Vecchio pescatore. Tivadar Kostka Chontvari, dipinto "Old Fisherman": foto, il mistero del dipinto Tivadar Kostka Chontvari vecchio pescatore 1902
In quasi tutti lavoro significativo l'arte è un mistero, un "doppio fondo" o storia segreta che vuoi aprire.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.
Frammento di trittico
Controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa Artista olandese non sono diminuiti dal suo inizio. Nell'ala destra del trittico detto "Inferno musicale" sono raffigurati peccatori che vengono torturati negli inferi con l'aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note impresse sulle natiche. La studentessa dell'Oklahoma Christian University Amelia Hamrick, che ha studiato il dipinto, ha tradotto la notazione del XVI secolo in modo moderno e ha registrato "una canzone dal culo dall'inferno, che ha 500 anni".
Gioconda nuda
La famosa "Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", è stata scritta da artista poco conosciuto Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui a fare da modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni che vestite con un abito da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Gioconda.
Vecchio Pescatore
Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Old Fisherman". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivadar vi ha posto un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.
Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona possono esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".
Sembrerebbe che, paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e il mare del deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si sono radunate sulla riva per un motivo: nell'originale, hanno esaminato la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha ridipinto il dipinto.
Due "Colazioni sull'erba"
Édouard Manet, Pranzo sull'erba, 1863.
Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".
Gemelli nell'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse " ultima cena”, ha attribuito particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle modelle per loro da molto tempo. Finalmente riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantori. Leonardo non è riuscito a trovare una modella per Giuda per tre anni. Ma un giorno si imbatté in un ubriacone che giaceva nel canale di scolo per strada. Era un giovane che era stato invecchiato dal bere pesante. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a scrivere da lui Giuda. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Qualche anno fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo scrisse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt, " La Guardia notturna", 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", è rimasto in diverse sale per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano risaltare su uno sfondo scuro, fu chiamato Night Watch, e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si è scoperto che nella sala il quadro era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne deformava il colore. Dopo aver cancellato il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
barca capovolta
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Al Museo di New York arte contemporanea nel 1961 fu esposto il dipinto "La barca" di Henri Matisse. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il quadro era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non sbagliare su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe trovarsi nella parte superiore del dipinto e la punta della vela del dipinto dovrebbe essere diretta nell'angolo in alto a destra.
L'inganno in un autoritratto
Vincent van Gogh, Autoritratto con la pipa, 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh avrebbe tagliato il proprio orecchio. Ora la versione più attendibile è che l'orecchio di van Gogh sia stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato, perché durante il lavoro utilizzava uno specchio. In effetti, l'orecchio sinistro era danneggiato.
orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattina a pineta", 1889.
Il famoso dipinto appartiene non solo al pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano all '"aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, che aveva dipinto paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non sarebbe andato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si è rivolto a un noto pittore di animali Konstantin Savitsky.
Savitsky ha disegnato forse i migliori orsi della storia Pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel quadro “partendo dall'idea e finendo con l'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di metodo creativo caratteristico di Shishkin.
Storia innocente "Gotico"
Concedi Legno, gotico americano", 1930.
L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti nella storia della pittura americana. L'immagine con un padre e una figlia cupi trabocca di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta all'interno stile gotico e decise di ritrarre quelle persone che, a suo avviso, sarebbero state ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi da cui la gente dell'Iowa era così offesa.
La vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" è stato dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si è deteriorato quando ha scritto su uno dei quadri "a volte sputo su un ritratto di mia madre, e mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare tale scioccante.
Nel suo libro del 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni dopo, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il quadro "Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità". La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la cromia del dipinto richiamano chiaramente la Figura alla finestra. C'è una versione secondo cui è così che Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che è entrato storia d'amore con Zeus, assomigliava al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, ha cominciato a somigliare al volto di Gertier Dirks, l'amante di Rembrandt, con cui l'artista ha vissuto dopo la morte della moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquisì un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Per l'artista, il colore, il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è sostenuta da inquietanti toni gialli.
I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore da parte del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta con toni verde-giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e il suo sorriso è bello nella sua misteriosità. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Mentre esaminava le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche cicatrici intorno alla sua bocca. "Sorride così tanto proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del viso
Pavel Fedotov, Il matchmaking del maggiore, 1848.
