cori popolari russi. H

Immagine artistica pezzo di musica nel coro si crea e si rivela attraverso la melodia e la parola. Pertanto, i principali requisiti tecnici della sonorità corale sono, in primo luogo, l'accuratezza dell'intonazione acuta del suono di ciascun cantante in una parte separata e ciascuna parte nel suono corale complessivo; in secondo luogo, l'unità timbrica e l'equilibrio dinamico delle singole voci all'interno di ciascuna parte e di tutte le parti nell'insieme corale generale; terzo, una chiara pronuncia delle parole.
Ma una snella, intonazionalmente pura, equilibrata nella forza, unita nella sonorità timbrica corale è solo un prerequisito per creare un'immagine artistica che trasmetta il contenuto dell'opera. Pertanto, prima di iniziare a imparare una canzone, il leader deve, analizzando l'opera, comprenderne il contenuto e i mezzi con cui viene rivelato dal compositore. Come risultato della conoscenza del testo letterario, si può comprendere il tema e l'idea dell'opera e il suo carattere: eroico, o lirico, o comico, ecc. A seconda della natura generale della canzone, vengono determinati il ​​\u200b\u200btempo, la dinamica, la colorazione timbrica del suono, la natura del movimento della melodia, la selezione artistica e semantica delle frasi.

Dopo tale analisi del lavoro, viene elaborato un piano di prestazioni, a cui l'intero successivo lavoro vocale e corale. Il leader determina le difficoltà nel padroneggiare il lavoro, delinea i modi per superarle, sviluppa determinati esercizi e redige un piano di prove dettagliato.
Lavora con il coro nuova canzone di solito inizia con un apprendimento approssimativo: memorizzare la melodia, costruire intervalli, consonanze, elaborare il lato ritmico del lavoro e la dizione.
Man mano che gli elementi tecnici vengono padroneggiati, il regista inizia a prestare maggiore attenzione alla finitura artistica dell'opera. Arriva un momento in cui le note nude iniziano ad acquisire carne artistica.
Diamo come esempio un'analisi artistica e un piano di esecuzione per lavorare con il coro sulla canzone "Polyushko Kolkhoznoe", parole e melodia di G. Savitsky, arrangiata per composizione femminile coro popolare I. Ivanova. (La canzone è stampata in questo numero della raccolta a pagina 13).

Il testo letterario della canzone rivela l'immagine di un campo agricolo collettivo ampio e diviso.

Oh, tu sei il mio tesoro
Fattoria collettiva Polyushko,
Tu sei il mio ampio
Sei la mia distesa.
Onde fitte di segale
Il vento ondeggia.
poliushko annuale
Il raccolto è famoso.
Oh, tu sei il mio tesoro
Fattoria collettiva Polyushko,
Tu sei il mio ampio.
Sei la mia distesa.

La poesia si distingue per la sua straordinaria concisione e allo stesso tempo espressività dell'immagine. Nonostante sia composta da sole tre quartine, e la terza è una ripetizione letterale della prima, l'immagine del "kolkhoz polyushka" risalta in modo convesso e forte. Che grande e vasto nella sua portata tematica il significato che l'autore attribuisce alle parole "campo agricolo collettivo"! C'è un sottotesto profondo in loro: in questa "polyushka" c'è l'intera vita di una persona che lavora, una vita nuova, felice, come una "polyushka", ampia e spaziosa.
Questo significato interiore, o idea, del poema è delineato già nella prima quartina, dove l'immagine maestosa della "polyushka" inizia a dispiegarsi attraverso un appello profondamente emotivo e amorevole: "Oh, tu sei il mio palo".

Se nella prima quartina l'immagine del “palo kolchoz” si rivela in carattere lirico-epico, allora nella seconda quartina viene in primo piano il suono eroico dell'immagine, che acquista un contenuto dinamico sempre maggiore. Quindi, l'energico inizio della seconda quartina -

Onde fitte di segale
Il vento ondeggia.

trasmette il movimento impetuoso, la dinamica nello sviluppo dell'immagine del “campo agricolo collettivo”. Non è più solo “ampia e spaziosa”, ma anche “famosa per la vendemmia”. Qui arriva l'ulteriore divulgazione del sottotesto della poesia. Il mare ondeggiante di segale è il frutto del lavoro creativo Uomo sovietico- il creatore di tutte le benedizioni terrene. Pertanto, nella terza quartina, che è una ripetizione letterale della prima, l'appello alla "polushka" risuona con rinnovato vigore: non più come riflesso, ma come inno alla sua fertilità, come inno al lavoro creativo del popolo sovietico.
Così, l'immagine del "polo agricolo collettivo" nel poema si rivela in uno sviluppo dinamico dalla maestà lirico-epica a un potente suono eroico. La tecnica dell'inquadratura conferisce alla poesia un'integrità tematica e allo stesso tempo apre spazio alla creatività del compositore e dell'autore degli arrangiamenti corali.

Analizzando la musica della canzone" Fattoria collettiva Polyushko”, è facile notare che l'intonazione è molto accurata, trasmette il personaggio in modo folkloristico immagine letteraria. La melodia della canzone è ampia, melodiosa e, grazie alla diversa organizzazione ritmica metrica, crea un'atmosfera di eccitazione emotiva e movimento interiore. Ogni verso della canzone, che trasmette lo stato d'animo della corrispondente quartina, è, per così dire, un certo stadio nello sviluppo dell'immagine musicale della canzone.
Nella musica della prima strofa c'è un appello dolce e amorevole al "palo del kolchoz". Ma allo stesso tempo, questa non è una conversazione in senso letterale, ma piuttosto una riflessione profonda, dove il "campo agricolo collettivo" e il destino di una persona, tutta la sua vita si fondono in un unico concetto. Da qui deriva lo stato d'animo che definisce la prima strofa: morbidezza, sincerità e significato.

Il tempo è lento, il movimento della melodia è fluido, il tono generale è pianissimo (molto tranquillo).
Tutti gli elementi dell'espressione artistica (melodia, metro-ritmo, trama, fraseggio) sono in costante movimento, come se rivelassero aspetti sempre più nuovi dell'immagine, grazie ai quali l'opera diventa materiale fertile per la performance artistica.

La prima strofa, così come le strofe successive, è composta da quattro frasi, ognuna delle quali ha il proprio top dinamico. I suoni che seguono verso l'alto vengono riprodotti con maggiore sonorità, ei suoni che seguono dopo l'alto vengono riprodotti con indebolimento. Pertanto, il picco viene enfatizzato dinamicamente e organizza attorno a sé i suoni precedenti e successivi. Nella canzone analizzata, l'inizio di ogni frase è la prima battuta della seconda battuta. Ma le frasi non sono equivalenti nel loro significato. IN questo caso la principale frase di vertice è la terza. La crescita emotiva sale ad essa, la melodia amplia la gamma, il movimento interno accelera riducendo il numero di misure nella seconda frase, la trama è satura: all'inizio canta un cantante, nella seconda frase la seconda si unisce a lei, e nella terza frase suona già un coro polifonico. Nella quarta frase, invece, c'è già un indebolimento della tensione emotiva, dinamicamente suona più debole della terza, il suo schema ritmico cambia, l'estensione si accorcia e la tessitura si semplifica: l'unisono viene a sostituire il quadruplo.
Tale distinzione tra frasi valore artistico chiamato fraseggio. (Esempio n. 1) Se il tono generale della strofa è pianissimo, allora all'inizio delle frasi il suono può aumentare leggermente, raggiungendo il piano, e alla fine della frase tornare al tono originale.

