Il romanticismo musicale è una caratteristica comune. Arte musicale dell'era del romanticismo-presentazione al Moscow Art Theatre

La musica ha preso un posto speciale nell'estetica del romanticismo. È stato dichiarato modello e norma per tutti i settori dell'arte, poiché, per la sua specificità, è in grado di esprimere nel modo più completo i movimenti dell'anima.“La musica inizia quando le parole finiscono” (G. Heine).

Il romanticismo musicale come direzione si è sviluppato all'inizioXIXsecolo e sviluppato in stretta connessione con varie tendenze della letteratura, della pittura e del teatro. Primo stadio il romanticismo musicale è rappresentato dalle opere di F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; la fase successiva (1830-50) - il lavoro di F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. L'ultima fase del romanticismo si estende fino alla fineXIXsecolo. Quindi, se nella letteratura e nella pittura la direzione romantica completa sostanzialmente il suo sviluppo a metàXIXsecoli, la vita del romanticismo musicale in Europa è molto più lunga.

IN romanticismo musicale, proprio come in altre forme di arte e letteratura, l'opposizione del mondo degli ideali belli e irraggiungibili e della vita quotidiana permeata dallo spirito del filisteismo e del filisteismo ha dato origine, da un lato, a conflitti drammatici, il predominio di motivi tragici di solitudine, disperazione, vagabondaggio, ecc., Con l'altro: l'idealizzazione e la poeticizzazione del lontano passato, la vita popolare, la natura. In comune con lo stato d'animo di una persona, la natura nelle opere dei romantici è solitamente colorata da un senso di disarmonia.

Come altri romantici, i musicisti erano convinti che i sentimenti fossero uno strato più profondo dell'anima rispetto alla mente:"la mente si sbaglia, i sentimenti - mai" (R. Schumann).

L'interesse speciale per la personalità umana insito nella musica romantica è stato espresso nella predominanza ditono personale . La divulgazione del dramma personale ha spesso acquisito una connotazione tra i romantici.autobiografia, che ha portato una sincerità speciale alla musica. Quindi, ad esempio, molti opere per pianoforte Schumann sono legati alla storia del suo amore per Clara Wieck. Berlioz ha scritto la sinfonia autobiografica "Fantastica". La natura autobiografica delle sue opere è stata fortemente sottolineata da Wagner.

Molto spesso intrecciato con il tema della "confessione lirica"tema della natura .

La vera scoperta dei compositori romantici futema di fantasia. La musica per la prima volta ha imparato a incarnare immagini favolose e fantastiche con mezzi puramente musicali. Nelle opereXVII - XVIIIsecoli personaggi "ultraterreni" (come la Regina della Notte dal " flauto magico”) parlava nel linguaggio musicale “generalmente accettato”, distinguendosi poco dallo sfondo delle persone reali. I compositori romantici hanno imparato a trasmettere il mondo fantastico come qualcosa di completamente specifico (con l'aiuto di insoliti colori orchestrali e armonici). Un esempio lampante è la "scena di Wolf Gulch" in Weber's Magic Shooter.

Se XVIIIsecolo fu l'era dei virtuosi improvvisatori di tipo universale, ugualmente abili nel cantare, comporre, suonare vari strumenti, poiXIXil secolo fu un periodo di entusiasmo senza precedenti per l'arte dei pianisti virtuosi (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

L'era del romanticismo ha cambiato completamente la "geografia musicale del mondo". Sotto l'influenza del risveglio attivo dell'autocoscienza nazionale dei popoli d'Europa, le giovani scuole di compositori in Russia, Polonia, Ungheria, Repubblica Ceca e Norvegia sono avanzate nell'arena musicale internazionale. I compositori di questi paesi, incarnando le immagini della letteratura nazionale, della storia, natura nativa, basato su intonazioni e ritmi del folklore nativo.

Altamente caratteristico del romanticismo musicale è l'interesse perarte popolare . Come i poeti romantici che, a scapito del folklore, arricchirono e aggiornarono lingua letteraria, musicisti ampiamente rivolti al folklore nazionale: canzoni popolari, ballate, poemi epici (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, ecc.). Incarnando le immagini della letteratura nazionale, della storia, della natura nativa, si sono affidati alle intonazioni e ai ritmi del folklore nazionale, facendo rivivere le vecchie modalità diatoniche.Sotto l'influenza del folklore, il contenuto della musica europea è cambiato radicalmente.

Nuovi temi e immagini hanno richiesto lo sviluppo di romanticinuovi mezzi del linguaggio musicale e i principi di modellatura, individualizzazione della melodia e introduzione di intonazioni del parlato, espansione del timbro e tavolozza armonica della musica (tasti naturali, colorate giustapposizioni di maggiore e minore, ecc.).

Dal momento che il focus dei romantici non è più l'umanità nel suo insieme, ma una persona specifica con il suo sentimento unico, rispettivamentee nei mezzi di espressione, il generale sta sempre più cedendo il passo all'individuo, individualmente unico. La proporzione di intonazioni generalizzate nella melodia, progressioni di accordi comunemente usate in armonia e modelli tipici nella trama stanno diminuendo: tutti questi mezzi vengono individualizzati. Nell'orchestrazione, il principio dei gruppi d'insieme ha lasciato il posto all'assolo di quasi tutte le voci orchestrali.

Il punto più importanteestetica il romanticismo musicale eral'idea di sintesi artistica , che ha trovato la sua espressione più vivida nell'opera operistica di Wagner e inmusica del programma Berlioz, Schumann, Liszt.

I generi musicali nelle opere dei compositori romantici

Nella musica romantica emergono chiaramente tre gruppi di genere:

• generi che occupavano un posto subordinato nell'arte del classicismo (principalmente canto e miniatura per pianoforte);
• generi percepiti dai romantici dell'epoca precedente (opera, oratorio, ciclo sonata-sinfonico, ouverture);
• generi liberi e poetici (ballate, fantasie, rapsodie, poemi sinfonici). L'interesse per loro è spiegato dal desiderio dei compositori romantici per la libera espressione di sé, la graduale trasformazione delle immagini.

Primo piano dentro cultura musicale fautori del romanticismocanzone come genere più adatto per esprimere i pensieri più intimi di un artista (mentre nel lavoro professionale dei compositoriXVIIIsecolo, alla canzone lirica fu assegnato un ruolo modesto: serviva principalmente per riempire il tempo libero). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg e altri hanno lavorato nel campo del canto.

Il tipico compositore romantico crea in modo molto diretto, spontaneo, per volere del suo cuore. La comprensione romantica del mondo non è una comprensione filosofica coerente della realtà, ma una fissazione istantanea di tutto ciò che ha toccato l'anima dell'artista. A questo proposito, nell'era del romanticismo, il genere fiorìminiature (indipendente o combinato con altre miniature in un ciclo). Questa non è solo una canzone e una storia d'amore, ma anche composizioni strumentali -momenti musicali, improvvisati, preludi, studi, notturni, valzer, mazurche (in relazione alla dipendenza dall'arte popolare).

Molti generi romantici devono la loro origine alla poesia, alle sue forme poetiche. Tali sono i sonetti, le canzoni senza parole, i racconti, le ballate.

Una delle idee portanti dell'estetica romantica - l'idea di una sintesi delle arti - poneva naturalmente al centro dell'attenzione il problema dell'opera. Quasi tutti i compositori romantici si sono rivolti al genere operistico con rare eccezioni (Brahms).

Il tono di espressione personale e confidenziale insito nel romanticismo trasforma completamente i generi classici della sinfonia, della sonata e del quartetto. Loro ricevonointerpretazione psicologica e lirico-drammatica. Il contenuto di molte opere romantiche è associato aprogrammazione (cicli pianistici Schumann, Gli anni di peregrinazioni di Liszt, le sinfonie di Berlioz, l'ouverture di Mendelssohn).

francese romanticismo

Un movimento artistico emerso tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. prima nella letteratura (Germania, Gran Bretagna, altri paesi d'Europa e America), poi nella musica e in altre arti. Il concetto di "romanticismo" deriva dall'epiteto "romantico"; prima del 18° secolo ha sottolineato alcune caratteristiche delle opere letterarie scritte in lingue romanze (cioè non nelle lingue dell'antichità classica). Questi erano romanzi (romanzo spagnolo), così come poesie e romanzi sui cavalieri. In con. 18esimo secolo "romantico" è inteso in modo più ampio: non solo come avventuroso, divertente, ma anche come folk antico, originale, distante, ingenuo, fantastico, spiritualmente sublime, spettrale, oltre che sorprendente, spaventoso. "I romantici hanno romanticizzato tutto ciò che gli piaceva del passato recente e lontano", ha scritto F. Blume. Percepiscono l'opera di Dante e W. Shakespeare, P. Calderon e M. Cervantes, J. S. Bach e J. W. Goethe come "loro", molto nell'antichità; sono anche attratti dalla poesia del Dr. Menestrelli orientali e medievali. Sulla base delle caratteristiche sopra notate, F. Schiller ha definito la sua "Maid of Orleans" una "tragedia romantica", e nelle immagini di Mignon e Harper vede il romanticismo degli "Anni degli insegnamenti di Wilhelm Meister" di Goethe.

Romanticismo come termine letterario appare per la prima volta in Novalis come termine musicale- E.T.A. Hoffmann. Tuttavia, nel suo contenuto non è molto diverso dall'epiteto corrispondente. Il romanticismo non è mai stato un programma o uno stile chiaramente definito; Questo cerchio largo tendenze ideologiche ed estetiche, in cui la situazione storica, il paese, gli interessi dell'artista creavano certi accenti, determinavano vari obiettivi e mezzi. Tuttavia, l'arte romantica di diverse formazioni ha anche importanti tratti comuni sia per quanto riguarda la posizione ideologica che lo stile.

Avendo ereditato molte delle sue caratteristiche progressiste dall'Illuminismo, il romanticismo è allo stesso tempo associato a una profonda delusione sia nell'illuminazione stessa che nei successi dell'intera nuova civiltà nel suo insieme. Per i primi romantici che non conoscevano ancora i risultati del Grande rivoluzione francese, deludente è stato il processo generale di razionalizzazione della vita, la sua subordinazione a una "ragione" mediamente sobria ea una praticità senz'anima. In futuro, soprattutto durante gli anni dell'Impero e della Restaurazione, il significato sociale della posizione dei romantici - la loro antiborghesia - si delineava sempre più chiaramente. Secondo F. Engels, "le istituzioni pubbliche e politiche stabilite dalla vittoria della ragione si sono rivelate una caricatura malvagia e amaramente deludente delle brillanti promesse degli illuministi" (Marx K. ed Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, p.387).

Nell'opera dei romantici, il rinnovamento della personalità, l'affermazione della sua forza spirituale e della sua bellezza, si combina con l'esposizione del regno dei filistei; umano a tutti gli effetti, creativo si oppone a mediocre, insignificante, impantanato nella vanità, vanità, meschino calcolo. Al tempo di Hoffmann e J. Byron, V. Hugo e George Sand, H. Heine e R. Schumann, la critica sociale del mondo borghese era diventata uno degli elementi principali del romanticismo. Alla ricerca di fonti di rinnovamento spirituale, i romantici spesso idealizzavano il passato, cercavano di ispirare nuova vita nei miti religiosi. Nacque così una contraddizione tra l'orientamento progressista generale del romanticismo e le tendenze conservatrici sorte nel suo stesso canale. Nel lavoro dei musicisti romantici, queste tendenze non hanno avuto un ruolo notevole; si manifestavano principalmente nei motivi letterari e poetici di alcune opere, tuttavia, nell'interpretazione musicale di tali motivi, il principio vivente, reale-umano, di solito prevaleva.

Il romanticismo musicale, che si manifestò tangibilmente nel secondo decennio dell'Ottocento, fu un fenomeno storicamente nuovo e, allo stesso tempo, rivelò profondi legami successivi con i classici musicali. Il lavoro di eccezionali compositori del tempo precedente (compresi non solo i classici viennesi, ma anche la musica del XVI e XVII secolo) servì da supporto per la coltivazione di un alto rango artistico. Fu questo tipo di arte che divenne il modello per i romantici; secondo Schumann, “solo questa fonte pura può nutrire le forze della nuova arte” (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 140). E questo è comprensibile: solo l'alto e il perfetto potrebbero opporsi con successo alle chiacchiere musicali del salotto secolare, allo spettacolare virtuosismo del palcoscenico e palcoscenico dell'opera, tradizionalismo indifferente dei musicisti artigiani.

I classici musicali dell'era post-Bach sono serviti come base per il romanticismo musicale in relazione al loro contenuto. A partire da C. F. E. Bach, l'elemento del sentimento si è manifestato sempre più liberamente in esso, la musica ha padroneggiato nuovi mezzi che hanno permesso di esprimere sia la forza che la sottigliezza della vita emotiva, il lirismo nella sua versione individuale. Queste aspirazioni hanno messo in relazione molti musicisti della seconda metà del XVIII secolo. con il movimento letterario Sturm und Drang. L'atteggiamento di Hoffmann nei confronti di K. V. Gluck, W. A. ​​​​Mozart e soprattutto di L. Beethoven, in quanto artisti di un magazzino romantico, era del tutto naturale. Tali valutazioni riflettevano non solo la predilezione per la percezione romantica, ma anche l'attenzione ai tratti del "preromanticismo" che erano effettivamente insiti nei maggiori compositori della seconda metà del XVIII e dell'inizio del XIX secolo.

