ideal und Wirklichkeit in diesem Bild erinnert an die bekannten Worte Rafaels aus einem Brief an seinen Freund B. Castiglione. „Und ich werde Ihnen sagen“, schrieb Raphael, „dass ich, um eine Schönheit zu schreiben, viele Schönheiten sehen muss … aber aufgrund des Mangels … an schönen Frauen verwende ich eine Idee, die mir in den Sinn kommt . Ob es irgendeine Perfektion hat, weiß ich nicht, aber ich bemühe mich sehr, es zu erreichen. Diese Worte bringen Licht ins Dunkel kreative Methode Künstler. Ausgehend von der Realität und sich auf sie verlassend, strebt er zugleich danach, das Bild über alles Zufällige und Vergängliche zu erheben.

Michelangelo(1475-1564) - zweifellos einer der inspirierendsten Künstler der Kunstgeschichte und neben Leonardo da Vinci die mächtigste Figur der italienischen Hochrenaissance. Als Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter hatte Michelangelo einen enormen Einfluss auf seine Zeitgenossen und auf die spätere westliche Kunst im Allgemeinen.

Er betrachtete sich als Florentiner – obwohl er am 6. März 1475 in dem kleinen Dorf Caprese nahe der Stadt Arezzo geboren wurde. Michelangelo liebte seine Stadt, ihre Kunst und Kultur sehr und trug diese Liebe bis ans Ende seiner Tage. Er verbrachte die meisten seiner reifen Jahre in Rom und arbeitete für die Päpste; er hinterließ jedoch ein Testament, wonach sein Leichnam in Florenz in einem wunderschönen Grab in der Kirche Santa Croce beerdigt wurde.

Michelangelo vollendete die Marmorskulptur Pieta(Beweinung Christi) (1498-1500), die sich noch an ihrem ursprünglichen Standort - im Petersdom - befindet. Dies ist eines der berühmtesten Werke in der Geschichte der Weltkunst. Die Pieta wurde wahrscheinlich von Michelangelo fertiggestellt, bevor er 25 Jahre alt war. Dies ist das einzige Werk, das er signiert hat. Die junge Maria ist mit dem toten Christus auf den Knien dargestellt, ein Bild, das der nordeuropäischen Kunst entlehnt ist. Marys Blick ist weniger traurig als ernst. Dies ist der Höhepunkt des Schaffens des jungen Michelangelo.

Nicht weniger bedeutendes Werk des jungen Michelangelo war ein riesiges (4,34 m) Marmorbild David(Akademie, Florenz), hingerichtet zwischen 1501 und 1504, nach Rückkehr nach Florenz. Der Held des Alten Testaments wird von Michelangelo in Form eines gutaussehenden, muskulösen, nackten jungen Mannes dargestellt, der ängstlich in die Ferne blickt, als würde er seinen Feind abschätzen - Goliath, mit dem er kämpfen muss. Der lebendige, angespannte Ausdruck von Davids Gesicht ist charakteristisch für viele Werke Michelangelos – ein Zeichen seiner individuellen skulpturalen Art. Der David, Michelangelos berühmteste Skulptur, ist zu einem Symbol von Florenz geworden und wurde ursprünglich auf der Piazza della Signoria vor dem Palazzo Vecchio, dem Florentiner Rathaus, aufgestellt. Mit dieser Statue bewies Michelangelo seinen Zeitgenossen, dass er nicht nur alle zeitgenössischen Künstler, sondern auch die Meister der Antike übertroffen hat.

Malerei auf dem Gewölbe der Sixtinischen Kapelle 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, um zwei Aufträge zu erfüllen. Das wichtigste war die Freskenmalerei des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle. Auf hohen Gerüsten direkt unter der Decke liegend schuf Michelangelo zwischen 1508 und 1512 die schönsten Illustrationen zu einigen biblischen Geschichten. Auf dem Gewölbe der päpstlichen Kapelle stellte er neun Szenen aus dem Buch Genesis dar, beginnend mit der Trennung des Lichts von der Dunkelheit und einschließlich der Erschaffung Adams, der Erschaffung Evas, der Versuchung und des Falls von Adam und Eva und der Sintflut . Um die Hauptgemälde herum wechseln sich Bilder von Propheten und Sibyllen auf Marmorthronen, anderen alttestamentlichen Figuren und den Vorfahren Christi ab.

Zur Vorbereitung dieses großartigen Werkes fertigte Michelangelo eine Vielzahl von Skizzen und Kartons an, auf denen er die Figuren der Dargestellten in unterschiedlichen Posen darstellte. Diese majestätischen, kraftvollen Bilder beweisen das meisterhafte Verständnis des Künstlers für die menschliche Anatomie und Bewegung, das der westeuropäischen Kunst eine neue Richtung gab.

Zwei weitere ausgezeichnete Statuen, Gebundener Gefangener und Tod eines Sklaven(beide um 1510-13) befinden sich im Louvre, Paris. Sie demonstrieren Michelangelos Herangehensweise an die Skulptur. Seiner Meinung nach sind die Figuren einfach im Marmorblock eingeschlossen, und es ist die Aufgabe des Künstlers, sie zu befreien, indem er den überschüssigen Stein entfernt. Oft ließ Michelangelo die Skulpturen unvollendet, entweder weil sie nicht mehr benötigt wurden oder weil sie einfach das Interesse für den Künstler verloren hatten.

Bibliothek von San Lorenzo Das Projekt des Grabes von Julius II erforderte ein Architekturstudium, aber Michelangelos ernsthafte Arbeit auf dem Gebiet der Architektur begann erst 1519, als er den Auftrag erhielt, die Fassade der Bibliothek von St. Lawrence in Florenz zu gestalten, wohin der Künstler wieder zurückkehrte ( dieses Projekt wurde nie umgesetzt). In den 1520er Jahren entwarf er auch die elegante Eingangshalle der Bibliothek neben der Kirche San Lorenzo. Diese Strukturen wurden nur wenige Jahrzehnte nach dem Tod des Autors fertiggestellt.

Michelangelo, ein Anhänger der republikanischen Fraktion, nahm in den Jahren 1527-29 am Krieg gegen die Medici teil. Zu seinen Aufgaben gehörten der Bau und Wiederaufbau der Befestigungsanlagen von Florenz.

Medici-Kapellen. Nachdem er längere Zeit in Florenz gelebt hatte, vollendete Michelangelo zwischen 1519 und 1534 den Auftrag der Familie Medici, zwei Gräber in der neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo zu errichten. In einem Saal mit hohem Kuppelgewölbe errichtete der Künstler an den Wänden zwei prächtige Gräber, bestimmt für Lorenzo De Medici, Herzog von Urbino, und für Giuliano De Medici, Herzog von Nemours. Zwei komplexe Gräber wurden als Darstellungen gegensätzlicher Typen konzipiert: Lorenzo – ein in sich eingeschlossener, nachdenklicher, zurückgezogener Mensch; Giuliano hingegen ist aktiv, offen. Über dem Grab von Lorenzo platzierte der Bildhauer allegorische Skulpturen von Morgen und Abend und über dem Grab von Giuliano - Allegorien von Tag und Nacht. Die Arbeit an den Medici-Gräbern wurde fortgesetzt, nachdem Michelangelo 1534 nach Rom zurückgekehrt war. Er besuchte seine geliebte Stadt nie wieder.

Jüngstes Gericht

Von 1536 bis 1541 arbeitete Michelangelo in Rom an der Bemalung der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Das größte Fresko der Renaissance stellt den Tag des Jüngsten Gerichts dar. Christus teilt mit einem feurigen Blitz in der Hand unaufhaltsam alle Bewohner der Erde in die geretteten Gerechten, die auf der linken Seite der Komposition dargestellt sind, und die Sünder, die in sie hinabsteigen Dantes Hölle (linke Seite des Freskos). Strikt seiner eigenen Tradition folgend malte Michelangelo ursprünglich alle Figuren nackt, aber ein Jahrzehnt später „kleidete“ ein puritanischer Künstler sie an, als das kulturelle Klima konservativer wurde. Michelangelo hinterließ sein eigenes Selbstporträt auf dem Fresko – sein Gesicht ist leicht auf der abgerissenen Haut des heiligen Märtyrer-Apostels Bartholomäus zu erahnen.

Obwohl Michelangelo in dieser Zeit andere malerische Aufträge hatte, wie zum Beispiel die Kapelle des Apostels Paulus (1940), versuchte er zunächst, seine ganze Kraft der Architektur zu widmen.

Kuppel des Petersdoms. 1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten des im Bau befindlichen Petersdoms im Vatikan ernannt. Das Gebäude wurde nach den Plänen von Donato Bramante gebaut, aber Michelangelo wurde letztendlich für den Bau der Altarapsis und für die Entwicklung der technischen und künstlerischen Lösung für die Kuppel der Kathedrale verantwortlich. Die Vollendung des Baus des Petersdoms war die höchste Errungenschaft des Florentiner Meisters auf dem Gebiet der Architektur. Während seines langen Lebens war Michelangelo ein enger Freund von Fürsten und Päpsten, von Lorenzo de Medici bis Leo X., Clemens VIII. und Pius III., sowie vielen Kardinälen, Malern und Dichtern. Der Charakter des Künstlers, seine Lebensstellung ist durch seine Werke schwer eindeutig zu erfassen – so vielfältig sind sie. Außer vielleicht in der Poesie wandte sich Michelangelo in seinen eigenen Gedichten häufiger und intensiver Fragen der Kreativität und seines Platzes in der Kunst zu. Einen großen Platz in seinen Gedichten nehmen die Probleme und Schwierigkeiten ein, mit denen er sich bei seiner Arbeit auseinandersetzen musste, sowie die persönlichen Beziehungen zu den prominentesten Vertretern dieser Zeit.Lodovico Ariosto, einer der berühmtesten Dichter der Renaissance, schrieb ein Epitaph für ihn Das berühmter Künstler: "Michele ist mehr als ein Sterblicher, er ist ein göttlicher Engel."

Renaissancekunst in Italien (XIII-XVI Jahrhundert).

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Merkmale der Kunst der Renaissance in Italien.

Die Kunst der Renaissance entstand auf der Grundlage des Humanismus (vom lateinischen humanus – „Mensch“) – einer Strömung des gesellschaftlichen Denkens, die ihren Ursprung im 14. Jahrhundert hat. in Italien und dann in der zweiten Hälfte des 15. und im 16. Jahrhundert. auf andere ausbreiten europäische Länder Oh. Der Humanismus proklamierte den höchsten Wert des Menschen und sein Wohl. Die Anhänger dieses Trends glaubten, dass jeder Mensch das Recht hat, sich als Person frei zu entwickeln und seine Fähigkeiten zu verwirklichen. Die Ideen des Humanismus sind am vollständigsten und lebendigsten in der Kunst verkörpert, Hauptthema der ein wunderschöner, harmonisch entwickelter Mensch mit unbegrenzten spirituellen und kreativen Möglichkeiten wurde. Humanisten ließen sich von der Antike inspirieren, die ihnen als Wissensquelle und Vorbild künstlerischen Schaffens diente. Die große Vergangenheit Italiens, immer wieder an sich selbst erinnernd, wurde damals als höchste Perfektion empfunden, während die Kunst des Mittelalters ungeschickt und barbarisch wirkte. Der Begriff „Revival“, der im 16. Jahrhundert aufkam, bedeutete die Geburt einer neuen Kunst, die die klassische antike Kultur wiederbelebte. Die Kunst der Renaissance verdankt jedoch viel der künstlerischen Tradition des Mittelalters. Das Alte und das Neue waren untrennbar miteinander verbunden und konfrontiert. Bei aller widersprüchlichen Vielfalt ihrer Ursprünge ist die Kunst der Renaissance von einer tiefen und grundlegenden Neuheit geprägt. Sie legte den Grundstein für die europäische Kultur der Neuzeit. Alle großen Kunstformen – Malerei und Grafik, Bildhauerei, Architektur – haben sich enorm verändert.
In der Architektur die kreativ überarbeiteten Prinzipien der Antike Bestellsystem , neue Typen von öffentlichen Gebäuden entstanden. Die Malerei wurde mit einer linearen und luftigen Perspektive, Kenntnissen der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert. Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Erhöhtes Interesse an Antike Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaft, Portrait. Zusammen mit den monumentalen Wandmalereien, die architektonische Strukturen schmückten, erschien ein Gemälde; Ölmalerei entstanden.
Die Kunst hat noch nicht aufgehört, ein Handwerk zu sein, aber die kreative Individualität des Künstlers, dessen Aktivitäten damals sehr vielfältig waren, stand bereits an erster Stelle. Das universelle Talent der Meister der Renaissance ist erstaunlich - sie arbeiteten oft gleichzeitig auf dem Gebiet der Architektur, Bildhauerei und Malerei, verbanden ihre Leidenschaft für Literatur, Poesie und Philosophie mit dem Studium der exakten Wissenschaften. Das Konzept einer kreativ reichen oder „Renaissance“-Persönlichkeit wurde später zu einem geläufigen Wort.
In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel er nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Die Herausbildung der Renaissancekultur in Italien fand in wirtschaftlich unabhängigen Städten statt. Beim Aufstieg und Aufblühen der Kunst der Renaissance spielten die Kirche und die prachtvollen Höfe der ungekrönten Herrscher – der herrschenden wohlhabenden Familien, die die größten Förderer und Kunden von Werken der Malerei, Bildhauerei und Architektur waren – eine wichtige Rolle. Die Hauptzentren der Renaissancekultur waren zunächst die Städte Florenz, Siena, Pisa, dann Padua, Ferrara, Genua, Mailand und später, in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, das reiche Handelsvenedig. Im 16. Jahrhundert. Rom wurde zur Hauptstadt der italienischen Renaissance. Seitdem haben alle anderen Kulturzentren außer Venedig ihre einstige Bedeutung verloren.
In der Epoche der italienischen Renaissance ist es üblich, mehrere Perioden zu unterscheiden:

Proto-Renaissance (zweite Hälfte des XIII-XIV Jahrhunderts),

Frührenaissance (XV Jahrhundert),

Hochrenaissance (spätes 15. - erstes Drittel 16. Jahrhundert)

Spätrenaissance (letzte zwei Drittel des 16. Jahrhunderts).