Il pubblico, che ha visto per la prima volta il dipinto "Major's Matchmaking", ha riso di gusto: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili agli spettatori dell'epoca. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: è apparso senza i bouquet adeguati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa è stata dimessa dai suoi genitori mercantili in un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza ovviamente si è provata per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché Freedom è nuda
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertà alle barricate, 1830.
Secondo lo storico dell'arte Etienne Julie, Delacroix ha dipinto il volto di una donna del famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anna-Charlotte, che è andata alle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e ha ucciso nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: i seni nudi mostrano che Svoboda, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.
quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, Piazza suprematista nera, 1915.
In effetti, il "Quadrato Nero" non è affatto nero e per niente quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e nessuno dei lati della cornice quadrata che inquadra il quadro. UN colore scuro- Questo è il risultato della miscelazione di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.
Specialisti Galleria Tretyakov trovato l'iscrizione dell'autore su dipinto famoso Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una caverna buia". Questa frase si riferisce al nome del giocoso dipinto del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais "Battaglia dei negri in una caverna oscura nel cuore della notte", che era un rettangolo assolutamente nero.
Melodramma della Gioconda austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore di Adele e artista famoso. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma ha scelto molto modo insolito: ha deciso di ordinare un ritratto di Adele per Klimt e fargli fare centinaia di schizzi fino a quando l'artista non inizia a uscire da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni e la modella potesse vedere come i sentimenti di Klimt svanissero. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano da tempo raffreddati l'uno verso l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai scoperto che suo marito era a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
Maggior parte dipinto famoso Gauguin ha una caratteristica: viene "letto" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola in i suoi artigli nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista è fuggito più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e andò a morire in montagna. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio è fallito. La mattina dopo, barcollò fino alla sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.
112 proverbi in una foto
Pieter Brueghel il Vecchio, "Proverbi olandesi", 1559
Pieter Brueghel il Vecchio ha raffigurato una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei giorni. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nell'immagine dipinta. Alcuni di essi sono ancora usati oggi, come "nuota contro corrente", "sbatti la testa contro il muro", "armato fino ai denti" e "il pesce grosso mangia i piccoli".
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'arte
Paul Gauguin, Villaggio bretone sotto la neve, 1894
Il dipinto di Gauguin "Breton Village in the Snow" è stato venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome di "Cascate del Niagara". Il banditore ha accidentalmente appeso il dipinto a testa in giù dopo aver visto una cascata al suo interno.
immagine nascosta
Pablo Picasso, La stanza blu, 1901
Nel 2008, l'infrarosso ha mostrato che un'altra immagine era nascosta sotto la "stanza blu": un ritratto di un uomo vestito con un abito con una farfalla e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena l'ha fatto Picasso nuova idea, ha preso il pennello e l'ha incarnato. Ma non aveva l'opportunità di acquistare una nuova tela ogni volta che la musa lo visitava", spiega causa possibile questa storica dell'arte Patricia Favero.
Donne marocchine inaccessibili
Zinaida Serebryakova, Nuda, 1928
Un giorno, Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per ritrarre le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che era semplicemente impossibile trovare modelli in quei luoghi. Un interprete per Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la sua sposa. Nessuno prima e dopo è stato in grado di catturare le donne orientali chiuse nude.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, "Ritratto di Nicola II in giacca", 1900
Per molto tempo Serov non ha potuto dipingere un ritratto del re. Quando l'artista si è completamente arreso, si è scusato con Nikolai. Nikolai era un po 'turbato, si è seduto al tavolo, allungando le mani davanti a sé ... E poi l'artista si è reso conto: eccolo! Un semplice militare in giacca da ufficiale con occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.
Di nuovo diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto "Again deuce" è solo la seconda parte della trilogia artistica.
La prima parte è "Arrivato per le vacanze". Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente gioioso e eccellente.
La seconda parte è "Ancora il diavolo". Una famiglia povera della periferia lavorativa, l'altezza anno scolastico, uno storditore abbattuto, che afferra di nuovo un due. Sulla sinistra angolo superioreè visibile l'immagine "Arrivati per le vacanze".
