Artisti primitivi del XX secolo. Primitivismo - arte ingenua

Lo stile del primitivismo nella pittura ha trovato ampia applicazione. Prima di tutto, artisti autodidatti che non avevano competenze professionali sufficienti, ma cercavano di mostrare se stessi e la loro visione del mondo, sono diventati rappresentanti di questa tendenza. Come ogni altra innovazione, il primitivismo ha causato grandi artisti che cercavano fama lunghi anni dopo la formazione, erano insoddisfatti della nuova direzione della pittura, che non ha impiegato metà della vita dei creatori per affinare le loro capacità artistiche. Tuttavia, alla maggior parte dei critici d'arte piacevano i capolavori semplici e il primitivismo prese comunque il suo posto in un'enorme varietà di stili.

Caratteristiche del primitivismo

Il primitivismo nella pittura è caratterizzato da una semplificazione delle immagini: gli artisti distorcono il mondo, che rende i dipinti più simili ai normali disegni dei bambini. Tuttavia, le modifiche sono state apportate intenzionalmente: attraverso l'illusione della semplicità e della trascuratezza, si vede significato profondo lavori. Come in tutti gli altri stili artistici, i dettagli sono importanti nel primitivismo: portano il carico semantico principale.

Arte brutta

L'art brut è un ramo importante del primitivismo. Un sinonimo della definizione è il termine "arte estranea". Le opere di questa industria rappresentano il mondo dei malati di mente o dei mostri che un tempo si allontanavano dalla società e si tuffavano in una realtà speciale. Viene considerata una caratteristica importante dell'art brut completa assenza chiari confini tra le fantasie dell'artista e vita reale. abbondanza piccole parti suggerisce la sconsideratezza della vita e la vana fretta mondo moderno- questo è uno dei messaggi più comuni dell'autore sull'art brut.

L'opinione che nessuna idea si nasconda dietro l'ingenuità delle immagini è errata. Il primitivismo non è saturo di entourage, ma stato interno anime. Può essere notato solo dopo un'attenta considerazione e analisi dei dettagli raffigurati: qui uno sguardo superficiale non è appropriato.

Come imparare a identificare correttamente il primitivismo nella pittura

Il primitivismo non esiste senza l'ingenuità e l'estro spontaneo dell'autore. Una persona che incontra per la prima volta tali storie prova un sentimento simile alla nostalgia. La visione del mondo da parte dei bambini risiede in proporzioni spezzate, colori brillanti e saturi, profonde sfumature morali. Un uomo nel primitivismo è più simile a una bambola che a carattere reale- si aggiunge al suo mistero.

La capacità di prestare attenzione ai dettagli e interpretarli correttamente è un vero talento. Quando si determina stile artistico non sarà ridondante. Puoi imparare a capire l'artista da solo. Per fare ciò, vale la pena ricordare alcuni criteri importanti, notando che sarà facile distinguere le opere del primitivismo dal surrealismo.

In primo luogo, colori puri. L'abbondanza di toni e semitoni, chiaroscuri, profondità dello spazio: questo non è primitivismo. L'arte naif utilizza colori pastello puri o, al contrario, tonalità eccessivamente luminose. In secondo luogo, proporzioni rotte. Se l'immagine ricorda illustrazioni stilizzate per libro di fantasia Quindi è primitivismo. In terzo luogo, mescolando la realtà con idee fantastiche: il primitivismo nella pittura combina un paesaggio calmo e colori troppo accattivanti, una persona e creature incredibili.

Eccezionali rappresentanti dello stile del primitivismo

Non solo astrattisti e surrealisti è pieno pittura moderna. Il primitivismo ha aperto la strada a molti creatori di talento il cui lavoro non era stato precedentemente riconosciuto. Tra loro ci sono Babushka Moses, Henri Rousseau, Niko Pirosmani, Maria Primachenko, Alena Azernaya e molti altri. Le immagini dei più famosi artisti primitivi sono conservate nel Museo di Arte Naïf di Nizza.