La terza frase (in alto) suona un po' più forte di tutte le altre (all'interno del pianoforte).

Lo sviluppo dell'immagine musicale nella seconda e terza strofa segue il percorso della crescita dinamica - dal piano al forte, complicazione materica, sviluppo variabile delle voci, cambiamenti di timbro, natura del movimento della melodia e pronuncia delle parole. Tutti questi cambiamenti si basano sul principio dell'iniezione: un aumento graduale e continuo, un'espansione. A sostegno di quanto detto, consideriamo il piano dinamico ei cambiamenti materici del brano.

piano dinamico
La prima strofa è pianissimo.
La seconda strofa è pianoforte.
La terza strofa è da mezzo forte a fortissimo.

I cambiamenti nelle dinamiche sono strettamente correlati alla complicazione strutturale: la prima strofa è cantata da un cantante, la seconda da due e la terza strofa inizia con l'intero coro. Qui vediamo non solo un aumento del numero di lead, ma anche un aumento del numero di parti vocali, nonché una variazione della linea melodica del lead stesso. (Esempio n. 2)

La canzone raggiunge il suo suono culminante nell'ultima strofa con le parole: "Tu sei il mio ampio, tu sei il mio spazioso". Tutti gli elementi dell'espressione artistica in questo luogo raggiungono il loro massimo livello. Ecco il suono più forte del coro, la natura del movimento della melodia (a differenza delle strofe precedenti, non si distingue più per la formazione morbida e calma del suono, ma per la pronuncia ampia, brillante, orecchiabile del suono e della parola, basata sulla combinazione dell'accento e della lunghezza massima dei suoni), la trama raggiunge il suo sviluppo limite (5 voci, sottotoni), infine, la melodia decolla verso il suo punto più alto, sottolineando il climax emotivo e la fine dell'intera canzone. (Esempio n. 3)

Quindi, a seguito dell'analisi artistica, il regista ha chiarito il contenuto della canzone e il mezzo con cui il compositore lo rivela. Ma questo non si limita al lavoro preliminare sul lavoro.
Ogni tipo di arte ha la sua tecnica, cioè un insieme di determinate abilità necessarie per creare un'immagine artistica. Nell'arte corale, questo è il sistema, l'ensemble, la dizione, le abilità vocali: respirazione, produzione del suono e risonanza. Pertanto, è chiaro che la fase successiva del lavoro preliminare del leader è l'analisi del lavoro già dal punto di vista delle sue difficoltà tecniche.
Considera i punti principali del lavoro sulla formazione del coro.
Il canto senza accompagnamento pone esigenze particolarmente elevate agli esecutori in termini di intonazione di intervalli e accordi. La linea melodica molto sviluppata della canzone, piena di ampi intervalli, presenta grandi difficoltà per l'intonazione degli intervalli. Occorre prestare attenzione ai segmenti melodici che il coro può stonare: ai suoni di seconda ratio

a una sequenza di suoni della stessa altezza, spesso causando una diminuzione dell'intonazione e quindi richiedendo di "alzare" l'altezza di ogni suono successivo, all'intonazione di semitoni.
Per ottenere un suono intonazionalmente puro, il direttore del coro deve conoscere gli schemi di intonazione dei vari gradi delle scale maggiori e minori secondo il loro significato modale.
intonazione scala maggiore.

Il suono del primo passo (tono di base) è intonato in modo costante. I suoni del secondo, terzo, quinto, sesto e settimo gradino sono intonati x.o dal desiderio di salire. Con un desiderio particolarmente forte di salire, si intonano i suoni del terzo e del settimo grado (il terzo della triade tonica e il tono introduttivo). Il suono del quarto gradino è intonato con il desiderio di diminuire.

Va notato che nella canzone russa c'è spesso un modo maggiore con un settimo passo abbassato. In questo caso, è intonato con il desiderio di diminuire.

L'esempio n. 5 mostra la natura dell'intonazione dei vari gradi della scala maggiore. Le frecce rivolte verso l'alto indicano che il suono dovrebbe essere intonato con tendenza all'aumento, una freccia orizzontale indica un'intonazione stabile e una freccia rivolta verso il basso indica un'intonazione con tendenza a scendere.

Intonazione in scala minore (naturale).

I suoni del primo, secondo e quarto gradino sono intonati con il desiderio di salire.
Suoni del terzo, sesto e settimo gradino - con il desiderio di diminuire.
Nella minore armonica e melodica, il suono del settimo passo è intonato con una forte tendenza a salire. Nella minore melodica, anche il suono del sesto passo è intonato con il desiderio di salire.

L'esempio n. 6 mostra la natura dell'intonazione dei suoni della scala "Si bemolle minore", in cui è scritta la canzone "Polyushko Kolkhoznoe".
Un'intonazione accurata dipende in larga misura dalla respirazione cantata. La respirazione lenta con perdite d'aria provoca una diminuzione del suono, la respirazione eccessiva con una pressione dell'aria troppo forte, al contrario, porta a forzare e aumentare l'intonazione. La lenta formazione del suono (con un ingresso) provoca anche imprecisioni di intonazione. Una posizione bassa, che provoca un superlavoro della laringe, comporta una diminuzione dell'intonazione del suono, la sovrapposizione del suono nel registro acuto porta allo stesso risultato (per le voci folk ciò accade nei canti tranquilli). Con un uso insufficiente dei risonatori del torace, l'intonazione cambia verso l'alto.
La "posizione alta" del suono ha un effetto particolarmente benefico sull'intonazione, la cui essenza è dirigere il suono verso i risonatori superiori e liberare la laringe dalla tensione. Una posizione elevata deve essere raggiunta in qualsiasi registro.

Nel lavorare su questa canzone, questo dovrebbe essere tenuto in particolare considerazione quando ci si esercita con i secondi contralti, che cantano in un registro molto grave. Esercizi vocali, cantare frasi separate con la bocca chiusa o sulla sillaba "li", "le" sono di grande beneficio nell'elaborare il suono in posizione alta.
Pertanto, il canto intonazionalmente puro in un coro dipende in gran parte dal livello di tutto il lavoro vocale, che dovrebbe essere svolto nella direzione di educare varie abilità di canto e correggere alcune carenze nella voce dei cantanti (rigidità del suono, forzatura, tremolazione, tono nasale, ecc.).
L'abilità vocale più importante è la respirazione corretta e pendente". Spesso si dice che un cantante che possiede la respirazione cantata canta "su un supporto", o "suono pendente". La respirazione pendente è caratterizzata dal fatto che durante il canto tutta l'aria va completamente alla formazione del suono senza perdite e viene consumata in modo fluido ed economico. e porta a un'interruzione nella frase musicale.

