Rencanakan kota renaisans yang ideal. Gambar artistik dari Renaisans

Seni Renaisans

Renaisans- ini adalah masa kejayaan semua seni, termasuk teater, sastra, dan musik, tetapi, tidak diragukan lagi, yang utama di antara mereka, yang paling mengekspresikan semangat pada masanya, adalah seni rupa.

Bukan kebetulan bahwa ada teori bahwa Renaisans dimulai dengan fakta bahwa seniman tidak lagi puas dengan kerangka gaya "Bizantium" yang dominan dan, untuk mencari model untuk karya mereka, adalah yang pertama beralih ke ke zaman kuno. Istilah "Renaisans" (Renaisans) diperkenalkan oleh pemikir dan seniman pada zaman itu sendiri, Giorgio Vasari ("Biografi pelukis, pematung, dan arsitek terkenal"). Jadi dia menyebut waktu dari 1250 hingga 1550. Dari sudut pandangnya, ini adalah masa kebangkitan zaman kuno. Bagi Vasari, zaman kuno muncul dengan cara yang ideal.

Di masa depan, konten istilah telah berkembang. Kebangkitan mulai berarti emansipasi sains dan seni dari teologi, pendinginan menuju etika Kristen, lahirnya sastra nasional, keinginan manusia untuk bebas dari batasan Gereja Katolik. Artinya, Renaisans, pada dasarnya, mulai berarti humanisme.

KEBANGKITAN, RENAISSANCE(Renais sance Prancis - kelahiran kembali) - salah satu era terbesar, titik balik dalam perkembangan seni dunia antara Abad Pertengahan dan zaman baru. Renaisans mencakup abad XIV-XVI. di Italia, abad XV-XVI. di negara-negara Eropa lainnya. Periode perkembangan budaya ini menerima namanya - Renaisans (atau Renaisans) sehubungan dengan kebangkitan minat pada seni kuno. Namun, para seniman pada masa itu tidak hanya meniru pola-pola lama, tetapi juga memasukkan konten baru secara kualitatif ke dalamnya. Renaisans tidak boleh dianggap sebagai gaya atau arah artistik, karena di era ini terdapat berbagai gaya, tren, arus artistik. Cita-cita estetika Renaisans dibentuk atas dasar pandangan dunia baru yang progresif - humanisme. Dunia nyata dan manusia dinyatakan sebagai nilai tertinggi: Manusia adalah ukuran dari segala sesuatu. Peran orang kreatif semakin meningkat.

Kesedihan humanistik pada zaman itu paling baik diwujudkan dalam seni, yang, seperti pada abad-abad sebelumnya, bertujuan untuk memberikan gambaran tentang alam semesta. Yang baru adalah mereka mencoba menyatukan materi dan spiritual menjadi satu kesatuan. Sulit untuk menemukan seseorang yang acuh tak acuh terhadap seni, tetapi preferensi diberikan pada seni rupa dan arsitektur.

Lukisan Italia abad ke-15 kebanyakan monumental (lukisan dinding). Lukisan menempati posisi terdepan di antara jenis seni rupa. Ini paling sesuai dengan prinsip Renaisans tentang "meniru alam". Sistem visual baru dibentuk atas dasar studi tentang alam. Artis Masaccio memberikan kontribusi yang layak untuk pengembangan pemahaman volume, transmisinya dengan bantuan chiaroscuro. Penemuan dan pembuktian ilmiah dari hukum perspektif linier dan udara secara signifikan memengaruhi nasib lukisan Eropa selanjutnya. Bahasa patung plastik baru sedang dibentuk, pendirinya adalah Donatello. Dia menghidupkan kembali patung bundar yang berdiri bebas. Karya terbaiknya adalah patung David (Florence).

Dalam arsitektur, prinsip-prinsip sistem tatanan kuno dibangkitkan, pentingnya proporsi dinaikkan, jenis bangunan baru dibentuk (istana kota, vila desa, dll.), Teori arsitektur dan konsep kota yang ideal adalah sedang dikembangkan. Arsitek Brunelleschi membangun gedung-gedung di mana ia menggabungkan pemahaman kuno tentang arsitektur dan tradisi Gotik akhir, mencapai spiritualitas kiasan arsitektur baru, yang tidak diketahui oleh orang dahulu. Selama Renaisans tinggi, pandangan dunia baru paling baik diwujudkan dalam karya seniman yang berhak disebut jenius: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, dan Titian. Dua pertiga terakhir abad ke-16 disebut Renaisans akhir. Saat ini, krisis meliputi seni. Itu menjadi teratur, sopan, kehilangan kehangatan dan kealamiannya. Namun, seniman hebat individu - Titian, Tintoretto terus menciptakan mahakarya selama periode ini.

Renaisans Italia berdampak besar pada seni Prancis, Spanyol, Jerman, Inggris, dan Rusia.

Bangkitnya perkembangan seni Belanda, Prancis dan Jerman (abad XV-XVI) disebut Renaisans Utara. Karya pelukis Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder adalah puncak perkembangan seni rupa periode ini. Di Jerman, A. Dürer adalah seniman terhebat Renaisans Jerman.

Penemuan-penemuan yang dilakukan selama Renaisans di bidang budaya spiritual dan seni memiliki makna sejarah yang besar bagi perkembangan seni Eropa di abad-abad berikutnya. Ketertarikan pada mereka berlanjut hingga hari ini.

Renaisans di Italia melewati beberapa tahap: Renaisans awal, Renaisans tinggi, Renaisans akhir. Florence menjadi tempat kelahiran Renaissance. Fondasi seni baru dikembangkan oleh pelukis Masaccio, pematung Donatello, dan arsitek F. Brunelleschi.

Yang pertama membuat lukisan alih-alih ikon adalah master Proto-Renaissance terbesar Giotto. Ia adalah orang pertama yang berusaha menyampaikan ide-ide etis Kristen melalui penggambaran perasaan dan pengalaman manusia yang nyata, menggantikan simbolisme dengan penggambaran ruang nyata dan objek tertentu. Di lukisan dinding Giotto yang terkenal di Kapel Arena di Padua Anda dapat melihat karakter yang sangat tidak biasa di samping orang-orang kudus: gembala atau pemintal. Setiap orang di Giotto mengungkapkan pengalaman yang sangat pasti, karakter yang pasti.

Di era renaisans awal dalam seni, perkembangan warisan seni kuno terjadi, cita-cita etis baru terbentuk, seniman beralih ke pencapaian sains (matematika, geometri, optik, anatomi). Peran utama dalam pembentukan prinsip ideologis dan gaya seni Renaisans awal dimainkan oleh Florence. Dalam gambar yang dibuat oleh master seperti Donatello, Verrocchio, patung berkuda condottiere Gattamelata David oleh Donatello mendominasi prinsip heroik dan patriotik ("St. George" dan "David" oleh Donatello dan "David" oleh Verrocchio).

Masaccio adalah pendiri lukisan Renaisans.(mural di Kapel Brancacci, "Trinity"), Masaccio mampu menyampaikan kedalaman ruang, menghubungkan sosok dan lanskap dengan satu ide komposisi, dan memberikan ekspresi potret individu.

Namun pembentukan dan evolusi potret bergambar yang mencerminkan ketertarikan budaya Renaisans pada manusia dikaitkan dengan nama-nama seniman mazhab Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Karya seniman menonjol di awal Renaisans Sandro Botticelli. Gambar yang dia ciptakan bersifat spiritual dan puitis. Peneliti mencatat abstraksi dan intelektualisme halus dalam karya seniman, keinginannya untuk membuat komposisi mitologis dengan konten yang rumit dan terenkripsi ("Musim Semi", "Kelahiran Venus"). Salah satu penulis biografi Botticelli mengatakan bahwa Madonna dan Venus-nya memberi kesan kehilangan, membuat kami merasakan kesedihan yang tak terhapuskan... Beberapa dari mereka kehilangan langit, yang lain - bumi.

"Musim Semi" "Kelahiran Venus"

Puncak perkembangan prinsip ideologis dan artistik Renaisans Italia adalah Renaisans Tinggi. Pendiri seni High Renaissance adalah Leonardo da Vinci, seorang seniman dan ilmuwan hebat.

Dia menciptakan sejumlah mahakarya: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Sebenarnya, wajah Gioconda dibedakan oleh pengekangan dan ketenangan, senyuman yang menciptakan ketenaran dunianya dan yang kemudian menjadi bagian tak terpisahkan dari karya tersebut. sekolah Leonardo hampir tidak terlihat di dalamnya. Namun dalam kabut tipis yang mencair yang menyelimuti wajah dan sosoknya, Leonardo berhasil merasakan variabilitas ekspresi wajah manusia yang tak terbatas. Meskipun mata Gioconda menatap penonton dengan penuh perhatian dan tenang, karena naungan rongga matanya, orang mungkin berpikir bahwa mereka sedikit mengerutkan kening; bibirnya terkompresi, tetapi bayangan yang nyaris tak terlihat tergaris di dekat sudutnya, yang membuat Anda percaya bahwa setiap menit mereka akan terbuka, tersenyum, berbicara. Sangat kontras antara tatapannya dan setengah senyum di bibirnya memberikan gambaran tentang sifat kontradiktif dari pengalamannya. Tidak sia-sia Leonardo menyiksa modelnya dengan sesi yang panjang. Tidak seperti orang lain, dia berhasil menyampaikan bayangan, bayangan, dan halftone dalam gambar ini, dan itu menimbulkan perasaan hidup yang bergetar. Pantas saja Vasari mengira di leher Mona Lisa Anda bisa melihat bagaimana pembuluh darahnya berdetak.

Dalam potret Gioconda, Leonardo tidak hanya menyampaikan tubuh dan lingkungan udara yang menyelimutinya dengan sempurna. Ia juga menanamkan pemahaman tentang apa yang dibutuhkan mata agar sebuah gambar menghasilkan kesan yang harmonis, itulah sebabnya segala sesuatu tampak seolah-olah bentuk lahir secara alami satu dari yang lain, seperti yang terjadi dalam musik ketika disonansi tegang diselesaikan. oleh akord yang harmonis. Gioconda dengan sempurna tertulis dalam persegi panjang yang sangat proporsional, sosok setengahnya membentuk sesuatu yang utuh, tangan terlipat memberikan kelengkapan gambarnya. Sekarang, tentu saja, tidak ada pertanyaan tentang ikal aneh dari Kabar Sukacita awal. Namun, tidak peduli seberapa lembut semua konturnya, ikal rambut Gioconda yang bergelombang selaras dengan kerudung transparan, dan kain gantung yang dilemparkan ke bahu bergema di gulungan halus jalan yang jauh. Dalam semua ini, Leonardo menunjukkan kemampuannya untuk mencipta sesuai dengan hukum ritme dan harmoni. “Dari segi teknik, Mona Lisa selalu dianggap sebagai sesuatu yang tidak bisa dijelaskan. Sekarang saya pikir saya bisa menjawab teka-teki ini, ”kata Frank. Menurutnya, Leonardo menggunakan teknik yang dia kembangkan "sfumato" (bahasa Italia "sfumato", secara harfiah - "menghilang seperti asap"). Triknya adalah objek dalam lukisan tidak boleh memiliki batas yang jelas, semuanya harus bertransisi dengan lancar dari satu ke yang lain, garis luar objek dilunakkan dengan bantuan kabut udara tipis yang mengelilinginya. Kesulitan utama dari teknik ini terletak pada goresan terkecil (sekitar seperempat milimeter) yang tidak dapat diakses untuk dikenali baik di bawah mikroskop atau menggunakan sinar-X. Jadi, butuh beberapa ratus sesi untuk melukis lukisan da Vinci. Gambar Mona Lisa terdiri dari sekitar 30 lapisan cat minyak cair yang hampir transparan. Untuk karya perhiasan semacam itu, sang seniman rupanya harus menggunakan kaca pembesar. Mungkin penggunaan teknik yang melelahkan menjelaskan waktu yang lama dihabiskan untuk mengerjakan potret - hampir 4 tahun.

, "Perjamuan Terakhir" membuat kesan abadi. Di dinding, seolah-olah mengatasinya dan membawa penonton ke dunia harmoni dan visi yang agung, drama Injil kuno tentang kepercayaan yang tertipu terungkap. Dan drama ini menemukan resolusinya dalam dorongan umum yang diarahkan pada karakter utama - seorang suami dengan wajah sedih, yang menerima apa yang terjadi sebagai hal yang tak terhindarkan. Kristus baru saja berkata kepada murid-muridnya, "Salah satu dari kalian akan mengkhianatiku." Pengkhianat duduk bersama yang lain; para empu tua menggambarkan Yudas duduk terpisah, tetapi Leonardo menunjukkan keterasingannya yang suram jauh lebih meyakinkan, menutupi wajahnya dengan bayangan. Kristus tunduk pada takdirnya, penuh kesadaran akan pengorbanan prestasinya. Kepalanya yang miring dengan mata tertunduk, gerakan tangannya sangat indah dan agung. Pemandangan menawan terbuka melalui jendela di belakang sosoknya. Kristus adalah pusat dari keseluruhan komposisi, dari semua pusaran nafsu yang mengamuk. Kesedihan dan ketenangannya seolah-olah abadi, alami - dan inilah makna mendalam dari drama yang ditampilkan Dia sedang mencari sumber bentuk seni yang sempurna di alam, tetapi N. Berdyaev menganggapnya bertanggung jawab atas proses yang akan datang mekanisasi dan mekanisasi kehidupan manusia, yang merobek manusia dari alam.

Lukisan mencapai harmoni klasik dalam kreativitas Raphael. Karya seninya berkembang dari gambar Umbria awal yang dingin tentang Madonna (Madonna Conestabile) ke dunia "Kristen yang bahagia" karya Florentine dan Romawi. "Madonna with a Goldfinch" dan "Madonna in an Armchair" lembut, manusiawi, dan bahkan biasa dalam kemanusiaannya.

Tapi citra "Sistine Madonna" itu agung, secara simbolis menghubungkan dunia surgawi dan duniawi. Yang terpenting, Raphael dikenal sebagai pencipta citra lembut Madonna. Namun dalam seni lukis, ia mewujudkan cita-cita manusia universal Renaisans (potret Castiglione), dan drama peristiwa sejarah. Sistine Madonna (c. 1513, Dresden, Galeri Seni) adalah salah satu karya seniman yang paling menginspirasi. Ditulis sebagai altar untuk gereja biara St. Sixtus di Piacenza, lukisan ini, dalam hal desain, komposisi, dan interpretasi gambar, sangat berbeda dengan Madonna pada periode Florentine. Alih-alih citra intim dan duniawi dari seorang gadis muda yang cantik dengan merendahkan diri mengikuti hiburan dua bayi, di sini kita memiliki penglihatan indah yang tiba-tiba muncul di langit karena tirai ditarik ke belakang oleh seseorang. Dikelilingi oleh cahaya keemasan, khusyuk dan agung, Maria berjalan menembus awan, menggendong bayi Kristus di depannya. Kiri dan kanan berlutut di hadapan St. Sixtus dan St. Barbara. Komposisi yang simetris dan sangat seimbang, kejernihan siluet, dan generalisasi bentuk yang monumental memberikan kemegahan khusus pada Sistine Madonna.

