Come disegnare passo dopo passo la nave di Cristoforo Colombo. Navi di Colombo: nomi, descrizione
"Colombo scoprì l'America, era un grande marinaio", come dice una canzone ... Tuttavia, prima di partire per un viaggio, il famoso navigatore lunghi anni alla ricerca di finanziamenti per la sua impresa. E sebbene a molti nobili dell'epoca piacesse il progetto di Cristoforo Colombo, non avevano fretta di stanziare denaro per la sua realizzazione. Tuttavia, il futuro scopritore era un uomo assertivo, eppure collezionava fondi necessari, e ha equipaggiato tre navi, ognuna delle quali ha la sua incredibile storia.
Cristoforo Colombo
Prima di conoscere le navi su cui Colombo fece il suo leggendario viaggio, vale la pena ricordare il più grande navigatore.
Cristoforo Colombo è nato nel 1451. Gli scienziati discutono particolarmente sulla sua nazionalità. Lo stesso Cristoforo è considerato un navigatore spagnolo, poiché gli spagnoli equipaggiarono la sua spedizione. Tuttavia, varie fonti lo chiamano italiano, catalano e persino ebreo convertitosi al cristianesimo.
In ogni caso, Colombo era un uomo eccezionale, il che gli diede l'opportunità di ottenere un'istruzione decente presso l'Università della città italiana di Pavia. Dopo aver studiato, Christopher ha iniziato a nuotare spesso. Molto spesso, ha partecipato a spedizioni commerciali marittime. Forse fu a causa della sua passione per i viaggi per mare che all'età di diciannove anni Colombo sposò la figlia del famoso navigatore Dona Felipe de Palestrello.
Quando il futuro scopritore dell'America compì ventitré anni, iniziò a corrispondere attivamente con il famoso scienziato fiorentino Paolo Toscanelli, che gli suggerì l'idea di viaggiare in India attraverso oceano Atlantico.
Dopo aver fatto i propri calcoli, Cristoforo Colombo era convinto della correttezza del suo amico di penna. Pertanto, negli anni a venire, ha presentato un progetto di viaggio ai genovesi più ricchi. Ma non l'hanno apprezzato e si sono rifiutati di finanziarlo.
Deluso dai suoi compatrioti, Colombo si offre di organizzare una spedizione e poi ai nobili e al clero della Spagna. Tuttavia, gli anni passarono e nessuno stanziò fondi per il progetto Columbus. Disperato, il navigatore si rivolse persino al re britannico, ma tutto invano. E quando stava per trasferirsi in Francia e tentarvi la fortuna, la regina Isabella di Spagna si impegnò a finanziare la spedizione.
I viaggi di Colombo
In totale ha fatto quattro viaggi dall'Europa all'America. Tutti furono eseguiti nel periodo dal 1492 al 1504.
Durante la prima spedizione di Colombo, circa un centinaio di persone andarono con lui su tre navi. In totale, il viaggio di andata e ritorno è durato circa sette mesi e mezzo. Durante questa spedizione, i marinai scoprirono le isole di Cuba, Haiti e Bahamas nei Caraibi. Le terre scoperte da Colombo per molti anni furono chiamate India occidentale. È interessante notare che alcuni ricercatori sostengono che l'obiettivo della spedizione di Colombo non fosse l'India, ma il Giappone.
Nel tempo, a causa di varie controversie, le terre aperte cessarono di essere proprietà della sola corona spagnola e furono divise tra le potenze marittime europee.
Mentre Cristoforo era alla sua terza spedizione, Vasco da Gama scoprì la vera rotta per l'India, mettendo così il marchio di un ingannatore sulla reputazione di Colombo. Successivamente, lo stesso navigatore fu rimandato a casa in catene e volle essere giudicato, ma i ricchi spagnoli, che avevano già fatto buoni soldi in terre aperte, difesero Colombo e ottennero il suo rilascio.
Cercando di dimostrare la sua tesi, il navigatore intraprese la quarta spedizione, durante la quale raggiunse finalmente il continente americano.
Ultimo tentativo di ritorno titolo di nobiltà, concessogli dalla coppia incoronata dei monarchi spagnoli, nonché privilegi nelle terre aperte. Tuttavia, non è mai riuscito a farlo. Dopo la sua morte, i resti dello scopritore furono seppelliti più volte, quindi ora ci sono diverse probabili tombe di Cristoforo Colombo.
Tre navi di Colombo (caracca e caravelle)
Quando finalmente Cristoforo Colombo ottenne i fondi per la sua prima spedizione, iniziò a preparare le navi.
Prima di tutto, era necessario determinare la quantità. Poiché la sua impresa era piuttosto rischiosa, era costoso equipaggiare una grande flottiglia. Allo stesso tempo, una o due navi sono troppo poche. Pertanto, è stato deciso di equipaggiare tre unità. Come si chiamavano le navi di Colombo? La principale è la caracca "Santa Maria", e due caravelle: "Nina" e "Pinta".
Caracca e caravella - che cos'è?
La nave di Cristoforo Colombo "Santa Maria" era una karakka per tipo. Questo era il nome dei velieri con 3-4 alberi comuni nei secoli XV-XVI. È interessante notare che in Europa erano i più grandi in quel momento. Di norma, su tali navi potevano stare liberamente da cinquecento a mille e mezzo persone. Considerando che l'intero equipaggio delle tre navi di Colombo era di cento persone, la Santa Maria era probabilmente una piccola caracca.
Altre navi di Colombo (i loro nomi sono "Nina" e "Pinta") erano caravelle. Si tratta di navi a 2-3 alberi, comuni negli stessi anni. A differenza dei karakk, erano meno adatti alle lunghe spedizioni. Allo stesso tempo erano più manovrabili, ed erano anche leggeri ed economici, così presto sostituirono immeritatamente le ingombranti caracche.
Santa Maria di Colombo
Come il ritratto del grande navigatore, così aspetto le sue prime tre navi non sono sopravvissute. La descrizione delle navi di Colombo, così come i loro disegni, sono piuttosto approssimative e compilate dalle parole di testimoni oculari sopravvissuti molti anni dopo o secondo le ipotesi degli scienziati.
Come si crede comunemente, la Santa Maria era una piccola caracca a un piano con tre alberi. Si presume che la lunghezza della nave fosse fino a 25 me la larghezza - fino a 8 m Il suo spostamento era di circa 1200 tonnellate La stiva della nave era profonda 3 m e sul ponte c'erano due- estensione del livello, dove si trovavano cabine e dispense. Sul serbatoio c'era una piattaforma triangolare.
"Santa Maria" (nave di Colombo) era dotata di diversi cannoni di vario calibro, atti a sparare palle di pietra. È interessante notare che nei suoi appunti il \u200b\u200bnavigatore chiamava periodicamente la sua ammiraglia carakka o caravella. L'ammiraglia di Colombo era di proprietà di Juan de la Cosa, che ne era anche il capitano.
Il destino di Santa Maria
Purtroppo la Santa Maria non era destinata a tornare a casa in Spagna, poiché già nel dicembre 1492, durante il primo viaggio, l'ammiraglia di Colombo sbarcò sugli scogli vicino ad Haiti. Rendendosi conto che era impossibile salvare la Santa Maria, Cristoforo ordinò che le fosse tolto tutto ciò che poteva essere di valore e trasferito alle caravelle. Si decise di smantellare la nave stessa per i materiali da costruzione, da cui successivamente fu costruito Fort Christmas (La Navidad) sulla stessa isola.