Per ottenere un suono opposto, è necessario mantenere un "ambiente di inspirazione", cioè, quando canta, il cantante non dovrebbe permettere l'abbassamento e il restringimento del torace. Dopo aver preso aria, è necessario "trattenere" il respiro per un momento e quindi procedere alla produzione del suono. Questo momento di "ritardo", per così dire, mette in allerta l'intero apparato canoro. Devi respirare facilmente e naturalmente, senza eccessiva tensione, quasi come nel normale discorso colloquiale. Il cantante deve prendere tutta l'aria di cui ha bisogno per svolgere un determinato compito. Il volume dell'aria inspirata dipende dalla dimensione della frase musicale e dal registro in cui suona, nonché dalla forza del suono. Cantare in un registro acuto richiede più aria. L'inalazione di troppa aria produce un suono teso e un'intonazione imprecisa. La durata del respiro dipende dal tempo del lavoro e dovrebbe essere uguale alla durata di un battito della battuta. Per l'esecuzione continua di lunghe costruzioni musicali, e anche dell'intera opera, viene utilizzato il cosiddetto "respiro a catena". La sua essenza sta nel successivo rinnovamento del respiro da parte dei cantori del coro. Sull'esempio del n. 7, viene data la parte corale della seconda strofa, che viene eseguita sul "respiro a catena".

Ogni cantante individualmente non può cantare l'intero segmento senza un rinnovo del respiro, ma nel coro, a seguito del successivo rinnovo del respiro da parte dei cantori, questa frase suona inarticolata. La normale respirazione del canto di un cantante si prosciuga a cavallo tra la quarta e la quinta battuta, ma anche a un cantante non è consigliabile respirare in questo luogo. Con il "respiro a catena" è meglio respirare non all'incrocio di due costruzioni musicali, ma prima o dopo qualche tempo. Devi disconnetterti dal canto e rientrarvi impercettibilmente, prendere fiato brevemente e principalmente nel mezzo di una parola o su un suono sostenuto. (Esempio n. 7).

L'importanza della natura dell'espirazione dovrebbe essere sottolineata ancora una volta. Dovrebbe essere economico e uniforme per tutta la sua lunghezza. Solo una tale espirazione può creare un canto morbido ed elastico. Non permettere che tutta l'aria venga consumata durante l'espirazione. È dannoso cantare con una riserva d'aria molto consumata.
Nel canto, il processo del respiro è strettamente connesso con il momento dell'origine del suono, o attacco. Esistono tre tipi di attacco: duro, aspirato e morbido. Con un attacco violento, i legamenti si chiudono prima che venga fornita aria. Quindi il getto d'aria apre i legamenti con poco sforzo. Il risultato è un suono aspro.
Un attacco aspirato è l'opposto di uno duro. Con esso, l'apparizione del suono è preceduta da un'espirazione silenziosa, dopodiché i legamenti si chiudono con calma. In questo caso, la vocale "A" sembra assumere il carattere del suono "xx-a", ma la consonante "x" non dovrebbe essere ascoltata.

Con un attacco morbido, la chiusura dei legamenti inizia contemporaneamente all'inizio del suono.
Un attacco fermo nel canto è raro (nelle esclamazioni sonore, nella forte formazione del suono dopo una pausa).
Gli esercizi fermamente attaccati sono di grande beneficio, fanno emergere la sensazione di un suono "supportato" e sono un mezzo per combattere la formazione pigra del suono che provoca "l'ingresso". Tali esercizi (esempio n. 8) dovrebbero essere cantati a ritmo lento sulla vocale "A"

La base del canto è un attacco morbido. Aspirato - utilizzato per sonorità silenziose e molto silenziose.
Con cantanti dalla voce acuta, è utile cantare piccole arvicole o segmenti della frase musicale dell'opera che si sta imparando sulle vocali “I”, “E”, “Yo”, “Yu” o sulla sillaba “LA”, “LE”, “LE”, “LU”.
L'immagine artistica nell'arte vocale appare nell'unità di musica e parole. Non solo la qualità del messaggio all'ascoltatore dipende dal modo di pronunciare le parole o dalla dizione. testo letterario canzoni, ma l'intero processo di canto. Come sai, la parola consiste nell'unità di vocali e consonanti. Sine qua non dizione corretta quando si canta, il suono più lungo delle vocali e la pronuncia breve e attiva delle consonanti si basa su una chiara interazione di lingua, labbra, denti e palato con un'espirazione uniforme e in nessun caso a scatti. È utile elaborare la chiarezza della pronuncia delle consonanti in un suono tranquillo raddoppiandole. Allo stesso tempo, per fissare tutta l'attenzione sulle consonanti, è utile lanciare brevemente, ma non bruscamente, ogni sillaba, calcolando mentalmente la durata delle note sostenute. (Esempio n. 9)

Di particolare difficoltà nella pronuncia sono le combinazioni di più consonanti (paese), una consonante all'inizio di una parola (incontrare, non incontrare) e una consonante alla fine di una parola (colore, non colore).
Per preservare la continuità ultima del suono della melodia, le consonanti alla fine di una sillaba devono essere collegate con la sillaba successiva.
"U—ro—zha—e—ms l a—v e—ts I."
La dizione chiara viene solitamente identificata con la pronuncia chiara delle consonanti, dimenticando che anche le vocali giocano un ruolo enorme nella pronuncia delle parole e nell'unità complessiva del suono corale.
Le vocali sono suoni puri senza mescolanza di rumore. Alcuni suonano luminosi, aperti - "LA", altri sono coperti - "O", "U", il terzo - "chiudi" - "I". Il grado di tensione, o luminosità, delle vocali è diverso, dipende dalla posizione della bocca e dal posto della vocale nella parola (le vocali accentate suonano più intense, più luminose di quelle non accentate).

Nel canto, per creare una linea vocale morbida, tutte le vocali vengono in qualche modo neutralizzate, cioè la linea netta tra di esse viene cancellata. Ciò si verifica come risultato del mantenimento approssimativamente della stessa posizione della bocca per tutte le vocali. È noto che la stessa vocale disposizioni diverse la bocca acquisisce diverse qualità sonore: con ampia bocca aperta suona aperto, luminoso, quando è semiaperto - coperto, morbido, quando canta con gli angoli delle labbra socchiusi (su un sorriso) - suona leggero, facile, "chiuso". Pertanto, è del tutto chiaro che nel suono di una singola frase o dell'intera opera, contrassegnata da un certo stato d'animo, tutte le vocali dovrebbero suonare con lo stesso tono emotivo, con una posizione predominante della bocca. Il modo unificato di formare le vocali nel coro è di importanza decisiva, poiché è la base dell'unità timbrica delle voci. Per sviluppare una sola risonanza vocalica è utile cantare una sequenza di suoni della stessa altezza sulle sillabe MI-ME-MA-MO-MU (la consonante "M" serve ad ammorbidire l'attacco. Esempio n. 10). In questo caso, è necessario assicurarsi che tutte le vocali vengano eseguite con lo stesso grado di apertura della bocca.