Dalam gambar ini, Raphael, mungkin lebih dari di mana pun, berhasil menggabungkan kebenaran gambar yang seperti aslinya dengan ciri-ciri kesempurnaan yang ideal. Citra Madonna itu rumit. Kemurnian yang menyentuh dan kenaifan dari seorang wanita yang sangat muda berpadu dalam dirinya dengan tekad yang kuat dan kesiapan heroik untuk berkorban. Kepahlawanan ini menjadikan citra Madonna terkait dengan tradisi terbaik humanisme Italia. Kombinasi ideal dan nyata dalam gambar ini mengingatkan kata-kata terkenal Rafael dari sepucuk surat kepada temannya B. Castiglione. “Dan saya akan memberi tahu Anda,” tulis Raphael, “bahwa untuk menulis kecantikan, saya perlu melihat banyak kecantikan ... tetapi karena kekurangan ... pada wanita cantik, saya menggunakan beberapa ide yang muncul di benak saya . Apakah itu memiliki kesempurnaan, saya tidak tahu, tetapi saya berusaha sangat keras untuk mencapainya. Kata-kata ini menjelaskan metode kreatif artis. Berangkat dari kenyataan dan mengandalkannya, pada saat yang sama ia berusaha untuk mengangkat citra di atas segala sesuatu yang kebetulan dan sementara.

Michelangelo(1475-1564) - tidak diragukan lagi salah satu seniman paling terinspirasi dalam sejarah seni dan, bersama dengan Leonardo da Vinci, sosok paling kuat dari kebangkitan tinggi Italia. Sebagai seorang pematung, arsitek, pelukis, dan penyair, Michelangelo memiliki pengaruh yang sangat besar pada orang-orang sezamannya dan pada seni Barat selanjutnya secara umum.

Dia menganggap dirinya seorang Florentine - meskipun dia lahir pada tanggal 6 Maret 1475 di desa kecil Caprese dekat kota Arezzo. Michelangelo sangat mencintai kotanya, seni, budayanya, dan membawa cinta ini hingga akhir hayatnya. Dia menghabiskan sebagian besar masa dewasanya di Roma, bekerja untuk para paus; namun, dia meninggalkan surat wasiat, yang dengannya jenazahnya dimakamkan di Florence, di sebuah makam yang indah di gereja Santa Croce.

Michelangelo menyelesaikan patung marmer itu Pieta(Ratapan Kristus) (1498-1500), yang masih di lokasi aslinya - di Katedral Santo Petrus. Ini adalah salah satu karya paling terkenal dalam sejarah seni dunia. Pieta mungkin diselesaikan oleh Michelangelo sebelum dia berusia 25 tahun. Ini adalah satu-satunya karya yang ditandatanganinya. Maria muda digambarkan dengan kematian Kristus berlutut, sebuah gambar yang dipinjam dari seni Eropa utara. Penampilan Mary tidak sesedih itu. Inilah titik kreativitas tertinggi Michelangelo muda.

Karya yang tidak kalah pentingnya dari Michelangelo muda adalah patung marmer raksasa (4,34 m). Daud(Akademi, Florence), dieksekusi antara 1501 dan 1504, setelah kembali ke Florence. Pahlawan Perjanjian Lama digambarkan oleh Michelangelo dalam wujud seorang pemuda tampan, berotot, telanjang yang memandang ke kejauhan dengan cemas, seolah menilai musuhnya - Goliat, yang harus dia lawan. Ekspresi wajah David yang lincah dan tegang merupakan ciri khas dari banyak karya Michelangelo - ini adalah tanda dari gaya pahatan individualnya. David, patung Michelangelo yang paling terkenal, telah menjadi simbol Firenze dan awalnya ditempatkan di Piazza della Signoria di depan Palazzo Vecchio, balai kota Florentine. Dengan patung ini, Michelangelo membuktikan kepada orang-orang sezamannya bahwa dia tidak hanya melampaui semua seniman kontemporer, tetapi juga ahli zaman kuno.

Lukisan di lemari besi Kapel Sistina Pada 1505, Michelangelo dipanggil ke Roma oleh Paus Julius II untuk memenuhi dua perintah. Yang paling penting adalah lukisan fresco kubah Kapel Sistina. Bekerja berbaring di perancah tinggi tepat di bawah langit-langit, Michelangelo menciptakan ilustrasi terindah untuk beberapa cerita alkitabiah antara tahun 1508 dan 1512. Di kubah kapel kepausan, dia menggambarkan sembilan adegan dari Kitab Kejadian, dimulai dengan Pemisahan Terang dari Kegelapan dan termasuk Penciptaan Adam, Penciptaan Hawa, Pencobaan dan Kejatuhan Adam dan Hawa, dan Air Bah. . Di sekeliling lukisan-lukisan utama terdapat gambar-gambar bergantian dari para nabi dan saudara kandung di atas singgasana marmer, tokoh-tokoh Perjanjian Lama lainnya, dan nenek moyang Kristus.

Untuk mempersiapkan karya hebat ini, Michelangelo membuat sketsa dan karton dalam jumlah besar, di mana ia menggambarkan sosok pengasuh dalam berbagai pose. Gambar-gambar agung dan kuat ini membuktikan pemahaman ahli seniman tentang anatomi dan gerakan manusia, yang memberikan dorongan ke arah baru dalam seni Eropa Barat.

Dua patung bagus lainnya, Tahanan Terikat dan Kematian Seorang Budak(keduanya c. 1510-13) berada di Louvre, Paris. Mereka mendemonstrasikan pendekatan Michelangelo terhadap seni pahat. Menurutnya, patung-patung itu hanya tertutup di dalam balok marmer, dan tugas seniman adalah membebaskannya dengan membuang kelebihan batu. Seringkali Michelangelo membiarkan patung itu belum selesai, baik karena tidak lagi dibutuhkan atau hanya karena kehilangan minat pada senimannya.

Perpustakaan San Lorenzo Proyek makam Julius II membutuhkan studi arsitektur, tetapi karya serius Michelangelo di bidang arsitektur baru dimulai pada tahun 1519, ketika ia diperintahkan untuk membuat fasad Perpustakaan St. Lawrence di Florence, tempat seniman kembali lagi ( proyek ini tidak pernah dilaksanakan). Pada tahun 1520-an ia juga merancang aula masuk Perpustakaan yang elegan yang berdampingan dengan gereja San Lorenzo. Struktur ini diselesaikan hanya beberapa dekade setelah kematian penulisnya.

Michelangelo, penganut faksi republik, berpartisipasi pada tahun 1527-29 dalam perang melawan Medici. Tanggung jawabnya meliputi pembangunan dan rekonstruksi benteng pertahanan Florence.

Kapel Medici. Setelah tinggal di Florence untuk waktu yang agak lama, Michelangelo menyelesaikan antara tahun 1519 dan 1534 tugas keluarga Medici untuk mendirikan dua makam di sakristi baru gereja San Lorenzo. Di aula dengan kubah berkubah tinggi, sang seniman mendirikan dua makam megah di dinding, yang ditujukan untuk Lorenzo De Medici, Adipati Urbino dan untuk Giuliano De Medici, Adipati Nemours. Dua kuburan kompleks disusun sebagai representasi dari tipe yang berlawanan: Lorenzo - seseorang yang tertutup dalam dirinya sendiri, orang yang bijaksana dan pendiam; Giuliano, sebaliknya, aktif, terbuka. Di atas kuburan Lorenzo, pematung menempatkan patung alegoris Pagi dan Sore, dan di atas kuburan Giuliano - alegori Siang dan Malam. Pengerjaan makam Medici berlanjut setelah Michelangelo kembali ke Roma pada tahun 1534. Dia tidak pernah mengunjungi kota tercintanya lagi.

Penghakiman Terakhir

Dari tahun 1536 hingga 1541, Michelangelo bekerja di Roma untuk mengecat dinding altar Kapel Sistina di Vatikan. Lukisan dinding terbesar Renaisans menggambarkan hari Penghakiman Terakhir... Kristus, dengan kilat yang menyala-nyala di tangannya, tak terelakkan membagi semua penduduk bumi menjadi orang benar yang diselamatkan, digambarkan di sisi kiri komposisi, dan orang berdosa turun ke Neraka Dante (sisi kiri fresco). Mengikuti tradisinya sendiri, Michelangelo awalnya melukis semua figur telanjang, tetapi satu dekade kemudian beberapa seniman Puritan "mendandani" mereka karena iklim budaya menjadi lebih konservatif. Michelangelo meninggalkan potret dirinya sendiri di lukisan dinding - wajahnya mudah ditebak pada kulit yang robek dari Martir Suci Rasul Bartholomew.

Meskipun selama periode ini Michelangelo memiliki tugas bergambar lainnya, seperti melukis kapel St. Paul the Apostle (1940), pertama-tama ia berusaha mencurahkan seluruh kekuatannya untuk arsitektur.

Kubah Katedral St. Peter. Pada tahun 1546, Michelangelo diangkat sebagai kepala arsitek Katedral Santo Petrus di Vatikan, yang sedang dibangun. Bangunan itu dibangun sesuai dengan rencana Donato Bramante, tetapi Michelangelo akhirnya bertanggung jawab atas pembangunan apse altar dan untuk pengembangan solusi teknik dan artistik untuk kubah katedral. Penyelesaian pembangunan Katedral Santo Petrus merupakan pencapaian tertinggi master Florentine di bidang arsitektur. Selama hidupnya yang panjang, Michelangelo adalah teman dekat para pangeran dan paus, dari Lorenzo de Medici hingga Leo X, Clement VIII, dan Pius III, serta banyak kardinal, pelukis, dan penyair. Karakter seniman, posisinya dalam kehidupan sulit dipahami secara jelas melalui karya-karyanya - begitu beragam. Kecuali mungkin dalam puisi, dalam puisinya sendiri, Michelangelo lebih sering dan lebih dalam beralih ke pertanyaan tentang kreativitas dan tempatnya dalam seni. Tempat yang luas dalam puisinya diberikan pada masalah dan kesulitan yang harus dia hadapi dalam karyanya, dan hubungan pribadi dengan perwakilan paling terkemuka di zaman itu.Salah satu penyair Renaisans paling terkenal, Lodovico Ariosto, menulis sebuah prasasti untuk ini artis terkenal: "Michele lebih dari manusia biasa, dia adalah malaikat ilahi."

Seni Renaisans di Italia (abad XIII-XVI).

BAHAN SUMBER DAYA http://artclassic.edu.ru YANG KAMI GUNAKAN DALAM MENYUSUN HALAMAN

Fitur seni Renaisans di Italia.

Seni Renaisans muncul atas dasar humanisme (dari bahasa Latin humanus - "manusia") - tren pemikiran sosial yang berasal dari abad ke-14. di Italia, dan kemudian selama paruh kedua abad ke-15 dan ke-16. menyebar ke lainnya negara-negara Eropa Oh. Humanisme memproklamirkan nilai tertinggi manusia dan kebaikannya. Pengikut tren ini percaya bahwa setiap orang memiliki hak untuk berkembang secara bebas sebagai pribadi, mewujudkan kemampuannya. Gagasan humanisme paling lengkap dan jelas diwujudkan dalam seni, tema utama yang menjadi orang yang cantik, berkembang secara harmonis dengan kemungkinan spiritual dan kreatif yang tidak terbatas. Kaum humanis terinspirasi oleh zaman kuno, yang menjadi sumber pengetahuan dan model kreativitas artistik bagi mereka. Masa lalu Italia yang hebat, yang terus-menerus mengingatkan dirinya sendiri, pada saat itu dianggap sebagai kesempurnaan tertinggi, sementara seni Abad Pertengahan tampak tidak layak dan biadab. Istilah "kebangkitan" yang muncul pada abad ke-16 berarti lahirnya seni baru yang menghidupkan kembali budaya kuno klasik. Namun, seni Renaisans banyak berhutang pada tradisi artistik Abad Pertengahan. Yang lama dan yang baru saling terkait dan dihadapkan. Dengan semua keragaman asal-usulnya yang kontradiktif, seni Renaisans ditandai dengan kebaruan yang dalam dan mendasar. Itu meletakkan dasar budaya Eropa di zaman modern. Semua bentuk seni utama - lukisan dan grafik, patung, arsitektur - telah banyak berubah.
Dalam arsitektur, prinsip-prinsip kuno yang dikerjakan ulang secara kreatif sistem pesanan , jenis bangunan publik baru muncul. Lukisan diperkaya dengan perspektif linier dan udara, pengetahuan tentang anatomi dan proporsi tubuh manusia. Konten duniawi menembus tema religius tradisional dari karya seni. Meningkatnya minat pada mitologi kuno, sejarah, pemandangan sehari-hari, lanskap, potret. Bersamaan dengan lukisan dinding monumental yang menghiasi struktur arsitektural, muncullah sebuah lukisan; lukisan minyak berasal.
Seni memang belum berhenti menjadi kerajinan, namun individualitas kreatif seniman yang aktivitasnya saat itu sangat beragam sudah menempati urutan pertama. Bakat universal para master Renaisans luar biasa - mereka sering bekerja secara bersamaan di bidang arsitektur, patung, dan lukisan, menggabungkan hasrat mereka pada sastra, puisi, dan filsafat dengan studi ilmu eksakta. Konsep kepribadian yang kaya secara kreatif, atau "Renaisans" kemudian menjadi kata yang populer.
Dalam seni Renaisans, jalur pemahaman ilmiah dan artistik dunia dan manusia saling terkait erat. Makna kognitifnya terkait erat dengan keindahan puitis yang luhur, dalam perjuangannya untuk kealamian, ia tidak turun ke kehidupan sehari-hari yang picik. Seni telah menjadi kebutuhan spiritual universal.
Pembentukan budaya Renaisans di Italia terjadi di kota-kota yang mandiri secara ekonomi. Dalam kebangkitan dan perkembangan seni Renaisans, Gereja dan pengadilan megah para penguasa yang tidak bermahkota - keluarga kaya yang berkuasa, yang merupakan pelindung dan pelanggan terbesar dari karya lukisan, patung, dan arsitektur, memainkan peran penting. Pusat utama budaya Renaisans pada awalnya adalah kota Florence, Siena, Pisa, lalu Padua, Ferrara, Genoa, Milan, dan kemudian, pada paruh kedua abad ke-15, pedagang kaya Venesia. Di abad XVI. Roma menjadi ibu kota Renaisans Italia. Sejak saat itu, semua pusat budaya lainnya, kecuali Venesia, telah kehilangan kepentingannya sebelumnya.
Di era Renaisans Italia, merupakan kebiasaan untuk membedakan beberapa periode:

Proto-Renaisans (paruh kedua abad XIII-XIV),

Awal Renaisans (abad XV),

Renaisans Tinggi (akhir abad ke-15 - sepertiga pertama abad ke-16)

Renaisans Akhir (dua pertiga terakhir abad ke-16).