Il mondo dell'infanzia

Il primitivismo nella pittura occupa un posto speciale. Prima di tutto, ciò è dovuto alla capacità unica degli artisti di immergere una persona nel mondo della disattenzione, dell'ingenuità e della purezza spirituale. Nonostante la mancanza di educazione artistica tra molti primitivisti, i dipinti sono pieni di ciò che manca così tanto alla maggior parte delle altre aree: l'umore. Gli amanti dell'arte lo capiscono e lo apprezzano, motivo per cui le opere del genere primitivismo sono così popolari.

Tivadar Kostka è nato il 5 luglio 1853, nel villaggio di montagna di Kishseben, che apparteneva all'Austria (ora Sabinov, Slovacchia) - un artista ungherese autodidatta.

Suo padre Lasli Kostka era medico e farmacista. Il futuro artista sapeva fin dall'infanzia che sarebbe diventato un farmacista. Ma prima di diventarlo, ha cambiato molte professioni: ha lavorato come addetto alle vendite, ha frequentato per qualche tempo lezioni alla Facoltà di Giurisprudenza e solo successivamente ha studiato farmacologia.

Una volta, aveva già 28 anni, mentre era in una farmacia, ha afferrato una matita e ha disegnato su un modulo di prescrizione una semplice scena che ha visto dalla finestra: un carro che passa trainato da bufali.

Da quel momento, o anche prima, intendeva fermamente diventare un artista, per questo cercava di mettere insieme un piccolo capitale, che gli desse indipendenza materiale.

« vecchio pescatore»

Ha scritto quanto segue su se stesso: “Io, Tivadar Kostka, ho rinunciato alla mia giovinezza per il rinnovamento del mondo. Quando ho preso l'iniziazione dallo spirito invisibile, avevo una posizione sicura, vivevo in abbondanza e conforto. Ma ho lasciato la mia patria perché volevo vederla alla fine della mia vita ricca e gloriosa. Per raggiungere questo obiettivo, ho viaggiato molto in Europa, Asia e Africa. Volevo trovare la verità che mi era stata predetta e trasformarla in pittura.

Sembra che l'idea di diventare un artista ossessionasse costantemente Tivadar Kostka.

Un giorno va a Roma, poi a Parigi, dove incontra il famoso artista ungherese Mihaly Munkácsy.

E poi torna in patria, e per quattordici anni lavora in una farmacia, cercando di raggiungere l'indipendenza finanziaria. Finalmente è stato accumulato un piccolo capitale e un bel giorno affitta una farmacia e parte per studiare, prima a Monaco e poi a Parigi.

Quello che segue è il noto principio di costruire il destino di un genio non riconosciuto.
Si rese conto che le competenze che avrebbe acquisito nel corso dei suoi studi non corrispondevano alla sua percezione. Pertanto, abbandonò la scuola e nel 1895 fece un viaggio in Italia per dipingere paesaggi. Viaggiato in tutta la Grecia Nord Africa e il Medio Oriente.

Nel 1900 cambiò il suo cognome Kostka nello pseudonimo di Chontvari.

Il valore delle sue opere è stato messo in discussione da molti critici. In Europa sono stati esposti (anche se senza successo speciale), ma nella sua nativa Ungheria, Chontvari fu una volta per tutte chiamato pazzo. Solo verso la fine della sua vita venne a Budapest e vi portò le sue tele. Ho provato a lasciarli in eredità al museo locale, ma nessuno ne aveva bisogno. Nel 1919, Tivadar Kostka Chontvari impazzì davvero e morì povero, solo, ridicolizzato e inutile.

Dopo aver seppellito gli sfortunati, i parenti iniziarono a condividere il bene. E tutto andava bene - solo immagini. E così, dopo essersi consultati con gli "esperti", decisero di rottamare le tele, come una normale tela, e dividere tra loro i soldi, in modo che tutto fosse giusto.

In quel momento, per caso, o per niente (strana coincidenza, però!), passò di lì un giovane architetto, Gedeon Gerlotsi. È stato lui a salvare le creazioni dell'artista, pagandole un po 'di più di quanto offerto dal rigattiere. Ora i dipinti di Tivadar Chontvari sono conservati nel museo della città di Pecs (Ungheria).