Proto-Renaissance

IN Italienische Kultur XIII-XIV Jahrhundert Vor dem Hintergrund der immer noch starken byzantinischen und gotischen Traditionen begannen sich Merkmale einer neuen Kunst abzuzeichnen, die später als Kunst der Renaissance bezeichnet wurde. Daher wurde diese Periode seiner Geschichte genannt Proto-Renaissance(aus dem Griechischen "protos" - "erster", d.h. bereitete den Beginn der Renaissance vor). In keinem der europäischen Länder gab es eine ähnliche Übergangszeit. In Italien selbst entstand und entwickelte sich die Kunst der Proto-Renaissance nur in der Toskana und in Rom.
In der italienischen Kultur waren die Merkmale des Alten und des Neuen miteinander verflochten. Der letzte Dichter des Mittelalters und der erste Dichter der Neuzeit, Dante Alighieri (1265-1321), schuf die italienische Literatursprache. Was Dante begann, wurde von anderen großen Florentinern des 14. Jahrhunderts fortgesetzt - Francesco Petrarca (1304-1374), dem Begründer der europäischen Lyrik, und Giovanni Boccaccio (1313-1375), dem Begründer des Romangenres (Kurzgeschichte) in der Welt Literatur. Der Stolz der Epoche sind die Architekten und Bildhauer Niccolo und Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio und der Maler Giotto di Bondone .
Die Architektur
Die italienische Architektur folgte lange Zeit mittelalterlichen Traditionen, was sich hauptsächlich in der Verwendung einer Vielzahl gotischer Motive ausdrückte. Gleichzeitig unterschied sich die italienische Gotik selbst stark von der gotischen Architektur Nordeuropas: Sie tendierte zur Ruhe große Formen, gleichmäßige Lichtverhältnisse, horizontale Gliederung, breite Wandflächen. 1296 begann der Bau in Florenz Kathedrale Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio wollte den Altar der Kathedrale mit einer riesigen Kuppel krönen. Nach dem Tod des Architekten im Jahr 1310 verzögerte sich der Bau jedoch, er wurde bereits in der Zeit der Frührenaissance fertiggestellt. 1334 wurde nach dem Entwurf von Giotto mit dem Bau des Glockenturms der Kathedrale, des sogenannten Campanile, begonnen - ein schlanker rechteckiger Turm mit horizontaler Unterteilung durch Stockwerke und eleganten gotischen Fenstern, dessen Lanzettbogenform war in der italienischen Architektur seit langem erhalten.
Zu den bekanntesten Stadtpalästen gehört der Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) in Florenz. Es wird angenommen, dass es von Arnolfo di Cambio gebaut wurde. Es ist ein schwerer Kubus mit einem hohen Turm, der mit einer harten Steinrustizierung ausgekleidet ist. Die dreigeschossige Fassade ist mit in Halbkreisbögen eingeschriebenen Fensterpaaren geschmückt, die dem gesamten Gebäude einen Eindruck zurückhaltender Strenge verleihen. Das Gebäude bestimmt das Erscheinungsbild des alten Stadtzentrums und dringt mit einer harten Masse in den Platz ein.
Skulptur
Früher als in der Architektur und in der Malerei wurden künstlerische Suchen in der Bildhauerei und vor allem in der pisanischen Schule skizziert, deren Gründer Niccolò Pisano (um 1220 - zwischen 1278 und 1284) war. Niccolo Pisano wurde in Apulien in Süditalien geboren. Es wird angenommen, dass er Bildhauerei in den südlichen Schulen studierte, wo der Geist der Wiederbelebung der klassischen Traditionen der Antike blühte. Ohne Zweifel hat Niccolo die bildhauerische Ausstattung spätrömischer und frühchristlicher Sarkophage studiert. Das früheste bekannte Werk des Bildhauers ist ein Sechseck Kanzel aus Marmor, von ihm für das Baptisterium in Pisa (1260) angefertigt, - wurde zu einem herausragenden Werk der Renaissance-Bildhauerei und hatte großen Einfluss auf ihre weitere Entwicklung. Die Hauptleistung des Bildhauers besteht darin, dass er es geschafft hat, den Formen Volumen und Ausdruckskraft zu verleihen, und jedes Bild hat körperliche Kraft.
Aus der Werkstatt von Niccolò Pisano stammen die bemerkenswerten Meister der Bildhauerei der Proto-Renaissance – sein Sohn Giovanni Pisano und Arnolfo di Cambio, auch als Architekt bekannt. Arnolfo di Cambio (um 1245 - nach 1310) wandte sich der monumentalen Bildhauerei zu, in die er seine Lebensbeobachtungen einfließen ließ. Eine der besten Arbeiten, die er zusammen mit seinem Vater und Sohn Pisano gemacht hat - Brunnen auf der Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, geschmückt mit zahlreichen Statuen und Reliefs, ist zum Stolz der Stadt geworden. Es war verboten, Tiere daraus zu trinken, Wasser in Weinfässern oder hinein zu nehmen ungewaschenes Geschirr. Das Stadtmuseum bewahrt Fragmente liegender Figuren von Arnolfo di Cambio für den Brunnen auf. In diesen Figuren gelang es dem Bildhauer, den ganzen Reichtum der Bewegungen des menschlichen Körpers zu vermitteln.
Malen
In der Kunst der italienischen Renaissance nahm die Wandmalerei einen dominierenden Platz ein. Es wurde in Freskotechnik ausgeführt. Mit auf Wasser zubereiteten Farben schrieben sie entweder auf nassem Putz (eigentlich ein Fresko) oder auf trockenem - diese Technik nennt man "a secco" (übersetzt aus dem Italienischen - "trocken"). Das Hauptbindemittel von Gips ist Kalk. Weil Kalk braucht etwas Zeit zum Trocknen, Freskomalerei musste schnell erfolgen, oft in Teilen, zwischen denen Verbindungsnähte waren. Aus der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. die Technik des Freskens wurde durch das Malen eines Secco ergänzt; Letzteres ermöglichte eine langsamere Arbeit und die Endbearbeitung von Teilen. Der Arbeit an den Wandgemälden ging die Herstellung von Sinopia voraus - Hilfszeichnungen, die unter dem Fresko auf der ersten Putzschicht angebracht wurden. Diese Zeichnungen wurden mit rotem Ocker angefertigt, der in der Nähe der Stadt Sinop an der Schwarzmeerküste aus Ton abgebaut wurde. Nach dem Namen der Stadt hieß die Farbe Sinop oder Sinopia, später wurden die Zeichnungen selbst so genannt. Sinopia wurde in der italienischen Malerei vom 13. bis Mitte des 15. Jahrhunderts verwendet. Allerdings griffen nicht alle Maler auf die Hilfe von Sinopia zurück - zum Beispiel Giotto di Bondone, der prominenteste Vertreter der Epoche der Proto-Renaissance, verzichtete auf sie. Allmählich wurde die Synopie aufgegeben. Ab Mitte des 15. Jahrhunderts. Kartons wurden häufig in der Malerei verwendet - vorbereitende Zeichnungen auf Papier oder Stoff in der Größe zukünftiger Werke. Die Konturen der Zeichnung wurden mit Hilfe von Kohlenstaub auf nassen Putz übertragen. Es wurde durch die in die Kontur gestochenen Löcher geblasen und mit einem scharfen Werkzeug in den Putz gedrückt. Manchmal wurde aus einer Skizzenskizze eine fertige monumentale Zeichnung, und Kartons erlangten den Wert eigenständiger Gemälde.

Begründer des neuen italienischen Malstils ist Cimabue (eigentlich Cenny di Pepo, ca. 1240 - ca. 1302). Cimabue war in Florenz als Meister feierlicher Altarbilder und Ikonen berühmt. Seine Bilder zeichnen sich durch Abstraktion und statischen Charakter aus. Und obwohl Cimabue in seiner Arbeit byzantinischen Traditionen folgte, versuchte er in seinen Werken, irdische Gefühle auszudrücken und die Starrheit des byzantinischen Kanons aufzuweichen.
Piero Cavallini (zwischen 1240 und 1250 - um 1330) lebte und arbeitete in Rom. Er ist der Autor der Mosaiken der Kirche Santa Maria in Trastevere (1291) sowie der Fresken der Kirche Santa Cecilia in Trastevere (um 1293). Cavallini gab den Formen in seinen Werken Volumen und Greifbarkeit.
Errungenschaften, die Cavallini angenommen und fortgesetzt hat Giotto di Bondone(1266 oder 1267 - 1337), der größte Künstler der Proto-Renaissance. Der Name Giotto ist mit einer Wendung in der Entwicklung der italienischen Malerei, ihrem Bruch mit mittelalterlichen Kunstkanonen und den Traditionen der italo-byzantinischen Kunst des 13. Jahrhunderts verbunden. Die berühmtesten Werke von Giotto sind die Gemälde der Arena-Kapelle in Padua (1304-06). Die Fresken zeichnen sich durch ihre Klarheit, unkomplizierte Erzählung und das Vorhandensein alltäglicher Details aus, die den dargestellten Szenen Lebendigkeit und Natürlichkeit verleihen. Giotto lehnt den Kirchenkanon ab, der die Kunst dieser Zeit dominierte, und stellt seine Charaktere so dar, dass sie echten Menschen ähneln: mit proportionalen, gedrungenen Körpern, runden (statt länglichen) Gesichtern, dem korrekten Augenschnitt usw. Seine Heiligen schweben nicht über dem Boden, sondern stehen mit beiden Beinen fest darauf. Sie denken mehr an das Irdische als an das Himmlische und erleben ganz menschliche Gefühle und Emotionen. Erstmals in der Geschichte der italienischen Malerei wird die Befindlichkeit der Helden eines Gemäldes durch Mimik, Gestik, Körperhaltung vermittelt. Anstelle des traditionellen goldenen Hintergrunds zeigen Giottos Fresken Landschaften, Interieurs oder Skulpturengruppen an den Fassaden von Basiliken.
In der zweiten Hälfte des XIV Jahrhunderts. die malerische Schule von Siena tritt in den Vordergrund. Der größte und raffinierteste Meister der sienesischen Malerei des 14. Jahrhunderts. war Simone Martini (ca. 1284-1344). Der Pinsel von Simone Martini ist der erste in der Kunstgeschichte, der ein spezifisches historisches Ereignis mit einem Porträt eines Zeitgenossen darstellt. Dieses Bild " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"im Mappamondo-Raum (Weltkarten) im Palazzo Publico (Siena), der der Prototyp für zahlreiche zukünftige Reiterporträts war. Das Altarbild Die Verkündigung von Simone Martini, das heute in den Uffizien in Florenz aufbewahrt wird, genießt wohlverdienten Ruhm.

Merkmale der Renaissance. Proto-Renaissance

Merkmale der Renaissance

Frührenaissance

Im XV Jahrhundert. Die Kunst Italiens nahm eine beherrschende Stellung im künstlerischen Leben Europas ein. In Florenz wurden die Grundlagen einer humanistischen weltlichen (also nicht kirchlichen) Kultur gelegt, die Siena und Pisa in den Hintergrund drängte. Die politische Macht gehörte hier Kaufleuten und Handwerkern, den stärksten Einfluss auf die Angelegenheiten der Stadt übten mehrere wohlhabende Familien aus, die ständig miteinander konkurrierten. Dieser Kampf endete Ende des 14. Jahrhunderts. Sieg des Bankhauses Medici. Sein Oberhaupt, Cosimo de' Medici, wurde der unausgesprochene Herrscher von Florenz. Schriftsteller, Dichter, Wissenschaftler, Architekten und Künstler strömten zum Hof ​​von Cosimo Medici. Die Renaissancekultur von Florenz erreichte ihren Höhepunkt unter Lorenzo de' Medici, der den Spitznamen „der Prächtige“ trug. Lorenzo war ein großer Förderer der Künste und Wissenschaften, der Schöpfer der Platonischen Akademie, wo sich die herausragenden Köpfe Italiens, Dichter und Philosophen versammelten, wo raffinierte Debatten geführt wurden, die Geist und Verstand erhoben.

Die Architektur

Unter Cosimo und Lorenzo Medici fand eine wahre Revolution in der Architektur von Florenz statt: Hier wurden umfangreiche Bauarbeiten in Angriff genommen, die das Gesicht der Stadt erheblich veränderten. Der Vorfahre der Renaissance-Architektur in Italien war Filippo Brunelleschi(1377-1446) - Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer der wissenschaftlichen Theorie der Perspektive. Brunelleschis größte Ingenieursleistung war der Bau der Kuppel. Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz. Dank seines mathematischen und technischen Genies gelang es Brunelleschi, das schwierigste Problem seiner Zeit zu lösen. Die Hauptschwierigkeit, mit der der Meister konfrontiert war, war die riesige Spannweite des Mittelkreuzes (42 m), die besondere Anstrengungen erforderte, um das Spreizen zu erleichtern. Brunelleschi löste das Problem mit einem ausgeklügelten Design: eine leichte, hohle Kuppel aus zwei Schalen, ein Rahmensystem aus acht tragenden Rippen, die durch sie umgebende Ringe verbunden sind, eine leichte Laterne, die den Bogen schloss und belastete. Die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore wurde zum Vorläufer zahlreicher Kuppelkirchen in Italien und anderen europäischen Ländern.