Proto-Renaisans

DI DALAM budaya Italia Abad XIII-XIV Dengan latar belakang tradisi Bizantium dan Gotik yang masih kuat, ciri-ciri seni baru mulai bermunculan, yang kemudian disebut seni Renaisans. Oleh karena itu, periode sejarahnya ini disebut Proto-Renaisans(dari bahasa Yunani "protos" - "pertama", yaitu menyiapkan permulaan Renaisans). Tidak ada periode transisi serupa di negara Eropa mana pun. Di Italia sendiri, seni proto-Renaisans muncul dan berkembang hanya di Tuscany dan Roma.
Dalam budaya Italia, ciri-ciri yang lama dan yang baru saling terkait. Penyair terakhir Abad Pertengahan dan penyair pertama di era baru, Dante Alighieri (1265-1321), menciptakan bahasa sastra Italia. Apa yang dimulai Dante dilanjutkan oleh Florentine besar lainnya di abad ke-14 - Francesco Petrarch (1304-1374), pendiri puisi lirik Eropa, dan Giovanni Boccaccio (1313-1375), pendiri genre novel (cerita pendek) di dunia literatur. Kebanggaan zaman itu adalah arsitek dan pematung Niccolo dan Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio dan pelukis Giotto di Bondone .
Arsitektur
Arsitektur Italia untuk waktu yang lama mengikuti tradisi abad pertengahan, yang diekspresikan terutama dalam penggunaan sejumlah besar motif Gotik. Pada saat yang sama, Gotik Italia sendiri sangat berbeda dari arsitektur Gotik di Eropa utara: ia condong ke arah ketenangan bentuk besar, bahkan ringan, pembagian horizontal, permukaan dinding lebar. Pada 1296, konstruksi dimulai di Florence Katedral Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio ingin memahkotai altar katedral dengan kubah besar. Namun, setelah kematian arsitek pada tahun 1310, pembangunannya tertunda, sudah selesai pada periode Renaisans Awal. Pada tahun 1334, menurut desain Giotto, pembangunan menara lonceng katedral, yang disebut campanile, dimulai - menara persegi panjang ramping dengan pembagian horizontal berdasarkan lantai dan jendela Gotik yang elegan, bentuk melengkung lanset yang diawetkan dalam arsitektur Italia untuk waktu yang lama.
Di antara istana kota paling terkenal adalah Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) di Florence. Diyakini dibangun oleh Arnolfo di Cambio. Itu adalah kubus berat dengan menara tinggi, dilapisi dengan batu keras berkarat. Fasad tiga lantai didekorasi dengan jendela berpasangan bertuliskan lengkungan setengah lingkaran, yang memberikan kesan penghematan yang terkendali pada seluruh bangunan. Bangunan itu mendefinisikan tampilan pusat kota tua, menyerbu alun-alun dengan massa yang keras.
Patung
Lebih awal dari pada arsitektur dan lukisan, pencarian artistik diuraikan dalam seni pahat, dan terutama di sekolah Pisa, yang pendirinya adalah Niccolò Pisano (sekitar 1220 - antara 1278 dan 1284). Niccolo Pisano lahir di Apulia, Italia selatan. Diyakini bahwa ia belajar seni pahat di sekolah-sekolah selatan, di mana semangat kebangkitan tradisi klasik kuno berkembang pesat. Tanpa ragu, Niccolo mempelajari dekorasi pahatan sarkofagus Romawi akhir dan Kristen awal. Karya pematung paling awal yang diketahui adalah heksagonal mimbar marmer, dibuat olehnya untuk pembaptisan di Pisa (1260), - menjadi karya patung Renaisans yang luar biasa dan berdampak besar pada perkembangan selanjutnya. Pencapaian utama pematung adalah ia berhasil memberikan volume dan ekspresi pada bentuk, dan setiap gambar memiliki kekuatan tubuh.
Dari bengkel Niccolò Pisano datanglah master patung Proto-Renaisans yang luar biasa - putranya Giovanni Pisano dan Arnolfo di Cambio, juga dikenal sebagai seorang arsitek. Arnolfo di Cambio (sekitar 1245 - setelah 1310) tertarik pada patung monumental, di mana dia menggunakan pengamatan hidupnya. Salah satu karya terbaik yang dia lakukan bersama ayah dan putranya Pisano - Air mancur di Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore yang dihiasi banyak patung dan relief telah menjadi kebanggaan kota. Dilarang meminum hewan darinya, mengambil air di tong anggur atau di dalamnya piring yang belum dicuci. Museum kota telah mengawetkan pecahan figur berbaring yang dibuat oleh Arnolfo di Cambio untuk air mancur. Pada figur tersebut, pematung berhasil menyampaikan segala kekayaan gerak tubuh manusia.
Lukisan
Dalam seni Renaisans Italia, lukisan dinding menempati tempat yang dominan. Itu dibuat dengan teknik fresco. Dengan cat yang disiapkan di atas air, mereka menulis di atas plester basah (sebenarnya lukisan dinding) atau di atas yang kering - teknik ini disebut "a secco" (diterjemahkan dari bahasa Italia - "kering"). Pengikat utama plester adalah kapur. Karena jeruk nipis membutuhkan sedikit waktu untuk mengering, lukisan fresco harus dilakukan dengan cepat, seringkali di beberapa bagian, di antaranya ada jahitan penghubung. Dari paruh kedua abad XV. teknik lukisan dinding mulai dilengkapi dengan lukisan secco; yang terakhir memungkinkan pekerjaan lebih lambat dan memungkinkan penyelesaian bagian. Pekerjaan mural didahului dengan produksi sinopia - gambar tambahan yang diaplikasikan di bawah fresco pada lapisan pertama plester. Gambar-gambar ini dibuat dengan oker merah yang ditambang dari tanah liat di dekat kota Sinop, yang terletak di pantai Laut Hitam. Sesuai dengan nama kotanya, cat itu disebut Sinop, atau sinopia, kemudian gambarnya sendiri mulai disebut dengan cara yang sama. Sinopia digunakan dalam lukisan Italia dari abad ke-13 hingga pertengahan abad ke-15. Namun, tidak semua pelukis menggunakan bantuan sinopia - misalnya, Giotto di Bondone, perwakilan paling menonjol dari era Proto-Renaisans, melakukannya tanpa mereka. Secara bertahap, sinopia ditinggalkan. Dari pertengahan abad XV. Karton banyak digunakan dalam lukisan - gambar persiapan yang dibuat di atas kertas atau di atas kain seukuran karya masa depan. Kontur gambar dipindahkan ke plester basah dengan bantuan debu batu bara. Itu ditiup melalui lubang yang ditusuk di kontur dan ditekan ke dalam plester dengan beberapa alat tajam. Kadang-kadang sinopia dari sketsa sketsa berubah menjadi gambar monumental yang sudah jadi, dan karton memperoleh nilai karya lukis independen.

Pendiri gaya lukisan Italia baru adalah Cimabue (sebenarnya Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue terkenal di Florence sebagai ahli lukisan dan ikon altar yang khidmat. Gambar-gambarnya dicirikan oleh abstraksi dan karakter statis. Dan meskipun Cimabue mengikuti tradisi Bizantium dalam karyanya, dalam karyanya ia mencoba mengungkapkan perasaan duniawi, melembutkan kekakuan kanon Bizantium.
Piero Cavallini (antara 1240 dan 1250 - sekitar 1330) tinggal dan bekerja di Roma. Dia adalah penulis mozaik Gereja Santa Maria di Trastevere (1291), serta lukisan dinding Gereja Santa Cecilia di Trastevere (sekitar 1293). Dalam karyanya, Cavallini memberikan volume dan wujud nyata pada bentuk.
Prestasi Cavallini diadopsi dan dilanjutkan Giotto di Bondone(1266 atau 1267 - 1337), artis terbesar Proto-Renaisans. Nama Giotto dikaitkan dengan pergantian perkembangan lukisan Italia, keterputusannya dengan kanon artistik abad pertengahan, dan tradisi seni Italo-Bizantium abad ke-13. Karya Giotto yang paling terkenal adalah lukisan Kapel Arena di Padua (1304-06). Lukisan dinding dibedakan dari kejelasannya, narasinya yang tidak rumit, kehadiran detail sehari-hari yang memberikan vitalitas dan kealamian pada pemandangan yang digambarkan. Menolak kanon gereja yang mendominasi seni pada masa itu, Giotto menggambarkan karakternya yang mirip dengan orang sungguhan: dengan tubuh proporsional, jongkok, wajah bulat (bukan memanjang), potongan mata yang benar, dll. Orang sucinya tidak melayang di atas tanah, tetapi berdiri kokoh di atasnya dengan kedua kaki. Mereka lebih memikirkan duniawi daripada surgawi, mengalami perasaan dan emosi manusia sepenuhnya. Untuk pertama kalinya dalam sejarah seni lukis Italia, keadaan pikiran para pahlawan lukisan disampaikan melalui ekspresi wajah, gerak tubuh, postur tubuh. Alih-alih latar belakang emas tradisional, lukisan dinding Giotto menggambarkan lanskap, interior, atau kelompok pahatan di fasad basilika.
Di paruh kedua abad XIV. sekolah indah Siena mengemuka. Master lukisan Siena terbesar dan terhalus abad XIV. adalah Simone Martini (c. 1284-1344). Kuas Simone Martini adalah yang pertama dalam sejarah seni yang menggambarkan peristiwa sejarah tertentu dengan potret seorang kontemporer. Gambar ini " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"di ruang Mappamondo (Peta Dunia) di Palazzo Publico (Siena), yang merupakan prototipe untuk banyak potret berkuda masa depan. Altar The Annunciation oleh Simone Martini, sekarang disimpan di Galeri Uffizi di Florence, sangat terkenal.

Fitur Renaisans. Proto-Renaisans

Fitur Renaisans

Renaisans awal

Di abad XV. seni Italia menempati posisi dominan dalam kehidupan artistik Eropa. Fondasi budaya sekuler humanistik (yaitu, bukan gerejawi) diletakkan di Florence, yang mendorong Siena dan Pisa ke latar belakang. Kekuasaan politik di sini dimiliki oleh para pedagang dan pengrajin, pengaruh terkuat dalam urusan kota diberikan oleh beberapa keluarga kaya, yang terus-menerus bersaing satu sama lain. Perjuangan ini berakhir pada akhir abad ke-14. kemenangan rumah perbankan Medici. Kepalanya, Cosimo de' Medici, menjadi penguasa tak terucapkan di Florence. Penulis, penyair, ilmuwan, arsitek, seniman berbondong-bondong ke istana Cosimo Medici. Budaya Renaisans Florence mencapai puncaknya di bawah Lorenzo de 'Medici, yang dijuluki Yang Agung. Lorenzo adalah pelindung seni dan sains yang hebat, pencipta Akademi Platonis, tempat berkumpulnya para pemikir Italia, penyair, dan filsuf yang luar biasa, tempat diadakannya debat halus yang mengangkat semangat dan pikiran.

Arsitektur

Di bawah Cosimo dan Lorenzo Medici, revolusi nyata terjadi dalam arsitektur Florence: konstruksi ekstensif diluncurkan di sini, yang secara signifikan mengubah wajah kota. Nenek moyang arsitektur Renaisans di Italia adalah Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arsitek, pematung dan ilmuwan, salah satu pencipta teori perspektif ilmiah. Pencapaian teknik terbesar Brunelleschi adalah pembangunan kubah. Katedral Santa Maria del Fiore di Firenze. Berkat kejeniusan matematika dan teknisnya, Brunelleschi berhasil memecahkan masalah tersulit pada masanya. Kesulitan utama yang dihadapi master disebabkan oleh bentangan salib tengah yang sangat besar (42 m), yang membutuhkan upaya khusus untuk memfasilitasi penyebaran. Brunelleschi memecahkan masalah dengan menerapkan desain yang cerdik: kubah berongga ringan yang terdiri dari dua cangkang, sistem rangka dari delapan tulang rusuk yang dihubungkan oleh cincin yang mengelilinginya, lentera ringan yang menutup dan memuat lengkungan. Kubah Katedral Santa Maria del Fiore menjadi cikal bakal banyak gereja berkubah di Italia dan negara Eropa lainnya.

Brunelleschi adalah salah satu orang pertama dalam arsitektur Italia yang secara kreatif memahami dan awalnya menafsirkan sistem tatanan kuno ( Ospedale degli Innocenti (Shelter for foundlings), 1421-44), menandai dimulainya pembangunan gereja berkubah berdasarkan tatanan kuno ( Gereja San Lorenzo ). Permata sejati dari Renaisans Awal diciptakan oleh Brunelleschi atas perintah keluarga Florentine yang kaya Kapel Pazzi(dimulai tahun 1429). Humanisme dan puisi karya Brunelleschi, proporsi yang harmonis, ringan dan keanggunan bangunannya, yang mempertahankan hubungan dengan tradisi Gotik, kebebasan kreatif dan validitas ilmiah dari idenya menentukan pengaruh besar Brunelleschi pada perkembangan arsitektur Renaisans selanjutnya. .

Salah satu pencapaian utama arsitektur Italia abad XV. adalah penciptaan istana kota jenis baru, palazzo, yang berfungsi sebagai model bangunan umum di kemudian hari. Fitur palazzo abad ke-15 adalah pembagian yang jelas dari volume tertutup bangunan menjadi tiga lantai, halaman terbuka dengan arcade lantai musim panas, penggunaan karat (batu dengan permukaan depan yang miring atau cembung) untuk kelongsong fasad, serta cornice dekoratif yang sangat memanjang . Contoh mencolok dari gaya ini adalah konstruksi ibu kota siswa Brunelleschi, Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), arsitek istana keluarga Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), yang menjadi model pembangunan banyak istana Florentine. Penciptaan Michelozzo sudah dekat Palazzo Strozzi(didirikan tahun 1481), yang dikaitkan dengan nama arsitek dan pematung Benedetto da Maiano (1442-97).

Tempat khusus dalam sejarah arsitektur Italia ditempati oleh Leon Battista Alberti(1404-72). Seorang pria yang sangat berbakat dan berpendidikan luas, dia adalah salah satu humanis paling cemerlang pada masanya. Kisaran minatnya sangat bervariasi. Itu mencakup moralitas dan hukum, matematika, mekanika, ekonomi, filsafat, puisi, musik, lukisan, patung, arsitektur. Penata gaya yang brilian, Alberti meninggalkan banyak karya dalam bahasa Latin dan Italia. Di Italia dan luar negeri, Alberti mendapatkan ketenaran sebagai ahli teori seni yang luar biasa. Risalah terkenal "Sepuluh Buku tentang Arsitektur" (1449-52), "Tentang Lukisan", "Tentang Patung" (1435-36) adalah milik penanya. Tetapi arsitektur adalah panggilan utama Alberti. Dalam karya arsitektur, Alberti condong ke arah solusi eksperimental yang berani, secara inovatif menggunakan warisan artistik kuno. Alberti menciptakan tipe baru istana kota ( Palazzo Rucellai ). Dalam arsitektur religius, berjuang untuk kemegahan dan kesederhanaan, Alberti menggunakan motif lengkungan dan arkade kemenangan Romawi dalam desain fasad ( Gereja Sant'Andrea di Mantua, 1472-94). Nama Alberti dianggap sebagai salah satu yang pertama di antara pencipta budaya Renaisans Italia yang hebat.

