Alta commedia Tartuffe. L'importanza di Molière nello sviluppo della drammaturgia francese, la formazione del genere della "commedia alta" nel suo lavoro
Il tema del "filisteismo nella nobiltà" nelle opere di Molière. ragioni della sua rilevanza.
L'orientamento satirico della commedia di Molière "Tartufo". Il ruolo della commedia nella lotta contro la reazione cattolica feudale.
La particolarità dell'interpretazione dell'immagine di Don Juan nella commedia di Molière "Don Juan".
Conferenze: Molière ha portato alla commedia problemi seri, ma ne parla in modo comico ("crea e insegna"). Espansione dei personaggi: popolani + nobili. Tipi di commedie di Molière: 1. Atto unico - sitcom; 2. Commedie puramente alte (di regola, in cinque atti) - in parte scritte in versi (Tartuffe, Don Juan, Miser).
Libertines: 1. La richiesta di libertà di pensiero. 2. Libertinismo domestico - violazione dei divieti a livello della vita quotidiana. Don Juan è un libertino.
Già nella prima metà del XVII sec. i teorici del classicismo definivano il genere della commedia come un genere inferiore, il cui ambito era la vita privata, la vita quotidiana e i costumi. Nonostante il fatto che in Francia entro la metà del XVII secolo. furono scritte le commedie di Corneille, Scarron, Cyrano de Bergerac, il vero creatore della commedia classica fu Jean-Baptiste Poquelin ( nome d'arte- Molière, Jean Baptiste Poquelin, Molière, 1622-1673), figlio di un tappezziere-arredatore di corte. Tuttavia, Molière ricevette un'eccellente educazione per quel tempo. Nel Collegio dei Gesuiti di Clermont, ha studiato a fondo le lingue antiche e la letteratura dell'antichità. Moliere ha dato la preferenza alla storia, alla filosofia, alle scienze naturali. Era particolarmente interessato agli insegnamenti atomistici dei filosofi materialisti Epicuro e Lucrezio. Ha tradotto in francese la poesia di Lucrezio "Sulla natura delle cose". Questa traduzione non è stata conservata, ma in seguito ha incluso diversi versi di Lucrezio nel monologo di Eliant ("Il misantropo", II, 3). Al collegio Molière conobbe anche la filosofia di P. Gassendi e ne divenne un convinto sostenitore. Seguendo Gassendi, Moliere credeva nella legittimità e razionalità degli istinti naturali dell'uomo, nel bisogno di libertà nello sviluppo della natura umana. Dopo essersi diplomato al Clermont College (1639), seguì un corso di giurisprudenza presso l'Università di Orleans, terminando con il superamento dell'esame per il titolo di licenza dei diritti. Al termine della sua educazione, Molière potrebbe diventare un latinista, un filosofo, un avvocato e un artigiano, cosa che suo padre desiderava tanto.
La farsa ha attratto Molière con il suo contenuto tratto dalla vita di tutti i giorni, la varietà dei temi, la diversità e la vitalità delle immagini e la varietà delle situazioni comiche. Per tutta la vita, Molière mantenne questa predilezione per la farsa, e anche nelle sue commedie più alte (ad esempio, in Tartuffe) introdusse spesso elementi farseschi. Anche la commedia italiana delle maschere (commedia dell'arte), molto popolare in Francia, ha svolto un ruolo significativo nell'opera di Molière. L'improvvisazione degli attori durante lo spettacolo, l'intricato intrigo, i personaggi presi dal vero, i principi della recitazione, caratteristici della commedia delle maschere, furono usati da Molière nei suoi primi lavori.
Molière, l'autore che una volta disse: "Porto il mio bene dove lo trovo", costruisce commedie non solo su intrighi originali, ma spesso sull'uso di trame già sviluppate. A quei tempi era abbastanza accettabile. Essendo colto, Moliere si rivolge a comici romani, italiani del Rinascimento, romanzieri e drammaturghi spagnoli, ai suoi contemporanei francesi più anziani; autori famosi (Scarron, Rotru).
Nel 1658 Molière e la sua compagnia tornarono a Parigi. Al Louvre, davanti al re, hanno interpretato la tragedia di Corneille "Nycomedes" e la farsa di Molière "Doctor in Love", dove ha interpretato il ruolo principale. Il successo di Molière è stato portato dalla sua stessa commedia. Su richiesta di Luigi XIV, la compagnia di Molière fu autorizzata a mettere in scena spettacoli al teatro di corte del Petit Bourbon a sua volta con la compagnia italiana.
Soddisfacendo le esigenze del re di creare spettacoli divertenti, Molière si rivolge a un nuovo genere: i balletti comici. A Parigi, Molière ha scritto 13 opere teatrali, che includevano la musica come componente necessaria e spesso come componente principale. Le commedie-balletti di Molière sono stilisticamente divise in due gruppi. La prima categoria comprende opere liriche di natura sublime con una profonda caratterizzazione psicologica dei personaggi principali. Questi sono, ad esempio, "The Princess of Elis" (1664, presentato a Versailles al festival "The Amusements of the Enchanted Island"), "Melisert" e "Cosmic Pastoral" (1666, presentato al festival "Ballet of the Muse" a Saint-Germain), "Brilliant Lovers "(1670, al festival" Royal entertainment ", ibid)," Psyche "(1671, alle Tuileries). Il secondo gruppo è costituito principalmente da commedie satiriche quotidiane con elementi farseschi, ad esempio: The Sicilian (1667, a Saint-Germain), Georges Dandin (1668, a Versailles), Monsieur de Poursonac (1669, a Chambord) , "Il commerciante nel nobiltà" (1670, ibid.), "Il malato immaginario" (1673, al Palais Royal). Molière ha usato abilmente una varietà di modi per ottenere una combinazione armoniosa di canto, musica e danza con un'azione drammatica. Molti balletti comici, oltre all'alto valore artistico, erano di grande importanza sociale. Inoltre, queste commedie innovative di Molière (in combinazione con la musica di Lully) hanno contribuito alla nascita di nuovi generi musicali in Francia: la tragedia in musica, cioè l'opera (commedia-balletti del primo gruppo) e l'opera buffa (commedia-balletti del secondo gruppo) - genere democratico puramente francese, che fiorirà nel XVIII secolo.
Valutando la commedia come genere, Molière dichiara che non solo è uguale alla tragedia, ma addirittura superiore a essa, perché "fa ridere le persone oneste" e quindi "aiuta a sradicare i vizi". Il compito della commedia è essere uno specchio della società, ritrarre i difetti delle persone del loro tempo. Il criterio della commedia artistica è la verità della realtà. Questa verità può essere raggiunta solo quando l'artista attinge materia dalla vita stessa, scegliendo i fenomeni più naturali e creando caratteri generalizzati basati su osservazioni specifiche. Il drammaturgo non dovrebbe dipingere ritratti, "ma morali, senza toccare le persone". Poiché "il compito della commedia è rappresentare tutti i difetti delle persone in generale e delle persone moderne in particolare", è "impossibile creare un personaggio che non assomigli a nessuno intorno" ("Improvviso di Versailles", I, 3). Lo scrittore non esaurirà mai tutto il materiale, "la vita lo fornisce in abbondanza" (ibid.). A differenza della tragedia, che raffigura "eroi", la commedia deve rappresentare "persone", mentre è necessario "seguire la natura", cioè dotarli di tratti caratteristici dei contemporanei e disegnarli con volti vivi capaci di provare sofferenza. "Io, almeno, credo", scrive Molière, "che sia molto più facile giocare su sentimenti elevati, deridere le disgrazie in versi, distruggere il destino e maledire gli dei, piuttosto che penetrare nei lati ridicoli delle persone e trasformare i loro difetti in una vista piacevole. Quando disegni un personaggio, fai quello che vuoi... Ma quando disegni le persone, devi disegnarle dalla natura. Questi ritratti devono essere simili, e se non riesci a riconoscere i contemporanei in essi, hai lavorato invano ”(“ Critica della “Scuola delle mogli”, I, 7). Seguendo “la più grande delle regole è piacere” (ibid.), Molière invita ad ascoltare “i giudizi sani del parterre” (“Critica alla “Scuola delle mogli”, I, 6), cioè l'opinione dello spettatore più democratico.
Le commedie di Moliere possono essere suddivise in due tipologie, diverse per struttura artistica, natura del fumetto, intrigo e contenuto in generale. Il primo gruppo comprende commedie quotidiane, con trama farsesca, in un atto o in tre atti, scritte in prosa. La loro commedia è la commedia delle posizioni (The Ridiculous Pretenders, 1659; Sganarelle, or the Imaginary Cuckold, 1660; Reluctant Marriage, 1664; Reluctant Doctor, 1666; Skalen's Scammers, 1671). L'altro gruppo sono le "commedie alte". Dovrebbero essere scritti principalmente in versi e consistere in cinque atti. Comico " commedia alta"- questa è una commedia di carattere, una commedia intellettuale ("Tartuffe", "Don Juan", "Misanthrope", "Scientific Women", ecc.).
A metà degli anni 1660, Molière crea le sue migliori commedie, in cui critica i vizi del clero, della nobiltà e della borghesia. Il primo di questi era "Tartuffe, or the Deceiver" (editato nel 1664, 1667 e 1669)._Lo spettacolo doveva essere rappresentato durante la grandiosa celebrazione di corte "Divertimento dell'isola incantata", che ebbe luogo nel maggio 1664 a Versailles. Tuttavia, lo spettacolo ha sconvolto la vacanza. Sorse una vera cospirazione contro Molière, guidata dalla regina madre Anna d'Austria. Moliere è stato accusato di aver insultato la religione e la chiesa, chiedendo una punizione per questo. Le rappresentazioni dello spettacolo sono state annullate.
Moliere ha tentato di mettere in scena lo spettacolo in una nuova edizione. Nella prima edizione del 1664, Tartuffe era un sacerdote. Il ricco borghese parigino Orgon, nella cui casa entra questo ladro, fingendosi un santo, non ha ancora una figlia: il prete Tartuffe non poteva sposarla. Tartuffe esce abilmente da una situazione difficile, nonostante le accuse del figlio Orgon, che lo ha colto al momento di corteggiare la matrigna Elmira. Il trionfo di Tartufo testimoniava inequivocabilmente il pericolo dell'ipocrisia.
Nella seconda edizione (1667; come la prima, non ci è pervenuta), Molière ampliò l'opera, aggiunse altri due atti ai tre esistenti, dove raffigurò i legami dell'ipocrita Tartufo con la corte, la corte e la polizia . Tartuffe si chiamava Panyulf e si trasformò in un uomo di mondo, con l'intenzione di sposare la figlia di Orgon, Marianna. La commedia, intitolata "The Deceiver", si è conclusa con l'esposizione di Panyulf e la glorificazione del re. Nell'ultima edizione che ci è pervenuta (1669), l'ipocrita era di nuovo chiamato Tartufo, e l'intera opera si chiamava "Tartufo, o l'ingannatore".
Il re sapeva della commedia di Moliere e approvava la sua idea. Combattendo per Tartuffe, Molière nella prima Petizione al Re difese la commedia, si difese dalle accuse di empietà e parlò del ruolo sociale dello scrittore satirico. Il re non ha tolto il divieto alla commedia, ma non ha ascoltato il consiglio dei santi rabbiosi “di bruciare non solo il libro, ma anche il suo autore, un demone, un ateo e un libertino che ha scritto un diabolico, pieno di commedia abominevole in cui prende in giro la chiesa e la religione, le funzioni sacre” (“Il più grande re del mondo”, opuscolo del Dr. Sorbonne Pierre Roullet, 1664).
Il permesso di mettere in scena lo spettacolo nella sua seconda edizione fu dato dal re oralmente, in fretta, quando partì per l'esercito. Subito dopo la prima, la commedia è stata nuovamente bandita dal Presidente del Parlamento (la massima istituzione giudiziaria) Lamoignon, e l'arcivescovo parigino Perefix ha pubblicato un messaggio in cui vietava a tutti i parrocchiani e al clero di “presentare, leggere o ascoltare una commedia pericolosa ” pena la scomunica. Molière ha avvelenato la seconda petizione al quartier generale del re, in cui ha dichiarato che avrebbe smesso completamente di scrivere se il re non lo avesse difeso. Il re ha promesso di risolverlo. Nel frattempo, la commedia viene letta nelle case private, distribuita in manoscritto, rappresentata in spettacoli chiusi in casa (ad esempio, nel palazzo del Principe di Condé a Chantilly). Nel 1666, la regina madre morì e questo diede a Luigi XIV l'opportunità di promettere a Molière un permesso anticipato per mettere in scena. Arrivò l'anno 1668, anno della cosiddetta "pace ecclesiastica" tra cattolicesimo ortodosso e giansenismo, che contribuì a una certa tolleranza in materia religiosa. Fu allora che fu consentita la produzione di Tartuffe. Il 9 febbraio 1669, la rappresentazione dell'opera ebbe un enorme successo.
Qual è stata la ragione di attacchi così violenti a "Tartuffe"? Molière era stato a lungo attratto dal tema dell'ipocrisia, che vedeva ovunque nella vita pubblica. In questa commedia, Molière si rivolse al tipo più comune di ipocrisia dell'epoca - quello religioso - e lo scrisse sulla base delle sue osservazioni sulle attività di una società religiosa segreta - la "Società dei Santi Doni", patrocinata da Anna d'Austria e i cui membri erano e Lamoignon e Perefix, e i principi della chiesa, e i nobili e i borghesi. Il re non ha dato il permesso per l'attività aperta di questa organizzazione ramificata, che esisteva da più di 30 anni, l'attività della società era circondata dal più grande mistero. Agendo sotto il motto "Sopprimere ogni male, promuovere ogni bene", i membri della società hanno fissato il loro compito principale come lotta contro il libero pensiero e l'empietà. Avendo accesso a case private, essi, in sostanza, svolgevano le funzioni di una polizia segreta, conducendo una sorveglianza segreta dei sospetti, raccogliendo fatti presumibilmente comprovanti la loro colpevolezza e su questa base consegnando presunti criminali alle autorità. I membri della società predicavano l'austerità e l'ascetismo nella morale, avevano un atteggiamento negativo nei confronti di tutti i tipi di intrattenimento e teatro secolari e perseguivano la passione per la moda. Moliere ha visto come i membri della "Società dei Santi Doni" si sono insinuati e abilmente strofinati nelle famiglie di altre persone, come soggiogano le persone, catturando completamente la loro coscienza e la loro volontà. Ciò ha suggerito la trama dell'opera, mentre il personaggio di Tartuffe era formato dai tratti tipici inerenti ai membri della "Società dei Santi Doni".
Come loro, Tartuffe è legato alla corte, alla polizia, è patrocinato a corte. Nasconde il suo vero aspetto, fingendosi un nobile impoverito, in cerca di cibo sotto il portico della chiesa. Penetra nella famiglia Orgon perché in questa casa, dopo il matrimonio del proprietario con la giovane Elmira, invece dell'ex pietà, si sentono discorsi di morale libera, divertenti e critici. Inoltre, l'amico di Orgon Argas, esule politico, membro della Fronda parlamentare (1649), gli ha lasciato documenti compromettenti che sono conservati in una scatola. Una tale famiglia poteva benissimo sembrare sospetta alla "Società", e per tali famiglie era stata istituita la sorveglianza.
