Produzione teatrale di Romeo e Giulietta. Lo spettacolo "Romeo e Giulietta" nel teatro del sud-ovest

Messa in scena: V. Spesivtsev

Vyacheslav Spesivtsev è, forse, forse il ribelle più coerente nel campo teatrale russo. L'anticonformismo del famoso personaggio si è manifestato in questa produzione. Lo spettacolo è tradizionale nei contenuti e moderno nella forma. La cupa Verona ricorda soprattutto un raduno notturno di motociclisti con una sfrenata baldoria di passioni. Anche i motivi alla moda nella musica per la performance gli conferiscono un accento di attualità. Il MET presenta la sua versione di Romeo e Giulietta sia allo spettatore inesperto che all'appassionato frequentatore di teatro. Le pareti del MET sono già abituate all'emozione che accompagna questa produzione. Viene chiesto un biglietto extra entro un raggio di un isolato intorno al teatro. E i passaggi per la sala sono pieni di sedie laterali e spettatori semplicemente seduti sui gradini.

Questa richiesta è giustificata da diversi fattori. In primo luogo, la tragedia di Shakespeare sui giovani innamorati è stata immancabilmente popolare tra i giovani ormai da quattrocento anni, perché a questa età ogni amore sembra essere uno e solo (qualunque sia il numero). In secondo luogo, insieme ad artisti professionisti, molti ruoli chiave nello spettacolo sono stati interpretati dai membri dello studio, che ai giovani spettatori mancavano molto. In terzo luogo, questo progetto teatrale è presentato in una nuova interpretazione nello spirito del 21° secolo, saturo di ritmi e materiali moderni e, naturalmente, di nuove relazioni umane. Le aspettative del pubblico saranno pienamente giustificate. Regia d'avanguardia, scenografia insolita, costumi ricchi di denim, pelle e metallo, moderno, di grande successo arrangiamento musicale e, infine, il gioco ispirato degli artisti trova comprensione e una calda risposta nel pubblico. Nello spettacolo, l'ascetismo scenico del teatro in studio si mescola a un entourage moderno. Su un palcoscenico quasi vuoto, attori vestiti con costumi moderni avvicinamento dare una parola shakespeariana. Gli abiti moderni spostano in modo significativo la problematica del gioco oggi.

I creatori della performance potranno senza dubbio toccare qualche nervo invisibile nelle anime dei moderni Romeo e Giulietta, che hanno evocato in loro una complessa gamma di sentimenti: compassione, tenerezza, ironia, ammirazione e Dio solo sa cos'altro! Il freddo mondo dell'insensata inimicizia dà origine a un fragile fiore di sentimento. La triste storia di due giovani cuori, che fin dal primo incontro hanno cominciato a battere all'unisono, si svolge sullo sfondo di una relazione dura, giovanile e diretta. Impulsi ispiratori e risse di strada, abnegazione e omicidio, perdita e sofferenza, umiliazione e paura che hanno colpito il destino di due giovani li rendono forti, cercano una via d'uscita, scelgono tra benessere e amore, insieme a cui arriva morte. Azione concentrata e tesa vita interiore gli eroi sono mostrati in melodie inquietanti e toccanti, incendiarie e liriche. In un'opera, la trama di Shakespeare e l'eclettismo musicale presentato da motivi moderni. vecchio, tutto storia famosa raccontato nella lingua della gioventù di oggi, e la musica rende comprensibile e vicino il mondo dei sentimenti dei personaggi di Shakespeare.

Probabilmente, questo lavoro è stato messo in scena un numero record di volte, anche se l'arretrata Hollywood ne ha sentito l'attualità trama eterna. Alcuni credono che l'idea dell'opera teatrale e la sua forma siano state prese in prestito dal teatro di Hollywood. Queste affermazioni si basano su una mancanza di informazioni sul teatro: il nostro spettacolo è attivo da oltre 25 anni ed è quindi, ovviamente, primario. Abbiamo persino sospetti specifici sul plagio inverso e una persona è nota (non faremo nomi, solo “ buon uomo”), che, molto probabilmente, ha portato la moderna spiegazione dell'opera di Shakespeare in Occidente. Ma non siamo in una lamentela: lascia che lo usino, abbiamo abbastanza idee per tutti.

William Shakespeare

Durata: 3 ore con intervallo

nuovo stadio

L'artista popolare russo Mark Rozovsky presenta la sua visione della tragedia immortale di Shakespeare. Sarà una lettura classica della commedia: con costumi medievali, combattimenti con la spada, danze. Uno dei personaggi principali sarà la musica: la performance sarà decorata con frammenti di P.I. Čajkovskij "Romeo e Giulietta". Mark Rozovsky ha parlato dell'idea della performance: "Hanno detto che quando Vysotsky ha interpretato Amleto, ha parlato non solo a nome di se stesso, ma anche "a nome della generazione". Ecco cosa dovremmo provare a fare. Durante l'esecuzione di Romeo e Giulietta, dobbiamo ricordare cosa sta succedendo oggi nella nostra strada, e soprattutto non nella nostra. Mai prima d'ora l'umanità aveva tanto bisogno della cultura del Rinascimento! Vorrei fare di "Romeo e Giulietta" uno spettacolo che è inciampato nel nostro tempo, in modo che Shakespeare fosse ascoltato ... "

Commenti sulla commedia ROMEO E GIULIETTA

Romeo e Giulietta| Commento lasciato: Oggetto non trovato (19-04-2019 alle 17:50)

La storia tragica e mozzafiato di "Romeo e Giulietta" fa precipitare lo spettatore e provare le vivide emozioni dei personaggi principali... spettacoli in generale! Come ogni ruolo è stato superbamente interpretato da attori così talentuosi e MOLTO carismatici
Personalmente, sono rimasto incredibilmente impressionato dalla performance!! Questo è esattamente ciò che viene chiamato: professionalità!

"Amore per tutte le età..."| Commento lasciato: Maria Fedosova (06-01-2019 alle 07:30)

Mi è piaciuto MOLTO! Prima di tutto, va notato l'atteggiamento attento del teatro nei confronti del testo di W. Shakespeare. Per quanto riguarda la recitazione, qui è sempre 5+. Mi sono piaciuti particolarmente Mikhail Ozornin (Romeo) e Sandra Eliava (Juliet). Mark Rozovsky è riuscito a sottolineare in modo quasi tangibile l'estrema giovinezza dei protagonisti della tragedia, altrimenti la solita frase: "Non ha ancora 14 anni" sono solo parole e niente di più. Qui i personaggi crescono letteralmente davanti ai nostri occhi sotto l'influenza dell'amore. Lo spettacolo si guarda tutto d'un fiato, nonostante duri più di 3 ore. Insomma, mi è piaciuto molto!

Romeo e Giulietta| Commento lasciato: Matalytskaya Anna (10-03-2018 alle 22:18)

Visitato con tutta la famiglia prima spettacolo "Romeo e Giulietta" nel teatro alla Porta Nikitsky.
La prestazione è fantastica! Era da tanto che non mi divertivo così tanto con un classico!
Per la prima volta nella mia vita, ho sentito che Romeo ei suoi amici erano ragazzi birichini di 16 anni e non uomini esperti. Giulietta è meravigliosa!
Scenario dinamico molto interessante.
La performance sembra molto semplice, tutta d'un fiato!
Mille grazie a Mark Rozovsky! Adoriamo il suo teatro bello e accogliente. Abbiamo visto molte esibizioni e lasciano tutte un'impressione indimenticabile!