Patung

Di abad XV. Patung Italia, yang telah memperoleh signifikansi independen dari arsitektur, berkembang pesat. Tatanan dekorasi gedung-gedung publik mulai memasuki praktik kehidupan artistik; kompetisi seni diadakan. Salah satu kompetisi ini - untuk pembuatan perunggu pintu utara kedua dari baptisan Florentine (1401) - dianggap sebagai peristiwa penting yang dibuka lembaran baru dalam sejarah patung Renaisans Italia. Kemenangan diraih oleh Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Salah satu orang paling terpelajar pada masanya, sejarawan pertama seni Italia, juru gambar yang brilian, Ghiberti mengabdikan hidupnya untuk satu jenis pahatan - relief. Prinsip utama seninya Ghiberti mempertimbangkan keseimbangan dan harmoni semua elemen gambar. Puncak karya Ghiberti adalah pintu timur baptistery florence (1425-52), yang mengabadikan nama tuannya. Dekorasi pintunya mencakup sepuluh komposisi persegi yang terbuat dari perunggu berlapis emas (" Penciptaan Adam dan Hawa”), dengan ekspresi yang tidak biasa yang mengingatkan pada lukisan bergambar. Seniman berhasil menyampaikan kedalaman ruang, jenuh dengan gambar alam, figur orang, struktur arsitektur. Dengan tangan ringan Michelangelo, pintu timur tempat pembaptisan Florentine mulai dipanggil "Gerbang Surga".

Bengkel Ghiberti menjadi sekolah bagi seluruh generasi seniman, khususnya, Donatello yang terkenal, pembaru patung Italia yang hebat, bekerja di sana. Karya Donatello (c. 1386-1466), yang menyerap tradisi demokrasi budaya Florence pada abad ke-14, merupakan salah satu puncak perkembangan seni Renaisans Awal. Itu mewujudkan pencarian cara baru dan realistis untuk menggambarkan realitas, karakteristik seni Renaisans, perhatian dekat bagi manusia dan dunia spiritualnya. Pengaruh karya Donatello terhadap perkembangan seni Renaisans Italia sangat besar.

Generasi kedua pematung Florentine tertarik pada seni yang lebih liris, damai, dan sekuler. Peran utama di dalamnya milik keluarga pematung della Robbia. Kepala keluarga, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), menjadi terkenal karena penggunaan teknik glasir dalam pahatan dan relief bundar. Teknik glasir (majolica), yang dikenal sejak zaman kuno hingga masyarakat Asia Kecil, dibawa ke Semenanjung Iberia dan pulau Majorca (karena itu namanya) pada Abad Pertengahan, dan kemudian menyebar luas di Italia. Lucca della Robbia membuat medali dengan relief dengan latar belakang biru tua untuk bangunan dan altar, karangan bunga dan buah-buahan, patung majolica Madonna, Kristus dan orang-orang kudus. Seni yang ceria, anggun, dan baik hati dari master ini mendapat pengakuan yang layak dari orang-orang sezamannya. Kesempurnaan besar dalam teknik majolica juga diraih oleh keponakannya Andrea della Robbia (1435-1525) ( relief di fasad Ospedale degli Innocenti).

Lukisan

Peran besar yang dimainkan Brunelleschi dalam arsitektur Renaisans Awal, dan Donatello dalam seni pahat, adalah milik Masaccio (1401-1428) dalam seni lukis. Masaccio meninggal muda, sebelum mencapai usia 27 tahun, namun ia berhasil melakukan banyak hal dalam melukis. Sejarawan seni terkenal Vipper berkata: "Masaccio adalah salah satu jenius paling mandiri dan konsisten dalam sejarah lukisan Eropa, pendiri realisme baru ..." Melanjutkan pencarian Giotto, Masaccio dengan berani memutuskan tradisi artistik abad pertengahan. Di dalam lukisan dinding "Tritunggal"(1426-27), dibuat untuk gereja Santa Maria Novella di Florence, Masaccio menggunakan perspektif penuh untuk pertama kalinya dalam lukisan dinding. Dalam mural Kapel Brancacci Gereja Santa Maria del Carmine di Florence (1425-28) - ciptaan utama dalam hidupnya yang singkat - Masaccio memberi gambar vitalitas yang belum pernah terjadi sebelumnya, menekankan fisik dan monumentalitas karakternya, menyampaikan dengan ahli keadaan emosional dari kedalaman psikologis gambar. Di dalam Fresco "Pengusiran dari Surga" sang seniman menyelesaikan tugas tersulit pada masanya untuk menggambarkan sosok manusia telanjang. Seni Masaccio yang keras dan berani berdampak besar pada budaya artistik Renaisans.

Perkembangan lukisan Renaisans Awal bersifat ambigu: para seniman berjalan sendiri-sendiri, terkadang dengan cara yang berbeda. Awal sekuler, keinginan akan narasi yang menarik, perasaan liris duniawi menemukan ekspresi yang hidup dalam karya Fra Filippo Lippi (1406-69), seorang biarawan dari ordo Karmelit. Tuan yang menawan, penulis banyak komposisi altar, di antaranya gambar dianggap yang terbaik « Adorasi Anak » dibuat untuk kapel di Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi berhasil menyampaikan kehangatan manusia dan kecintaan puitis pada alam di dalamnya.

Di pertengahan abad XV. lukisan Italia Tengah mengalami perkembangan pesat, contoh utama mana kreativitas dapat melayani Piero della Francesca(1420-92), seniman terhebat dan ahli teori seni Renaisans. Ciptaan paling luar biasa dari Piero della Francesca - siklus lukisan dinding di gereja San Francesco di Arezzo, yang didasarkan pada legenda Pohon Salib Pemberi Kehidupan. Lukisan dinding tiga tingkat menelusuri sejarah salib pemberi hidup sejak awal, ketika pohon suci tumbuh dari biji pohon surga pengetahuan tentang yang baik dan yang jahat di makam Adam ("Kematian Adam") sampai akhir, ketika kaisar Bizantium Heraclius dengan sungguh-sungguh mengembalikan relik Kristen ke Yerusalem (« Pertempuran antara Heraclius dan Chosroes » ). Karya Piero della Francesca melampaui sekolah seni lukis lokal dan menentukan perkembangan seni Italia secara umum.

Pada paruh kedua abad ke-15, banyak pengrajin berbakat bekerja di Italia utara di kota Verona, Ferrara, dan Venesia. Di antara para pelukis saat ini, yang paling terkenal adalah Andrea Mantegna (1431-1506) - master lukisan kuda-kuda dan monumental, juru gambar dan pemahat, pematung dan arsitek. Cara bergambar seniman dibedakan dengan pengejaran bentuk dan gambar, ketelitian dan kebenaran gambar umum. Berkat kedalaman spasial dan sifat pahatan dari figurnya, Mantegna mencapai kesan pemandangan nyata yang membeku sesaat - karakternya terlihat begitu banyak dan alami. Sebagian besar hidupnya Mantegna tinggal di Mantua, tempat ia menciptakan karya paling terkenalnya - lukisan dinding "Chamber degli Sposi" di kastil pedesaan Marquis L. Gonzaga. Hanya dengan melukis, ia menciptakan interior Renaisans yang mewah di sini, tempat resepsi seremonial dan liburan. Seni Mantegna, yang sangat terkenal, memengaruhi seluruh lukisan Italia utara.

Tempat khusus dalam lukisan Renaisans Awal adalah miliknya Sandro Botticelli(sebenarnya Alessandro di Mariano Filipepi), yang lahir pada tahun 1445 di Florence dalam keluarga seorang penyamak kulit yang kaya. Pada 1459-64. pemuda itu sedang belajar melukis dengan master Florentine terkenal Filippo Lippi. Pada 1470 ia membuka bengkelnya sendiri di Florence, dan pada 1472 ia menjadi anggota Persekutuan St.

Ciptaan pertama Botticelli adalah komposisi "Kekuatan", yang dia bawakan untuk istana pedagang di Florence. Artis muda itu dengan cepat mendapatkan kepercayaan dari pelanggan dan mendapatkan ketenaran, yang menarik perhatian Lorenzo the Magnificent, penguasa baru Florence, menjadi master istana dan favoritnya. Botticelli mengeksekusi sebagian besar lukisannya untuk rumah adipati dan keluarga bangsawan Florentine lainnya, serta untuk gereja, biara, dan bangunan umum di Florence.

Paruh kedua tahun 1470-an dan 1480-an bagi Botticelli menjadi periode pembungaan kreatif. Untuk fasad utama gereja Santa Maria Novella, ia menulis komposisi " Pemujaan orang Majus"- semacam mitologi potret kelompok keluarga Medici. Beberapa tahun kemudian, sang seniman menciptakan alegori mitologisnya yang terkenal "Musim Semi".

Pada tahun 1481, Paus Sixtus IV memerintahkan sekelompok pelukis, di antaranya adalah Botticelli, untuk menghiasi kapelnya dengan lukisan dinding, yang kemudian diberi nama "Sistine". Lukisan dinding di Kapel Sistina oleh Botticelli Pencobaan Kristus », « Adegan dari kehidupan Musa », « Hukuman Korea, Datan dan Aviron". Dalam beberapa tahun berikutnya, Botticelli menyelesaikan serangkaian 4 lukisan dinding berdasarkan cerita pendek dari Boccaccio's Decameron, menciptakan karya mitologinya yang paling terkenal ("The Birth of Venus", " Pallas dan Centaurus”), serta beberapa komposisi altar untuk gereja Florentine (“ Penobatan Perawan Maria », « Altar San Barnaba"). Berkali-kali dia beralih ke gambar Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna dengan buah delima », « Madonna dengan sebuah buku”), juga bekerja dalam genre potret (“ Potret Giuliano Medici”, “Potret seorang wanita muda”, “Potret seorang pria muda”).

Pada tahun 1490-an, selama periode gerakan sosial yang mengguncang Florence dan khotbah mistik biksu Savonarola, catatan moral dan drama muncul dalam seni Botticelli ("Fitnah", " Ratapan bagi Kristus », « natal mistis"). Di bawah pengaruh Savonarola, dalam rangka peninggian religius, sang seniman bahkan menghancurkan beberapa karyanya. Pada pertengahan 1490-an, dengan kematian Lorenzo the Magnificent dan pengusiran putranya Pietro dari Florence, Botticelli kehilangan ketenarannya sebagai seniman hebat. Terlupakan, dia diam-diam menjalani hidupnya di rumah saudara Simon. Pada 1510 artis itu meninggal.

Seni indah Botticelli dengan elemen stilisasi (yaitu generalisasi gambar menggunakan teknik konvensional - penyederhanaan warna, bentuk, dan volume) dianggap sebagai salah satu puncak perkembangan seni lukis. Seni Botticelli, tidak seperti kebanyakan master Renaisans awal, didasarkan pada pengalaman pribadi. Sangat sensitif dan tulus, Botticelli melewati jalan pencarian kreatif yang sulit dan tragis - dari persepsi puitis dunia di masa mudanya hingga mistisisme dan peninggian religius di masa dewasa.

KEBANGKITAN AWAL

KEBANGKITAN AWAL

Renaisans Tinggi

Renaisans Tinggi, yang memberi umat manusia tuan yang hebat seperti Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, mencakup periode waktu yang relatif singkat - akhir abad ke-15 dan sepertiga pertama abad ke-16. Hanya di Venesia, seni berkembang pesat hingga pertengahan abad ini.

Pergeseran mendasar yang terkait dengan peristiwa menentukan dalam sejarah dunia, keberhasilan pemikiran ilmiah maju, memperluas gagasan orang tentang dunia tanpa henti - tidak hanya tentang bumi, tetapi juga tentang ruang angkasa. persepsi dunia dan kepribadian manusia seolah membesar; dalam kreativitas artistik, hal ini tercermin tidak hanya dalam skala megah struktur arsitektur, monumen, siklus fresco dan lukisan yang khusyuk, tetapi juga dalam isinya, ekspresi gambar. Seni Renaisans Tinggi adalah proses artistik yang hidup dan kompleks dengan kebangkitan yang menyilaukan dan krisis berikutnya.

Donato Bramante.

Roma menjadi pusat arsitektur Renaisans Tinggi, di mana satu gaya klasik dibentuk berdasarkan penemuan dan kesuksesan sebelumnya. Para master secara kreatif menggunakan sistem tatanan kuno, menciptakan struktur, monumentalitas agung yang selaras dengan zaman. Donato Bramante (1444-1514) menjadi perwakilan terbesar dari arsitektur High Renaissance. Bangunan Bramante dibedakan oleh monumentalitas dan kemegahan, kesempurnaan proporsi yang harmonis, integritas dan kejelasan solusi komposisi dan spasial, dan penggunaan bentuk klasik yang bebas dan kreatif. paling atas pencapaian kreatif Bramante adalah rekonstruksi Vatikan (arsitek sebenarnya membuat bangunan baru, secara organik termasuk bangunan tua yang tersebar di dalamnya). Bramante juga menulis desain Katedral Santo Petrus di Roma. Dengan karyanya, Bramante menentukan perkembangan arsitektur pada abad ke-16.

Leonardo da Vinci.

Dalam sejarah umat manusia, tidak mudah menemukan orang lain yang secemerlang pendiri seni Renaisans Tinggi. Leonardo da Vinci(1452-1519). Sifat komprehensif dari aktivitas seniman, pematung, arsitek, ilmuwan, dan insinyur hebat ini menjadi jelas hanya ketika manuskrip yang tersebar dari warisannya diperiksa, berjumlah lebih dari tujuh ribu lembar yang berisi proyek ilmiah dan arsitektur, penemuan, dan sketsa. Sulit untuk menyebutkan bidang pengetahuan yang tidak akan disentuh oleh kejeniusannya. Universalisme Leonardo begitu tidak dapat dipahami sehingga penulis biografi terkenal dari tokoh Renaisans, Giorgio Vasari, tidak dapat menjelaskan fenomena ini selain dengan campur tangan surga: "Apa pun yang dilakukan pria ini, setiap tindakannya memiliki cap ketuhanan."

Dalam "Treatise on Painting" (1498) dan catatan lainnya yang terkenal, Leonardo menaruh perhatian besar pada studi tentang tubuh manusia, informasi tentang anatomi, proporsi, hubungan antara gerakan, ekspresi wajah, dan keadaan emosi seseorang. Leonardo juga sibuk dengan masalah chiaroscuro, pemodelan volumetrik, perspektif linier dan udara. Leonardo memberikan penghormatan tidak hanya pada teori seni. Dia menciptakan sejumlah altar dan potret yang megah. Kuas Leonardo milik salah satu karya seni lukis paling terkenal di dunia - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo menciptakan gambar pahatan monumental, merancang dan membangun struktur arsitektur. Leonardo tetap menjadi salah satu kepribadian paling karismatik di zaman Renaisans hingga hari ini. Sejumlah besar buku dikhususkan untuknya, hidupnya dipelajari dengan cara yang paling detail. Dan, bagaimanapun, banyak karyanya tetap menjadi misteri dan terus menggairahkan pikiran orang.