Tartuffe non è l'incarnazione dell'ipocrisia come vizio universale, è un tipo socialmente generalizzato. Non c'è da stupirsi che non sia solo nella commedia: il suo servitore Laurent, l'ufficiale giudiziario Loyal e la vecchia - la madre di Orgon, la signora Pernel, sono ipocriti. Tutti nascondono le loro azioni sgradevoli con discorsi devoti e osservano con attenzione il comportamento degli altri. L'aspetto caratteristico di Tartufo è creato dalla sua immaginaria santità e umiltà: “Pregava vicino a me ogni giorno in chiesa, / In un pio impulso, inginocchiandosi. // Attirava su di sé l'attenzione di tutti" (I, 6). Tartufo non è privo di attrattiva esterna, ha modi cortesi e insinuanti, dietro i quali si nascondono prudenza, energia, ambiziosa sete di potere, capacità di vendicarsi. Si stabilì bene nella casa di Orgon, dove il proprietario non solo soddisfa i suoi minimi capricci, ma è anche pronto a dargli in moglie sua figlia Marianna, una ricca ereditiera. Orgon gli confida tutti i segreti, compreso l'affidamento della custodia della preziosa scatola con documenti incriminanti. Tartuffe ha successo perché è un sottile psicologo; giocando sulla paura del credulone Orgon, costringe quest'ultimo a rivelargli ogni segreto. Tartufo copre i suoi piani insidiosi con argomenti religiosi. È ben consapevole della sua forza e quindi non frena le sue inclinazioni viziose. Non ama Marianne, lei è solo una sposa redditizia per lui, era affascinato dalla bella Elmira, che Tartuffe sta cercando di sedurre. Il suo ragionamento casistico secondo cui il tradimento non è un peccato se nessuno lo sa oltraggia Elmira. Damis, il figlio di Orgon, testimone di un incontro segreto, vuole smascherare il cattivo, ma lui, avendo assunto una posa di autoflagellazione e pentimento per peccati presumibilmente imperfetti, fa di nuovo Orgon il suo protettore. Quando, dopo il secondo appuntamento, Tartuffe cade in una trappola e Orgon lo caccia di casa, comincia a vendicarsi, mostrando appieno la sua natura viziosa, corrotta ed egoista.
Ma Molière non solo smaschera l'ipocrisia. In Tartuffe, solleva una domanda importante: perché Orgon si è lasciato ingannare così? Quest'uomo già di mezza età, ovviamente non stupido, con un carattere forte e una forte volontà, ha ceduto alla diffusa moda della pietà. Orgon credeva nella pietà e nella "santità" di Tartuffe e lo vede come il suo mentore spirituale. Tuttavia, diventa una pedina nelle mani di Tartuffe, il quale dichiara spudoratamente che Orgon preferirebbe credergli "piuttosto che ai suoi stessi occhi" (IV, 5). La ragione di ciò è l'inerzia della coscienza di Orgon, educata alla sottomissione alle autorità. Questa inerzia non gli dà l'opportunità di comprendere criticamente i fenomeni della vita e valutare le persone che lo circondano. Se Orgon acquisisce comunque una solida visione del mondo dopo l'esposizione di Tartuffe, allora sua madre, la vecchia Pernel, stupidamente devota sostenitrice di inerti visioni patriarcali, non ha mai visto il vero volto di Tartuffe.
La generazione più giovane, rappresentata nella commedia, che ha visto subito il vero volto di Tartuffe, è unita dalla cameriera Dorina, che ha servito a lungo e fedelmente nella casa di Orgon e qui è amata e rispettata. La sua saggezza, buon senso, intuizione aiutano a trovare i mezzi più appropriati per combattere l'astuto ladro.
La commedia "Tartuffe" era di grande importanza sociale. In esso, Molière non descriveva relazioni familiari private, ma il vizio sociale più dannoso: l'ipocrisia. Nella Prefazione al Tartufo, importante documento teorico, Molière spiega il significato della sua commedia. Afferma lo scopo pubblico della commedia, dichiara che “il compito della commedia è castigare i vizi, e qui non dovrebbero esserci eccezioni. Il vizio dell'ipocrisia dal punto di vista statale è uno dei più pericolosi nelle sue conseguenze. Il teatro ha la capacità di contrastare il vizio. Fu l'ipocrisia, secondo la definizione di Molière, il principale vizio di stato della Francia del suo tempo, a diventare l'oggetto della sua satira. In una commedia che evoca risate e paura, Molière ha ritratto un quadro profondo di ciò che stava accadendo in Francia. Ipocriti come Tartufo, despoti, truffatori e vendicatori, dominano impunemente il paese, commettono atrocità autentiche; l'illegalità e la violenza sono il risultato delle loro attività. Moliere ha dipinto un quadro che avrebbe dovuto allertare coloro che governavano il paese. E sebbene il re ideale alla fine dell'opera faccia giustizia (cosa spiegata dall'ingenua fede di Molière in un monarca giusto e ragionevole), la situazione sociale delineata da Molière sembra minacciosa.
Moliere l'artista, creando "Tartuffe", ha utilizzato un'ampia varietà di mezzi: qui si possono trovare elementi di farsa (Orgon si nasconde sotto il tavolo), commedie di intrighi (la storia della scatola con documenti), commedie di costume (scene in la casa di un ricco borghese), commedie di personaggi (dipendenza delle azioni di sviluppo dalla natura dell'eroe). Allo stesso tempo, il lavoro di Molière è una tipica commedia classica. Tutte le "regole" sono rigorosamente osservate in esso: è progettato non solo per intrattenere, ma anche per istruire lo spettatore. Nella "Prefazione" a "Tartufo" si dice: "Non puoi catturare persone così descrivendo i loro difetti. Ascoltano i rimproveri con indifferenza, ma non sopportano il ridicolo. La commedia nell'insegnamento piacevole rimprovera le persone per i loro difetti.
Don Giovanni, o l'ospite di pietra (1665) fu scritto molto rapidamente per migliorare gli affari del teatro dopo il divieto di Tartuffe. Molière si è rivolto a un tema straordinariamente popolare, sviluppato per la prima volta in Spagna, di un dissoluto che non conosce barriere nella sua ricerca del piacere. Per la prima volta, Tirso de Molina ha scritto di Don Juan, utilizzando fonti popolari, cronache di Siviglia su don Juan Tenorio, un libertino che ha rapito la figlia del comandante Gonzalo de Ulloa, lo ha ucciso e ha profanato la sua immagine tombale. Successivamente, questo tema ha attirato l'attenzione dei drammaturghi in Italia e Francia, che lo hanno sviluppato come una leggenda su un peccatore impenitente, privo di caratteristiche nazionali e quotidiane. Molière ha trattato questo noto tema in modo del tutto originale, abbandonando l'interpretazione religiosa e morale dell'immagine del protagonista. Il suo Don Juan è una persona laica ordinaria e gli eventi che gli accadono sono dovuti alle proprietà della sua natura, alle tradizioni quotidiane e relazioni sociali. Don Giovanni di Moliere, che fin dall'inizio della commedia è definito dal suo servitore Sganarello come "il più grande di tutti i cattivi che la terra abbia mai portato, un mostro, un cane, un diavolo, un turco, un eretico" ( I, 1), è un giovane temerario, un rastrello, che non vede barriere alla manifestazione della sua viziosa personalità: vive secondo il principio "tutto è permesso". Nel creare il suo Don Juan, Moliere non denunciava la dissolutezza in generale, ma l'immoralità insita nell'aristocratico francese del XVII secolo; Moliere conosceva bene questa razza di persone e quindi descriveva il suo eroe in modo molto affidabile.
Come tutti i dandy laici del suo tempo, Don Juan vive in debito, prendendo in prestito denaro dall '"osso nero" che disprezzava - dal borghese Dimanche, che riesce ad ammaliare con la sua cortesia, per poi mandarlo fuori dalla porta senza pagare il debito. Don Juan si è liberato da ogni responsabilità morale. Seduce le donne, distrugge le famiglie altrui, si sforza cinicamente di corrompere tutti quelli con cui ha a che fare: contadine dal cuore semplice, ognuna delle quali promette di sposare, un mendicante, a cui offre oro per bestemmia, Sganarello, a cui mette un chiaro esempio del trattamento del creditore Dimansh. Le virtù "piccolo-borghesi" - fedeltà coniugale e rispetto filiale - gli fanno solo sorridere. Il padre di Don Juan, Don Luis, sta cercando di ragionare con suo figlio, convincendolo che "il titolo di un nobile deve essere giustificato" da "dignità e buone azioni" personali, poiché "l'origine nobile senza virtù è nulla" e "la virtù è il primo segno di nobiltà." Indignato dall'immoralità del figlio, don Luis ammette che "il figlio di una governante, se lui uomo giusto", mette "più in alto del figlio del re" se quest'ultimo vive come Don Juan (IV, 6). Don Juan interrompe suo padre solo una volta: "Se ti sedessi, sarebbe più conveniente per te parlare", ma esprime il suo atteggiamento cinico nei suoi confronti con le parole: "Oh, muori il prima possibile, mi fa infuriare che i padri vivano quanto i figli» (IV, 7). Don Juan picchia il contadino Piero, al quale deve la vita, in risposta alla sua indignazione: "Pensi che se sei un maestro, allora puoi infastidire le nostre ragazze sotto il nostro naso?" (II, 3). Ride dell'obiezione di Sganarello: "Se sei di famiglia nobile, se hai una parrucca bionda... un cappello con le piume... allora sei più furbo per questo... tutto ti è permesso, e nessuno osa a dire la verità?" (Io, 1). Don Juan sa che è esattamente così: è posto in speciali condizioni privilegiate. E conferma in pratica la dolente osservazione di Sganarello: “Quando anche un nobile gentiluomo uomo cattivo, allora è terribile" (I, 1). Tuttavia, Moliere nota oggettivamente nel suo eroe la cultura intellettuale caratteristica della nobiltà. Eleganza, arguzia, coraggio, bellezza: queste sono anche le caratteristiche di Don Juan, che sa affascinare non solo le donne. Sganarello, figura polisemantica (è insieme semplice e astutamente intelligente), condanna il suo maestro, anche se spesso lo ammira. Don Juan è intelligente, pensa in modo ampio; è uno scettico universale, ride di tutto - e dell'amore, della medicina e della religione. Don Juan è un filosofo, un libero pensatore. Tuttavia, i lineamenti attraenti di Don Juan, uniti alla sua convinzione nel suo diritto di calpestare la dignità degli altri, non fanno che sottolineare la vitalità di questa immagine.
La cosa principale per Don Juan, un donnaiolo convinto, è il desiderio di piacere. Non volendo pensare alle disavventure che lo attendono, ammette: “Non posso amare una volta, ogni nuovo oggetto mi affascina... Niente può fermare i miei desideri. Il mio cuore è capace di amare il mondo intero”. Altrettanto poco pensa al significato morale delle sue azioni e alle loro conseguenze per gli altri. Molière ha interpretato in Don Juan uno di quei liberi pensatori secolari del XVII secolo che giustificavano il loro comportamento immorale con una certa filosofia: intendevano il piacere come la costante soddisfazione dei desideri sensuali. Allo stesso tempo, disprezzavano apertamente la chiesa e la religione. Per Don Juan non esiste l'aldilà, l'inferno, il paradiso. Crede solo che due più due faccia quattro. Sganarelle ha notato con precisione la superficialità di questa spavalderia: "Ci sono tali mascalzoni al mondo che si dissolvono per nessuno sa perché e costruiscono da se stessi liberi pensatori, perché credono che gli convenga". Tuttavia, il superficiale libertinaggio secolare, così diffuso in Francia negli anni Sessanta del Seicento, nel Don Juan di Molière non esclude il vero libero pensiero filosofico: ateo convinto, giunse a tali visioni attraverso un intelletto sviluppato, liberato da dogmi e divieti. E la sua logica ironicamente colorata in una disputa con Sganarello acceso temi filosofici convince il lettore e dispone a suo favore. Uno di caratteristiche attraenti La sincerità di Don Juan rimane per la maggior parte del gioco. Non è un pudico, non cerca di ritrarsi meglio di quello che è, e in generale apprezza poco le opinioni degli altri. Nella scena con il mendicante (III, 2), deridendolo a suo piacimento, gli dà ancora oro "non per amore di Cristo, ma per filantropia". Tuttavia, nel quinto atto, con lui avviene un cambiamento sorprendente: Don Juan diventa un ipocrita. Il logoro Sganarello esclama con orrore: "Che uomo, che uomo!" La finzione, la maschera della pietà che indossa Don Juan, non è altro che una tattica vantaggiosa; gli permette di districarsi in situazioni apparentemente senza speranza; riconciliarsi con il padre, da cui dipende finanziariamente, evitare in sicurezza un duello con il fratello di Elvira, da lui abbandonato. Come molti nella sua cerchia sociale, assumeva solo l'aspetto di una persona perbene. Nelle sue stesse parole, l'ipocrisia è diventata un "vizio privilegiato alla moda", che copre tutti i peccati, ei vizi alla moda sono considerati virtù. Continuando il tema sollevato in Tartuffe, Molière mostra il carattere generale dell'ipocrisia, diffuso in diverse classi e ufficialmente incoraggiato. Anche l'aristocrazia francese ne fu coinvolta.
Creando "Don Giovanni", Moliere ha seguito non solo l'antica trama spagnola, ma anche i metodi di costruzione di una commedia spagnola con la sua alternanza di scene tragiche e comiche, il rifiuto dell'unità di tempo e luogo, la violazione dell'unità stile linguistico(il discorso dei personaggi qui è più individualizzato che in qualsiasi altra commedia di Molière). Anche la struttura caratteriale del protagonista è più complessa. Eppure, nonostante queste parziali deviazioni dai rigidi canoni della poetica del classicismo, Don Juan rimane, nel complesso, una commedia classicista, il cui scopo principale è la lotta contro i vizi umani, la formulazione di problemi morali e sociali, la immagine di caratteri generalizzati e tipizzati.
Un piccolo borghese nella nobiltà (1670) fu scritto direttamente per ordine di Luigi XIV. Quando nel 1669, a seguito della politica di Colbert di stabilire relazioni diplomatiche ed economiche con i paesi dell'Est, arrivò a Parigi l'ambasciata turca, il re la accolse con favoloso lusso. Tuttavia, i turchi, con la loro moderazione musulmana, non espressero alcuna ammirazione per questo splendore. Il re offeso voleva vedere uno spettacolo sul palco in cui si potesse ridere delle cerimonie turche. Tale è l'impulso esterno alla creazione dell'opera. Inizialmente Molière inventò la scena dell'iniziazione approvata dal re alla dignità di "mamamushi", da cui in seguito si sviluppò l'intera trama della commedia. Al centro di essa ha posto un mercante meschino e presuntuoso, che vuole a tutti i costi diventare un nobile. Questo gli fa facilmente credere che il figlio del sultano turco voglia sposare sua figlia.
Nell'era dell'assolutismo, la società era divisa in "cortile" e "città". Per tutto il XVII secolo si osserva nella "città" una continua attrazione per la "corte": acquisto di cariche, proprietà fondiarie (incoraggiate dal re, in quanto rimpinguava l'erario sempre vuoto), adulazioni, assimilazione di modi, lingua e costumi nobiliari, borghese ha cercato di avvicinarsi a coloro da cui ha separato l'origine borghese. La nobiltà, che conobbe un declino economico e morale, conservò tuttavia la sua posizione privilegiata. Il suo prestigio, costruito nei secoli, la sua arroganza, e anche se spesso la cultura esteriore, soggiogarono la borghesia, che in Francia non aveva ancora raggiunto la maturità e non aveva sviluppato una coscienza di classe. Osservando il rapporto tra queste due classi, Molière ha voluto mostrare il potere della nobiltà sulle menti della borghesia, che si basava sulla superiorità della cultura nobile e sul basso livello di sviluppo della borghesia; allo stesso tempo, voleva liberare i borghesi da questo potere, renderli sobri. Raffigurando persone del terzo stato, i borghesi, Molière li divide in tre gruppi: quelli che erano caratterizzati da patriarcato, inerzia, conservatorismo; persone di un nuovo tipo, che possiedono un senso della propria dignità e, infine, coloro che imitano la nobiltà, che ha un effetto dannoso sulla loro psiche. Tra questi ultimi c'è il protagonista di The Trader in the Nobility, Mr. Jourdain.