Romeo e Giulietta| Commento lasciato: Mila_M (2018-03-09 alle 10:54)

Il drammaturgo inglese William Shakespeare, nato nel 1564, scrisse la brillante tragedia Romeo e Giulietta. Il 5 marzo si sono svolte al teatro "At the Pokrovsky Gates" le prove generali di questa rappresentazione. Il capo del teatro Mark Rozovsky ha presentato al pubblico i creatori di questa produzione, ha notato che sarebbe stata suonata la musica del grande Ciajkovskij e ha augurato agli artisti e al pubblico una prova di successo.
Tutti lo sanno triste storia folle passione, amore e morte. Gli artisti del teatro sono riusciti a mostrare l'intera tempesta di sentimenti che ribolle a Verona. La performance cattura fin dai primi minuti. Igor Klimov ha preparato perfettamente combattimenti e scherma, i servi ei personaggi principali hanno mostrato un'incredibile padronanza delle tecniche di wrestling e delle spade. Tutto sul palco era reale. Il coreografo Anton Nikolaev ha adornato lo spettacolo con danze, conferendogli un sapore del IV secolo. Evgenia Shults ha reso la performance colorata, tutti i costumi dei personaggi corrispondevano esattamente allo spirito di questa storia. Juliet ha cambiato il suo vestito più volte, mi è piaciuto molto. Alexey Porubin ha reso la performance ricca di suoni al livello dei moderni successi. Il lavoro di Alexander Kuznetsov, il laboratorio di illuminazione, era invisibile, il che significa che tutto era perfetto, armonioso e con moderazione. Bravo a tutti gli assistenti di Mark Rozovsky!
Gli artisti erano meravigliosi. Il loro gioco ha tenuto il pubblico in sospeso per tutte e tre le ore. Entrambi abbiamo riso e pianto, preoccupati e gioiti. Impossibile segnarne uno o due, tutti ottimi punti!

Mark Grigorievich, tu bellissimo teatro, interni, arredi, staff di servizio. Lunga vita e ulteriore prosperità alla tua prole.

Un inno di amore trionfante.

Amore che vince la morte.

Tragedia di grande passione.

Solo tali definizioni sono in grado di incarnare in forma breve il contenuto che Shakespeare ha messo nella sua tragedia. È dedicato al sentimento più bello e abbastanza terreno, ma il potere dell'amore eleva i giovani eroi al di sopra del livello della vita quotidiana. Le persone amano in modi diversi. Shakespeare ritratto il grado più alto questa grande sensazione: amore sconfinato e disinteressato. Ha creato un modello di amore ideale.

L'atmosfera del sud afoso regna nella tragedia che si svolge tra le persone, inclini a passioni violente, calde e senza paura. Quasi tutti i partecipanti agli eventi tendono ad agire in modo impulsivo, obbedendo a stati d'animo e sentimenti che lampeggiano all'istante. È vero, qui ci sono anche persone calme e ragionevoli, ma la sobrietà di pensiero e la prudenza sono impotenti contro gli scoppi vulcanici sia dell'amore che dell'odio.

I giovani eroi sono cresciuti e vivono in un'atmosfera di eterna inimicizia tra le loro famiglie. (Questo materiale aiuterà a scrivere correttamente la tragedia di Romeo e Giulietta sul tema dell'opera. Riepilogo non chiarisce l'intero significato dell'opera, quindi questo materiale sarà utile per una profonda comprensione dell'opera di scrittori e poeti, così come dei loro romanzi, racconti, racconti, opere teatrali, poesie.) Montecchi e Capuleti hanno già dimenticato come è iniziata la lotta tra loro, ma loro combattono fanaticamente tra loro, e l'intera vita della città-stato di Verona passa sotto il segno di un odio disumano.

In un ambiente saturo di malizia velenosa, dove ogni sciocchezza funge da pretesto per sanguinose scaramucce, cresce improvvisamente un meraviglioso fiore di giovane amore, disprezzando molti anni di inimicizia tribale.

Due campi appaiono davanti a noi in tragedia. Da un lato, queste sono persone implacabilmente ostili, i Montecchi e i Capuleti. Sia quelli che gli altri vivono secondo la legge della vendetta tribale: occhio per occhio, dente per dente, sangue per sangue. Non sono solo gli anziani che aderiscono a questa "morale" disumana. Il seguace più violento del principio della vendetta di sangue è il giovane Tebaldo, ardente di odio per tutti i Montecchi, anche se non gli hanno fatto del male, è loro nemico semplicemente perché appartengono a una famiglia ostile. È Tebaldo, ancor più dell'anziano Capuleti, che aderisce alla legge del luogo del sangue.

Un altro gruppo di personaggi della tragedia vuole già vivere secondo leggi diverse. Questo desiderio non sorge principio teorico ma come una sensazione di vita naturale. Così all'improvviso divampa l'amore reciproco del giovane Montecchi e del giovane Capuleti. Entrambi dimenticano facilmente l'inimicizia delle loro famiglie, perché il sentimento che si è impossessato di entrambi rompe all'istante il muro di inimicizia e alienazione che separava le loro famiglie. Giulietta, essendosi innamorata di Romeo, sostiene saggiamente che la sua appartenenza a una famiglia ostile non le importa. A sua volta, Romeo è pronto a rinunciare facilmente al nome generico se si rivelasse un ostacolo al suo amore per Giulietta. Anche l'amico di Romeo, Mercuzio, non è propenso a sostenere la guerra civile che sta dividendo Verona in due campi inconciliabili. A proposito, è un parente del duca e cerca costantemente di ragionare con la punizione in guerra e minacciosa per aver violato la pace e la tranquillità a Verona.

Anche il monaco Lorenzo è un oppositore dell'inimicizia. Si impegna ad aiutare Romeo e Giulietta, sperando che il loro matrimonio serva come inizio della riconciliazione del parto.

Pertanto, i seguaci della legge della vendetta di sangue si oppongono a persone che vogliono vivere in modo diverso, obbedendo ai sentimenti di amore e amicizia.

Questo è un conflitto. Un altro si svolge nella famiglia Capuleti. Secondo l'usanza dell'epoca, la scelta del partner quando si sposava un figlio o una figlia veniva fatta dai genitori, indipendentemente dai sentimenti dei figli. Così è nella famiglia Capuleti. Il padre scelse il conte Paris come marito di Giulietta, senza chiederle il consenso. Juliet cerca di resistere alla scelta del padre. Come il lettore sa, cerca di evitare questo matrimonio attraverso un astuto piano ideato dal monaco Lorenzo.

La tragedia di Shakespeare in termini storici e morali è di grande importanza. Raffigura la resistenza della figlia alla volontà del padre. Capuleti parte da un calcolo pratico: Paride è parente del duca di Verona e il matrimonio di Giulietta con lui giova all'esaltazione della famiglia. Juliet combatte per il diritto di sposarsi per amore. Lo scontro di questi due principi rifletteva un crollo personale e relazioni familiari avvenuta durante il Rinascimento. In realtà, a quel tempo il diritto di sposarsi per amore era tutt'altro che trionfante. Ma Shakespeare si oppose al matrimonio per volontà dei genitori e per calcolo, suscitando nel pubblico del suo teatro una chiara simpatia per l'idea umanistica della libertà dei bambini di scegliere con chi vogliono collegare la loro vita,

Romeo e Giulietta non è solo una bellissima tragica storia d'amore. L'opera di Shakespeare afferma i principi vitali dell'umanesimo nella vita pubblica e privata che erano avanzati per quel tempo. La fine del conflitto feudale, la pace e l'ordine in uno stato guidato da un sovrano saggio e giusto: questo è base sociale tragedia. L'affermazione dell'amore come base della vita familiare: tale è l'idea morale affermata da Shakespeare.