Il romanticismo musicale è stato anche storicamente preparato dal movimento che lo ha preceduto per il romanticismo letterario in Germania tra i romantici "Jenian" e "Heidelberg" (W. G. Wackenroder, Novalis, fratelli F. e A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, e altri), dallo scrittore Jean Paul, che fu loro vicino, poi da Hoffmann, in Gran Bretagna, dai poeti dei cosiddetti. La "scuola del lago" (W. Wordsworth, S. T. Coleridge e altri) aveva già sviluppato pienamente i principi generali del romanticismo, che furono poi interpretati e sviluppati in musica a modo loro. In futuro, il romanticismo musicale è stato significativamente influenzato da scrittori come Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz e altri.

Le aree più importanti della creatività dei musicisti romantici includono testi, fantasia, folk e originali nazionali, naturali, caratteristici.

L'importanza fondamentale dei testi nel romantico. l'arte, specialmente nella musica, è stata fondamentalmente sostanziata da lui. R. teorici Per loro, "romantico" è principalmente "musicale" (il posto più onorevole è stato dato nella gerarchia dell'arte nella musica), perché il sentimento regna sovrano nella musica, e quindi il lavoro di un artista romantico trova il suo obiettivo più alto dentro. Pertanto, la musica è il testo. Nell'aspetto filosofico astratto, secondo la teoria della lett. R., permette a una persona di fondersi con "l'anima del mondo", con "l'universo"; nell'aspetto della vita concreta, la musica è per sua natura agli antipodi della prosa. realtà, è la voce del cuore, capace di raccontare con la massima completezza una persona, la sua ricchezza spirituale, la sua vita e le sue aspirazioni. Ecco perché nel campo dei testi delle muse. R. appartiene alla parola più brillante. Il lirismo, l'immediatezza e l'espressione, l'individualizzazione del lirismo raggiunta dai musicisti romantici erano nuovi. dichiarazioni, il trasferimento di psicologico. lo sviluppo di un sentimento ricco di nuovi preziosi dettagli in tutte le sue fasi.

Narrativa in contrasto con la prosa. la realtà è affine alla lirica e spesso, soprattutto nella musica, si intreccia con quest'ultima. Di per sé, la fantasia rivela diverse sfaccettature che sono ugualmente essenziali per R. Agisce come libertà dell'immaginazione, libero gioco di pensiero e sentimento, e allo stesso tempo. come libertà di conoscenza, precipitandosi audacemente nel mondo dello "strano", meraviglioso, sconosciuto, come sfidando la praticità filistea, il miserabile "buon senso". La fantasia è anche una specie di bellezza romantica. Allo stesso tempo, la fantascienza permette in forma indiretta (e, quindi, con la massima generalizzazione artistica) di scontrare il bello e il brutto, il buono e il cattivo. Negli arti. R. ha dato un grande contributo allo sviluppo di questo conflitto.

L'interesse dei romantici per la vita "fuori" è indissolubilmente legato al concetto generale di concetti come identità popolare e nazionale, naturale, caratteristica. Era il desiderio di ricreare l'autenticità, il primato, l'integrità perduti nella realtà circostante; da qui l'interesse per la storia, per il folklore, per il culto della natura, interpretata come primordiale, come l'incarnazione più completa e non distorta dell'"anima del mondo". Per un romantico, la natura è un rifugio dai guai della civiltà, consola e guarisce una persona irrequieta. I romantici hanno dato un enorme contributo alla conoscenza, all'arte. rinascita delle persone poesia e musica di epoche passate, così come paesi "lontani". Secondo T. Mann, R. è “una nostalgia per il passato e allo stesso tempo un riconoscimento realistico del diritto all'originalità per tutto ciò che è realmente esistito con il proprio colore e la propria atmosfera locale” (Coll. soch., v. . 10 , M., 1961, p. 322), iniziata nel Regno Unito nel XVIII secolo. raccolta nazionale il folklore è continuato nel 19 ° secolo. W.Scott; in Germania furono i romantici a raccogliere e rendere pubblici per primi i tesori dei letti a castello. creatività del loro paese (raccolta di L. Arnim e K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Children's and Family Tales" del fratello Grimm), che aveva Grande importanza e per la musica. Il desiderio di una trasmissione fedele del nazional-nat. arti. stile ("colore locale") - una caratteristica comune dei musicisti romantici di diversi paesi e scuole. Lo stesso si può dire della musica. paesaggio. Creato in quest'area dai compositori 18 - presto. XIX secolo di gran lunga superato dai romantici. Nella musica l'incarnazione della natura, R. ha raggiunto una concretezza figurativa precedentemente sconosciuta; questo è stato servito dagli espressi appena scoperti. mezzi musicali, principalmente armonici e orchestrali (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"Caratteristico" ha attratto i romantici in alcuni casi come originale, integrale, originale, in altri come strano, eccentrico, caricaturale. Notare la caratteristica, esporla significa sfondare il velo grigio livellante della percezione ordinaria e toccare la vita reale, stranamente colorata e ribollente. Nel perseguire questo obiettivo, un tipico per i romantici art-in lit. e musica. ritrattistica. Tale affermazione è stata spesso associata alla critica dell'artista e ha portato alla creazione di ritratti parodici e grotteschi. Da Jean Paul e Hoffmann, la tendenza a un caratteristico schizzo di ritratto viene trasmessa a Schumann e Wagner. In Russia, non senza l'influenza del romantico. tradizioni musicali. ritrattistica sviluppata tra i compositori nat. realistico. scuole - da A. S. Dargomyzhsky a M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov.

R. sviluppò elementi di dialettica nell'interpretazione e nella visualizzazione del mondo, e sotto questo aspetto fu vicino a lui contemporaneo. classico filosofia. Nella tuta viene migliorata la comprensione del rapporto tra l'individuo e il generale. Secondo F. Schlegel, romantico. la poesia è “universale”, essa “contiene tutto ciò che è poetico, dal più grande sistema delle arti, che ancora comprende interi sistemi, a un sospiro, a un bacio, come si esprimono nel canto ingenuo di un bambino” (“Fr. Schlegels Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Varietà illimitata con estensione nascosta. unità: questo è ciò che i romantici apprezzano, per esempio. nel Don Chisciotte di Cervantes; F. Schlegel chiama il tessuto eterogeneo di questo romanzo "la musica della vita" (ibid., p. 316). Questo è un romanzo con "orizzonti aperti" - osserva A. Schlegel; secondo la sua osservazione, Cervantes ricorre a "infinite variazioni", "come se fosse un musicista sofisticato" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tale arte. posizione genera particolare attenzione per quanto riguarda l'otd. impressioni, e le loro connessioni, alla creazione di un concetto comune. In musica direttamente. lo sfogo del sentimento diventa filosofico, il paesaggio, la danza, la scena di genere, il ritratto sono intrisi di lirismo e portano a generalizzazioni. R. mostra un interesse speciale per il processo della vita, in quello che N. Ya Berkovsky chiama il "flusso diretto della vita" ("Romanticismo in Germania", Leningrado, 1973, p. 31); questo vale anche per la musica. È tipico per i musicisti romantici lottare per infinite trasformazioni del pensiero originale, per uno sviluppo "infinito".

Poiché R. vedeva in tutte le affermazioni un unico significato e un unico capitolo. l'obiettivo è fondersi con la misteriosa essenza della vita, l'idea di sintesi delle arti ha acquisito un nuovo significato. “L'estetica di un'arte è l'estetica di un'altra; solo il materiale è diverso”, osserva Schumann (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 87). Ma la combinazione di "materiali diversi" aumenta la potenza impressionante dell'insieme artistico. Nella fusione profonda e organica della musica con la poesia, con il teatro, con la pittura, si aprono nuove possibilità per l'arte. Nel campo dell'istr. musica, il principio di programmabilità acquisisce un ruolo importante, ovvero l'inclusione sia nell'idea del compositore che nel processo di percezione della musica, lett. e altre associazioni.

R. è particolarmente ampiamente rappresentato nella musica di Germania e Austria. In una fase iniziale - il lavoro di F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; inoltre dalla scuola di Lipsia, principalmente da F. Mendelssohn-Bartholdy e R. Schumann; al 2° piano. 19esimo secolo - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. In Francia, R. è apparso già nelle opere di A. Boildieu e F. Aubert, poi in una forma molto più sviluppata e originale di Berlioz. Romantico in Italia le tendenze si riflettevano notevolmente in G. Rossini e G. Verdi. Comune europeo il valore ha ricevuto il lavoro del computer polacco. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italiano. - N. Paganini (il lavoro di Liszt e Paganini fu anche l'apice della performance romantica), tedesco. - J. Meyerbeer.

Alle condizioni nazionali Le scuole di R. conservavano molto in comune e allo stesso tempo mostravano una notevole originalità nelle idee, nelle trame, nei generi preferiti e anche nello stile.

Negli anni '30. sono stati trovati degli esseri. disaccordo tra lui. e francese scuole. Ci sono idee diverse sulla misura ammissibile dello stile. innovazione; controversa era anche la questione dell'ammissibilità dell'estetica. compromessi dell'artista per accontentare i gusti della "folla". L'antagonista dell'innovazione di Berlioz era Mendelssohn, che difendeva fermamente le norme di uno stile moderato "classico-romantico". Schumann, che difese ardentemente Berlioz e Liszt, tuttavia non accettò quelli che gli sembravano gli estremi dei francesi. scuole; preferì il ben più equilibrato Chopin all'autore della Fantastica Sinfonia, Mendelssohn e A. Henselt, estremamente altolocati, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett e altri vicini a questo compositore.Schumann critica Meyerbeer con straordinaria acutezza, vedendo in la sua spettacolare teatralità, solo demagogia e ricerca del successo. Heine e Berlioz, al contrario, apprezzano la dinamica "ugonotta" dell'autore. musica drammaturgia. Wagner sviluppa critico Le motivazioni di Schumann, tuttavia, nel suo lavoro si allontanano dalle norme di un romantico moderato. stile; aderendo (a differenza di Meyerbeer) a rigidi criteri estetici. selezione, segue il percorso di audaci riforme. Tutto r. 19esimo secolo come opposizione alla scuola di Lipsia, la cosiddetta. Nuova scuola tedesca o di Weimar; Liszt ne divenne il centro nei suoi anni di Weimar (1849-61), R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff e altri ne furono aderenti, i Weimariani erano sostenitori della musica a programma, della musica. drammi di tipo wagneriano e altri tipi di nuova musica radicalmente riformati. causa. Dal 1859 le idee della nuova scuola tedesca sono rappresentate dal "General German Ferein" e dalla rivista creata già nel 1834 da Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym dal 1844 è stato diretto da KF Brendel. Nel campo opposto, insieme al critico E. Hanslik, al violinista e compositore J. Joachim, e altri, c'era J. Brahms; quest'ultimo non si sforzò di polemiche e difese i suoi principi solo nella creatività (nel 1860 Brahms mise da solo la sua firma sotto un articolo polemico - un discorso collettivo contro certe idee dei "Weimariti", pubblicato sulla rivista berlinese "Echo" ). Ciò che i critici erano inclini a considerare conservatorismo nell'opera di Brahms, infatti, era un'arte viva e originale, dove il romantico. la tradizione è stata aggiornata, sperimentando una nuova potente influenza del classico. musica del passato. Le prospettive di questo percorso sono state mostrate dallo sviluppo dell'Europa. musica successiva. decenni (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev e altri). Nella stessa misura, le intuizioni dei "Weimariti" si sono rivelate promettenti. In futuro, le controversie tra le due scuole diventano storicamente obsolete.

Poiché nel mainstream di R. c'erano ricerche riuscite di nat. autenticità, sociale e psicologico. veridicità, gli ideali di questo movimento erano strettamente intrecciati con l'ideologia del realismo. Tali connessioni sono evidenti, ad esempio, nelle opere di Verdi e Bizet. Lo stesso complesso è tipico per un certo numero di nat. musica scuole nel XIX secolo In russo musica romantica. gli elementi sono già chiaramente rappresentati da M. I. Glinka e A. S. Dargomyzhsky, nella seconda metà. 19esimo secolo - dai compositori di The Mighty Handful e da P. I. Tchaikovsky, in seguito da S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Sotto la forte influenza di R. si svilupparono giovani muse. culture di Polonia, Repubblica Ceca, Ungheria, Norvegia, Danimarca, Finlandia (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius e altri), così come lo spagnolo. musica 2° piano. 19 - prego. 20 ° secolo (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Muse. R. ha contribuito attivamente allo sviluppo dei testi vocali da camera e dell'opera. In accordo con gli ideali di R. nella riforma del lavoro. musica cap. ruolo è giocato dall'approfondimento della sintesi dell'art-in. Wok. la melodia risponde sensibilmente all'espressività del poetico. parole, diventa più dettagliato e individuale. Attrezzo la festa perde il carattere di neutrale "accompagnamento" e si satura sempre più di contenuti figurativi. Nell'opera di Schubert, Schumann, Franz, Wolf, si può tracciare un percorso da una canzone sviluppata dalla trama alla “musica. poesia." Tra wok. generi, aumenta il ruolo della ballata, del monologo, della scena, della poesia; canzoni al pl. i casi sono combinati in cicli. Nel romantico opera, che si sviluppò nel dic. direzioni, la connessione tra musica, parole, teatro è in costante aumento. Azioni. Questo scopo è servito da: il sistema delle muse. caratteristiche e leitmotiv, lo sviluppo delle intonazioni del discorso, la fusione della logica della musica. e palcoscenico sviluppo, l'uso di ricche opportunità sinfoniche. orchestra (le partiture di Wagner appartengono alle più alte conquiste della sinfonia operistica).