E proprio di recente, uno dei dipendenti del museo, mentre esaminava il dipinto di Kostka "Il vecchio pescatore", dipinto nel 1902, ebbe l'idea di attaccarvi uno specchio. E poi ha visto che l'immagine sulla tela non era una, ma almeno due! Prova a dividere tu stesso la tela con uno specchio e vedrai o un dio seduto su una barca sullo sfondo di un paesaggio pacifico, si potrebbe dire, paradisiaco, o il diavolo stesso, dietro il quale infuriano onde nere. O forse in altri dipinti di Chontvari, ci sono significato nascosto? Dopotutto, si scopre che l'ex farmacista del villaggio di Iglo non era così semplice.

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Dettagli Categoria: Una varietà di stili e tendenze nell'arte e le loro caratteristiche Inserito il 24/07/2015 19:12 Visualizzazioni: 4998

Questa tendenza ha avuto origine in belle arti FINE XIX-inizio 20 ° secolo È diverso deliberato semplificazione mezzi visivi e l'appello degli artisti alle forme dell'arte primitiva: arte primitiva, medievale, popolare, per bambini.

Di solito i concetti di "primitivismo" e "arte ingenua" sono equiparati. Ma siamo fortemente in disaccordo con questo, perché arte ingenua- questa è l'arte dei non professionisti e il primitivismo è in una certa misura una stilizzazione. Vediamo dipinti "primitivi" di molti artisti che avevano accademici educazione artistica o che hanno superato la scuola di pittura di vari maestri. Avevano esperienza anche in altri stili. Questi sono, ad esempio, Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Pablo Picasso, Natalia Goncharova, Paul Klee, Kliment Redko, Yuri Vasnetsov e molti altri. Forse il lavoro di così grandi maestri non è del tutto corretto chiamare "stilizzazione", questo è il loro proprio stile, che si basa sulla plasticità dell'arte primitiva. Ma neanche il loro lavoro può essere definito ingenuo, perché metodi primitivi espressione creativa hanno scelto deliberatamente, e non per mancanza di educazione artistica. Per esempio, artista professionista Sergey Zagraevsky fin dall'inizio del suo attività creativa conserva lo stesso stile caratteristico. Chiameremo questo stile primitivismo. E qualcuno, forse, discuterà con noi e attribuirà i suoi dipinti all'arte ingenua.

Sergei Zagraevsky "Meleto" (1992)
Naturalmente, è impossibile mettere in un certo stile la varietà di modi creativi di autoespressione, calligrafia e tecniche. Mai pensiero artistico non è limitato alla portata dello stile, una volta per tutte la direzione scelta.
A questo proposito, vorrei ricordare il lavoro di M. Chagall.

M. Chagall "Crocifissione bianca" (1938). Olio su tela, 254,3 x 139,7 cm Art Institute (Chicago)
Il dipinto è stato creato dall'artista sotto l'influenza delle impressioni della persecuzione degli ebrei nel centro e Europa orientale. Lei è allegorica. L'immagine di Gesù crocifisso per Chagall è un nuovo simbolo: gli ebrei che sperimentano tormenti mortali.
Simbolismo, storicismo e l'ingenua serietà del primitivismo si mescolano in questo quadro.

Chagall (1887-1985)

Nato a Vitebsk. Ha ricevuto una tradizionale educazione ebraica domestica. Ha studiato alla Scuola di Disegno della Società per l'Incoraggiamento delle Arti, con L.S. Bakst in privato scuola d'arte E. N. Zvantseva, ha poi continuato la sua educazione artistica a Parigi, dove ha incontrato artisti e poeti d'avanguardia.
Ovunque abbia vissuto: a San Pietroburgo, Parigi, USA - ovunque è rimasto figlio del popolo ebraico, ma ha sempre tenuto nel cuore città natale, disegnando le sue strade tranquille e le case basse. Vitebsk è definito il secondo "modello" più importante dell'artista. E la prima è stata Bella, moglie e musa - dal 1909 fino alla fine della sua vita.