Il potere artistico della tragedia è determinato dall'abilità che Shakespeare ha mostrato nella rappresentazione dei personaggi. Non importa quanto piccolo sia il ruolo di questo o quel personaggio, Shakespeare lo distingue dagli altri, almeno nei tratti di passaggio. Quindi, nel personaggio dell'anziano Montague, le parole poetiche su come il suo bramoso figlio trascorre il tempo suonano in qualche modo inaspettate. Questa funzione è completamente casuale? Piuttosto, si può presumere che padre Romeo avesse inclinazioni che accolsero più sviluppo nella personalità poetica del giovane Montecchi. Ma, naturalmente, non sono i personaggi minori, ma i personaggi principali della tragedia che attirano l'attenzione grazie alla loro rappresentazione espressiva di Shakespeare.

Quanta verità nella vita e quanta genuina poesia nell'immagine della giovane Giulietta! Nonostante la sua giovinezza - e ha solo tredici anni - Juliet ha il mondo spirituale più ricco. È intelligente oltre i suoi anni, il suo cuore è aperto a grandi sentimenti. È spontanea, come è naturale per una ragazza. Certo, è imbarazzata quando scopre che Romeo ha sentito il suo discorso sul suo amore per lui. Ma, assicurandosi che lui le risponda con lo stesso sentimento, è la prima a chiedere quando saranno sposati. Juliet è audace e determinata. Dei due, lei è più attiva di Romeo. E le circostanze sono tali che ha bisogno di trovare una via d'uscita dalla situazione in cui si è trovata quando suo padre ha chiesto categoricamente il suo consenso per sposare Parigi.

Shakespeare ha mostrato sorprendentemente sottilmente che Giulietta non è affatto indifferente alle questioni dell'onore familiare. Quando apprende dalla buffa storia dell'infermiera che suo cugino Tebaldo è stato ucciso da Romeo, il suo primo sentimento è la rabbia nei confronti del giovane Montecchi. Ma poi lei stessa si rimprovera per il fatto che quasi subito dopo il matrimonio è già in grado di rimproverare il marito.

Il coraggio di Giulietta è particolarmente evidente in quella scena fatale in cui, su consiglio di un monaco, beve un sonnifero. Com'è naturale la paura della giovane eroina quando pensa allo spettacolo terribile che vedrà quando l'occhio si risveglierà nella cripta di famiglia tra i cadaveri. Tuttavia, superata la paura, beve la bevanda, perché solo superando questa prova potrà connettersi con la sua amata.

La risolutezza insita in Giulietta si manifesta anche quando si sveglia nella cripta e vede Romeo morto. Senza esitazione, si suicida, perché non può vivere senza Romeo. Con quanta semplicità, senza falso pathos, si comporta Giulietta nell'ora dell'ultima scelta.

Incredibilmente solido immagine eroica Juliet è l'incarnazione vivente dell'amore giovane che non conosce compromessi, l'amore che vince pericoli e paure. Il suo amore è davvero più forte della morte.

Romeo è degno di tale amore. Ha diciassette anni, ma sebbene sia più vecchio di Giulietta, la sua anima è altrettanto pura. L'amore si impossessò improvvisamente di Giulietta. Romeo era un po' più esperto di lei. Sapeva già che c'era una sensazione così meravigliosa nel mondo, anche prima di incontrare Juliet. La sua anima desiderava già l'amore, era aperta a riceverlo. Prima di incontrare Giulietta, Romeo aveva già scelto un oggetto per l'adorazione. Quella era, tra l'altro, anche una ragazza del clan Capuleti: Rosalina. Romeo sospira per lei, ma questo amore è speculativo.

Il teatro sovietico nelle sue produzioni di "Romeo e Giulietta" ha seguito la strada del superamento di concetti metafisici e idealistici. Ha cercato di rivelare in modo realistico e veritiero il contenuto storico e sociale della tragedia di Shakespeare.

Un'analisi dello spettacolo "Romeo e Giulietta" al Teatro della Rivoluzione di Mosca fornisce materiale ricco per comprendere il percorso del nostro teatro shakespeariano. Questa performance è stata molto pietra miliare nello sviluppo del dramma di Shakespeare sul palcoscenico sovietico, dimostrativo sia nei risultati che in alcuni errori.

Quale novità ha apportato il regista all'interpretazione dell'opera? Prima di tutto, ha preso la via del più grande aggravamento dei conflitti, rivelandone le sfumature sociali. Ha inteso le immagini della tragedia come un tipico prodotto del tempo e delle relazioni sociali. Fu questo che gli diede l'opportunità, denunciando l'idealizzazione piccolo-borghese dell'amore, contro l'"italianismo" operistico, di tracciare un'ampia quadro storico era.

Il Teatro della Rivoluzione si è rivolto alla tragedia "Romeo e Giulietta" subito dopo la messa in scena delle commedie sovietiche raffiguranti un libero vita creativa la nostra giovinezza. Ha dedicato la sua performance Komsomol leninista. Attraverso gli occhi dei nostri giovani uomini e donne, ai quali viene data la possibilità di creare, amare e godere liberamente la vita, il teatro ha voluto guardare alla tragedia dell'amore di coloro che nei tempi antichi esercitavano eroicamente il loro diritto all'amore e alla felicità .

Per la nostra giovinezza, l'amore di Romeo e Giulietta continua a suonare come l'alto pathos di una lotta per una nuova persona, per nuove relazioni di vita, si fonde con l'idea di una nuova vita meravigliosa in cui tutto ciò che ostacola la realizzazione della felicità personale sarà distrutto. Spettacolo di messa in scena della tragedia di Shakespeare

Vedere attraverso gli occhi della nostra giovinezza la tragedia di Romeo e Giulietta significava superare i cliché borghesi della storia lirica sugli sfortunati amanti, che ricevevano sulla scena una colorazione sentimentale o fatale, mistica. Per fare questo, è stato necessario affrontare severamente la realtà, che ha dato origine a una triste storia di un amore forte e appassionato, che è sorto per combattere un odio non meno forte e spietato.

Il regista dello spettacolo è A.D. Popov ha formulato il suo compito come segue: "La cosa principale che, credo, abbiamo raggiunto è che la performance di Romeo e Giulietta suonerà proprio nel nostro teatro. Shakespeare non apparirà nella nostra interpretazione né come un "selvaggio maleducato" né come un filosofo-ragionatore Crediamo che saremo in grado di mostrare il vero volto di Shakespeare, Shakespeare il realista, lo Shakespeare coraggioso e purosangue, che con geniale sensibilità e perspicacia rifletteva nelle sue opere le contraddizioni storiche dell'era della disintegrazione dei rapporti feudali”.

Secondo l'interpretazione del regista, queste contraddizioni risiedono nello scontro di sentimenti potenti con un mondo crudele. forza formidabile l'antica inimicizia feudale ostacola il grande amore umano. In questa atmosfera, la tragedia delle persone con nuovi punti di vista, con carattere forte e grande volontà. Quindi, senza idealizzare gli eroi di Shakespeare, il regista mostra nelle immagini di Romeo e Giulietta persone originali, dotate, intellettuali, veri rappresentanti della loro meravigliosa epoca.

Questa concezione dei personaggi della tragedia ha portato a un'interpretazione innovativa della sua essenza ideologica, in cui la modernità si è unita alla storicità. Così è nata l'idea della performance come tragedia sociale, che ha determinato la decisione del suo regista. Il regista ha rivelato il super-compito della commedia nell'alternanza di due linee che percorrono l'intera performance: le linee dell'ostilità interna e dell'amore che sboccia, nei contrasti urlanti di bene e male, bellezza e bruttezza.

"La povertà urla sullo sfondo del lusso sfrenato e della ricchezza.

Urlando bruttezza e bruttezza di nani e storpi che vivono accanto al divino uomo affascinante e le donne del Rinascimento.

Dissolutezza e licenziosità urlano accanto all'amore di Petrarca, alla sua poesia e ai dipinti di Botticelli.

Grida la dissolutezza pagana, pensando che "non è in contrasto" con il cristianesimo.