Rafael Santi.

Seni Raphael Santi (1483-1520) juga termasuk dalam puncak Renaisans Italia. Ide keindahan dan harmoni yang luhur dikaitkan dengan karya Raphael dalam sejarah seni dunia. Secara umum diterima bahwa dalam konstelasi master brilian dari High Renaissance, Raphael-lah yang menjadi pembawa utama harmoni. Perjuangan tanpa henti untuk awal yang cerah dan sempurna meresapi semua karya Raphael, membentuk makna batinnya. Karyanya luar biasa menarik dalam keanggunan alaminya (" Sistin Madonna"). Mungkin itulah sebabnya sang master mendapatkan popularitas yang luar biasa di mata publik dan memiliki banyak pengikut di antara artis setiap saat. Raphael bukan hanya seorang pelukis, pelukis potret yang luar biasa, tetapi juga seorang muralis yang bekerja dalam teknik fresco, seorang arsitek, dan seorang dekorator. Semua bakat ini dimanifestasikan dengan kekuatan khusus dalam lukisannya di apartemen Paus Julius II di Vatikan (" Sekolah Athena"). Dalam seni artis brilian gambar baru seorang pria Renaisans lahir - cantik, harmonis, sempurna secara fisik dan spiritual.

Michelangelo Buonarotti.

Kontemporer Leonardo da Vinci dan Rafael adalah saingan abadi mereka - Michelangelo Buonarroti, master terhebat dari High Renaissance - pematung, pelukis, arsitek, dan penyair. Milikku cara kreatif titan kebangkitan ini dimulai dengan seni pahat. Patung kolosalnya telah menjadi simbol manusia baru - pahlawan dan pejuang ("David"). Sang master mendirikan banyak struktur arsitektur dan pahatan, yang paling terkenal adalah Kapel Medici di Florence. Kemegahan karya-karya ini dibangun di atas ketegangan kolosal dari perasaan para tokohnya ( Sarkofagus Giuliano de' Medici). Tapi yang paling terkenal adalah lukisan karya Michelangelo di Vatikan, di Kapel Sistina, di mana dia membuktikan dirinya sebagai pelukis yang brilian. Mungkin tidak ada seorang pun di dunia seni, baik sebelum maupun sesudah Michelangelo, yang menciptakan karakter yang begitu kuat dalam tubuh dan jiwa (“ Penciptaan Adam"). Lukisan dinding yang besar dan sangat rumit di langit-langit dibuat oleh senimannya sendiri, tanpa asisten; hingga hari ini tetap menjadi karya monumental lukisan Italia yang tak tertandingi. Namun selain mural langit-langit Kapel Sistina, sang master, yang sudah di usia tuanya, menciptakan "Penghakiman Terakhir" yang sangat inspiratif - simbol runtuhnya cita-cita di zamannya yang agung.

Michelangelo banyak bekerja dan berhasil dalam arsitektur, khususnya, dia mengawasi pembangunan Katedral Santo Petrus dan ansambelnya Alun-alun Capitol di Roma. Karya Michelangelo yang agung merupakan seluruh era dan jauh di depan pada masanya, ia memainkan peran kolosal dalam seni dunia, khususnya memengaruhi pembentukan prinsip-prinsip Barok.

Giorgione dan Titian.

Dalam sejarah seni Renaisans Tinggi, Venesia memasuki halaman yang cerah, di mana seni lukis berada pada puncaknya. Giorgione dianggap sebagai master pertama High Renaissance di Venesia. Karya seninya sangat istimewa. Semangat keharmonisan yang jelas dan beberapa perenungan dan lamunan intim khusus berkuasa di dalamnya. Dia sering menulis keindahan yang menyenangkan, dewi sejati. Biasanya ini adalah fiksi puitis - perwujudan mimpi pipa, kekaguman akan perasaan romantis dan wanita cantik. Dalam lukisannya ada sedikit gairah sensual, kesenangan manis, kebahagiaan yang tidak wajar. Dengan seni Giorgione, lukisan Venesia memperoleh arti penting Italia, menegaskan fitur artistiknya.

Titian masuk turun dalam sejarah seni Italia sebagai titan dan kepala sekolah Venesia, sebagai simbol masa kejayaannya. Dalam karya seniman ini, nafas era baru dimanifestasikan dengan kekuatan khusus - badai, tragis, sensual. Karya Titian dibedakan oleh cakupan jenis dan genre lukisan yang sangat luas dan serbaguna. Titian adalah salah satu pendiri lukisan altar monumental, lanskap as genre mandiri, berbagai jenis potret, termasuk khidmat-seremonial. Dalam pekerjaannya gambar yang sempurna berdampingan dengan karakter yang cerah, konflik tragis - dengan adegan kegembiraan yang meriah, komposisi religius - dengan lukisan mitologis dan sejarah.

Titian mengembangkan teknik melukis baru yang memiliki pengaruh luar biasa pada perkembangan seni rupa dunia lebih lanjut, hingga abad ke-20. Titian adalah salah satu pewarna terhebat di dunia seni lukis. Lukisannya bersinar dengan emas dan rangkaian nada warna bercahaya yang kompleks. Titian, yang hidup selama hampir seabad, selamat dari keruntuhan cita-cita Renaisans, karya masternya termasuk setengah dari Renaisans Akhir. Pahlawannya, yang memasuki pertarungan melawan kekuatan musuh, mati, tetapi mempertahankan kehebatannya. Pengaruh bengkel besar Titian memengaruhi semua seni Venesia.

KEBANGKITAN TINGGI

KEBANGKITAN TINGGI

Renaisans akhir

Di paruh kedua abad XVI. di Italia, penurunan ekonomi dan perdagangan tumbuh, Katolik memasuki perjuangan dengan budaya humanistik, seni berada dalam krisis yang dalam. Itu memperkuat kecenderungan anti-Renaisans, yang diwujudkan dalam tingkah laku. Namun, Mannerisme hampir tidak mempengaruhi Venesia, yang pada paruh kedua abad ke-16 menjadi pusat utama seni Renaisans Akhir. Sejalan dengan tradisi Renaisans humanistik yang tinggi, dalam kondisi sejarah baru di Venesia, karya para master besar Renaisans Akhir, diperkaya dengan bentuk-bentuk baru, dikembangkan - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Paladio

Karya arsitek Italia utara Andrea Palladio (1508-80), berdasarkan studi mendalam tentang arsitektur kuno dan Renaisans, adalah salah satu puncak seni Renaisans Akhir. Palladio mengembangkan prinsip-prinsip arsitektur, yang dikembangkan dalam arsitektur klasisisme Eropa abad 17-18. dan menerima nama Palladianisme. Arsitek menguraikan idenya dalam karya teoretis Four Books on Architecture (1570). Bangunan Palladio (terutama istana dan vila kota) penuh dengan keindahan dan kealamian yang anggun, kelengkapan yang harmonis dan ketertiban yang ketat, dibedakan oleh kejelasan dan kelayakan perencanaan dan hubungan organik dengan lingkungan ( Palazzo Chiericati). Kemampuan untuk menyelaraskan arsitektur dengan lanskap sekitarnya memanifestasikan dirinya dengan kekuatan khusus di vila-vila Palladio, dijiwai dengan rasa alam yang elegi dan tercerahkan dan ditandai dengan kejernihan klasik dan kesederhanaan bentuk dan komposisi ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio menciptakan bangunan teater monumental pertama di Italia, Teatro Olimpico. Pengaruh Palladio terhadap perkembangan arsitektur pada abad-abad berikutnya sangat besar.

Veronese dan Tintoretto..

Sifat Renaisans Venesia yang meriah dan meneguhkan hidup paling jelas terlihat dalam karya Paolo Veronese. Seorang seniman monumental, ia menciptakan ansambel lukisan dinding dan langit-langit dekoratif yang luar biasa dengan banyak karakter dan detail yang menghibur. Veronese dibuat gaya sendiri: lukisannya yang spektakuler dan spektakuler penuh dengan emosi, gairah dan kehidupan, dan para pahlawan, bangsawan Venesia, biasanya ditempatkan di istana bangsawan atau dengan latar belakang alam yang mewah. Mereka terbawa oleh pesta megah atau pesta yang mempesona ("Pernikahan di Kana"). Veronese adalah penguasa Venesia yang ceria, kemenangannya, penyair kecemerlangan emasnya. Veronese memiliki bakat luar biasa sebagai pewarna. Warnanya diresapi dengan cahaya, intens dan tidak hanya memberi warna pada objek, tetapi mereka sendiri berubah menjadi objek, berubah menjadi awan, kain, tubuh manusia. Karenanya, keindahan nyata dari figur dan objek dikalikan dengan keindahan warna dan tekstur, yang menghasilkan dampak emosional yang kuat bagi yang melihatnya.

Kebalikan dari Veronese adalah Tintoretto kontemporernya (1518-94) - master besar terakhir dari Renaisans Italia. Kelimpahan pengaruh artistik eksternal larut dalam individualitas kreatif Tintoretto yang unik. Dalam karyanya, dia adalah sosok raksasa, pencipta temperamen vulkanik, nafsu kekerasan, dan intensitas heroik. Karyanya sukses besar baik di kalangan orang sezaman maupun generasi selanjutnya. Tintoretto dibedakan oleh kemampuan yang benar-benar tidak manusiawi untuk bekerja, pencarian tanpa lelah. Dia merasakan tragedi pada masanya lebih tajam dan lebih dalam dari kebanyakan orang sezamannya. Sang master memberontak melawan tradisi mapan dalam seni visual - ketaatan pada simetri, keseimbangan yang ketat, statis; memperluas batas ruang, menjenuhkannya dengan dinamika, aksi dramatis, mulai mengekspresikan perasaan manusia dengan lebih jelas. 1590 . Seni Mannerisme berangkat dari cita-cita Renaisans tentang persepsi dunia yang harmonis. Manusia berada di bawah kekuasaan kekuatan supranatural. Dunia tampak tidak stabil, goyah, dalam keadaan membusuk. Citra tata krama penuh dengan kecemasan, kegelisahan, ketegangan. Seniman menjauh dari alam, berusaha untuk mengunggulinya, mengikuti karyanya yang subyektif " gagasan batin”, yang dasarnya bukanlah dunia nyata, tetapi imajinasi kreatif; sarana pertunjukan adalah "cara yang indah" sebagai gabungan dari teknik-teknik tertentu. Diantaranya adalah pemanjangan figur yang sewenang-wenang, ritme ular yang rumit, ketidaknyataan ruang dan cahaya yang fantastis, dan terkadang warna yang menusuk dingin.

Jacopo Pontormo (1494-1556) adalah master tingkah laku terbesar dan paling berbakat, seorang pelukis takdir kreatif yang kompleks. Dalam lukisannya yang terkenal Turun dari Salib» komposisinya tidak stabil, figurnya patah-patah, warna terangnya tajam. Francesco Mazzola, dijuluki Parmigianino (1503-40) suka membuat penonton terkesan: misalnya, dia menulis " Potret diri di cermin cembung". Kesengajaan yang disengaja membedakan lukisannya yang terkenal " Madonna dengan leher panjang ».

Pelukis pengadilan Medici Agnolo Bronzino (1503-72) dikenal karena potret seremonialnya. Mereka menggemakan era kekejaman berdarah dan kemerosotan moral yang melanda kalangan tertinggi masyarakat Italia. Pelanggan bangsawan Bronzino, seolah-olah, dipisahkan dari penonton oleh jarak yang tak terlihat; kekakuan pose mereka, ketidakpasifan wajah mereka, kekayaan pakaian mereka, gerakan tangan depan mereka yang indah - semua ini seperti kulit luar yang menyembunyikan kehidupan cacat batin. Dalam potret Eleanor dari Toledo dengan putranya (c. 1545), gambar yang dingin dan menyendiri yang tidak dapat diakses diperkuat oleh fakta bahwa perhatian pemirsa sepenuhnya terserap oleh pola datar besar dari pakaian brokat bangsawan yang megah. Jenis potret istana yang dibuat oleh Mannerists memengaruhi seni potret abad 16-17. di banyak negara Eropa lainnya.

Seni tingkah laku bersifat transisi: Renaisans memudar ke masa lalu, waktunya telah tiba untuk pan-Eropa baru gaya artistik- barok.

Seni Renaisans Utara.

Negara-negara Eropa Utara tidak memiliki masa lalu kuno, tetapi periode Renaisans menonjol dalam sejarah mereka: dari belokanXV – XVIuntuk babak keduaXVIIabad. Kali ini dibedakan dengan penetrasi cita-cita Renaisans ke berbagai bidang budaya dan perubahan bertahap dalam gayanya. Seperti di tempat kelahiran Renaisans, dalam seni Renaisans Utara, minat pada dunia nyata mengubah bentuk seni. Namun, seni negara-negara utara tidak dicirikan oleh kesedihan lukisan Italia, yang mengagungkan kekuatan man-titan. Para burghers (yang disebut warga kota kaya) lebih menghargai integritas, kesetiaan pada tugas dan perkataan, kesucian sumpah perkawinan dan perapian. Di kalangan pencuri, cita-cita mereka sendiri tentang seseorang sedang berkembang - jelas, sadar, saleh, dan lugas. Seni para burghers puitis orang biasa dan dunianya - dunia kehidupan sehari-hari dan hal-hal sederhana.

Master Renaisans di Belanda.

Ciri-ciri baru seni Renaisans muncul terutama di Belanda, yang merupakan salah satu negara terkaya dan terindustrialisasi di Eropa. Karena koneksi internasionalnya yang luas, Belanda mengadopsi penemuan-penemuan baru jauh lebih cepat daripada negara-negara Nordik lainnya.

Gaya Renaisans di Belanda dibuka Jan Van Eyck(1390-1441). Karyanya yang paling terkenal adalah Altar Ghent, di mana artis mulai bekerja dengan saudara laki-lakinya, dan terus bekerja sendiri setelah kematiannya selama 6 tahun. Altar Ghent, dibuat untuk katedral kota, adalah lipatan dua tingkat, di atas 12 papan di antaranya terdapat gambar kehidupan sehari-hari (di papan luar, yang terlihat saat lipatan ditutup) dan meriah, gembira, berubah rupa hidup (di pintu bagian dalam, yang tampak terbuka selama hari libur gereja). Ini adalah monumen seni yang mengagungkan keindahan kehidupan duniawi. Perasaan emosional Van Eyck - "dunia ini seperti surga", yang setiap partikelnya indah - diekspresikan dengan jelas dan jelas. Seniman mengandalkan banyak pengamatan dari alam. Semua figur dan objek memiliki volume dan berat tiga dimensi. Van Eyck bersaudara adalah orang pertama yang menemukan kemungkinan lukisan cat minyak; mulai saat ini, perpindahan tempera secara bertahap dimulai.