Questo è un uomo completamente catturato da un sogno: diventare un nobile. L'opportunità di avvicinarsi a persone nobili è felicità per lui, tutta la sua ambizione è raggiungere la somiglianza con loro, tutta la sua vita è il desiderio di imitarli. Il pensiero della nobiltà si impossessa completamente di lui, in questa sua cecità mentale, perde ogni idea corretta del mondo. Agisce senza ragionare, a suo danno. Raggiunge la bassezza mentale e comincia a vergognarsi dei suoi genitori. È ingannato da tutti quelli che vogliono; viene derubato da insegnanti di musica, danza, scherma, filosofia, sarti e apprendisti vari. La maleducazione, le cattive maniere, l'ignoranza, la volgarità del linguaggio e dei modi del signor Jourdain contrastano comicamente con le sue pretese di nobile eleganza e lucentezza. Ma Jourdain provoca risate, non disgusto, perché, a differenza di altri parvenu simili, si inchina alla nobiltà disinteressatamente, per ignoranza, come una sorta di sogno di bellezza.
Il signor Jourdain è contrastato da sua moglie, un vero rappresentante della borghesia. Questa è una donna pratica e sensibile con autostima. Sta cercando con tutte le sue forze di resistere alla mania di suo marito, alle sue affermazioni inappropriate e, soprattutto, a liberare la casa da ospiti indesiderati che vivono di Jourdain e sfruttano la sua creduloneria e vanità. A differenza del marito, non ha alcun rispetto per il titolo nobiliare e preferisce far sposare la figlia con un uomo che sia suo pari e non disprezzi i parenti borghesi. La generazione più giovane - la figlia di Jourdain Lucille e il suo fidanzato Cleont - sono persone di un nuovo tipo. Lucille ha ricevuto una buona educazione, ama Cleont per le sue virtù. Cleon è nobile, ma non per origine, ma per carattere e proprietà morali: onesto, sincero, amorevole, può essere utile alla società e allo Stato.
Chi sono quelli che Jourdain vuole imitare? Conte Dorant e Marchesa Dorimena - persone nobile nascita, hanno maniere raffinate, gentilezza accattivante. Ma il conte è un povero avventuriero, un truffatore, pronto a qualsiasi meschinità per amore del denaro, anche assecondando. Dorimena, insieme a Dorant, deruba Jourdain. La conclusione a cui Molière conduce lo spettatore è ovvia: lascia che Jourdain sia ignorante e semplice, lascia che sia ridicolo, egoista, ma è un uomo onesto e non c'è nulla per cui disprezzarlo. In termini morali, Jourdain, credulone e ingenuo nei suoi sogni, è superiore agli aristocratici. Così la commedia-balletto, il cui scopo originario era quello di intrattenere il re nel suo castello di Chambord, dove andava a caccia, divenne, sotto la penna di Molière, un'opera satirica e sociale.
Nell'opera di Molière, sono diversi i temi che egli ha ripetutamente affrontato, sviluppandoli e approfondendoli. Tra questi ci sono il tema dell'ipocrisia ("Tartufo", "Don Giovanni", "Misantropo", "Il malato immaginario", ecc.), Il tema del commerciante nella nobiltà ("School of Wives", "George Danden" , “Il commerciante nella nobiltà” ), il tema della famiglia, del matrimonio, dell'educazione, dell'educazione. La prima commedia su questo argomento, come ricordiamo, fu "The Ridiculous Pretenders", fu continuata nella "School of Husbands" e "School of Wives", e completata nella commedia "Learned Women" (1672), che mette in ridicolo la passione esteriore per la scienza e la filosofia nei salotti parigini secondo metà del XVII v. Moliere mostra come un salotto letterario secolare si trasformi in una "accademia scientifica", dove la vanità e la pedanteria sono apprezzate, dove si cerca di coprire la volgarità e la sterilità della mente con pretese di correttezza ed eleganza del linguaggio (II, 6, 7; III, 2). Un fascino superficiale per la filosofia di Platone o per la meccanica di Cartesio impedisce alle donne di adempiere ai loro immediati doveri basilari di moglie, madre, padrona di casa. Molière lo vedeva come un pericolo sociale. Ride del comportamento delle sue eroine pseudo-scientifiche: Filamintha, Belize, Armande. Ma ammira Henrietta, una donna dalla mente lucida e sobria e per nulla ignorante. Certo, Molière non mette in ridicolo qui la scienza e la filosofia, ma un gioco infruttuoso in esse, che è dannoso per una visione pratica e sana della vita.
Non c'è da stupirsi che Boileau, che apprezzava molto il lavoro di Molière, accusasse il suo amico di essere "troppo popolare". Il carattere popolare delle commedie di Molière, che si manifestava sia nel contenuto che nella forma, si basava principalmente sulle tradizioni popolari della farsa. Moliere ha seguito queste tradizioni nel suo lavoro letterario e di recitazione, mantenendo per tutta la vita una passione per il teatro democratico. La nazionalità dell'opera di Molière è testimoniata anche dalla sua personaggi popolari. Questi sono, prima di tutto, i servi: Mascaril, Sganarelle, Sozy, Scapin, Dorina, Nicole, Toinette. Era nelle loro immagini che Molière si esprimeva tratti caratteriali carattere nazionale francese: allegria, socievolezza, cordialità, arguzia, destrezza, abilità, buon senso.
Inoltre, nelle sue commedie, Molière ha rappresentato i contadini e la vita contadina con genuina simpatia (ricorda le scene nel villaggio in The Unwilling Doctor o Don Juan). Anche il linguaggio delle commedie di Molière testimonia la loro vera nazionalità: spesso contiene materiale folcloristico - proverbi, detti, credenze, canzoni folk, che ha attratto Molière con spontaneità, semplicità, sincerità ("Misantropo", "Partecipante alla nobiltà"). Molière usava audacemente dialettismi, folk patois (dialetto), vari vernacoli, svolte errate dal punto di vista della grammatica rigorosa. L'ingegno, l'umorismo popolare conferiscono alle commedie di Molière un fascino unico.
Descrivendo il lavoro di Molière, i ricercatori sostengono spesso che nelle sue opere "è andato oltre i limiti del classicismo". In questo caso, di solito si riferiscono a deviazioni dalle regole formali della poetica classicista (ad esempio, in Don Juan o in alcune commedie di tipo farsesco). Non si può essere d'accordo con questo. Le regole per la costruzione della commedia non sono state interpretate in modo rigoroso come le regole per la tragedia e hanno consentito una variazione più ampia. Molière è il comico più significativo e caratteristico del classicismo. Condividendo i principi del classicismo come sistema artistico, Moliere ha fatto autentiche scoperte nel campo della commedia. Ha chiesto di riflettere fedelmente la realtà, preferendo passare dall'osservazione diretta dei fenomeni della vita alla creazione di personaggi tipici. Questi personaggi sotto la penna del drammaturgo acquistano certezza sociale; molte delle sue osservazioni si sono quindi rivelate profetiche: tale, ad esempio, è la rappresentazione delle peculiarità della psicologia borghese.
La satira nelle commedie di Moliere ha sempre contenuto un significato sociale. Il comico non ha dipinto ritratti, non ha registrato fenomeni minori della realtà. Ha creato commedie che raffiguravano la vita ei costumi della società moderna, ma per Molière era, in sostanza, una forma di espressione di protesta sociale, la richiesta di giustizia sociale.
Al centro della sua visione del mondo c'erano la conoscenza sperimentale, le osservazioni concrete della vita, che preferiva alla speculazione astratta. Nelle sue opinioni sulla moralità, Molière era convinto che solo seguire le leggi naturali fosse la chiave del comportamento razionale e morale di una persona. Ma ha scritto commedie, il che significa che la sua attenzione è stata attratta da violazioni delle norme della natura umana, deviazioni dagli istinti naturali in nome di valori inverosimili. Nelle sue commedie sono raffigurati due tipi di "pazzi": quelli che non conoscono la loro natura e le sue leggi (Molière cerca di insegnare e sobrio a queste persone), e quelli che paralizzano deliberatamente la propria natura o quella di qualcun altro (considera queste persone pericolose e richiedere l'isolamento). Secondo il drammaturgo, se la natura di una persona è pervertita, diventa una deformità morale; ideali falsi e falsi sono alla base di una moralità falsa e perversa. Molière esigeva un vero rigore morale, una ragionevole limitazione dell'individuo; la libertà dell'individuo per lui non è seguire ciecamente il richiamo della natura, ma la capacità di subordinare la propria natura alle esigenze della mente. Pertanto esso chicche ragionevole e ragionevole.
3. L'opera di Molière. Caratteristiche di genere delle sue opere. Tradizione e innovazione.
Commedia Tradizione: Carnevale(nativo, popolare tra la gente comune) e dellarte(italiano, preso in prestito). Il fumetto è associato a un cambio di posizione oa una farsa. Non ci sono personaggi. Luogo inesistente. In generale, Moliere sta cercando di combinare la farsa come base dell'interesse dello spettatore e dell "arte, come base della drammaturgia. Ha creato commedie e sitcom elevate. Ha anche rifiutato la trinità, ma questo non è esatto.
Cronologicamente Molière (1622 - 1673) si trova tra Corneille e Racine. Moliere (vero nome - Poquelin, lo ha cambiato per non disonorare suo padre con la sua peccaminosa professione di attore) ha ricevuto un'eredità, ha cercato di creare il proprio teatro, è fallito. Ha anche cavalcato per 13 anni con una compagnia itinerante. A Parigi, escogita una formula "insegnare divertendosi". Che è un principio assolutamente classico.
Molière inizia con una giocata di successo “Divertente Preziosa”.
La prima importante qualità della drammaturgia di Molière. Scrive su argomenti di attualità. L'attualità in dell'arte andava oltre il dramma, oltre la trama. Anche se andavano a vedere dell'arte solo per lei. Per Molière diventa il tema principale e l'intrigo principale.
La seconda qualità importante. La letteratura precisa è una specie di barocco francese. Sta nell'abbondanza di parole dolci. Coltiva un ritorno alla tradizione cavalleresca, e in generale l'immagine di una dama in generale. Da un lato, questa cultura problemi sociali, ma d'altra parte, Molière vede qui un'inflessione (si dice in un linguaggio alto di alcune cose basse, fi). E Molière si oppone al fatto che il problema della precisione sia andato oltre l'opportunità. In generale, mette in primo piano qualche argomento, ma ne critica l'uso.
Molière analizza un problema da diverse angolazioni in tre commedie scritte di seguito: Tartuffe, Don Giovanni, Misanthrope.
“Tartufo" (1664).
Lo spettacolo è stato bandito (a causa dell'immagine dell'ipocrita/preciso Tartufo, che presumibilmente offende la chiesa), Molière ha cercato a lungo di riportare lo spettacolo sul palco e alla fine l'ha raggiunto.
La commedia è basata sul conflitto familiare tra Orgon e sua madre contro Tatruff. C'è anche un conflitto d'amore. Molière non rifiuta la storia della commedia dell'Arte e la intreccia nella commedia Tartufo unisce entrambi i conflitti, sebbene non partecipi ai conflitti stessi, tutto è intorno a lui. Non è una trama, ma un'immagine ideologica.
L'immagine di Tartuffe viene creata prima dell'apparizione stessa di Tartuffe (prima del secondo atto). Per distruggerlo alla fine, ovviamente. Prima che apparisse dovrebbe sembrare un bravo ragazzo magro, ma in realtà è un paffuto lascivo e un ipocrita.
Dal 1530, la Francia ha condotto una guerra religiosa rivoluzionaria. Più recentemente, la guerra di religione dei trent'anni. Come parte di questa opposizione religiosa, il monaco Tartufo dovrebbe essere considerato buono, ma in realtà in qualche modo non lo è. Tartuffe promuove l'ascetismo a tutti, anche se fa esattamente il contrario. Molière gioca su questo contrasto, sulla discrepanza tra parole e fatti. Tartuffe è un ipocrita, ma Don Juan, per esempio, non lo è. Tartuffe crede che questo sia l'unico modo per adattarsi alla vita. Ed è un monaco proprio per amore di un'immagine vivida. Perché è di attualità. Moliere non si oppone agli ideali religiosi, ma ai cattivi preti e al fatto che i valori diventano un oggetto manipolabile.
Contesto storico: L'assolutismo francese prese finalmente forma quando Luigi 14 rifiutò i ministri. Questo è stato preceduto da una Fronda, dicendo che la più alta aristocrazia ha cercato di impedire questo assolutismo assoluto. In modo che Richelieu e Mazzarino potessero influenzare alcune decisioni. Tutto ciò è stato accompagnato da una lotta interna attiva tra il Parlamento e la regina. Ma alla fine, il fronte è scomparso. Una delle figure di spicco era il principe di Condé, noto per la sua astuzia. Quando era necessario ritraeva il mondo, quando non era necessario sputava su tutto, fino all'arruolamento nell'esercito spagnolo, cioè al tradimento politico.
La prima violazione delle norme classiche è la scelta della classe superiore come eroi per la commedia. Alla fine appare anche il re (!).
La seconda violazione: due trame, l'unità di azione non viene preservata.
La terza violazione è che il genere della commedia bassa è scritto in versi, non in prosa.
Trucchi comici:
Il ruolo drammatico decisivo nel conflitto amoroso è svolto dalla cameriera Dorina - la tradizione dell'arte.
Intercettazioni (Dorina direttamente, Doris dall'armadio e Orgon sotto il tavolo - una varietà di Molière).
Potenziali dispositivi farseschi come il combattimento sono mostrati come un accenno di combattimento. Li rende esteticamente più accettabili per un pubblico elevato.
Molière ha creato un'alta commedia e vi ha aggiunto carattere. Si è scoperto un nuovo tipo di commedia: una commedia di personaggi. Molière restituisce il contenuto comico originale.
“Don Juan" (1665) e "Il misantropo" (1666).
È importante confrontare le generazioni.
“Essere un nobile non basta, bisogna giustificare questo titolo con qualità virtuose” (c) Don Luis - padre.
"Devi vivere come vuoi" (c) Don Juan è un figlio.
A differenza di Tartufo, gli eroi non possono essere divisi in positivi e negativi. Poiché il carattere presuppone la presenza di tali e tali tratti. Cleanthe e Tartuffe possono essere considerati protagonisti e antagonisti a livello di idea. In The Misanthrope, questi sono Alceste e Célimène. Risonatore - Filint. Filinto, amico di Alceste, è il "mezzo d'oro" tra il "cattivo" Alceste (cinico) e il "buon" Oronte (gentile poeta). (Entrambi i giovani sono innamorati della stessa ragazza - Célimène, ma la visione del mondo di Alceste non gli permette di stare con lei a Parigi nell'atmosfera di corte di continue bugie, ipocrisia e adulazione.)
Non c'è antagonista in Don Juan. Niente, tranne il finale, niente si oppone alla bella vita di Don Juan. È più come una serie di scene sulla sua bella vita. Non c'è una posizione risonante, se non per il monologo del papa, che non cambia nemmeno nulla. Il tentativo di Sganarello di essere un ragionatore fallisce perché assomiglia a Tartufo. E i suoi pensieri sono determinati dallo sguardo severo di Don Juan. Il sistema di valori caratteristico della commedia classica è sfocato. Don Juan è un sentimento al 100%, non costruisce nulla da se stesso, fa quello che vuole. Tartufo finge di essere un buon prete e fa quello che vuole. Il suo obiettivo è la copertura. Alceste suggerisce di mettere in primo piano un buon obiettivo. E Alceste fallì un po'.