Nella progettazione della performance, l'artista I.Yu. Shlepyanov ha cercato di creare uno sfondo di vita che enfatizzasse queste contraddizioni. Nacque così il contrasto tra la bella città italiana e lo scintillante splendore della natura con la cupa severità della lotta che qui si svolge. Lo scenario ti fa sentire la bellezza della natura, l'afosa giornata di Verona, il fresco della notte del sud e l'armonia e l'armonia delle linee architettoniche della città italiana.

Nello spettacolo del Teatro della Rivoluzione, la strada di Verona con la scalinata che sale crea una sensazione di profonda prospettiva, aprendo una veduta della città italiana. Questo progetto è lontano dalle costruzioni formalistiche che i nostri artisti, incluso Shlepyanov, hanno peccato. Ricordiamo il suo progetto di "Amleto" in uzbeco teatro accademico dramma intitolato ad Hamza nel 1935, che è una costruzione di piattaforme e scale, che non era collegata al contenuto interno della tragedia. La composizione architettonica nella commedia "Romeo e Giulietta", realizzata con grande gusto, dà un'idea vivida della vita dell'epoca.

Si alza un pesante sipario di velluto rosso. Le montagne sono visibili nella luce rosa dell'alba mattutina. Il sole sta sorgendo e la fanciulla della casa di Montecchi ha fretta di salutare il suo amato, il servo dei Capuleti, che è stato in ritardo con lei. E a casa dei Capuleti, una fanciulla di baci scaccia il servo del Montecchi.

Ma questa immagine idilliaca, che si svolge sotto il cielo azzurro italiano, viene bruscamente interrotta. Segue una battaglia spietata tra i rappresentanti di due clan in guerra, che coinvolge numerosi rappresentanti di entrambe le famiglie. Include anche quei giovani che hanno appena lasciato la loro amata. Questo primo episodio, in cui la scena di genere si sviluppa in un quadro storico, è un prologo espressivo che parla dell'inevitabilità delle tragedie in un mondo di crudeli lotte feudali.

Parlando delle intenzioni del suo regista, A.D. Popov ha dato il via al tema della faida familiare e della guerra civile, che percorre come un filo rosso l'intera performance, a partire dalla scena "Lotta". Già in questa scena si rivelava chiaramente la psicologia dei partecipanti al combattimento, il cui ritmo era in continuo aumento. Da una disputa insignificante nasce una lotta non per la vita, ma per la morte. E ora sta già cadendo la prima vittima: un giovane biondo, ucciso dalla spada del nemico.

Le scene di massa degli scontri di strada sono un alto risultato dell'arte del regista. Con straordinaria espressione e dinamismo, hanno trasmesso il vero pathos della lotta.

Le tempestose scene di strada sono contrastate dalle scene finali nella cripta. In primo piano ecco i sarcofagi dei Capuleti defunti, appena illuminati dalla fioca luce delle torce. Schiacciano con la loro monumentalità. E nel futuro, dietro le sbarre di ferro, lo stesso bellissimo cielo azzurro italiano, che chiama alle gioie della vita.

La rapidità del ritmo, la rapidità dei movimenti negli episodi di scontro contrasta con la statica, severa lentezza delle scene di riconciliazione; eventi che ti fanno preoccupare per il destino degli eroi - con il finale, una straordinaria e crudele sentenza del destino. Questa alternanza di movimento e immobilità, luce e oscurità, che attraversa l'intera performance, parla in modo eloquente dell'epoca, della sua intolleranza e dei suoi sanguinosi pregiudizi.

Ma le contraddizioni dell'epoca sono ancora più enfatizzate nelle immagini splendidamente concepite di Tebaldo e Mercuzio. Il personaggio del crudele e limitato Tebaldo, di grande successo per l'artista V.A. Latyshevsky, si è opposto nella performance all'immagine del nobile e coraggioso, allegro e spiritoso Mercuzio, incarnato con talento da V.V. Belokurov. Vigile, veloce, focoso, innamorato della vita, delle sue gioie, dei suoi odori e colori, Mercuzio e il cupo, violento difensore degli antichi pregiudizi tribali Tebaldo sembravano provenire secoli diversi. La scena della loro collisione e della morte di Mercuzio, che appartiene ai migliori episodi dello spettacolo, è piena di grande drammaticità. Al di sopra delle parti in guerra nella commedia c'è la maestosa figura del Duca di Escalus (attore A.I. Shchagin), un saggio sovrano, che sottolinea l'ingiustizia di quei rapporti che portano a continui scontri intestini.

Queste immagini di secondo piano, riprodotte con grande sapienza dell'epoca, oltre a bellissime scene di massa, fanno da sfondo pubblico alla rappresentazione. La tragedia, che per secoli è stata percepita come un racconto sentimentale di innamorati, è diventata un gioco di acuto pensiero sociale. Popov ha letto la tragedia in modo innovativo e ha fatto una vera rivoluzione nella tradizione mondiale della sua incarnazione.

Tuttavia, l'idea del regista conteneva anche un pericolo che non poteva evitare: la rappresentazione della crudeltà dei rapporti feudali è diventata un argomento indipendente e in una certa misura ha oscurato il tema dell'amore di Romeo e Giulietta. Gli scontri, presentati sul palco con grande forza e convincenti con i propri occhi, quanto viva e attiva l'inimicizia degli anziani italiani, assorbono tutta l'attenzione del pubblico. Un altro pericolo nasceva da un'errata interpretazione delle interrelazioni dei personaggi, da un ingiustificato inasprimento dei personaggi, fatto per chiarire la loro posizione sociale.

Per giustificare il suo concetto generale, il regista ha dovuto mostrare i vecchi Montecchi e soprattutto i Capuleti come persone militanti e crudeli. In qualsiasi momento, sono pronti a sguainare le spade e precipitarsi nel vivo del combattimento.

Quando Capuleti apprende da Tebaldo che Romeo è presente al suo ballo, è indignato, acceso di rabbia. Nel frattempo, nella tragedia di Shakespeare, Capuleti reagisce con calma a questa notizia e trattiene Tebaldo, pronto a precipitarsi in battaglia.

Per dare ancora più militanza ai Capuleti e ai Montecchi, anche le loro caratteristiche di età sono state modificate nella rappresentazione. Questi non sono anziani, ma persone anziane e ben conservate che vengono al ballo in maschera, ballano con le donne. Intanto Capuleti dice:

Sono finiti i giorni in cui ballavamo...

Aveva venticinque anni, indossavamo le mascherine.

Nella tragedia di Shakespeare, Capuleti è un vecchio dal cuore semplice che crede che "non sia difficile per due anziani non disturbare il mondo", e mantiene l'inimicizia nei confronti di Montecchi solo per tradizione. Nella rappresentazione del Teatro della Rivoluzione, queste parole di Capuleti sono state rilasciate, perché secondo il concetto generale della produzione, era necessario ritrarlo come una persona malvagia e vendicativa. Inoltre è omesso l'intero dialogo con Parigi, in cui il lato buono personaggio dei Capuleti. Al corteggiamento di Paride, risponde bonariamente:

Per favore lei, Parigi, raggiungi la felicità,

Il mio desiderio è parte del suo consenso,

Allo stesso tempo, questa umanità shakespeariana di Capuleti è completata e combinata con la tirannia del padre, che presto chiederà a sua figlia di sposare Paride contro la sua volontà. Nel teatro lo sviluppo dell'immagine è andato perso, la sua integrità e completezza sono state violate.

La rappresentazione succosa e colorata della vita di tutti i giorni a volte ha portato ad alcuni dettagli quotidiani non necessari che danneggiano lo sviluppo scenico delle immagini.