Nell'instr. musica, i compositori romantici sono particolarmente inclini a FP. miniatura. Una breve commedia diventa una fissazione del momento, desiderabile per un artista romantico: uno schizzo superficiale di uno stato d'animo, un paesaggio, un'immagine caratteristica. Apprezza e si relaziona. semplicità, vicinanza alle fonti vitali della musica - al canto, alla danza, capacità di cogliere un sapore fresco e originale. Varietà popolari di romantico. brano breve: "canzone senza parole", notturno, preludio, valzer, mazurka, nonché brani con nomi di programma. Nell'instr. la miniatura raggiunge contenuti elevati, immagini in rilievo; dalla forma compatta, si distingue per un'espressione luminosa. Come nel wok. testi, qui c'è la tendenza a unire otd. suona in cicli (Chopin - Preludi, Schumann - "Scene per bambini", Liszt - "Anni di peregrinazioni", ecc.); in alcuni casi si tratta di cicli di una struttura "attraverso", dove tra i singoli sono relativamente indipendenti. le commedie sorgono diff. sorta di intonazione. comunicazioni (Schumann - "Farfalle", "Carnevale", "Kreisleriana"). Tali cicli "attraverso" danno già un'idea delle principali tendenze del romanticismo. interpretazione di un grande instr. forme. Da un lato, sottolinea il contrasto, la diversità dell'individuo. episodi invece si rafforza l'unità dell'insieme. Sotto il segno di queste tendenze si dà una nuova creatività. interpretazione del classico sonata e ciclo di sonate; le stesse aspirazioni determinano la logica delle forme "libere" a una voce, che di solito combinano le caratteristiche di una sonata allegra, un ciclo di sonate e una variazione. Le forme "libere" erano particolarmente convenienti per la musica del programma. Nel loro sviluppo, nella stabilizzazione del genere della “sinfonia. poesie" Il merito di Liszt è grande. Il principio costruttivo alla base delle poesie di Liszt - la libera trasformazione di un tema (monotematismo) - crea un'espressione. contrasti e allo stesso tempo assicura la massima unità dell'intera composizione (Preludi, Tasso, ecc.).

Nello stile della musica R. il ruolo più importante è svolto dai mezzi modali e armonici. La ricerca di nuove espressività è associata a due processi paralleli e spesso correlati: con il rafforzamento del funzionale e del dinamico. lati di armonie e con amplificazione dell'armonico. colorito. Il primo di questi processi era la crescente saturazione degli accordi con alterazioni e dissonanze, che aggravavano la loro instabilità, aumentavano la tensione che richiedeva risoluzione nelle armoniche future. movimento. Tali proprietà di armonia esprimevano al meglio il "languore" tipico di R., il flusso di sentimenti "infinitamente" in via di sviluppo, che si incarnava con particolare completezza nel "Tristano" di Wagner. Effetti colorati apparivano già nell'uso delle possibilità del sistema modale maggiore-minore (Schubert). Nuovi colori molto diversi. le sfumature sono state estratte dal cosiddetto. modi naturali, con l'aiuto del quale Nar è stato enfatizzato. o arcaico. la natura della musica; un ruolo importante - soprattutto nella fantascienza - è stato assegnato ai tasti con scale a toni interi e "tono-semitono". Proprietà colorate sono state trovate anche in un accordo cromaticamente complicato e dissonante, ed è stato a questo punto che i processi sopra menzionati si sono chiaramente toccati. Fresco effetti sonori sono stati raggiunti anche attraverso confronti di accordi o modi all'interno diatonico. scala.

Nel romantico melodico ha recitato il seguente cap. tendenze: nella struttura - il desiderio di ampiezza e continuità di sviluppo, e in parte di "apertura" della forma; nel ritmo - superando le tradizioni. metrica di regolarità. accenti e qualsiasi automatico ripetizione; in intonazione. composizione - dettagli, riempiendo di espressività non solo i motivi iniziali, ma anche l'intera melodia. disegno. L'ideale di Wagner della "melodia infinita" includeva tutte queste tendenze. A loro è collegata anche l'arte dei più grandi melodisti del XIX secolo. Chopin e Čajkovskij. Muse. R. ha notevolmente arricchito, individualizzato i mezzi di presentazione (trama), rendendoli uno degli elementi più importanti delle muse. immagini. Lo stesso vale per l'uso di instr. composizioni, soprattutto sinfoniche. orchestra. R. colore sviluppato. i mezzi dell'orchestra e la drammaturgia dell'orco. sviluppo a un'altezza che la musica delle epoche precedenti non conosceva.

Musica tarda. R. (fine XIX - inizio XX secolo) diede ancora "ricche piantine", e tra i suoi maggiori successori il romantico. la tradizione esprimeva ancora le idee del progressivo, umanistico. affermazioni (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

La nuova creatività è associata al rafforzamento e alla trasformazione qualitativa delle tendenze di R.. successi nella musica. Vengono coltivate nuove immagini dettagliate, sia nella sfera delle impressioni esterne (colori impressionistici) sia nella trasmissione squisitamente sottile dei sentimenti (Debussy, Ravel, Scriabin). Le possibilità della musica si stanno espandendo. figuratività (R. Strauss). La raffinatezza, da un lato, e la maggiore espressività, dall'altro, creano una scala più ampia di espressività emotiva della musica (Scriabin, Mahler). Allo stesso tempo, nel tardo R., che era strettamente intrecciato con le nuove tendenze a cavallo tra il XIX e il XX secolo. (impressionismo, espressionismo), i sintomi della crisi stavano crescendo. All'inizio. 20 ° secolo L'evoluzione di R. rivela un'ipertrofia del principio soggettivo, una graduale degenerazione della raffinatezza in amorfa e immobilità. Una reazione polemicamente acuta a queste caratteristiche di crisi è stata la musa ispiratrice. antiromanticismo degli anni 10-20 (I. F. Stravinsky, giovane S. S. Prokofiev, compositori dei "Sei" francesi, ecc.); il tardo R. si opponeva al desiderio di obiettività nei contenuti, di chiarezza nella forma; sorsero nuova ondata"classicismo", il culto degli antichi maestri, cap. arr. epoca pre-Beethoveniana. Metà del XX secolo ha mostrato, tuttavia, la fattibilità delle tradizioni più preziose di R. Nonostante le tendenze distruttive intensificate nella musica occidentale, R. ha mantenuto le sue basi spirituali e, arricchite con nuove stilistiche. elementi, è stato sviluppato da molti. eccezionali compositori del XX secolo. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok e altri).

Letteratura: Asmus V., Estetica musicale del romanticismo filosofico, "SM", 1934, n. 1; Nef K., Storia della musica dell'Europa occidentale, tradotto dal francese. A cura di B. V. Asafiev, Mosca, 1938. Sollertinsky I., Il romanticismo, la sua estetica generale e musicale, nel suo libro: Studi storici, L., 1956, vol.1, 1963; Zhitomirsky D., Note sul romanticismo musicale (Chopin e Schumann), "SM", 1960, n. 2; il suo, Schumann e il Romanticismo, nel suo libro: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Canzone romantica del XIX secolo, M., 1966; Konen, V., Storia della musica straniera, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Problemi dell'armonia classica, M., 1972 (cap. 9 - Sullo sviluppo storico dell'armonia classica nell'Ottocento e all'inizio del Novecento); Skrebkov S., Principi artistici stili musicali, M., 1973; Estetica musicale della Francia nel XIX secolo. comp. testi, introduzione. articolo e intro. saggi di E. F. Bronfin, M., 1974 (Monumenti del pensiero musicale ed estetico); Musica dell'Austria e della Germania del XIX secolo, libro. 1, M., 1975; Druskin M., Storia della musica straniera, vol. 4, M., 1976.

DV Zhitomirsky

Ideologico direzione artistica, che si è sviluppato in tutti i paesi dell'Europa e del Nord. L'America in truffa. 18 - 1° piano. XIX secolo R. ha espresso l'insoddisfazione della società borghese. cambia, opponendosi al classicismo e all'illuminismo. F. Engels ha osservato che "... le istituzioni sociali e politiche stabilite dalla 'vittoria della ragione' si sono rivelate una caricatura malvagia e amaramente deludente delle brillanti promesse degli illuministi". La critica al nuovo modo di vivere, delineato nella corrente principale dell'illuminismo tra i sentimentalisti, era ancora più evidente tra i romantici. Il mondo sembrava loro deliberatamente irragionevole, pieno di persone misteriose, incomprensibili e ostili. personalità. Per i romantici, le alte aspirazioni erano incompatibili con il mondo esterno e la discordia con la realtà si è rivelata quasi la principale. caratteristica R. Lowlands e volgarità del mondo reale R. opposto religione, natura, storia, fantastico. ed esotico. sfere, avv. creatività, ma soprattutto - la vita interiore dell'uomo. Rappresentazioni sulla sua R. estremamente arricchite. Se l'antichità era l'ideale del classicismo, allora R. era guidato dall'arte del Medioevo e dei tempi moderni, considerando A. Dante, W. Shakespeare e J. W. Goethe come suoi predecessori. R. affermava l'arte, non prevista da modelli, ma creata dal libero arbitrio dell'artista, incarnando il suo mondo interiore. Non accettando la realtà circostante, R. in realtà la conosceva più profondamente e pienamente del classicismo. l'arte più alta perché R. era la musica, come incarnazione dell'elemento libero della vita. Ha ottenuto un grande successo in quel periodo. R. fu anche un periodo di sviluppo insolitamente rapido e significativo del balletto. I primi passi di un romantico i balletti sono stati realizzati in Inghilterra, Italia, Russia (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky e altri). Tuttavia, R. ha preso forma in modo più completo e coerente in francese. teatro di balletto, la cui influenza si rifletteva in altri paesi. Uno dei prerequisiti per questo era l'elevato sviluppo della tecnologia classica in Francia in quel momento. danza, soprattutto femminile. Più chiaramente romantico. le tendenze si manifestarono nei balletti di F. Taglioni ("La Sylphide", 1832, ecc.), dove l'azione si svolgeva solitamente in parallelo nel mondo reale e in quello fantastico. La fantasia ha liberato la danza dalla necessità di giustificazioni quotidiane private, ha aperto la possibilità di utilizzare la tecnica accumulata e il suo ulteriore sviluppo al fine di rivelare le proprietà essenziali dei personaggi raffigurati nella danza. Nella danza femminile, che è venuta alla ribalta nel balletto di R., i salti sono stati introdotti sempre più ampiamente, è nata la danza sulle scarpe da punta, ecc., Che corrispondeva perfettamente all'aspetto creature ultraterrene- Willis, silfide. Nel balletto R. dominava la danza. Nuove forme compositive del classico danza, il ruolo della danza femminile all'unisono del corpo di ballo è notevolmente aumentato. Ensemble, duetto e danza solitaria. Cresce il ruolo della prima ballerina, a partire da M. Taglioni. Una tunica è apparsa come costume permanente per un ballerino. È aumentato il ruolo della musica, spesso prima di quello della Nazionale. La sinfonia dei balli è iniziata. Azioni. L'apice del romanticismo. balletto - "Giselle" (1841), messo in scena da J. Coralli e J. Perrot. Il lavoro di Perrault ha segnato una nuova tappa nel balletto R. La performance ora faceva molto affidamento sull'illuminazione. la fonte originale ("Esmeralda" secondo Hugo, "Corsair" secondo Byron, ecc.), e di conseguenza, la danza era più drammatizzata, il ruolo delle composizioni efficaci (pas d "action" aumentato), il folklore della danza era usato di più Aspirazioni simili si sono manifestate nel lavoro delle date più importanti Ballerino di balletto in agosto I ballerini di Bournonville F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya si sono fatti avanti.

Tipo romantico. spettacolo, stabilito nei balletti di Taglioni, Perrot, Bournonville, ha continuato ad esistere fino alla fine. 19esimo secolo Tuttavia, la struttura interna di queste esibizioni, principalmente nel lavoro dei balletti. MI Petipa, trasformato.

Il desiderio di un revival romantico. il balletto nella sua veste originale si è manifestato nell'opera di alcuni maestri di ballo del XX secolo. M. M. Fokin ha dato a R. nel balletto nuove caratteristiche dell'impressionismo.