Conclusione altamente intelligente: Tartufo usa i valori morali, Don Juan non li accetta nella sua vita, Alceste li difenderà fino alla fine. Moliere mostra modelli e opzioni per affrontare i valori, ma non dice cosa farne esattamente.
La commedia di Molière
Jean-Baptiste Poquelin (Molière) (1622-1673) fu il primo a fare della commedia un genere pari alla tragedia. Ha sintetizzato i migliori risultati della commedia da Aristofane alla commedia contemporanea del classicismo, compresa l'esperienza di Cyrano de Bergerac, che gli scienziati citano spesso tra i creatori diretti dei primi esempi di commedia nazionale francese.
La vita e il percorso creativo di Molière sono stati studiati abbastanza. È noto che il futuro comico è nato nella famiglia di un tappezziere di corte. Tuttavia, non volle ereditare l'attività del padre, rifiutando i corrispondenti privilegi nel 1643.
Grazie a suo nonno, il ragazzo ha conosciuto presto il teatro. Jean Baptiste era seriamente appassionato di lui e sognava di diventare un attore. Dopo essersi diplomato alla scuola dei gesuiti di Clermont (1639) e aver conseguito il diploma di avvocato nel 1641 a Orleans, nel 1643 organizzò la compagnia del Brilliant Theatre, che comprendeva i suoi amici e collaboratori per molti anni: Mademoiselle Madeleine Bejart, Mademoiselle Dupary, Mademoiselle Debry e altri. Sognando una carriera da attore tragico, il giovane Poquelin prende il nome di Molière come pseudonimo teatrale. Tuttavia, come attore tragico, Moliere non ha avuto luogo. Dopo una serie di battute d'arresto nell'autunno del 1645, il Brilliant Theatre fu chiuso.
Gli anni 1645-1658 sono gli anni dei vagabondaggi della compagnia Molière nelle province francesi, arricchendo il drammaturgo di impressioni e osservazioni indimenticabili sulla vita. Durante il viaggio sono nate le prime commedie, la cui scrittura ha rivelato subito il talento di Molière come futuro grande comico. Tra i suoi primi esperimenti di successo c'erano "Naughty, or Everything at random" (1655) e "Love Annoyance" (1656).
1658 - Molière e la sua troupe tornano a Parigi e suonano davanti al re. Luigi XVI permette loro di rimanere a Parigi e nomina suo fratello patrono della compagnia. Alla troupe viene assegnata la costruzione del Palazzo Petit Bourbon.
Dal 1659, con la produzione de "I ridicoli pretendenti", inizia effettivamente la gloria del drammaturgo Molière.
Nella vita di Molière, il comico, ci sono stati alti e bassi. Nonostante tutte le polemiche che circondano la sua vita personale e i rapporti con la corte, l'interesse per le sue creazioni continua a non svanire, che sono diventate una sorta di criterio di alta creatività per le generazioni successive, come la "Scuola dei mariti" (1661), " Scuola delle mogli" (1662), "Tartufo" (1664), "Don Giovanni, o l'ospite di pietra" (1665), "Il misantropo" (1666), "Il medico riluttante" (1666), "Il commerciante nella Nobiltà" (1670) e altri.
Studiando le tradizioni di Molière nelle opere di scrittori di altri secoli, scienziati come, ad esempio, S. Mokulsky, G. Boyadzhiev, J. Bordonov, R. Brae, hanno cercato di svelare il fenomeno di Molière, la natura e il contenuto del divertente nelle sue opere. E. Faguet ha affermato: "Molière è l'apostolo del 'buon senso', cioè quelle opinioni generalmente accettate del pubblico, che aveva davanti ai suoi occhi e che voleva accontentare". L'interesse per Molière non si sta indebolendo neanche nella moderna critica letteraria. Negli ultimi anni sono apparse opere dedicate non solo alle questioni di cui sopra, ma anche alle questioni della romanticizzazione del conflitto classicista (A. Karelsky), valutando il teatro di Molière nel concetto di M. Bulgakov (A. Grubin).
Nell'opera di Molière, commedia ricevuta ulteriori sviluppi come un genere. Ne furono formate forme come commedia "alta", commedia-"scuola" (termine di N. Erofeeva), commedia-balletto e altre. G. Boyadzhiev nel libro "Molière: Historical Ways of the Formation of the High Comedy Genre" ha sottolineato che le norme del nuovo genere sono emerse quando la commedia si è avvicinata alla realtà e, di conseguenza, ha acquisito una problematica determinata da problemi sociali oggettivamente esistenti nella realtà stessa. Basato sull'esperienza di antichi maestri, commedia dell'arte e farsa, la commedia classica, secondo lo scienziato, ha ricevuto maggiore sviluppo a Molière.
Moliere ha delineato le sue opinioni sul teatro e sulla commedia nelle polemiche commedie Critica della scuola per mogli (1663), Impromptu di Versailles (1663), nella Prefazione al tartufo (1664) e altre. Il principio fondamentale dell'estetica dello scrittore è "insegnare divertendosi". Difendendosi per un vero riflesso della realtà nell'arte, Molière ha insistito su una percezione significativa azione teatrale, il soggetto di cui ha scelto più spesso le situazioni, i fenomeni, i personaggi più tipici. Allo stesso tempo, il drammaturgo si è rivolto a critici e spettatori: “Non accettiamo ciò che è inerente a tutti e trarremo il maggior beneficio possibile dalla lezione, senza dimostrarlo noi stiamo parlando chi siamo".
Anche nelle prime opere di Molière, secondo G. Boyadzhiev, "comprendeva la necessità di trasferire gli eroi romantici nel mondo della gente comune". Da qui le trame di "Funny Pretenders", "School of Wives", "School of Husbands" e incluso "Tartuffe".
Parallelamente allo sviluppo del genere della commedia "alta" nell'opera di Molière, si sta formando una "scuola" di commedia. Ciò è già evidenziato dalle "Divertenti timidezze" (1659). Nella commedia, il drammaturgo si è rivolto all'analisi delle norme del gusto aristocratico su un esempio specifico, nel valutare queste norme, concentrandosi sul gusto naturale e sano delle persone, quindi, si è spesso rivolto alla sua esperienza di vita e si è rivolto al suo osservazioni e osservazioni più acute al parterre.
In generale, il concetto di "virtù" occupa un posto importante nell'estetica di Molière. Davanti agli illuministi, il drammaturgo ha sollevato la questione del ruolo della moralità e della moralità nell'organizzazione della vita privata e pubblica di una persona. Molto spesso, Molière ha combinato entrambi i concetti, chiedendo di rappresentare i costumi senza toccare le personalità. Tuttavia, ciò non contraddiceva la sua richiesta di ritrarre correttamente le persone, di scrivere "dal vero". La virtù è sempre stata un riflesso della moralità e la moralità è stata un concetto generalizzato del paradigma morale della società. Allo stesso tempo, la virtù come sinonimo di moralità è diventata un criterio, se non bello, allora buono, positivo, esemplare e quindi morale. E l'umorismo di Moliere era anche in gran parte determinato dal livello di sviluppo della virtù e delle sue componenti: onore, dignità, modestia, cautela, obbedienza e così via, cioè quelle qualità che caratterizzano un eroe positivo e ideale.
Il drammaturgo ha tratto esempi positivi o negativi dalla vita, mostrando sul palco situazioni, tendenze sociali e personaggi più tipici rispetto ai suoi colleghi scrittori. L'innovazione di Molière è stata notata da G. Lanson, che ha scritto: “Nessuna verità priva di commedia, e quasi nessuna commedia priva di verità: ecco la formula di Molière. Il fumetto e la verità sono estratti da Molière dalla stessa fonte, cioè dall'osservazione dei tipi umani.
Come Aristotele, Molière vedeva il teatro come lo "specchio" della società. Nelle sue commedie-"scuole" consolidò "l'effetto di alienazione" di Aristofane attraverso l'"effetto di apprendimento" (termine di N. Erofeeva), che fu ulteriormente sviluppato nell'opera del drammaturgo.
La performance - una forma di spettacolo - è stata presentata come uno strumento didattico per lo spettatore. Doveva risvegliare la coscienza, la necessità di discutere e in una disputa, come sai, nasce la verità. Il drammaturgo ha costantemente (ma indirettamente) offerto a ogni spettatore una "situazione speculare", in cui l'ordinario, familiare e quotidiano era percepito come dall'esterno. Sono state assunte diverse varianti di tale situazione: percezione ordinaria; una svolta inaspettata dell'azione, quando ciò che è familiare e comprensibile è diventato sconosciuto; l'emergere di una linea d'azione che duplica la situazione, evidenziando le possibili conseguenze della situazione presentata e, infine, il finale, alla cui scelta lo spettatore deve avvicinarsi. Inoltre, il finale della commedia era uno dei possibili, sebbene desiderabili per l'autore. Non è noto come verrà valutata la situazione di vita reale che si è svolta sul palco. Moliere rispettava la scelta di ogni spettatore, la sua opinione personale. I personaggi sono stati sottoposti a una serie di lezioni morali, filosofiche e psicologiche, che hanno dato alla trama il contenuto ultimo, e la trama stessa, in quanto portatrice di informazioni, è diventata un'occasione per una conversazione e un'analisi sostanziali di una situazione o fenomeno specifico in le vite della gente. Sia nella commedia "alta" che nella commedia "scolastica", il principio didattico del classicismo era pienamente realizzato. Tuttavia, Molière è andato oltre. Rivolgersi al pubblico alla fine dello spettacolo significava un invito alla discussione, e lo vediamo, ad esempio, in La scuola dei mariti, quando Lisette, voltandosi verso la platea, dice testualmente quanto segue:
Tu, se conosci mariti lupo mannaro, mandali almeno alla nostra scuola.
L'invito “alla nostra scuola” rimuove la didattica come confine tra l'autore-insegnante e lo spettatore-studente. Il drammaturgo non si separa dal pubblico. Si concentra sulla frase "a noi". Nella commedia, Molière usava spesso le possibilità semantiche dei pronomi. Così, Sganarello, pur convinto di avere ragione, dice con orgoglio al fratello “le mie lezioni”, ma non appena si sente in ansia, informa subito Arist sulla “conseguenza” delle “nostre lezioni”.
Nel creare la "Scuola dei mariti", Molière ha seguito Gessendy, che ha affermato il primato dell'esperienza sulla logica astratta, e Terence, nella cui commedia "Brothers" è stato risolto il problema della vera educazione. In Molière, come in Terence, due fratelli discutono sul contenuto dell'educazione. Divampa una disputa tra Arist e Sganarello su come e con quali mezzi ottenere una buona educazione di Leonora e Isabella per poterle sposare in futuro ed essere felici.
Ricordiamo che il concetto di "l "? ducation" - "educazione, educazione" - è apparso nel dizionario secolare degli europei del XV secolo. Deriva dal latino educatio e denota il processo e i mezzi per influenzare una persona nel corso di educazione, educazione Osserviamo entrambi i concetti nella commedia " School of Husbands. "I punti di partenza che hanno determinato l'essenza della disputa tra i fratelli erano due scene: la seconda nel primo atto e la quinta nel secondo.
Sull'argomento della disputa, Molière fu il primo a far parlare Ariste. È più vecchio di Sganarelle, ma più capace di correre rischi, aderisce a visioni progressiste sull'educazione, concede a Leonora alcune libertà, come visitare il teatro, i balli. È convinto che il suo allievo debba frequentare una "scuola laica". La "scuola secolare" è più preziosa dell'edificazione, poiché la conoscenza acquisita in essa è verificata dall'esperienza. La fiducia costruita sulla ragionevolezza dovrebbe dare un risultato positivo. In tal modo, Moliere ha distrutto la nozione tradizionale di un anziano tutore conservatore. Il fratello minore di Arista Sganarelle si è rivelato un tale conservatore. Secondo lui, l'educazione è prima di tutto rigore, controllo. La virtù e la libertà non possono essere compatibili. Sganarello legge le annotazioni a Isabella e così le ispira il desiderio di ingannarlo, sebbene questo desiderio non sia espresso apertamente dalla ragazza. L'aspetto di Valera è una goccia che Isabella afferra e sfugge al suo tutore. Tutto il paradosso sta nel fatto che il giovane tutore non è in grado di comprendere i bisogni del giovane allievo. Non è un caso che nel finale il comico sia sostituito dal drammatico. La “lezione” impartita da Isabella al tutore è del tutto naturale: bisogna fidarsi di una persona, rispettarne la volontà, altrimenti la protesta cresce, assumendo varie forme.
Lo spirito di libertinaggio determina non solo le azioni di Isabella, ma anche il comportamento di Aristo e Leonora. Come Terenzio, Moliere usa "liberalitas" non come nell'età dell'oro - "liberalis" - "generoso", ma nel senso di "artes liberales, homo liberalis" - uno il cui comportamento è degno del titolo di uomo libero, nobile (Z.Kors).
L'idea ideale di educazione di Sganarello viene distrutta. Di conseguenza, Leonora si rivela virtuosa, poiché il suo comportamento è guidato da un sentimento di gratitudine. La cosa principale per se stessa, definisce l'obbedienza al guardiano, di cui rispetta sinceramente l'onore e la dignità. Tuttavia, anche Molière non condanna l'atto di Isabella. Mostra il suo naturale bisogno di felicità e libertà. L'unico modo per raggiungere la felicità e la libertà per una ragazza è l'inganno.
Per il drammaturgo, la virtù era il risultato finale del processo educativo parte integrale catene di concetti "scuola" - "lezione" - "educazione (educazione)" - "scuola". C'è un collegamento diretto tra il titolo e il finale. La "scuola" di cui parla Lisette alla fine della commedia è la vita stessa. È necessario padroneggiare determinate norme e regole di comportamento, abilità comunicative per rimanere sempre una persona rispettata. Ciò è aiutato dalle collaudate "lezioni della scuola secolare". Si basano sui concetti universali di bene e male. L'istruzione e la virtù non dipendono dall'età, ma dalla visione della vita di una persona. Ragionevole ed egoista sono incompatibili. L'egoismo porta a un effetto negativo. Ciò è stato pienamente dimostrato dal comportamento di Sganarello. La lezione appare non solo come base della struttura dell'azione teatrale, ma anche come il risultato della formazione dei personaggi nella "scuola della comunicazione umana".
Già nella prima commedia-"scuola" Molière scoprì un nuovo sguardo sull'etica della sua società contemporanea. Nel valutare la realtà, il drammaturgo è stato guidato da un'analisi razionalistica della vita, esaminando esempi specifici delle situazioni e dei personaggi più tipici.
In The School for Wives, l'obiettivo principale del drammaturgo era la "lezione". La parola "lezione" è usata sette volte in tutte le scene chiave della commedia. E questa non è una coincidenza. Moliere definisce più chiaramente l'oggetto dell'analisi: la tutela. Lo scopo della commedia è dare consigli a tutti i guardiani che si sono dimenticati dell'età, della fiducia, della vera virtù, che è alla base della tutela in generale.