"Ninja"
Secondo i contemporanei dello scopritore, la Nina (la nave di Colombo) era la nave preferita dello scopritore di nuove terre. In tutti i suoi viaggi, ha percorso oltre quarantacinquemila chilometri. Dopo la morte della Santa Maria, fu lei a trasformarsi nell'ammiraglia di Colombo.
Il vero nome di questa nave era "Santa Clara", ma i membri della spedizione la chiamavano affettuosamente "baby", che in spagnolo suona come "nina". Il proprietario di questa nave era Juan Niño. Ma nel primo viaggio di Colombo, il capitano della Nina era Vicente Yáñez Pinzón.
Secondo gli scienziati, la dimensione della "Santa Clara" era lunga circa 17 me larga 5,5 m. Si ritiene inoltre che la Nina avesse tre alberi. Secondo le informazioni della rivista della nave, questa caravella aveva originariamente vele oblique, e dopo un soggiorno alle Isole Canarie furono sostituite con vele dritte.
Inizialmente c'erano poco più di venti membri dell'equipaggio sulla nave, ma dopo la morte della Santa Maria ce n'erano di più. È interessante notare che fu su di esso che i marinai iniziarono per la prima volta a dormire sulle amache, adottando questa tradizione dagli indiani.
Il destino di Nina
Ritornata sana e salva in Spagna dopo la prima spedizione di Colombo, "Nina" partecipò anche al secondo viaggio di Cristoforo sulle coste dell'America. Durante il famigerato uragano del 1495, la Santa Clara fu l'unica nave sopravvissuta.
Tra il 1496 e il 1498 l'amata nave dello scopritore d'America fu catturata dai pirati, ma grazie al coraggio del suo capitano fu liberata e partì per il terzo viaggio di Colombo.
Dopo il 1501 non si hanno notizie a riguardo, probabilmente la caravella affondò durante una delle campagne.
"Pinta"
Informazioni accurate su aspetto E specifiche tecniche questa nave non è stata conservata nella storia.
Si sa solo che la nave di Colombo "Pinta" era la caravella più grande della prima spedizione, ma per ragioni sconosciute, dopo la morte della "Santa Maria", il capo della navigazione non la scelse come nave ammiraglia. Molto probabilmente, era il proprietario e capitano della nave, Martin Alonso Pinson. Dopotutto, durante il viaggio, ha ripetutamente contestato le decisioni di Colombo. Probabilmente, il grande navigatore aveva paura di una ribellione e quindi scelse una nave dove il fratello di Martino, il più accomodante Vicente, era il capitano.
È interessante notare che fu il marinaio della Pinta a vedere per primo la terra del Nuovo Mondo.
È noto che le navi tornarono a casa separatamente. Inoltre, il capitano della Pinta fece del suo meglio affinché la sua nave arrivasse prima in Spagna, sperando di dare lui stesso la buona notizia. Ma solo un paio d'ore di ritardo a causa della tempesta.
Il destino di Pinta
Non si sa come si sviluppò il destino della nave Pinta dopo il viaggio di Colombo. Ci sono prove che dopo il ritorno, il capitano della nave è stato accolto piuttosto freddamente a casa. E a causa di problemi di salute ricevuti durante la spedizione, morì pochi mesi dopo. Probabilmente, la nave fu venduta e cambiò nome, oppure morì durante il viaggio successivo.
Altre navi di Colombo
Se durante la prima spedizione la flottiglia di Colombo era composta solo da tre piccole navi, nella seconda ce n'erano diciassette, nella terza - sei e nella quarta - solo quattro. Ciò era dovuto alla perdita di fiducia in Cristoforo Colombo. Ironia della sorte, ma dopo solo pochi decenni, Colombo diventerà uno dei più grandi eroi della Spagna.
I nomi della maggior parte di queste navi non sono stati conservati. Si sa solo che l'ammiraglia della seconda spedizione era la nave chiamata "Maria Galante", e nella quarta - "La Capitan".
Dopo tanti anni, dopo aver scoperto su quali navi Colombo fece il suo primo viaggio e aprì un nuovo mondo per tutta l'umanità, diventa incredibile come potessero persino nuotare lì. Dopotutto, la corona spagnola aveva a sua disposizione navi più potenti e voluminose, ma i loro proprietari non volevano rischiare. La buona notizia è che i proprietari di "Santa Maria", "Santa Clara" ("Nina") e "Pint" non erano così e si sono avventurati nella spedizione di Colombo. È grazie a questo che sono entrati per sempre storia del mondo, così come le isole che hanno scoperto e due nuovi continenti.
Forse presto maturerò per creare una serie di post sui ritratti dubbi di personaggi famosi, dubbi nel senso che non è chiaro se raffigurano davvero la stessa persona. Perché questa persona ha vissuto in un'epoca piuttosto lontana ei suoi ritratti a vita o non sono sopravvissuti o non sono esistiti affatto. Ebbene, ovviamente, non stiamo parlando di Pitagora e non di Vladimir il Sole Rosso, ma di persone vissute in un'epoca in cui la ritrattistica era già diventata più o meno un luogo comune.Questa volta - Cristoforo Colombo, alias Cristobal Colon, alias Cristoforo Colombo.
Ritratti a vita Colombo non è sopravvissuto, ma c'è una descrizione del suo aspetto fatta da Bartolomé de Las Casas:
Era alto, sopra la media, il suo viso era lungo e incuteva rispetto, il suo naso era aquilino, i suoi occhi erano grigio-bluastri, la sua pelle era bianca, arrossata, la barba e i baffi erano rossastri nella sua giovinezza, ma diventarono grigi nella sua lavori.
Lo stesso Bartolomé nel 1493, quando vide Colombo, aveva solo 9 anni, la descrizione fu fatta molti decenni dopo, quindi la sua affidabilità non dovrebbe essere assoluta. Tuttavia, almeno c'è un problema.
Permettetemi di ricordarvi che la data esatta della nascita di Colombo è sconosciuta (di solito si ritiene che sia nato nel 1451) e morì nel 1506.
Cronologicamente, il primo è questo ritratto, presumibilmente raffigurante Colombo:
Lorenzo Lotto, 1512
Sfortunatamente, non ho trovato una riproduzione dei colori. Chi e quando ha identificato Colombo in questo ritratto - non lo so. Forse questo è successo già nel XIX secolo.
Sebastiano del Piombo, 1519.
L'iscrizione sul ritratto indica che si tratta davvero di Cristoforo Colombo, ma non si sa con certezza se questa iscrizione sia autentica. Si può presumere che Sebastiano del Piombo abbia davvero creato questo ritratto come immagine dello scopritore dell'America, ma sia stato guidato dalle sue idee sul suo aspetto. L'abito e l'acconciatura sono coerenti con l'epoca del ritratto, non la fine del XV secolo, quando Colombo aveva all'incirca la stessa età dell'uomo raffigurato da del Piombo.
Ridolfo Ghirlandaio, c. 1520-1525
Il ritratto non indica che si tratti di Cristoforo Colombo, ma tale iscrizione è su copie di questo ritratto creato nel XVI secolo. Ad esempio, qui:
I ritratti di Sebastiano del Piombo e Ridolfo Ghirlandaio sono diventati ritratti canonici di Colombo. La terza versione del canone, e forse la più famosa:
Artista sconosciuto, XVI secolo
L'iscrizione testimonia che si tratta di Cristoforo Colombo. Esiste una versione secondo cui questo è un ritratto di Paolo Toscanelli, che diede a Colombo l'idea di raggiungere le Indie per la rotta occidentale. Ma non c'erano nemmeno ritratti affidabili di Toscanelli, che visse anche prima di Colombo. E la notizia del carteggio tra Colombo e Toscanelli è apocrifa.