Balletto. Enciclopedia, SE, 1981

I La musica (dal greco musike, letteralmente l'arte delle muse) è un tipo di arte che riflette la realtà e colpisce una persona attraverso sequenze sonore significative e appositamente organizzate, costituite principalmente da toni ... ... Grande enciclopedia sovietica

- (dal greco moysikn, da mousa muse) un tipo di abito che riflette la realtà e colpisce una persona attraverso sequenze sonore significative e appositamente organizzate in altezza e tempo, costituite principalmente da toni ... ... Enciclopedia musicale

Indice 1 Aspetti storici 2 Letteratura 2.1 Origine 2.2 Realismo ... Wikipedia

Questo termine è basato sul greco ή μουσική (che implica τέχνη arte), cioè l'arte delle Muse (principalmente le dee del canto e della danza). Successivamente ha ricevuto dai Greci un significato più ampio, nel senso dello sviluppo armonioso dello spirito in generale, e di nuovo con noi ... ... Dizionario Enciclopedico F.A. Brockhaus e I.A. Efron

MUSICA SPIRITUALE- musica. opere di Cristo. contenuto non destinato ad essere eseguito durante il culto. D. m. si oppone spesso alla musica profana, e in questo senso a volte si fa riferimento a quest'area una gamma estremamente ampia di fenomeni della musica liturgica ... ... Enciclopedia ortodossa

Le radici di N. m risalgono a tempi antichi. Dati archeologici. gli studi indicano l'esistenza di altri germi. tribù di vari tipi di spiriti. strumenti (lurs), la fabbricazione di krykh risale all'età del bronzo. Illuminato. e storico... ... Enciclopedia musicale

Caratteristiche della formazione delle muse. La cultura statunitense, iniziata nel con. 17 ° secolo, furono in gran parte determinati dal tipo coloniale di sviluppo del paese. Trasferito ad Amer. il terreno della musica le tradizioni dell'Europa, dell'Africa, poi dell'Asia furono assimilate e, interagendo, ... ... Enciclopedia musicale

Le origini di R. m. risalgono al lavoro dell'Oriente. gloria. tribù che abitavano il territorio del Dr. Rus' prima dell'emergere nel IX secolo. il primo russo vai va. DI specie antiche est gloria. la musica può essere ipoteticamente giudicata da otd. storico prova... ... Enciclopedia musicale

Le origini di F. m. risalgono al folklore delle tribù celtiche, galliche e franche che vivevano in tempi antichi sul territorio dell'attuale Francia. Nar. l'arte della canzone, così come la cultura gallo-romana, divenne la base per lo sviluppo di F. m. E… … Enciclopedia musicale

Alla fine del XVIII - inizio XIX secolo, apparve una direzione artistica come il romanticismo. In quest'epoca, le persone sognavano un mondo ideale e "fuggivano" nella fantasia. Questo stile ha trovato la sua incarnazione più vivida e figurativa nella musica. Tra i rappresentanti del romanticismo, compositori del XIX secolo come Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt e Richard Wagner.

Franz Listz

Il futuro è nato nella famiglia di un violoncellista. Suo padre gli ha insegnato la musica fin dalla tenera età. Da bambino cantava in un coro e imparava a suonare l'organo. Quando Franz aveva 12 anni, la sua famiglia si trasferì a Parigi in modo che il ragazzo potesse studiare musica. Non è stato ammesso al conservatorio, però, dall'età di 14 anni compone schizzi. Tale XIX secolo come Berlioz, Paganini, ha avuto una grande influenza su di lui.

Paganini divenne il vero idolo di Liszt e decise di affinare le proprie abilità pianistiche. L'attività concertistica del 1839-1847 fu accompagnata da un brillante trionfo. In questi anni Ferenc ha creato la famosa raccolta di opere teatrali "Years of Wanderings". Un virtuoso del pianoforte e uno dei preferiti del pubblico è diventato una vera incarnazione dell'epoca.

Franz Liszt compose musica, scrisse diversi libri, insegnò e condusse lezioni aperte. Vennero da lui compositori del XIX secolo provenienti da tutta Europa. Possiamo dire che quasi tutta la sua vita è stato impegnato nella musica, perché ha lavorato per 60 anni. Fino ad oggi, il suo talento musicale e la sua abilità sono un modello per i pianisti moderni.

Riccardo Wagner

Il genio ha creato musica che non poteva lasciare nessuno indifferente. Aveva sia ammiratori che feroci oppositori. Wagner è stato affascinato dal teatro fin dall'infanzia e all'età di 15 anni ha deciso di creare una tragedia con la musica. All'età di 16 anni, ha portato le sue composizioni a Parigi.

Per 3 anni tentò invano di mettere in scena un'opera, ma nessuno voleva avere a che fare con un musicista sconosciuto. Come compositori popolari Il XIX secolo, come Franz Liszt e Berlioz, conosciuti a Parigi, non gli portano fortuna. È in povertà e nessuno vuole sostenere le sue idee musicali.

Dopo aver fallito in Francia, il compositore torna a Dresda, dove inizia a lavorare come direttore d'orchestra nel teatro di corte. Nel 1848 emigrò in Svizzera, perché dopo aver partecipato alla rivolta fu dichiarato criminale. Wagner era consapevole dell'imperfezione della società borghese e della posizione dipendente dell'artista.

Nel 1859 cantò l'amore nell'opera Tristan und Isolde. In Parsifal, la fratellanza universale è presentata in modo utopico. Il male è sconfitto e la giustizia e la saggezza vincono. Tutti i grandi compositori del XIX secolo furono influenzati dalla musica di Wagner e impararono dal suo lavoro.

Nel XIX secolo in Russia si formò una scuola nazionale di composizione ed esecuzione. Ci sono due periodi nella musica russa: primo romanticismo e classico. Il primo include compositori russi del XIX secolo come A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Michail Glinka

Mikhail Glinka ha fondato una scuola di compositori nel nostro paese. Lo spirito russo è presente in tutte le sue famose opere come "Ruslan e Lyudmila", "La vita per lo zar" sono intrise di patriottismo. Glinka ha riassunto i tratti caratteristici della musica popolare, utilizzando vecchie melodie e ritmi della musica popolare. Il compositore è stato anche un innovatore nella drammaturgia musicale. Il suo lavoro è l'ascesa della cultura nazionale.

I compositori russi ne hanno regalati molti al mondo opere di genio che ancora oggi conquistano il cuore delle persone. Tra i brillanti compositori russi del XIX secolo, sono immortalati nomi come M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky.

La musica classica riflette vividamente e sensualmente il mondo interiore di una persona. Il rigoroso razionalismo è stato sostituito dal romanticismo del XIX secolo.

Periodo romantico

Il periodo romantico nella musica durò all'incirca dal 1830 al 1910. In un certo senso, la parola "romantico" è solo un'etichetta, un concetto che non può essere rigorosamente definito, come, del resto, molti altri. Molte delle opere citate in tutti i capitoli del nostro libro senza eccezioni possono essere giustamente definite "romantiche".

La principale differenza di questo periodo rispetto agli altri è che i compositori di quell'epoca prestavano maggiore attenzione ai sentimenti e alla percezione della musica, cercando di esprimere esperienze emotive con il suo aiuto. In questo differiscono dai compositori del periodo classico, per i quali la cosa più importante nella musica era la forma e che cercavano di seguire certe regole per costruire la composizione.

Allo stesso tempo, elementi di romanticismo possono essere visti in alcuni compositori del periodo classico, e elementi di classicismo possono essere visti nei compositori del periodo romantico. Quindi tutto ciò di cui abbiamo parlato sopra non è affatto una regola ferrea, ma giusta caratteristiche generali.

La storia non si è fermata e tutte le persone improvvisamente non sono diventate romantiche, interessate solo alle loro esperienze emotive. Questo è il momento della nascita del socialismo, della riforma postale e della fondazione dell'Esercito della Salvezza. Contemporaneamente furono scoperte le vitamine e il radio, fu costruito il Canale di Suez; Daimler ha progettato la prima macchina e i fratelli Wright hanno realizzato il primo volo. Marconi ha inventato la radio inviando con successo un messaggio wireless a un miglio e mezzo di distanza. La regina Vittoria sedette sul trono della Gran Bretagna più a lungo di qualsiasi altro monarca inglese. La corsa all'oro ha spinto migliaia di persone a viaggiare in America.

Sfogliando il nostro libro, noterete che questo è il più grande di tutti i suoi capitoli, in cui sono menzionati ben trentasette compositori. Molti di loro hanno vissuto e lavorato contemporaneamente in diversi paesi. Pertanto, abbiamo diviso questo capitolo in tre sezioni: "Primi romantici", "Compositori nazionali" e "Late romantici".

Come probabilmente hai già intuito, anche questa divisione non pretende di essere assolutamente accurata. Ciononostante, speriamo che aiuti a mantenere la narrazione coerente, anche se non sempre in ordine cronologico.

Questi sono compositori che sono diventati una sorta di ponte tra il periodo classico e il periodo del tardo romanticismo. Molti di loro hanno lavorato contemporaneamente ai "classici", e Mozart e Beethoven hanno avuto una grande influenza sul loro lavoro. Allo stesso tempo, molti di loro hanno dato il loro personale contributo allo sviluppo della musica classica.

Il nostro primo compositore del periodo romantico è stato una vera star del suo tempo. Durante le sue esibizioni, ha dimostrato le meraviglie del virtuosismo del violino e si è esibito acrobazie incredibili. Come il virtuoso chitarrista rock Jimi Hendrix, nato centosessant'anni dopo, Niccolò Paganini invariabilmente ha impressionato il pubblico con la sua performance appassionata.

Paganini potrebbe suonare l'intero pezzo su due corde di violino invece che su quattro. A volte

fece addirittura spezzare deliberatamente le corde nel bel mezzo dell'esibizione, dopodiché terminò comunque brillantemente l'opera tra i fragorosi applausi del pubblico.

Da bambino, Paganini era impegnato esclusivamente nella musica. Tuttavia, suo padre lo ha persino punito per non essersi esercitato abbastanza non dandogli cibo o acqua.

Da adulto, Paganini suonava il violino in modo così virtuoso che si diceva che avesse stretto un patto con il diavolo in persona, dal momento che nessun mortale poteva suonare in modo così magnifico. Dopo la morte del musicista, la chiesa all'inizio si rifiutò persino di seppellirlo nella propria terra.

Lo stesso Paganini, senza dubbio, comprese tutti i vantaggi dei suoi discorsi pubblici, affermando:

"Sono brutto, ma quando le donne mi sentono suonare, strisciano in piedi."

Lo stile e la struttura delle composizioni musicali hanno continuato ad evolversi sia nelle composizioni strumentali che nell'opera. In Germania, l'avanguardia dell'opera ha guidato Carlo Maria von Weber, anche se visse in anni che molti non attribuiscono al periodo romantico.

Si può dire che per i Weber l'opera fosse un affare di famiglia e Carl viaggiò molto con la compagnia d'opera di suo padre da bambino. La sua opera Sparatutto gratuito (sparatutto magico)è entrato nella storia della musica per il fatto che vi venivano usati motivi popolari.

Poco dopo imparerai che una tale tecnica è considerata tratto caratteristico periodo romantico.

Weber ha anche scritto diversi concerti per clarinetto, per i quali è ampiamente conosciuto oggi.

L'Italia è la culla dell'opera, e in faccia Gioacchino Antonio Rossini Gli italiani sono stati fortunati a trovare un nuovo eroe di questo genere. Ha scritto opere di contenuto sia comico che tragico con uguale successo.

Rossini era uno di quei compositori che compongono velocemente, e di solito gli bastavano poche settimane per scrivere un'opera. Al culmine della sua fama, una volta disse:

"Dammi il conto della lavanderia e lo metto in musica."

Dicono che Barbiere di Siviglia Rossini ha composto in soli tredici giorni. Un ritmo di lavoro così veloce ha portato al fatto che le sue nuove opere sono state costantemente messe in scena in tutti i teatri d'Italia. Ma non sempre ha trattato favorevolmente gli interpreti delle sue composizioni e una volta ne ha persino parlato con disprezzo:

"Che opera meravigliosa sarebbe se non ci fossero cantanti!"

Ma all'età di trentasette anni, Rossini improvvisamente smise di scrivere opere, e nel passato quasi quattro decenni della sua vita dalle opere principali che ha creato solo Stabat mater.

Fino ad ora, non è del tutto chiaro da cosa fosse guidato quando ha preso una decisione del genere, tuttavia, a quel punto si era accumulato un importo considerevole nel suo conto in banca: i diritti d'autore dalle produzioni.

Oltre alla musica, Rossini aveva una passione per le arti culinarie, e molti più piatti portano il suo nome rispetto ad altri compositori. Puoi persino organizzare un'intera cena, che includerà Rossini Salad, Rossini Omelet e Rossini Tournedo. (I turnedos sono strisce di carne fritte nel pangrattato, servite con paté e tartufo.)