M. Chagall "Sulla città" (1918)
In Chagall è chiaramente visibile la consapevole primitivizzazione del linguaggio plastico, solo in questa forma poteva (e voleva) esprimersi. Ha detto questo sui suoi tentativi di diventare un artista: “Immagino di non essere generalmente incline all'apprendimento. Oppure non hanno saputo insegnarmi... Posso solo seguire il mio istinto. Capisci? UN regole di scuola Non entro nella mia testa".
Chagall ha studiato non solo con gli artisti d'avanguardia, ma ha anche lavorato con il maestro dei segni. Nel popolo di Vitebsk scuola d'arte Chagall, insieme ai maestri dell'insegna e ai loro studenti, ha preparato il disegno della città per il 1° anniversario della rivoluzione. L'artista ha studiato creatività dei bambini. Nel suo libro "La mia vita" scrive: "Non mi stancavo di ammirare i loro disegni, il loro balbettio ispirato ...". Nelle sue opere, soprattutto nella grafica, sono comparse le caratteristiche del disegno di un bambino.
M. Chagall amava le scene quotidiane e le riempiva di fantasia, premonizione di un miracolo, simboli mitologici e animali.

Alle origini del primitivismo europeo ci sono le opere di P. Gauguin, A. Matisse, A. Modigliani.

Henri Matisse (1869-1954)

A. Matisse - artista francese e scultore, capofila della corrente fauvista. Stava cercando la propria strada: prima ha dipinto nello spirito dell'impressionismo, poi ha lavorato con la tecnica del puntinismo (nell'articolo "Post-impressionismo"), e successivamente ha creato un nuovo stile, entrato nella storia dell'arte con il nome di "Fauvismo". Per i suoi dipinti del periodo dell'inizio del XX secolo. caratterizzato da forme piatte, linee nette e puntinismo meno rigoroso.
Nel 1906 Matisse visitò l'Algeria e scoprì la scultura dei popoli dell'Africa, si interessò al primitivismo e alle xilografie giapponesi classiche.

A. Matisse "Natura morta con arance" (1912)

Amedeo Modigliani (1884-1920)

Un pittore e scultore italiano che ha lavorato principalmente nello stile espressionista. Ma, dopo aver sperimentato l'influenza di molti artisti della scuola parigina (Toulouse-Lautrec, Cézanne, Picasso, Renoir), ne ha assorbito i lineamenti. Ci sono anche echi di primitivismo e astrazione nel suo lavoro.

A. Modigliani "Ritratto di Maria Vasilyeva" (1918)
Tuttavia, alcuni critici d'arte considerano il primitivismo un travestimento stilistico per l'espressionismo. Ad esempio, le creazioni del brillante espressionista austriaco Oskar Kokoschka ricordano solo agli specialisti immagini popolari.

Dipinto di Oskar Kokoschka
Alcuni artisti del primo Novecento, appartenenti a vari direzioni artistiche e stili, ci sono opere nello stile del primitivismo. Ecco alcuni esempi di questi lavori.

P. Picasso "Ballerino" (1907-1908)

M. Larionov "Parrucchiere ufficiale" (1909)

P. Klee "Acrobazie" (1923)

P. Gauguin "Cristo giallo" (1889). Tela, olio. 91,1 x 74,3 cm Galleria Albright-Knox (Buffalo)
Questo dipinto di P. Gauguin è considerato uno dei opere chiave nel simbolismo, ma eseguito nello stile del primitivismo.
Il tormento sconfinato accettato da Cristo contraddice l '"invisibilità" di questo sacrificio da parte delle persone. L'artista si rivolge al tema "eterno", cercando di comprendere e spiegare a se stesso e agli altri nelle sue opere il significato del servizio sacrificale. argomento principale immagini - l'alienazione umana sia da Dio che dal cielo. Ma anche nell'espressione sul volto di Cristo stesso si legge non tanto l'amore per l'umanità quanto i dubbi sul fatto che il suo sacrificio sia stato vano: il suo volto riflette quello stadio di sofferenza che rasenta l'apatia, l'indifferenza per tutto ciò che lo circonda.