Cristofano dell'Altissimo, 1556
Cristofano del Altissimo divenne famoso come autore di ritratti di vari personaggi famosi, sia attendibili che apocrifi. Presumo che il ritratto di Colombo dipinto da lui sia piuttosto una copia del ritratto precedente che viceversa, o entrambi risalgano a una fonte.
L'uomo raffigurato in questi ritratti ricorda molto lo scienziato Giovanni Agostino della Torre, che Lorenzo Lotto raffigurò con il figlio Niccolò nel 1515:
Il copricapo di della Torre è lo stesso di quello dell'uomo del ritratto di Ridolfo Ghirlandaio, e c'è una somiglianza esteriore tra loro. Non presumo di dire che sia stato Giovanni della Torre a fare da prototipo a Colombo, ma avanzo l'ipotesi che inizialmente una persona sia stata identificata con Colombo da ritratti di autore ignoto e Cristofano del Altissimo (probabilmente erano già realizzati come ritratti di Colombo), e poi il nome di navigatore fu assegnato all'uomo dal ritratto del Ghirlandaio, forse per la somiglianza con i precedenti. Quest'uomo è vestito e tagliato più alla moda dell'inizio del XVI secolo che della fine del XV.
Prendo atto che tutti i citati ritratti presi insieme non possono raffigurare la stessa persona, ma i ritratti di Lorenzo Lotto, Ridolfo Ghirlandaio, Cristofano del Altissimo e simili a ultimo ritratto opere di un artista sconosciuto, forse, ma a tratti.
Ed ecco un'immagine non canonica di Colombo:
Alejo Fernández. Frammento della parte centrale dell'altare, detta Madonna del Buon Vento, o Patrona dei Navigatori (Su di lui), c. 1531-1536
Intero altare:
La persona raffigurata di profilo corrisponde più da vicino alla descrizione di Bartolome de Las Casas, più precisamente, meno di quanto lo contraddicano altri ritratti. In particolare, ha barba e capelli lunghi, secondo la moda della fine del XV secolo. È importante che il ritratto sia stato realizzato da un artista spagnolo, e non italiano, come tutti i precedenti, e non si può escludere del tutto che Fernandez abbia utilizzato un ritratto di profilo a vita di Colombo. Tuttavia, questa versione è in qualche modo contraddetta dall'abbigliamento troppo ricco di "Colombo"
Ci sono molte altre immagini di Colombo che non rientrano nel canone dato dai tre ritratti qui menzionati, ma le loro pretese di autenticità sono ancora più dubbie.
Guarda anche:Tre navi di Cristoforo Colombo - le prime navi europee, che nel 1492. ha attraversato l'Atlantico, scoprendo le terre del Nuovo Mondo: le Bahamas, Cuba e Hispaniola (Haiti). Le caravelle "Pinta" e "Nina", con un dislocamento di 60 tonnellate ciascuna, avevano una buona tenuta di mare.
Si trattava di navi a ponte singolo con sponde alte e sovrastrutture a prua ea poppa. La Nina portava vele latine triangolari, mentre la Pinta portava vele dritte. Successivamente, con le stesse vele, che di solito erano preferite quando corsi completi, equipaggerà il Ninya. La terza nave della flottiglia, la famigerata Santa Maria, non era una caravella. Noleggiata dal capitano galiziano Juan de la Cosa, era una caracca da cento tonnellate.
In una parola, queste erano le navi del loro tempo e i record che stabilirono suscitano ancora ammirazione tra i navigatori. La flottiglia dell'ammiraglio Colombo era forte e resistente, cosa che non si può dire dell'equipaggio. Trenta giorni in alto mare - e niente terra! Andare avanti sembrava una follia. Si stava preparando una rivolta.
Per rassicurare i marinai, il capitano promette di tornare indietro se non vedranno terra per i prossimi tre giorni. Cosa sperava Colombo quando stabilì questa data? Certamente, non solo sull'intuito. I segni di terreno vicino erano evidenti. Si incontravano sempre più alghe, stormi di uccelli sedevano sugli alberi e quando nella notte tra l'11 e il 12 ottobre si udì un grido dalla Pinta: "Terra!", L'ammiraglio Colombo non dubitava più che il suo sogno si fosse avverato.
"Ninya", una delle caravelle di Colombo
Dopo Colombo, conquistadores, conquistatori e colonialisti spagnoli si precipitarono sulle coste del Nuovo Mondo. Dopo solo mezzo secolo, tutto il Messico, l'America centrale e persino parte del Sud America, insieme a un'ampia striscia di terra dal Mar dei Caraibi a Capo Horn, erano in possesso della Spagna.
La ricchezza acquisita - enormi riserve di oro, argento e rame finite nelle terre occupate - l'arrogante patria di Colombo non voleva condividerla con nessuno. "Il Mar dei Caraibi è un mare chiuso", proclamarono gli spagnoli, introducendo un brutale monopolio sul commercio con il Nuovo Mondo. Tuttavia, già nel primo quarto del XVI secolo. L'Inghilterra e la Francia stanno progettando di rimodellare il mondo a modo loro. Un ruolo enorme nella lotta per il dominio marittimo è stato svolto dai pirati che sono entrati nella principale rotta marittima con la conoscenza e la benedizione delle persone più alte dei loro stati.
Ricostruzione di "Santa Maria", fatta nel nostro tempo
Forse il corsaro più crudele e di successo può essere chiamato Francis Drake. Da sempre rancore nei confronti degli infidi spagnoli che hanno "confiscato" la sua nave mercantile al largo delle coste africane, il capitano Drake crea un piccolo squadrone e fa il suo primo raid sulla costa caraibica.
Derubando le città spagnole e catturando navi del tesoro una dopo l'altra, condivide generosamente il bottino con il tesoro inglese. Non sorprende che la regina Elisabetta, che diventa il principale azionista della "ditta" corsara di Drake, contando su ingenti dividendi, gli conceda il permesso ufficiale di ostacolare attivamente il commercio spagnolo nell'Oceano Pacifico.
Ricostruzione della nave "Golden Hind" di Francis Drake
Elisabetta era giustificata: un viaggio pirata 1577-1580. ha portato a Drake il quattromilasettecento per cento dell'utile netto, la cui parte del leone, ovviamente, ha ricevuto regina britannica. Non per semplice curiosità, ma per forza di cose, in fuga dalla persecuzione delle navi spagnole, Drake compie il secondo, dopo Magellano, giro del mondo.
Primo degli europei, raggiunge il fiume Columbia e la punta meridionale dell'isola di Vancouver, dopodiché, dopo aver diretto la sua nave attraverso le acque del Pacifico, si lascia alle spalle l'arcipelago delle Marianne e raggiunge Ternate, una delle Molucche. Da lì, passando Java e doppiando il Capo di Buona Speranza, Drake tornò nella sua nativa Plymouth.
Caravella portoghese
Knyavdiged: la parte superiore dello stelo che sporge in avanti, spesso decorata con una figura scolpita.
Vita - parte del ponte superiore tra il serbatoio e il cassero.
Yut - parte del mazzo in mezzo! albero di mezzana e pennone di poppa.
L'albero superiore è un albero parsimonioso che funge da continuazione dell'albero.