FranzSchubert, che visse solo trentuno anni, già all'età di diciassette anni si era affermato come compositore di talento. Per me stesso lunga vita in totale ha scritto più di seicento canzoni, nove sinfonie, undici opere e circa quattrocento altre opere. Solo nel 1815 compose centoquarantaquattro canzoni, due messe, una sinfonia e una serie di altre opere.

Nel 1823 contrasse la sifilide e cinque anni dopo, nel 1828, morì di febbre tifoide. Un anno prima aveva partecipato al funerale del suo idolo Ludwig van Beethoven.

È interessante notare che Schubert è stato uno dei primi grandi compositori a diventare famoso grazie all'esecuzione di opere di altre persone. Lui stesso ne ha dato solo uno grande concerto nell'anno della sua morte, e anche allora fu messo in ombra dall'esibizione di Paganini, che venne a Vienna più o meno nello stesso periodo. Quindi il povero Schubert non ha mai avuto il rispetto che meritava durante la sua vita.

Uno dei più grandi misteri di Schubert è Sinfonia n. 8, conosciuto con il nome Incompiuto. Ne scrisse solo due parti e poi smise di funzionare. Nessuno sa perché lo abbia fatto, ma questa sinfonia è ancora una delle sue opere più popolari.

Ettore Berliozè nato nella famiglia di un medico, tanto che, a differenza di molti altri compositori citati nel nostro libro, non ha ricevuto un'educazione musicale a tutti gli effetti.

All'inizio decise di seguire le orme di suo padre e diventare un medico, per il quale andò a Parigi, ma lì iniziò a trascorrere sempre più tempo all'opera. Alla fine decise di dedicarsi alla musica, con grande dispiacere dei suoi genitori.

L'immagine di Berlioz può sembrare caricaturale a persone così lontane dalla scrittura

vengono presentati tutti i compositori: molto nervoso e irritabile, impulsivo, con forti sbalzi d'umore e, ovviamente, insolitamente romantico nei rapporti con il sesso opposto. Una volta ha aggredito la sua ex amante con una pistola in mano e ha minacciato di avvelenarla; un altro ne inseguì, vestito con abiti da donna.

Ma il soggetto principale delle aspirazioni romantiche di Berlioz era l'attrice Harriet Smithson, che in seguito soffrì di un grave esaurimento nervoso - a quanto pare, le deve in gran parte allo stesso Berlioz. La vide per la prima volta nel 1827, ma riuscì a conoscerla personalmente solo nel 1832. All'inizio Smithson rifiutò Berlioz e lui, volendo raggiungere la reciprocità, scrisse fantastica sinfonia. Nel 1833 si sposarono comunque, ma, come prevedibile, pochi anni dopo Berlioz si innamorò di un'altra donna.

Per quanto riguarda la musica, Berlioz amava lo scopo. Prendi, ad esempio, il suo Requiem, scritto per un'enorme orchestra e coro, oltre a quattro bande di ottoni poste in ogni angolo del palco. Una tale passione per grandi forme non ha contribuito molto alla sua fama postuma. Eseguire le sue opere nella forma in cui le ha concepite può essere molto costoso, a volte persino impossibile. Ma tali ostacoli non lo infastidivano affatto e continuava a comporre musica con tutta la passione di cui era capace. Una volta disse:

"Ogni compositore conosce il dolore e la disperazione che derivano dal non avere abbastanza tempo per scrivere ciò che ha escogitato".

Qualsiasi scolaro che legge questo libro dovrebbe essere invidioso di persone come Felice Mendelsohn, a persone che sono diventate famose durante l'infanzia.

Come vediamo da numerosi esempi, questo è tutt'altro che raro nel mondo della musica classica.

Tuttavia, Mendelssohn ha avuto successo non solo nella musica; era una delle poche persone che riescono a ottenere un buon risultato in tutto ciò che intraprendono: pittura, poesia, sport, lingue.

Non è stato difficile per Mendelssohn padroneggiare tutto questo.

Mendelssohn è stato fortunato: è nato in una famiglia benestante ed è cresciuto nell'atmosfera creativa dei circoli artistici di Berlino. Da bambino ha incontrato molti artisti e musicisti di talento che sono venuti a trovare i suoi genitori.

Mendelssohn ha fatto la sua prima apparizione pubblica all'età di nove anni, e all'età di sedici anni aveva già composto Ottetto di stringa. Un anno dopo scrisse un'ouverture per l'opera di Shakespeare Un sogno in una notte d'estate. Ma ha creato il resto della musica per questa commedia solo dopo diciassette anni (compreso il famoso Marcia nuziale, che viene ancora spesso eseguito ai matrimoni).

Anche la vita personale di Mendelssohn si sviluppò con successo: negli anni di un matrimonio lungo e duraturo, lui e sua moglie ebbero cinque figli.

Ha lavorato e viaggiato molto, anche in Scozia, degli abitanti di cui parlava non troppo con approvazione:

"... [loro] non producono altro che whisky, nebbia e maltempo."

Ma questo non gli ha impedito di scrivere due meravigliose opere dedicate alla Scozia. Tredici anni dopo la fine del primo viaggio Sinfonia scozzese; la base Ouverture delle Ebridi Le melodie scozzesi si sdraiano. Mendelssohn fu anche collegato alla Gran Bretagna dal suo oratorio Elijah, che fu messo in scena per la prima volta a Birmingham nel 1846. Ha anche incontrato la regina Vittoria e ha dato lezioni di musica al principe Alberto.

Mendelssohn è morto per un ictus relativamente giovane età a trentotto. Certo, si può dire che non si è risparmiato e si è sovraccaricato di lavoro eccessivo, ma in larga misura la sua morte è stata affrettata dalla morte dell'amata sorella Fanny, anch'essa musicista di talento.

Davanti a noi c'è un altro romantico fino al midollo delle ossa. In cui Federico Chopin si distingueva anche per un'appassionata devozione a uno strumento, e questa è una grande rarità per i compositori citati nel nostro libro.

Dire che Chopin amava il pianoforte è un eufemismo. Lo ammirava, ha dedicato tutta la sua vita a comporre composizioni per pianoforte e migliorare le tecniche per suonarlo. Era come se non ci fossero altri strumenti per lui, se non forse come accompagnamento nelle composizioni orchestrali.

Chopin nacque nel 1810 a Varsavia; suo padre era francese di nascita e sua madre era polacca. Federico iniziò ad esibirsi all'età di sette anni e le sue prime composizioni risalgono allo stesso periodo. Va detto che il suo segno distintivo ha sempre puntato sul futuro.

Successivamente Chopin divenne famoso a Parigi, dove iniziò a dare lezioni di musica a persone ricche, grazie alle quali divenne lui stesso ricco. Ha sempre tenuto d'occhio il suo aspetto e per mantenere il suo guardaroba aggiornato con le ultime mode.

Come compositore, Chopin era metodico e meticoloso. Non si è mai permesso di essere trascurato, ogni opera è stata da lui perfezionata alla perfezione. Non sorprende che comporre musica sia stato un processo doloroso per lui.

In totale, ha composto centosessantanove opere soliste per pianoforte.

A Parigi, Chopin si innamorò di Amandine Aurora Lucile Dupin, nota scrittrice francese dal nome di fantasia, meglio conosciuta con lo pseudonimo di George Sand. Era una persona piuttosto straordinaria: la si poteva trovare spesso per le strade di Parigi mentre camminava in abiti da uomo e fumava sigari, cosa che scioccava il pubblico educato. La storia d'amore tra Chopin e George Sand procedette in modo burrascoso e si concluse con una dolorosa rottura.

Come alcuni altri compositori del periodo romantico, Chopin non visse a lungo: morì di tubercolosi all'età di trentanove anni, poco dopo la rottura con George Sand.

Roberto Schumann- un altro compositore che ha vissuto una vita breve ed emozionante, anche se nel suo caso tutto è stato condito da una discreta dose di follia. Oggi sono note opere per pianoforte, canzoni e musica da camera di Schumann.

Schumann è stato un brillante compositore, ma durante la sua vita è stato all'ombra di sua moglie Chiara Schumann, brillante pianista dell'epoca. Come compositrice è meno conosciuta, sebbene abbia anche scritto musica piuttosto interessante.

Lo stesso Robert Schumann non poteva esibirsi come pianista a causa di un infortunio alla mano, ed era difficile per lui vivere accanto a una donna diventata famosa in questo campo.

Il compositore soffriva di sifilide e di esaurimento nervoso; una volta tentò addirittura il suicidio gettandosi nel Reno. Fu salvato e ricoverato in un ospedale psichiatrico, dove morì due anni dopo.

Schumann ha trattato l'arte in modo pragmatico. È nota la seguente affermazione:

"Per comporre, devi solo inventare una melodia a cui nessun altro ha pensato."

Se Paganini può essere definito il re dei violinisti-esecutori, allora tra i pianisti romantici questo titolo appartiene di diritto a Franz Listz. Era anche impegnato in attività didattiche ed eseguiva instancabilmente le opere di altri compositori, in particolare Wagner, di cui si parlerà in seguito.

Le composizioni per pianoforte di Liszt sono estremamente difficili da eseguire, ma ha scritto secondo la sua tecnica di esecuzione, sapendo benissimo che nessuno le avrebbe suonate meglio di lui.

Inoltre, Liszt ha trascritto al pianoforte le opere di altri compositori: Beethoven, Berlioz, Rossini e Schubert. Sotto le sue dita acquisirono una bizzarra originalità e iniziarono a suonare in un modo nuovo. Considerando che furono originariamente scritte per l'orchestra, resta da meravigliarsi per l'abilità del musicista, che le riproduce con sorprendente precisione su un unico strumento.

Liszt era una vera star del suo tempo; cento anni prima dell'invenzione del rock and roll, ha condotto una vita degna di qualsiasi musicista rock, compresi vari Relazioni amorose. Anche la decisione di prendere gli ordini sacri non gli ha impedito di iniziare una relazione.

Liszt ha anche reso popolari le esibizioni con il pianoforte e l'orchestra, un genere che continua ancora oggi. Gli piaceva catturare gli sguardi ammirati dei fan e ascoltare le grida entusiaste del pubblico che guardava le sue dita volare sui tasti. Così ha girato il pianoforte in modo che il pubblico potesse seguire il modo di suonare del pianista. Prima di allora, si sono seduti con le spalle al pubblico.

Il grande pubblico lo sa Giorgio Bizet come creatore dell'opera Carmen ma l'elenco pubblicato alla fine del nostro libro includeva un'altra delle sue opere, Au Fond du Temple Saint(conosciuto anche come Duetto di Nadir e Zurgi) dall'opera Cercatori di perle.È stato costantemente in cima alle classifiche da quando abbiamo iniziato a compilare l'elenco delle canzoni più popolari tra gli ascoltatori di Classic FM nel 1996.

Bizet è un altro bambino prodigio che ha dimostrato di essere eccezionale abilità musicale anche nell'infanzia. Ha scritto la sua prima sinfonia all'età di diciassette anni. È vero, morì anche presto, all'età di trentasei anni, aggiungendosi all'elenco dei geni prematuramente scomparsi.

Nonostante il suo talento, Bizet non ha mai ottenuto un vero riconoscimento durante la sua vita. musica lirica cercatori di perleè stato messo in scena con alterne fortune e la prima Carmen e finì completamente con un fallimento: il pubblico alla moda di quel tempo non lo accettò. Preferito da critici e veri intenditori di musica Carmen conquistato solo dopo la morte del compositore. Da allora, è stato inserito in tutti i principali teatri d'opera pace.

Ecco un'altra definizione estremamente vaga. Non solo tutti i compositori romantici, ma anche, in una certa misura, molti rappresentanti del periodo barocco e classico possono essere giustamente definiti "nazionalisti".

Tuttavia, in questa sezione elencheremo quattordici importanti compositori del periodo romantico, le cui opere sono scritte in uno stile tale che anche gli ascoltatori che non hanno molta familiarità con la musica classica possono dire da dove viene questo o quel maestro.

A volte questi compositori sono classificati come appartenenti all'una o all'altra scuola musicale nazionale, sebbene questo approccio non sia del tutto corretto.

Di solito, quando si usa la parola “scuola”, viene presentata un'aula in cui i bambini, sotto la guida di un insegnante, svolgono lo stesso compito.

Se parliamo di compositori, allora erano uniti da una direzione comune e ognuno di loro ha seguito la propria strada, cercando di trovare i propri mezzi unici di espressione musicale.

Se la musica classica russa ha un padre fondatore, allora è, senza dubbio, Mikhail Ivanovic Glinka. I musicisti nazionalisti si distinguono proprio per il fatto che usano melodie popolari nelle loro opere. Glinka è stato introdotto alle canzoni russe da sua nonna.

A differenza di molti altri compositori di talento che sono così spesso citati nelle pagine del nostro libro, Glinka ha iniziato a studiare seriamente la musica in età relativamente tarda, poco più che ventenne. In un primo momento, ha prestato servizio come funzionario presso il Ministero delle Ferrovie.

Quando Glinka ha deciso di cambiare carriera, è andato in Italia, dove si è esibito come pianista. Fu lì che sviluppò un profondo amore per l'opera. Tornato a casa, compose la sua prima opera La vita per il re. Il pubblico lo ha subito riconosciuto come il miglior compositore russo contemporaneo. La sua seconda opera Ruslan e Ludmilla, non ebbe altrettanto successo, anche se resistette meglio alla prova del tempo.