Brunelleschi war einer der ersten in der Architektur Italiens, der das alte Ordnungssystem ( Ospedale degli Innocenti (Unterkunft für Findelkinder), 1421-44), markierte den Beginn der Entstehung von Kuppelkirchen nach antiker Ordnung ( Kirche San Lorenzo ). Ein wahres Juwel der Frührenaissance wurde von Brunelleschi im Auftrag einer wohlhabenden Florentiner Familie geschaffen Pazzi-Kapelle(begonnen 1429). Der Humanismus und die Poesie von Brunelleschis Werk, die harmonischen Proportionen, die Leichtigkeit und Eleganz seiner Gebäude, die Verbindung mit den Traditionen der Gotik, die kreative Freiheit und die wissenschaftliche Gültigkeit seiner Ideen bestimmten Brunelleschis großen Einfluss auf die spätere Entwicklung der Renaissance-Architektur.

Eine der wichtigsten Errungenschaften der italienischen Architektur des 15. Jahrhunderts. war die Schaffung eines neuen Typus von Stadtpalästen, des Palazzo, der als Vorbild für öffentliche Bauten späterer Zeit diente. Merkmale des Palazzo aus dem 15. Jahrhundert sind eine klare Gliederung des geschlossenen Baukörpers in drei Geschosse, ein offener Innenhof mit sommerlichen Bodenarkaden, die Verwendung von Rost (Stein mit grob abgeschrägter oder konvexer Stirnfläche) für die Fassadenverkleidung sowie ein stark verlängertes Ziergesims . Ein markantes Beispiel dieses Stils ist der Kapitellbau von Brunelleschis Schüler Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), dem Hofarchitekten der Familie Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), die als Vorbild für den Bau vieler florentinischer Paläste diente. Die Entstehung von Michelozzo steht kurz bevor Palazzo Strozzi(gegründet 1481), die mit dem Namen des Architekten und Bildhauers Benedetto da Maiano (1442-97) verbunden ist.

Einen besonderen Platz in der Geschichte der italienischen Architektur nimmt ein Leon Battista Alberti(1404-72). Als umfassend begabter und umfassend gebildeter Mann war er einer der brillantesten Humanisten seiner Zeit. Das Spektrum seiner Interessen war ungewöhnlich vielfältig. Es umfasste Moral und Recht, Mathematik, Mechanik, Wirtschaft, Philosophie, Poesie, Musik, Malerei, Bildhauerei und Architektur. Als brillanter Stylist hinterließ Alberti zahlreiche Werke in lateinischer und italienischer Sprache. In Italien und im Ausland erwarb sich Alberti den Ruf eines herausragenden Kunsttheoretikers. Die berühmten Abhandlungen „Zehn Bücher über Architektur“ (1449-52), „Über die Malerei“, „Über die Statue“ (1435-36) stammen aus seiner Feder. Aber die Architektur war Albertis Hauptberuf. In der architektonischen Arbeit tendierte Alberti zu mutigen, experimentellen Lösungen, die das alte künstlerische Erbe innovativ nutzten. Alberti erstellt neuer Typ Stadtschloss ( Palazzo Rucellai ). In der religiösen Architektur, die nach Größe und Einfachheit strebte, verwendete Alberti Motive römischer Triumphbögen und Arkaden bei der Gestaltung von Fassaden ( Kirche Sant’Andrea in Mantua, 1472-94). Der Name Alberti gilt zu Recht als einer der ersten unter den großen Schöpfern der Kultur der italienischen Renaissance.

Skulptur

Im XV Jahrhundert. Die italienische Skulptur, die unabhängig von der Architektur eine eigenständige Bedeutung erlangt hat, blüht auf. Aufträge für die Dekoration öffentlicher Gebäude beginnen in die Praxis des künstlerischen Lebens einzudringen; Kunstwettbewerbe stattfinden. Einer dieser Wettbewerbe - für die Herstellung von Bronze der zweiten Nordtür des Florentiner Baptisteriums (1401) - gilt als ein bedeutendes Eröffnungsereignis neue Seite in der Geschichte der italienischen Renaissance-Skulptur. Den Sieg errang Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Als einer der gebildetsten Menschen seiner Zeit, der erste Historiker der italienischen Kunst, ein brillanter Zeichner, widmete Ghiberti sein Leben einer Art von Skulptur - dem Relief. Als Hauptprinzip seiner Kunst betrachtete Ghiberti das Gleichgewicht und die Harmonie aller Elemente des Bildes. Der Höhepunkt von Ghibertis Arbeit war Osttüren der Taufkapelle von Florenz (1425-52), der den Namen des Meisters verewigte. Die Dekoration der Türen umfasst zehn quadratische Kompositionen aus vergoldeter Bronze (" Erschaffung von Adam und Eva“), die mit ihrer ungewöhnlichen Ausdruckskraft an malerische Gemälde erinnern. Dem Künstler gelang es, die Tiefe des Raums zu vermitteln, der mit Naturbildern, Menschenfiguren und architektonischen Strukturen gesättigt war. Mit der leichten Hand von Michelangelo begannen die östlichen Türen des Florentiner Baptisteriums aufgerufen zu werden "Tore des Paradieses".

Die Ghiberti-Werkstatt wurde zur Schule für eine ganze Generation von Künstlern, insbesondere der berühmte Donatello, der große Reformator der italienischen Bildhauerei, arbeitete dort. Das Werk von Donatello (ca. 1386-1466), das die demokratischen Traditionen der Kultur von Florenz im 14. Jahrhundert aufnahm, ist einer der Höhepunkte in der Entwicklung der Kunst der Frührenaissance. Sie verkörperte die Suche nach neuen, realistischen Mitteln der Wirklichkeitsdarstellung, die charakteristisch für die Kunst der Renaissance war, Aufmerksamkeit zum Menschen und seiner geistigen Welt. Der Einfluss von Donatellos Werk auf die Entwicklung der italienischen Renaissancekunst war enorm.

Die zweite Generation florentinischer Bildhauer tendierte zu einer lyrischeren, friedlicheren, weltlichen Kunst. Die Hauptrolle darin gehörte der Bildhauerfamilie della Robbia. Das Familienoberhaupt Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482) wurde durch die Verwendung der Glasurtechnik in Rundskulpturen und Reliefs berühmt. Die Technik der Glasur (Majolika), die den Völkern Kleinasiens seit der Antike bekannt ist, wurde im Mittelalter auf die Iberische Halbinsel und die Insel Mallorca (daher ihr Name) gebracht und dann in Italien weit verbreitet. Lucca della Robbia schuf Medaillons mit Reliefs auf tiefblauem Hintergrund für Gebäude und Altäre, Girlanden aus Blumen und Früchten, Majolika-Büsten der Madonna, Christus und Heiligen. Die fröhliche, elegante, freundliche Kunst dieses Meisters erhielt eine wohlverdiente Anerkennung seiner Zeitgenossen. Große Perfektion in der Majolika-Technik vollbrachte auch sein Neffe Andrea della Robbia (1435-1525) ( Reliefs an der Fassade des Ospedale degli Innocenti).

Malen

Die große Rolle, die Brunelleschi in der Architektur der Frührenaissance und Donatello in der Bildhauerei spielte, gehörte Masaccio (1401-1428) in der Malerei. Masaccio starb jung, bevor er 27 Jahre alt wurde, und dennoch gelang es ihm, viel in der Malerei zu tun. Der berühmte Kunsthistoriker Vipper sagte: „Masaccio ist eines der unabhängigsten und konsequentesten Genies in der Geschichte der europäischen Malerei, der Begründer eines neuen Realismus ...“ Masaccio setzt die Suche nach Giotto fort und bricht kühn mit mittelalterlichen künstlerischen Traditionen. In Fresko "Dreifaltigkeit"(1426-27), geschaffen für die Kirche Santa Maria Novella in Florenz, verwendet Masaccio zum ersten Mal in der Wandmalerei die volle Perspektive. In den Wandmalereien der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz (1425-28) – der Hauptschöpfung seines kurzen Lebens – verleiht Masaccio den Bildern eine beispiellose Lebendigkeit, betont die Körperlichkeit und Monumentalität seiner Figuren, vermittelt sie meisterhaft der emotionale Zustand der psychologischen Tiefe der Bilder. In Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“ Der Künstler löst die schwierigste Aufgabe seiner Zeit, eine nackte menschliche Figur darzustellen. Die harte und mutige Kunst von Masaccio hatte einen großen Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance.

Die Entwicklung der Malerei der Frührenaissance war zwiespältig: Die Künstler gingen ihre eigenen, manchmal auf unterschiedliche Weise. Der weltliche Anfang, der Wunsch nach einer faszinierenden Erzählung, das lyrische Erdgefühl fanden in den Werken von Fra Filippo Lippi (1406-69), einem Mönch des Karmeliterordens, lebendigen Ausdruck. Charmanter Meister, Autor vieler Altarkompositionen, unter denen das Bild als das beste gilt « Anbetung des Kindes » erstellt für die Kapelle in Palazzo Medici - Riccardi gelang es Filippo Lippi, in ihnen menschliche Wärme und poetische Liebe zur Natur zu vermitteln.

In der Mitte des XV Jahrhunderts. erlebte die Malerei Mittelitaliens eine rasante Blüte, ein Paradebeispiel welche Kreativität dienen kann Piero della Francesca(1420-92), der größte Künstler und Kunsttheoretiker der Renaissance. Die bemerkenswerteste Kreation von Piero della Francesca - Freskenzyklus in der Kirche San Francesco in Arezzo, die auf der Legende vom lebensspendenden Baum des Kreuzes basieren. Drei abgestufte Fresken zeichnen die Geschichte nach lebensspendendes Kreuz von Anfang an, wenn der heilige Baum aus dem Samen des Baumes des Paradieses der Erkenntnis von Gut und Böse auf dem Grab Adams wächst ("Tod von Adam") bis zum Ende, wenn der byzantinische Kaiser Heraklius die christliche Reliquie feierlich nach Jerusalem zurückbringt (« Kampf zwischen Heraclius und Chosroes » ). Das Werk von Piero della Francesca ging über die lokalen Malschulen hinaus und bestimmte die Entwicklung der italienischen Kunst im Allgemeinen.

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts arbeiteten viele talentierte Handwerker in Norditalien in den Städten Verona, Ferrara und Venedig. Unter den Malern dieser Zeit ist Andrea Mantegna (1431-1506) der berühmteste – ein Meister der Staffelei- und Monumentalmalerei, Zeichner und Kupferstecher, Bildhauer und Architekt. Die Bildsprache des Künstlers zeichnet sich durch das Jagen von Formen und Zeichnungen, die Strenge und Wahrhaftigkeit verallgemeinerter Bilder aus. Durch die räumliche Tiefe und den skulpturalen Charakter der Figuren erreicht Mantegna den Eindruck einer für einen Moment eingefrorenen realen Szene – so voluminös und natürlich wirken seine Figuren. Die meiste Zeit seines Lebens lebte Mantegna in Mantua, wo er sein berühmtestes Werk schuf - Wandbild "Chamber degli Sposi" im Landschloss des Marquis L. Gonzaga. Allein durch Malerei schuf er hier ein luxuriöses Renaissance-Interieur, einen Ort für feierliche Empfänge und Feiertage. Die Kunst Mantegnas, die sich großer Berühmtheit erfreute, beeinflusste die gesamte norditalienische Malerei.

Ein besonderer Platz in der Malerei kommt der Frührenaissance zu Sandro Botticelli(eigentlich Alessandro di Mariano Filipepi), der 1445 in Florenz in der Familie eines wohlhabenden Ledergerbers geboren wurde. 1459-64. der junge Mann studiert Malerei bei dem berühmten Florentiner Meister Filippo Lippi. 1470 eröffnete er seine eigene Werkstatt in Florenz, und 1472 wurde er Mitglied der Lukasgilde.

Die erste Kreation von Botticelli war die Komposition "Strength", die er für den Kaufmannshof von Florenz aufführte. Der junge Künstler gewann schnell das Vertrauen der Kunden und erlangte Berühmtheit, was die Aufmerksamkeit von Lorenzo dem Prächtigen, dem neuen Herrscher von Florenz, auf sich zog, der sein Hofmeister und Liebling wurde. Botticelli fertigte die meisten seiner Gemälde für die Häuser des Herzogs und anderer florentinischer Adelsfamilien sowie für Kirchen, Klöster und öffentliche Gebäude in Florenz an.

Zweite Hälfte der 1470er und 1480er Jahre wurde für Botticelli zu einer Zeit kreativer Blüte. Für die Hauptfassade der Kirche Santa Maria Novella schreibt er die Komposition „ Anbetung der Könige"- eine Art mythologisiert Gruppenporträt die Medici-Familie. Wenige Jahre später erschafft der Künstler seine berühmte mythologische Allegorie „Frühling“.

1481 befahl Papst Sixtus IV. einer Gruppe von Malern, darunter Botticelli, seine Kapelle mit Fresken zu schmücken, die später den Namen „Sixtinische Kirche“ erhielten. Fresken in der Sixtinischen Kapelle von Botticelli Versuchung Christi », « Szenen aus dem Leben Moses », « Bestrafung von Korea, Datan und Aviron". In den nächsten Jahren vollendete Botticelli eine Serie von 4 Fresken basierend auf Kurzgeschichten aus Boccaccios Decameron, schuf seine berühmtesten mythologischen Werke („Die Geburt der Venus“, „ Pallas und Centaur“), sowie mehrere Altarkompositionen für Florentiner Kirchen („ Krönung der Jungfrau Maria », « Altar von San Barnaba"). Oft wandte er sich dem Bild der Madonna zu (" Madonna del Magnificat », « Madonna mit Granatapfel », « Madonna mit einem Buch“), arbeitete auch im Porträtgenre („ Porträt von Giuliano Medici“, „Porträt einer jungen Frau“, „Porträt eines jungen Mannes“).

