Che cos'è un coro misto. Tema VIII: Tipi e tipi di cori

ca p t o r e

COMPOSIZIONE DEL CORO

Secondo la composizione del coro, le più diffuse sono tre tipologie principali: 1. Coro di voci femminili o di bambini (o entrambe), 2. Coro di voci maschili, 3. Coro di voci miste.*

Il coro del primo tipo, composto da soprani e contralti, e il coro del secondo tipo, composto da tenori e bassi, sono detti cori omogenei. Dall'unione di questi due gruppi corali omogenei (superiore e inferiore) si ottiene un gruppo misto, cosicché i cori del primo e del secondo tipo possono essere considerati come due metà del terzo tipo di coro. Ciò non nega affatto il loro significato indipendente, ma entrambi insieme formano il tipo più perfetto di coro: un coro misto.

Il coro del primo tipo è composto da: 1° soprano, 2° soprano (o mezzosoprano), 1° contralti e 2° contralti (o contralto).

Se illustriamo questa composizione con l'accordo corale più semplice, le voci del coro sono disposte come segue:

Il coro del secondo tipo è composto da: 1° tenori, 2° tenori, baritoni, bassi e ottavisti.

Lo stesso accordo per il coro di questa composizione dovrebbe essere arrangiato come segue:

Combinando gruppi corali omogenei di 1° e 2° tipo, si ottiene un coro misto completo, il tipo di coro più perfetto, che dovrebbe essere composto da nove parti: 1) 1° soprano, 2) 2° soprano, 3) 1° contralti, 4) 2° contralti, 5) 1° tenori, 6) 2° tenori, 7) baritoni, 8) bassi e 9) ottavisti.

L'arrangiamento degli accordi per un coro misto completo sarebbe:

Confrontando gli intervalli e i registri delle parti corali, vedremo (in dettaglio nel Capitolo III, Parte I) che un coro misto completo è diviso in quattro gruppi di voci affini:

1) 1° soprano e 1° tenore, 2) 2° soprano e 2° tenore, 3) contralti e baritoni, 4) bassi e ottavisti.

Graficamente, questo può essere rappresentato come segue:

Allo stesso tempo, il coro è suddiviso per registri (riportiamo questa suddivisione significato speciale) in tre strati, rispettivamente, della sonorità dell'accordo (con raddoppi): 1) uno strato di voci superiori, 2) uno strato di voci medie e 3) uno strato di voci inferiori, come si può vedere dalla tavoletta e esempio musicale:

1. Strato di obiettivi superiori. - 1° conp. + 1° decina.

2. Strato di obiettivi medi. - 2° conp. + 2a decina. + alt. + barite.

3. Strato di obiettivi inferiori. - bassi + ottavisti

Una sonorità corale insufficientemente buona è spesso dovuta, tra le altre cose, al fatto che questi tre strati di voci suonano in modo non uniforme nel coro, sbilanciati nella forza del suono: strato superiore- forte, inferiore - più debole, medio - ancora più debole. (Ne parleremo di più nel capitolo sull'ensemble.)

Di non poca importanza è la questione del minor numero di cantanti in ogni parte corale. La sua corretta risoluzione consentirà di motivare ulteriori conclusioni.

Se prendiamo un cantante per una parte, allora, ovviamente, la parte corale non funzionerà, poiché un cantante è un solista.

Due cantanti comporranno la parte corale? No, non lo faranno: nel momento in cui un cantante prende fiato, l'altro sarà nella posizione di solista.

Se prendiamo tre cantanti per la festa, allora si formerà la festa: quando uno dei tre prende fiato, allora ci sono ancora due che cantano. Di conseguenza, con tre abili cantanti, è possibile formare una parte corale minima nella composizione. Il numero minimo di cantanti per ogni parte corale è tre.

Se componiamo ogni parte dal minor numero di cantanti, otteniamo:

Pertanto, per formare un coro misto adeguatamente organizzato, occorrono almeno 12 coristi, distribuiti in tre per ogni parte. Chiameremo un tale coro un piccolo coro misto. Il piccolo coro è allo stesso tempo un coro incompiuto**, costretto a limitarsi, come si suol dire, a "quattro voci pure".

Aumentando uniformemente ogni parte del piccolo coro, ci avvicineremo alla quantità più piccola del coro misto medio (ma già completo). Quando il numero dei cantanti in ogni parte del piccolo coro raddoppia (e triplica nella parte dei bassi), si trasformerà in un coro misto medio con il minor numero di cantanti, vale a dire:

Nella parte di basso, come si può vedere dalla tavoletta, è stato effettuato un raggruppamento: a spese degli ottavisti, alla parte di basso è stato aggiunto un cantante. Questo è consigliato perché la parte dei bassi, come quella principale, ha bisogno di essere un po' amplificata. In relazione agli ottavisti, si può ammettere una deviazione dal principio di base: "il numero minimo di cantanti per parte è tre"; la parte dell'ottavista, in sostanza, non è una parte isolata - questa parte, bella nel suono, è già in una certa misura un lusso nel coro (quasi necessaria, tra l'altro). Questa parte va usata con molta attenzione, evitando abusi, altrimenti la brillantezza del suo suono verrà svalutata e diverrà addirittura fastidiosa.

Il coro misto medio della composizione più piccola (27 persone) può eseguire, con pochissime eccezioni, quasi tutta la letteratura corale, trattandosi di un coro completo, cioè composto da 9 parti corali.