La terza parte è "Riesame". Casa rurale, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante che non ha superato l'esame annuale è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e rimase a fissarla così per una decina di minuti. Incapace di contenere la sua curiosità, anche la donna aprì la finestra e guardò avanti. Un anno dopo, ha scoperto il dipinto "Pioggia, vapore e velocità" in una mostra alla Royal Academy of Arts e ha potuto riconoscere in esso l'episodio stesso del treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, La creazione di Adamo, 1511
Una coppia di esperti di neuroanatomia americani ritiene che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in uno dei suoi più opere famose. Credono che un enorme cervello sia raffigurato sul lato destro dell'immagine. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, i nervi ottici e la ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde corrisponde perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
L'ultima cena di Van Gogh
Vincent Van Gogh, Terrazza notturna caffè", 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che Café Terrace at Night di Van Gogh contenga una dedica all'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con capelli lunghi e in una tunica bianca, che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira anche l'attenzione sulla croce, situata direttamente dietro la schiena del cameriere in bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito sulla tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto "La persistenza della memoria" è stato dipinto a seguito di associazioni sorte alla vista del formaggio fuso.
Di cosa sta gridando Munch
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato dell'emergere della sua idea di uno dei più quadri misteriosi nella pittura del mondo: "Stavo camminando lungo un sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato allo steccato - ho guardato il sangue e le fiamme sopra il bluastro- fiordo nero e la città - i miei amici continuarono e io rimasi tremante per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura. Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "Scream" è nata da Munch nel 1883, quando ci furono diverse eruzioni più forti del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare di un grado la temperatura dell'atmosfera terrestre. Un'abbondante quantità di polvere e cenere si è diffusa in tutto il mondo, arrivando fino alla Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di loro è diventato una fonte di ispirazione per l'artista.
Scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Decine di modelle hanno posato per Alexander Ivanov per il suo film principale. Uno di loro è conosciuto non meno dell'artista stesso. Sullo sfondo, tra viandanti e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si nota un personaggio con una tunica marrone. Il suo Ivanov ha scritto con Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato strettamente con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli nel processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
gotta di Michelangelo
Raffaello Santi, La scuola di Atene, 1511.
Creando il famoso affresco "La scuola di Atene", Raffaello ha immortalato i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di loro era Michelangelo Buonarroti "nel ruolo" di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente spigoloso dell'artista indica che ha una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio degli Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto degli Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro gli Arnolfini, puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente si tratta di testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di loro è van Eyck, come testimonia l'iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: "Jan van Eyck era qui". Questo è il modo in cui i contratti venivano solitamente sigillati.
Come un difetto si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha portato al fatto che l'artista poteva percepire meglio la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo cecità" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma dal momento che il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, è proprio questo difetto di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo fenomenale talento.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, La nascita di Venere, 1482-1486.
Prima dell'avvento della Nascita di Venere, l'immagine del nudo corpo femminile in pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli è stato il primo pittore europeo a non trovare in lui nulla di peccaminoso. Inoltre, i critici d'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi sull'affresco immagine cristiana: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita dell'anima che ha superato il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Suonatore di liuto, 1596.
Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte concordarono che la tela raffigura ancora un giovane (probabilmente Caravaggio fu messo in posa dall'amico artista Mario Minniti): sulle note davanti al musicista, una registrazione della parte di basso di è visibile il madrigale di Jacob Arcadelt “Sai che ti amo”. Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo dura per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all'estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile nell'era di Caravaggio.
Ai cedri del Libano
Così è successo con un modesto farmacista ungherese con un nome difficile da ricordare per noi Tivadar Kostka Chontvari. Si è seduto nella sua farmacia in un piccolo villaggio dei Carpazi chiamato Iglo, ha risolto prescrizioni illeggibili, dispensato gocce e pillole e ascoltato le lamentele delle donne anziane che le polveri presumibilmente non aiutavano. Rimase seduto per molto tempo, più di una dozzina di anni. E improvvisamente caldo notte d'estate Nel 1881 fece un sogno...
Kostka non ha raccontato a nessuno del suo sogno, ma letteralmente il giorno dopo ha affittato una farmacia, ha raccolto tutti i soldi, ha comprato pennelli e colori ed è andato direttamente in Libano per dipingere cedri libanesi.