Timone - una leva montata sulla testa del volante e che serve per spostarlo.
Marsy - una piattaforma sulla sommità di un albero composito, serve per distanziare le sartie e un luogo di lavoro durante l'impostazione e la pulizia delle vele.
La fedele compagna di Drake nelle peregrinazioni per mare era la nave Pelican, poi ribattezzata Golden Doe dal corsaro per le sue eccellenti doti nautiche. Il nuovo nome, però, non mutò l'aspetto della nave: il pellicano dipinto sulla sua poppa continuò a nutrire a lungo i suoi pulcini, e l'immagine scultorea di un fiero uccello adornava ancora il principedige che si ergeva sulla prua della nave nave.
Il leggendario "Golden Doe" era una piccola nave da 18 cannoni lunga circa 18 metri. Una serie ben fatta di telai di quercia e fasciame di legno duro conferiva alla nave una forza speciale. In vita tra la scala proveniente dal carro armato corto e l'albero maestro c'erano due cannoni - sui lati di tribordo e babordo Tre falconetti leggeri posti su speciali supporti girevoli sparavano contro le navi nemiche, e in caso di abbordaggio si giravano e potevano sparare lungo il ponte.
L'elevazione sul ponte tra l'albero principale e quello di mezzana era chiamata cassero. Solo il capitano poteva riposare sul cassero. Due scale portavano a una cacca alta. L'armamento a vela a tre alberi della nave corrispondeva alle ultime tendenze della sua epoca. Sul pennone cieco, sotto un alto bompresso, c'era una vela cieca. L'albero anteriore e quello principale, che trasportavano vele dirette, erano costituiti da due parti: un albero superiore era attaccato al cosiddetto albero inferiore, che reggeva l'asta della bandiera. La corta mezzana era armata di una vela latina obliqua. Per controllare il volante incernierato, veniva ancora utilizzato un timone, in sostituzione del volante.
Galeone spagnolo "fiammingo". 1593
Cruysel - la seconda vela diritta dal basso su un albero di mezzana.
Nel XV sec. la parola "cannone" (cannone) comincia a riferirsi a un pezzo di artiglieria di qualsiasi tipo e dimensione. I più piccoli di questi erano falconetti, moschetti (gradualmente trasformati in pistole a mano) e bombardieri navali, che sparavano palle di pietra o di ferro. I cannoni di piccolo calibro erano posti sulla murata e trattenuti da forche girevoli.
Durante la battaglia furono posizionati sul cassero, sul castello di prua e sulle cime degli alberi. Per conferire ulteriore stabilità alla nave, sul ponte inferiore furono collocati cartoni pesanti e colubrine di grosso calibro a canna lunga. A poco a poco, le canne dei cannoni iniziano a essere fuse insieme ai perni, sporgenze cilindriche che hanno permesso di puntare la pistola su un piano verticale.
Pinnace francese del XVII secolo.
Entro la metà del XVI secolo. il termine "karakka" sta cadendo in disuso, e una grande barca a vela con tre o quattro alberi comincia ad essere chiamata semplicemente "nave". Una varietà di navate di quei tempi erano caravelle portoghesi e francesi, così come galeoni spagnoli. I mari sono dominati da grandi velieri armati di artiglieria di vario calibro.
Il rapporto tra la lunghezza dello scafo e la sua larghezza è aumentato e variava da 2: 1 a 2,5: 1, il che ha migliorato la navigabilità delle barche a vela. Gli alberi compositi trasportavano contemporaneamente diverse vele. I costruttori navali aumentarono l'area delle vele superiori e dei cruysel - e la gestione della nave divenne molto più semplice, e la barca a vela stessa - inaspettatamente vivace e manovrabile.
"Grande Harry". 1514
Non molto tempo fa, i resti di una nave del genere, che aveva un rivestimento di clinker, furono sollevati dal fondo del fiume Hemble. Secondo gli esperti, la barca a vela trovata non è altro che il famoso Great Harry re inglese Enrico XVIII, costruito nel 1514. Probabilmente, "Harry" era l'ultima grande nave con un dislocamento di 1000 tonnellate, rivestita di tasselli di legno.
Le vecchie tecnologie si sono ritirate nel passato e nel XVI secolo. appare nel nord Europa nuovo tipo veliero - un pinas a tre alberi con un dislocamento di 100-150 (e successivamente fino a 800) tonnellate. Il piccolo pinas era utilizzato principalmente come nave mercantile, e quindi era armato solo con 8-10 cannoni.
Il galeone portoghese aveva molto in comune con il pinas, che fu avidamente preso in prestito da spagnoli, inglesi e francesi e divenne la base di tutte le forti flotte europee entro la fine del secolo. Una caratteristica del galeone era uno scafo affilato, la cui lunghezza lungo la chiglia (circa 40 m) era quasi quattro volte la sua larghezza.La pesante sovrastruttura di poppa, caratteristica del karakka, fu sostituita da una stretta e alta, che accoglieva fino a sette ponti, che ospitavano la cabina del capitano, la camera del gancio (cantina delle polveri) e le strutture di stoccaggio.
Da cinquanta a ottanta cannoni, montati su due piani batteria, sparavano al nemico attraverso i porti. La sovrastruttura di prua si spostò al centro e sul muso fu equipaggiato un ariete, che alla fine si trasformò in una latrina, decorata con una figura nasale. C'erano una o due gallerie a poppa; in seguito iniziarono a costruire e vetro. La struttura prefabbricata degli alberi è stata rinforzata con alberi di bram. Sulla randa e sull'albero di trinchetto venivano solitamente alzate tre vele (randa, vela superiore e bramsail). Gli alberi di mezzana e bonaventura avevano vele oblique - latine, e un'altra vela dritta era tirata a prua, che ricevette il buffo nome "artemon".
A causa delle murate alte e delle sovrastrutture ingombranti, i galeoni avevano una scarsa navigabilità. L'equipaggio del gallion, come doveva essere allora per una grande nave da guerra con un dislocamento di 500-1400 tonnellate, raggiunse le 200 persone. Spesso i galeoni consegnavano coloni in America, tornando indietro con un carico di metalli preziosi - un gustoso boccone per numerosi pirati del mare, dai cui occhi onniveggenti sembrava impossibile scappare.
Latrina - uno strapiombo a prua di un veliero, ai lati del quale erano disposte le latrine per la squadra.
Bonaventura albero - il quarto albero, situato a poppa dietro l'albero di mezzana e portava una vela latina.
L., Gosizdat, litografia "Printing Yard", 1926. 12 p. da malato. Tiratura 7000 copie. Prezzo 75 kop. Nel col. copertina litografata dell'editore. 28x21,5 cm Molto raro!