Aumentando uniformemente tutte le sue parti, ci avvicineremo alla più piccola composizione di un grande coro misto. Quando il numero dei coristi di un coro misto medio raddoppia, diventerà un grande coro misto con il minor numero di coristi:

Tutta la letteratura corale è a disposizione di questo potente coro, poiché ogni parte di esso può formarne quattro gruppi corretti di 3 cantanti per ciascuno.

I calcoli di cui sopra possono sembrare in qualche modo astratti. Non insistiamo categoricamente su di essi, ma riteniamo necessario sottolineare che sono il risultato di molti anni di osservazione ed esperienza. Indicando il numero minimo iniziale di coristi di un grande coro misto, non ci impegniamo a determinarne il numero massimo massimo, ma riteniamo necessario stabilire che esiste un limite oltre il quale la sonorità musicale grande coro già degenerando in sonorità rumorose.

Per quanto riguarda la disposizione del coro, questa domanda viene interpretata in modi diversi. Proviamo a trovare giustificazioni oggettive per la sua risoluzione.

Il coro, come accennato in precedenza, è suddiviso in quattro gruppi di voci affini. Mettiamo le parti del primo gruppo agli estremi opposti del palco. Saranno a loro agio a cantare? Certo che no: avendo gamme e registri uniformi e cantando ai raddoppi in ottave, si sforzano sempre di essere più vicini gli uni agli altri. Cerca di allontanare gli ottavisti dai bassi e sentirai il mormorio del primo: "È scomodo, non puoi sentire i bassi, non c'è nessuno su cui appoggiarsi". Pertanto, le parti correlate devono essere nello stesso gruppo. Allo stesso tempo, le parti che compongono lo strato delle voci superiori e che assumono la maggior parte del materiale melodico dovrebbero trovarsi sul lato destro del direttore. Parti dello strato intermedio, che riempiono lo spazio tra lo strato superiore e quello inferiore con materiale armonico, sono disposte in tutto il coro. Infine le parti dello strato inferiore, come parti fondamentali, come base su cui poggia tutto il peso dell'accordo corale, devono gravitare verso il centro.

La disposizione proposta del coro è stata verificata dall'esperienza e dalle osservazioni. Ma questo non è qualcosa di incondizionatamente obbligatorio; a volte la sala e le condizioni acustiche possono richiedere alcuni cambiamenti nell'arrangiamento del coro***.

Avendo considerato diversi tipi coro e l'ordine della sua disposizione, soffermiamoci su alcune questioni organizzative.

Il direttore del coro deve avere degli assistenti sia nella parte musicale e artistica, sia nella parte organizzativa. Il direttore assistente per la parte musicale svolge i lavori preparatori con il coro e sostituisce il direttore in caso di sua assenza per qualsiasi motivo.

Il direttore assistente per la parte musicale è un membro del coro, partecipa all'intero lavoro del direttore, assimilando le sue esigenze in modo che in caso di sostituzione non introduca nuove interpretazioni di se stesso. Non dovrebbero esserci due influenze sul coro e direzioni diverse nel lavoro. Va da sé che un assistente al direttore d'orchestra deve avere un'adeguata educazione musicale.

L'assistente del direttore per la parte organizzativa dovrebbe essere il capo del coro.

Il compito principale del capo del coro è garantire quell'ordine, quell'organizzazione, necessaria per il lavoro artistico.

Inoltre ciascuna delle quattro parti corali deve avere un capo della parte corale, che ne sia responsabile sia dal punto di vista organizzativo che musicale. Il direttore del coro dovrebbe essere un eccellente cantante esperto, sufficientemente istruito musicalmente. Il custode del paria corale è il suo rappresentante, il suo legame vivo con il direttore d'orchestra. Deve conoscere ogni cantante della sua parte in modo completo. Notando le carenze dei cantanti della sua parte, può e deve segnalarle, ottenendo così il miglioramento di ogni cantante individualmente e di tutta la parte nel suo insieme. Un cantante inesperto, tecnicamente poco preparato, il capo dovrebbe dare sotto la guida di un cantante esperto, che lo guida finché non acquisisce esperienza e migliora la sua tecnica. Questa guida ha molto valore pratico. Non importa quanto sia bravo un cantante che si è unito al coro, si incontra con il modo di cantare, con i metodi del direttore, che non conosce ancora, e quindi è irrazionale metterlo subito nella posizione di un completamente cantante indipendente. Il custode della parte del coro è in questo caso un assistente indispensabile del direttore. Immancabilmente presente alla prova della voce, dell'udito, delle conoscenze e delle capacità di un cantante appena entrato nel coro, il capo deve immediatamente individuare un cantante esperto nella sua parte corale e affidare il nuovo arrivato sotto la sua guida.

Da ciò è chiaro che solo tanti cantanti possono essere accettati nella parte corale quanti sono i cantanti esperti che possono guidare i principianti. Fatto salvo questo ordine, il nuovo arrivato non può essere un freno alla sua festa, interferire con essa: al primo errore verrà fermato dal cantante-leader anziano. Nel tempo, quando un tale principiante acquisisce gradualmente esperienza, padroneggia le tecniche di un direttore d'orchestra, impara a mantenere un insieme, un sistema, ecc. Di coro sia privato che generale, diventa un cantante indipendente. È utile per un tale cantante che ha completato la sua esperienza di formazione per dare un po 'di tempo agli inesperti per imparare: osservando gli errori del suo allievo, capirà chiaramente che lui stesso ha dovuto superare questo "corso".