Per evitare l '"ingresso" quando si cantano le vocali "A", "O", "U", "E", "I", seguendo qualsiasi altra o vocale con lo stesso nome, specialmente all'incrocio di due parole, è necessario allungare la prima vocale il più a lungo possibile e passare istantaneamente alla seconda, attaccando il suono un po' più forte. Ad esempio: "...polyushko è famoso per il suo raccolto".
Abbiamo già detto sopra che la vocale accentata suona più forte e luminosa di quella non accentata. Ma a volte nelle canzoni popolari il ritmo forte della battuta non coincide con l'accento della parola. In questi casi, la vocale che suona sul tempo forte della battuta deve essere eseguita in modo meno prominente rispetto alla vocale su cui sono accentate le parole (Esempio 11)

Qui vediamo che nella parola "My" la vocale non accentata "O" corrisponde a un ritmo relativamente forte della battuta e quindi, risaltando, distorcerà la parola. Per evitare che ciò accada, la sillaba "MO" deve essere eseguita in modo un po' più tranquillo della vocale "Yo".
Il lavoro sulle vocali in un coro popolare è di particolare importanza in connessione con l'errata visione di alcuni musicisti sul timbro della voce popolare. Credono che solo un suono bianco e aperto sia caratteristico del canto popolare. La mancata comprensione delle basi vocali del canto popolare porta all'orientamento sbagliato di questo meraviglioso genere di arte corale. È la ricchezza di genere del russo canzoni native da un ritornello tranquillo e gentile, una canzoncina tagliente a ampie tele di canzoni liriche cantilenanti e lentiggini rumorose non parla della sua più ampia gamma emotiva ?! Come puoi cantare tutte queste canzoni con un solo suono?! È assolutamente chiaro che il suono di un coro folk, come qualsiasi altro coro, dipende dal contenuto della canzone, dal suo tono emotivo.

La base di ogni collettivo arte musicale, compreso il coro, è l'unità e un certo coordinamento delle azioni di tutti i membri della squadra. Tutti gli elementi della sonorità corale: struttura, dizione, forza, timbro, velocità di movimento, ecc. Esistono solo in una forma collettiva, d'insieme. Pertanto, il lavoro sull'ensemble permea tutte le fasi del lavoro corale.
Abbiamo già parlato di un unico modo di formare vocali e consonanti. Consideriamo ora l'insieme ritmico e dinamico. In "Polyushka Kolkhozny" ogni voce ha il proprio schema ritmico indipendente. Con un'esibizione una tantum, c'è il pericolo di violare l'insieme ritmico. Per evitare ciò, è necessario educare i cantori a sentire il pulsare della melodia. A tal fine è bene cantare passaggi musicali spezzando ad alta voce ogni nota da un quarto, mezza e intera in ottavi (esempio N2 12).

Grazie a questo esercizio, il coro resisterà con precisione a durate complesse e passerà ai suoni successivi nel tempo. Di solito, su suoni di lunga durata, i cantanti perdono il loro preciso senso del movimento e passano ai suoni successivi in ​​ritardo o in anticipo.
L'insieme dinamico nel coro si basa sull'equilibrio nella forza delle voci di una parte e su un certo coordinamento delle parti tra di loro: o la parte superiore, che guida la voce principale, suona più forte delle altre parti, quindi viene in primo piano la voce media o inferiore, quindi tutte le parti suonano con la stessa forza. Quindi, nella canzone "Polyushko Kolkhoznoe", dapprima la voce superiore suona più forte, poi i cambiamenti melodici in varie voci iniziano ad essere enfatizzati dinamicamente, al culmine della canzone tutte le voci suonano con la stessa forza.

La maggior parte delle canzoni popolari russe viene eseguita con cantanti solisti. In questi casi è molto importante l'insieme tra leader e coro, che riprende dal leader tutto il carattere dell'esecuzione del canto. Questo dovrebbe essere preso in considerazione quando si impara questa canzone. base buon insieme nel coro c'è la corretta selezione dei voti e la loro parità quantitativa in ogni partito. Il risultato è un insieme naturale. Ma a volte le voci che compongono l'accordo hanno condizioni di tessitura differenti. In questo caso, l'equilibrio del suono viene raggiunto artificialmente, come risultato di una speciale distribuzione dell'intensità del suono tra le voci: la voce secondaria scritta in un registro acuto dovrebbe suonare più piano e la voce principale scritta in un registro grave dovrebbe essere eseguita più forte. Se tutte le voci in una data situazione vengono eseguite con la stessa forza, la voce secondaria coprirà quella principale e, ovviamente, non ci sarà ensemble.
Per creare un ensemble artisticamente completo, è necessario che ogni cantante non solo canti accuratamente la sua parte, ma anche, ascoltando i suoi vicini di festa, si fonda con loro. Inoltre, deve ascoltare la voce principale e con essa misurare la forza della sua voce.

Il collettivo risale alla sua storia il 2 marzo 1911, quando sul piccolo palco dell'Assemblea Nobile ebbe luogo il primo concerto del coro contadino guidato da Mitrofan Efimovich Pyatnitsky. Il programma del primo concerto includeva 27 canzoni dalle regioni russe di Voronezh, Ryazan e Smolensk. Sergei Rachmaninoff, Fyodor Chaliapin, Ivan Bunin sono rimasti scioccati dall'arte canora incontaminata e ispirata dei contadini e hanno dato la massima valutazione ai cantanti e ai musicisti contadini. Questa valutazione ha contribuito notevolmente alla formazione del team come unità creativa. Palcoscenico russo quegli anni. Fino al 1917 la squadra era "amatoriale". Dopo Rivoluzione d'ottobre Le attività del coro erano sostenute dal governo sovietico. Tutti i membri si trasferiscono in posto fisso residenza a Mosca. E dall'inizio degli anni '20, il coro ha condotto una vasta attività concertistica non solo a Mosca, ma in tutto il paese.

Dall'inizio degli anni '30, la squadra si è diretta come direttore musicale Artista popolare dell'URSS, vincitore dei premi di stato V. G. Zakharov, le cui canzoni dell'autore "And Who Knows Him", "Along the Village", "Russian Beauty", hanno glorificato il Pyatnitsky Choir in tutto il paese.

Alla fine degli anni '30, nel coro furono creati gruppi orchestrali e di danza, guidati dall'artista popolare della Federazione Russa V. V. Khvatov e dall'artista popolare dell'URSS, vincitore dei premi statali, professore TA Ustinova. Ciò ha permesso di espandere notevolmente i mezzi espressivi del palcoscenico, e tale base strutturale è stata conservata fino ai giorni nostri, e molti collettivi statali sono stati creati in questa immagine.

Durante la seconda guerra mondiale, il coro intitolato a M.E. Pyatnitsky ha condotto una vasta attività concertistica come parte delle brigate di concerti in prima linea. E la canzone "Oh, fogs" di V.G. Zakharova divenne l'inno movimento partigiano. Il 9 maggio 1945 il coro fu uno dei gruppi principali dei festeggiamenti grande vittoria A mosca. Inoltre, è stata una delle prime squadre a cui è stato affidato il compito di rappresentare il Paese all'estero. Tutti i decenni successivi, il coro intitolato a M.E. Pyatnitsky ha condotto un'enorme attività di tournée e concerti. Ha introdotto la sua arte in ogni angolo del paese, ha visitato più di 40 paesi del mondo. Il team ha creato capolavori dell'arte popolare mondiale.

Una pagina significativa nella storia del gruppo è il lavoro dell'artista popolare dell'URSS, vincitore del compositore del Premio di Stato V.S. Levashov. Le canzoni di V.S. Levashov "Prendi un soprabito - andiamo a casa", "I miei sobborghi nativi" - e oggi sono un ornamento del palcoscenico della canzone moderna.