Nel 1926 Petrov-Vodkin illustrò il libro di E. Bahanovskaya "Cristoforo Colombo". Questa storia, divisa in brevi capitoli, ricorda involontariamente il "Libro blu" di M. Zoshchenko: l'autore è molto lontano dalle tradizioni di una seria narrativa storica e biografica, anche se adattata ai bambini. L'epopea della scoperta dell'America è raccontata qui in un linguaggio estremamente semplice, modernizzato e persino quotidiano, con molti dettagli aneddotici. Re, marinai, aborigeni parlano come abitanti di un appartamento comunale sovietico degli anni '20. Tutte le loro azioni hanno la motivazione più semplice: “Il re Ferdinando era avido. Ho solo pensato: "Sarebbe bello diventare ricchi". Isabella lo sapeva. Ecco perché ha parlato di ricchezza, e ha aggiunto: "E Colombo ti porterà l'oro proprio nei sacchi", ecc. Il layout del libro corrisponde perfettamente a questo modo giocoso di libera presentazione di fatti storici. Così, sul frontespizio, invece di un ritratto cerimoniale dell'eroe che si addice all'occasione, è raffigurata una scena molto frivola: due amici parlano in un'osteria davanti a una bottiglia di vino. Il disegno è intitolato: "Quando Colombo incontrerà Marco Polo, condurrà sicuramente la conversazione in India". In generale, Colombo nella maggior parte delle illustrazioni (secondo l'interpretazione dell'autore, ma contraria a fatti storici) è rappresentato da una specie di zoticone sognante, un bonario sempliciotto, che non costa nulla girare intorno al suo dito. La mascolina regina spagnola Isabella dal naso lungo, il suo infido e avido marito Ferdinando, marinai ribelli, mercanti e cortigiani che incontrano la nave sono mostrati in modo ancora più grottesco. Ma alcuni fogli sono disegnati in uno stile diverso, più serio e persino patetico. Tale, ad esempio, è la scena di un incontro indiano con mercanti cinici o una composizione laconica con un bisonte e un avvoltoio, simboli della natura vergine americana. La copertina è molto originale: il titolo del racconto è, per così dire, posto su un manifesto incollato al muro, su cui un moderno pioniere disegna con un grosso pennello il profilo di un indiano. A quanto pare, in questo modo l'artista invita il lettore a colorare le illustrazioni in bianco e nero.
Cristoforo Colombo(Cristoforo Colombo) (latino Colombo, italiano Colombo, colon spagnolo) (1451-1506) - navigatore, viceré delle Indie (1492), scopritore del Mar dei Sargassi e del Mar dei Caraibi, delle Bahamas e delle Antille, parte del nord costa Sud America e la costa caraibica dell'America centrale. Nel 1492-1493 Colombo guidò una spedizione spagnola per trovare la rotta marittima più breve per l'India; su 3 caravelle ("Santa Maria", "Pinta" e "Nina") attraversarono l'Oceano Atlantico, scoprirono il Mar dei Sargassi e raggiunsero l'isola di Samana il 12 ottobre 1492 ( data ufficiale scoperte dell'America), in seguito - le antiche Bahamas, Cuba, Haiti. Nelle successive spedizioni (1493-1496, 1498-1500, 1502-1504) scoprì le Grandi Antille, parte delle Piccole Antille e le coste dell'America Meridionale e Centrale e del Mar dei Caraibi. Il navigatore spagnolo e scopritore di nuove terre, Cristoforo Colombo fu il primo dei viaggiatori affidabili ad attraversare l'Oceano Atlantico nella zona subtropicale e tropicale dell'emisfero settentrionale e il primo europeo a camminare nei Caraibi. Ha gettato le basi per la scoperta della terraferma del Sud America e degli istmi dell'America centrale. Ha scoperto tutte le Grandi Antille - la parte centrale delle Bahamas, le Piccole Antille (dalla Dominica alle Isole Vergini comprese), nonché una serie di piccole isole dei Caraibi e l'isola di Trinidad al largo della costa del Sud America.
Per il prossimo 1927, lo stesso GIZ pubblica un libro di Elena Bakhanovskaya "Cristoforo Colombo" con una tiratura di 35.000 copie. con xilografie di N. Brimmer (perché e perché "rimasto dietro le quinte..."):
A Parigi nel 1924-1925, Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin, insieme allo studio del mondo accademico educazione artistica, ha conosciuto la formazione artistica dei bambini età scolastica. Ha lavorato in un'atmosfera di rispetto per creatività bambino, considerato l'obiettivo più importante dell'illustrazione come lo sviluppo e l'espansione delle capacità visive ed espressive dei bambini: "non suggerire visibilità, ma insegnare a vedere con i propri occhi". Si trattava di coinvolgere il bambino nel processo. creatività artistica, sull'educazione della sua percezione estetica, la scoperta da parte sua di un nuovo senso del mondo.
La ricerca di un nuovo linguaggio artistico era un'esigenza del tutto organica per Kuzma Petrov-Vodkin, poiché si sentiva il creatore non di singole opere, ma del mondo intero, non un copista della realtà, ma l'inventore di un nuovo, ordine delle cose più perfetto e armonioso. Come ha scritto E. Schwartz, un artista di questo tipo “sembra incomprensibile solo perché le leggi generalmente accettate per ciò che vuole dire sono inadatte. Usandoli, mentirebbe. È veritiero soprattutto, senza rendersene conto...». Il lavoro in un libro per bambini non era per maestri come lui, l'attività principale della vita; rivolgendosi a un pubblico giovane, hanno usato inconsapevolmente il linguaggio di un "adulto", serio, arte sperimentale, sebbene l'abbiano adattato, tenendo conto delle reali capacità intellettuali del lettore alle prime armi. Le loro opere per bambini sono accomunate anche da un peculiare approccio enciclopedico: di regola, non raccontavano solo storie divertenti e istruttive, ma cercavano di generalizzare, catalogare, mettere insieme una serie di fenomeni simili, far conoscere al bambino un'intera categoria di oggetti o concetti. grafica del libro K. Petrov-Vodkina è noto in misura molto minore rispetto ai suoi dipinti. Il creatore della "Madonna di Pietrogrado" e "Bathing the Red Horse" si è dedicato raramente all'illustrazione della letteratura per bambini. Il suo debutto in quest'area avvenne nel 1914: progettò la storia propria composizione"Aoya: avventure di Andryusha e Katya nell'aria, a terra e sotto terra." Nella sua giovinezza, l'artista si è costantemente cimentato con la letteratura: il suo archivio contiene intera linea poesie inedite, racconti, racconti, opere teatrali. La più famosa fu la dilogia autobiografica Khlynovsk and Euclid's Space pubblicata già all'inizio degli anni Trenta (il maestro non ebbe il tempo di scrivere la terza parte delle sue memorie). I discorsi di Petrov-Vodkin in campo letterario hanno causato valutazioni molto contraddittorie dei contemporanei. Ad esempio, M. Gorky ha definito "Euclid's Space" "un contenitore di spazzatura verbale", e l'autore della storia - "una persona completamente analfabeta", che "inventa così male che è impossibile credergli". M. Nesterov ha aderito all'opinione opposta: "Gli scritti della sua penna sono molto più alti degli scritti del suo pennello". E. Gollerbach era probabilmente più vicino alla verità, vedendo molti errori stilistici nella prosa dell'artista, ma allo stesso tempo notando la sua straordinaria originalità e natura organica: “Mentre vengono stampati centinaia di libri, i cui autori non hanno alcun volto , ma solo diligente bene ..., Petrov-Vodkin aveva la sua faccia. Amava trasmettere e insegnare, amava molto filosofare e lo faceva "in modo razziale", cioè goffamente e stupidamente, aprendo le "Americhe" e combattendo contro i mulini a vento. non affittato Il sacro "Non posso tacere", una furiosa avversione per la banalità e la volgarità, la giusta malizia, l'odio inestinguibile per la borghesia, l'evidente talento organico - tutto questo riconciliato con la lingua legata e l'incomprensione delle invettive di Vodkin.