Il custode della festa corale deve scegliere dalla sua composizione un cantante che si occuperebbe delle note della sua festa. Allo stesso tempo, si consiglia di conservare cinque cartelle buone e durevoli: quattro per il coro (una per parte) e una per il direttore. Il bibliotecario, ricevuta dal direttore l'indicazione di quali composizioni e in quale ordine verranno elaborate durante le prove, in accordo con ciò, dispone le note in cartelle e le consegna ai cantanti selezionati per ogni parte. Il conduttore annuncia la cosa da risolvere. I responsabili delle cartelle musicali distribuiscono gli appunti e, al termine del lavoro su questo brano, li raccolgono immediatamente nelle cartelle; anche il caposquadra non deve, oltre a chi è addetto alle cartelle, disporre degli appunti - fatta salva questa regola, i faldoni con gli appunti arriveranno al termine della prova al bibliotecario nello stesso ordine in cui li ha emessi . Il bibliotecario è responsabile della cartella del conduttore.

Tutti i precedenti disposizioni organizzative sono di grande importanza pratica. Nel coro tutto deve essere collegato, fissato, saldato. Con un'organizzazione chiara, non dovrebbe verificarsi alcuna violazione del lato musicale o sociale della questione: funzioni organizzative finemente distribuiti, ogni sezione lavoro organizzativo consegnato nelle mani giuste. Ogni collegamento coordina intelligentemente il proprio lavoro con l'altro in nome degli interessi della causa comune, l'organizzazione e la disciplina necessarie per una fruttuosa attività artistica sono saldamente introdotte nel coro.

Molto spesso, un direttore d'orchestra che esige disciplina viene criticato per essere troppo severo e pretendere troppo. Naturalmente, tutte le richieste irragionevoli devono essere condannate.

Proviamo ad approfondire questo problema.

Sappiamo per esperienza quali risultati deludenti a volte portano a tali "richieste". Come si può esigere, ad esempio, affetto personale o partecipazione sincera e cordiale ad un'opera artistica comune? Questo può solo essere desiderato, e questo si ottiene non con requisiti, ma con altri mezzi. Prima di tutto, bisogna essere esigenti con se stessi e sapere che ogni lavoro di un direttore con un coro deve essere un atto creativo, che uno slancio, controllato da un senso delle proporzioni artistiche, deve essere un compagno costante del direttore sia in preparazione lavoro e nello spettacolo pubblico.

Il direttore d'orchestra deve essere sempre esteriormente pulito, affabile, non ammettere mai la maleducazione: deve comprendere fermamente che la maleducazione e il buon lavoro artistico si escludono a vicenda.

Dividiamo la disciplina del coro in esterna e interna. La disciplina esterna è ordine, condizione indispensabile per svolgere qualsiasi lavoro collettivo. Questa disciplina esterna è necessaria come mezzo per educare e stabilire la disciplina interna necessaria per lavoro artistico. Curare il mantenimento della disciplina esterna è compito diretto del capo del coro e del capo dei gruppi corali, essi stabiliscono con calma e ragionevolmente l'ordine esterno necessario al lavoro. Ma se solo gli anziani si prendono sempre cura di mantenere la disciplina esterna, allora questo non è duraturo. Lo stesso direttore deve instillare gradualmente e pazientemente nel coro una ragionevole e consapevole disciplina esteriore. È necessario che il cantante, sotto l'influenza dell'influenza morbida e persistente del direttore, si disciplini, capisca chiaramente che la disciplina esterna dipende da lui, che è necessaria e che solo se è presente, il coro è capace di creatività artistica lavoro.

La disciplina esterna crea nel coro un'atmosfera di serietà, profondo rispetto per l'arte, quell'ordine esterno e quella concentrazione, che introducono il coro nel regno della disciplina artistica interna. Pertanto, la disciplina dell'ordine interno è strettamente connessa con la disciplina dell'esterno. Senza di esso, sarà difficile per il direttore, insieme al coro, dare un significato creativo ai propri studi. Il lavoro creativo, e in particolare la performance artistica, è un processo delicato e complesso. Richiede straordinaria concentrazione, premura, umore, profondità. Lo slancio creativo che determina la vera performance artistica non può essere evocato artificiosamente e frettolosamente. Ma possiamo preparare la strada per questo. Queste vie sono il rafforzamento della disciplina esterna e il superamento delle difficoltà tecniche del materiale in lavorazione. Quando un coro disciplinato supera queste difficoltà, allora vengono sgombrate le strade che conducono al campo della disciplina dell'ordine artistico interno, alla presenza del quale solo possono apparire elevazione e ispirazione.

Solo con un'attenta osservanza di tutti i requisiti della disciplina esterna e interna, il coro diventa capace di prestazioni ispirate e artistiche e il lavoro del coro diventa una vera opera d'arte.

Per lavoro di successo chora Grande importanza ha il talento musicale di ogni cantante. Pertanto, quando si accetta un nuovo cantante, il direttore deve prestare sufficiente attenzione al suo talento musicale. Il cantante musicalmente dotato ha un'idea della bellezza del suono, e quindi il desiderio di trovare un tale suono; ci vorranno pochissime indicazioni e consigli per trovare il suono giusto. Con l'assimilazione di informazioni elementari sulla respirazione e la formazione del suono, un cantante musicalmente dotato, con l'ausilio di pochissimi esercizi, ottiene rapidamente buoni risultati. Più cantanti musicalmente dotati ci sono nel coro, più facilmente il coro comprende e percepisce le esigenze del direttore, più riesce nel suo lavoro.

Due parole sul numero e la durata delle prove. Dalla pratica di molti anni, arriviamo alla conclusione che il numero minimo di prove per i cori amatoriali è di due a settimana. Con una prova alla settimana, i risultati del lavoro svolto vengono quasi completamente dissipati dalla successiva, le abilità acquisite vengono appianate. In queste condizioni i risultati non si fanno sentire, i cantanti perdono interesse per il lavoro.