Alexander Porfiryevich Borodin appartiene ai compositori che, oltre alla musica, sono stati attivamente coinvolti in altre attività. Per quanto riguarda Borodin, ha iniziato la sua carriera come scienziato, un chimico. La sua prima composizione si chiamava "On the action of ethyl iodide on hydrobenzamide and amarin", e ovviamente non la sentirete mai su Classic FM, dato che è lavoro scientifico che non ha niente a che fare con la musica.

Borodin era il figlio illegittimo di un principe georgiano; Ha rilevato dalla madre l'amore per la musica e l'interesse per l'arte in generale, mantenendoli per tutta la vita.

A causa del costante impiego, è riuscito a pubblicare solo una ventina di opere, tra cui sinfonie, canzoni e musica da camera.

Insieme a Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar Cui E Modesto Musorgskij Borodin era un membro della comunità musicale Mighty Handful. Il successo di tutti questi compositori è ancora più notevole in quanto tutti avevano altre attività oltre alla musica.

In questo sono nettamente diversi dalla maggior parte degli altri compositori menzionati in questo libro.

L'opera più popolare di Borodin - Danze polovtsiane dalla sua opera Principe Igor. Va detto che lui stesso non l'ha mai completato (sebbene ci abbia lavorato per diciassette anni). L'opera è stata completata dal suo amico Rimsky - Korsakov, di cui parleremo più dettagliatamente in seguito.

Secondo la nostra opinione, Modesto Petrovich Musorgskij era il più inventivo e influente dei compositori del "Mighty Handful", sebbene lui, in quanto persona insolita, non sfuggisse a uno o due vizi inerenti a molti rappresentanti delle professioni creative.

Lasciando l'esercito, Mussorgsky ottenne un lavoro nel servizio civile. In gioventù amava, come si suol dire, fare una passeggiata, si distingueva per l'impressionabilità e verso la fine della sua vita soffriva di alcolismo. Per questo motivo è spesso raffigurato con i capelli arruffati e un naso innaturalmente rosso.

Mussorgsky spesso non finiva le sue opere e i suoi amici lo facevano per lui, a volte non nel modo in cui intendeva, quindi ora non siamo sicuri di quale fosse l'intenzione originale dell'autore. Orchestrazione dell'opera Boris Godunov rifatto Rimsky-Korsakov, così come il famoso " quadro musicale» Notte sul Monte Calvo(usato nel film Disney Fantasia). Orchestrazione a Immagini dalla mostra ha scritto Maurice Ravel, e in questa versione sono conosciuti ai nostri tempi.

Nonostante Mussorgsky provenisse da una famiglia benestante e avesse un grande talento come pianista e compositore, morì all'età di soli quarantadue anni per alcolismo.

Genitori Nikolai Rimskij-Korsakov sognavano che il loro figlio prestasse servizio in marina e ha soddisfatto le loro aspettative. Ma, avendo prestato servizio per diversi anni in Marina e averne fatti parecchi viaggi per mare, divenne compositore e insegnante di musica, cosa che senza dubbio fu una sorpresa per la sua famiglia. A dire il vero, Rimsky-Korsakov è sempre stato interessato alla musica e ha persino iniziato a comporre Sinfonia n. 1, quando la sua nave era ormeggiata nella zona industriale di Gravesend alla foce del Tamigi. Questo è probabilmente uno dei posti meno romantici per comporre la musica menzionata in questo libro.

Oltre al fatto che Rimsky-Korsakov ha completato e rivisto alcune delle composizioni di Mussorgsky, lui stesso ha creato quindici opere su temi della vita russa, sebbene nelle sue opere si senta anche l'influenza di paesi esotici. Per esempio, Sheherazade basato sul racconto delle Mille e una notte.

Rimsky-Korsakov è stato particolarmente bravo a mostrare la bellezza del suono dell'intera orchestra. Ha prestato grande attenzione a questo nelle sue attività di insegnamento e quindi ha influenzato molti compositori russi che hanno lavorato dopo di lui, in particolare Stravinsky.

Peter Ilyich Ciajkovskij usava anche melodie popolari russe nelle sue composizioni, ma, a differenza di altri compositori nazionali russi, le elaborava a modo suo, come, in effetti, l'eredità musicale di tutta l'Europa.

La vita personale di Čajkovskij, avvolta da vari segreti (c'erano voci diffuse sulle sue inclinazioni omosessuali), non era facile. Lui stesso una volta disse:

"Sarebbe davvero qualcosa da impazzire se non fosse per la musica!"

Da bambino era impressionabile e da adulto era incline a attacchi di malinconia e persino depressione. Più di una volta ha avuto pensieri suicidi. In gioventù studiò legge e lavorò brevemente al Ministero della Giustizia, ma ben presto lasciò il servizio per dedicarsi interamente alla musica. All'età di trentasette anni si sposò inaspettatamente, ma il suo matrimonio divenne un vero tormento sia per lui che per sua moglie. Alla fine, sua moglie è finita in un ospedale psichiatrico, dove è morta. Anche lo stesso Čajkovskij soffrì a lungo di una rottura avvenuta appena due mesi dopo il matrimonio.

I primi lavori di Čajkovskij non furono riconosciuti dal grande pubblico e questo gli causò molta sofferenza. Curiosamente, molte di queste opere, tra cui Concerto per violino e orchestra E Concerto per pianoforte n. 1, cm sono attualmente molto popolari. Registrazione Concerto per pianoforte n. 1 in generale divenne la prima registrazione di musica classica a ricevere lo status di "Disco d'oro" per aver venduto un milione di copie.

Čajkovskij ha scritto dieci opere, tra cui Eugenio Onegin, e musica per balletti come Schiaccianoci, La Bella Addormentata E Il lago dei cigni. Ascoltando questa musica ci si rende subito conto di tutta la grandezza del talento di Čajkovskij, che ha saputo creare una melodia estremamente armoniosa ed emozionante. I suoi balletti sono ancora spesso messi in scena su palcoscenici mondiali e suscitano l'invariabile ammirazione del pubblico. Per lo stesso motivo, le frasi musicali delle sue sinfonie e dei suoi concerti sono note anche a chi non ha familiarità con la musica classica.

Per anni Čajkovskij ha goduto del favore di una ricca vedova di nome Nadezhda von Meck, che gli ha inviato ingenti somme di denaro a condizione che non si incontrassero mai di persona. È possibile che in un incontro personale non si riconoscano.

Le circostanze della morte del compositore non sono ancora del tutto chiare. Secondo la conclusione ufficiale, Čajkovskij è morto di colera: ha bevuto acqua infetta da virus. Ma esiste una versione secondo la quale lui stesso si è suicidato, temendo che le sue relazioni omosessuali sarebbero state rese pubbliche.

Se Glinka è considerato il padre della musica classica russa, lo stesso ruolo viene svolto nella musica classica ceca Bedrich Smetana.

Smetana si è sempre ispirata al ceco cultura popolare e natura Paese d'origine. Ciò è particolarmente sentito nel suo ciclo di poesie sinfoniche. La mia patria, che Smetana ha impiegato otto anni per scrivere.

Attualmente, l'opera più popolare di questo ciclo è Moldava, dedicato a uno dei più grandi fiumi cechi che attraversano Praga.

Verso la fine della sua vita, Bedřich Smetana si ammalò gravemente (presumibilmente di sifilide), divenne sordo e perse la testa. Morì all'età di sessant'anni.

La sua musica ha influenzato il prossimo compositore della nostra lista, Antonín Dvořák, le cui composizioni sono riconosciute ben oltre la Repubblica Ceca.

Antonin Dvorak era un vero eroe nazionale ceco che amava appassionatamente la sua patria. I suoi connazionali lo ricambiavano e lo adoravano.

Le opere di Dvorak furono ampiamente promosse da Brahms (di cui parleremo tra poco). A poco a poco, il nome di Dvorak è stato riconosciuto in tutto il mondo. Così, ad esempio, ha guadagnato fan in Inghilterra, dove si è esibito su invito della Royal Philharmonic Society, così come ai festival di Birmingham e Leeds.

Successivamente, Dvorak decise di recarsi negli Stati Uniti, dove negli anni Novanta dell'Ottocento gli fu offerto il posto di direttore del Conservatorio Nazionale di New York, che mantenne per tre anni. A Dvorak mancava molto la sua patria, ma non smise di interessarsi alla musica locale. Le sue impressioni si riflettono nelle sue Sinfonie n. 9, di nome Dal Nuovo Mondo.

Alla fine, Dvorak decise di tornare a casa e trascorse gli ultimi anni della sua vita a Praga, insegnando.

Oltre alla musica, Dvorak era interessato ai treni e alle navi, e fu questa sua passione che, a quanto pare, contribuì a fargli accettare di visitare gli Stati Uniti, sebbene anche l'ingente compenso offertogli potesse svolgere un ruolo decisivo.

d Sono presenti anche rappresentanti della scuola nazionale di musica ceca Josef Suk, Leos Janacek E Boguslav Martin.

norvegese Edvard Grieg appartiene alla cerchia dei compositori che amavano appassionatamente la loro patria. E la madrepatria gli ha risposto in cambio. In Norvegia, le sue composizioni sono ancora estremamente popolari. Ma tutto sarebbe potuto andare diversamente, dal momento che la famiglia Grieg era in realtà di origine scozzese: il suo bis-bisnonno emigrò in Scandinavia dopo la sconfitta nella battaglia con gli inglesi vicino a Culloden.

Soprattutto, Grieg ha prodotto opere di piccoli generi, come Spettacoli lirici per pianoforte. Ma il suo concerto più famoso è Concerto per pianoforte, con un'impressionante introduzione, in cui i suoni del pianoforte sembrano piovere sotto il tremolo dei timpani.

d Include anche rappresentanti della scuola nazionale di musica scandinava Carlo Nielsen E Johan Svendsen.

Nonostante il fatto che in XIX secolo anche in Spagna scriveva musica classica, non vivevano così tanti compositori che raggiunsero la fama mondiale. Una delle eccezioni è Isacco Albeniz, in gioventù non si distingueva per un carattere compiacente.

Dicono che Albeniz abbia imparato a suonare il pianoforte all'età di un anno. Tre anni dopo, si è esibito in pubblico e all'età di otto anni ha iniziato a fare tournée. All'età di quindici anni riuscì a visitare Argentina, Cuba, Stati Uniti e Inghilterra.

Albeniz ha avuto particolare successo nell'improvvisazione: poteva inventare una sorta di melodia al volo e batterla immediatamente in diverse versioni. Ha anche dimostrato le meraviglie della padronanza dello strumento: ha suonato, dandogli le spalle. Per finire, si travestiva ogni volta da moschettiere, aggiungendo spettacolo alle sue esibizioni.

In età adulta, si è calmato un po 'e ha stupito il pubblico non più con il suo comportamento oltraggioso, ma con le sue composizioni. È particolarmente famoso per il suo ciclo di brani per pianoforte. Iberia. Grazie al suo successo, questo compositore ha portato la Spagna fuori dall'ombra e ha attirato su di essa l'attenzione della comunità musicale mondiale.

d Albéniz ha avuto una grande influenza su molti altri compositori della scuola nazionale spagnola, tra cui Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla E Villa Heitora - Lobosa(che era brasiliano).

Arturo Sullivan ben noto oggi. Ma la storia non lo ha trattato in modo equo, perché oggi si ricordano tutt'altro che il meglio delle sue opere. Negli anni '70 dell'Ottocento iniziò a collaborare con il poeta e librettista W. S. Gilbert. Insieme hanno scritto diverse operette comiche: Processo con giuria, Pirati di Penzance, Scamiciato di fregata di Sua Maestà, Principessa Ida, Il mikado, Yeoman la guardia e altri.

Nonostante l'enorme successo del loro lavoro congiunto, i due autori non andavano molto d'accordo tra loro e alla fine, dopo violenti litigi, smisero del tutto di comunicare. Queste liti, tuttavia, erano vuote.

Così, ad esempio, uno di loro riguardava un nuovo tappeto al Savoy Theatre di Londra, dove di solito venivano messe in scena le loro operette.

Sullivan sognava di diventare famoso come compositore serio, ma ormai le sue opere, che non appartengono al genere dell'operetta, sono state dimenticate.

Tuttavia, ha scritto un'opera Ivanhoe abbastanza interessante Sinfonia in mi minore e inno "Avanti, esercito di Cristo!"- forse il suo lavoro più frequentemente eseguito.

d Sono presenti anche rappresentanti della English National School of Music Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers Stanford E Giorgio Butterworth.

L'analogo francese delle operette di Gilbert e Sullivan può essere chiamato le opere Jacques Offenbach, un uomo che aveva sicuramente un senso dell'umorismo. Era nato a Colonia e quindi a volte firmato come "O. from Cologne” (“O. de Cologne” suona come “colonia”).

Nel 1858 Offenbach stupì i parigini posso posso da un'operetta Orfeo all'inferno; a un pubblico raffinato, tali balli della gente comune sembravano selvaggi e osceni, tuttavia l'operetta stessa era considerata scandalosa.