In una certa misura, questa caratteristica può essere attribuita alla storia "Aoya". Probabilmente l'artista iniziò a comporlo nel 1911 nella sua nativa Khvalynsk, ei primi ascoltatori, e forse i prototipi dei personaggi principali, furono i suoi cugini più giovani. Il libro è basato su improvvisato storie orali con cui a Petrov-Vodkin piaceva intrattenere i bambini familiari. “E perché non l'ha raccontato e basta!” testimonia un contemporaneo “Non favole, no, lui stesso ha inventato e raccontato incredibili storie d'avventura. Erano storie di viaggi sui mari, di isole disabitate, di misteriosi fenomeni in natura. Gli eroi delle sue storie sono caduti in misteriose segrete, hanno incontrato mostri fantastici o sono stati fatti prigionieri da selvaggi ... ". Quasi tutti questi motivi sono presenti nella storia delle avventure di Andryusha e Katya. I riferimenti al lavoro entusiasta sul libro si trovano costantemente nelle lettere ai parenti nel 1911-1913. La storia è stata scritta sotto la chiara influenza di Jules Verne; l'affascinante intrigo esterno consente all'autore di esprimere i suoi giudizi originali di filosofia naturale e scienze naturali in una forma accessibile alla percezione dei bambini. Naturalmente, una serie di episodi sono ispirati dalle impressioni del viaggio di Petrov-Vodkin Nord Africa, dal viaggiare attraverso l'Italia e scalare il Vesuvio. Oltre ai personaggi tradizionali della letteratura di questo tipo - bambini curiosi, uno scienziato eccentrico, nativi ingenui e nobili - il libro mostra anche immagini puramente allegoriche di Vulcano e di sua figlia Lava, il re sotterraneo. Accompagnando Andryusha e Katya nel loro fantastico viaggio, l'artista presenta al giovane lettore il suo concetto piuttosto controverso della "meravigliosa vita della Terra", inventa la sua mitologia e ripensa abbastanza liberamente il consolidato idee scientifiche e storie da manuale (ad esempio, la storia di Prometeo). I commenti grafici alla storia sono disuguali. Non troppo riuscito, ad esempio, è il disegno della copertina, realizzato con tratti ruvidi, decisi e, per di più, tinteggiato di un giallo velenoso. SU frontespizio l'artista colloca una pianta dell'isola di Aoya, che alla fine del libro è destinata a morire a causa di un'eruzione vulcanica. Il ritratto in frontespizio dei personaggi principali è molto espressivo e, soprattutto, è completamente privo di quel sentimentalismo zuccherino che le immagini dei bambini peccavano così spesso in quegli anni. I disegni in miniatura inclusi nella pubblicazione (a volte svolgono il ruolo di testate e finali, a volte incastrati nel testo a metà del capitolo), di regola, raffigurano gli oggetti citati dall'autore: un calamaio, una teiera, un calendario a fogli mobili e dettagli dell'attrezzatura dei viaggiatori. In queste piccole nature morte, la calligrafia originale del maestro è riconosciuta con grande difficoltà, mancano chiaramente di chiarezza e, soprattutto, di suono simbolico. Le illustrazioni delle pagine hanno molto più successo. In essi lo stile grafico di Petrov-Vodkin si manifesta in tutta la sua originalità. È vero, all'inizio della storia, sia il testo che la gamma visiva, forse, mancano di dinamica. La mongolfiera, in cui cadono Andryusha e Katya a causa di una svista degli adulti, risulta essere così ben equipaggiata da permettere agli eroi di condurre un'esistenza accogliente e spensierata: bevono costantemente tè, conversano filosoficamente e si godono la bellezza dei paesaggi che passano. Ma mentre i personaggi sono presi dal vortice di avventure pericolose, l'intonazione dell'autore e dell'illustratore cambia, piena di empatia, ansia e pathos. La composizione è particolarmente riuscita, catturando il momento dello schianto del pallone. Onde turbinate da una tempesta, un minaccioso vulcano fumante, stormi di uccelli impetuosi: una tale iniezione di immagini drammatiche non sembra questo caso eccessivo. Questo foglio ricorda le fantasie marine di M. Čiurlionis. Con evidente simpatia vengono mostrati non solo i giovani viaggiatori, ma anche gli abitanti dell'isola di Aoya, ignari dell'esistenza del resto del mondo. Apparentemente, lo stesso Petrov-Vodkin non era soddisfatto del suo lavoro. pianificandolo nuova pubblicazione quasi dieci anni dopo, sta rifacendo le illustrazioni. Il 19 settembre 1922 l'artista scrive alla madre: "Sono impegnato a riprendere la pubblicazione del mio libro per bambini" Andryusha e Katya ". Per suggerire che gli editori sono stati allertati non tanto dalla qualità dei disegni quanto dal "orientamento ideologico" del testo, che è molto lontano dal marxismo. È improbabile che i censori sovietici sarebbero stati contenti, ad esempio, di un simile passaggio del settimo capitolo della storia: "Andryusha e Katya pregarono mentalmente. E in silenzio tra l'oscurità dell'orrore e la tempesta, hanno sentito un'ondata di vivacità, hanno sentito che in mezzo a questa tempesta, nel fragore delle onde, anche loro partecipano alla vita, e anche Qualcuno che ha dato la tempesta sa di loro. Ovunque, come a casa, la stessa vita, poi la stessa creazione di Dio.
Andryusha, stiamo visitando Dio, ci ama - sussurrò Katya.
Il ragazzo le strinse la mano affermativamente, lo capì anche lui - e non avevano più paura. Dopo la pubblicazione di Aoya, è seguita una grande svolta nelle attività letterarie e di progettazione di libri di Petrov-Vodkin. Nel 1921 l'artista partecipa ad una spedizione organizzata dall'Accademia delle Scienze per rilevare lo stato dei monumenti architettonici e storici Asia centrale. Il maestro nutriva grandi speranze per questo viaggio ed erano pienamente giustificate. La natura, l'architettura, la gente dell'est gli hanno fatto una grande impressione. Nonostante il caldo di cinquanta gradi, il pittore ha lavorato 10 ore al giorno. Ha delineato le sue osservazioni in un saggio, che ha fornito con una serie di disegni.
L'elegante edizione di Samarkandia, pubblicata nel 1923 da Akvilon, è, ovviamente, indirizzata a un pubblico non infantile; è improbabile che un bambino capisca e sia interessato a riflessioni sull'etnografia, la storia dell'architettura, il modo specifico della vita asiatica. Ma la copertina del libro è capace di disorientare il lettore: incuriosisce con il suo esotismo, instaura un incontro con i personaggi racconto orientale. La maggior parte delle illustrazioni sono progettate in uno stile completamente diverso. “Petrov-Vodkin ha accompagnato il testo del saggio con disegni in cui ha riassunto i chiari ricordi figurativi di Samarcanda e della gente di Samarcanda che si erano stabiliti nella sua mente. Sono eseguiti con inchiostro, penna e pennello e si basano su schizzi naturali, e in alcuni casi quasi li ripetono o li variano. Sembra che i disegni siano nati contemporaneamente al testo e, per così dire, paralleli ad esso. Solo alcuni di essi illustrano pagine specifiche del saggio. Più spesso, non solo completano la storia, ma sostituiscono anche paragrafi e interi capitoli non scritti dall'artista. Le immagini capienti di questi disegni gli permettono di esprimersi in essi a volte in modo più preciso e preciso di quanto potrebbe esprimere a parole. Il modo denso e intermittente di ombreggiatura trasmette perfettamente la sensazione di aria calda; edifici, persone, animali si materializzano da questa foschia, come miraggi, e possono in ogni momento dissolversi nuovamente in essa. In alcune composizioni della serie si riflette la passione dell'artista per il concetto di “spazio sferico”: la linea dell'orizzonte è deformata, le figure sullo sfondo sembrano chinarsi a terra, vengono scelti inaspettati angoli obliqui. In una versione più rilassata e decorativa, queste tecniche sono utilizzate anche nei disegni per la prosa autobiografica, realizzati all'inizio degli anni Trenta.