Romeo arriva al ballo indossando una pelle d'orso. Questo lo rende inutilmente divertente. Recita il suo intero monologo poetico avvicinandosi alla rampa, mentre viene sentito da Tebaldo, che è apparso tra le scene dietro di lui in costume da giullare. L'impressione del monologo di Romeo è uccisa dal fatto che il suo viso, che spunta da una pelle d'orso, appare sullo sfondo di un grottesco boccale mascherato.

Nella scena prima del ballo è stato creato un intermezzo che, ovviamente, dovrebbe anche illustrare la vita, ma ciò è stato fatto a scapito della rappresentazione dello stato dei personaggi principali. Mercuzio prende in giro gli umori amorosi di Romeo, che cade "sotto il peso dell'amore" - "e il peso è pesante per questo tenero fardello". Romeo è pronto a rispondere al suo ridicolo, ma in questo momento la scena si riempie di fanciulle in costume. Tutti sono interessati a loro, guardano sotto le maschere. Le ragazze si spaventano e scappano. Solo allora Romeo risponde a Mercuzio: "L'amore è tenero? È ruvido, tagliente, punge ferocemente come spine". Ma il significato di queste parole si perde, perché sono separate dalla domanda dall'episodio dell'apparizione delle ragazze.

L'eccessiva quotidianità era caratteristica della figura dell'infermiera, sebbene secondo il piano del regista, avrebbe dovuto sottolineare soprattutto la vivacità dell'epoca, per diventare l'incarnazione dell'affermazione rinascimentale delle gioie terrene. Ma il desiderio di ritrarre i costumi selvaggi dell'epoca, comuni a tutto lo spettacolo, ha portato a una semplificazione dell'immagine della balia. Pertanto, nel ritratto di una donna bonaria del popolo, con il suo sano umorismo, sono stati introdotti i tratti di un cliente scortese e scontroso, sono state enfatizzate la sua gola e imperiosità.

Una tale interpretazione del ruolo di una tata è tanto più fastidiosa perché questo ruolo è stato abilmente interpretato da O.I. Pyzhov, non solo ogni parola, ma ogni aspetto del quale era invariabilmente accompagnato da risate auditorium. Tutta la sua figura, le espressioni facciali, i gesti caratterizzavano vividamente un semplice, ma Donna intelligente con il suo atteggiamento deliberatamente beffardo nei confronti delle esperienze umane più sottili e complesse di persone che non comprendono le semplici gioie della vita. Con succosi colori fiamminghi, l'artista ha dipinto questa vitalità organica di una donna del popolo mai scoraggiata, la sua fede nel superare tutte le avversità della vita. E allo stesso tempo, Pyzhova ha aggiunto un tocco di una sorta di esperienza professionale alle parole che l'infermiera pronuncia con disprezzo: "Sì, non importa cosa scegli, non sai come scegliere un uomo". E in quel momento, quando Giulietta era disperata perché Romeo aveva ucciso Tebaldo, la reazione della balia suonò una "moralità" filistea palese. Quindi a volte la volgarità oscurava quella profonda tenerezza e devozione che risuona in ogni appello dell'infermiera a Giulietta: "Pecora! Uccello! Signora, Giulietta ..."

Una certa unilateralità delle intenzioni del regista si rifletteva non solo nella caratterizzazione dell'individuo, a volte immagini minori. Il regista è entrato in conflitto con la propria idea nella soluzione generale della tragedia.

INFERNO. Popov ha scritto: “Romeo e Giulietta muoiono, come senza il proprio futuro storico, e sui loro cadaveri avviene la riconciliazione di due clan in guerra, i cui discendenti storici - i borghesi in futuro - continuano a essere dilaniati dalle contraddizioni intraclassi. fino ad oggi Il teatro borghese ha invariabilmente interpretato questa scena come commovente e commovente, volendo sottolineare che l'amore è una forza riconciliatrice: vediamo nell'amore di Romeo e Giulietta una forza che non riconcilia, ma scompone i legami feudali. Senza ricorrere ad alcuna violenza contro l'autore, aiutando solo lui, come artista geniale, contro i suoi limiti come politico, speriamo di smascherare l'ipocrisia di questa riconciliazione attraverso il teatro".

Il regista teatrale parla qui in modo molto convincente della necessità di superare l'approccio astratto-idealistico alla tragedia e opporre ad esso una valutazione storico-concreta di essa. Ma il significato dei processi socio-storici in questi suoi argomenti non è rivelato abbastanza chiaramente, e per certi aspetti anche semplificato.

La morte di Romeo e Giulietta portò alla riconciliazione delle famiglie in guerra. La dialettica del processo storico era precisamente tale che una tale riconciliazione era l'inizio della disintegrazione dei principi feudali. Pertanto, questi concetti non possono essere confrontati. La società borghese, naturalmente, "fino ai giorni nostri è dilaniata da contraddizioni intraclassistiche" e, naturalmente, ha consegnato all'oblio i principi umanistici proclamati all'alba della sua esistenza. Ma in alcune fasi, queste visioni avanzate hanno influenzato la vita e sconfitto l'inerzia di idee obsolete. Le persone che si sono rese conto della depravazione delle loro opinioni antiquate non erano ipocrite quando, a seguito delle dure lezioni della vita, le hanno abbandonate. E non è qui e non in questo che si manifestano i limiti politici di Shakespeare.

Nel tentativo di opporre la sua interpretazione al teatro borghese, che vide il trionfo della virtù nella riconciliazione dei Montecchi e dei Capuleti, Popov vuole imporre a Shakespeare concetti inusuali per la sua epoca, e in sostanza, fa del grande drammaturgo un pessimo psicologo , poiché si scopre che lo stesso Shakespeare è stato ingannato accettando l'espressione di nuovi sentimenti Montecchi e Capuleti al valore nominale. "Conoscendo la successiva storia dello sviluppo delle relazioni borghesi", Popov non tiene ancora conto delle peculiarità di questo fenomeno storico.

In "Romeo e Giulietta" noi stiamo parlando sull'ostilità caratteristica della società feudale e estranea ai rapporti borghesi, sulla lotta tribale, che poneva fine al trionfo dei rapporti borghesi, sostituendola con la concorrenza tra imprenditori e mercanti, estranea a qualsiasi pregiudizio familiare. Dopotutto, il vecchio Grande di Balzac spinge persino fratello in un ciclo quando si tratta di un portafoglio. È impossibile identificare la lotta del Rinascimento contro i principi feudali con le contraddizioni intraclassistiche dell'emergente società borghese. Popov, sostenendo questo, ha interpretato i fatti storici in modo impreciso.

La riconciliazione tra Montecchi e Capuleti simboleggia la sconfitta della morale feudale. In questo atto - l'inizio dell'attuazione di quei nuovi principi di vita che furono proclamati dagli umanisti nel Rinascimento, per i quali ci fu una lotta durante il periodo delle rivoluzioni borghesi. All'epoca in cui Shakespeare creò la sua prima tragedia, era ancora lontano dalla coscienza della crisi dell'umanesimo, che si rifletteva nel periodo successivo della sua opera. Nei suoi primi lavori, il grande drammaturgo ha cantato un inno alti principi umanesimo.

Se consideriamo che la riconciliazione dei clan in guerra era ipocrita, allora la lotta intrapresa da Romeo e Giulietta era priva di significato. Nel frattempo, nella tragedia di Shakespeare, la morte di giovani innamorati non parla della loro sconfitta, ma della vittoria di nuove visioni umanistiche sulla rigidità dei rapporti feudali. I rappresentanti delle famiglie in guerra rinunciano sinceramente alle loro opinioni obsolete, si rendono conto del ruolo fatale in cui hanno svolto tragico destino i loro figli. Questo è il significato profondamente ottimista del finale dell'opera. Se consideriamo che continuano a mentire e all'ipocrisia, allora il finale della tragedia acquista un carattere puramente pessimistico: opinioni e pregiudizi sono ancora vivi, nella lotta contro cui hanno dato la vita persone giovani e piene di forza; niente è cambiato. Con una tale interpretazione, né i toni luminosi e allegri del design, né le risate e il divertimento sul palco salveranno dal pessimismo.