L'artista appena coniato non si è più presentato nella sua farmacia. Viaggiato in Grecia, Italia, Nord Africa viaggiò e durante questo periodo creò più di cento dipinti.
Ha scritto quanto segue su se stesso: “Io, Tivadar Kostka, ho rinunciato alla mia giovinezza per il rinnovamento del mondo. Quando ho preso l'iniziazione dallo spirito invisibile, avevo una posizione sicura, vivevo in abbondanza e conforto. Ma ho lasciato la mia patria perché volevo vederla alla fine della mia vita ricca e gloriosa. Per raggiungere questo obiettivo, ho viaggiato molto in Europa, Asia e Africa. Volevo trovare la verità che mi era stata predetta e trasformarla in pittura.
Il valore delle sue opere è stato messo in discussione da molti critici. In Europa sono stati esposti (anche se senza successo speciale), ma nella sua nativa Ungheria, Chontvari fu una volta per tutte chiamato pazzo. Solo verso la fine della sua vita venne a Budapest e vi portò le sue tele. Ho provato a lasciarli in eredità al museo locale, ma nessuno ne aveva bisogno. Nel 1919, Tivadar Kostka Chontvari impazzì davvero e morì povero, solo, ridicolizzato e inutile.
Dopo aver seppellito gli sfortunati, i parenti iniziarono a condividere il bene. E la bontà di tutto era - solo immagini. E così, dopo essersi consultati con gli "esperti", decisero di rottamare le tele, come una normale tela, e dividere tra loro i soldi, in modo che tutto fosse giusto.
In quel momento, quasi per caso, passò un giovane architetto Gedeon Gerlotsi. È stato lui a salvare le creazioni dell'artista, pagandole un po 'di più di quanto offerto dal rigattiere.
Ora i dipinti di Tivadar Chontvari sono conservati nel museo della città di Pecs (Ungheria).
E proprio di recente, uno del personale del museo, mentre esaminava il dipinto di Kostka "Il vecchio pescatore", dipinto nel 1902, ha avuto l'idea di attaccarvi uno specchio. E poi ha visto che l'immagine sulla tela non era una, ma almeno due! Prova a dividere tu stesso la tela con uno specchio e vedrai o un dio seduto su una barca sullo sfondo di un paesaggio pacifico, si potrebbe dire, paradisiaco, o il diavolo stesso, dietro il quale infuriano onde nere. O forse in altri dipinti di Chontvari, ci sono significato nascosto? Dopotutto, si scopre che l'ex farmacista del villaggio di Iglo non era così semplice.
Più recentemente, il soggetto molta attenzione critici d'arte è stato il dipinto di Tivadar Kostka Chontvari "Il vecchio pescatore", scritto da lui nel 1902. Attraverso riflesso speculare alternativamente le parti sinistra e destra dell'immagine vengono create due assolutamente immagini diverse- Dio in barca contro un lago calmo o il Diavolo su un vulcano e acque tempestose alle spalle.
Dopo l'apertura questo fatto, il riconoscimento della creatività dell'autore dell'immagine è stato affrontato in modo diverso. Ma cosa voleva dire Tivadar Chontvari con il suo lavoro? Molti sospettavano il legame del lavoro dell'artista con il misticismo e con grande zelo iniziarono a studiare l'eredità del pittore ungherese.
Fino a poco tempo, solo pochi interessati alla pittura, in particolare all'espressionismo e al primitivismo, conoscevano il nome dell'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvary. Del pittore morto in povertà quasi 100 anni fa, che peraltro era considerato pazzo (alcuni ricercatori della sua biografia pensano che Tivadar fosse malato di schizofrenia), di recente molti hanno iniziato a parlare.
Fatto sta che uno degli impiegati del museo cittadino di Pec, esaminando il dipinto di Tivadar Chontvari “Il vecchio pescatore”, ha scoperto che se dividi la tela a metà con uno specchio, ottieni due immagini diverse!
Questo dettaglio interessava non solo molti storici dell'arte, ma anche persone normali. Hanno iniziato a parlare del misticismo segreto dell'opera, dell'atteggiamento verso patrimonio creativo Ungherese autodidatta. In Russia, l'interesse per questo fatto è cresciuto dopo l'uscita del programma “Cosa? Dove? Quando?" del 1 ottobre 2011, durante la quale lo spettatore, con una domanda sul dipinto "Il vecchio pescatore", è riuscito a battere gli intenditori.