Sotto il dominio sovietico, il primo K.S. Il libro per bambini di Petrov-Vodkin era The Snow Maiden (Thought, Petrograd, 1921).
Nelle illustrazioni di questo libro si possono vedere echi della grafica delle silhouette utilizzate dal "Mondo dell'arte", ad esempio G. Narbut nella sua "Canzone delle merlettaie di Bruxelles". Petrov-Vodkin, possedendo il dono del pensiero planare, non ha superato questa tecnica. Ma ha notevolmente ampliato le possibilità della silhouette sia tematicamente che, soprattutto, tecnicamente: se i maestri del mondo dell'arte hanno arricchito la grafica della silhouette con un nuovo mezzo espressivo: una macchia bianca su un piano nero, introducendola, ad esempio, nei dettagli di un costume o di un'altra forma, Kuzma Sergeevich ha cercato di combinare una silhouette con un disegno a penna con l'inchiostro, una linea con una macchia. Il primo piano nelle illustrazioni di "The Snow Maiden" è realizzato in silhouette, e il secondo - con una penna. La combinazione di un'immagine di silhouette bidimensionale (planare) e un disegno a penna trasforma le immagini delle illustrazioni in una dimensione tridimensionale, tridimensionale. Questa struttura di costruzione della forma ha introdotto nuove qualità plastiche nell'illustrazione e ha conferito alle opere dell'artista una espressività speciale. Petrov-Vodkin ha anticipato V.A. Favorsky, che ha ripetutamente ispirato gli studenti di VKHUTEMAS: “Se la composizione raffigura tre mele, allora una di esse deve inevitabilmente diventare una sagoma e, per così dire, passare l'occhio attraverso se stessa ad altre forme. Altrimenti, l'immagine assomiglierà a un tavolo da biliardo pieno di palle. Nell'archivio di K.S. La composizione di Petrov-Vodkin, scritta da lui il 13 novembre 1900, mentre studiava alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, "Caratteristiche mitiche e quotidiane delle canzoni popolari", è stata conservata. In esso esprimeva il suo atteggiamento non solo nei confronti della canzone popolare, che conosceva bene tramite suo padre, che possedeva voce bellissima e che amava la canzone russa, ma anche l'atteggiamento nei confronti del paganesimo - "a Yarila e ai suoi figli obbedienti - vento, pioggia, fuoco e altri", il cui ricordo "il popolo conserva e tramanda di generazione in generazione". Sì, e lo stesso artista, “delirante” con Cristo, sognava quella vita idilliaca, “piena di personificazioni”, che il popolo viveva in epoca pagana, animando il mondo con la propria immaginazione, rendendolo uguale a se stesso e più significativo. Scrive l'artista in un saggio: “L'insegnamento di Cristo è umano e poetico, ma, oscurato dai seguaci, si è inaridito, e la poesia deve andare di pari passo con la religione: perciò il popolo non ha messo il nuovo Dio nella sua sogni e preservato il vecchio”. Forse l'artista ha iniziato a illustrare La fanciulla di neve, perché in questa fiaba uno dei personaggi principali è Yarilo. Era lui, addormentato in inverno, che il maestro raffigurava in copertina, circondato dalle sue "figlie" - fiocchi di neve. E alla fine della fiaba, ha raffigurato un paesaggio rurale con alberi sul "dorso" terrestre arrotondato, mulino a vento, case, un cavallo imbrigliato da un carro e un alto cielo primaverile, in cui la fanciulla di neve "si allungò con un leggero vapore", "si attorcigliò in una nuvola sottile ... e volò verso le altezze celesti". L'artista ha utilizzato abilmente le possibilità del contorno della silhouette: i punti piatti delle figure umane sono pieni di vita ed espressione. Grazie alla combinazione dell'artista di silhouette e disegno a penna, si crea una forte unità di carattere e illustrazione: forma astratta e figurativa. Il prossimo libro con illustrazioni di Kuzma Sergeevich era Koza-Dereza (Thought. Petrograd, 1923). Forse l'artista ha iniziato a illustrare questa particolare storia, perché la conosceva bene " personaggio principale"- una capra. È noto che nella casa della madre dell'artista a Khvalynsk c'erano sempre capre, che Kuzma Sergeevich dipinse più di una volta negli anni '10. Qui, nel disegno, l'artista ha utilizzato uno schema spaziale lineare che trasmette in modo impeccabile la forma sul piano del foglio. V. Konashevich ha parlato dei disegni del maestro: "mentre risolve il problema dello spazio, da nessuna parte nei suoi disegni viola il piano pittoresco, non fa buchi nella superficie, non rompe la composizione sempre forte". Nelle illustrazioni per "Goat Dereza", Kuzma Sergeevich colloca il disegno su una pagina bianca senza sfondo, imitando l'ambiente in cui, in molte illustrazioni per bambini, le immagini "affondavano", confondendo il bambino. Allo stesso tempo, il suo disegno non è illusorio, ma voluminoso. Ha trovato un metodo conciso ed espressivo per trasmettere l'ambiente mantenendo il margine bianco del foglio. L'artista ha evitato la prospettiva diretta che non gli piaceva tanto, ma ha raggiunto un senso dello spazio atteggiamento armonioso delimitata da una linea nera di oggetti ed "eroi" del libro e da uno sfondo bianco, l'esatta distribuzione delle forme "inferiore-superiore" - "più vicino-più lontano". Così, l'artista traduce le sue impressioni su ciò che legge in un linguaggio rigoroso ed economico, dove lo sfondo bianco partecipa alla costruzione dello spazio al pari delle sagome delle masse principali, rendendo il libro in bianco e nero raccolto internamente e solido.