In den 1490er Jahren, während der Zeit der sozialen Bewegungen, die Florenz und die mystischen Predigten des Mönchs Savonarola erschütterten, tauchen in der Kunst von Botticelli („Verleumdung“, „ Klage für Christus », « mystische weihnachten"). Unter dem Einfluss von Savonarola zerstörte der Künstler in einem Anfall religiöser Begeisterung sogar einige seiner Werke. Mitte der 1490er Jahre, mit dem Tod von Lorenzo dem Prächtigen und der Vertreibung seines Sohnes Pietro aus Florenz, verlor Botticelli seinen Ruhm als großer Künstler. Vergessen lebt er still und leise sein Leben im Haus von Bruder Simon. 1510 starb der Künstler.

Die exquisite Kunst Botticellis mit Elementen der Stilisierung (d.h. Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Vereinfachung von Farbe, Form und Volumen) gilt als einer der Höhepunkte der Entwicklung der Malerei. Anders als die meisten Meister der frühen Renaissance basierte Botticellis Kunst auf persönlichen Erfahrungen. Außergewöhnlich sensibel und aufrichtig ging Botticelli einen schwierigen und tragischen Weg der kreativen Suche durch – von der poetischen Wahrnehmung der Welt in seiner Jugend bis zur Mystik und religiösen Erhebung im Erwachsenenalter.

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Hochrenaissance

Die Hochrenaissance, die der Menschheit so große Meister gab wie Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Tizian, Bramante, umfasst einen relativ kurzen Zeitraum - das Ende des 15. und das erste Drittel des 16. Jahrhunderts. Nur in Venedig hielt die Blüte der Kunst bis Mitte des Jahrhunderts an.

Grundlegende Verschiebungen im Zusammenhang mit den entscheidenden Ereignissen der Weltgeschichte, den Erfolgen fortschrittlichen wissenschaftlichen Denkens, endlos erweiterten Vorstellungen der Menschen von der Welt - nicht nur von der Erde, sondern auch vom Weltraum. Wahrnehmung der Welt u menschliche Persönlichkeit wie vergrößert; In der künstlerischen Kreativität spiegelte sich dies nicht nur in der majestätischen Größe architektonischer Strukturen, Denkmäler, feierlicher Freskenzyklen und Gemälde wider, sondern auch in ihrem Inhalt und ihrer Ausdruckskraft von Bildern. Die Kunst der Hochrenaissance ist ein lebendiger und komplexer künstlerischer Prozess mit schillernden Aufschwüngen und nachfolgenden Krisen.

Donato Bramante.

Rom wurde zum Zentrum der Architektur der Hochrenaissance, wo ein einziger klassischer Stil auf der Grundlage früherer Entdeckungen und Erfolge geformt wurde. Die Meister nutzten das alte Ordnungssystem kreativ und schufen Strukturen, deren majestätische Monumentalität im Einklang mit der Ära stand. Donato Bramante (1444-1514) wurde zum größten Vertreter der Architektur der Hochrenaissance. Monumentalität und Erhabenheit, harmonische Perfektion der Proportionen, Integrität und Klarheit kompositorischer und räumlicher Lösungen sowie freier, kreativer Umgang mit klassischen Formen zeichnen Bramantes Bauten aus. das höchste kreative Leistung Bramante ist eine Rekonstruktion des Vatikans (der Architekt hat tatsächlich ein neues Gebäude geschaffen, das organisch verstreute alte Gebäude darin enthält). Bramante verfasste auch das Design des Petersdoms in Rom. Mit seinem Werk bestimmte Bramante die Entwicklung der Architektur im 16. Jahrhundert.

Leonardo da Vinci.

In der Geschichte der Menschheit ist es nicht einfach, eine andere Person zu finden, die so brillant ist wie der Begründer der Kunst der Hochrenaissance. Leonardo da Vinci(1452-1519). Der umfassende Charakter der Aktivitäten dieses großen Künstlers, Bildhauers, Architekten, Wissenschaftlers und Ingenieurs wurde erst deutlich, als die verstreuten Manuskripte aus seinem Nachlass untersucht wurden, die über siebentausend Blätter mit wissenschaftlichen und architektonischen Projekten, Erfindungen und Skizzen umfassten. Es ist schwierig, den Wissensbereich zu benennen, den sein Genie nicht berührt hätte. Der Universalismus Leonardos ist so unverständlich, dass der berühmte Biograph der Renaissance-Figuren, Giorgio Vasari, dieses Phänomen nicht anders als durch das Eingreifen des Himmels erklären konnte: „Was auch immer sich dieser Mann zuwendet, jede seiner Handlungen trägt den Stempel der Göttlichkeit.“

In seiner berühmten „Abhandlung über die Malerei“ (1498) und anderen Notizen widmete Leonardo dem Studium des menschlichen Körpers, Informationen über Anatomie, Proportionen, die Beziehung zwischen Bewegungen, Gesichtsausdrücken und dem emotionalen Zustand einer Person große Aufmerksamkeit. Leonardo beschäftigte sich auch mit den Problemen des Helldunkels, der volumetrischen Modellierung, der linearen und der Luftperspektive. Leonardo würdigte nicht nur die Kunsttheorie. Er schuf eine Reihe prächtiger Altarbilder und Porträts. Leonardos Pinsel gehört zu einem der berühmtesten Werke der Weltmalerei - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo schuf monumentale skulpturale Bilder, entwarf und baute architektonische Strukturen. Leonardo ist bis heute eine der charismatischsten Persönlichkeiten der Renaissance. Eine Vielzahl von Büchern ist ihm gewidmet, sein Leben wird aufs Detail untersucht. Und dennoch bleibt vieles in seinem Werk ein Mysterium und erregt weiterhin die Köpfe der Menschen.

Raffael Santi.

Auch die Kunst von Raphael Santi (1483-1520) gehört zu den Höhepunkten der italienischen Renaissance. Die Idee von erhabener Schönheit und Harmonie ist mit dem Werk Raffaels in der Geschichte der Weltkunst verbunden. Es ist allgemein anerkannt, dass in der Konstellation der brillanten Meister der Hochrenaissance Raffael der Hauptträger der Harmonie war. Das unermüdliche Streben nach einem hellen, perfekten Anfang durchzieht das gesamte Werk Raffaels, macht seinen inneren Sinn aus. Seine Arbeiten sind in ihrer natürlichen Eleganz außerordentlich reizvoll (" Sixtinische Madonna"). Vielleicht erlangte der Meister deshalb eine so außerordentliche Popularität beim Publikum und hatte zu allen Zeiten viele Anhänger unter den Künstlern. Raphael war nicht nur ein großartiger Maler, Porträtmaler, sondern auch ein Wandmaler, der in der Freskentechnik arbeitete, ein Architekt und ein Dekorateur. All diese Talente manifestierten sich besonders eindrucksvoll in seinen Gemälden der Gemächer von Papst Julius II. im Vatikan ("Schule von Athen"). In Kunst brillanter Künstler Ein neues Bild eines Renaissance-Menschen wurde geboren – schön, harmonisch, körperlich und geistig perfekt.

Michelangelo Bonarotti.

Zeitgenössisch Leonardo da Vinci und Rafael war ihr ewiger Rivale - Michelangelo Buonarroti, der größte Meister der Hochrenaissance - Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Mine kreative Weise dieser titan der renaissance begann mit der skulptur. Seine kolossalen Statuen sind zum Symbol eines neuen Menschen geworden – eines Helden und Kämpfers („David“). Der Meister errichtete viele architektonische und skulpturale Strukturen, von denen die berühmteste die Medici-Kapelle in Florenz ist. Die Pracht dieser Werke beruht auf der kolossalen Spannung der Gefühle der Charaktere ( Sarkophag von Giuliano de' Medici). Besonders berühmt sind aber die Gemälde von Michelangelo im Vatikan, in der Sixtinischen Kapelle, in denen er sich als brillanter Maler bewies. Vielleicht hat niemand in der Welt der Kunst, weder vor noch nach Michelangelo, Charaktere geschaffen, die an Körper und Geist so stark sind („ Erschaffung Adams"). Das riesige, unglaublich komplexe Fresko an der Decke wurde vom Künstler allein, ohne Assistenten, geschaffen; Bis heute ist es ein unübertroffenes Monumentalwerk der italienischen Malerei. Doch neben den Wandmalereien an der Decke der Sixtinischen Kapelle schuf der Meister bereits im hohen Alter das ungemein inspirierende „Jüngste Gericht“ – ein Symbol für den Zusammenbruch der Ideale seiner großen Zeit.

Michelangelo arbeitete viel und erfolgreich in der Architektur, insbesondere überwachte er den Bau des Petersdoms und des Ensembles Kapitolsplatz in Rom. Das Werk des großen Michelangelo stellte eine ganze Ära dar und war seiner Zeit weit voraus, es spielte eine kolossale Rolle in der Weltkunst, insbesondere beeinflusste es die Bildung der Prinzipien des Barock.

Giorgione und Tizian.

In der Kunstgeschichte der Hochrenaissance hat Venedig eine helle Seite betreten, wo die Malerei auf ihrem Höhepunkt ist. Giorgione gilt als der erste Meister der Hochrenaissance in Venedig. Seine Kunst ist etwas ganz Besonderes. Der Geist klarer Harmonie und einer besonderen intimen Kontemplation und Träumerei herrscht darin. Er schrieb oft entzückende Schönheiten, echte Göttinnen. Normalerweise ist dies eine poetische Fiktion - die Verkörperung eines Wunschtraums, Bewunderung für ein romantisches Gefühl und eine schöne Frau. In seinen Gemälden gibt es einen Hauch von sinnlicher Leidenschaft, süßem Vergnügen, überirdischem Glück. Mit der Kunst von Giorgione erlangte die venezianische Malerei eine gesamtitalienische Bedeutung und betonte ihre künstlerischen Merkmale.

Tizian ein ging als Titan und Oberhaupt der venezianischen Schule, als Symbol ihrer Blütezeit, in die Geschichte der italienischen Kunst ein. Im Werk dieses Künstlers manifestierte sich der Atem einer neuen Zeit mit besonderer Kraft - stürmisch, tragisch, sinnlich. Tizians Werk zeichnet sich durch eine außergewöhnlich breite und vielseitige Abdeckung von Typen und Gattungen der Malerei aus. Tizian war einer der Begründer der monumentalen Altarmalerei, als Landschaftsmalerei eigenständiges Genre, verschiedene Arten von Porträts, einschließlich feierlich-zeremoniell. In seiner Arbeit perfekte Bilder Seite an Seite mit hellen Charakteren, tragischen Konflikten - mit Szenen jubelnder Freude, religiösen Kompositionen - mit mythologischen und historischen Gemälden.

Tizian entwickelte eine neue Maltechnik, die einen außerordentlichen Einfluss auf die weitere Entwicklung der bildenden Kunst der Welt bis ins 20. Jahrhundert hatte. Tizian gehört zu den größten Koloristen der Weltmalerei. Seine Gemälde glänzen mit Gold und einem komplexen Spektrum vibrierender, leuchtender Farbtöne. Tizian, der fast ein Jahrhundert lebte, überlebte den Zusammenbruch der Renaissanceideale, das Werk des Meisters gehört zur Hälfte der Spätrenaissance an. Sein Held, der in den Kampf gegen feindliche Mächte eintritt, stirbt, behält aber seine Größe. Der Einfluss von Tizians großer Werkstatt beeinflusste die gesamte venezianische Kunst.

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Spätrenaissance

In der zweiten Hälfte des XVI Jahrhunderts. In Italien nahm der Niedergang von Wirtschaft und Handel zu, der Katholizismus trat in einen Kampf mit der humanistischen Kultur, die Kunst befand sich in einer tiefen Krise. Es verstärkte die im Manierismus verkörperten Anti-Renaissance-Tendenzen. Venedig, das in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zum Hauptzentrum der Kunst der Spätrenaissance wurde, war jedoch vom Manierismus fast nicht betroffen. In Anlehnung an die hochhumanistische Renaissance-Tradition entwickelte sich unter den neuen historischen Bedingungen in Venedig das um neue Formen bereicherte Werk der großen Meister der Spätrenaissance - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Das Werk des norditalienischen Architekten Andrea Palladio (1508-80), das auf einem tiefen Studium der Architektur der Antike und der Renaissance basiert, ist einer der Höhepunkte der Kunst der Spätrenaissance. Palladio entwickelte die Prinzipien der Architektur, die in der Architektur des europäischen Klassizismus des 17.-18. Jahrhunderts entwickelt wurden. und erhielt den Namen Palladianismus. Der Architekt skizzierte seine Ideen in der theoretischen Arbeit Four Books on Architecture (1570). Die Bauten von Palladio (hauptsächlich Stadtpaläste und Villen) sind voll anmutiger Schönheit und Natürlichkeit, harmonischer Vollständigkeit und strenger Ordnung, sie zeichnen sich durch Klarheit und Zweckmäßigkeit der Planung und eine organische Verbindung mit der Umgebung aus ( Palazzo Chiericati). Die Fähigkeit, die Architektur mit der umgebenden Landschaft in Einklang zu bringen, manifestierte sich besonders stark in den Palladio-Villen, die von einem elegischen und erleuchteten Naturgefühl durchdrungen und von klassischer Klarheit und Einfachheit in Form und Komposition geprägt waren ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio schuf das erste monumentale Theatergebäude Italiens, das Teatro Olimpico. Der Einfluss von Palladio auf die Entwicklung der Architektur in den folgenden Jahrhunderten war enorm.

Veronese und Tintoretto..