Di paruh kedua XVabad, penuh perselisihan politik dan agama, dalam seni Belanda, seni yang kompleks dan khas menonjol Hieronymus Bosch(1450?-1516). Ini adalah seniman yang sangat ingin tahu dengan imajinasi yang luar biasa. Dia hidup di dunianya sendiri dan mengerikan. Dalam lukisan Bosch terdapat kondensasi representasi cerita rakyat abad pertengahan, montase aneh dari yang hidup dan yang mekanis, yang mengerikan dan yang lucu. Dalam komposisinya yang tidak memiliki pusat, tidak ada tokoh utama. Ruang dalam beberapa lapisan diisi dengan banyak kelompok figur dan objek: reptil yang sangat dibesar-besarkan, kodok, laba-laba, makhluk mengerikan yang menggabungkan bagian-bagian dari berbagai makhluk dan objek. Tujuan komposisi Bosch adalah membangun moral. Bosch tidak menemukan harmoni dan kesempurnaan di alam, gambaran iblisnya mengingatkan pada vitalitas dan kemahahadiran kejahatan dunia, siklus hidup dan mati.

Pria dalam lukisan Bosch itu menyedihkan dan lemah. Jadi, di triptych Pengangkutan jerami» artis mengungkap sejarah umat manusia. Sayap kiri menceritakan kisah kejatuhan Adam dan Hawa, sayap kanan menggambarkan Neraka dan semua kengerian yang menanti para pendosa di sini. Bagian tengah gambar mengilustrasikan pepatah rakyat "Dunia adalah tumpukan jerami, setiap orang mengambil darinya apa yang berhasil dia ambil." Bosch menunjukkan bagaimana orang berjuang untuk sepetak jerami, mati di bawah roda gerobak, mencoba memanjatnya. Di atas gerobak, meninggalkan dunia, kekasih bernyanyi dan berciuman. Di satu sisi mereka adalah malaikat, dan di sisi lain, iblis: siapa yang akan menang? Makhluk menyeramkan menyeret gerobak ke dunia bawah. Di balik semua tindakan manusia, Tuhan terlihat bingung. Suasana yang lebih suram dijiwai dengan gambar " Memikul Salib”: Kristus memikul salibnya yang berat, dikelilingi oleh orang-orang yang menjijikkan dengan mata melotot dan mulut menganga. Demi mereka Tuhan mengorbankan dirinya sendiri, tetapi kematiannya di kayu salib akan membuat mereka acuh tak acuh.

Bosch telah meninggal ketika artis Belanda terkenal lainnya lahir - Pieter Brueghel yang Tua(1525-1569), julukan Muzhitsky untuk banyak lukisan yang menggambarkan kehidupan petani. Brueghel mengambil peribahasa rakyat dan kekhawatiran sehari-hari orang biasa sebagai dasar dari banyak plot. Kelengkapan gambar lukisan" pernikahan petani" Dan " tarian petani“membawa kekuatan elemen rakyat. Bahkan lukisan-lukisan Brueghel tentang adegan-adegan alkitabiah dihuni oleh Belanda, dan peristiwa-peristiwa di Yudea yang jauh terjadi dengan latar belakang jalan-jalan yang tertutup salju di bawah langitnya yang redup. tanah air (« Khotbah Yohanes Pembaptis"). Menampilkan yang tampaknya tidak penting, minor, artis berbicara tentang hal utama dalam kehidupan masyarakat, menciptakan kembali semangat pada masanya.

Sebuah kanvas kecil Pemburu di salju” (Januari) dari serial "The Seasons" dianggap sebagai salah satu mahakarya seni lukis dunia yang tak tertandingi. Pemburu yang lelah dengan anjing kembali ke rumah. Bersama mereka, penonton memasuki bukit, dari mana panorama kota kecil terbuka. Tepian sungai yang tertutup salju, pohon berduri membeku di udara dingin yang jernih, burung terbang, hinggap di dahan pohon dan atap rumah, orang-orang sibuk dengan aktivitas sehari-hari. Semua hal yang tampaknya sepele ini, bersama dengan langit biru, pepohonan hitam, salju putih, menciptakan panorama dunia dalam gambar yang sangat disukai seniman.

Lukisan Brueghel yang paling tragis Perumpamaan tentang Orang Buta"Ditulis oleh seniman sesaat sebelum kematiannya. Dia mengilustrasikan cerita injil"Jika orang buta menuntun orang buta, keduanya akan jatuh ke dalam lobang." Mungkin ini gambaran kemanusiaan, dibutakan oleh keinginannya, bergerak menuju kematiannya. Namun, Brueghel tidak menilai, tetapi memahami hukum hubungan orang satu sama lain, dengan lingkungan, menembus esensi kodrat manusia, mengungkapkan kepada manusia itu sendiri, tempat mereka di dunia.

Lukisan di Jerman selama Renaisans.

Ciri-ciri Renaisans dalam seni Jerman muncul lebih belakangan daripada di Belanda. Masa kejayaan humanisme Jerman, ilmu sekuler dan budaya jatuh pada tahun-tahun pertamaXVIV . Itu adalah periode singkat di mana budaya Jerman memberi dunia nilai seni tertinggi. Pertama-tama, mereka harus menyertakan karya Albrecht Durer(1471-1528) - artis paling penting dari Renaisans Jerman.

Durer adalah perwakilan khas Renaisans, dia adalah seorang pelukis, pengukir, ahli matematika, dan seorang insinyur, dia menulis risalah tentang fortifikasi dan teori seni. Pada potret diri dia tampak cerdas, mulia, terkonsentrasi, penuh dengan refleksi filosofis yang dalam. Dalam lukisannya, Dürer tidak puas dengan keindahan formal, tetapi berusaha memberikan ekspresi simbolis dari pemikiran abstrak.

Tempat khusus dalam warisan kreatif Dürer adalah milik seri Apocalypse, yang mencakup 15 potongan kayu besar. Dürer mengilustrasikan prediksi dari "Wahyu John the Theologian", misalnya lembar " empat penunggang kuda"melambangkan bencana yang mengerikan - perang, wabah penyakit, kelaparan, penghakiman yang tidak benar. Firasat perubahan, cobaan berat dan bencana, yang diekspresikan dalam ukiran, ternyata bersifat profetik (Reformasi dan Perang Tani dan agama yang mengikutinya segera dimulai).

Artis hebat lainnya saat itu adalah Lucas Cranach yang Lebih Tua(1472-1553). The Hermitage menyimpan lukisannya Madonna dan Anak di bawah Pohon Apel" Dan " Potret wanita". Di dalamnya kita melihat wajah seorang wanita, terekam dalam banyak lukisan master (bahkan disebut "Cranach"): dagu kecil, celah mata yang sempit, rambut keemasan. Seniman itu dengan hati-hati menulis perhiasan dan pakaian, lukisannya memanjakan mata. Kemurnian dan kenaifan gambar sekali lagi membuat Anda mengintip lukisan-lukisan ini. Cranach adalah seorang pelukis potret yang luar biasa, dia menciptakan gambar dari banyak orang sezaman yang terkenal - Martin Luther (yang merupakan temannya), Adipati Henry dari Saxony, dan banyak lainnya.

Tetapi pelukis potret paling terkenal dari Renaisans Utara tidak diragukan lagi dapat dikenali sebagai pelukis Jerman lainnya. Hans Holbein yang Lebih Muda (1497-1543). Untuk waktu yang lama dia adalah pelukis istana raja Inggris HenryVIII. Dalam potretnya, Holbein dengan sempurna menyampaikan sifat angkuh raja, yang tidak terbiasa dengan keraguan. Mata cerdas kecil di wajah berdaging mengkhianati seorang tiran dalam dirinya. Potret Heinrich VIII sangat dapat diandalkan sehingga dia membuat takut orang-orang yang mengenal raja. Holbein melukis potret banyak orang terkenal pada masa itu, khususnya negarawan dan penulis Thomas More, filsuf Erasmus dari Rotterdam, dan banyak lainnya.

Perkembangan budaya Renaisans di Jerman, Belanda, dan beberapa negara Eropa lainnya terganggu oleh Reformasi dan perang agama yang mengikutinya. Setelah itu, tibalah saatnya pembentukan prinsip-prinsip baru dalam seni rupa, yang memasuki tahap perkembangan selanjutnya.

Sergey Khromov

Meskipun tidak ada satu pun kota ideal yang terwujud dalam batu, gagasan mereka menemukan kehidupan di dalamnya kota nyata Renaisans...

Lima abad memisahkan kita dari periode ketika para arsitek pertama kali menangani masalah pembangunan kembali kota. Dan pertanyaan yang sama ini mendesak kita hari ini: bagaimana cara membuat kota baru? Bagaimana cara membangun kembali yang lama - agar sesuai dengan ansambel terpisah ke dalamnya atau menghancurkan dan membangun kembali semuanya? Dan yang paling penting - ide apa yang harus diletakkan di kota baru?

Para ahli Renaisans mewujudkan gagasan-gagasan yang telah terdengar dalam budaya dan filsafat kuno: gagasan humanisme, keharmonisan alam dan manusia. Orang-orang kembali beralih ke impian Platon tentang negara bagian yang ideal dan kota yang ideal. Citra baru kota lahir pertama sebagai citra, sebagai formula, sebagai gagasan, yang merupakan klaim berani untuk masa depan - seperti banyak penemuan lain dari Quattrocento Italia.

Pembangunan teori kota terkait erat dengan studi tentang warisan zaman kuno dan, di atas segalanya, seluruh risalah "Sepuluh Buku tentang Arsitektur" oleh Mark Vitruvius (paruh kedua abad ke-1 SM), seorang arsitek dan insinyur di pasukan Julius Caesar. Risalah ini ditemukan pada tahun 1427 di salah satu biara. Otoritas Vitruvius ditekankan oleh Alberti, Palladio, Vasari. Penikmat terbesar Vitruvius adalah Daniele Barbaro, yang pada tahun 1565 menerbitkan risalahnya dengan komentar-komentarnya. Dalam sebuah karya yang didedikasikan untuk Kaisar Augustus, Vitruvius merangkum pengalaman arsitektur dan tata kota di Yunani dan Roma. Dia menganggap sudah pertanyaan klasik pemilihan area yang menguntungkan untuk pendirian kota, penempatan alun-alun dan jalan kota utama, tipologi bangunan. Dari sudut pandang estetika, Vitruvius menyarankan kepatuhan pada pentahbisan (mengikuti tatanan arsitektural), perencanaan yang masuk akal, mengamati keseragaman ritme dan keteraturan, simetri dan proporsionalitas, kesesuaian bentuk dengan tujuan, dan distribusi sumber daya. Vitruvius sendiri tidak meninggalkan citra kota yang ideal, tetapi banyak arsitek Renaisans (Cesare Cesarino, Daniele Barbaro, dll.) Membuat peta kota yang mencerminkan idenya. Salah satu ahli teori Renaisans pertama adalah Florentine Antonio Averlino, yang dijuluki Filarete. Risalahnya sepenuhnya dikhususkan untuk masalah kota ideal, dirancang dalam bentuk novel dan menceritakan tentang pembangunan kota baru - Sforzinda. Teks Filarete disertai dengan banyak denah dan gambar kota dan bangunan individu.

Dalam perencanaan kota Renaisans, teori dan praktik berkembang secara paralel. Bangunan baru sedang dibangun dan yang lama sedang dibangun kembali, ansambel arsitektur sedang dibentuk dan risalah sedang ditulis pada saat yang sama, didedikasikan untuk arsitektur, merencanakan dan membentengi kota. Diantaranya adalah karya terkenal Alberti dan Palladio, skema kota yang ideal Filarete, Scamozzi, dan lainnya. Ide penulis jauh di depan kebutuhan konstruksi praktis: mereka menggambarkan bukan proyek siap pakai yang dapat digunakan untuk merencanakan kota tertentu, tetapi ide yang digambarkan secara grafis, konsep kota. Penalaran tentang letak kota dari sudut pandang ekonomi, kebersihan, pertahanan, estetika diberikan. Pencarian sedang dilakukan untuk rencana optimal untuk area perumahan dan pusat kota, kebun dan taman. Pertanyaan tentang komposisi, harmoni, keindahan, proporsi dipelajari. Dalam konstruksi ideal ini, perencanaan kota dicirikan oleh rasionalisme, kejelasan geometris, komposisi sentris, dan harmoni antara keseluruhan dan bagian. Dan, terakhir, yang membedakan arsitektur Renaisans dari era lain adalah orang yang berdiri di tengah, di jantung semua konstruksi ini. Perhatian terhadap kepribadian manusia begitu besar bahkan struktur arsitektur pun disamakan tubuh manusia sebagai standar proporsi dan kecantikan yang sempurna.

Teori

Di tahun 50-an abad XV. Risalah "Sepuluh Buku tentang Arsitektur" oleh Leon Alberti muncul. Itu, pada dasarnya, karya teoretis pertama dari era baru tentang topik ini. Ini menangani banyak masalah perencanaan kota, mulai dari pemilihan lokasi dan perencanaan kota hingga tipologi dan dekorasi bangunan. Yang menarik adalah argumennya tentang kecantikan. Alberti menulis bahwa "keindahan adalah keharmonisan proporsional yang ketat dari semua bagian, disatukan oleh miliknya - sedemikian rupa sehingga tidak ada yang dapat ditambahkan, dikurangi, atau diubah tanpa memperburuknya." Nyatanya, Alberti adalah orang pertama yang memproklamasikan prinsip-prinsip dasar ansambel perkotaan Renaisans, yang menghubungkan rasa kuno tentang proporsi dengan permulaan era baru yang rasionalistik. Rasio tinggi bangunan dengan ruang yang terletak di depannya (dari 1:3 hingga 1:6), konsistensi skala arsitektur bangunan utama dan sekunder, keseimbangan komposisi dan tidak adanya kontras disonan - ini adalah prinsip estetika perencana kota Renaisans.

Kota yang ideal menggairahkan banyak orang hebat di zaman itu. Memikirkan tentang dia dan Leonardo da Vinci. Idenya adalah untuk menciptakan kota dua tingkat: tingkat atas ditujukan untuk pejalan kaki dan jalan permukaan, dan yang lebih rendah untuk terowongan dan kanal yang terhubung dengan ruang bawah tanah rumah, yang dilalui angkutan barang. Dikenal karena rencananya untuk membangun kembali Milan dan Florence, serta proyek kota poros.

Ahli teori kota terkemuka lainnya adalah Andrea Palladio. Dalam risalahnya "Empat Buku tentang Arsitektur", ia merefleksikan integritas organisme perkotaan dan hubungan elemen spasialnya. Dia mengatakan bahwa "kota itu tidak lain adalah sesuatu yang pasti rumah besar, dan sebaliknya, rumah itu semacam kota kecil. Tentang ansambel perkotaan, dia menulis: “Keindahan adalah hasil dari bentuk yang indah dan korespondensi keseluruhan dengan bagian-bagian, bagian-bagian satu sama lain, dan juga bagian-bagian dengan keseluruhan. Tempat yang menonjol dalam risalah diberikan pada interior bangunan, dimensi dan proporsinya. Palladio mencoba menghubungkan ruang luar jalan secara organik dengan interior rumah dan halaman.