A proposito del coro intitolato a M.E. Pyatnitsky ha creato artistico e documentari, come "Singing Russia", "Russian fantasy", "All life in dance", "You, my Russia", Sul coro intitolato a M.E. Pyatnitsky, i libri "State Russian Folk Choir intitolato a M.E. danze popolari» ; un numero enorme di raccolte musicali "Dal repertorio del coro intitolato a M.E. Pyatnitsky", pubblicazioni di giornali e riviste, sono stati pubblicati molti dischi.

Coro moderno intitolato a M.E. Pyatnitsky è un organismo creativo complesso, costituito da gruppi corali, orchestrali, di balletto con un apparato artistico e amministrativo.

Fonte - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv

Da arafan al pavimento, kokoshnik e song art. Cori popolari russi con il titolo di "accademico" - come riconoscimento del più alto livello di performance sul palco. Maggiori informazioni sul percorso dei "populisti" su grande palcoscenico- Natalia Letnikova.

Coro cosacco di Kuban

200 anni di storia. Le canzoni dei cosacchi sono o una marcia a cavallo o una sortita a piedi sotto "Marusya, uno, due, tre ..." con un fischio valoroso. 1811 - l'anno della creazione del primo coro in Russia. Un monumento storico vivente che ha portato attraverso i secoli la storia del Kuban e le tradizioni canore dell'esercito cosacco. Alle origini c'erano l'illuminatore spirituale del Kuban, l'arciprete Kirill Rossinsky e il reggente Grigory Grechinsky. Dalla metà del XIX secolo, il collettivo non solo ha partecipato ai servizi divini, ma ha anche tenuto concerti secolari nello spirito di uno spericolato Liberi cosacchi e, secondo Yesenin, - "allegra malinconia".

Coro Mitrofan Pyatnitsky

Una squadra che da un secolo si definisce orgogliosamente "contadina". E anche se oggi sul palco si esibiscono artisti professionisti e non ordinari contadini rumorosi della Grande Russia di Ryazan, Voronezh e altre province, il coro presenta una canzone popolare di straordinaria armonia e bellezza. Ogni performance è ammirevole, come cento anni fa. Il primo concerto del coro contadino si è svolto nella sala dell'Assemblea Nobile. Il pubblico, inclusi Rachmaninov, Chaliapin, Bunin, è rimasto scioccato dopo lo spettacolo.

Coro popolare del Nord

Una semplice insegnante rurale Antonina Kolotilova viveva a Veliky Ustyug. Per il ricamo, ha raccolto amanti delle canzoni popolari. Una sera di febbraio hanno cucito la biancheria per un orfanotrofio: “La luce morbida e morbida che cade dalla lampada del lampo ha creato un comfort speciale. E fuori dalla finestra infuriava il maltempo di febbraio, il vento fischiava nel camino, faceva tremare le assi del tetto, lanciava fiocchi di neve dalla finestra. Da questa discrepanza tra il calore di una stanza accogliente e l'ululato di una bufera di neve, era un po 'triste nell'anima. E all'improvviso suonò una canzone, triste, persistente ... " Ecco come suona la melodia del nord: 90 anni. Già fuori dal palco.

Ryazan Folk Choir intitolato a Evgeny Popov

Le canzoni di Yesenin. Nella patria del cantante principale della terra russa, vengono cantate le sue poesie. Melodico, struggente, esilarante. Dove Betulla bianca- non quell'albero, non quella ragazza, congelata sull'alta sponda dell'Oka. E il pioppo è certamente "argento e luminoso". Il coro è stato creato sulla base dell'ensemble folcloristico rurale del villaggio di Bolshaya Zhuravinka, che si esibiva dal 1932. Il coro di Ryazan è stato fortunato. Il capo del gruppo, Yevgeny Popov, ha scritto lui stesso musica sulle poesie di un connazionale che aveva uno straordinario senso della bellezza. Cantano queste canzoni come se stessero parlando delle loro vite. Caldo e gentile.

Coro popolare siberiano

Coro, balletto, orchestra, studio per bambini. Coro siberiano poliedrico e in sintonia con il vento gelido. Il programma del concerto "Yamshchitsky skaz" si basa sul materiale musicale, canoro e coreografico della regione siberiana, come molti schizzi di scena del gruppo. La creatività dei siberiani è stata vista in 50 paesi del mondo, dalla Germania e dal Belgio alla Mongolia e alla Corea. Di cosa vivono, cantano. Prima in Siberia e poi in tutto il paese. Come è successo con la canzone di Nikolai Kudrin "Il pane è il capo di tutto", eseguita per la prima volta dal coro siberiano.

Coro popolare russo di Voronezh intitolato a Konstantin Massalitinov

Canzoni in prima linea in quei giorni difficili, quando, a quanto pare, non c'è tempo per la creatività. Il coro Voronezh è apparso nell'insediamento di lavoro di Anna al culmine del Grande Guerra patriottica- nel 1943. I primi ad ascoltare le canzoni della nuova band furono nelle unità militari. Primo grande concerto- con le lacrime agli occhi - è passato a Voronezh, liberato dai tedeschi. Nel repertorio - canzoni liriche e canzoncine, che sono conosciute e amate in Russia. Anche grazie alla solista più famosa del coro Voronezh - Maria Mordasova.

Coro popolare del Volga intitolato a Pyotr Miloslavov

"Un vento di steppa cammina sul palcoscenico del teatro Châtelet e ci porta l'aroma di canti e balli originali",- scrisse il quotidiano francese L'Umanite nel 1958. Samara-gorodok ha introdotto i francesi nel patrimonio musicale della regione del Volga. L'esecutore è il Volga Folk Choir, creato per decisione del governo della RSFSR nel 1952 da Pyotr Miloslavov. Vita senza fretta e sincera lungo le rive del grande Volga e sul palco. Ekaterina Shavrina ha iniziato la sua carriera nella squadra. Il Volga Choir ha eseguito per la prima volta la canzone "Snow-White Cherry".

Coro popolare di Omsk

Orso con balalaika. L'emblema della famosa squadra è ben noto sia in Russia che all'estero. “Amore e orgoglio per la terra siberiana”, come la critica ha soprannominato la squadra durante una delle loro trasferte all'estero. “L'Omsk Folk Choir non può essere definito solo un restauratore e custode di un'antica canzone popolare. Lui stesso è un'incarnazione vivente dell'arte popolare dei nostri giorni",- ha scritto il britannico The Daily Telegraph. Il repertorio si basa su canzoni siberiane registrate dalla fondatrice della band Elena Kalugina mezzo secolo fa e vivide immagini dal vero. Ad esempio, la suite "Winter Siberian Fun".

Coro popolare degli Urali

Spettacoli ai fronti e negli ospedali. Gli Urali non solo hanno dato al country metal, ma hanno anche sollevato il morale con danze vorticose e danze rotonde, il materiale folcloristico più ricco della terra degli Urali. Sotto la Sverdlovsk Philharmonic, i gruppi amatoriali dei villaggi circostanti di Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach, Laya erano uniti. "Il nostro genere è vivo"- dicono oggi in squadra. E salvare questa vita è considerato il compito principale. Come il famoso Ural "Semyora". Drobushki e Barabushki sono sul palco da 70 anni. Non un ballo, ma un ballo. Autentico e remoto.