A proposito, se questo nome ti sembra familiare, vale la pena ricordare che Peri, Monteverdi e Gluck hanno scritto musica per il mito di Orfeo nei secoli precedenti. La versione di Offenbach era satirica, destinata all'intrattenimento, e quindi includeva scene molto frivole. Tuttavia, nonostante la prima impressione, il pubblico alla fine si innamorò dell'operetta, tanto che lo stesso Offenbach non ebbe quasi motivo di rimpiangere ciò che aveva scritto.

L'opera seria è conosciuta tra le sue altre opere. Racconti di Hoffmann in cui suona Barcarola.

Leone Delibes non fu compositore meno influente di Offenbach, anche se ora solo una delle sue opere è per lo più ricordata - Lakme, in cui il famoso coppia di fiori, utilizzato in numerosi salvaschermi televisivi e spot pubblicitari.

Tra i conoscenti di Delibes c'erano grandi musicisti come Berlioz e Bizet, con i quali ha lavorato come direttore del coro del Teatro Lirico di Parigi.

d Sono presenti anche rappresentanti della scuola nazionale francese di musica Alexis - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - Lub E Giulio Massenet, musica lirica thailandesi che, compreso l'intermezzo Riflessi (Meditazione), popolare con molti violinisti contemporanei.

I nostri ultimi due compositori nazionali - romanticismo - sono padre e figlio, anche se la differenza di età tra loro (ventuno anni) non è così grande per la storia. Johann Strauss Senior considerato il "padre del valzer". Era un eccellente violinista e dirigeva un'orchestra che si esibiva in tutta Europa e riceveva soldi per questo.

Tuttavia, il titolo di "re del valzer" appartiene di diritto a suo figlio, che si chiamava anche Johann Strauss. Suo padre non voleva che diventasse un violinista, ma il giovane Johann dedicò comunque la sua vita alla musica e organizzò la sua orchestra, che rivaleggiava con quella di suo padre. A Strauss più giovane aveva un buon senso degli affari, grazie al quale riuscì a rafforzare la sua posizione finanziaria.

Totale Johann Strauss - figlio ha scritto centosessantotto valzer, incluso il più popolare di loro - Sul bellissimo Danubio blu. Alla fine, ben sei orchestre presero il nome dallo Strauss, una delle quali era guidata dal fratello di Johann, il giovane Joseph, e l'altra dall'altro fratello, Eduard (ognuna di esse compose circa trecento composizioni).

I valzer e le polke di Johann erano dei veri successi nei caffè viennesi e il suo stile leggero e vivace divenne lo standard della musica da ballo in tutta Europa.

Alcuni amanti della musica classica considerano ancora le composizioni di Strauss troppo volgari e frivole. Non credergli e non soccombere alle loro provocazioni! Questa famiglia è stata in grado di scrivere opere davvero grandiose, edificanti e memorabili per molto tempo subito dopo il primo ascolto.

Molti dei compositori di questo periodo hanno continuato a scrivere musica fino al XX secolo. Tuttavia, ne parliamo qui, e non nel prossimo capitolo, perché era proprio lo spirito del romanticismo che era forte nella loro musica.

Va notato che alcuni di loro mantennero stretti legami e persino amicizia con i compositori menzionati nelle sottosezioni "Primi romantici" e "Nazionalisti".

Inoltre, va tenuto presente che durante questo periodo hanno lavorato così tanti ottimi compositori in diversi paesi europei che qualsiasi loro divisione secondo qualsiasi principio sarebbe del tutto arbitraria. Se in varie pubblicazioni dedicate al periodo classico e al periodo barocco viene menzionato approssimativamente lo stesso periodo di tempo, allora il periodo romantico è definito in modo diverso ovunque. Sembra che il confine tra la fine del periodo romantico e l'inizio del XX secolo in musica sia molto sfumato.

Il principale compositore dell'Ottocento italiano è stato senza dubbio Giuseppe Verdi. Quest'uomo con folti baffi e sopracciglia, che ci guardava con occhi lucenti, era superiore a tutti gli altri compositori d'opera.

Tutte le composizioni di Verdi sono letteralmente traboccanti di melodie luminose e memorabili. In totale, ha scritto ventisei opere, la maggior parte delle quali sono regolarmente messe in scena fino ad oggi. Tra questi ci sono le opere d'arte operistica più famose ed eccezionali di tutti i tempi.

La musica di Verdi era molto apprezzata anche durante la vita del compositore. alla prima Ade Il pubblico ha fatto una standing ovation così lunga che gli artisti hanno dovuto inchinarsi ben trentadue volte.

Verdi era un uomo ricco, ma i soldi non potevano salvare entrambe le mogli ei due figli del compositore dalla morte prematura, quindi ci furono momenti tragici nella sua vita. Lasciò la sua fortuna in un ricovero per vecchi musicisti costruito sotto la sua direzione a Milano. Lo stesso Verdi considerava la creazione di un rifugio, e non la musica, il suo più grande successo.

Nonostante il nome di Verdi sia principalmente associato alle opere, parlando di lui, è impossibile non menzionarlo Requiem, che è considerato uno dei migliori esempi di musica corale. È pieno di drammaticità e alcune caratteristiche dell'opera lo sfuggono.

Il nostro prossimo compositore non è affatto la persona più affascinante. In generale, questa è la figura più scandalosa e controversa di tutte quelle citate nel nostro libro. Se dovessimo fare un elenco basato solo sui tratti della personalità, allora Riccardo Wagner non lo colpirebbe mai. Tuttavia, siamo guidati esclusivamente da criteri musicali e la storia della musica classica è inconcepibile senza quest'uomo.

Il talento di Wagner è innegabile. Da - sotto la sua penna sono usciti alcuni dei più significativi e impressionanti composizioni musicali per l'intero periodo del romanticismo, specialmente per l'opera. Allo stesso tempo, si parla di lui come un antisemita, razzista, burocratico, l'ultimo ingannatore e persino un ladro che non esita a prendere tutto ciò di cui ha bisogno e persone maleducate senza rimorsi. Wagner aveva un'autostima esagerata e credeva che il suo genio lo elevasse al di sopra di tutte le altre persone.

Wagner è ricordato per le sue opere. Questo compositore portò l'opera tedesca a un livello completamente nuovo e, sebbene fosse nato contemporaneamente a Verdi, la sua musica era molto diversa dalle composizioni italiane di quel periodo.

Una delle innovazioni di Wagner era che a ogni personaggio principale veniva assegnato il proprio tema musicale, che si ripeteva ogni volta che iniziava a recitare un ruolo significativo sul palco.

Oggi sembra scontato, ma a quel tempo questa idea fece una vera rivoluzione.

Il più grande risultato di Wagner è stato il ciclo Anello del Nibelungo, composto da quattro opere: Oro del Reno, Valchiria, Siegfried E Morte degli dei. Di solito vengono messi in scena quattro sere di fila e in totale durano circa quindici ore. Queste opere da sole basterebbero a glorificare il loro compositore. Nonostante tutta l'ambiguità di Wagner come persona, va riconosciuto che era un compositore eccezionale.

Una caratteristica distintiva delle opere di Wagner è la loro durata. La sua ultima opera parsifal dura più di quattro ore.

Il direttore d'orchestra David Randolph una volta disse di lei:

"Questo è il tipo di opera che inizia alle sei, e quando guardi il tuo orologio da polso dopo tre ore, si scopre che segna le 6:20."

Vita Anton Bruckner come compositore, questa è una lezione su come non arrendersi e insistere per conto proprio. Si esercitava dodici ore al giorno, dedicava tutto il suo tempo al lavoro (era organista) e imparava molto in musica da solo, finendo di padroneggiare le capacità di scrittura per corrispondenza in un'età abbastanza matura - a trentasette anni.

Oggi si ricordano più spesso le sinfonie di Bruckner, di cui ha scritto un totale di nove brani. A volte è stato colto da dubbi sulla sua fattibilità come musicista, ma ha comunque ottenuto riconoscimenti, anche se verso la fine della sua vita. Dopo averlo eseguito Sinfonie n. 1 i critici hanno finalmente elogiato il compositore, che a quel tempo aveva già compiuto quarantaquattro anni.

Giovanni Brahms non uno di quei compositori nati, per così dire, con una bacchetta d'argento in mano. Al momento della sua nascita, la famiglia aveva perso la sua precedente ricchezza e riusciva a malapena a sbarcare il lunario. Da adolescente si guadagnava da vivere suonando nei bordelli della sua città natale, Amburgo. Quando Brahms divenne adulto, senza dubbio conobbe i lati tutt'altro che attraenti della vita.

La musica di Brahms è stata promossa dal suo amico, Robert Schumann. Dopo la morte di Schumann, Brahms si avvicinò a Clara Schumann e alla fine si innamorò persino di lei. Non si sa esattamente che tipo di relazione avessero, anche se il sentimento per lei probabilmente ha avuto un ruolo nei suoi rapporti con altre donne: non ha dato il suo cuore a nessuna di loro.

Come persona, Brahms era piuttosto sfrenato e irritabile, ma i suoi amici affermavano che c'era morbidezza in lui, anche se non sempre lo dimostrava a coloro che lo circondavano. Un giorno, tornando a casa da una festa, disse:

"Se non ho offeso nessuno, allora chiedo loro perdono."

Brahms non avrebbe vinto il concorso per il compositore più alla moda ed elegantemente vestito. Detestava terribilmente comprare vestiti nuovi e spesso indossava gli stessi pantaloni larghi e rattoppati, quasi sempre troppo corti per lui. Durante un'esibizione, i suoi pantaloni sono quasi caduti. In un'altra occasione dovette togliersi la cravatta e usarla al posto della cintura.

Lo stile musicale di Brahms è stato fortemente influenzato da Haydn, Mozart e Beethoven, e alcuni storici della musica affermano addirittura che abbia scritto nello spirito del classicismo, a quel tempo già fuori moda. Allo stesso tempo, possiede anche diverse nuove idee. Ha avuto particolare successo nello sviluppare piccoli brani musicali e nel ripeterli per tutto il lavoro, quello che i compositori chiamano un "motivo ripetuto".

Opera Brahms non ha scritto, ma si è cimentato in quasi tutti gli altri generi di musica classica. Pertanto, può essere definito uno dei più grandi compositori citati nel nostro libro, un vero gigante della musica classica. Lui stesso ha detto questo del suo lavoro:

"Non è difficile da comporre, ma è sorprendentemente difficile gettare note extra sotto il tavolo".

Max Bruchè nato appena cinque anni dopo Brahms, e quest'ultimo lo avrebbe sicuramente messo in ombra, se non fosse stato per un'opera, Concerto per violino n. 1.

Lo stesso Bruch ha riconosciuto questo fatto, affermando con modestia insolita per molti compositori:

"Tra cinquant'anni, Brahms sarà definito uno dei più grandi compositori di tutti i tempi, e io sarò ricordato per aver scritto il Concerto per violino in sol minore".

E si è rivelato avere ragione. È vero, lo stesso Brujah ha qualcosa da ricordare! Ha composto molte altre opere - circa duecento in tutto - ha soprattutto molte opere per coro e opere, che oggi raramente vengono messe in scena. La sua musica è melodica, ma non ha contribuito con nulla di particolarmente nuovo al suo sviluppo. Contro il suo background, molti altri compositori dell'epoca sembrano essere dei veri innovatori.

Nel 1880, Bruch fu nominato direttore della Liverpool Royal Philharmonic Society, ma tornò a Berlino tre anni dopo. I musicisti dell'orchestra non erano contenti di lui.

Sulle pagine del nostro libro abbiamo già incontrato tanti prodigi musicali, e Camille Saint-Sans non occupa il massimo tra loro ultimo posto. All'età di due anni, Saint-Saens stava già raccogliendo melodie al pianoforte e ha imparato a leggere e scrivere musica allo stesso tempo. All'età di tre anni recitava in commedie propria composizione. All'età di dieci anni, ha eseguito perfettamente Mozart e Beethoven. Tuttavia, si interessò seriamente all'entomologia (farfalle e insetti) e successivamente ad altre scienze, tra cui la geologia, l'astronomia e la filosofia. Sembrava che un bambino così talentuoso semplicemente non potesse limitarsi a una cosa.

Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Parigi, Saint-Saens ha lavorato per molti anni come organista. Con l'età, ha iniziato a influenzare vita musicale Francia, ed è stato grazie a lui che la musica di compositori come J.S. Bach, Mozart, Handel e Gluck ha iniziato ad essere eseguita più spesso.

Maggior parte famoso saggio Santo - Sansa - carnevale degli animali, che il compositore ha proibito di eseguire durante la sua vita. Era preoccupato di come critici musicali, avendo ascoltato questo lavoro, non lo considerava troppo frivolo. Dopotutto, è divertente quando l'orchestra sul palco ritrae un leone, galline con un gallo, tartarughe, un elefante, un canguro, un acquario con pesci, uccelli, un asino e un cigno.