Menjelang akhir abad ke-16. banyak ahli teori tertarik dengan masalah ruang ritel dan benteng. Jadi, Giorgio Vasari Jr. di kota idamannya menaruh banyak perhatian pada pengembangan alun-alun, arena perbelanjaan, loggia, palazzo. Dan dalam proyek Vicenzo Scamozzi dan Buanayuto Lorrini, isu seni benteng menempati tempat yang signifikan. Ini adalah tanggapan terhadap urutan waktu - dengan penemuan peluru peledak, dinding dan menara benteng digantikan oleh benteng tanah, diambil dari batas kota, dan kota mulai menyerupai bintang multi-balok dalam garis besarnya . Ide-ide ini diwujudkan dalam benteng Palmanova yang sebenarnya dibangun, yang penciptaannya dikaitkan dengan Scamozzi.

Praktik

Meskipun tidak ada satu pun kota ideal yang diwujudkan dalam batu, kecuali kota-kota benteng kecil, banyak prinsip pembangunannya yang diwujudkan dalam kenyataan pada abad ke-16. Pada saat itu, di Italia dan negara-negara lain, jalan lebar lurus diletakkan, menghubungkan elemen-elemen penting dari ansambel perkotaan, alun-alun baru dibuat, yang lama dibangun kembali, dan kemudian muncul taman dan ansambel istana dengan struktur biasa.

Kota Ideal oleh Antonio Filarete Kota itu berbentuk bintang segi delapan, dibentuk oleh persimpangan pada sudut 45 ° dari dua bujur sangkar yang sama dengan sisi 3,5 km. Di tonjolan bintang ada delapan menara bundar, dan di "kantong" - delapan gerbang kota. Gerbang dan menara dihubungkan ke pusat oleh jalan radial, beberapa di antaranya merupakan jalur pelayaran. Di bagian tengah kota, di atas bukit, ada alun-alun persegi panjang utama, di sisi pendeknya akan ditempatkan istana pangeran dan katedral kota, dan di sisi panjang - lembaga peradilan dan kota. Di tengah alun-alun ada kolam dan menara pengawas. Dua lainnya berdampingan dengan alun-alun utama, dengan rumah-rumah penduduk kota yang paling terkemuka. Enam belas kotak lagi terletak di persimpangan jalan radial dengan jalan lingkar: delapan pusat perbelanjaan dan delapan untuk pusat paroki dan gereja.

Terlepas dari kenyataan bahwa seni Renaisans cukup bertentangan dengan seni Abad Pertengahan, seni itu dengan mudah dan organik cocok dengan kota-kota abad pertengahan. Dalam kegiatan praktisnya, para arsitek Renaisans menggunakan prinsip "membangun yang baru tanpa merusak yang lama". Mereka berhasil menciptakan ansambel yang sangat harmonis tidak hanya dari bangunan dengan gaya yang sama, seperti yang dapat dilihat di alun-alun Annuziata di Florence (dirancang oleh Filippo Brunelleschi) dan Capitol di Roma (dirancang oleh Michelangelo), tetapi juga menggabungkan bangunan dari waktu yang berbeda menjadi satu komposisi. Jadi, di alun-alun St. Mark di Venesia, bangunan abad pertengahan digabungkan menjadi ansambel arsitektur dan spasial dengan bangunan baru abad ke-16. Dan di Florence, dari Piazza della Signoria dengan Palazzo Vecchio abad pertengahan, Jalan Uffizi, yang dirancang oleh Giorgio Vasari, mengikuti secara harmonis. Selain itu, ansambel Katedral Florentine Santa Maria del Fiore (rekonstruksi Brunelleschi) dengan sempurna menggabungkan tiga gaya arsitektur sekaligus: Romawi, Gotik, dan Renaisans.

Kota Abad Pertengahan dan kota Renaisans

Kota ideal Renaisans muncul sebagai semacam protes terhadap Abad Pertengahan, yang diekspresikan dalam pengembangan prinsip-prinsip tata kota kuno. Berbeda dengan kota abad pertengahan, yang dianggap sebagai sejenis, meskipun tidak sempurna, seperti "Yerusalem Surgawi", perwujudan bukan manusia, tetapi rencana ilahi, kota Renaisans diciptakan oleh pencipta manusia. Manusia tidak hanya menyalin apa yang sudah ada, ia menciptakan sesuatu yang lebih sempurna dan melakukannya sesuai dengan "matematika ketuhanan". Kota Renaisans diciptakan untuk manusia dan harus sesuai dengan tatanan dunia duniawi, struktur sosial, politik, dan kesehariannya yang nyata.

Kota abad pertengahan dikelilingi oleh tembok yang kuat, dipagari dari dunia, rumahnya lebih seperti benteng dengan sedikit celah. Kota Renaisans terbuka, tidak membela diri dari dunia luar, mengontrolnya, menaklukkannya. Dinding bangunan, pembatas, menyatukan ruang jalan dan alun-alun dengan halaman dan kamar. Mereka permeabel - mereka memiliki banyak bukaan, arcade, barisan tiang, jalan masuk, jendela.

Jika kota abad pertengahan adalah penempatan volume arsitektur, maka kota Renaisans sebagian besar merupakan distribusi ruang arsitektur. Pusat kota baru bukanlah bangunan katedral atau balai kota, tetapi ruang kosong alun-alun utama, terbuka ke atas dan ke samping. Mereka memasuki gedung dan keluar ke jalan dan alun-alun. Dan jika kota abad pertengahan secara komposisi ditarik ke pusatnya - sentripetal, maka kota Renaisans adalah sentrifugal - diarahkan ke arah dunia luar.

Kota ideal Plato Rencananya, bagian tengah kota adalah pergantian cincin air dan bumi. Lingkar air luar terhubung ke laut melalui saluran sepanjang 50 stadia (1 stadia - kira-kira 193 m). Cincin tanah yang memisahkan cincin air memiliki saluran bawah tanah di dekat jembatan yang diadaptasi untuk jalur kapal. Lingkar cincin air terbesar memiliki lebar tiga stadia, seperti cincin tanah yang mengikutinya; dua cincin berikutnya, air dan tanah, lebarnya dua stadia; terakhir, cincin air yang mengelilingi pulau yang terletak di tengah itu seluas satu stadia. Pulau tempat istana berdiri berdiameter lima stadia dan, seperti cincin tanah, dikelilingi oleh tembok batu. Selain istana, terdapat kuil dan hutan keramat di dalam akropolis. Ada dua mata air di pulau itu, yang menyediakan air yang melimpah untuk seluruh kota. Banyak tempat suci, taman, dan gimnasium dibangun di atas cincin tanah. Pada cincin terbesar sepanjang panjangnya, sebuah hipodrom diatur. Di kedua sisinya ada tempat untuk para prajurit, tetapi yang lebih setia ditempatkan di ring yang lebih kecil, dan penjaga yang paling andal diberi tempat di dalam akropolis. Seluruh kota, pada jarak 50 stadia dari cincin air luar, dikelilingi oleh tembok yang menjulang dari laut. Ruang di dalamnya dibangun dengan padat.

Kota abad pertengahan mengikuti pemandangan alam, menggunakannya untuk tujuannya sendiri. Kota Renaisans lebih merupakan sebuah karya seni, sebuah "permainan geometri". Arsitek memodifikasi medan dengan melapiskan kisi-kisi geometris ruang-ruang yang digambar di atasnya. Kota seperti itu memiliki bentuk yang jelas: lingkaran, bujur sangkar, segi delapan, bintang; bahkan sungai-sungai diluruskan di dalamnya.

Kota abad pertengahan itu vertikal. Di sini semuanya diarahkan ke atas, ke surga - jauh dan tidak dapat diakses. Kota Renaisans itu horizontal, hal utama di sini adalah perspektif, aspirasi ke kejauhan, menuju cakrawala baru. Bagi orang abad pertengahan, jalan menuju Surga adalah kenaikan, yang dapat dicapai melalui pertobatan dan kerendahan hati, penolakan terhadap segala sesuatu yang duniawi. Bagi orang-orang Renaisans, ini adalah pendakian dengan memperoleh pengalaman mereka sendiri dan memahami hukum-hukum Ilahi.

Impian akan kota yang ideal memberikan dorongan pada pencarian kreatif banyak arsitek tidak hanya di zaman Renaisans, tetapi juga di kemudian hari, itu memimpin dan menerangi jalan menuju harmoni dan keindahan. Kota ideal selalu ada di dalam kota nyata, berbeda darinya seperti dunia pemikiran dari dunia fakta, seperti dunia imajinasi dari dunia fantasi. Dan jika Anda tahu bagaimana bermimpi seperti yang dilakukan oleh para master Renaisans, maka Anda dapat melihat kota ini - Kota Matahari, Kota Emas.

Artikel aslinya ada di situs majalah "New Acropolis".

Arsitektur Italia dari Renaisans Awal (Quattrocento) dibuka periode baru dalam perkembangan arsitektur Eropa, meninggalkan yang dominan di Eropa seni gotik dan dengan menyetujui prinsip-prinsip baru yang didasarkan pada sistem tatanan.

Selama periode ini, filsafat kuno, seni, dan sastra dipelajari dengan sengaja dan sadar. Dengan demikian, zaman kuno berlapis pada tradisi Abad Pertengahan yang kuat selama berabad-abad, terutama pada seni Kristen, yang karenanya sifat budaya Renaisans yang kompleks secara spesifik didasarkan pada transformasi dan jalinan subjek pagan dan Kristen.

Quattrocento adalah masa pencarian eksperimental, ketika bukan intuisi, seperti di era Proto-Renaisans, tetapi pengetahuan ilmiah yang tepat mengemuka. Sekarang seni memainkan peran pengetahuan universal tentang dunia sekitarnya, yang banyak ditulis oleh risalah ilmiah abad ke-15.

Ahli teori arsitektur dan lukisan pertama adalah Leon Batista Alberti, yang mengembangkan teori tersebut perspektif linier, berdasarkan gambar sebenarnya dalam gambar kedalaman ruang. Teori ini menjadi dasar prinsip baru arsitektur dan tata kota yang bertujuan untuk menciptakan kota yang ideal.

Para ahli Renaisans mulai kembali ke impian Plato tentang kota yang ideal dan negara yang ideal dan mewujudkan gagasan-gagasan yang sudah menjadi gagasan utama dalam budaya dan filsafat kuno - gagasan harmoni antara manusia dan alam, gagasan humanisme. Jadi, citra baru kota ideal pada mulanya merupakan formula tertentu, sebuah ide, klaim yang berani untuk masa depan.

Teori dan praktik perencanaan kota Renaisans berkembang secara paralel satu sama lain. Bangunan-bangunan tua dibangun kembali, yang baru dibangun, sementara pada saat yang sama risalah ditulis tentang arsitektur, benteng, dan pembangunan kembali kota. Penulis risalah (Alberti dan Palladio) jauh di depan kebutuhan konstruksi praktis, tidak menggambarkan proyek yang sudah selesai, tetapi menyajikan konsep yang digambarkan secara grafis, gagasan tentang kota yang ideal. Mereka juga memberikan alasan tentang bagaimana kota harus ditempatkan dalam hal pertahanan, ekonomi, estetika dan kebersihan.

Alberti sebenarnya adalah orang pertama yang menyatakan prinsip-prinsip dasar ansambel urban ideal Renaisans, yang dikembangkan dengan mensintesis rasa kuno tentang proporsi dan pendekatan rasionalistik era baru. Jadi, prinsip estetika para perencana kota Renaisans adalah:

• konsistensi skala arsitektur bangunan utama dan sekunder;
• rasio tinggi bangunan dan ruang yang terletak di depannya (dari 1:3 menjadi 1:6);
• kurangnya kontras disonan;
• keseimbangan komposisi.

Kota yang ideal sangat mengasyikkan bagi banyak master hebat Renaisans. Leonardo da Vinci juga memikirkannya, yang idenya adalah menciptakan kota dua tingkat, di mana angkutan barang bergerak di sepanjang tingkat yang lebih rendah, dan jalan darat dan pejalan kaki terletak di tingkat atas. Rencana Da Vinci juga dikaitkan dengan rekonstruksi Florence dan Milan, serta penyusunan kota poros.

Pada akhir abad ke-16, banyak ahli teori perencanaan kota dibuat bingung oleh masalah struktur pertahanan dan area komersial. Jadi, menara dan tembok benteng diganti dengan benteng tanah, yang diambil dari batas kota, karena itu, secara garis besar, kota-kota mulai menyerupai bintang multi-balok.

Dan meskipun tidak ada satu pun kota ideal yang dibangun di atas batu (kecuali kota-kota benteng kecil), banyak prinsip untuk membangun kota seperti itu menjadi kenyataan pada abad ke-16, ketika jalan-jalan lebar lurus mulai dibangun di Italia dan banyak negara lain. menghubungkan elemen-elemen penting dari ansambel perkotaan.

Masalah menciptakan kota yang ideal, terlepas dari relevansinya saat ini, sangat akut di era Renaisans yang jauh (abad XIV - XVI). Tema ini, melalui prisma filosofi antroposentrisme, menjadi yang terdepan dalam seni tata kota periode ini. Seorang pria dengan kebutuhannya akan kebahagiaan, cinta, kemewahan, kenyamanan, kemudahan, dengan pemikiran dan gagasannya, menjadi ukuran waktu itu, simbol dari semangat kuno yang bangkit kembali, dipanggil untuk menyanyikan Pria ini dengan huruf kapital. Dia menggerakkan pemikiran kreatif Renaisans untuk mencari solusi unik, terkadang utopis, arsitektural dan filosofis untuk masalah pembentukan kota. Yang terakhir mulai memainkan peran baru, ia dianggap sebagai ruang tertutup yang saling berhubungan, berpagar dan berbeda dari alam, tempat seluruh kehidupan seseorang berlalu.

Di ruang ini, kebutuhan dan keinginan fisik dan estetika seseorang harus diperhitungkan sepenuhnya, aspek-aspek kehidupan manusia di kota seperti kenyamanan dan keamanan harus dipikirkan sepenuhnya. Senjata api baru membuat benteng batu abad pertengahan tidak berdaya. Hal ini telah ditentukan sebelumnya, misalnya, penampakan tembok dengan benteng tanah di sekeliling kota dan menentukan, tampaknya, garis benteng kota berbentuk bintang yang aneh. Gagasan revivalis umum tentang "kota ideal" sedang dibentuk - kota yang paling nyaman dan aman untuk ditinggali. Singkatnya, tren seperti itu tidak asing bagi arsitek modern, tetapi Renaisans kemudian menandai perbatasan baru, nafas kehidupan baru di benak pencipta, membangun hal-hal tertentu yang tidak diketahui. kriteria, standar, dan stereotip sebelumnya, yang konsekuensinya dirasakan dalam pencarian kota yang ideal saat ini.