Der festliche, lebensbejahende Charakter der venezianischen Renaissance manifestierte sich am deutlichsten im Werk von Paolo Veronese. Als Monumentalkünstler schuf er prächtige Schmuckensembles aus Wand- und Deckengemälden mit vielen Charakteren und unterhaltsamen Details. Veronese erstellt eigener Stil: Seine spektakulären, spektakulären Gemälde sind voller Emotionen, Leidenschaft und Leben, und die Helden, der venezianische Adel, befinden sich normalerweise in Patrizierpalästen oder vor der Kulisse üppiger Natur. Sie werden von grandiosen Festen oder bezaubernden Festlichkeiten („Hochzeit zu Kana“) mitgerissen. Veronese war der Meister des fröhlichen Venedigs, seiner Triumphe, der Dichter seines goldenen Glanzes. Veronese hatte eine außergewöhnliche Begabung als Kolorist. Seine Farben sind lichtdurchflutet, intensiv und verleihen Objekten nicht nur Farbe, sondern sie werden selbst zum Objekt, werden zu Wolken, Stoffen, einem menschlichen Körper. Aus diesem Grund wird die wahre Schönheit von Figuren und Objekten durch die Schönheit von Farbe und Textur multipliziert, was eine starke emotionale Wirkung auf den Betrachter ausübt.

Das komplette Gegenteil von Veronese war sein Zeitgenosse Tintoretto (1518-94) – der letzte große Meister der italienischen Renaissance. Die Fülle äußerer künstlerischer Einflüsse löste sich in der einzigartigen gestalterischen Individualität Tintorettos auf. In seiner Arbeit war er eine gigantische Figur, der Schöpfer von vulkanischem Temperament, heftigen Leidenschaften und heroischer Intensität. Seine Arbeit war sowohl bei Zeitgenossen als auch bei nachfolgenden Generationen ein großer Erfolg. Tintoretto zeichnete sich durch eine wirklich unmenschliche Arbeitsfähigkeit und unermüdliche Suche aus. Er empfand die Tragödie seiner Zeit schärfer und tiefer als die meisten seiner Zeitgenossen. Der Meister rebellierte gegen die etablierten Traditionen in der bildenden Kunst - die Einhaltung von Symmetrie, strengem Gleichgewicht, Statik; erweiterte die Grenzen des Raums, sättigte ihn mit Dynamik, dramatischer Handlung, begann, menschliche Gefühle lebhafter auszudrücken. 1590 . Die Kunst des Manierismus weicht von den Renaissance-Idealen der harmonischen Wahrnehmung der Welt ab. Der Mensch ist übernatürlichen Mächten ausgeliefert. Die Welt erscheint instabil, wackelig, im Verfall. Manieristische Bilder sind voller Angst, Unruhe, Anspannung. Der Künstler entfernt sich von der Natur, strebt danach, sie zu übertreffen, und folgt in seiner Arbeit dem Subjektiven " innere Idee“, dessen Grundlage nicht die reale Welt ist, sondern kreative Vorstellungskraft; das leistungsmittel ist die "schöne art" als summe bestimmter techniken. Dazu gehören die willkürliche Dehnung der Figuren, der komplexe Schlangenrhythmus, die Unwirklichkeit von fantastischem Raum und Licht und manchmal kalten, durchdringenden Farben.

Jacopo Pontormo (1494-1556) war der größte und begabteste Meister des Manierismus, ein Maler mit einem komplexen kreativen Schicksal. In seinem berühmten Gemälde Abstieg vom Kreuz» die komposition ist instabil, die figuren prätentiös gebrochen, die lichtfarben scharf. Francesco Mazzola, Spitzname Parmigianino (1503-40), liebte es, den Betrachter zu beeindrucken: So schrieb er beispielsweise sein „ Selbstporträt in einem konvexen Spiegel". Bewusste Überlegung zeichnet sein berühmtes Gemälde „ Madonna mit langem Hals ».

Der Medici-Hofmaler Agnolo Bronzino (1503-72) ist bekannt für seine zeremoniellen Porträts. Sie spiegelten die Ära der blutigen Gräueltaten und des moralischen Niedergangs wider, die die höchsten Kreise der italienischen Gesellschaft erfassten. Die edlen Kunden von Bronzino sind gleichsam durch eine unsichtbare Distanz vom Betrachter getrennt; die Steifheit ihrer Posen, die Unbewegtheit ihrer Gesichter, der Reichtum ihrer Kleidung, die Gesten ihrer schönen vorderen Hände – all dies ist wie eine äußere Hülle, die ein inneres fehlerhaftes Leben verbirgt. Auf dem Porträt von Eleonore von Toledo mit ihrem Sohn (um 1545) wird die Unnahbarkeit des kalten, unnahbaren Bildes dadurch verstärkt, dass die Aufmerksamkeit des Betrachters vollständig von dem flachen, großen Muster der prächtigen Brokatkleidung der Herzogin absorbiert wird. Der von den Manieristen geschaffene Typ des Hofporträts beeinflusste die Porträtkunst des 16.-17. Jahrhunderts. in vielen anderen europäischen Ländern.

Die Kunst des Manierismus war übergangsweise: Die Renaissance schwand in die Vergangenheit, die Zeit für ein neues Paneuropäer war gekommen künstlerischer Stil- Barock.

Kunst der nördlichen Renaissance.

Die Länder Nordeuropas hatten keine alte Vergangenheit, aber die Renaissancezeit sticht in ihrer Geschichte hervor: von der WendeXV – XVIfür die zweite HälfteXVIIJahrhundert. Diese Zeit zeichnet sich durch das Eindringen von Renaissance-Idealen in verschiedene Kulturbereiche und die allmähliche Veränderung ihres Stils aus. Wie in der Geburtsstätte der Renaissance, in der Kunst der nördlichen Renaissance, Interesse an echte Welt die Form der Kunst verändert. Die Kunst der nördlichen Länder war jedoch nicht vom Pathos der italienischen Malerei geprägt, die die Macht des Menschentitans verherrlichte. Die Bürger (die sogenannten wohlhabenden Städter) legten mehr Wert auf Integrität, Pflicht- und Worttreue, die Heiligkeit des Ehegelübdes und des Herdes. In bürgerlichen Kreisen entwickelte sich ein eigenes Menschenbild – klar, nüchtern, fromm und sachlich. Die Kunst der Bürger poetisiert den gewöhnlichen Durchschnittsmenschen und seine Welt - die Welt des Alltags und der einfachen Dinge.

Renaissance-Meister in den Niederlanden.

Neue Merkmale der Renaissancekunst tauchten vor allem in den Niederlanden auf, die eines der reichsten und am stärksten industrialisierten Länder Europas waren. Aufgrund ihrer umfangreichen internationalen Verbindungen nahmen die Niederlande neue Entdeckungen viel schneller an als andere nordische Länder.

Renaissance-Stil in den Niederlanden eröffnet Jan van Eyck(1390-1441). Sein bekanntestes Werk ist Genter Altarbild, an dem der Künstler mit seinem Bruder zu arbeiten begann und nach seinem Tod weitere 6 Jahre alleine weiterarbeitete. Der für die Stadtkathedrale geschaffene Genter Altar ist eine zweistöckige Falte, auf deren 12 Brettern Bilder des Alltags, des Alltags (auf den äußeren Brettern, die beim Schließen der Falte sichtbar waren) und festlich, jubelnd, verklärt sind Leben (an den Innentüren, die während des kirchliche Feiertage). Dies ist ein Kunstdenkmal, das die Schönheit des irdischen Lebens verherrlicht. Van Eycks emotionales Gefühl – „die Welt ist wie ein Paradies“, von dem jedes Teilchen schön ist – kommt klar und deutlich zum Ausdruck. Der Künstler stützte sich auf viele Beobachtungen aus der Natur. Alle Figuren und Objekte haben dreidimensionales Volumen und Gewicht. Die Brüder Van Eyck gehörten zu den ersten, die die Möglichkeiten der Ölmalerei entdeckten; ab dieser Zeit beginnt die allmähliche Verdrängung der Tempera durch sie.

In der zweiten Hälfte von XvJahrhunderts voller politischer und religiöser Auseinandersetzungen sticht in der Kunst der Niederlande eine komplexe, eigentümliche Kunst hervor Hieronymus Bosch(1450?-1516). Dies ist ein sehr neugieriger Künstler mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft. Er lebte in seiner eigenen und schrecklichen Welt. In Boschs Gemälden verdichten sich mittelalterliche Folkloredarstellungen, groteske Montagen von Lebendigem und Mechanischem, Schrecklichem und Komischem. In seinen Kompositionen, die kein Zentrum hatten, gibt es keine Hauptfigur. Der Raum in mehreren Schichten ist mit zahlreichen Gruppen von Figuren und Objekten gefüllt: monströs überhöhte Reptilien, Kröten, Spinnen, schreckliche Kreaturen, in denen Teile verschiedener Kreaturen und Objekte kombiniert sind. Die Kompositionen von Bosch dienen der moralischen Erbauung. Harmonie und Perfektion findet Bosch nicht in der Natur, seine dämonischen Bilder erinnern an die Vitalität und Allgegenwart des Weltübels, an den Kreislauf von Leben und Tod.

Der Mann in Boschs Gemälden ist erbärmlich und schwach. Also im Triptychon Beförderung von Heu» der künstler enthüllt die geschichte der menschheit. Der linke Flügel erzählt die Geschichte vom Fall Adams und Evas, der rechte zeigt die Hölle und all die Schrecken, die hier auf die Sünder warten. Der zentrale Teil des Bildes illustriert das Volkssprichwort "Die Welt ist ein Heuhaufen, jeder nimmt davon, was er ergattern kann." Bosch zeigt, wie Menschen um ein Stück Heu kämpfen, unter den Rädern eines Wagens sterben, versuchen, darauf zu klettern. Oben auf dem Wagen, der Welt entsagend, singen und küssen sich Liebende. Auf der einen Seite ist ein Engel und auf der anderen der Teufel: Wer wird gewinnen? Gruselige Kreaturen ziehen den Karren in die Unterwelt. Hinter all den Handlungen der Menschen schaut Gott verwirrt. Eine noch düsterere Stimmung wird durchdrungen von dem Bild " Das Kreuz tragen“: Christus trägt sein schweres Kreuz, umgeben von ekelhaften Menschen mit hervorquellenden Augen und aufgerissenen Mündern. Für sie opfert sich der Herr, aber sein Tod am Kreuz wird sie gleichgültig lassen.

Bosch war bereits gestorben, als ein anderer berühmter niederländischer Künstler geboren wurde - Pieter Brueghel der Ältere(1525-1569), Spitzname Muzhitsky für viele Gemälde, die das Leben der Bauern darstellen. Brueghel nahm Volkssprichwörter und Alltagssorgen gewöhnlicher Menschen als Grundlage für viele Handlungen. Die Vollständigkeit der Bilder der Gemälde " Bauernhochzeit" Und " Bauerntanz„trägt die Kraft der Elemente des Volkes. Sogar Brueghels Gemälde zu biblischen Szenen sind von den Niederlanden bewohnt, und die Ereignisse im fernen Judäa spielen sich vor dem Hintergrund schneebedeckter Straßen unter seinem trüben Himmel ab. Heimatland (« Predigt von Johannes dem Täufer"). Scheinbar unwichtig, nebensächlich, spricht der Künstler über die Hauptsache im Leben der Menschen, lässt den Zeitgeist wieder aufleben.

Eine kleine Leinwand Jäger im Schnee“ (Januar) aus der Serie „Die Jahreszeiten“ gilt als eines der unübertroffenen Meisterwerke der Weltmalerei. Müde Jäger mit Hunden kehren nach Hause zurück. Zusammen mit ihnen betritt der Betrachter den Hügel, von dem aus sich das Panorama einer kleinen Stadt öffnet. Schneebedeckte Ufer des Flusses, dornige Bäume, die in der klaren, frostigen Luft gefroren sind, Vögel fliegen, sitzen auf Ästen und Hausdächern, Menschen sind mit ihren täglichen Aktivitäten beschäftigt. All diese scheinbaren Kleinigkeiten bilden zusammen mit dem Blau des Himmels, den schwarzen Bäumen und dem weißen Schnee im Bild ein Panorama der Welt, das der Künstler leidenschaftlich liebt.

Brueghels tragischstes Gemälde Gleichnis vom Blinden„Geschrieben vom Künstler kurz vor seinem Tod. Sie veranschaulicht Evangeliumsgeschichte"Wenn der Blinde den Blinden führt, werden sie beide in die Grube fallen." Vielleicht ist dies ein Bild der Menschheit, die von ihren Wünschen geblendet ist und sich ihrem Tod nähert. Brueghel urteilt jedoch nicht, sondern begreift die Gesetze der Beziehung der Menschen untereinander Umfeld, in das Wesen der menschlichen Natur eindringend, offenbart den Menschen selbst ihren Platz in der Welt.

Malerei in Deutschland während der Renaissance.

Merkmale der Renaissance in der Kunst Deutschlands erscheinen später als in den Niederlanden. Die Blütezeit des deutschen Humanismus, der weltlichen Wissenschaften und der Kultur fällt auf die ersten JahreXVIv. Es war eine kurze Zeit, in der die deutsche Kultur der Welt die höchsten künstlerischen Werte verlieh. Zunächst einmal sollten sie Werke enthalten Albrecht Dürer(1471-1528) - der bedeutendste Künstler der deutschen Renaissance.

Dürer ist ein typischer Vertreter der Renaissance, er war Maler, Kupferstecher, Mathematiker und Ingenieur, er schrieb Abhandlungen über Festungsbau und Kunsttheorie. An Selbstportraits er wirkt intelligent, edel, konzentriert, voller tiefer philosophischer Reflexionen. In den Gemälden begnügt sich Dürer nicht mit formaler Schönheit, sondern sucht abstrakten Gedanken symbolischen Ausdruck zu verleihen.