"Venus" di M. Larionov (1912), creato nello stile del primitivismo, sembra un disegno su una staccionata, e anche con un'iscrizione. Naturalmente, qui non si può parlare di arte ingenua: questa è una stilizzazione ovvia e deliberata, una presa in giro.

N. Goncharova "Round dance" (1910)
Ma il primitivismo di N. Goncharova si esprime nella ruvida monumentalità delle figure contadine. Nonostante la staticità artificiale delle sue immagini, i dipinti di N. Goncharova sono pieni di un potente moto perpetuo. Il suo primitivismo è una variante dell'espressionismo.
E ora gli artisti si rivolgono spesso a questo stile. Il primitivo non è vincolato dalla tradizione della "scuola", è libero da canoni, da qui la sua immediatezza.
Due varietà di primitivo: stampa popolare e romantico-idilliaco - si sono rivelate longeve. Continuano a vivere nel primitivo dei nostri giorni.

D. Zavgorodniy "Strano toro"

D. Zavgorodniy "Aurora boreale"

) nelle sue opere espressive e ampie ha saputo conservare la trasparenza della nebbia, la leggerezza della vela, il dolce dondolio della nave sulle onde.

I suoi dipinti stupiscono per la loro profondità, volume, saturazione e la trama è tale che è impossibile distogliere lo sguardo da loro.

Calda semplicità Valentina Gubareva

Artista primitivo di Minsk Valentin Gubarev non inseguendo la fama e facendo solo ciò che ama. Il suo lavoro è follemente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi compatrioti. A metà degli anni '90, il francese si innamorò dei suoi schizzi quotidiani e firmò un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, a quanto pare, dovrebbero essere comprensibili solo a noi, portatori del "fascino modesto del socialismo sottosviluppato", piacquero al pubblico europeo e iniziarono mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Realismo sensuale di Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov ha 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea nelle migliori tradizioni della classica scuola russa di realismo ritratto dipinto. Le eroine dei suoi dipinti sono tenere e indifese nelle loro donne seminude. Su molti dei dipinti famosi sono raffigurate la musa e la moglie dell'artista, Natalia.

Il mondo miope di Philip Barlow

Nell'era moderna delle immagini alta definizione e il periodo di massimo splendore dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow (Philip Barlow) attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, è necessario un certo sforzo da parte dello spettatore per costringersi a guardare sagome sfocate e punti luminosi sulle tele dell'autore. Probabilmente è così che le persone che soffrono di miopia vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.

Sunny Bunnies di Laurent Parcelier

La pittura di Laurent Parcelier lo è mondo meraviglioso in cui non c'è né tristezza né sconforto. Non troverai immagini cupe e piovose in lui. C'è molta luce, aria e colori vivaci sulle sue tele, che l'artista applica con tratti caratteristici e riconoscibili. Questo crea la sensazione che i dipinti siano tessuti da migliaia di raggi di sole.

Dinamiche urbane nelle opere di Jeremy Mann

Olio su pannelli di legno Artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici della metropoli moderna. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel trambusto della città, ma può anche esprimere la calma che deriva dalla contemplazione della quieta bellezza", afferma il artista.

Il mondo illusorio di Neil Simon

Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone (Neil Simone) tutto non è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo intorno a me è una serie di forme, ombre e confini fragili e in continua evoluzione", afferma Simon. E nei suoi dipinti tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono spazzati via e le storie confluiscono l'una nell'altra.

Il dramma amoroso di Giuseppe Lorasso

L'artista americano contemporaneo di origine italiana Joseph Lorusso trasferisce su tela le scene che ha visto Vita di ogni giorno persone normali. Baci e abbracci, slanci appassionati, momenti di tenerezza e desiderio riempiono le sue immagini emotive.

La vita del villaggio di Dmitry Levin

Dmitry Levin è un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è affermato come rappresentante di talento della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è l'attaccamento alla natura, che ama teneramente e appassionatamente e di cui si sente parte.

Bright East Valery Blokhin