Studi pertama dalam nada ini dilakukan oleh Mark Vitruvius (paruh kedua abad ke-1 SM), seorang arsitek dan insinyur di pasukan Julius Caesar, - dalam risalahnya Sepuluh Buku tentang Arsitektur, Vitruvius mengajukan masalah mean emas antara teori dan praktik, menjelaskan konsep dasar estetika, proporsionalitas bangunan dan manusia, untuk pertama kalinya dalam sejarah ia menyelidiki masalah akustik musik tempat.

Vitruvius sendiri tidak meninggalkan citra kota yang ideal, tetapi ini dilakukan oleh banyak peneliti dan penerus idenya, yang darinya, seperti yang sering dicatat, Renaisans sendiri dimulai.

Tetapi argumen tentang kota yang ideal, konsepnya berasal dari risalah para filsuf Yunani kuno - jadi, untuk sesaat, ada baiknya beralih ke era yang agak lebih awal dari yang kita pertimbangkan - ke zaman kuno.

Sfortsinda - lengkungan rumah khas. Filarete (digambar oleh Leonardo da Vinci)

Proses berabad-abad membangun negara-kota di ibu kota Yunani kuno, Athena, diringkas dalam tulisan dua filsuf besar zaman kuno: Plato (428-348 SM) dan Aristoteles (384-322 SM).

Dengan demikian, filsuf idealis Plato, yang terkait dengan kalangan aristokrat pada masanya, adalah penganut sistem negara yang diatur secara kaku, tidak sia-sia ia juga memiliki kisah negara mitos Atlantis, yang diperintah oleh seorang raja dan archon. . Dalam interpretasi Plato, Atlantis adalah prototipe sejarah dari negara-kota ideal itu, yang ia diskusikan dalam karyanya "The State" dan "Laws".

Kembali ke Renaisans, katakanlah tentang Leon Batista Alberti, ahli teori perencanaan kota sejati pertama dalam sejarah umat manusia, yang menjelaskan secara rinci "bagaimana membuat kota", mulai dari pemilihan tempat dan diakhiri dengan struktur internalnya. . Alberti menulis bahwa "keindahan adalah keselarasan proporsional yang ketat dari semua bagian yang disatukan oleh apa yang menjadi miliknya, sehingga tidak ada yang dapat ditambahkan, dikurangi, atau diubah tanpa memperburuknya." Nyatanya, Alberti adalah orang pertama yang memproklamasikan prinsip-prinsip dasar ansambel perkotaan Renaisans, yang menghubungkan rasa kuno tentang proporsi dengan permulaan era baru yang rasionalistik. Rasio tinggi bangunan dengan ruang yang terletak di depannya (dari 1:3 hingga 1:6), konsistensi skala arsitektur bangunan utama dan sekunder, keseimbangan komposisi dan tidak adanya kontras disonan - ini adalah prinsip estetika perencana kota Renaisans.

Alberti dalam risalahnya "Sepuluh buku tentang arsitektur" menggambarkan kota yang ideal, indah dalam hal perencanaan rasional dan tampilan bangunan, jalan, alun-alun. Seluruh lingkungan hidup seseorang diatur di sini sedemikian rupa sehingga memenuhi kebutuhan individu, keluarga, dan masyarakat secara keseluruhan.

Bernardo Gambarelli (Rosselino), mengambil ide yang sudah ada, berkontribusi pada pengembangan visi kota yang ideal, yang menghasilkan kota Pienza (1459), yang benar-benar ada hingga hari ini, menggabungkan elemen dari banyak proyek yang tersisa. di atas kertas atau di kreatif niat pencipta. Kota ini adalah contoh nyata dari transformasi pemukiman abad pertengahan Corsignano menjadi kota Renaisans yang ideal dengan jalan lurus dan tata letak yang teratur.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (c. 1400 - c. 1469) dalam risalahnya memberikan gambaran tentang kota Sforzinda yang ideal.

Kota itu berbentuk bintang segi delapan, dibentuk oleh persimpangan pada sudut 45 ° dari dua bujur sangkar yang sama dengan sisi 3,5 km. Di tepian bintang ada delapan menara bundar, dan di "kantong" - delapan gerbang kota. Gerbang dan menara dihubungkan ke pusat oleh jalan radial, beberapa di antaranya merupakan jalur pelayaran. Di bagian tengah kota, di atas bukit, ada alun-alun utama, berbentuk persegi panjang, di sisi pendeknya akan ditempatkan istana pangeran dan katedral kota, dan di sisi panjang - lembaga peradilan dan kota. .

Di tengah alun-alun ada kolam dan menara pengawas. Dua lainnya berdampingan dengan alun-alun utama, dengan rumah-rumah penduduk kota yang paling terkemuka. Enam belas kotak lagi terletak di persimpangan jalan radial dengan jalan lingkar: delapan kotak perbelanjaan dan delapan untuk pusat paroki dan gereja.

Pienza bukan satu-satunya kota yang terwujud di Italia yang mewujudkan prinsip perencanaan "ideal". Italia sendiri pada waktu itu bukanlah negara kesatuan, seperti yang kita kenal sekarang, ia terdiri dari banyak republik dan kadipaten independen yang terpisah. Di kepala setiap daerah tersebut adalah keluarga bangsawan. Tentu saja, setiap penguasa ingin memiliki model kota "ideal" di negaranya, yang memungkinkannya dianggap sebagai orang Renaisans yang terpelajar dan progresif. Oleh karena itu, pada tahun 1492, perwakilan dari dinasti D Este, Adipati Ercole I, memutuskan untuk membangun kembali salah satu kota utama kadipatennya - Ferrara.

Restrukturisasi dipercayakan kepada arsitek Biagio Rossetti. Ia dibedakan oleh luasnya pandangan, serta kecintaannya pada inovasi, yang terwujud dalam hampir semua karyanya. Dia benar-benar mempelajari tata letak kota yang lama dan sampai pada solusi yang menarik. Jika sebelumnya arsitek menghancurkan bangunan tua atau membangun dari awal, maka Biagio memutuskan untuk membangun kota baru di atas yang lama. Dengan demikian, ia secara bersamaan mewujudkan konsep kota Renaisans dengan jalan lurus dan ruang terbuka serta menekankan integritas dan swasembada kota abad pertengahan. Inovasi utama arsitek adalah penggunaan ruang yang berbeda. Dia tidak mematuhi semua hukum tata kota biasa, yang menyarankan lapangan terbuka dan jalan lebar. Sebaliknya, karena bagian kota abad pertengahan dibiarkan utuh, Biagio bermain berlawanan: ia mengganti jalan utama dengan jalan sempit, alun-alun terang dengan jalan buntu gelap, rumah adipati besar dengan rumah rendah penduduk biasa. Selain itu, elemen-elemen ini sama sekali tidak bertentangan satu sama lain: perspektif terbalik digabungkan dengan yang lurus, dan garis yang berjalan serta volume yang tumbuh tidak saling bertentangan.

Sarjana Venesia dan sarjana arsitektur Daniele Barbaro (1514-1570) mengabdikan sebagian besar hidupnya untuk mempelajari risalah Vitruvius, yang menghasilkan bukunya berjudul "Sepuluh buku tentang arsitektur Vitruvius dengan komentar oleh Daniele Barbaro", ditulis pada tahun 1556. Dalam buku ini, sikap terhadap arsitektur kuno tercermin tidak hanya oleh penulisnya sendiri, tetapi juga oleh sebagian besar arsitek abad ke-16. Daniele Barbaro sepanjang hidupnya mempelajari risalah tersebut secara menyeluruh dan mencoba menciptakan kembali skema kota yang ideal, yang akan mencerminkan gagasan Vetruvius dan konsepnya yang melengkapi visinya.

Beberapa waktu sebelumnya, arsitek Renaisans Cesare Cesarino menerbitkan komentarnya tentang Sepuluh Buku Arsitektur pada tahun 1521 dengan banyak ilustrasi, termasuk diagram teoritis kota yang ideal.

Di antara banyak ahli teori abad XVI. Andrea Palladio (1508-1580) menempati tempat khusus. Dalam risalahnya Empat Buku tentang Arsitektur (Italia: Quattro Libri deHArchitettura), diterbitkan pada tahun 1570, Palladio tidak memilih bagian khusus tentang kota, tetapi seluruh karyanya pada dasarnya dikhususkan untuk topik khusus ini. Dia berkata bahwa "kota tidak lain adalah semacam rumah besar, dan sebaliknya, rumah adalah sejenis kota kecil."

Menempatkan tanda yang sama antara bangunan tempat tinggal dan kota, Palladio dengan demikian menekankan integritas organisme perkotaan dan keterkaitan elemen spasialnya. Dia merefleksikan integritas organisme perkotaan dan hubungan elemen spasialnya. Tentang ansambel perkotaan, ia menulis: "Keindahan adalah hasil dari bentuk yang indah dan korespondensi keseluruhan dengan bagian, bagian satu sama lain, dan juga bagian dengan keseluruhan." Tempat yang menonjol dalam risalah diberikan pada interior bangunan, dimensi dan proporsinya. Palladio mencoba menghubungkan ruang luar jalan secara organik dengan interior rumah dan halaman.

Di akhir abad XVI. selama pengepungan kota, senjata artileri dengan peluru peledak mulai digunakan. Ini memaksa perencana kota untuk mempertimbangkan kembali sifat benteng kota. Tembok dan menara benteng digantikan oleh benteng tanah, yang dibawa ke depan melewati batas kota, mampu menangkis serangan musuh dan melakukan tembakan mengapit pada musuh yang mendekati kota. Berdasarkan hal tersebut, tidak perlu lagi melindungi gerbang kota, yang mulai saat ini telah berubah dari pusat pertahanan yang kuat menjadi pintu masuk utama kota. Inovasi berupa ragam bentuk aneh berbentuk bintang ini tercermin dalam proyek kota ideal Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi , George Vasari Jr. dan sebagainya.

Dan kota berbenteng Palmanova dapat dianggap sebagai puncak dari arsitektur benteng Renaisans, yang rencananya, menurut rencana arsitek Vicenzo Scamozzi, berbentuk bintang berujung sembilan, dan jalan-jalannya terpancar dari alun-alun yang terletak di tengah. Wilayah kota dikelilingi oleh dua belas bastion, dan masing-masing bastion direncanakan sedemikian rupa untuk melindungi bastion yang berdekatan, dan memiliki empat gerbang kota, dari mana dua jalan utama berpotongan di sudut kanan. Di persimpangan mereka adalah alun-alun utama, yang menghadap ke istana, katedral, universitas, dan institusi kota. Dua alun-alun perdagangan berdampingan dengan alun-alun utama dari barat dan timur, alun-alun pertukaran terletak di utara, dan alun-alun untuk perdagangan jerami dan kayu bakar terletak di selatan. Wilayah kota dilintasi sungai, dan lebih dekat ke pinggirannya terdapat delapan gereja paroki. Tata letak kota itu teratur. Benteng itu dikelilingi parit.

Dalam lingkungan teknik Renaisans, pertanyaan tentang komposisi, harmoni, keindahan, dan proporsi dipelajari dengan rajin. Dalam konstruksi ideal ini, perencanaan kota dicirikan oleh rasionalisme, kejelasan geometris, komposisi sentris, dan harmoni antara keseluruhan dan bagian. Dan, terakhir, yang membedakan arsitektur Renaisans dari era lain adalah orang yang berdiri di tengah, di dasar semua konstruksi ini. Banyak lagi nama dan nama kota yang bisa dijadikan contoh. Selamat dari Urbino dengan Istana Ducal yang megah, "sebuah kota dalam bentuk palazzo", yang dibuat oleh arsitek Luciano Laurana untuk Adipati Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("Kota Matahari"), Vigevano di Lombardy, Valletta (ibu kota Malta). Adapun yang terakhir, kota bertembok yang megah ini tumbuh di tebing curam tanpa air di semenanjung Gunung Sciberras, menjulang di antara dua pelabuhan dalam Marsamxett dan Grand Harbour. Didirikan pada tahun 1566, Valletta sepenuhnya dibangun, bersama dengan benteng, benteng, dan katedral yang mengesankan, dalam waktu yang sangat singkat - 15 tahun.

Gagasan umum, konsep Renaisans mengalir jauh melampaui pergantian abad ke-17 dan terciprat aliran badai, yang mencakup generasi arsitek dan insinyur berikutnya.

Bahkan contoh dari banyak proyek arsitektur modern menunjukkan pengaruh Renaisans, yang selama beberapa abad tidak kehilangan gagasan tentang kemanusiaan dan keunggulan kenyamanan manusia. Kesederhanaan, kenyamanan, "aksesibilitas" kota bagi penduduk dalam segala jenis perangkat variabel dapat ditemukan dalam banyak karya, dan masing-masing mengikutinya dengan caranya sendiri, arsitek dan peneliti, semuanya sebagai satu, namun sudah melangkah di sepanjang jalan beraspal. diaspal oleh master Renaissance.

Tidak semua contoh "kota ideal" dipertimbangkan dalam artikel tersebut, yang asal-usulnya berasal dari kedalaman era Renaisans yang indah - dalam beberapa, penekanannya adalah pada kenyamanan dan ergonomi menjadi warga sipil, di yang lain tentang efisiensi maksimum operasi pertahanan; tetapi dalam semua contoh kami mengamati keinginan yang tak kenal lelah untuk perbaikan, untuk mencapai hasil, kami melihat langkah percaya diri menuju kemudahan dan kenyamanan seseorang. Ide, konsep, sampai batas tertentu, aspirasi Renaisans mengalir jauh melampaui pergantian abad ke-17 dan terciprat dalam aliran badai, merangkul generasi arsitek dan tokoh teknik berikutnya.

Dan contoh arsitek modern dengan jelas menunjukkan pengaruh konsep tokoh Renaisans, agak dimodifikasi, tetapi tidak kehilangan gagasan kemanusiaan dan keunggulan kenyamanan manusia dalam proyek perencanaan kota. Kesederhanaan, kenyamanan, "aksesibilitas" kota bagi penduduk di semua jenis perangkat variabel dapat ditemukan di banyak karya lain, diimplementasikan dan tidak berarti - tetap di atas kertas. Masing-masing mengikuti jalan mereka sendiri, arsitek dan peneliti, semuanya sebagai satu, tetap melangkah di sepanjang jalan beraspal yang telah diaspal oleh para ahli Renaisans, mengikuti cahaya ide kelahiran kembali yang relevan dan memikat secara abadi, kelahiran kembali jiwa manusia , dan langkah-langkah utama ke arah ini diambil pada abad XIV yang jauh.

Konsep kota ideal Renaisans, dengan segala utopia dan ketidakmungkinannya dari sudut pandang pragmatis seseorang, terutama yang modern, tidak berhenti sepenuhnya dalam kemegahannya atau setidaknya sebagian, unsur-unsur secara berkala masuk ke dalam karya. arsitek romantis, berjuang tidak begitu banyak untuk kesempurnaan dalam kerajinan kreatif mereka yang sulit, melainkan kesempurnaan dalam lingkungan yang lebih kompleks dan tidak dapat diprediksi daripada perkamen dan perspektif - untuk kesempurnaan jiwa dan kesadaran manusia yang tidak dapat dicapai.

Palmanova - Katedral