Man mano che l'azione si sviluppa, osserviamo come il concetto di "lezione" si espande e si approfondisce, così come la situazione stessa, familiare agli spettatori dalla vita di tutti i giorni. La tutela acquisisce le caratteristiche di un fenomeno socialmente pericoloso. A conferma di ciò, suonano i piani egoistici di Arnolf, per il quale, sotto le spoglie di una persona virtuosa, è pronto a dare ad Agnes un'educazione strettamente mirata, limitando i suoi diritti come persona. Per l'allievo, Arnolf sceglie la posizione di un recluso. Questo ha messo la sua vita in completa dipendenza dalla volontà del tutore. La virtù, di cui Arnolf parla così tanto, diventa in realtà un mezzo per schiavizzare un'altra persona. Dal concetto stesso di "virtù", il guardiano è interessato solo a componenti come l'obbedienza, il pentimento, l'umiltà e la giustizia e la misericordia sono semplicemente ignorate da Arnolf. È sicuro di aver già favorito Agnes, cosa che non esita a ricordarle di tanto in tanto. Si considera autorizzato a decidere il destino della ragazza. In primo piano c'è la dissonanza etica nel rapporto dei personaggi, che spiega oggettivamente il finale della commedia.
Nel corso dello sviluppo dell'azione, lo spettatore comprende il significato della parola "lezione" come concetto etico. Prima di tutto, viene sviluppata una "istruzione-lezione". Quindi, Georgette, adulando il proprietario, gli assicura che ricorderà tutte le sue lezioni. L'esecuzione rigorosa delle lezioni, cioè istruzioni, regole, richiede Arnolf da Agnes. Insiste perché lei impari a memoria le regole della virtù: "Devi imparare queste lezioni con il cuore". Una lezione-istruzione, un compito, un esempio da seguire - ovviamente, è poco compreso da un giovane che non sa come potrebbe essere altrimenti. E anche quando Agnes resiste alle lezioni del tutore, non si rende pienamente conto della sua protesta.
L'azione culmina nel quinto atto. Le sorprese determinano le ultime scene, la principale delle quali è il rimprovero di Agnes, espresso al tutore: “E tu sei l'uomo che dice che vuole prendermi in moglie. Ho seguito le tue lezioni e mi hai insegnato a sposarmi per mondare il peccato. Allo stesso tempo, le "tue lezioni" cessano di essere solo lezioni-istruzioni. Nelle parole di Agnes - una sfida al tutore, che l'ha privata di una normale educazione e di una società secolare. Tuttavia, la dichiarazione di Agnes è una sorpresa solo per Arnolf. Gli spettatori guardano mentre questa protesta cresce gradualmente. Le parole di Agnese portano alla comprensione della lezione morale ricevuta dalla ragazza nella vita.
Arnolf riceve anche una lezione morale, che è strettamente connessa con la "lezione ammonitrice". Questa lezione nel primo atto è insegnata dall'amico di Arnolf Chrysald. In una conversazione con Arnolf, lui, prendendo in giro un amico, disegna l'immagine di un marito cornuto. Arnolf ha paura di diventare proprio un tale marito. Non è più un giovane scapolo incallito chi decide di sposarsi, spera di poter evitare la sorte di tanti mariti, che la sua esperienza di vita ha dato molto buoni esempi e può evitare errori. Tuttavia, la paura di offuscare il proprio onore si trasforma in passione. È anche spinta dal desiderio di Arnolf di isolare Agnes dalla vita secolare, che, a suo avviso, è piena di pericolose tentazioni. Arnolf ripete l'errore di Sganarello e la "lezione di avvertimento" suona per tutti i guardiani dimenticati.
Viene infine chiarito anche il nome della commedia, che funge sia da materia (tutela) sia da metodo didattico, che ricorda le leggi della natura, che non possono essere rifiutate, e suona anche come consiglio, monito ai mariti che , come Arnolf, osano violare il diritto umano naturale alla libertà e alla libera scelta. La "scuola" è apparsa di nuovo come un sistema di metodi di vita, il cui corretto sviluppo protegge una persona da situazioni ridicole e drammi.
Riassumendo i primi risultati, possiamo dire che già nell'opera di Molière si sviluppava attivamente la “scuola” della commedia come forma di genere. Il suo compito è educare la società. Tuttavia, questa educazione, contrariamente alla drammaturgia moralistica, è priva di didattica aperta, si basa su un'analisi razionalistica volta a cambiare le idee tradizionali dello spettatore. L'educazione non era solo un processo durante il quale la visione del mondo dello spettatore è cambiata, ma anche un mezzo per influenzare la sua coscienza e la coscienza della società nel suo insieme.
Gli eroi della commedia-"scuola" erano l'esempio più caratteristico di passione, carattere o fenomeno nella vita sociale. Hanno seguito una serie di lezioni morali, ideologiche e persino psicologiche, padroneggiato alcune abilità comunicative, che gradualmente hanno formato un sistema di nuove concetti etici forzare una diversa percezione del mondo quotidiano. Allo stesso tempo, la "lezione" nella commedia-"scuola" è stata rivelata in quasi tutti i significati lessicali storicamente stabiliti - da "compito" a "conclusione". L'opportunità morale delle azioni di una persona inizia a determinare la sua utilità nella vita. singola famiglia e anche l'intera società.
Il concetto principale di commedia-"scuola" diventa "virtù". Moliere lo associa principalmente alla moralità. Il drammaturgo introduce nel contenuto di "virtù" concetti come "razionalità", "fiducia", "onore", "libera scelta". La "virtù" funge anche da criterio di "bello" e "brutto" nelle azioni delle persone, determinando in gran parte la dipendenza del loro comportamento da contesto sociale. In questo Molière era davanti agli illuministi.
La situazione dello "specchio" ha aiutato a superare il dogmatismo della visione del mondo ordinaria e attraverso il metodo dell '"alienazione" per ottenere il desiderato "effetto di apprendimento". In realtà azione scenica ha disegnato solo un modello di comportamento come chiaro esempio per un'analisi razionalistica da parte dello spettatore della realtà.
La commedia di Molière era strettamente legata alla vita. Pertanto, c'è spesso un elemento drammatico in esso. I suoi portatori sono personaggi che, di regola, incarnano nei loro personaggi certe qualità personali che sono in conflitto con le norme generalmente accettate. Gravi conflitti sociali spesso suonano sul palco. Nella loro decisione, un posto speciale è dato ai personaggi di origine semplice: i servi. Agiscono anche come portatori di sani principi della vita sociale. A. S. Pushkin ha scritto: "Notiamo che l'alta commedia non si basa esclusivamente sulle risate, ma sullo sviluppo dei personaggi e che spesso si avvicina alla tragedia". Questa osservazione può essere pienamente attribuita alla commedia-"scuola", che si sviluppa nell'opera di Molière parallelamente alla commedia "alta".
Il classicista Moliere si è espresso contro la pomposità e l'innaturalità del teatro classico. I suoi personaggi parlavano in un linguaggio ordinario. Per tutta la sua vita creativa, il drammaturgo ha seguito la sua richiesta di riflettere in modo veritiero la vita. I portatori di buon senso, di regola, erano personaggi giovani. La verità della vita è stata esposta attraverso la collisione di tali eroi con il principale personaggio satirico, nonché attraverso la totalità delle collisioni e delle relazioni dei personaggi nella commedia.
Deviando in molti modi dalle rigide norme classiciste, Molière rimase comunque nell'ambito di questo sistema artistico. I suoi scritti sono razionalistici nello spirito; tutti i personaggi sono uni lineari, privi di dettagli e dettagli storici specifici. Eppure, furono le sue immagini comiche a diventare un vivido riflesso dei processi associati alle principali tendenze nello sviluppo della società francese nella seconda metà del XVII secolo.
Le caratteristiche della commedia "alta" si sono manifestate più chiaramente nella famosa commedia "Tartufo". A. S. Pushkin, confrontando l'opera di Shakespeare e Molière, ha osservato: “I volti creati da Shakespeare non sono, come quelli di Molière, tipi di tale e tale passione, tale e tale vizio; ma esseri viventi, pieni di tante passioni, di tanti vizi; le circostanze sviluppano davanti allo spettatore i loro personaggi diversi e sfaccettati. Molière è avaro - e solo in Shakespeare Shylock è avaro, arguto, vendicativo, amante dei bambini, spiritoso. In Molière, l'ipocrita trascina dietro la moglie del suo benefattore, l'ipocrita, accetta il patrimonio per la conservazione, l'ipocrita; chiede un bicchier d'acqua, l'ipocrita". Le parole di Pushkin sono diventate un libro di testo, perché hanno trasmesso in modo molto accurato l'essenza del carattere del personaggio centrale dell'opera, che ha determinato una nuova fase nello sviluppo della commedia nazionale francese.
Lo spettacolo fu presentato per la prima volta a un festival a Versailles il 12 maggio 1664. “La commedia su Tartufo è iniziata con un'attenzione generale entusiasta e favorevole, che ha subito lasciato il posto al più grande stupore. Alla fine del terzo atto, il pubblico non sapeva più cosa pensare, e qualche pensiero balenò che forse Monsieur de Molière non era del tutto sano di mente. È così che M.A. Bulgakov descrive la reazione del pubblico alla performance. Secondo le memorie dei contemporanei e nella ricerca Letteratura XVII secolo, compresa la storia del teatro, si nota che lo spettacolo fece subito scandalo. Era diretto contro la "Società dei Santi Doni" gesuita, il che significava che Molière stava invadendo un'area di relazioni proibita a tutti, compreso il re stesso. Su insistenza del cardinale Hardouin de Beaumont de Perefix e sotto l'assalto di cortigiani indignati, Tartufo fu bandito dalla messa in scena. Per diversi anni il drammaturgo ha rielaborato la commedia: ha rimosso dal testo le citazioni del Vangelo, ha cambiato il finale, ha tolto gli abiti da chiesa a Tartuffe e lo ha presentato solo come una persona pia, e ha anche ammorbidito alcuni momenti e ha costretto Cleante a pronunciare un monologo sulle persone veramente pie. Dopo un'unica produzione in forma rivista nel 1667, la commedia tornò finalmente in scena solo nel 1669, cioè dopo la morte della madre del re, una fanatica cattolica.
Quindi, l'opera è stata scritta in relazione a eventi specifici della vita sociale della Francia. Sono vestiti da Molière sotto forma di una commedia neo-attica. Non è un caso che i personaggi portino nomi antichi: Orgon, Tartuffe. Il drammaturgo ha voluto innanzitutto ridicolizzare i membri della "Società dei Santi Doni", che traggono profitto dalla fiducia dei loro concittadini. Tra i principali ispiratori della "Società" c'era la madre del re. L'Inquisizione non esitò ad arricchirsi di denunce contro i creduloni francesi. Tuttavia, la commedia si trasformò in una denuncia della pietà cristiana in quanto tale, e il personaggio centrale Tartufo divenne una parola familiare per un bigotto e un ipocrita.
L'immagine di Tartufo è costruita sulla contraddizione tra parole e fatti, tra apparenza ed essenza. A parole, "flagella pubblicamente tutte le cose peccaminose" e vuole solo "quello che piace al cielo". Ma in realtà, fa ogni sorta di bassezza e meschinità. Mente costantemente, incoraggia Orgon a cattive azioni. Quindi, Orgon espelle suo figlio dalla casa perché Damis parla contro il matrimonio di Tartuffe con Mariana. Tartufo si abbandona alla gola, commette tradimento impossessandosi fraudolentemente della donazione alla proprietà del suo benefattore. La cameriera Dorina caratterizza questo "santo" come segue:
... Tartuffe è un eroe, un idolo. Il mondo dovrebbe meravigliarsi delle sue virtù; Le sue azioni sono miracolose, e qualunque cosa dica è un giudizio dal cielo. Ma, vedendo un tale sempliciotto, lo inganna con il suo gioco senza fine; Ha fatto dell'ipocrisia una fonte di guadagno E si prepara ad insegnarcelo mentre siamo in vita.
Se analizziamo attentamente le azioni di Tartufo, scopriremo che sono presenti tutti e sette i peccati capitali. Allo stesso tempo, è peculiare il metodo utilizzato da Molière per costruire l'immagine del personaggio centrale.
L'immagine di Tartufo è costruita solo sull'ipocrisia. L'ipocrisia è proclamata attraverso ogni parola, azione, gesto. Non ci sono altri tratti nel carattere di Tartuffe. Lo stesso Molière ha scritto che in questa immagine, dall'inizio alla fine, Tartufo non pronuncia una sola parola che non rappresenterebbe una persona cattiva per il pubblico. Disegnando questo personaggio, il drammaturgo ricorre anche all'iperbolizzazione satirica: Tartufo è così pio che quando ha schiacciato una pulce durante la preghiera, si scusa con Dio per aver ucciso una creatura vivente.
Per evidenziare l'inizio ipocrita in Tartufo, Molière costruisce due scene in successione. Nella prima il "sant'uomo" Tartufo, imbarazzato, chiede alla cameriera Dorina di coprirsi il décolleté, ma dopo poco cerca di sedurre la moglie di Orgon, Elmira. La forza di Molière sta in ciò che ha mostrato: la moralità cristiana, la pietà non solo non interferisce con il peccato, ma aiuta anche a coprire questi peccati. Così, nella terza scena del terzo atto, utilizzando la tecnica dello "strappo delle maschere", Molière attira l'attenzione dello spettatore su quanto abilmente Tartufo usi la "parola di Dio" per giustificare la passione per l'adulterio. Così si espone.
L'appassionato monologo di Tartufo si conclude con una confessione che priva finalmente l'alone di santità della sua natura pia. Molière, per bocca di Tartuffe, sfata sia i costumi dell'alta società che i costumi degli uomini di chiesa, che differiscono poco l'uno dall'altro.
I sermoni di Tartufo sono pericolosi quanto le sue passioni. Cambiano una persona, il suo mondo a tal punto che, come Orgon, cessa di essere se stesso. Lo stesso Orgon confessa la disputa con Cleanthes:
... Chi lo segue, assaggia il mondo benedetto, e tutte le creature dell'universo sono un abominio per lui. Sono diventato completamente diverso da queste conversazioni con lui: d'ora in poi non ho attaccamenti e non apprezzo più nulla al mondo; Lascia che mio fratello, mia madre, mia moglie e i miei figli muoiano, ne sarò così sconvolto, lei-lei-lei!
Il ragionatore comico Cleante agisce non solo come osservatore degli eventi che si svolgono nella casa di Orgon, ma cerca anche di cambiare la situazione. Lancia apertamente accuse contro Tartufo e simili santi. Il suo famoso monologo è un verdetto sull'ipocrisia e l'ipocrisia. Come Tartuffe, Cleante si oppone alle persone con un cuore puro, ideali nobili.
Anche la cameriera Dorina affronta Tartuffe, difendendo gli interessi dei suoi padroni. Dorina è il personaggio più spiritoso della commedia. Inonda letteralmente Tartuffe di ridicolo. La sua ironia ricade anche sul proprietario, perché Orgon è una persona dipendente, troppo fiduciosa, motivo per cui Tartuffe lo inganna così facilmente.
Dorina personifica un sano principio popolare. Il fatto che il combattente più attivo contro Tartufo sia portatore del buon senso popolare è profondamente simbolico. Non è un caso che Cleanthe, che impersona la mente illuminata, diventi l'alleata di Dorina. Questo era l'utopismo di Molière. Il drammaturgo credeva che il male nella società potesse essere contrastato dall'unione del buon senso popolare e della ragione illuminata.