I cori professionisti devono esercitarsi quotidianamente (eccetto i fine settimana). La durata delle prove non deve superare le 2 ore e mezza: la prima parte è di 1 ora e ¼, il resto è di ¼ ore e la seconda è di 1 ora.

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* Considerando la questione della composizione del coro, P. G. Chesnokov non caratterizza le capacità artistiche ed esecutive di un particolare tipo di coro. (Nota di S. Popov).

* Richiamiamo l'attenzione sull'uso peculiare dei termini: “coro pieno” e “coro incompleto”. Per "incompleto" - P. G. Chesnokov intende un piccolo coro, mentre il coro "pieno" è un coro in cui le parti corali possono essere divise in gruppi. Ciò è contrario alla comprensione attualmente accettata dei termini di cui sopra. "Incompleto" si riferisce a un coro privo di qualsiasi parte corale, come un coro composto da parti di soprano, contralto e tenore. "Completo" è considerato un coro, in cui sono presenti tutte le parti corali (soprano, contralto, tenore e basso), indipendentemente dalla loro composizione numerica. (Nota di S. Popov).

Nella pratica musicale esistono altri concetti che hanno un significato vicino al termine "arrangiamento": trascrizione, elaborazione, armonizzazione, orchestrazione o edizione orchestrale.

L'arrangiamento corale ha caratteristiche distintive. Prima di intraprendere l'arrangiamento di qualsiasi opera, l'arrangiatore deve essere sicuro che l'opera suonerà bene nel pentagramma destinato all'esecuzione, che la cosa principale ed essenziale per quanto riguarda i meriti artistici dell'opera rimarrà. Inoltre, questo requisito si applica al trasferimento di vocale o lavoro strumentale nel genere corale. Ad esempio, nei romanzi, il testo poetico è spesso dato in prima persona e, quindi, è inaccettabile per l'esecuzione collettiva. Non dobbiamo dimenticare che il genere romantico richiede sottili sfumature agogiche (tempo) e dinamiche, che si ottengono con grande difficoltà nell'esecuzione corale.

L'arrangiamento è, prima di tutto, un processo creativo che richiede all'arrangiatore soprattutto talento e intuito nel comprendere la misura che non va oltrepassata per non distorcere intenzione dell'autore. Il compito principale a questo proposito è preservare le caratteristiche principali dell'opera, come materiale tematico musicale, struttura modale, linguaggio armonico, ritmo, tempo, testo letterario. È noto che la trasposizione di un'opera in una tonalità diversa ne modifica la colorazione nel suo insieme. In più lavoro alto suona sempre più leggero, e nel deserto inferiore e non così espressivo.

Il requisito principale per un arrangiamento corale è seguire le regole della tessitura confortevole. Le voci che cantano dovrebbero essere nelle zone del campo di lavoro e delle note di lavoro. La gamma di lavoro differisce dalla gamma completa in quanto non contiene suoni superiori e inferiori.

Considera il generale e modi tipici disposizioni. A volte la disposizione può essere limitata modifiche minime originale. Ad esempio, i singoli turni melodici vengono trasferiti ad altri gruppi corali affinché la linea melodica venga eseguita in modo più vivido, espressivo e senza carico eccessivo.

Va detto delle caratteristiche dell'arrangiamento di alcune armonie di intervallo. La specificità del suono corale è tale che tutti gli ingervali, in registri convenienti, di solito suonano buoni e nobili. Questo vale anche per intervalli come la quarta, la quinta, l'ottava, che sembrano suonare vuoti al pianoforte. Nei timbri corali, queste consonanze hanno un colore completamente diverso, quindi possono essere utilizzate liberamente nelle partiture a due voci.

Disposizione di cori omogenei a due voci

Se un coro omogeneo è rappresentato dalla sua solita composizione, cioè coro femminile- soprani e contralti, coro maschile - tenori e bassi, quindi nella trascrizione, di regola, si conserva la tonalità di un coro omogeneo.

Se un coro omogeneo è costituito da due voci acute (soprano I e II o tenore I e II), quando si trascrive in un coro misto, è necessario trasporre verso il basso di un opportuno intervallo, solitamente non superiore a una terza maggiore. Se un coro omogeneo è composto da due voci basse, sarà necessaria una trasposizione verso l'alto.

Nei cori omogenei a due voci, se contengono elementi a tre voci, tutte e tre le voci vengono raddoppiate. Se divisi in due parti si esegue nella voce acuta, allora il soprano I è raddoppiato dai tenori I, il soprano II dai tenori II, i bassi contralti. Con divisi nella voce più bassa, il soprano è raddoppiato dai tenori, i contralti I dai bassi II. La transizione a un'altra chiave non è richiesta qui.

1. La partitura di un coro misto si forma raddoppiando tutte e tre le voci.
2. La partitura di un coro misto si forma raddoppiando due delle tre voci di un coro omogeneo.
3. La partitura di un coro misto si forma raddoppiando una delle voci di un coro omogeneo.

II modo:

Negli arrangiamenti del secondo metodo, di solito viene preservata la tonalità di un coro omogeneo. Tuttavia, se un coro omogeneo ha un divisi nella voce alta (soprano o tenore), sarà necessaria la trasposizione verso il basso, altrimenti i contralti in un coro misto saranno molto alti.