Ein besonderer Platz in Dürers Schaffenswerk gehört der Serie Apokalypse, die 15 große Holzschnitte umfasst. Dürer illustriert die Vorhersagen aus der „Offenbarung Johannes des Theologen“, zum Beispiel das Blatt „ vier Reiter"symbolisiert schreckliche Katastrophen - Krieg, Pest, Hungersnot, ungerechtes Urteil. Die in Stichen zum Ausdruck gebrachte Vorahnung von Veränderungen, harten Prüfungen und Katastrophen erwies sich als prophetisch (die Reformation und die darauf folgenden Bauern- und Glaubenskriege begannen bald).

Ein weiterer großer Künstler dieser Zeit war Lucas Cranach der Ältere(1472-1553). Die Eremitage beherbergt seine Gemälde Madonna mit Kind unter dem Apfelbaum" Und " Weibliches Porträt". Darin sehen wir ein Frauengesicht, das in vielen Gemälden des Meisters eingefangen ist (es wird sogar „Cranach“ genannt): ein kleines Kinn, ein schmaler Augenschlitz, goldenes Haar. Der Künstler zeichnet Schmuck und Kleidung sorgfältig aus, seine Gemälde sind eine Augenweide. Die Reinheit und Naivität der Bilder lässt einen erneut in diese Gemälde hineinblicken. Cranach war ein wunderbarer Porträtmaler, er schuf Bilder vieler berühmter Zeitgenossen - Martin Luther (der sein Freund war), Herzog Heinrich von Sachsen und viele andere.

Aber der berühmteste Porträtmaler der nördlichen Renaissance ist zweifellos als ein weiterer deutscher Maler zu erkennen. Hans Holbein der Jüngere (1497-1543). Lange Zeit er war Hofmaler des englischen Königs HeinrichVIII. In seinem Porträt vermittelt Holbein perfekt die herrische Natur des Königs, der Zweifel nicht kennt. Kleine intelligente Augen auf einem fleischigen Gesicht verraten einen Tyrannen in ihm. Portrait Heinrichs VIII war so zuverlässig, dass er Menschen, die den König kannten, Angst einjagte. Holbein porträtierte viele berühmte Persönlichkeiten dieser Zeit, insbesondere den Staatsmann und Schriftsteller Thomas Morus, den Philosophen Erasmus von Rotterdam und viele andere.

Die Entwicklung der Renaissancekultur in Deutschland, den Niederlanden und einigen anderen europäischen Ländern wurde durch die Reformation und die darauf folgenden Religionskriege unterbrochen. Danach kam die Zeit für die Bildung neuer Prinzipien in der Kunst, die in die nächste Stufe ihrer Entwicklung eintrat.

Sergej Chromow

Obwohl keine einzige ideale Stadt in Stein verkörpert war, fanden ihre Ideen Leben in echte Städte Renaissance...

Fünf Jahrhunderte trennen uns von der Zeit, als sich Architekten erstmals mit Fragen des Wiederaufbaus der Stadt befassten. Und dieselben Fragen beschäftigen uns heute: Wie entstehen neue Städte? Wie baut man die alten wieder auf - um einzelne Ensembles darin unterzubringen oder alles abzureißen und neu aufzubauen? Und vor allem - welche Idee, in einer neuen Stadt zu liegen?

Die Meister der Renaissance verkörperten jene Ideen, die bereits in der antiken Kultur und Philosophie erklangen: die Ideen des Humanismus, die Harmonie von Natur und Mensch. Man wendet sich wieder Platons Traum von einem idealen Staat und einer idealen Stadt zu. Das neue Bild der Stadt entsteht zunächst als Bild, als Formel, als Idee, die – wie viele andere Erfindungen des italienischen Quattrocento – ein mutiger Anspruch an die Zukunft ist.

Der Aufbau der Theorie der Stadt war eng verbunden mit dem Studium des antiken Erbes und vor allem der gesamten Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ von Markus Vitruv (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts v. Chr.), einem Architekten und Ingenieur in der Armee von Julius Cäsar. Diese Abhandlung wurde 1427 in einer der Abteien entdeckt. Die Autorität von Vitruv wurde von Alberti, Palladio, Vasari betont. Der größte Kenner von Vitruv war Daniele Barbaro, der 1565 seine Abhandlung mit seinen Kommentaren veröffentlichte. In einem Kaiser Augustus gewidmeten Werk fasste Vitruv die Erfahrungen von Architektur und Stadtplanung in Griechenland und Rom zusammen. Er überlegte das schon klassische Fragen Auswahl eines günstigen Gebiets für die Gründung der Stadt, Lage der Hauptplätze und Straßen der Stadt, Typologie der Gebäude. Aus ästhetischer Sicht riet Vitruv zur Einhaltung der Ordination (Befolgung architektonischer Anweisungen), vernünftiger Planung, Beachtung der Einheitlichkeit von Rhythmus und Ordnung, Symmetrie und Proportionalität, Übereinstimmung der Form mit dem Zweck und Verteilung der Ressourcen. Vitruv selbst hinterließ kein Bild der idealen Stadt, aber viele Architekten der Renaissance (Cesare Cesarino, Daniele Barbaro usw.) schufen Stadtpläne, die seine Ideen widerspiegelten. Einer der ersten Theoretiker der Renaissance war der Florentiner Antonio Averlino mit dem Spitznamen Filarete. Seine Abhandlung ist ganz dem Problem der idealen Stadt gewidmet, sie ist in Form eines Romans gestaltet und erzählt vom Bau einer neuen Stadt - Sforzinda. Filaretes Text wird von vielen Plänen und Zeichnungen der Stadt und einzelner Gebäude begleitet.

Im Städtebau der Renaissance entwickeln sich Theorie und Praxis parallel. Es werden neue Gebäude gebaut und alte umgebaut, architektonische Ensembles gebildet und gleichzeitig Abhandlungen geschrieben, der Architektur gewidmet, Planung und Befestigung von Städten. Darunter sind die berühmten Werke von Alberti und Palladio, Schemata Ideale Städte Filarete, Scamozzi und andere. Die Idee der Autoren ist den Bedürfnissen des praktischen Bauens weit voraus: Sie beschreiben keine fertigen Projekte, mit denen sich eine bestimmte Stadt planen lässt, sondern eine grafisch dargestellte Idee, das Konzept einer Stadt. Es werden Überlegungen zur Lage der Stadt unter wirtschaftlichen, hygienischen, Verteidigungs- und ästhetischen Gesichtspunkten angestellt. Gesucht wird nach optimalen Plänen für Wohngebiete und urbane Zentren, Gärten und Parks. Fragen der Komposition, Harmonie, Schönheit, Proportionen werden untersucht. In diesen Idealkonstruktionen zeichnet sich die Planung der Stadt durch Rationalismus, geometrische Klarheit, zentrische Komposition und Harmonie zwischen dem Ganzen und den Teilen aus. Was schließlich die Architektur der Renaissance von anderen Epochen unterscheidet, ist der Mensch, der im Mittelpunkt all dieser Konstruktionen steht. Die Aufmerksamkeit für die menschliche Persönlichkeit war so groß, dass sogar architektonische Strukturen verglichen wurden menschlicher Körper als Maßstab für perfekte Proportionen und Schönheit.

Theorie

In den 50er Jahren des 15. Jahrhunderts. Die Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ von Leon Alberti erscheint. Es war im Wesentlichen die erste theoretische Arbeit der neuen Ära zu diesem Thema. Es befasst sich mit vielen Fragen der Stadtplanung, von der Standortwahl über die Stadtplanung bis hin zu Gebäudetypologie und Ausstattung. Von besonderem Interesse sind seine Argumente zur Schönheit. Alberti schrieb, dass "Schönheit eine streng proportionale Harmonie aller Teile ist, vereint durch das, wozu sie gehören - so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern." Tatsächlich war Alberti der Erste, der die Grundprinzipien des urbanen Ensembles der Renaissance verkündete und den antiken Sinn für Proportionen mit dem rationalistischen Beginn einer neuen Ära verband. Das gegebene Verhältnis der Höhe des Gebäudes zum davor befindlichen Raum (von 1:3 bis 1:6), die Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude, die Ausgewogenheit der Komposition und das Fehlen von dissonante Kontraste - das sind die ästhetischen Prinzipien der Städteplaner der Renaissance.

Die ideale Stadt begeisterte viele große Menschen der damaligen Zeit. Dachte an ihn und Leonardo da Vinci. Seine Idee war es, eine Stadt mit zwei Ebenen zu schaffen: Die obere Ebene war für Fußgänger- und Oberflächenstraßen vorgesehen, und die untere für Tunnel und Kanäle, die mit den Kellern von Häusern verbunden sind, durch die sich der Güterverkehr bewegt. Bekannt für seine Pläne zum Wiederaufbau von Mailand und Florenz sowie dem Projekt einer Spindelstadt.

Ein weiterer prominenter Stadttheoretiker war Andrea Palladio. In seiner Abhandlung „Four Books on Architecture“ reflektiert er die Integrität des urbanen Organismus und die Beziehung seiner räumlichen Elemente. Er sagt: „Die Stadt ist nichts als eine Gewissheit großes Haus, und umgekehrt, das Haus ist eine Art Kleinstadt. Über das städtische Ensemble schreibt er: „Schönheit ist das Ergebnis von schöne Form und die Übereinstimmung des Ganzen mit den Teilen, der Teile untereinander und auch der Teile mit dem Ganzen. Einen herausragenden Platz in der Abhandlung nimmt das Innere von Gebäuden, ihre Dimensionen und Proportionen ein. Palladio versucht, den Außenraum der Straßen mit dem Inneren von Häusern und Höfen organisch zu verbinden.

Gegen Ende des 16. Jahrhunderts. Viele Theoretiker wurden von den Themen Einzelhandelsflächen und Befestigungen angezogen. So widmet Giorgio Vasari Jr. in seiner idealen Stadt der Entwicklung von Plätzen, Einkaufspassagen, Loggien und Palästen große Aufmerksamkeit. Und in den Projekten von Vicenzo Scamozzi und Buanayuto Lorrini nehmen Fragen der Festungskunst einen bedeutenden Platz ein. Dies war eine Reaktion auf die Ordnung der Zeit - mit der Erfindung von Sprenggranaten wurden die Festungsmauern und Türme durch Erdbastionen ersetzt, aus den Stadtgrenzen entfernt, und die Stadt begann, in ihren Umrissen einem vielstrahligen Stern zu ähneln . Diese Ideen wurden in der tatsächlich gebauten Festung von Palmanova verkörpert, deren Errichtung Scamozzi zugeschrieben wird.

Üben

Obwohl mit Ausnahme kleiner Festungsstädte keine einzige ideale Stadt in Stein gemeißelt wurde, wurden viele ihrer Konstruktionsprinzipien bereits im 16. Jahrhundert in die Realität umgesetzt. Zu dieser Zeit wurden in Italien und anderen Ländern gerade breite Straßen angelegt, die wichtige Elemente des städtischen Ensembles verbanden, neue Plätze wurden geschaffen, alte umgebaut, und später entstanden Parks und Palastensembles mit regelmäßiger Struktur.

Ideale Stadt von Antonio Filarete Die Stadt war im Grundriss ein achteckiger Stern, der durch die Kreuzung zweier gleicher Quadrate mit einer Seite von 3,5 km in einem Winkel von 45 ° gebildet wurde. In den Vorsprüngen des Sterns befanden sich acht runde Türme und in den "Taschen" - acht Stadttore. Die Tore und Türme waren durch radiale Straßen, von denen einige Schifffahrtskanäle waren, mit dem Zentrum verbunden. Im zentralen Teil der Stadt befand sich auf einem Hügel der rechteckige Hauptplatz, an dessen kurzen Seiten sich der Fürstenpalast und die städtische Kathedrale befinden sollten, und an den langen Seiten - Justiz- und Stadtinstitutionen. In der Mitte des Platzes befanden sich ein Teich und ein Wachturm. Zwei weitere grenzten an den Hauptplatz mit den Häusern der bedeutendsten Einwohner der Stadt. An der Kreuzung der Radialstraßen mit der Ringstraße befanden sich sechzehn weitere Plätze: acht Einkaufs- und acht für Gemeindezentren und Kirchen.

Trotz der Tatsache, dass die Kunst der Renaissance der Kunst des Mittelalters ausreichend entgegengesetzt war, fügte sie sich leicht und organisch in mittelalterliche Städte ein. In ihrer praktischen Tätigkeit wandten die Renaissance-Architekten das Prinzip an, „einen neuen zu bauen, ohne den alten zu zerstören“. Es gelang ihnen, überraschend harmonische Ensembles zu schaffen, nicht nur aus Gebäuden des gleichen Stils, wie auf den Plätzen von Annuziata in Florenz (entworfen von Filippo Brunelleschi) und dem Kapitol in Rom (entworfen von Michelangelo), sondern auch Gebäude aus zu kombinieren verschiedene Zeiten in einer Komposition. Also auf dem Platz von St. Markus in Venedig verbinden sich mittelalterliche Bauten zu einem architektonischen und räumlichen Ensemble mit Neubauten des 16. Jahrhunderts. Und in Florenz, von der Piazza della Signoria mit dem mittelalterlichen Palazzo Vecchio, schließt sich harmonisch die von Giorgio Vasari entworfene Uffizien-Straße an. Darüber hinaus vereint das Ensemble der Florentiner Kathedrale Santa Maria del Fiore (Rekonstruktion von Brunelleschi) auf perfekte Weise drei Baustile gleichzeitig: Romanik, Gotik und Renaissance.