Dorina aiuta anche Mariana nella sua lotta per la felicità. Esprime apertamente la sua opinione al proprietario sui suoi piani di sposare sua figlia con Tartuffe, sebbene questo non fosse accettato dai servi. Il battibecco tra Orgon e Dorina richiama l'attenzione sul problema dell'educazione familiare e sul ruolo del padre in essa. Orgon si considera autorizzato a controllare i bambini, i loro destini, quindi prende una decisione senza ombra di dubbio. Il potere illimitato del padre è condannato da quasi tutti i personaggi della commedia, ma solo Dorina, nel suo solito modo caustico, castiga aspramente Orgon, quindi l'osservazione coglie accuratamente l'atteggiamento del maestro nei confronti delle dichiarazioni della cameriera: “Orgon è sempre pronto a schiaffeggiare Dorina e ad ogni parola che dice alla figlia si volta a guardare Dorina…”
Gli eventi si sviluppano in modo tale che la natura utopica del finale della commedia diventa evidente. Era, ovviamente, più sincero nella prima versione. Monsieur Loyal è venuto per adempiere all'ordine del tribunale: liberare la casa da tutta la famiglia, poiché ora Monsieur Tartuffe è il proprietario di questo edificio. Moliere include un elemento drammatico nelle scene finali, rivelando al limite il dolore in cui si trovava la famiglia per capriccio di Orgon. La settima manifestazione del quinto atto permette finalmente di comprendere l'essenza della natura di Tartuffe, che ora si rivela come una persona terribile e crudele. A Orgon, che ha ospitato questo ipocrita nella sua casa, Tartufo dichiara con arroganza:
Taci, mio signore! Dove corri così? Hai una breve strada per un nuovo alloggio per la notte, e, per volere del re, ti arresterò.
Molière promulgò abbastanza coraggiosamente ciò che era proibito: per volontà del re, i membri della "Società dei Santi Doni" furono guidati nelle loro attività. I. Glikman nota la presenza di un motivo politico in azione, connesso al destino passato degli eroi della commedia. In particolare, il quinto atto menziona una certa cassa con documenti di importanza statale, di cui i parenti di Orgon non erano a conoscenza. Questi sono i documenti dell'emigrante Argas, fuggito dalla repressione del governo. A quanto pare, Tartuffe si impossessò del baule delle carte con l'inganno e le presentò al re, chiedendo l'arresto di Orgon. Ecco perché si comporta così senza tante cerimonie quando un ufficiale e un ufficiale giudiziario vengono a casa di Orgon. Secondo Tartuffe, fu inviato dal re alla casa di Orgon. Quindi, tutto il male nello stato viene dal monarca! Un finale del genere non poteva che provocare uno scandalo. Tuttavia, già nella versione rivista, il testo dell'opera contiene un elemento di miracolo. Nel momento in cui Tartuffe, fiducioso nel suo successo, chiede che venga messo in atto l'ordine reale, l'ufficiale chiede inaspettatamente a Tartuffe di seguirlo in prigione. Molière fa una riverenza al re. L'ufficiale, indicando Tartuffe, fa notare a Orgon quanto sia misericordioso e giusto il monarca, quanto saggiamente governa i suoi sudditi.
Quindi, secondo i requisiti dell'estetica del classicismo, il bene alla fine vince e il vizio viene punito. Il finale è il punto più debole della commedia, ma non ha ridotto il suono sociale complessivo della commedia, che non ha perso la sua rilevanza fino ad oggi.
Tra le commedie che testimoniano le opinioni opposte di Molière, si può citare la commedia Don Juan, o l'ospite di pietra. Questa è l'unica commedia in prosa in cui l'aristocratico Don Juan e contadini, servi, persino un mendicante e un bandito sono attori uguali. E ognuno di loro ha il suo discorso caratteristico. Qui Molière, più che in tutte le sue commedie, si discosta dal classicismo. È anche una delle commedie più rivelatrici del drammaturgo.
Il gioco è basato su una trama presa in prestito. È stato introdotto per la prima volta nella grande letteratura dal drammaturgo spagnolo Tirso de Molina nella commedia L'uomo dispettoso di Siviglia. Molière conobbe questa commedia grazie ad attori italiani che la rappresentarono in tournée durante la stagione del 1664. Molière, invece, realizza un'opera originale, di schietto orientamento antinobiliare. Ogni spettatore francese riconosceva in Don Juan un tipo familiare di aristocratico: cinico, dissoluto, che ostentava la sua impunità. La morale di cui parlava don Juan regnava a corte, soprattutto tra la "giovinezza d'oro" dell'entourage del re Luigi XIV. I contemporanei di Molière chiamarono i nomi dei cortigiani, famosi per la dissolutezza, il "coraggio" e la bestemmia, ma i tentativi di indovinare chi il drammaturgo portò sotto il nome di Don Juan furono vani, perché personaggio principale la commedia somigliava in modo sorprendente a molte persone ea nessuna in particolare. E il re stesso spesso dava un esempio di tale morale. Numerose avventure frivole e vittorie sui cuori delle donne erano considerate a corte come un male. Molière, d'altra parte, ha guardato ai trucchi di Don Juan da una posizione diversa, dal punto di vista dell'umanesimo e della cittadinanza. Rifiuta deliberatamente il titolo della commedia "La Siviglia maliziosa" perché non considera il comportamento di Don Juan come malizia e scherzi innocenti.
Il drammaturgo rompe coraggiosamente i canoni del classicismo e viola l'unità di tempo e luogo per disegnare l'immagine del suo eroe nel modo più vivido possibile. L'ambientazione generale è in Sicilia, ma ogni atto è accompagnato da un'osservazione: il primo, "la scena rappresenta il palazzo", il secondo, "la scena rappresenta la zona in riva al mare", il terzo, "la scena rappresenta la foresta ," la quarta, "la scena rappresenta gli appartamenti di Don Giovanni", e la quinta - "la scena rappresenta un'area aperta". Ciò ha permesso di mostrare Don Juan nei rapporti con persone diverse, inclusi rappresentanti di classi diverse. L'aristocratico incontra sulla sua strada non solo Don Carlos e Don Alonso, ma anche contadini, un mendicante e il mercante Dimansh. Di conseguenza, il drammaturgo riesce a ritrarre i tratti più essenziali della "giovinezza d'oro" dell'entourage del re nel personaggio di Don Juan.
Sganarello dà subito una caratterizzazione completa del suo padrone, nella prima apparizione del primo atto, quando dichiara allo stalliere Guzman:
“... il mio maestro Don Juan è il più grande di tutti i cattivi che la terra abbia mai indossato, un mostro, un cane, un diavolo, un turco, un eretico che non crede nel paradiso, né nei santi, né in Dio, né nel diavolo che vive come un vile bestiame, come un maiale epicureo, come un vero Sardanapalus, che non vuole ascoltare gli insegnamenti cristiani e considera tutto ciò in cui crediamo un'assurdità ”(tradotto da A. Fedorov). Ulteriori azioni confermano solo tutto quanto sopra.
Don Juan di Molière è un uomo cinico e crudele che distrugge spietatamente le donne che si fidavano di lui. Inoltre, il drammaturgo spiega il cinismo e la crudeltà del personaggio dal fatto che è un aristocratico. Già nel primo atto del primo fenomeno, questo è indicato tre volte. Sganarello confessa a Guzman: “Quando un nobile gentiluomo è anche una persona cattiva, è terribile: devo rimanergli fedele, anche se sono insopportabile. Solo la paura mi rende diligente, frena i miei sentimenti e mi costringe ad approvare ciò che è contrario alla mia anima. Diventa così chiaro perché Sganarello appaia allo spettatore stupido e divertente. La paura guida le sue azioni. Finge di essere uno sciocco, nascondendo la sua naturale saggezza e purezza morale dietro capricci clownesci. L'immagine di Sganarello vuole oscurare tutta la bassezza della natura di Don Juan, fiducioso nell'impunità, perché suo padre è un aristocratico di corte.
Il tipo libertino ha dato al drammaturgo un terreno fertile per esporre l'irresponsabilità morale dal punto di vista dell'etica razionalista. Ma allo stesso tempo, Molière espone Don Juan principalmente da un punto di vista sociale, che porta l'immagine del personaggio principale oltre la natura astratto-logica dei classicisti. Molière presenta Don Juan come un tipico portatore dei vizi del suo tempo. Sulle pagine della commedia, vari personaggi menzionano costantemente che tutti i gentiluomini sono ipocriti, libertini e ingannatori. Allora, Sganarello dichiara al suo padrone: “O forse pensi che se sei di famiglia nobile, che se hai una parrucca bionda, abilmente arricciata, un cappello con piume, un vestito ricamato d'oro, e nastri color fuoco. .. forse pensi di essere più intelligente per questo, che tutto ti è permesso e nessuno osa dirti la verità? Della stessa opinione il contadino Pierrot, allontanando Don Giovanni da Carlotta: “Dannazione! Dato che sei un maestro, allora puoi infastidire le nostre donne sotto il nostro naso? No, vai avanti e attieniti al tuo."
Va notato che Molière mostra anche esempi di grande onore provenienti da un ambiente aristocratico. Uno di loro è il padre di Don Juan, Don Luis. Il nobile rimane fedele alla gloria dei suoi antenati, si oppone al comportamento indecente del figlio. È pronto, senza aspettare la punizione celeste, a punire lui stesso suo figlio e porre fine alla sua dissolutezza. Non c'è un ragionatore tradizionale nella commedia, ma è Don Luis che è chiamato a recitare la sua parte. Il discorso rivolto al figlio è un appello alla sala: “Come sei caduto in basso! Non arrossisci perché sei così poco degno della tua origine? Hai, dimmi, qualche motivo per essere fiero di lui? Cosa hai fatto per giustificare il titolo di nobile? O pensi che basti un nome e uno stemma e quel sangue nobile già di per sé ci esalta, anche se abbiamo agito vilmente? No, no, la nobiltà senza virtù non è niente. Partecipiamo alla gloria dei nostri antenati solo nella misura in cui noi stessi ci sforziamo di essere come loro ... Infine, comprendi che un nobile che conduce una brutta vita è un mostro della natura, che la virtù è il primo segno di nobiltà, che io attribuisco molta meno importanza ai nomi, che alle azioni, e che il figlio di qualche governante, se è un uomo onesto, metto più in alto del figlio di un re, se vive come te. Le parole di Don Luis riflettevano sia le opinioni dello stesso drammaturgo sia l'umore di quella parte della nobiltà che era pronta a opporsi alla permissività dei rappresentanti di questa classe e casta nella vita pubblica.
L'orientamento antinobiliare della commedia è esaltato anche dal modo in cui è costruita l'immagine del protagonista. Quando raffigura Don Juan, Molière si allontana dall'estetica del classicismo e della dotazione carattere negativo una serie di qualità positive che contrastano con le caratteristiche date da Sganarelle.
A Don Juan non si può negare l'arguzia, il coraggio, la generosità. Scende a corteggiare le contadine, a differenza, ad esempio, del comandante nel dramma di Lope de Vega. Ma poi Molière in modo molto accurato, e in questa sua abilità di artista, smaschera ogni qualità positiva del suo eroe. Don Juan è coraggioso quando combatte due contro tre. Tuttavia, quando Don Juan viene a sapere che dovrà combattere i dodici, concede al servo il diritto di morire al suo posto. Allo stesso tempo, si manifesta il livello più basso del carattere morale del nobile, dichiarando: "Felice è il servo a cui è dato morire di una morte gloriosa per il suo padrone".
Don Juan lancia generosamente un mendicante d'oro. Ma la scena con l'usuraio Dimansh, in cui è costretto a umiliarsi davanti al creditore, indica che la generosità di Don Juan è uno spreco, perché butta i soldi degli altri.
All'inizio dell'azione, lo spettatore è attratto dalla franchezza di Don Juan. Non vuole essere ipocrita, dichiarando onestamente a Elvira che non la ama, che l'ha lasciata deliberatamente, la sua coscienza lo ha spinto a farlo. Ma, partendo dall'estetica del classicismo, Molière, nel corso dello sviluppo dell'opera, priva il Don Giovanni anche di questa qualità positiva. Colpisce il suo cinismo nei confronti della donna che lo ama. Un sentimento sincero non evoca una risposta nella sua anima. Lasciando Doña Elvira, Don Juan rivela tutta l'insensibilità della sua natura:
Don Juan. Ma sai, ho sentito di nuovo qualcosa in lei, in questa sua forma insolita ho trovato un fascino speciale: negligenza nel vestire, sguardo languido, lacrime: tutto questo ha risvegliato in me i resti di un fuoco spento.
Sganarello. In altre parole, i suoi discorsi non hanno avuto alcun effetto su di te.
Don Juan. Mangia, vivi!
Moliere presta particolare attenzione all'ipocrisia. Viene utilizzato non solo per raggiungere una carriera dai cortigiani, ma anche nei rapporti tra persone vicine. Ciò è evidenziato dal dialogo tra Don Juan e suo padre. L'ipocrisia è un mezzo per raggiungere i propri obiettivi egoistici. Don Juan giunge alla conclusione che l'ipocrisia è conveniente e persino redditizia. E lo confessa al suo servo. Moliere mette in bocca a Don Juan un inno all'ipocrisia: “Oggi non se ne vergognano più: l'ipocrisia è un vizio alla moda, e tutti i vizi alla moda passano per virtù. Il ruolo di un uomo di buone regole è il migliore di tutti i ruoli che si possono interpretare. Nel nostro tempo, l'ipocrisia ha enormi vantaggi. Grazie a quest'arte, l'inganno è sempre rispettato, anche se viene rivelato, tuttavia nessuno oserà dire una sola parola contro di esso. Tutti gli altri vizi umani sono soggetti a critica, ognuno è libero di attaccarli apertamente, ma l'ipocrisia è un vizio che gode di particolari benefici, chiude tutti con la propria mano e gode con calma della completa impunità ... "
Don Juan è un'immagine con cui è collegato anche il tema antireligioso della commedia. Molière fa del suo eroe negativo anche un libero pensatore. Don Juan dichiara di non credere in Dio o nel monaco nero, ma crede che due due faccia quattro.
A prima vista, può sembrare che Molière, facendo dell'eroe negativo un libero pensatore, abbia egli stesso rifiutato il libero pensiero. Tuttavia, per comprendere l'immagine di Don Juan, va ricordato che nella Francia del XVII secolo esistevano due tipi di libero pensiero: aristocratico e genuino. Per l'aristocrazia, la religione era una briglia che impediva loro di condurre uno stile di vita dissoluto. Ma il libero pensiero dell'aristocrazia era immaginario, poiché la religione era usata da essa per i propri interessi. Il vero libero pensiero ha trovato espressione negli scritti di Descartes, Gassendi e altri filosofi. È questo tipo di libero pensiero che permea l'intera commedia di Molière.
Nell'immagine di Don Juan, Molière mette in ridicolo i sostenitori del libero pensiero aristocratico. In bocca a un personaggio comico, il servitore di Sganarello, mette il discorso del difensore della religione. Ma il modo in cui lo pronuncia Sganarello, testimonia le intenzioni del drammaturgo. Sganarello vuole dimostrare che Dio esiste, dirige gli affari dell'uomo, ma tutti i suoi argomenti dimostrano il contrario: “La fede è buona ei dogmi sono buoni! Si scopre che la tua religione è aritmetica? Che tipo di pensieri assurdi compaiono, a dire il vero, nella mente delle persone ... io, signore, grazie a Dio, non ho studiato come lei, e nessuno può vantarsi di avermi insegnato qualcosa, ma io, con la mia mente , con il mio minuscolo buon senso capisco tutto meglio di qualsiasi scrivano, e capisco perfettamente che questo mondo che vediamo non potrebbe crescere come un fungo da un giorno all'altro. Chi, lascia che te lo chieda, ha creato questi alberi, queste rocce, questa terra e questo cielo sopra di noi? Prendi, per esempio, almeno tu: sei venuto al mondo da solo, non doveva essere per questo che tua madre è rimasta incinta di tuo padre? Riesci a guardare tutte le cose intricate che compongono la macchina del corpo umano e non meravigliarti di come tutto si combini? Nervi, ossa, vene, arterie, proprio questi ... polmoni, cuore, fegato e altre parti che sono qui e ... "
Anche la scena con il mendicante è carica di un profondo significato antireligioso. Il mendicante è pio, sta morendo di fame, prega Dio, ma è comunque povero, e la buona azione discende dal bestemmiatore Don Juan, che gli getta oro per presunta filantropia. Allo stesso tempo, non è contrario a deridere il devoto mendicante, dal quale chiede la bestemmia per l'oro. Come scrive D. D. Oblomievsky, Don Juan è “un seduttore di donne, un blasfemo convinto e un ipocrita che imita la conversione religiosa. La depravazione è, ovviamente, la proprietà principale di Don Juan, ma non sopprime le sue altre caratteristiche.