Il difetto nel concetto di Popov ha colpito principalmente l'immagine di Romeo. MF Astangov ha cercato di creare un'immagine di un Romeo sottile, spiritualizzato e intellettuale. È stato un compito davvero innovativo, che ha potuto svolgere sulla base del testo di Shakespeare. Astangov è riuscito davvero a mostrare la ricchezza del mondo spirituale di Romeo, la mente lucida di un giovane che comprende la realtà in un modo nuovo. Ma questo non ha ancora dato luogo alla convergenza delle immagini di Romeo e Amleto, su cui Astangov ha costruito il suo ruolo.

È noto che Popov ha messo in guardia Astangov dal lasciarsi trascinare dall'amletismo quando incarnava l'immagine di Romeo. Ma allo stesso tempo, il suo intero concetto di regia ha spinto l'attore su questa strada.

L'idea del rapporto tra Romeo e Amleto, come già detto, non è nuova. È stato espresso molte volte in letteratura critica. Un certo numero di ricercatori ha insistito sull'unità interna delle immagini di Romeo e Amleto. Ma una tale affermazione era collegata al desiderio di fare di Romeo, come Amleto, l'incarnazione della mancanza di volontà riflessiva. Grazie a questa tendenza profondamente imperfetta, la critica idealista ha modernizzato gli eroi di Shakespeare e ne ha fatto i precursori dei romantici rattristati e disillusi, poi dei mistici e degli individualisti della fine dell'Ottocento. Compito Attore sovietico- per confutare queste visioni astoriche.

Innanzitutto, è sostanzialmente falso che "la volontà di entrambi sia minata", come afferma il ricercatore inglese E. Dowden. In un'atmosfera di forte inimicizia, Romeo non dubita per un momento di aver bisogno di unire la sua vita a Giulietta. Non è fermato dal fatto che ora "la vita è data in pegno al nemico", è tutto - determinazione, senza dubbi.

Romeo cerca di subordinare il corso degli eventi ai suoi sentimenti. Il sentimento una volta per tutte determinò la direzione della sua volontà. È attivo nel suo desiderio di distruggere tutte le barriere che si frappongono tra lui e Juliet. È determinato quando viene a sapere della sua morte. Non c'è un divario fatale tra le sue intenzioni e la loro esecuzione. La morte di Romeo è determinata non dal fatto che la sua "volontà sia minata", ma dal fatto che la realtà si è rivelata più forte di lui.

"Un eccesso di passioni e sentimenti" ha portato gli eroi verterizzati dell'inizio del XIX secolo nel "mondo della fantasia". Ma è il vero sentimento che fa uscire Romeo dal mondo dei sogni in cui viveva prima. L'amore di Romeo acuisce la sua percezione della realtà.

Amleto è un pensatore, filosofo, scettico, che sopravvaluta tutti i valori e si sforza di "mettere" il mondo su un binario di giustizia e umanità. Romeo è un giovane sfuggito prematuramente al solco delle secolari fondamenta del mondo feudale, che lo protegge severamente, e quindi è morto nella lotta per la felicità che non gli è stata data.

Romeo e Amleto sono immagini incommensurabili. Loro rappresentano diversi stadi sviluppo dell'umanesimo. Il primo Rinascimento ha combattuto per la liberazione dell'individuo, ha glorificato il potere onnipotente dei sentimenti terreni. Il periodo di massimo splendore del Rinascimento porta la consapevolezza che le belle idee umanistiche non sono destinate a realizzarsi nella vita.

L'intera storia dell'incarnazione scenica dell'immagine di Romeo confuta chiaramente le teorie speculative che portano al suo riavvicinamento con l'immagine di Amleto. Astangov è stato sedotto da queste teorie inverosimili. La pratica teatrale dal vivo ha vendicato la razionalità del suo piano. Che fine ha fatto l'esecutore che ha deciso di ammucchiare Romeo? Prima di tutto, lo stesso amletismo di Romeo - Astangov si è rivelato molto ridotto e relativo.

Amleto pensa in grande domande generali. Ecco perché le esperienze personali portano alla formulazione di importanti problemi socio-filosofici. Romeo Astangov è privato del potere di tali generalizzazioni. Amleto espone con grande energia le persone disprezzate e odiate. Romeo-Astangov non ha questa netta ostilità nei confronti della realtà. Amleto mette in dubbio tutto. Romeo-Astangov non ha lo scetticismo di Amleto. Cosa rimane di Amleto nell'interpretazione di Romeo di Astangov? Malinconia? In effetti, la malinconia lo possiede completamente. Ma anche nella sua malinconia, Amleto è profondamente diverso dal Romeo del ritratto di Astangov, perché si sente sempre giudice del mondo e non vittima.

Astangov è riuscito a mostrare un Romeo pensante, che comprende tutta l'ingiustizia delle fondamenta feudali che sfigurano i rapporti umani. Ma ha inutilmente sottolineato che Romeo sente la loro forza e invincibilità. L'esecutore ha creato l'immagine di un giovane di quell'epoca, che ha attirato premura e riflessione, ma questo è andato a scapito della sua allegria e allegria. Pertanto, il piano è stato violato non solo dal drammaturgo, ma anche dal regista dell'opera, che ha cercato di sottolineare l'ottimismo di Romeo. Ma l'amletismo del Romeo di Astangov non è stato casuale, è derivato dal concetto generale della performance, in cui la crudeltà del secolo è stata così nettamente enfatizzata. Ecco perché Romeo - Astangov sentiva invariabilmente che una sorta di forza fatale gravitava su di lui. Era depresso e depresso tutto il tempo. Ma non era del tutto chiaro allo spettatore cosa oscurasse la luce e la gioia della vita di questo bellissimo giovane, perché si sottomette completamente al suo umore ansioso, non cerca una via d'uscita, non cerca di influenzare gli eventi. Sembravano scorrergli accanto. Ha vissuto nel suo mondo interiore, in cui regna il sentimento dell'inevitabilità di una catastrofe. Quindi l'eccessiva psicologizzazione ha portato Astangov a una complessità razionalistica dell'immagine.

Non sorprende che la performance di Astangov sia stata emotivamente monotona. La tristezza di un giovane innamorato solo dell'amore, come lo è durante la passione di Rosalina, non abbandona Romeo, che ha trovato in Giulietta la vera incarnazione del suo ideale. L'episodio stesso dell'amore di Romeo e Rosalina è stato accartocciato nel teatro. Nella commedia è uscito un dialogo in cui Lorenzo, saputo dell'amore di Romeo per Giulietta, gli rimprovera l'incostanza. Questo è del tutto naturale nell'interpretazione di Astangov, in cui l'amore occupa poco spazio. Pertanto, tutti i monologhi di Romeo ad Astangov si trasformano in una recitazione lirica. In Shakespeare, invece, la recitazione avviene solo nelle prime scene, quando Romeo parla con incessanti lamentele del terribile potere dell'amore. Questa inutile declamazione si trasforma in un'appassionata espressione di genuino sentimento di vita dal momento in cui Romeo incontra Giulietta.

Ma nella bocca di Astangov, le parole entusiaste suonavano ancora monotone:

Intorno a lei, il bagliore delle torce si spense!

Nella notte brilla come un diamante

Come un brillante orecchino nell'orecchio del Moro;

Lei è troppo preziosa per il mondo!

Come una colomba delle nevi è bianca tra i corvi,

La sua bellezza è un danno per tutti i compagni.