Coro popolare di Orenburg

Una sciarpa di piumino come parte di un costume di scena. Soffici pizzi intrecciati con canzoni popolari e in una danza rotonda - come parte della vita dei cosacchi di Orenburg. Il team è stato creato nel 1958 per preservare la cultura e i rituali unici che esistono "ai margini della vasta Rus', lungo le rive degli Urali". Ogni performance è come una performance. Eseguono non solo canzoni che le persone hanno composto. Anche la danza ha una base letteraria. "Quando i cosacchi piangono" - una composizione coreografica basata sulla storia di Mikhail Sholokhov dalla vita degli abitanti del villaggio. Tuttavia, ogni canzone o danza ha la sua storia.

Coro popolare della Russia settentrionale - l'anima del Mar Bianco

Gli Arkhangelsk Pomors sono i discendenti degli antichi novgorodiani che si stabilirono in questa regione in tempi antichi. La loro arte è ancora conservata nella sua forma originale. Questo peculiare mondo artistico con le sue leggi e concetti di bellezza. Allo stesso tempo, nei canti e nei balli del Nord si manifestano chiaramente l'umorismo, l'entusiasmo e il temperamento interiore caratteristici dei Pomor. L'arte della canzone del nord è speciale, si distingue per la severità dello stile, la casta purezza e la moderazione, tutto questo si unisce a un coraggioso inizio epico e volitivo.
Il Coro del Nord è giustamente chiamato la perla della cultura russa. Per 85 anni della sua esistenza, non ha mai cambiato ruolo. Ogni performance è un mondo artistico speciale e una brillante performance dinamica: grandi produzioni di trama, composizioni vocali e coreografiche, dipinti feste popolari. Nella polifonia del canto del coro si sentono tutte le sfumature sonore della natura settentrionale: il dialetto pensieroso della taiga, la castità liscia dei fiumi, la profondità echeggiante dell'oceano e il tremolio trasparente delle notti bianche.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - fondatrice e direttrice artistica del Coro popolare accademico statale della Russia settentrionale (1926-1960), artista popolare della RSFSR, artista onorata della RSFSR, vincitrice del Premio di Stato dell'URSS

"Chi non ama la sua canzone nativa non ama la sua gente nativa!"(A.Ya Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) nacque nel 1890 nel villaggio di Zhilino, non lontano da città antica Grande Ustyug.
Nel 1909, Kolotilova si diplomò con lode al Veliky Ustyug Women's Gymnasium e andò a insegnare in una scuola rurale nel villaggio di Pelyaginets, distretto di Nikolsky, provincia di Vologda. Fu in questo villaggio che Antonina Kolotilova iniziò a mostrare il suo interesse professionale per il folklore. Osservava sempre con interesse le cerimonie del nord, ascoltava canti, imparava a lamentarsi, a magnificare se stessa, padroneggiava il modo di muoversi di ragazze e donne in danze rotonde, quadriglie e archi.
Kolotilova, nata e cresciuta nel nord della Russia, l'amava profondamente patria, in particolare - la distesa di prati alluvionali al momento della fioritura delle erbe.
Nel 1914 Antonina Yakovlevna si sposò e si trasferì a Nikolsk. Lì lavora come insegnante in scuola pubblica e continua a raccogliere e registrare canzoni, racconti, canzoncine locali. Il talento artistico innato ha aiutato la ragazza a padroneggiare facilmente la cultura e il modo di esibirsi.
Dopo 5 anni, i Kolotilov si trasferirono a Veliky Ustyug. È in questa antica città del nord della Russia che inizia la storia del Coro del Nord. Qui Antonina Yakovlevna organizza un ensemble femminile amatoriale, che si esibisce nei club, e poco dopo in una stazione radiofonica che ha aperto in città. Devo dire che i primi membri della squadra erano per lo più casalinghe. Venivano facilmente nel suo appartamento, organizzavano prove collettive, studiavano le canzoni che li interessavano. I concerti dei giovani coristi furono accolti con favore dagli ascoltatori e le esibizioni radiofoniche resero il gruppo molto popolare. A quel tempo, c'erano circa 15 persone nel coro amatoriale di Kolotilova.

"Antonina Yakovlevna ha meritato pienamente l'amore della gente e la gloria di se stessa, perché ha dato tutta la sua forza e i suoi pensieri, l'energia inesauribile e la passione della sua anima al canto popolare e al coro che ha creato ... Se questa donna meravigliosa non fosse stata al mondo, non ci sarebbe stato il nostro coro popolare della Russia settentrionale!"(Nina Konstantinovna Meshko)

Nascita del Coro del Nord

Nel 1922, a Mosca, in studio di registrazione, Antonina Yakovlevna incontrò Mitrofan Pyatnitsky. È stato questo incontro a diventare un punto di riferimento per Kolotilova. La conoscenza del lavoro del coro Pyatnitsky è servita da impulso per la creazione del proprio coro popolare di canzoni del nord. L'8 marzo 1926 un piccolo gruppo amatoriale si esibì per la prima volta alla Casa dei Lavoratori dell'Educazione. Questo giorno è diventato il compleanno del coro popolare della Russia settentrionale.
All'inizio il coro era etnografico, ma poi le condizioni della vita scenica hanno richiesto una ristrutturazione organizzativa e creativa: un gruppo di ballo, fisarmonicisti. Nel 1952, il coro organizzato gruppo orchestrale grazie agli sforzi del compositore V.A. Laptev.
Nella squadra allora c'erano solo 12 cantanti. Gli abiti di madri e nonne servivano da costumi: veri prendisole e camicette contadine. I primi armonisti furono i fratelli Tryapitsyn Boris e Dmitry, così come il fratello minore di Antonina Yakovlevna Valery Sherstkov. Le parti alle prove sono state insegnate dalla voce del direttore artistico. Antonina Yakovlevna non solo ha mostrato come cantare, ma anche come muoversi correttamente, inchinarsi e comportarsi sul palco.
Il coro appena creato è stato sempre accolto calorosamente nelle imprese della città, nelle istituzioni educative, nei villaggi circostanti. Lo status di gruppo amatoriale non ha impedito a Kolotilova di lavorare seriamente, trattando con cura la canzone del nord e riproducendo accuratamente il modo della sua esibizione! Non ha mai cambiato questi requisiti in futuro. Nei primi anni, il coro eseguiva principalmente vecchie canzoni popolari, che le cantanti - ex contadine, abitanti indigeni del Nord - conoscevano fin dall'infanzia, possedevano non solo abilità esecutive, ma anche uno stile di improvvisazione popolare. Non c'è da stupirsi che il Northern Choir sia stato a lungo considerato il più etnograficamente autentico, coerente nella sua linea creativa, preservando le tradizioni della canzone del nord, e i cantanti del coro si sono sempre distinti per la capacità di penetrare nelle profondità dell'immagine musicale e incarnarla in una bellezza unica.
Nel 1931 Kolotilova organizzò un coro ad Arkhangelsk su scala più ampia, sia in termini di numero di partecipanti che di volume del repertorio. I programmi dei concerti includono canzoni di Pinezhye, Pomerania settentrionale, balli e scene quotidiane. Il materiale musicale più ricco che Kolotilova raccoglie durante i suoi viaggi in varie regioni della regione di Arkhangelsk. Allo stesso tempo sono stati acquistati i costumi per i membri del coro.
Nel 1935, durante un viaggio per Pomorie, Antonina Yakovlevna incontrò Marfa Semyonovna Kryukova, una famosa narratrice. Kolotilova si assicurò che Kryukova partecipasse al primo All-Union Radio Festival (1936). In futuro, Marfa Kryukova ha viaggiato con il Northern Choir a Mosca, dove, insieme ad Antonina Yakovlevna, ha lavorato ai primi racconti.
Oltre all'epica, i programmi del coro includevano sempre canzoni-buffoni divertenti, danzanti, comici, guidati dall'arte dei musicisti-buffoni itineranti e canzoni liriche prolungate, che i cantanti eseguivano in modo toccante e sincero.
Durante la guerra, la squadra ha tenuto molti concerti. Viaggiavano in furgoni, vivevano alla giornata, mancavano il sonno e ogni tanto scappavano dai bombardamenti. Andarono alla Flotta del Nord, a Murmansk, nell'Artico, sul fronte careliano-finlandese, negli Urali. Nel 1944 partirono per sei mesi in Estremo Oriente.