Die Stadt des Mittelalters und die Stadt der Renaissance

Die Idealstadt der Renaissance erschien als eine Art Protest gegen das Mittelalter, ausgedrückt in der Entwicklung antiker städtebaulicher Prinzipien. Anders als die mittelalterliche Stadt, die als freundliches, wenn auch unvollkommenes Ebenbild des „himmlischen Jerusalems“ wahrgenommen wurde, der Verkörperung nicht eines menschlichen, sondern eines göttlichen Plans, wurde die Stadt der Renaissance von einem menschlichen Schöpfer geschaffen. Der Mensch kopierte nicht einfach das, was bereits existierte, er schuf etwas Perfekteres und tat es in Übereinstimmung mit der "göttlichen Mathematik". Die Stadt der Renaissance wurde für den Menschen geschaffen und musste der irdischen Weltordnung, ihrer realen sozialen, politischen und alltäglichen Struktur entsprechen.

Die mittelalterliche Stadt ist von mächtigen Mauern umgeben, von der Welt abgeschottet, ihre Häuser gleichen eher Festungen mit ein paar Schießscharten. Die Stadt der Renaissance ist offen, sie verteidigt sich nicht gegen die Außenwelt, sie kontrolliert sie, unterwirft sie. Die Mauern von Gebäuden, die begrenzen, vereinen die Räume von Straßen und Plätzen mit Höfen und Räumen. Sie sind durchlässig - sie haben viele Öffnungen, Arkaden, Kolonnaden, Zufahrten, Fenster.

Wenn die mittelalterliche Stadt die Platzierung architektonischer Volumen ist, dann ist die Stadt der Renaissance in größerem Maße die Verteilung architektonischer Räume. Zentrum der Neustadt ist nicht der Dombau oder das Rathaus, sondern der nach oben und zu den Seiten hin offene Freiraum des Hauptplatzes. Sie betreten das Gebäude und verlassen es auf der Straße und dem Platz. Und wenn die mittelalterliche Stadt kompositorisch zu ihrem Zentrum gezogen wird – sie ist zentripetal, dann ist die Stadt der Renaissance zentrifugal – sie ist darauf ausgerichtet Außenwelt.

Platons ideale Stadt Im Plan war der zentrale Teil der Stadt eine Abwechslung von Wasser- und Erdringen. Der äußere Wasserring war durch einen 50 Stadien langen Kanal (1 Stadien - ca. 193 m) mit dem Meer verbunden. Die Erdringe, die die Wasserringe trennten, hatten unterirdische Kanäle in der Nähe der Brücken, die für die Durchfahrt von Schiffen geeignet waren. Der größte Wasserring im Umfang war drei Stadien breit, ebenso wie der irdene, der ihm folgte; die nächsten beiden Ringe, Wasser und Erde, waren zwei Stadien breit; Schließlich war der Wasserring, der die Insel in der Mitte umgab, ein Stadien breit. Die Insel, auf der der Palast stand, hatte einen Durchmesser von fünf Stadien und war wie die Erdringe von Steinmauern umgeben. Neben dem Palast gab es in der Akropolis Tempel und einen heiligen Hain. Auf der Insel gab es zwei Quellen, die die ganze Stadt mit reichlich Wasser versorgten. Viele Heiligtümer, Gärten und Turnhallen wurden auf den Erdringen errichtet. Auf dem größten Ring über seine gesamte Länge wurde ein Hippodrom angeordnet. Auf beiden Seiten befanden sich Quartiere für die Krieger, aber die treueren wurden auf dem kleineren Ring platziert, und die zuverlässigsten Wachen erhielten Quartiere innerhalb der Akropolis. Die ganze Stadt, 50 Stadien vom äußeren Wasserring entfernt, war von einer aus dem Meer aufragenden Mauer umgeben. Der Raum darin war dicht bebaut.

Die mittelalterliche Stadt folgt der natürlichen Landschaft und nutzt sie für ihre eigenen Zwecke. Die Stadt der Renaissance ist eher ein Kunstwerk, ein „Geometriespiel“. Der Architekt modifiziert das Gelände, indem er ihm ein geometrisches Raster aus gezeichneten Räumen überlagert. Eine solche Stadt hat eine klare Form: ein Kreis, ein Quadrat, ein Achteck, ein Stern; sogar die Flüsse werden darin begradigt.

Die mittelalterliche Stadt ist vertikal. Hier ist alles nach oben gerichtet, zum Himmel – fern und unzugänglich. Die Stadt der Renaissance ist horizontal, hier geht es vor allem um die Perspektive, das Streben in die Ferne, zu neuen Horizonten. Für einen mittelalterlichen Menschen ist der Weg zum Himmel ein Aufstieg, der durch Buße und Demut, Verzicht auf alles Irdische erreicht werden kann. Für die Menschen der Renaissance ist dies ein Aufstieg durch das Sammeln eigener Erfahrungen und das Verstehen der göttlichen Gesetze.

Der Traum von einer idealen Stadt beflügelte die kreative Suche vieler Architekten nicht nur der Renaissance, sondern auch späterer Zeiten, er führte und erleuchtete den Weg zu Harmonie und Schönheit. Die ideale Stadt existiert immer innerhalb der realen Stadt, so verschieden von ihr wie die Welt des Denkens von der Welt der Tatsachen, wie die Welt der Vorstellung von der Welt der Fantasie. Und wenn Sie träumen können wie die Meister der Renaissance, dann können Sie diese Stadt sehen – die Stadt der Sonne, die Stadt des Goldes.

Der Originalartikel befindet sich auf der Seite des Magazins "New Acropolis".

Italienische Architektur der Frührenaissance (Quattrocento) eröffnet neue Periode in der Entwicklung der europäischen Architektur, die Dominanz in Europa aufzugeben gotische Kunst und durch die Annahme neuer Prinzipien, die auf dem Ordnungssystem basierten.

Während dieser Zeit wurden die antike Philosophie, Kunst und Literatur gezielt und bewusst studiert. So wurde die Antike auf die starken jahrhundertealten Traditionen des Mittelalters geschichtet, insbesondere auf die christliche Kunst, wodurch die spezifische Komplexität der Kultur der Renaissance auf der Transformation und Verflechtung heidnischer und christlicher Themen beruht.

Quattrocento ist die Zeit der experimentellen Suche, in der nicht die Intuition wie in der Ära der Proto-Renaissance, sondern exakte wissenschaftliche Erkenntnisse im Vordergrund standen. Nun spielte die Kunst die Rolle des universellen Wissens der umgebenden Welt, über die viele wissenschaftliche Abhandlungen des 15. Jahrhunderts geschrieben wurden.

Der erste Theoretiker der Architektur und Malerei war Leon Batista Alberti, der die Theorie entwickelte Geradlinige Perspektive, basierend auf einem wahren Bild im Bild der Raumtiefe. Diese Theorie bildete die Grundlage für neue Prinzipien der Architektur und Stadtplanung, die darauf abzielten, eine ideale Stadt zu schaffen.

Die Meister der Renaissance begannen sich wieder Platons Traum von einer idealen Stadt und einem idealen Staat zuzuwenden und verkörperten jene Ideen, die bereits in der antiken Kultur und Philosophie die wichtigsten waren - die Ideen der Harmonie zwischen Mensch und Natur, die Ideen des Humanismus. Das neue Bild der idealen Stadt war also zunächst eine bestimmte Formel, eine Idee, eine kühne Behauptung für die Zukunft.

Theorie und Praxis des Renaissance-Städtebaus entwickelten sich parallel zueinander. Alte Gebäude wurden umgebaut, neue errichtet, gleichzeitig wurden Abhandlungen über Architektur, Befestigung und Stadtsanierung geschrieben. Die Autoren der Abhandlungen (Alberti und Palladio) waren den Erfordernissen des praktischen Bauens weit voraus und beschrieben keine fertigen Projekte, sondern präsentierten ein grafisch dargestelltes Konzept, die Idee einer idealen Stadt. Sie begründeten auch, wie die Stadt in Bezug auf Verteidigung, Wirtschaft, Ästhetik und Hygiene positioniert werden sollte.

Alberti war in der Tat der erste, der die Grundprinzipien des idealen städtischen Ensembles der Renaissance verkündete, das durch die Synthese des antiken Sinns für Proportionen und des rationalistischen Ansatzes der neuen Ära entwickelt wurde. Die ästhetischen Prinzipien der Renaissance-Stadtplaner waren also:

• Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude;
• das Verhältnis der Höhe des Gebäudes und des davor befindlichen Raums (von 1:3 bis 1:6);
• Mangel an dissonanten Kontrasten;
• Zusammensetzung Gleichgewicht.

Die ideale Stadt war für viele der großen Meister der Renaissance sehr spannend. Auch Leonardo da Vinci dachte darüber nach, dessen Idee es war, eine zweistöckige Stadt zu schaffen, in der sich der Güterverkehr auf der unteren Ebene bewegte und sich die Boden- und Fußgängerstraßen auf der oberen Ebene befanden. Da Vincis Pläne waren auch mit dem Wiederaufbau von Florenz und Mailand sowie mit dem Entwurf der Spindelstadt verbunden.

Ende des 16. Jahrhunderts beschäftigte die Frage nach Wehrbauten und Gewerbegebieten viele Theoretiker der Stadtplanung. So wurden die Festungstürme und -mauern durch Erdbastionen ersetzt, die aus den Stadtgrenzen entfernt wurden, wodurch die Städte in ihren Umrissen einem mehrstrahligen Stern zu ähneln begannen.

Und obwohl keine einzige ideale Stadt aus Stein gebaut wurde (außer kleinen Festungsstädten), wurden viele Prinzipien für den Bau einer solchen Stadt bereits im 16. Jahrhundert Wirklichkeit, als in Italien und vielen anderen Ländern damit begonnen wurde, gerade breite Straßen zu legen verband wichtige Elemente des Stadtensembles.

Das Problem, eine ideale Stadt zu schaffen, war trotz der heutigen Relevanz in der fernen Epoche der Renaissance (XIV - XVI Jahrhundert) besonders akut. Dieses Thema wird durch das Prisma der Philosophie des Anthropozentrismus zum Leitthema in der Kunst der Stadtplanung dieser Zeit. Ein Mann mit seinen Bedürfnissen nach Glück, Liebe, Luxus, Komfort, Bequemlichkeit, mit seinen Gedanken und Ideen wird zum Maß der damaligen Zeit, zum Symbol des wiederauferstandenen alten Geistes, berufen, genau diesen Mann mit einem Großbuchstaben zu besingen. Er bewegt das kreative Denken der Renaissance auf die Suche nach einzigartigen, manchmal utopischen, architektonischen und philosophischen Lösungen für das Problem der Stadtbildung. Letzteres beginnt eine neue Rolle zu spielen, es wird als geschlossener, zusammenhängender Raum wahrgenommen, eingezäunt und anders als die Natur, in dem das ganze Leben eines Menschen vergeht.

In diesem Raum sollten sowohl die körperlichen als auch die ästhetischen Bedürfnisse und Wünsche einer Person vollständig berücksichtigt werden, Aspekte des menschlichen Aufenthalts in der Stadt wie Komfort und Sicherheit sollten vollständig durchdacht werden. Die neuen Schusswaffen machten die mittelalterlichen Steinbefestigungen wehrlos. Dies bestimmte zum Beispiel das Aussehen von Mauern mit Erdbastionen entlang der Umrisse von Städten und bestimmte, wie es scheint, eine bizarre sternförmige Linie von Stadtbefestigungen. Es entsteht eine allgemeine Erweckungsvorstellung von der "idealen Stadt" - der Stadt, in der es sich am bequemsten und sichersten leben lässt. Mit einem Wort, solche Trends sind dem modernen Architekten nicht fremd, aber die Renaissance markierte damals eine neue Grenze, einen neuen Lebenshauch im Geist des Schöpfers und bestimmte Unbekannte. frühere Kriterien, Normen und Klischees, deren Konsequenzen heute bei der Suche nach einer idealen Stadt zu spüren sind.

Die ersten Studien in dieser Richtung wurden von Mark Vitruv (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts v. Chr.), einem Architekten und Ingenieur in der Armee von Julius Caesar, durchgeführt - in seiner Abhandlung Zehn Bücher über Architektur stellte Vitruv das Problem der goldenen Mitte zwischen Theorie und Praxis, beschrieb die Grundbegriffe der Ästhetik, die Proportionalität des Gebäudes und der Person, untersuchte erstmals in der Geschichte das Problem der musikalischen Raumakustik.

Vitruv selbst hat kein Bild der idealen Stadt hinterlassen, aber dies wurde von vielen Forschern und Nachfolgern seiner Ideen getan, von denen, wie oft bemerkt wird, die Renaissance selbst ausging.

Aber die Argumente über die ideale Stadt, ihre Konzepte stammen aus den Abhandlungen der antiken griechischen Philosophen - für eine Sekunde lohnt es sich also, sich einer etwas früheren Zeit zuzuwenden, als wir in Betracht ziehen - der Antike.

Sfortsinda - typischer Häuserbogen. Filarete (Zeichnung von Leonardo da Vinci)

Der jahrhundertealte Prozess des Aufbaus von Stadtstaaten in der Hauptstadt Antikes Griechenland, Athen, wurde in den Schriften der beiden großen Philosophen der Antike zusammengefasst: Plato (428-348 v. Chr.) und Aristoteles (384-322 v. Chr.).

So war der idealistische Philosoph Plato, verbunden mit den aristokratischen Kreisen seiner Zeit, ein Anhänger eines streng geregelten Staatssystems, nicht umsonst besaß er auch die Geschichte des mythischen Landes Atlantis, regiert von einem König und Archonten . In Platons Interpretation war Atlantis der historische Prototyp jenes idealen Stadtstaates, den er in seinen Werken „Der Staat“ und „Gesetze“ thematisierte.