Dopo aver appreso di essere stato catturato dalla figlia di un nemico, Romeo si rende subito conto di quale conflitto complesso e pericoloso sia arrivato con un grande amore. Qui è l'inizio della lotta per il diritto umano alla felicità. Nell'esibizione di Astangov, questo momento è solo una delle manifestazioni di quella fatale disperazione che Romeo aveva provato prima.

Nei monologhi d'amore di Romeo - Astangov al balcone di Giulietta c'è più malinconia che gioia. Più profondo è il suo sentimento, più piena è la sua anima, più forte è la sua tristezza. Come se si rendesse conto che tutto ciò che è bello è destinato alla distruzione. Quando Romeo - Astangov fa appello a Giulietta: "Oh, mia padrona, amore mio!" - allora queste parole non suonano gioia davanti all'amato, ma la consapevolezza del loro comune destino. L'amarezza, insolita per la giovinezza, è intrisa di Romeo-Astangov di tutti i suoi sentimenti.

La natura della performance non cambia con Astangov anche se l'atmosfera tragica si addensa, quando sempre più nuvole si addensano sugli amanti e compaiono i presagi di una catastrofe imminente. L'escalation delle tragiche esperienze si esprime solo nel fatto che Romeo - Astangov diventa sempre più stanco ed esausto.

Astangov ha superato i cliché di un amante lirico che esisteva sul palco, ma nell'immagine che ha creato i colori shakespeariani sono sbiaditi. Non c'erano toni allegri nella tavolozza dell'attore per descrivere il carattere di un uomo del Rinascimento. La coscienza del destino fatale oscura il motivo dell'amore sconfinato e della lotta appassionata per il diritto all'amore, una lotta il cui esito gli è ancora sconosciuto. Ciò non ha dato ad Astangov l'opportunità di elevare la sua interpretazione ai vertici della tragedia sociale, in base ai quali il regista aveva concepito la produzione di Romeo e Giulietta.

Quindi, sono sorte difficoltà eccezionali per l'interprete del ruolo di Giulietta. Aveva bisogno di creare un duetto d'amore con un partner che non rivelasse il potere dell'amore del suo eroe. Ma il ruolo di Giulietta è uno di quelli che richiedono una comunicazione scenica particolarmente sottile con un partner. Nella produzione del Teatro della Rivoluzione, questa comunicazione non c'era, perché Romeo, interpretato da Astangov, poteva smorzare la Giulietta più amorevole. Nel frattempo, l'unità nell'amore è il motivo centrale della tragedia. Tra gli amanti di Shakespeare, è impossibile un sentimento di sfiducia reciproca, falso orgoglio o orgoglio insoddisfatto e altri sentimenti egoisticamente egocentrici, caratteristici di molti eroi dei romanzi e dei drammi dei tempi moderni.

Romeo non conosce sentimenti contrastanti, dubbi sul fatto che il nuovo amore si rivelerà la stessa illusione del precedente, e il fascino di Giulietta è di breve durata come quello di Rosaline che lo ammirava prima.

Un tale sistema di pensieri ed esperienze era tipico dell'eroe del dramma del XIX-XX secolo, costruito sul conflitto degli innamorati, che devono combattere non con ostacoli esterni, ma superare le collisioni psicologiche interne.

Gli amanti shakespeariani non conoscono tali conflitti psicologici. In questo senso, "Romeo e Giulietta" è l'opera di un artista che si trova sull'orlo di due epoche. Questa è l'ultima tragedia dei vecchi tempi, in cui i conflitti che portavano alla morte degli innamorati erano determinati non da conflitti interni, ma esclusivamente da pregiudizi religiosi di classe, che causavano le disgrazie di due infinite amico amorevole amico creatura.

I critici non hanno apprezzato a sufficienza l'originalità creata da M.I. L'immagine di Babanov di Giulietta, e alcuni recensori credevano addirittura che questo ruolo non appartenesse fortuna creativa attrice di talento. E, tuttavia, va detto che è stata l'immagine di Giulietta - Babanova a suscitare grande interesse per la performance.

Tra le immagini shakespeariane femminili, con poche eccezioni, non ancora sufficientemente sviluppate sulla scena sovietica, l'immagine di Giulietta-Babanova spicca per la freschezza e la novità della soluzione. Questa immagine porta il segno dell'individualità creativa di un'artista in ricerca, che è in grado di comprendere il ruolo a modo suo e non seguire la tradizione generalmente accettata, anche se questa tradizione proviene da artisti famosi. Uno degli spettatori ha parlato con grande spontaneità del fascino speciale dell'immagine di Giulietta - Babanova: "Probabilmente ci sono altre Giuliette, ma non vuoi crederci quando vedi Babanova". La fonte di questo fascino diventa chiara guardando l'acquerello dell'artista A. Fonvizin, raffigurante Babanova. Vediamo una ragazza, quasi una ragazza, con una speciale rotondità di linee insita solo nei bambini, un viso ovale morbido. Ma la ragazza ha pensato profondamente a qualcosa e in profonda riflessione, proprio come un adulto, ha appoggiato la testa sulla mano. Il suo sguardo è fisso sulla distanza. In questo sguardo, la mente, il pensiero. Questa è la visione di un bambino che conosce il mondo, che non solo conosce la realtà, ma la comprende intensamente. Qui è stata catturata la cosa tipica che definisce il volto creativo dell'artista. È particolarmente vicina al mondo spirituale di un giovane essere che entra nella vita e la comprende. Tali erano le sue giovani eroine sovietiche, determinate a partecipare attivamente alla costruzione di una nuova vita. Questo atteggiamento determina la sua concezione dell'immagine shakespeariana.

Babanova non modernizza l'immagine di Giulietta. Osservando le distanze storiche, trasmette il pathos di un vero uomo del Rinascimento, che dovrà non solo vedere il mondo in un modo nuovo, ma soprattutto affermare la sua volontà a dispetto di questo mondo. Di conseguenza, con questa idea, Babanova sottolinea che la giovane Giulietta è ancora una bambina, ma una bambina che agirà sempre a modo suo, non obbedendo agli adulti che non capiscono qual è la cosa più importante, più interessante della vita, perché gli adulti hanno le loro stupide idee sul mondo. Un bambino del genere non può essere persuaso, non può essere piegato. Tuttavia, questo è solo un bambino che sente di avere ragione, e non un adulto che ne è consapevole. Pertanto, la determinazione di Giulietta a lottare per il suo amore fino alla fine nasce piuttosto dalla perseveranza di un bambino che dalla volontà di una persona matura. Questi sono i punti di forza e di debolezza della performance di Babanova.

Per Juliet, arriva un momento nella vita in cui deve rivalutare il suo mondo precedente, tutto ciò che vivono suo padre, sua madre, tutti coloro che la circondano, per rendersi conto che questo mondo è sbagliato rispetto a se stessa. In Juliet - Babanova, invece della consapevolezza dell'erroneità del mondo, appare spesso un risentimento infantile contro il mondo. I gesti e i movimenti acuti e spezzati che l'artista trova per esprimere i sentimenti della sua eroina possono essere spiegati solo dal capriccio della bambina. Tutto ciò impedisce a Babanova di rivelare la tragedia dell'immagine e talvolta oscura il vero valore che ha contribuito all'esecuzione del ruolo.

Babanova ha creato un'incarnazione unica dell'amore nella sua eccezionale poesia e sincerità. L'attrice rivela l'amore di Giulietta come un sentimento luminoso, puro e allo stesso tempo completamente eccitante, eccezionale. La tenerezza di Giulietta, che così spesso suona falsa e finta dal palcoscenico, brillava nella voce dell'artista, come scoppi di un ruscello, come un suono di cristallo. Vale la pena chiudere gli occhi per un minuto e immaginare mentalmente come ha detto: "Romeo, caro!" - e subito nella memoria sorge un'immagine affascinante dell'eroina di Shakespeare. Le parole d'amore di Babanova suonano come una bellissima melodia. Esclusivamente voce musicale, esprimendo le sfumature più sottili di sentimenti e stati d'animo, ha offerto all'artista eccellenti opportunità per incarnare i sentimenti tremanti di Giulietta.