III modo:

quando trascritto dal coro delle donne

quando tradotto da coro maschile

Il metodo principale di tali arrangiamenti consiste nel cambiare la disposizione delle voci in un coro omogeneo mantenendo la tonalità del lavoro. Nella pratica corale ha ricevuto la massima diffusione, poiché quando applicato non richiede alcuna restrizione sugli intervalli nelle voci di un coro omogeneo.

Questo metodo è più conveniente nei casi in cui le voci di un coro omogeneo sono ravvicinate. L'arrangiamento per un coro misto in questo caso fornisce una distribuzione uniforme delle voci nell'accordo e, quindi, il suo suono completo e unificato.

Con una disposizione ampia o mista delle voci di un coro omogeneo, nella trascrizione possono formarsi indesiderate lacune tra le parti corali, deteriorando la qualità sonora della partitura. Per evitare tali interruzioni, è necessario (se possibile nelle condizioni di voicing e tessitura) preservare le relazioni di intervallo che erano negli accordi di un coro omogeneo, o riorganizzare le voci centrali nell'accordo in modo che un break non si verifica, o per introdurre una quinta voce al punto di break.

Quando trascritto in questo modo, l'incrocio di voci in accordi di un coro omogeneo può anche portare a lacune tra le voci. In questi casi, le voci medie non devono essere scambiate per evitare interruzioni. È necessario mantenere la stessa disposizione che era nel coro omogeneo.

Va ricordato che questo metodo di arrangiamento è più appropriato in relazione a opere di natura calma e senza fretta. L'espansione della gamma corale di un'ottava e la modifica della disposizione delle voci in questo caso non influiranno negativamente sul carattere del suono.

Un risultato diverso, direttamente opposto, può essere ottenuto se il lavoro viene eseguito a un ritmo veloce e in esso predominano piccole durate. Nella performance possono apparire goffaggine e pesantezza, estranei al tempo mobile. Pertanto, per tali arrangiamenti, non è necessario prendere opere in cui un cambiamento nella trama influirà negativamente sui meriti artistici dell'arrangiamento.

C'è un altro modo, ma in pratica è raro, poiché richiede di limitare le estensioni delle due parti inferiori di un coro omogeneo.

Arrangiamento di cori a tre voci omogenee di un magazzino omofonico-armonico per quattro voci miste

A differenza del precedente tipo di arrangiamento, dove si formava un coro misto raddoppiando per ottava le voci di un coro omogeneo, questo tipo di elaborazione prevede la creazione di una partitura a quattro voci in cui ciascuna delle voci avrà una propria linea melodica indipendente . Questo metodo può essere applicato quando il coro a tre voci o le sue singole costruzioni sono presentate in un magazzino omofonico-armonico. I cori con sviluppo subvocale non dovrebbero essere presi per tali arrangiamenti, poiché la trama armonica a quattro voci può distorcere la colorazione caratteristica insita nel magazzino subvocale.

Se si trascrive il coro femminile, allora la voce più bassa trasmessa ai bassi suonerà un'ottava più bassa; se fai un arrangiamento per il coro maschile, allora quello superiore, trasferito alla parte del soprano, sale di un'ottava più in alto.

Le voci medie di un coro misto (contralti e tenori) sono formate secondo le norme della voce principale sulla base del riempimento dell'armonia di un accordo a quattro voci con suoni mancanti. In questo caso la voce media di un coro omogeneo non deve necessariamente passare invariata ad una delle voci medie di un coro misto.

Né la posizione melodica dell'accordo, né la sua forma, né la funzione armonica possono essere modificate. Solo la pienezza del suono armonico e la disposizione delle voci nell'accordo possono cambiare. Spesso nelle opere a tre voci la tonica è rappresentata da un accordo di sesta. In una partitura mista a quattro voci, questo sesto accordo è sostituito dal tipo principale di accordo.

Arrangiamenti di cori omogenei a numero variabile di voci per cori misti

Tali accordi sono presi sulla base di una combinazione vari modi considerato in precedenza. Le costruzioni a voce singola, a due voci, così come a due voci con elementi di tre voci richiederanno un raddoppio di ottava delle voci di un coro omogeneo. Negli episodi a tre voci possono presentarsi due possibilità di arrangiamento: un raddoppio di ottava delle parti corali o la sostituzione degli accordi a tre voci con una presentazione a quattro voci, in cui ciascuna delle voci del coro misto avrà una linea melodica indipendente .

La scelta dell'uno o dell'altro metodo dipenderà dalle caratteristiche di questa costruzione.

Arrangiamenti di cori misti a quattro voci in quattro voci omogenee

Un tratto caratteristico dell'arrangiamento di cori misti a quattro voci per cori a quattro voci omogenee è che da una composizione più ricca in termini registro e timbro-espressivi, il lavoro si trasferisce ad una composizione corale con mezzi e possibilità più modeste. Pertanto, non tutti i brani scritti per un coro misto possono essere arrangiati per composizioni omogenee, fermo restando il loro contenuto artistico.

1. Il ritornello è disposto in un arrangiamento ravvicinato.
2. Il coro è disposto in un ampio arrangiamento.
3. Il coro è disposto in un arrangiamento variabile.
4. Il coro, indipendentemente dalla posizione, è scritto in una forma sviluppata complessa.

Nella letteratura corale ci sono opere per coro misto con un arrangiamento serrato sostenuto dall'inizio alla fine. Più spesso si tratta di piccole costruzioni a forma di periodo. Per organizzare un coro così misto per un coro femminile, è necessario alzare la chiave di un secondo o di un terzo e trasferire le voci secondo il seguente schema:

Con un tale cambio di marcia, a volte viene cambiata l'inversione dell'accordo. Quando si arrangiano brani scritti per un coro misto del tipo nominato per un coro maschile, la chiave del brano deve essere solitamente abbassata di una quinta-sesta (per un coro maschile professionale), e per coro amatoriale fino all'ottava inclusa.