Zurück zur Renaissance, sagen wir über Leon Batista Alberti, den ersten echten Theoretiker der Stadtplanung in der Geschichte der Menschheit, der detailliert beschreibt, „wie man eine Stadt baut“, beginnend mit der Wahl eines Ortes und endend mit seiner inneren Struktur . Alberti schrieb, dass „Schönheit eine streng proportionale Harmonie aller Teile ist, die durch das, wozu sie gehören, vereint sind, so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern.“ Tatsächlich war Alberti der Erste, der die Grundprinzipien des urbanen Ensembles der Renaissance verkündete und den antiken Sinn für Proportionen mit dem rationalistischen Beginn einer neuen Ära verband. Das gegebene Verhältnis der Höhe des Gebäudes zum davor befindlichen Raum (von 1:3 bis 1:6), die Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude, die Ausgewogenheit der Komposition und das Fehlen von dissonante Kontraste - das sind die ästhetischen Prinzipien der Städteplaner der Renaissance.

Alberti zeichnet in seiner Abhandlung "Zehn Bücher über Architektur" eine ideale Stadt, schön in Bezug auf rationale Planung und das Aussehen von Gebäuden, Straßen, Plätzen. Das gesamte Lebensumfeld eines Menschen wird hier so gestaltet, dass es den Bedürfnissen des Einzelnen, der Familie und der Gesellschaft als Ganzes entspricht.

Bernardo Gambarelli (Rosselino), der bereits vorhandene Ideen aufgreift, trägt zur Entwicklung der Vision einer idealen Stadt bei, die in der Stadt Pienza (1459) mündete, die bis heute existiert und Elemente vieler erhaltener Projekte enthält auf Papier oder in kreativer Form die Absichten der Schöpfer. Diese Stadt ist ein klares Beispiel für die Umwandlung der mittelalterlichen Siedlung Corsignano in eine ideale Renaissancestadt mit geraden Straßen und einem regelmäßigen Grundriss.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (ca. 1400 - ca. 1469) gibt in seiner Abhandlung eine Vorstellung von der idealen Stadt Sforzinda.

Die Stadt war im Grundriss ein achteckiger Stern, der durch die Kreuzung zweier gleicher Quadrate mit einer Seite von 3,5 km in einem Winkel von 45 ° gebildet wurde. In den Leisten des Sterns befanden sich acht runde Türme und in den "Taschen" - acht Stadttore. Die Tore und Türme waren durch radiale Straßen, von denen einige Schifffahrtskanäle waren, mit dem Zentrum verbunden. Im zentralen Teil der Stadt, auf einem Hügel, befand sich der Hauptplatz mit rechteckigem Grundriss, an dessen kurzen Seiten sich der Fürstenpalast und die städtische Kathedrale befinden sollten, und an den langen Seiten - Justiz- und Stadtinstitutionen .

In der Mitte des Platzes befanden sich ein Teich und ein Wachturm. Zwei weitere grenzten an den Hauptplatz mit den Häusern der bedeutendsten Einwohner der Stadt. An der Kreuzung der Radialstraßen mit der Ringstraße befanden sich sechzehn weitere Plätze: acht Einkaufsplätze und acht für Gemeindezentren und Kirchen.

Pienza war nicht die einzige realisierte Stadt in Italien, die die Prinzipien der „idealen“ Planung verkörperte. Italien selbst war damals kein Einheitsstaat, wie wir ihn heute kennen, sondern bestand aus vielen getrennten unabhängigen Republiken und Herzogtümern. An der Spitze jedes dieser Gebiete stand eine Adelsfamilie. Natürlich wollte jeder Herrscher in seinem Staat ein Modell einer „idealen“ Stadt haben, das es ihm ermöglichte, als gebildeter und fortschrittlicher Renaissance-Mensch zu gelten. Daher beschloss der Vertreter der Dynastie D Este, Herzog Ercole I., 1492, eine der wichtigsten Städte seines Herzogtums - Ferrara - wieder aufzubauen.

Die Umstrukturierung wurde dem Architekten Biagio Rossetti anvertraut. Er zeichnete sich durch eine Weite der Ansichten sowie eine Innovationsfreude aus, die sich in fast allen seinen Werken manifestierte. Er studierte gründlich den alten Grundriss der Stadt und kam zu einer interessanten Lösung. Wenn vor ihm Architekten entweder alte Gebäude abrissen oder von Grund auf neu bauten, dann beschloss Biagio, eine neue Stadt auf der alten zu bauen. Damit verkörperte er gleichzeitig das Konzept der Renaissancestadt mit ihren geraden Straßen und Freiflächen und betonte die Integrität und Eigenständigkeit der mittelalterlichen Stadt. Die Hauptinnovation des Architekten war eine andere Nutzung der Räume. Er hielt sich nicht an alle Gesetze des regulären Städtebaus, der offene Plätze und breite Straßen vorsah. Stattdessen spielt Biagio, da der mittelalterliche Teil der Stadt intakt gelassen wurde, mit Gegensätzen: Er wechselt Hauptstraßen mit engen Gassen, helle Plätze mit dunklen Sackgassen, große herzogliche Häuser mit niedrigen Häusern einfacher Einwohner. Darüber hinaus widersprechen sich diese Elemente überhaupt nicht: Die umgekehrte Perspektive wird mit der geraden kombiniert, und die fließenden Linien und wachsenden Volumen widersprechen sich nicht.

Der venezianische Gelehrte und Architekturwissenschaftler Daniele Barbaro (1514-1570) widmete den größten Teil seines Lebens dem Studium der Abhandlung von Vitruv, was zu seinem Buch mit dem Titel "Zehn Bücher über die Architektur von Vitruv mit einem Kommentar von Daniele Barbaro" führte. geschrieben 1556. In diesem Buch spiegelte sich nicht nur der Autor selbst, sondern auch die meisten Architekten des 16. Jahrhunderts gegenüber der antiken Architektur. Daniele Barbaro hat die Abhandlung sein ganzes Leben lang gründlich studiert und versucht, das Schema der idealen Stadt nachzubilden, das die Ideen von Vetruv und seine Konzepte widerspiegeln würde, die seine Vision ergänzen.

Etwas früher veröffentlichte der Renaissance-Architekt Cesare Cesarino 1521 seinen Kommentar zu den Zehn Büchern der Architektur mit zahlreichen Illustrationen, darunter theoretische Diagramme einer idealen Stadt.

Unter den vielen solcher Theoretiker des 16. Jahrhunderts. Einen besonderen Platz nahm Andrea Palladio (1508-1580) ein. In seiner 1570 erschienenen Abhandlung Vier Bücher über Architektur (italienisch: Quattro Libri deHArchitettura) widmete Palladio der Stadt keinen speziellen Abschnitt, sondern sein gesamtes Werk widmete sich im Wesentlichen diesem speziellen Thema. Er sagte: "Eine Stadt ist nichts anderes als eine Art großes Haus, und umgekehrt ist ein Haus eine Art kleine Stadt."

Palladio setzte ein Gleichheitszeichen zwischen Wohnhaus und Stadt und betonte damit die Integrität des urbanen Organismus und die Vernetzung seiner räumlichen Elemente. Er reflektiert die Integrität des urbanen Organismus und die Beziehung seiner räumlichen Elemente. Über das städtische Ensemble schreibt er: „Schönheit ist das Ergebnis einer schönen Form und der Entsprechung des Ganzen zu den Teilen, der Teile zueinander und auch der Teile zum Ganzen.“ Einen herausragenden Platz in der Abhandlung nimmt das Innere von Gebäuden, ihre Dimensionen und Proportionen ein. Palladio versucht, den Außenraum der Straßen mit dem Inneren von Häusern und Höfen organisch zu verbinden.

Ende des 16. Jahrhunderts. Während der Belagerung von Städten wurden Artilleriewaffen mit Sprenggranaten eingesetzt. Dies zwang die Stadtplaner, die Art der Stadtbefestigung zu überdenken. Die Festungsmauern und -türme wurden durch Erdbastionen ersetzt, die, wenn sie über die Stadtgrenzen hinaus vorgetragen wurden, sowohl feindliche Angriffe abwehren als auch Flankenfeuer auf den sich der Stadt nähernden Feind führen konnten. Ausgehend davon war es nicht nötig, die Stadttore zu schützen, die sich von nun an von mächtigen Verteidigungszentren zu den Haupteingängen der Stadt entwickelt haben. Diese Innovationen in Form einer Vielzahl von sternförmigen bizarren Formen spiegeln sich in den Projekten der idealen Städte von Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle wider , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi, George Vasari Jr. usw.

Und die Festungsstadt Palmanova kann zu Recht als Höhepunkt der Festungsarchitektur der Renaissance angesehen werden, deren Plan nach dem Plan des Architekten Vicenzo Scamozzi die Form eines neunzackigen Sterns hat und von dem die Straßen strahlenförmig ausgehen der Platz in der Mitte. Das Territorium der Stadt war von zwölf Bastionen umgeben, und jede der Bastionen war so geplant, dass sie die benachbarten schützte, und hatte vier Stadttore, von denen sich zwei Hauptstraßen im rechten Winkel kreuzten. An ihrer Kreuzung befand sich der Hauptplatz, der den Palast, die Kathedrale, die Universität und die städtischen Institutionen überblickte. An den Hauptplatz schlossen sich im Westen und Osten zwei Handelsplätze an, im Norden befand sich der Börsenplatz und im Süden der Platz für den Heu- und Brennholzhandel. Das Territorium der Stadt wurde von einem Fluss durchquert, und näher an seiner Peripherie befanden sich acht Pfarrkirchen. Der Grundriss der Stadt war regelmäßig. Die Festung war von einem Wassergraben umgeben.

Im technischen Umfeld der Renaissance werden Fragen der Komposition, Harmonie, Schönheit und Proportionen sorgfältig untersucht. In diesen Idealkonstruktionen zeichnet sich die Planung der Stadt durch Rationalismus, geometrische Klarheit, zentrische Komposition und Harmonie zwischen dem Ganzen und den Teilen aus. Und was schließlich die Architektur der Renaissance von anderen Epochen unterscheidet, ist der Mensch, der im Mittelpunkt all dieser Konstruktionen steht. Viele weitere Namen und Namen von Städten können als Beispiele dienen. Überlebt hat Urbino mit seinem grandiosen Herzogspalast, „eine Stadt in Form eines Palazzo“, geschaffen vom Architekten Luciano Laurana für Herzog Federico da Montefeltro, Terradel Sole („Stadt der Sonne“), Vigevano in der Lombardei, Valletta (Hauptstadt von Malta). Letztere wuchs auf den wasserlosen, steilen Klippen der Halbinsel Mount Sciberras und erhob sich zwischen den beiden tiefen Häfen Marsamxett und Grand Harbour. Valletta wurde 1566 gegründet und wurde zusammen mit beeindruckenden Bastionen, Festungen und einer Kathedrale in erstaunlich kurzer Zeit – 15 Jahre – vollständig erbaut.

Allgemeine Ideen, Konzepte der Renaissance flossen weit über die Wende des 17. Jahrhunderts hinaus und spritzten heraus stürmischer Strom, die nachfolgende Generationen von Architekten und Ingenieuren abdeckt.

Auch das Beispiel vieler moderner Architekturprojekte zeigt den Einfluss der Renaissance, die seit mehreren Jahrhunderten ihre Vorstellung von der Menschheit und dem Primat des menschlichen Komforts nicht verloren hat. Einfachheit, Bequemlichkeit, "Zugänglichkeit" der Stadt für den Bewohner in allen möglichen variablen Einrichtungen finden sich in vielen Werken, und jeder folgte ihnen auf seine Weise, Architekten und Forscher, alle wie eins, beschritten dennoch bereits den befestigten Weg gepflastert von den Meistern der Renaissance.

In dem Artikel wurden nicht alle Beispiele für „ideale Städte“ berücksichtigt, deren Ursprünge bis in die Tiefen der Ära der schönen Renaissance zurückreichen - in einigen liegt der Schwerpunkt auf der Bequemlichkeit und Ergonomie, Zivilisten zu sein andere über die maximale Effizienz von Verteidigungsoperationen; aber in allen Beispielen beobachten wir ein unermüdliches Streben nach Verbesserung, nach Erzielung von Ergebnissen, sehen wir selbstbewusste Schritte in Richtung der Bequemlichkeit und des Komforts einer Person. Ideen, Konzepte, gewissermaßen die Bestrebungen der Renaissance flossen weit über die Wende des 17. Jahrhunderts hinaus und spritzten in einem stürmischen Strom heraus und umfassten nachfolgende Generationen von Architekten und Ingenieuren.

Und das Beispiel moderner Architekten zeigt deutlich den Einfluss der Konzepte der Renaissancefiguren, etwas modifiziert, aber ohne ihre Vorstellung von Menschlichkeit und den Vorrang des menschlichen Komforts in städtebaulichen Projekten zu verlieren. Einfachheit, Bequemlichkeit, „Zugänglichkeit“ der Stadt für den Bewohner in allerlei variablen Einrichtungen lassen sich in vielen anderen Werken finden, umsetzen und keineswegs – auf dem Papier bleiben. Jeder folgte seinem eigenen Weg, Architekten und Forscher, alle wie einer, beschritten dennoch den gepflasterten Weg, der bereits von den Meistern der Renaissance gepflastert wurde, und folgten dem unsterblich relevanten und verführerischen Licht der Idee der Wiedergeburt, der Wiedergeburt der menschlichen Seele , und die wichtigsten Schritte in diese Richtung wurden im fernen XIV. Jahrhundert unternommen.

Die Konzepte der idealen Stadt der Renaissance hören bei aller Utopie und Unmöglichkeit aus pragmatischer Sicht einer Person, insbesondere einer modernen, nicht vollständig in ihrer Pracht auf oder zumindest teilweise, Elemente schleichen sich regelmäßig in die Arbeit ein romantische Architekten, die nicht so sehr nach Perfektion in ihrem schwierigen kreativen Handwerk streben, wie sehr nach Perfektion in einer Umgebung, die komplexer und unvorhersehbarer ist als Pergament und Perspektive - nach der unerreichbaren Perfektion der menschlichen Seele und des menschlichen Bewusstseins.

Palmanova - Kathedrale