Anche il finale dell'opera acquista un ampio suono antireligioso. L'ateo Don Juan dà la mano alla statua e muore. La statua interpreta il ruolo della più alta punizione, incarnata in questa immagine. Molière conserva esattamente il finale che era nella commedia di Tirso de Molina. Ma se, dopo la commedia del drammaturgo spagnolo, il pubblico ha lasciato il teatro scioccato dall'orrore, allora la fine della commedia di Molière è stata accompagnata dalle risate. Fatto sta che dietro la scena della punizione del peccatore è apparso subito Sganarello, che ha fatto ridere con le sue buffonate e le sue battute comiche. Le risate hanno rimosso ogni paura della punizione di Dio. In questo, Molière ha ereditato le tradizioni sia della commedia antica che della commedia rinascimentale e della letteratura in generale.
Lo spettacolo ha causato un enorme scandalo. Dopo la quindicesima rappresentazione, è stato bandito. La commedia è tornata sul palcoscenico francese solo dopo 176 anni. Molière fu rimproverato per il fatto che le sue opinioni coincidevano completamente con quelle di Don Juan. L'intenditore di teatro Rochemont dichiarò la commedia una "commedia diabolica", dedicando molte battute peggiorative alla sua analisi in "Osservazioni sulla commedia di Molière intitolata L'ospite di pietra" (1665).
Compiti per il lavoro indipendente
1. Conoscere la letteratura metodologica per l'insegnante: in quale classe si propone di studiare l'opera di Molière?
2. Prepara un piano riassuntivo sull'argomento "Studiare il lavoro di Molière a scuola".
Lavoro creativo sull'argomento
1. Sviluppa un piano di lezione sull'argomento "Mr. Jourdain e il suo mondo".
2. Scrivi un saggio sull'argomento: "The Misanthrope" di Moliere e "Woe from Wit" di Griboedov (somiglianza e differenza tra i personaggi).
Domanda da colloquio
L'opera comica di Molière.
26 Poetica della "commedia alta" di Molière ("Tartufo", "Don Giovanni").
Per ricostituire il repertorio della sua compagnia, Molière inizia a scrivere opere teatrali in cui:
- sintetizza le tradizioni di rozze farse popolari
- mostra l'influenza della commedia italiana
- tutto questo è rifratto attraverso il prisma della sua mente e razionalismo francese
Moliere è un comico nato, tutte le commedie che sono uscite da sotto la sua penna appartengono al genere della commedia:
· intrattenimento comico
· serie tv
commedie di costume
commedie-balletti
· commedie "alte" - cioè classiche.
Presentando una delle sue prime commedie alla corte di Luigi XIV, conquistò uno dei suoi più devoti ammiratori, il re, e sotto il patrocinio del sovrano Molière, con la sua troupe altamente professionale, aprì il proprio teatro a Parigi nel 1658. Le commedie "Divertenti galletti" (1659), "Una lezione per le mogli" (1662) gli portarono fama nazionale e molti nemici che si riconoscevano nelle immagini satiriche delle sue commedie. E anche l'influenza del re non salvò Molière dal divieto delle sue migliori commedie, create negli anni Sessanta: bandito due volte per il teatro pubblico "Tartuffe", tolto dal repertorio di "Don Juan". Il fatto è che nell'opera di Molière la commedia ha cessato di essere un genere pensato solo per far ridere il pubblico; moliere per la prima volta ha portato contenuto ideologico e nitidezza sociale alla commedia.
Caratteristiche della "commedia alta" di Molière
Secondo la classica gerarchia dei generi, commedia - genere basso, perché raffigura la realtà nella sua forma ordinaria, reale.
Per Molière, la commedia è tutta dentro mondo reale, il più delle volte borghese.
I suoi eroi hanno personaggi riconoscibili e nomi comuni nella vita; la trama ruota attorno alla famiglia, ai problemi amorosi; La vita privata di Molière si basa sulla proprietà, eppure nel loro migliori commedie il drammaturgo riflette la vita quotidiana dal punto di vista di un alto ideale umanistico, così la sua commedia acquista un inizio ideale, cioè diventa pulizia, educativa, commedia classica.
L'amico di Molière Nicolas Boileau, il legislatore della poetica classica, nell'"Arte poetica" pone la sua opera al massimo livello, accanto agli autori antichi - Menandro e Plauto - proprio grazie a pathos morale Le creazioni di Molière.
Lo stesso Molière rifletté sulla sua commedia pionieristica in due commedie scritte in difesa della Scuola per mogli, Critica della Scuola per mogli e Impromptu di Versailles (1663). Attraverso le labbra dell'eroe della prima commedia, Chevalier Durant, Molière esprime il suo credo di comico:
Trovo molto più facile parlare di sentimenti elevati, combattere la fortuna in versi, incolpare il destino, maledire gli dei, piuttosto che guardare più da vicino i tratti ridicoli di una persona e mostrare sul palco i vizi della società in questo modo che è divertente ... Quando ritrai persone comuni, qui è necessario scrivere dalla natura. I ritratti dovrebbero essere simili e se le persone del tuo tempo non sono riconosciute in essi, allora non hai raggiunto il tuo obiettivo ... Far ridere le persone perbene non è un compito facile ...
Molière è così eleva la commedia al livello della tragedia, dice che il compito di un comico è più difficile di quello di uno scrittore di tragedie.
Una caratteristica essenziale dell'alta commedia era elemento tragico, manifestato più chiaramente in The Misanthrope, che a volte viene definito una tragicommedia e persino una tragedia.
Le commedie di Molière toccano cerchio largo i problemi vita moderna:
- rapporto padre-figlio
- educazione
- matrimonio e famiglia
- lo stato morale della società (ipocrisia, avidità, vanità, ecc.)
- classe, religione, cultura, scienza (medicina, filosofia), ecc.
Molière propone in primo piano compiti non divertenti, ma educativi e satirici. Le sue commedie sono caratterizzate da satira tagliente e flagellante, intransigenza con il male sociale e, allo stesso tempo, frizzante sano umorismo e allegria.
Caratteristiche dei personaggi di Molière
Caratteristica principaleI personaggi di Moliere: indipendenza, attività, capacità di organizzare la propria felicità e il proprio destino nella lotta contro il vecchio e l'obsoleto. Ognuno di loro ha le proprie convinzioni, il proprio sistema di opinioni, che difende davanti al suo avversario; è richiesto il pezzo avversario per la commedia classica, perché l'azione in essa si sviluppa nel contesto di controversie e discussioni.
Un'altra caratteristica dei personaggi di Molière è la loro ambiguità. Molti di loro non hanno una, ma diverse qualità (Don Juan), o nel corso dell'azione c'è una complicazione o un cambiamento nei loro personaggi (Orgon in Tartuffe, Georges Danden).
Tutti i caratteri negativi hanno una cosa in comune: violazione di misura. La misura è il principio fondamentale dell'estetica classica. Nelle commedie di Molière, è identico al buon senso e alla naturalezza (e quindi alla moralità). I loro portatori si rivelano spesso rappresentanti del popolo (una cameriera in Tartufo, una moglie plebea di Jourdain in filisteo nella nobiltà). Mostrando l'imperfezione delle persone, realizza Molière il principio principale del genere commedia- attraverso le risate per armonizzare il mondo e le relazioni umane.
"Tartufo"
Breve cenni storici
Un esempio di "commedia alta" può servire come "Tartufo". La lotta per la produzione del tartufo si protrasse dal 1664 al 1669; contando sulla risoluzione della commedia, Moliere l'ha rielaborata tre volte, ma non ha potuto ammorbidire i suoi avversari. Gli oppositori di Tartufo erano persone potenti: membri della Società dei Santi Doni, una specie di ramo secolare dell'ordine dei Gesuiti, che agiva come una polizia morale non detta, piantava la moralità della chiesa e lo spirito di ascetismo, proclamando ipocritamente che stava combattendo eretici, nemici della chiesa e della monarchia. Pertanto, sebbene al re piacesse la commedia, presentata per la prima volta a una festa di corte nel 1664, Louis non poteva andare contro gli ecclesiastici che lo convinsero che la commedia non attaccava l'ipocrisia, ma la religiosità in generale, per il momento. Solo quando il re litigò temporaneamente con i gesuiti e iniziò un periodo di relativa tolleranza nella sua politica religiosa, Tartufo fu finalmente messo in scena nella sua attuale terza edizione. Questa commedia è stata la più difficile per Moliere e gli ha portato il più grande successo della sua vita.
"Tartuffe" è la prima commedia di Moliere, in cui certo caratteristiche del realismo. In generale, come le sue prime opere teatrali, obbedisce alle regole chiave e alle tecniche compositive dell'opera classica; tuttavia, Molière si allontana spesso da loro (ad esempio, in Tartuffe la regola dell'unità del tempo non è completamente osservata - la trama include una storia di fondo sulla conoscenza di Orgon e del santo).
Cos'è tutto questo
"Tartufo" in uno dei dialetti del sud della Francia significa "truffatore", "ingannatore". Quindi, già con il titolo dell'opera, Molière definisce il personaggio del protagonista, che cammina con un abito secolare ed è un ritratto molto riconoscibile di un membro della “cabala dei santi”. Tartuffe, fingendosi un uomo giusto, entra nella casa del ricco borghese Orgon e soggioga completamente il proprietario, che trasferisce la sua proprietà a Tartuffe. La natura di Tartuffe è ovvia per tutta la famiglia di Orgon: l'ipocrita riesce solo a ingannare il proprietario e sua madre, Madame Pernel. Orgon rompe con tutti coloro che osano dirgli la verità su Tartuffe ed espelle persino suo figlio da casa. Per dimostrare la sua devozione a Tartufo, decide di sposarsi con lui, per dargli in moglie sua figlia Mariana. Per impedire questo matrimonio, la matrigna di Mariana, la seconda moglie di Orgon, Elmira, che Tartuffe corteggia segretamente da tempo, si impegna a smascherarlo davanti al marito, e in una scena farsesca, quando Orgon si nasconde sotto il tavolo, Elmira provoca Tartuffe a proposte immodeste, costringendolo ad assicurarsi della sua spudoratezza e tradimento. Ma, dopo averlo cacciato di casa, Orgon mette in pericolo il proprio benessere: Tartuffe rivendica i diritti sulla sua proprietà, un ufficiale giudiziario viene da Orgon con un ordine di sfratto, inoltre, Tartuffe ricatta Orgon con il segreto di qualcun altro che gli è stato affidato con noncuranza, e solo l'intervento del saggio re, che dà l'ordine di arrestare un noto mascalzone, a causa del quale un intero elenco di "gesti vergognosi", salva dal crollo la casa di Orgon e regala un lieto fine alla commedia.
Caratteristiche del personaggio
I personaggi della commedia classica esprimono, di regola, una caratteristica.
- Tartufoin Molière incarna l'umano universale vizio dell'ipocrisia, nascondendosi dietro l'ipocrisia religiosa, e in questo senso il suo carattere è chiaramente indicato fin dall'inizio, non si sviluppa durante l'azione, ma si rivela solo più profondamente ad ogni scena a cui partecipa Tartuffe. Indossare una maschera- proprietà dell'anima di Tartufo. L'ipocrisia non è il suo unico vizio, ma viene portato in primo piano, e altri tratti negativi questa proprietà viene valorizzata ed enfatizzata. Molière è riuscito a sintetizzare un vero e proprio concentrato di ipocrisia, pesantemente condensato quasi all'assoluto. In realtà, questo sarebbe impossibile. L'attualità dell'immagine, associata alla denuncia delle attività della Società dei Santi Doni, è passata da tempo in secondo piano, ma è importante notarli dal punto di vista della poetica del classicismo. Risulta inaspettato distribuzione del testo per atti: completamente assente dalla scena negli Atti I e II, Tartufo domina solo nell'Atto III, il suo ruolo si riduce notevolmente nell'Atto IV e quasi scompare nell'Atto V. Tuttavia, l'immagine di Tartuffe non perde il suo potere. Si rivela attraverso le idee del personaggio, le sue azioni, la percezione di altri personaggi, l'immagine delle conseguenze catastrofiche dell'ipocrisia.
- Anche molti altri caratteri sono unilineari commedie: ruoli familiari giovani amanti rappresentare immagini Mariana e il suo fidanzato Valera, cameriera vivace — immagine di Dorina; ragionatore, cioè un personaggio che "pronuncia" allo spettatore la lezione morale di ciò che sta accadendo, - Il fratello di Elmira, Cleanthe.
- Tuttavia, in ogni commedia di Molière c'è il ruolo che ha interpretato lui stesso, e il personaggio di questo personaggio è sempre il più vitale, drammatico, il più ambiguo dell'opera. In "Tartuffe" Moliere ha interpretato Orgon.
orgone- in termini pratici, un adulto che riesce negli affari, il padre di famiglia - allo stesso tempo incarna la mancanza spirituale di autosufficienza solitamente caratteristico dei bambini. Questo è il tipo di persona che ha bisogno di un leader. Chiunque si riveli essere questo leader, persone come Orgon sono intrise di infinita gratitudine per lui e si fidano del loro idolo più dei loro più cari. A Orgon manca il proprio contenuto interiore, che cerca di compensare con la fede nella bontà e infallibilità di Tartuffe. Orgon è spiritualmente dipendente, non conosce se stesso, è facilmente suggestionabile e diventa vittima dell'auto-cecità. Senza orgoni creduloni, non ci sono ingannatori di tartufi.. In Orgon, Moliere crea un tipo speciale di personaggio comico, caratterizzato dalla verità dei suoi sentimenti personali con la loro oggettiva falsità, ei suoi tormenti sono percepiti dallo spettatore come espressione di punizione morale, il trionfo di un principio positivo.
Forma e composizione
Per forma"Tartuffe" aderisce rigorosamente alla classica regola delle tre unità: l'azione dura un giorno e si svolge interamente nella casa di Orgon, l'unica deviazione dall'unità d'azione è la linea delle incomprensioni amorose tra Valera e Mariana. La commedia è scritta, come sempre con Moliere, in un linguaggio semplice, chiaro e naturale.
Composizionela commedia è molto particolare e inaspettata: appare il personaggio principale Tartufo solo nell'atto III. I primi due atti è una disputa su Tartufo. Il capofamiglia, dove Tartuffe si sfregò, Orgon e sua madre, la signora Pernel, considerano Tartuffe una persona santa, la loro fiducia nell'ipocrita è illimitata. L'entusiasmo religioso che Tartuffe ha suscitato in loro li rende ciechi e ridicoli. All'estremo opposto ci sono il figlio di Orgon Damis, la figlia Marie con la sua amante Valera, la moglie di Orgon Elmira e altri eroi. Tra tutti questi personaggi che odiano Tartuffe, spicca in particolare la cameriera Dorina. In Molière, in molte commedie, le persone del popolo sono più intelligenti, più talentuose, più intraprendenti dell'energia dei loro padroni. Per Orgon Tartuffe è l'apice di ogni perfezione, per Dorina lo è "il mendicante che è venuto qui magro e scalzo", e adesso "si considera un sovrano".