Senza amore, non c'è Giulietta. E ritrarre l'amore come ha fatto Babanova è un grande merito dell'artista e un grande contributo alla storia della creazione dell'immagine di Giulietta. Guardando Juliet - Babanova, lo spettatore ha sentito di essere stata creata "per amore, per un momento completo e meraviglioso".

Quando Babanova, tutta vestita di bianco, con ricami bianchi tra le mani, è volata sul palco, era tutta l'incarnazione della poesia e della giovinezza. La poesia che l'intero essere di Giulietta ha respirato deve essere tradotta nella poesia dell'amore. Questo è lo scopo dell'eroina shakespeariana. Questo è il senso della sua vita. Per raggiungerlo, ha ancora molta strada da fare. Una ragazza sottomessa alla volontà dei suoi genitori, una ragazza che ha sentito "l'inizio di una passione fatale", una donna che decide che se "non ci sono mezzi per salvare il mio amore, deciderò di andarmene luce bianca", - queste sono le fasi che diventano i punti di riferimento dell'attrice per il ruolo. Babanova mostra come si sviluppa la mente di Juliet, come si manifesta nel suo comportamento sempre più risoluto. Per Juliet l'amore non è sospiri e recitazione, ma una questione di vita. Ecco perché l'artista ha così tanto successo tutte quelle osservazioni in cui si manifesta il magazzino realistico del carattere della sua eroina.

Più di una volta, gli interpreti di questo ruolo hanno suscitato risate nell'auditorium quando hanno pronunciato le parole con cui la ragazza ha rifiutato i giuramenti del suo amante: "Oh, non giurare per la luna che cambia, che cambia aspetto ogni mese in modo che l'amore non diventa mutevole." Inoltre, l'approccio quasi professionale di Giulietta ai rapporti con Romeo ha suscitato risate:

Quando la tua inclinazione verso di me è seria

E se vuoi sposarti, fammelo sapere

Con quelli che vengono da me al mattino,

Dove e quando vuoi sposarti...

La fretta con cui Giulietta si fa avanti con le sue domande non era priva di un pizzico di volgarità in alcune attrici. In bocca a Giulietta - Babanova, queste parole suonano molto naturali e ingenue. È vero, c'è un pizzico di astuzia in loro, ma questa è l'astuzia di un bambino che non si rende conto che le persone hanno pensieri ulteriori, considerazioni estranee. Questa immediatezza, associata all'integrità della natura e ancora non sviluppata, ma una mente lucida, offre a Juliet l'opportunità di comprendere situazioni complesse e intricate.

Ricordiamo la scena in cui apprende dall'infermiera che Romeo ha ucciso Tebaldo. Per un momento, Juliet è una ragazza, confusa dall'imprevisto di quanto accaduto. Ma l'idea sta già iniziando a funzionare. Com'è possibile che una persona vicina ne uccida un'altra amata? Come capire che colui che sembrava perfetto è in realtà l'opposto di ciò che sembrava essere? Le domande sorgono una dopo l'altra. E improvvisamente la sua mano afferra il pugnale. Il sangue di Tebaldo si accende in lei. Ma vince la ragione. Dopotutto, questa non è un'opzione! E la sensazione dice: cosa aspetta Romeo adesso?

Una mente lucida trova una via d'uscita da contraddizioni apparentemente insolubili. Babanova crea un cambiamento psicologicamente avvincente ed eccitante di stati d'animo contrastanti. Eccola in ginocchio, piegata, con la testa che quasi tocca terra. Non solo ha il cuore spezzato, ma è depressa per le cose incomprensibili e assurde che stanno accadendo nel mondo. All'improvviso alza la testa e gradualmente si raddrizza. Allarga le braccia, in modo che sia facile e libero respirare. È di nuovo la vecchia Giulietta. Soluzione trovata.

Hai ucciso tuo fratello

Sciupare! Ma un fratello cattivo ucciderebbe

Mia moglie. Torna indietro, lacrime.

Alla fonte. Siete tributari del dolore

E per sbaglio versi la felicità:

Il marito vive! Tebaldo voleva ucciderlo.

Tebaldo viene ucciso. Voleva uccidere suo marito.

Va tutto bene. Perché dovrei piangere?

In questo ragionamento trova una spiegazione dell'essenza delle cose. Giulietta - Babanova tutto si chiarisce, si illumina per realizzare in un minuto con orrore la notizia della cacciata di Romeo. Babanova è riuscita a interpretare questa delle scene più difficili con grande brillantezza, poiché si è resa conto che solo la mente libera di una persona poteva dettare tali discorsi a Giulietta.

Un diverso tipo di difficoltà è contenuto per l'esecutore nella scena successiva di un incontro notturno. Qui il ruolo va nello stesso registro: Giulietta è amorevole e felice. Babanova avrebbe dovuto trasmettere la complessità del sentimento che unisce diverse sfumature di egoismo e sacrificio, la fioritura della personalità e la sua dissoluzione nella personalità di un altro.

Giulietta è felice. Non vuole lasciare andare Romeo, anche se sa che all'alba deve partire. L'artista mette tutto il suo fascino nelle parole con cui Giulietta persuade il suo amante:

Vuoi andare via? Dopotutto, la mattina non è presto;

Non un'allodola, un usignolo trafitto

Le tue orecchie sono all'erta. Di notte lui

Canta su un melograno.

Credimi, amore mio, è un usignolo.

Ma l'egoismo dell'amore viene presto sostituito dalla paura per l'amato, e subito le note della paura irrompono nell'unica melodia dell'amore.

Parti presto!

Quell'allodola canta così stonata,

Tirando fuori un suono duro e tagliente.

Tutti questi momenti meravigliosi separati creano un'immagine particolare e accattivante, tuttavia, a volte troppo infantile e quindi non ha ricevuto un suono eroico. Ma l'artista ha trasmesso al giovane Capuleti il ​​fascino dell'amore e la brillantezza della mente - e questa nuova comprensione del personaggio di Shakespeare ha sostenuto l'intero concetto dell'opera, che racconta di persone grandi e reali.

INFERNO. Popov è riuscito a svolgere il compito gratificante di dare un'interpretazione aggiornata della tragedia, che ha cambiato radicalmente l'interpretazione scenica prevalente di essa. Una rottura completa e incondizionata con i cliché lirici si è riflessa nella sequenza con cui svolge il tema della tragica lotta per una nuova comprensione della vita e dell'amore durante tutta la performance. È riuscito a mostrare il dramma d'amore sul palco come una tragedia sociale. Le immagini della tragedia erano intese come creazioni tipiche dei tempi. Il merito di Popov sta nella riproduzione storicamente concreta dell'epoca, estranea alla stilizzazione, nel profondo sviluppo psicologico delle relazioni sociali, nell'esacerbazione dei conflitti sociali, nel "ritmo gorgogliante della performance" che trasmette la struttura tragica dell'opera, in generale - nella lotta per il realismo di Shakespeare. Ma la posizione polemica di Popov lo ha talvolta portato a semplificare la storia e quindi a conclusioni errate, che, contrariamente alle intenzioni del regista, hanno avuto un duro effetto sulla sua produzione.

Letteratura

• 1. "Decennio teatrale", 1935, n. 13, pp. 7-8.
• 2. Alexey Popov, Sull'integrità artistica della performance, M., "Art", 1957, pp. 48-49.
• 3. E. Dowden, Shakespeare. Studio critico del suo pensiero e della sua opera, p.103.
• 4. V.G. Belinsky, Lettere scelte, volume II, Mosca, Goslitizdat, 1955, pagina 150.