Antonina Kolotilova: "Amo il mio nord nativo e gli canto canzoni!"

Fino al 1960, Antonina Yakovlevna è rimasta la direttrice artistica del gruppo. Tutti gli anni del lavoro di Kolotilova sono stati pieni di instancabile, duro lavoro e ardore creativo, un sincero desiderio di preservare e trasmettere ai contemporanei la profondità dell'originalità e della bellezza dell'arte popolare Territori del Nord, ricerca costante forme sceniche e mezzi performativi sempre nuovi. La vita di Kolotilova è stata una vera impresa creativa e le tradizioni da lei stabilite sono vive nella squadra.

Fonte: eminenti residenti di Vologda: schizzi biografici /
ed. consiglio "Vologda encyclopecia" - Vologda:
VSPU, casa editrice "Rus", 2005. - 568 p. -ISBN 5-87822-271-X

Nel 1960, l'artista popolare della RSFSR, vincitrice del Premio di Stato Antonina Yakovlevna Kolotilova, cedette la guida del gruppo a una diplomata del Conservatorio statale Tchaikovsky di Mosca, un'insegnante esperta e maestra di coro Nina Konstantinovna Meshko. nuovo periodo nella vita della squadra è segnata dalla crescita della professionalità e della cultura scenica.

Nina Konstantinovna Meshko - Artista popolare dell'URSS, vincitrice del Premio di Stato della RSFSR intitolato a Glinka, direttore artistico del coro popolare del nord dal 1960 al 2008, accademico dell'IAU, professore del dipartimento dell'Accademia delle scienze russa. Gnesins

"Le persone si basano sulla loro cultura tradizionale e indigena!"(Nina Meshko)

Nina Meshko è nata nel 1917 nel villaggio di Malakhovo, distretto di Rzhevsky, regione di Tver, in una famiglia di insegnanti, dove amavano molto le canzoni. La mamma, Alexandra Vasilievna, aveva una voce meravigliosa e suo padre, Konstantin Ivanovich, non solo guidava il coro della scuola, ma amava anche cantare nella chiesa locale.

Dalle memorie di N.K. Meshko: “Non ricordo quanti anni avevo, forse nemmeno meno di un anno... Ero avvolto in una sciarpa lanuginosa e qualcuno mi teneva tra le braccia. In cucina, la gente era seduta attorno a un grande tavolo di legno e tutti cantavano. E allo stesso tempo ho provato una beatitudine del tutto inspiegabile ... "

La piccola Nina ha imparato autonomamente a suonare il pianoforte, ha studiato teoria musicale elementare, solfeggio. Ed è stata così catturata dal mondo della musica che ha deciso: solo musica e nient'altro! E quindi, senza alcun dubbio, Nina Meshko entra nella scuola di musica intitolata alla Rivoluzione d'Ottobre, e dopo essersi diplomata al Conservatorio di Mosca al direttore d'orchestra e alla facoltà di coro. Fu lì che Nina Konstantinovna ascoltò per la prima volta il Coro del Nord. Ha fatto un'impressione molto forte su di lei.
E poi a Nina Meshko è stato offerto di creare un coro folk della regione di Mosca. Fu dopo questo lavoro che Nina Konstantinovna decise finalmente: solo canto popolare e nient'altro.

Dalle memorie di N.K. Meshko: “Una sorta di ossessione è letteralmente esplosa in me per far rivivere la cultura popolare del canto. Perché era la migliore! Questa è una tale abilità! Ciò è evidenziato dai registri, soprattutto quelli settentrionali.

Dopo il coro di Mosca, Nina Meshko ha lavorato con il Russian Folk Song Choir della All-Union Radio, e poi è seguito un invito a dirigere il Northern Choir. Il Nord l'ha conquistata e l'ha fatta innamorare di se stessa.

Dalle memorie di N.K. Meshko: "Eseguire una canzone come al Nord può essere fatto da persone che hanno una notevole familiarità con la cultura del canto, con voci belle, flessibili e libere".

Per quasi 50 anni, Nina Konstantinovna Meshko ha guidato l'Academic Northern Russian Folk Choir, conosciuto non solo in Russia, ma anche ben oltre i suoi confini. Ha preso in consegna questo testimone dalla sua insegnante Antonina Kolotilova. Sotto Nina Meshko, il coro è diventato un vincitore di vari gare internazionali. Meshko è stato il fondatore della Gnessin School of Folk Singing. "School Meshko" ha allevato una galassia di insegnanti, maestri di coro e interpreti di canzoni popolari. Tra loro ci sono Tatyana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov e molti altri. Lyudmila Zykina la considerava la sua insegnante. Meshko ha sviluppato la sua tecnica corale, che ora è utilizzata dai suoi numerosi studenti.

Dalle memorie di N.K. Meshko: “L'arte della canzone è una cronaca della vita dell'intero popolo russo. È unico, straordinariamente ricco, poiché la lingua russa è insuperabilmente ricca. E poi è vivo, in continuo sviluppo, rinnovamento, rinato dalle ceneri ... Le persone si basano sulla loro cultura tradizionale e indigena.

Confessione

Perdonami, perdonami Signore
Per quello che non ho potuto fare
E nel trambusto della giornata
Non ho avuto il tempo di saldare i miei debiti.
Non ho avuto modo di dare
Qualcuno guarda, qualcuno accarezza,
Uno non ha alleviato il dolore,
Non ho raccontato la storia ad altri.
Di fronte ai parenti in un'ora triste
Non si è pentito
E il mendicante nella borsa più di una volta
Non ha fatto l'elemosina.
Amici affettuosi, spesso loro
Mi offendo involontariamente
E vedendo i dolori degli altri,
Scappo dalla sofferenza.
Mi precipito avidamente verso il cielo,
Ma il peso delle preoccupazioni attira sulla terra.
Voglio dare un pezzo di pane -
E dimentico sul tavolo.
So tutto quello che dovrei
Ma non ha adempiuto il patto ...
Mi perdonerai Signore
Per tutto, per tutto, per tutto per questo?