Atti III e IV sono costruiti in modo molto simile: finalmente apparso Tartuffe cade due volte nella "trappola per topi", la sua essenza diventa evidente. Questo sant'uomo ha deciso di sedurre la moglie di Orgon, Elmyra, e si comporta in modo completamente spudorato.
Per la prima volta, le sue franche confessioni a Elmira vengono ascoltate dal figlio di Orgon Damis. Ma Orgon non crede alle sue rivelazioni, non solo non espelle Tartuffe, ma, al contrario, gli dà la sua casa. Ci è voluto che l'intera scena fosse ripetuta appositamente perché Orgon gli facesse vedere chiaramente. Per smascherare l'ipocrita, Molière ricorre a tradizionale scena farsesca“il marito sottobanco”, quando Orgon vede con i propri occhi il corteggiamento di Elmira da parte di Tartuffe e sente le sue parole con le proprie orecchie. Ora Orgon capiva la verità. Ma inaspettatamente, Madame Pernel si oppose a lui, che non poteva credere al crimine di Tartufo. Non importa quanto Orgon sia arrabbiato con lei, niente può convincerla fino a quando Tartuffe non espelle l'intera famiglia dalla casa che ora gli appartiene e porta un ufficiale ad arrestare Orgon come traditore del re (Orgon ha affidato a Tartuffe i documenti segreti della Fronda partecipanti). Così sottolinea Molière pericolo speciale di ipocrisia:è difficile credere alla bassezza e all'immoralità di un ipocrita finché non si incontra direttamente la sua attività criminale, non si vede il suo volto senza una pia maschera.
Atto V in cui Tartufo, dopo essersi tolta la maschera, minaccia Orgon e la sua famiglia con i più grandi guai, acquista tratti tragici, una commedia si trasforma in una tragicommedia. La base del tragicomico in Tartuffe è l'intuizione di Orgon. Finché credeva ciecamente a Tartuffe, provocava solo risate e condanne. Ma alla fine Orgon si rese conto del suo errore, se ne pentì. E ora inizia a evocare pietà e compassione come persona che è diventata vittima di un cattivo. La drammaticità della situazione è accresciuta dal fatto che tutta la famiglia era in strada con Orgon. Ed è particolarmente drammatico che non ci sia nessun posto dove aspettarsi la salvezza: nessuno degli eroi dell'opera può superare Tartuffe.
Ma Molière, obbedendo alle leggi del genere, conclude felicemente la commedia epilogo: si scopre che l'ufficiale portato da Tartuffe per arrestare Orgon ha un ordine reale per arrestare lo stesso Tartuffe. Il re seguiva da tempo questo truffatore e non appena le attività di Tartufo divennero pericolose, fu immediatamente inviato un decreto per il suo arresto. Tuttavia, la fine di Tartuffe è presumibilmente felice epilogo. Tartufo non è una persona specifica, ma un'immagine generalizzata, un tipo letterario, dietro di lui ci sono migliaia di ipocriti. Il re, al contrario, non è un tipo, ma l'unica persona nello stato. È impossibile immaginare che potesse conoscere tutti i tartufi. Pertanto, la sfumatura tragicomica dell'opera non viene rimossa dal suo lieto fine.
Commedie "Don Juan" e "Misantropo"
Durante il periodo in cui il tartufo fu bandito, Molière creò altri due capolavori nel genere della "commedia alta": nel 1665 fu messo in scena Don Giovanni e nel 1666 - Il misantropo.
"Don Juan"
Trama della commedia è stato preso in prestito da una sceneggiatura italiana basata sulla commedia di Tirso de Molina L'uomo dispettoso di Siviglia. La prestazione degli italiani è andata avanti per tutta la stagione e non ha destato particolari lamentele. La produzione di Molière sollevò immediatamente un'ondata di attacchi e soprusi. La lotta tra la chiesa e il poeta ha assunto un carattere molto acuto.
L'immagine di Don Giovanni
A immagine di Don Juan, marchiato Molière il ragazzo che odia un aristocratico dissoluto e cinico, un uomo che non solo commette impunemente le sue atrocità, ma ostenta anche il fatto che, per la sua nobile origine, ha il diritto di non fare i conti con le leggi della morale, che sono obbligatorie solo per le persone di un rango semplice. Tali opinioni regnavano a corte, dove la fedeltà e l'onore coniugale erano considerati un pregiudizio piccolo-borghese, e dove il re stesso dava un tono simile, cambiando facilmente i suoi favoriti permanenti e temporanei, l'eroe Molière.
Ma quello che agli aristocratici sembrava un innocuo cambiamento di piaceri, una sorta di decorazione di un'esistenza oziosa, Molière vedeva dal lato umano e drammatico. In piedi sulle posizioni dell'umanesimo e della cittadinanza, il drammaturgo ha mostrato nell'immagine di Don Juan non solo un frivolo conquistatore dei cuori delle donne, ma anche un cinico e crudele erede dei diritti feudali, spietatamente, in nome di un momentaneo capriccio, rovinando il la vita e l'onore delle giovani donne che si fidavano di lui. Profanazione di una persona, calpestio della dignità delle donne, presa in giro delle loro anime pure e fiduciose: tutto questo è stato mostrato nella commedia come risultato delle viziose passioni di un aristocratico che non sono in alcun modo frenate nella società.
Anticipando gli attacchi caustici di Figaro, il servitore di Don Juan, Sganarello, dice al suo padrone: “... forse pensi che se sei di famiglia nobile, che se hai una parrucca bionda sapientemente arricciata, un cappello con piume, un vestito ricamato d'oro e nastri color fuoco, forse pensi di essere più intelligente per questo, che tutto ti è permesso e nessuno può dirti la verità? Impara da me, dal tuo servo, che prima o poi... una brutta vita porterà a una brutta morte...” Queste parole sono chiaramente udibili note di protesta sociale.
Ma, dando al suo eroe una caratterizzazione così definita, Molière non lo priva di quelle qualità personali, soggettive, usando il quale Don Juan ha ingannato tutti coloro che avevano a che fare con lui, e soprattutto le donne. Rimanendo un uomo senza cuore, era soggetto a passioni ardenti e momentanee, possedeva intraprendenza e arguzia e persino un fascino particolare.
Le avventure di Don Juan, non importa quanto sinceri impulsi del cuore siano giustificati, ha portato il maggior danno alle persone circostanti. Ascoltando solo la voce delle sue passioni, Don Juan soffocò completamente la sua coscienza; scacciò cinicamente le sue amanti, che erano disgustate di lui, e sfacciatamente raccomandò all'anziano genitore di andare nell'aldilà il prima possibile e di non infastidirlo con noiose lezioni. Molière ha visto molto bene che gli impulsi sensuali, non frenati dalle briglie della moralità pubblica, recano il maggior danno alla società.
La profondità della caratterizzazione di Don Juan era che nell'immagine di un aristocratico moderno, preso da un'irrefrenabile sete di piacere, Molière mostrava quei limiti estremi a cui giunse la vitalità dell'eroe rinascimentale. Una volta progressiste aspirazioni dirette contro la mortificazione ascetica della carne, nel nuovo condizioni storiche, non più frenato da alcuna barriera di moralità pubblica e ideali umanistici, degenerato in un individualismo predatore, in una manifestazione aperta e cinica di sensualità egoistica. Ma allo stesso tempo, Molière ha dotato il suo eroe di audaci idee di libero pensiero che hanno oggettivamente contribuito alla distruzione delle visioni religiose e alla diffusione di visioni materialistiche del mondo nella società.
In una conversazione con Sganarelle, Don Juan confessa di non credere né al paradiso né all'inferno, né al rogo, né all'aldilà, e quando il servo perplesso gli chiede: "In cosa credi?" Don Juan risponde con calma: "Credo, Sganarello, che due due fa quattro, e due quattro fa otto."
In questa aritmetica, oltre al cinico riconoscimento del profitto come massima verità morale, c'era anche una saggezza propria. Il libero pensatore Don Juan non credeva in un'idea divorante, non nello spirito santo, ma solo nella realtà dell'esistenza umana limitata dall'esistenza terrena.
Immagine di Sganarello
Contrastando Don Juan con il suo servitore Sganarello, Molière delineò i percorsi che avrebbero poi portato ad audaci denunce di Figaro. Svelato l'incontro tra Don Giovanni e Sganarello conflitto tra ostinazione aristocratica e sanità mentale borghese, ma Molière non si limitava all'opposizione esterna di questi due tipi sociali, critica all'aristocrazia. Ha anche rivelato contraddizioni in agguato nella moralizzazione borghese. La coscienza sociale della borghesia era già sufficientemente sviluppata per permettere di vedere il lato vizioso egoistico della sensualità del Rinascimento, ma il "terzo stato" non era ancora entrato nel suo periodo eroico, e i suoi ideali non avevano ancora cominciato a sembrare tanto assoluti quanto sembrano agli illuministi. Pertanto, Molière ha avuto l'opportunità di mostrare non solo il lato forte, ma anche quello debole della visione del mondo e del carattere di Sganarelle, per mostrare i limiti piccolo-borghesi di questo tipo.
Quando Sganarello, incolpando Don Juan, dice che lui "non crede nel cielo, né nei santi, né in Dio, né nel diavolo," cosa lui “vive come un vile bestiame, come un maiale epicureo, come un vero Sardanapalus, che non vuole ascoltare gli insegnamenti cristiani e considera una sciocchezza tutto ciò che crediamo”, poi in questa filippica si sente chiaramente l'ironia di Molière sui limiti del virtuoso Sganarello. In risposta all'aritmetica filosofica di Don Giovanni, Sganarello sviluppa una prova dell'esistenza di Dio dal fatto della ragionevolezza dell'universo. Dimostrando su se stesso la perfezione delle creazioni divine, Sganarello si lascia talmente trasportare da gesti, giri, salti e balzi che alla fine cade giù e dà ragione all'ateo di dire: "Ecco il tuo ragionamento e si è rotto il naso." E in questa scena, Molière sta chiaramente dietro a Don Juan. Lodando la razionalità dell'universo, Sganarello ha dimostrato solo una cosa: la sua stessa stupidità. Sganarello fa discorsi nobili, ma in realtà è ingenuo e apertamente codardo. E, naturalmente, i Padri della Chiesa avevano ragione quando si risentirono di Molière per aver presentato questo servitore comico come l'unico difensore del cristianesimo. Ma l'autore di "Tartuffe" sapeva che la morale religiosa era così elastica da poter essere predicata da chiunque, poiché non richiedeva una coscienza pulita, ma solo discorsi ortodossi. Le virtù personali non avevano importanza qui: una persona può commettere le azioni più malvagie, e nessuno lo considererà un peccatore se copre la sua viziosa fisionomia con una sottile maschera di ostentata pietà.
Il tartufo fu bandito, ma il desiderio appassionato di denunciare l'ipocrisia bruciava il cuore del poeta. Non poteva contenere la sua rabbia contro i gesuiti e gli ipocriti e costrinse Don Juan, questo vero peccatore, a parlare con sarcasmo dei mascalzoni ipocriti: "Fai conoscere i loro intrighi, fai sapere a tutti chi sono, comunque, non perdono la fiducia: se chinano la testa una o due volte, sospirano di contrizione o alzano gli occhi al cielo, e ora tutto è sistemato ..." E qui nelle parole di Don Juan si sente la voce di Molière. Don Juan decide di provarlo su se stesso potere magico ipocrisia. “Sotto questo fertile baldacchino voglio nascondermi per agire in tutta serenità – dice – non rinuncerò alle mie dolci abitudini, ma mi nasconderò dalla luce e mi divertirò di nascosto. E se mi coprono, non alzerò un dito su un dito; tutta la banda intercederà per me e mi proteggerà da chiunque. In una parola, questo è il modo migliore per fare quello che vuoi impunemente.
In effetti, l'ipocrisia è un'ottima difesa contro gli attacchi. Don Juan è accusato di spergiuro, e umilmente giunse le mani e alzò gli occhi al cielo, borbottando: "Così vuole il cielo", "Questa è la volontà del cielo", "Obbedisco alla voce del cielo" ecc. Ma Don Juan non è il tipo da recitare a lungo il ruolo codardo di un uomo giusto ipocrita. L'insolente consapevolezza della sua impunità gli ha permesso di agire e senza maschera. Se nella vita non c'era giustizia contro Don Juan, allora sulle tracce Molière poteva alzare la sua voce arrabbiata contro l'aristocratico criminale, e finale comico- il tuono e il fulmine che hanno colpito Don Juan non erano un effetto scenico tradizionale, ma espressione figurata di punizione, incarnato in forma scenica, foriero di una formidabile punizione che cadrà sulle teste degli aristocratici.
"Misantropo" è la commedia meno allegra di Molière e probabilmente il miglior esempio di alta commedia.
L'azione della commedia inizia con una disputa tra Alceste e il suo amico Philint. Philint predica una filosofia conciliante conveniente per la vita. Perché prendere le armi contro il modo di vivere quando non puoi cambiarlo comunque? È molto più ragionevole adattarsi all'opinione pubblica e assecondare i gusti secolari. Ma Alceste odia tale curvatura dell'anima. Dice a Philint:
Ma poiché ti piacciono i vizi dei nostri giorni,
Tu, dannazione, non sei della mia gente.
Alceste appassionatamente odia le persone intorno a lui; ma questo odio non riguarda l'essenza stessa della natura umana, ma quelle perversioni che un falso ordine sociale porta con sé. Anticipando le idee dell'Illuminismo, Molière, a immagine del suo Misantropo, raffigura scontro di "uomo naturale" con persone "artificiali", corrotte da cattive leggi. Alceste lascia disgustato il mondo vile con i suoi abitanti crudeli e ingannevoli.
Con questa società odiata, Alceste è collegata solo da un appassionato amore per Selimene. La giovane Célimène è una ragazza intelligente e determinata, ma la sua coscienza e i suoi sentimenti sono completamente subordinati ai costumi dell'alta società, e quindi è vuota e senza cuore. Dopo che gli ammiratori dell'alta società di Célimène, offesi dalle sue calunnie, la lasciano, lei accetta di diventare la moglie di Alceste. Alceste è infinitamente felice, ma pone una condizione alla sua futura fidanzata: devono lasciare il mondo per sempre e vivere in solitudine in mezzo alla natura. Célimène rifiuta tale follia e Alceste restituisce la sua parola.
Alceste non immagina la felicità in quel mondo in cui bisogna vivere secondo le leggi del lupo, le sue la convinzione ideologica trionfa sulla folle passione. Ma Alceste lascia la società né devastata né sconfitta. Del resto non per niente lui, ridicolizzando i pomposi versi del marchese, li contrapponeva a un'affascinante canzone popolare, allegra e sincera. Lodando la musa rurale, il misantropo si è mostrato una persona che ama e comprende profondamente la sua gente. Ma Alceste, come tutti i suoi contemporanei, non conosceva ancora le vie che conducono il solo contestatore al campo dell'indignazione popolare. Lo stesso Molière non conosceva queste strade, poiché non erano ancora state lastricate dalla storia.
Alceste dall'inizio alla fine della commedia resta protestante, ma Molière non riesce a trovare un grande tema della vita. Il processo che Alceste conduce con il suo avversario non è incluso nell'azione del gioco, è, per così dire, un simbolo dell'ingiustizia che regna nel mondo. Alceste deve limitare la sua lotta solo alla critica dei versi leziosi e ai rimproveri della ventosa Célimène. Molière non poteva ancora costruire un'opera teatrale con un conflitto sociale significativo, perché un tale conflitto non era ancora stato preparato dalla realtà; eppure nella vita le voci di protesta si udivano sempre più chiaramente, e Molière non solo le udiva, ma vi aggiungeva anche la sua voce forte e distinta.