La versione più plausibile dell'idea incorporata nell'immagine è l'opinione sulla natura dualistica della natura umana, che Tivadar voleva trasmettere. Una persona trascorre tutta la sua vita in una lotta costante tra due principi: maschile e femminile, buono e cattivo, intuitivo e logico. Questi sono gli ingredienti della vita. Come il dio e il diavolo nel dipinto di Chontwari, si completano a vicenda, senza l'uno non c'è l'altro.
Il "Vecchio pescatore", come incarnazione della vita vissuta e della saggezza umana, con l'aiuto di una tecnica semplice, mostra come il male e il bene, il bene e il male, dio e diavolo si armonizzano in ognuno di noi. E bilanciarli è compito di ogni persona.
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Un po 'sull'artista.5 luglio 1853 Kishseben (ora Sabinov, Slovacchia) - 13 ottobre 1919 Budapest
Artista autodidatta ungherese.
La decisione di Chontwari di diventare pittore avvenne, secondo gli storici dell'arte, sotto l'influenza della schizofrenia. Ha lavorato per quattordici anni come farmacista per diventare finanziariamente indipendente e ha iniziato a studiare pittura all'età di quarantuno anni.
Nel 1880 ebbe un'intuizione che prefigurava il destino del grande pittore. Era determinato a diventare mondiale famoso pittore con gloria che supera anche Raffaello.
La missione dell'artista era legittimare l'esistenza storica della nazione ungherese attraverso la sua arte. La sua speciale visione del mondo e il significato della sua vocazione, che ha concentrato tutti i suoi sforzi in un unico obiettivo, sottolineano la magnificenza del suo lavoro.
Ha affermato la sovranità artistica, ignorando tutte le regole dell'arte, con i suoi dipinti ha sfidato i tentativi di classificarlo come un pittore ingenuo.
Kostka ha studiato prima a Monaco presso un privato scuola d'arte Shimon Holloshi, poi a Karlsruhe vicino a Kallmorgen.
Nel 1895 si recò in Dalmazia e in Italia per dipingere paesaggi.
Ha viaggiato anche in Grecia, Nord Africa e Medio Oriente.
Nel 1900 cambiò il suo cognome Kostka nello pseudonimo di Chontvari.
Sebbene sia morto all'età di sessant'anni, il suo periodo creativo era molto breve.
Chontwari iniziò a dipingere a metà degli anni 1890. Possiede oltre cento dipinti e venti disegni. I principali, stilisticamente vicini all'espressionismo, furono creati nel 1903-1909.
Il suo stile individuale - meglio illustrato da "Trees in an Egg's Electric Light" e "Storm" - fu completamente sviluppato nel 1903.
Il dipinto Rovine del Teatro Greco di Taormina, dipinto tra il 1904 e il 1905, fu il risultato dei suoi viaggi in Grecia.
Nel 1907, Chontwary mostrò prima il suo lavoro a Parigi, poi andò in Libano.
In Libano sono stati dipinti i suoi quadri simbolici dall'atmosfera misteriosa: "Il cedro solitario", "Pellegrinaggio" e "Maria a Nazareth".
Le sue successive mostre si tengono nel 1908 e nel 1910, ma non gli portano il riconoscimento che sperava così sinceramente.
I suoi dipinti non ricevettero riconoscimenti nemmeno in Ungheria, dove il loro autore conduceva uno stile di vita ascetico, si distingueva per uno strano comportamento ed era incline a un tono profetico nella comunicazione, aveva la reputazione di un pazzo.
Scorso immagine principale A Shore Trip è stato scritto a Napoli nel 1909.
Successivamente, la solitudine e la mancanza di comprensione hanno portato l'artista al fatto che non era in grado di creare dipinti, ma solo abbozzato le sue visioni surreali.
Le principali opere dell'artista sono raccolte nel Museo di Pest.
Uno dei dipinti di questo artista che attira l'attenzione degli storici dell'arte è "Il vecchio pescatore". Il quadro è stato dipinto nel 1902.