Tali composizioni sono rare nella letteratura corale. Proprio come le opere con un arrangiamento ravvicinato costante, i cori con un arrangiamento vocale ampio e costante sono solitamente presentati sotto forma di miniature corali. Il loro arrangiamento per una composizione omogenea è realizzato trasformando un arrangiamento ampio in uno chiuso senza cambiare la tonalità.

Un'eccezione è l'arrangiamento per un coro maschile professionale, per il quale la tonalità del brano può essere leggermente aumentata. La tonalità del dilettante dipende dal suono acuto della parte del soprano. Non dovrebbe essere più alto del "fa" della prima ottava.

Le opere per un coro misto con una disposizione variabile delle voci si trovano più spesso nella letteratura corale. Quando si dispone questo tipo di partiture in composizioni omogenee, si pone la questione della scelta della chiave per i cori maschili e femminili.

Sta di fatto che in opere che comprendono sia arrangiamenti larghi che serrati e, quindi, non si tratta più di miniature corali, ma di opere di più forma grande, è possibile utilizzare l'intera gamma del coro, compresi i registri estremi del coro o le sue singole parti, che il più delle volte risultano impossibili da cambiare né verso l'alto né verso il basso.

Ne consegue che è preferibile preservare il tono dell'originale. Tuttavia, la tonalità preservata porta costantemente a una discrepanza tra i registri di una composizione del coro e un'altra. Pertanto, nell'arrangiare un coro misto con disposizione variabile delle voci per composizioni omogenee in quest'ultimo, è spesso necessario ridurre il numero delle voci negli accordi, riducendole a tre voci, a due voci e talvolta a una voce , assicurandosi che i suoni dell'accordo di riempimento non si trovino sopra la voce superiore e non formino accordi arbitrari di un quarto di sesto.

È necessario monitorare attentamente la fluidità della guida vocale, la cui osservanza è associata a ulteriori difficoltà derivanti dal costante cambiamento di arrangiamento stretto e largo nell'originale, ognuno dei quali richiede una ristrutturazione dell'arrangiamento delle voci all'interno di cori omogenei. Dobbiamo costantemente deviare dalla condotta delle voci dell'autore, quindi tornarci di nuovo.

Se un'opera per un coro misto ha il carattere di una tela estesa e di grandi dimensioni, di norma, non è possibile organizzare un'opera del genere per composizioni sia femminili che maschili a causa della discrepanza tra le capacità dei gruppi esecutivi indicati .

Arrangiamenti di cori misti a quattro voci per tre voci omogenee

Tali trasferimenti vengono effettuati come segue. La linea melodica della voce alta del coro misto è completamente conservata e trasferita alla voce alta del coro omogeneo. Solo l'ottava del suo suono può cambiare, se si tratta di un arrangiamento per coro maschile. Le altre due voci del coro omogeneo si formano sulla base del suono armonico delle altre tre voci del coro misto, tenendo conto della loro nuova collocazione nell'accordo.

È impossibile porsi il compito di trasferire con precisione una qualsiasi delle tre voci inferiori di un coro misto alla partitura di un coro omogeneo. Il desiderio di mantenere intatte queste voci può portare a un suono inferiore degli accordi in un coro omogeneo. In una partitura a tre voci, inoltre, non è necessario preservare la forma dell'accordo rispetto alla sua presentazione a quattro voci. Più importante in questo caso è la corretta disposizione delle voci nell'accordo. I giri di cadenza nella versione a tre voci consentono un approccio più libero in termini di arrangiamento. Ad esempio, la tonica finale e la dominante che la precede possono essere rappresentate dalle loro inversioni: un sesto accordo di tonica e un secondo accordo di dominante (incompleto). Sostituendo gli accordi a quattro parti con quelli a tre parti, quando si perde in una certa misura la completezza del suono armonico, quindi è desiderabile preservare in questi accordi il tono introduttivo, settimo, nessuno, toni alterati, su cui la colorazione dell'armonia, la sua colorazione specifica dipende direttamente.

Uno dei compiti più importanti nella trasposizione del tipo denominato è giusta scelta l'intervallo tra la linea melodica e la voce più bassa appena formata. Questo intervallo dovrebbe riprodurre il più accuratamente possibile il colore armonico del corrispondente accordo a quattro parti. Ad esempio, un accordo di settima dominante (nella posizione di una terza) con una risoluzione di una triade tonica, quando sostituito da un due voci, un quarto allargato con una risoluzione di una sesta tonica suonerà meglio:

Va notato che sostituendo l'accordo di settima dominante e le sue inversioni con un suono a due voci, è desiderabile preservare il suono più caratteristico di questo accordo: il settimo.

La scelta dell'intervallo richiesto quando trascritto in una composizione corale a due voci dipende in gran parte dalla posizione melodica dell'accordo a quattro voci del coro misto. Ad esempio, se c'è un secondo accordo dominante nella posizione melodica del tono di apertura, è meglio sostituire questo accordo con una quarta aumentata:

Se prendi il secondo accordo dominante nella posizione di un quinto o tono fondamentale, allora invece di un quarto aumentato, suonerà un grande sesto (1) o un grande secondo (2):

Quando si trascrivono cori misti a quattro voci per cori omogenei a due voci, la colorazione armonica delle triadi e le loro inversioni è meglio trasmessa da intervalli dal suono pieno: terze, seste, meno spesso decimali. Quando si sostituiscono gli accordi di settima del gruppo dominante con un suono a due voci, sono ampiamente utilizzati una seconda maggiore, una settima minore, tritoni, meno spesso una sesta e una terza.