N.Meshko

Irina Lyskova,
Addetto stampa del Coro del Nord

L'originalità del repertorio e l'attenzione alla ricchezza canora della regione

Il gruppo principale del collettivo - il coro femminile affascina l'ascoltatore con il suo timbro unico, la bellezza dei canti originali, la purezza del suono delle voci femminili a cappella. Il coro mantiene la continuità della tradizione canora. Il coro del nord, che si distingue per un'alta cultura del canto e un'originalità unica, conserva stabilmente le tradizioni e la priorità dell'alta spiritualità nell'esecuzione.
I costumi del Coro del Nord meritano un'attenzione particolare. Creati da costumisti professionisti, basati sui migliori campioni delle collezioni museali di Arkhangelsk, Mosca, San Pietroburgo, sono un'immagine collettiva del costume nazionale russo dei settentrionali. Durante il concerto, gli artisti cambiano più volte i costumi, presentandosi davanti al pubblico in costumi festivi, quotidiani o stilizzati creati appositamente per i numeri dei concerti.
Il gruppo è composto da tre gruppi: corale, danza e orchestra di strumenti popolari russi. Nel 1952, un gruppo orchestrale fu organizzato come parte del coro grazie agli sforzi del compositore V.A. Laptev. Nel suono degli strumenti popolari russi dell'orchestra c'è un'incredibile sincerità e calore. L'originalità del repertorio e l'attenzione alla ricchezza dei canti della regione, la modernità e un alto livello di esecuzione portano il coro a un meritato successo!
L'attenzione dello spettatore è costantemente inchiodata al palcoscenico: allegri buffoni si alternano a canti lirici persistenti, ferventi quadriglie sostituiscono i tranquilli balli rotondi, il canto a cappella si alterna a brani musicali.
Il Northern Choir presta particolare attenzione all'educazione del suo ascoltatore, del suo spettatore, quindi molti dei suoi programmi sono dedicati a bambini, adolescenti e studenti. Il coro continua attivamente la sua attività concertistica in Russia e all'estero.
Nel 1957, la squadra divenne una vincitrice del festival della gioventù e degli studenti a Mosca. Questo evento ha aperto la strada al coro all'estero. È iniziato nuovo stadio nelle attività del collettivo, per ottenere il riconoscimento all'estero, il coro deve essere speciale.
Dal 1959 il coro ha viaggiato in Polonia, Bulgaria, Francia, Germania, Italia, Cina, India, Afghanistan, Giappone, Tunisia e Stati Uniti. La squadra è andata più volte in Finlandia con concerti, ha visitato Svezia e Norvegia. Ha preparato il programma "Arctic Rhapsody" insieme all'ensemble di danza folcloristica "Rimpparemmi" in Finlandia (Rovaniemi). Ha lavorato nel 2004 e nel 2007 a Damasco (Siria), dove si sono svolte le Giornate della Russia nel centro russo-siriano. Nel 2005, il team è invitato dall'associazione museale della città di Varde (Norvegia) per celebrare l'anniversario della città. Nell'autunno del 2005 la squadra partecipa al festival della cultura e della cinematografia russa a Nizza. “Gli angoli più intimi dell'anima francese sono stati toccati dagli artisti: i settentrionali della Russia, avendo ricevuto una forte risposta emotiva, il pubblico non ha lasciato andare gli artisti per molto tempo, applaudendo con le lacrime agli occhi. Questo è il trionfo dell'arte popolare nazionale russa!” - è così che i media francesi hanno valutato le esibizioni del coro. Nel 2007, il Coro del Nord è stato ufficialmente invitato dal Ministero della Cultura della Siria, dall'Ufficio di Rappresentanza del Roszarubezhcenter nella Repubblica Araba di Siria e dalla Federazione Russa centro culturale a Damasco per il festival folcloristico nella città di Bosra.
Il Coro del Nord partecipa regolarmente a grandi eventi in Russia, quindi nella primavera del 2004, il gruppo ha preso parte al Festival di Pasqua a Mosca, nel 2005, insieme all'artista onorato della Russia, uno studente di N.K. Meshko T. Petrova e la National Academic Orchestra of Folk Instruments of Russia intitolata a N.P. Osipova ha preso parte alla celebrazione del 250° anniversario dell'Università Statale di Mosca.
Il Northern Choir combina con successo la musica dell'autore di compositori moderni con melos folk tradizionali, ottenendo verità sceniche e sapore nordico nell'esecuzione degli artisti. Il repertorio del coro comprende brani basati su poesie di: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, i poeti di Arkhangelsk Dmitry Ushakov e Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.

Premi e titoli del coro del nord

Per i suoi 85 anni di vita creativa, il team ha ricevuto titoli e premi elevati.

1940
Alla squadra è stato assegnato lo status di squadra statale professionale.

1944
1 premio per Recensione tutta russa cori (Mosca)

1957
Laureato e Grande Medaglia d'oro VI festa mondiale giovani e studenti (Mosca).
Laureato e Diploma di 1 ° grado (secondario) nel secondo All-Union Festival teatri musicali, ensemble, cori (Mosca).

1967
Diploma della rivista All-Union dei gruppi artistici professionali.

1971
Vincitore del VI Festival Internazionale del Folklore di Tunisi.

1975
Laureato e Diploma di 1 ° grado nella Rassegna tutta russa di cori popolari russi professionali.

1976
Per ordine del Ministro della Cultura, gli è stato conferito il titolo di "Accademico".

1977
Vincitore e medaglia d'oro del Festival dell'amicizia sovietico-tedesca di Magdeburgo.
Vincitore del concorso di gruppi artistici della Russia.

1999
Vincitore del IV festival "Folklore Spring" e del 1 ° Festival tutto russo della cultura nazionale.

anno 2001
Vincitore del Festival Internazionale del Folklore di Saint-Ghislain (Belgio).

2002
Vincitore del Festival Internazionale del Folklore di Rovaniemi (Finlandia).
Vincitore del Festival tutto russo di Mosca culture nazionali.

2003
Vincitore del Festival russo delle culture nazionali (San Pietroburgo).
Vincitore del congresso e del festival delle culture nazionali dei popoli della Russia (Nizhny Novgorod).

2007
Vincitore del festival di arte popolare nella città di Bosra (Repubblica araba siriana).

2010
Vincitore del I Festival tutto russo di arte del canto popolare "Origini eterne" (Mosca).

2011
8 marzo programma del concerto"Northern Choir for All Seasons" ha segnato l'85° anniversario del Northern Choir.
Al coro settentrionale è stato conferito lo status di "Oggetto particolarmente prezioso del patrimonio culturale della regione di Arkhangelsk".
Vincitore del Festival Internazionale di Natale in Italia. Nell'ambito della competizione, la squadra ha ricevuto due diplomi d'oro nelle nomination "Stage Folklore" e "Spiritual Singing".

anno 2012
Vincitore del festival dei cori professionali "Slavic round dance" (Ryazan).
Organizzatore del II Festival della memoria tutto russo Artista del popolo URSS, direttrice artistica del gruppo Nina Konstantinovna Meshko.

Dirigenti del Coro del Nord

Direttore di coro: Natalia GeorgievnaAsadchik.

Direttore artistico: Artista onorato della Russia, professore della Gnessin Academy of Music Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Direttore principale: Artista onorato della Russia Alexander Mikhailovich Kachaev.

Capo coreografo: Artista onorato della Russia Selivanov Alexander Petrovich.