Saint-Saens ha scritto alcune delle sue altre composizioni per combinazioni di strumenti non così frequenti, comprese le famose "Organo" Sinfonia n. 3, suonava nel film "Babe".

La musica di Saint-Saens ha influenzato il lavoro degli altri compositori francesi, Compreso Gabriele Faure. Questo giovane ereditò la carica di organista nella chiesa parigina di Santa Maddalena, precedentemente detenuta da Saint-Saens.

E sebbene il talento di Faure non possa essere paragonato al talento del suo insegnante, era un grande pianista.

Fauré era un uomo povero e quindi lavorava sodo, suonando l'organo, dirigendo il coro e dando lezioni. Stava scrivendo tempo libero, che rimasero pochissimi, ma nonostante ciò riuscì a pubblicare più di duecentocinquanta delle sue opere. Alcuni di loro sono stati composti per molto tempo: ad esempio, lavorare su Requiem durato oltre vent'anni.

Nel 1905 Fauré divenne il direttore del Conservatorio di Parigi, cioè l'uomo da cui dipendeva in gran parte lo sviluppo della musica francese di quel tempo. Quindici anni dopo Faure andò in pensione. Alla fine della sua vita soffriva di perdita dell'udito.

Oggi Faure è rispettato fuori dalla Francia, anche se lì è molto apprezzato.

Per i fan della musica inglese, l'aspetto di una figura come Edoardo Elgar, deve essere sembrato un vero miracolo. Molti storici della musica lo definiscono il primo compositore inglese significativo dopo Henry Purcell, che lavorò durante il periodo barocco, anche se poco prima abbiamo menzionato Arthur Sullivan.

Elgar amava molto l'Inghilterra, in particolare il suo nativo Worcestershire, dove trascorse la maggior parte della sua vita, trovando ispirazione nei campi delle colline di Malvern.

Da bambino era circondato dalla musica ovunque: suo padre possedeva un negozio di musica locale e insegnava al piccolo Elgar a suonare varie cose strumenti musicali. All'età di dodici anni, il ragazzo stava già sostituendo l'organista alle funzioni religiose.

Dopo aver lavorato nello studio di un avvocato, Elgar ha deciso di dedicarsi a un'occupazione molto meno sicura dal punto di vista finanziario. Per qualche tempo ha lavorato part-time, dando lezioni di violino e pianoforte, suonando in orchestre locali e dirigendo anche un po'.

A poco a poco, la fama di Elgar come compositore crebbe, anche se dovette lottare per uscire dalla sua contea natale. La fama lo ha portato Variazioni su un tema originale, che ora sono meglio conosciuti come Variazioni dell'enigma.

Ora la musica di Elgar è percepita come molto inglese e suona durante i più grandi eventi su scala nazionale. Al primo suono Concerto per violoncello appare subito la campagna inglese. Nimrod da Variazioni spesso suonato in cerimonie ufficiali, e Marcia solenne e cerimoniale n. 1, conosciuto come Terra di speranza e gloria eseguito ai balli di tutto il Regno Unito.

Elgar era un padre di famiglia e amava una vita tranquilla e ordinata. Tuttavia, ha lasciato il segno nella storia. Questo compositore dai folti baffi lussureggianti si nota subito sulla banconota da venti sterline. Ovviamente, i progettisti di banconote hanno scoperto che tali peli sul viso sarebbero stati molto difficili da falsificare.

In Italia, il successore di Giuseppe Verdi nell'arte operistica fu Giacomo Puccini, considerato uno dei maestri mondiali riconosciuti di questa forma d'arte.

La famiglia Puccini è stata a lungo associata musica da chiesa ma quando Giacomo ascoltò per la prima volta l'opera Aide Verdi, ha capito che quella era la sua vocazione.

Dopo aver studiato a Milano, Puccini compone un'opera Manon Lesko, che gli portò il suo primo grande successo nel 1893. Successivamente, una produzione di successo si è susseguita a un'altra: Boemia nel 1896, Desiderio nel 1900 e Madama Farfalla nel 1904.

In totale, Puccini compose dodici opere, l'ultima delle quali fu Turandot. Morì senza completare questa composizione e un altro compositore completò il lavoro. Alla prima dell'opera, il direttore d'orchestra Arturo Toscanini fermò l'orchestra esattamente dove aveva interrotto Puccini. Si rivolse al pubblico e disse:

"Qui la morte ha trionfato sull'arte."

Con la morte di Puccini finì il periodo di massimo splendore dell'arte operistica italiana. Il nostro libro non parlerà più di italiano compositori d'opera. Ma chissà cosa ci riserva il futuro?

Nella vita Gustav Mahler Era più conosciuto come direttore d'orchestra che come compositore. Dirigeva in inverno e in estate, di regola, preferiva scrivere.

Da bambino, si dice che Mahler abbia trovato un pianoforte nella soffitta della casa di sua nonna. Quattro anni dopo, all'età di dieci anni, ha già dato la sua prima esibizione.

Mahler ha studiato al Conservatorio di Vienna, dove ha iniziato a comporre musica. Nel 1897 divenne direttore dell'Opera di Stato di Vienna e nei successivi dieci anni acquisì una notevole fama in questo campo.

Lui stesso iniziò a scrivere tre opere, ma non le finì mai. Nel nostro tempo, è meglio conosciuto come compositore di sinfonie. In questo genere, possiede uno dei veri "successi" - Sinfonia n. 8, nella performance di cui sono coinvolti più di mille musicisti e cantanti.

Dopo la morte di Mahler, la sua musica passò di moda per cinquant'anni, ma nella seconda metà del XX secolo riacquistò popolarità, soprattutto in Gran Bretagna e negli Stati Uniti.

Riccardo Straussè nato in Germania e non apparteneva alla dinastia viennese degli Strauss. Nonostante questo compositore abbia vissuto quasi tutta la prima metà del XX secolo, è ancora considerato un rappresentante del romanticismo musicale tedesco.

La popolarità mondiale di Richard Strauss risentì in qualche modo del fatto che decise di rimanere in Germania dopo il 1939, e dopo la seconda guerra mondiale fu completamente accusato di collaborare con i nazisti.

Strauss era un eccellente direttore d'orchestra, grazie al quale capiva perfettamente come doveva suonare questo o quello strumento nell'orchestra. Ha spesso applicato questa conoscenza nella pratica. Ha anche dato vari consigli ad altri compositori, come:

"Non guardare mai i tromboni, li incoraggi solo."

“Non sudare mentre ti esibisci; solo gli ascoltatori dovrebbero scaldarsi.

Oggi Strauss è ricordato principalmente in relazione alla sua composizione Così parlò Zarathustra, l'intro utilizzato da Stanley Kubrick nel suo film 2001: Odissea nello spazio. Ma ha anche scritto alcune delle migliori opere tedesche, tra cui - Cavaliere Rosenkalier, Salomè E Arianna a Naxos. Un anno prima della sua morte, ha anche composto molto bello Quattro ultime canzoni per voce e orchestra. In realtà, queste non erano le ultime canzoni di Strauss, ma sono diventate una sorta di finale della sua attività creativa.

Fino ad ora, tra i compositori citati in questo libro, c'era un solo rappresentante della Scandinavia: Edvard Grieg. Ma ora siamo di nuovo trasportati in questa terra aspra e fredda, questa volta in Finlandia, dove Jean Sibelius, grande genio musicale.

La musica di Sibelius ha assorbito i miti e le leggende della sua terra natale. La sua più grande opera Finlandia,è considerata l'incarnazione dello spirito nazionale dei finlandesi, proprio come nel Regno Unito le opere di Elgar sono riconosciute come tesoro nazionale. Inoltre, Sibelius, come Mahler, era un vero maestro delle sinfonie.

Quanto alle altre passioni del compositore, nella vita quotidiana amava eccessivamente bere e fumare, tanto che all'età di quarant'anni e passa si ammalò di cancro alla gola. Spesso gli mancavano anche i soldi e lo stato gli dava una pensione in modo che potesse continuare a scrivere musica senza preoccuparsi del suo benessere finanziario. Ma più di vent'anni prima della sua morte, Sibelius smise di comporre qualsiasi cosa. Ha vissuto il resto della sua vita in relativa solitudine. Era particolarmente duro con coloro che ricevevano denaro per le recensioni della sua musica:

“Non prestare attenzione a ciò che dicono i critici. Finora, a nessun critico è stata data una statua.

Anche l'ultimo della nostra lista di compositori romantici è vissuto fino a quasi la metà del XX secolo, sebbene abbia scritto la maggior parte delle sue opere più famose nel 1900. Eppure è classificato tra i romantici, e ci sembra che questo sia il massimo compositore romantico da tutto il gruppo.

Sergei Vasilievich Rahmaninov nacque in una famiglia nobile, che a quel tempo aveva speso molti soldi. Ha sviluppato un interesse per la musica già da allora prima infanzia, ei suoi genitori lo mandarono a studiare, prima a San Pietroburgo e poi a Mosca.

Rachmaninov era un pianista sorprendentemente talentuoso e si rivelò anche un meraviglioso compositore.

Mio Concerto per pianoforte n. 1 ha scritto a diciannove anni. Trovò anche il tempo per la sua prima opera, Aleko.

Ma questo grande musicista, di regola, non era particolarmente soddisfatto della vita. In molte delle fotografie vediamo un uomo arrabbiato e accigliato. Un altro compositore russo, Igor Stravinsky, una volta osservò:

“L'essenza immortale di Rachmaninoff era il suo cipiglio. Aveva un metro e ottanta di cipiglio... era un uomo spaventoso".

Quando il giovane Rachmaninoff ha suonato per Čajkovskij, è stato così felice che ha messo un cinque con quattro più sul foglio della sua partitura, il punteggio più alto nella storia del Conservatorio di Mosca. Ben presto l'intera città iniziò a parlare del giovane talento.

Tuttavia, il destino è rimasto a lungo sfavorevole al musicista.

I critici sono stati molto duri con lui. Sinfonie n. 1, la cui prima si è conclusa con un fallimento. Ciò ha dato a Rachmaninov gravi esperienze emotive, ha perso la fiducia nelle proprie forze e non è riuscito a comporre nulla.

Alla fine, solo l'aiuto di uno psichiatra esperto Nikolai Dahl gli ha permesso di uscire dalla crisi. Nel 1901, Rachmaninoff aveva completato il concerto per pianoforte, che aveva lavorato duramente per molti anni e dedicato al Dr. Dahl. Questa volta, il pubblico ha accolto con gioia il lavoro del compositore. Da allora Concerto per pianoforte n. 2è diventato uno dei preferiti un classico eseguita da vari gruppi musicali In tutto il mondo.

Rachmaninoff iniziò a girare in Europa e negli Stati Uniti. Tornato in Russia, ha diretto e composto.

Dopo la rivoluzione del 1917, Rachmaninov e la sua famiglia andarono a concerti in Scandinavia. Non è mai tornato a casa. Si è invece trasferito in Svizzera, dove ha acquistato una casa sulle rive del Lago dei Quattro Cantoni. Ha sempre amato i corpi idrici e ora, quando è diventato un uomo abbastanza ricco, poteva permettersi di rilassarsi sulla riva e ammirare il paesaggio che si apriva.

Rachmaninoff era un eccellente direttore d'orchestra e dava sempre i seguenti consigli a chi voleva eccellere in questo campo:

“Un buon direttore d'orchestra deve essere un buon guidatore. Entrambi hanno bisogno delle stesse qualità: concentrazione, continua intensa attenzione e presenza mentale. Al direttore d'orchestra basta conoscere un po' la musica…”

Nel 1935 Rachmaninoff decise di stabilirsi negli Stati Uniti. Ha vissuto prima a New York e poi si è trasferito a Los Angeles. Lì iniziò a costruire per se stesso nuova casa, completamente identico a quello che ha lasciato a Mosca.

Con l'età, Rachmaninov dirigeva sempre meno e smise quasi completamente di comporre musica. Ha raggiunto l'apice della sua fama come eccellente pianista.

Nonostante la nostalgia di casa, a Rachmaninov piacevano gli Stati Uniti. Era orgoglioso della sua enorme Cadillac e spesso invitava gli ospiti a fare un giro in macchina solo per mostrare la sua macchina.

Poco prima della sua morte, Rachmaninoff ha ricevuto la cittadinanza americana. In questo paese fu sepolto.

Nel nostro libro abbiamo prestato molta più attenzione al periodo romantico che a tutti gli altri periodi della musica classica.

In quest'epoca sono successe così tante cose interessanti in vari paesi che è semplicemente impossibile raccontare tutto in un piccolo articolo. La musica classica è cambiata molto, così come il suo suono, che è diventato grazie a grandi orchestre sinfoniche più ricco e intenso. In molti modi, le opere di Rachmaninoff sono l'esempio perfetto di questo suono. Se lo confrontiamo con Beethoven, diventa chiaro quanto siano stati grandiosi i cambiamenti.

Ma per quanto significativi questi stessi cambiamenti avvenuti nel mondo della musica durante circa ottant'anni del periodo romantico, non possono essere paragonati a quanto avvenne in seguito. E in futuro, la musica è diventata ancora più varia e insolita, il che, a nostro avviso, non è sempre andato a suo favore.