Gli intervalli dal suono vuoto (quarta e quinta) nelle opere di un magazzino armonico sono usati al meglio sui battiti deboli della misura. Su un ritmo forte nel mezzo di costruzioni musicali, un quarto è più spesso usato sotto forma di ritardo. Nelle rivoluzioni finali, la quarta e la quinta sono usate nel loro suono immediato. Il quarto di solito riproduce l'armonia dell'accordo cadenzato quarto di sesto, e la quinta - la cadenza dominante, risolta nella tonica finale.

I quarti e le quinte, in combinazione con altri intervalli, sono usati in vari modi nelle esecuzioni a due voci di canzoni popolari russe. Qui l'ambito del loro utilizzo è notevolmente ampliato. La colorazione caratteristica di questi intervalli conferisce al suono quella colorazione speciale e inimitabile che è insita nel magazzino subvocale della musica popolare russa.

Il concetto del tipo di coro come composizione specifica e come composizione specifica della musica corale. Tipi di coro. Caratteristiche delle loro capacità tecnico-vocali ed esecutive. Esempi.

Tipi di coro. Determinazione del tipo di coro e partitura corale. Definizione del termine "festa corale". Set completo di parti corali con il corrispondente assolo voci cantanti. La composizione quantitativa dei cori e le relative possibilità esecutive. Esempi di composizioni corali di vario genere.

Varie opzioni per la posizione del coro.

Terminologia sull'argomento:

Coro omogeneo- un coro composto da voci dello stesso tipo (maschili, femminili o bambini).

Coro di bambini- omogeneo. Ci sono cori minori, medi e anziani, in genere dai 6 ai 15 anni.

coro incompleto- un coro misto in cui non c'è parte.

coro misto- coro, composto da 4 parti: Soprano, Contralto, Tenore e Basso.

La spedizione- parte del coro che canta con le stesse voci.

divisione(divisi) - termine musicale, denotando nella partitura del coro la divisione di una parte in due o più.

7. Costruisci nel coro.

Definizione del concetto di "struttura musicale". L'aspetto storico dell'emergere e della modifica di vari sistemi musicali chiamate scale musicali.

La struttura del coro è uno degli elementi principali della sonorità corale.

Divulgazione del concetto di "sistema a zone". Conferma delle principali conclusioni di P.G.Chesnokov nella ricerca scientifica e nei lavori dell'accademico N.A.Garbuzov sulla natura zonale del sistema vocale.

Accordatura melodica (orizzontale) e armonica (verticale). Struttura melodica come raggiungimento dell'unisono nel suono della parte corale attraverso la consapevolezza delle inclinazioni modali e delle leggi dell'intonazione zonale dei passi e degli intervalli. Sistema armonico e suo rapporto con il sistema melodico. Intonazione degli accordi. Lo sviluppo dei dati uditivi nei cantanti. La natura attiva dell'udito vocale e la sua relazione con le sensazioni muscolari. Il rapporto tra respiro e accordatura, voce e accordatura. Dipendenza del raggiungimento dell'ordine dai mezzi espressivi musicali della partitura, del tempo, della dinamica, ecc. Difficoltà nel raggiungimento dell'ordine dovute alle condizioni di lavoro e ad altri fattori esterni.

Terminologia sull'argomento:

Sistema di coro- uno degli elementi principali della sonorità corale, che determina la purezza intonazionale del canto.

intonazione- riproduzione consapevole della musica. suono per voce o per strumento. Un'intonazione accurata si basa su connessioni modali.

Forchetta- un dispositivo sorgente sonora che funge da standard per l'intonazione durante l'accordatura strumenti musicali e nel canto. La frequenza del tono di riferimento per la prima ottava è 440 Hz.

Ensemble nel coro.

Il concetto di insieme nelle sue diverse accezioni, anche strutturale e organizzativa. Ensemble come uno degli elementi principali della sonorità corale. Le basi psicologiche dell'insieme. L'ensemble è privato e condiviso. Tipi tecnologici dell'ensemble: per qualità del suono (vocale), per forza (dinamica), nel tempo (ritmica, tempo). Ensemble e dipendenza dall'accordatura. Ensemble vocale come unità di posizione vocale, forma articolatoria e timbro. L'ensemble dinamico comprende: un ensemble naturale e artificiale, un ensemble in condizioni di varie trame, un ensemble di solista e coro, un ensemble di coro e accompagnamento strumentale. Ensemble ritmico, la sua dipendenza da metroritmo, tempo, consistenza, ecc. Ensemble di tempo. Insieme artistico, la sua influenza sull'insieme tecnologico.

Terminologia sull'argomento:

Complesso corale(ensemble - insieme) è uno dei componenti principali della sonorità corale.

Dinamica in musica- la forza del suono, il volume e i loro cambiamenti.

Ritmo- la velocità di alternanza delle parti metriche nella musica. Il tempo è strettamente correlato al carattere, allo stile, al genere, nonché alla personalità dell'esecutore.

Metro- l'ordine di alternanza di battiti forti e deboli nella musica.

Metronomo- un dispositivo per determinare il tempo di un brano musicale.

Ritmo- organizzazione temporanea suoni musicali e le loro combinazioni.

Sincope- discrepanza tra sollecitazioni metriche e ritmiche.

Accompagnamento- accompagnamento di uno o più strumenti, nonché dell'orchestra della parte solista (cantante, strumentista, coro).