Le illustrazioni per "Detti" di S. Fedorchenko ("Rainbow", 1924) riflettono vita popolare, che ha osservato nella sua nativa Khvalynsk, molti di loro indossano persino carattere autobiografico: Il 1 ottobre 1922, la tanto attesa figlia Elena nacque da Kuzma Sergeevich, che dipinse quando aveva solo pochi giorni. E mentre lavorava alle illustrazioni, ha immaginato il bambino in grembo a sua madre nella casa di Khvalynsk. In fondo l'artista non aveva il suo angolo, affittava appartamenti a Pietrogrado, sognando il proprio "comfort", che aveva sua madre a Khvalynsk. Nelle illustrazioni di "Detti" si riconoscono anche gli interni della casa dei genitori, le strade di Khvalynsk con le case di legno sparse sulle colline, con la "semplicità e infantilismo della provincia", un cortile con numerose galline, galline, un indispensabile gatto su una panchina, con oche o cavalli - a volte imbrigliati su un carro, poi con un cavaliere - anche un ricordo di viaggi sul cavallo del genitore Gray. Va notato che in tutti i libri sopra menzionati si può vedere l'amore di Kuzma Sergeevich per il passato nazionale, per i fondamenti secolari della vita contadina, voleva instillare nei bambini il rispetto per l'ambiente domestico originario - in questo vedeva il suo obiettivo educativo, in contrasto con il mondo dell'arte, per il quale l'ideale era una cultura nobile. Nelle illustrazioni per "Detti" abbiamo davanti a noi la grafia matura del maestro, che ha già "realizzato" la sua prospettiva "planetaria": è sia in orizzontale inclinato che linee verticali muri e pavimenti a capanna, telai e stipiti delle finestre, testiere e tavoli, nelle diagonali delle colline - in ogni cosa ci sono esperienze di sensazioni di movimento planetario, ipnotizzanti con i loro organici. Le illustrazioni di "Detti" sono colorate, sono dominate dai colori primari, "diluiti" con l'aggiunta di verde. A questo punto, l'artista aveva formulato la sua famosa teoria dei "tre colori". KS Per Petrov-Vodkin era importante fin dall'infanzia "fissare" l'occhio del bambino su colori locali puri e sonori. È noto che Petrov-Vodkin ha prestato attenzione agli effetti psicologici e psicofisici del colore. E in queste illustrazioni i colori "vivono affettuosamente l'uno accanto all'altro". L'integrità artistica di questo libro è raggiunta dall'unità dello stile grafico basato su un disegno a penna forte, accuratamente elaborato ed espressivo nella trama, allo stesso tempo generalizzato nella silhouette e nella morbida colorazione locale. “Le opere di K. Petrov-Vodkin nel disegno e, in particolare, nel montaggio, lasciano un'impressione molto pallida e sono inferiori alle sue illustrazioni per “Detti” di S. Fedorchenko, in cui i difetti grafici sono riscattati da una morbida gamma colorata. " La soluzione progettuale di "Detti" si distingue per la squisita decoratività, l'artista si rivolge qui al mondo della vita del villaggio che gli è vicino e comprensibile, interpreta con cura i motivi folcloristici. Sul lato destro di ogni diffusione, la stessa cornice ornamentale rossa è ripetuto, contenente testo poetico; sul lato sinistro c'è un'illustrazione della pagina a colori. La raccolta si apre con l'immagine di una donna anziana e di un bambino-narratore e ascoltatore; i dettagli quotidiani non distraggono minimamente lo spettatore dal significato simbolico di queste figure, personificando l'inizio e la fine della vita umana. Estremamente espressive sono le strette fessure degli occhi della vecchia, schiacciate da palpebre pesanti, e gli occhi spalancati e fiduciosi di un bambino. Immagini commoventi di bambini appaiono su molte altre pagine. Ma le immagini degli animali hanno avuto particolare successo in questo libro: una volpe e un riccio che conducono un dialogo teso, una lepre che corre a tutta velocità, un lupo solitario. Un'interpretazione realistica di queste immagini non esclude la loro origine favolosa.
Il design di Riddles (1925) di S. Marshak è stato realizzato con una vena stilistica simile. Un ornamento luminoso di stelle a sei punte incornicia il testo e piccolo disegni in bianco e nero . Alcuni oggetti e personaggi sono in posizioni instabili, a volte elementi di una stessa composizione sono mostrati da diversi punti di vista. Ma questi spostamenti spaziali non sono troppo evidenti, sono bilanciati dalla decorazione decorativa, soggetta a un unico ritmo grafico chiaro e persino leggermente monotono in tutto il libro. Più controverso è il fatto che accanto agli enigmi verbali vengano forniti indizi visivi inequivocabili, che non lasciano al lettore il tempo di cercare una soluzione indipendente. In copertina, il nome della collezione è giocato come un'insegna, che si tiene tra le mani di un ragazzo pensieroso. Nel 1926 Petrov-Vodkin illustrò il libro di E. Bahanovskaya "Cristoforo Colombo". Questa storia, divisa in brevi capitoli, ricorda involontariamente il "Libro blu" di M. Zoshchenko: l'autore è molto lontano dalle tradizioni di una seria narrativa storica e biografica, anche se adattata ai bambini. L'epopea della scoperta dell'America è raccontata qui in un linguaggio estremamente semplice, modernizzato e persino quotidiano, con molti dettagli aneddotici. Re, marinai, aborigeni parlano come abitanti di un appartamento comunale sovietico degli anni '20. Tutte le loro azioni hanno la motivazione più semplice: “Il re Ferdinando era avido. Ho solo pensato: "Sarebbe bello diventare ricchi". Isabella lo sapeva. Ecco perché ha parlato di ricchezza, e ha aggiunto: "E Colombo ti porterà l'oro proprio nei sacchi", ecc. Il layout del libro corrisponde perfettamente a questo modo giocoso di libera presentazione di fatti storici. Così, sul frontespizio, invece di un ritratto cerimoniale dell'eroe che si addice all'occasione, è raffigurata una scena molto frivola: due amici parlano in un'osteria davanti a una bottiglia di vino. Il disegno è intitolato: "Quando Colombo incontrerà Marco Polo, condurrà sicuramente la conversazione in India". In generale, Colombo nella maggior parte delle illustrazioni (secondo l'interpretazione dell'autore, ma contrariamente ai fatti storici) è presentato come una sorta di burbero sognante, un sempliciotto bonario, a cui non costa nulla imbrogliare. La mascolina regina spagnola Isabella dal naso lungo, il suo infido e avido marito Ferdinando, marinai ribelli, mercanti e cortigiani che incontrano la nave sono mostrati in modo ancora più grottesco. Ma alcuni fogli sono disegnati in uno stile diverso, più serio e persino patetico. Tale, ad esempio, è la scena di un incontro indiano con mercanti cinici o una composizione laconica con un bisonte e un avvoltoio, simboli della natura vergine americana. La copertina è molto originale: il titolo del racconto è, per così dire, posto su un manifesto incollato al muro, su cui un moderno pioniere disegna con un grosso pennello il profilo di un indiano. A quanto pare, in questo modo l'artista invita il lettore a colorare le illustrazioni in bianco e nero.
L'ultima opera di Petrov-Vodkin in un libro per bambini è una "culla" del 1937 "Frutta e bacche". In conformità con i requisiti più severi dell'epoca, la pubblicazione per bambini in età prescolare viene emessa secondo tutti i canoni del realismo accademico. Davanti a noi c'è un album di nature morte arrangiate ingegnosamente, eseguite con un tono tenue insolito per il maestro. combinazione di colori(L'ottusità dei colori è esacerbata dalla bassa qualità della riproduzione della stampa). Una scoperta riuscita dell'artista è il revival di nature morte con elementi di divertenti scene di "genere" con la partecipazione di giocattoli. Oggetti domestici riconoscibili sembrano essere mostrati dal punto di vista delle bambole coinvolte nel gioco: una lepre cucina marmellata di lamponi, una scimmia porta pere in macchina, un cucciolo d'orso custodisce un cesto di arance. Anche costretto a obbedire ai requisiti di una noiosa estetica realista socialista, il pittore rimane se stesso: il suo stile individuale è facilmente riconoscibile grazie alle citazioni dei primi dipinti ("Limone") e, cosa più importante, un atteggiamento speciale nei confronti del colore, dello spazio, del volume, che non può essere intaccato da alcuna decisione e studio. Nonostante la natura francamente da cavalletto e un po 'pesante delle illustrazioni, questo libro è di indubbio valore, se non altro perché offre al bambino una rara e felice opportunità di vedere gli oggetti del mondo circostante attraverso gli occhi di un artista eccezionale. Va notato che Petrov-Vodkin ha influenzato l'arte di progettare un libro per bambini non solo come praticante, ma anche come insegnante: molti illustri illustratori degli anni '20 e '30. erano suoi studenti all'Accademia delle arti di Pietrogrado.