Struttura- un magazzino, un dispositivo per un tessuto musicale, un insieme dei suoi elementi. E gli elementi della trama, in cosa consiste: melodia, accompagnamento, basso, voci medie e sfumature. La trama può essere molto varia: omofonica, armonica, polifonica, ecc.

Stato Istituto d'Istruzione RF

Collegio pedagogico di Rostov intitolato a K.D.Ushinsky

ANNOTAZIONE

per opera corale per coro misto a cappella

R. Schumann "Notte Silenzio"

Completato: studente del gruppo 41

Sapunkova Vera

Docente: Pyasetskaya T.I.

Rostov, 2008

Robert Alexander Schumann (1810-1856) è stato un compositore, pianista e critico musicale tedesco. Nato nella famiglia di un editore di libri. Nel 1828 entrò all'Università di Lipsia presso la Facoltà di Giurisprudenza. Inoltre studiò pianoforte con Friedrich Wieck (1830). Nel 1829 Schumann si trasferì all'Università di Heidelberg, che lasciò nel 1830. Mentre studiava all'università, si recò a Monaco, dove conobbe Heine, e anche in Italia. Ha iniziato a studiare composizione e arrangiamenti con Dorn. Nel 1834 fondò il Nuovo Giornale Musicale. Nel 1840 Schumann sposò Clara Wieck (durante questo periodo scrisse molte canzoni e cicli: Myrtle, Love and Life of a Woman, Love of a Poet). Nel 1850 si esibì come corale e direttore d'orchestra sinfonico. Nel 1856, dopo due anni di cure infruttuose in un ospedale psichiatrico, Schumann morì.

Esponente dell'estetica del romanticismo tedesco. Creatore di software cicli pianistici("Farfalle", 1831; "Carnevale", 1835; " giochi di fantasia", 1837; "Kreisleriana", 1838), cicli vocali lirico-drammatici ("The Poet's Love", "Circle of Songs", "Love and Life of a Woman", tutto 1840); contribuito allo sviluppo del romantico sonata per pianoforte e variazioni ("Symphonic Etudes", 2a edizione, 1852). Opera "Genoveva" (1848), oratorio "Paradiso e Peri" (1843), 4 sinfonie, concerto per pianoforte e orchestra (1845), composizioni da camera e corali, musica per il poema drammatico "Manfred" di J. Byron (1849) . Ha scritto "Regole di vita per i musicisti".

Opere corali - "Good Night", "Silence of the Night", "Requiem" sui versi di Goethe, "Scenes from Faust", "Wanderings of the Rose" per coro e orchestra, "Men's Choirs", "Black-Red-Gold ". Inoltre, ha scritto più di 130 canzoni, tra cui poesie di Heine e Goethe, musiche per la commedia drammatica di Manfred.

R. Schumann appartiene ai romantici, ed erano caratterizzati dal desiderio di miniature, tale miniatura è "Night Silence", dove la musica esprime i sentimenti del compositore, i suoi pensieri, le sue esperienze (Applicazione musicale)

Di notte le stelle nel cielo di velluto non dormono,

Riflettendo nel fiume, bruciano.

Tutto è calmo, silenzioso, ogni foglia si è addormentata.

L'aria della notte è limpida e pura.

La luna riversa la sua luce d'argento sulla terra.

L'alba del primo mattino è vicina

E il raggio d'oro del sole brillerà,

Luce del sole sulla terra.

Genere corale: coro a cappella

Genere dell'opera: miniatura corale.

forma musicale.

Forma musicale: una parte

Analisi tematica

Temi musicali: 1a frase (1-8 tonnellate) - un tema contrastante rispetto ad altri, secondo forma musicale non c'è somiglianza nei temi, un linguaggio melodico complesso (complicato da salti nella melodia), una melodia bella e luminosa.

Stile di scrittura: stile di scrittura - misto, con predominanza di omofonico-armonico. Dalle battute 1-11 - magazzino di scrittura omofonico-armonico, dalle battute 12-14 - elementi di polifonia (imitazione), quindi fino alla fine - omofonico-armonico.

Piano ladotonale.

La chiave principale è Es-dur.

Deviazioni di tonalità: prevalgono le deviazioni nella sfera sottodominante. Per struttura, è composto da tre frasi (1a -7 battute, 2a -7 battute, 3a -11 battute) con un'aggiunta (4 battute).

Metroritmo

Ritmo: in generale, lo schema ritmico è piuttosto complesso. Figure ritmiche caratteristiche - ritmo puntato, terzine. La base del movimento ritmico per tutte le parti è il ritmo puntato (Fig. 1) (l'ottavo con un punto e il sedicesimo). A 22-23 m c'è una frammentazione del ritmo nei soprani, contralti e tenori (trioli) per attivare il movimento che porta al culmine. C'è un episodio (21 battute) dove tenori, soprani e contralti hanno terzine.

Taglia: 3/4. In elegiaco miniatura corale Si sente Schumann, per così dire, l'eco di un valzer, una specie di valzer. Così trasmette l'atmosfera della natura di notte, la natura prima dell'alba. In tutta la miniatura, la dimensione è invariata.

linguaggio armonico. Il linguaggio armonico colorato e ricco riflette l'immagine della natura notturna, è complesso nella sua struttura, luminoso e allo stesso tempo leggero, le morbide combinazioni di voci formano un linguaggio armonico molto ricco, le combinazioni di tenori, contralti e soprani sono particolarmente belle e ricco.

Voce principale. Lo sviluppo melodico graduale e regolare del modello melodico corrisponde alla sfera figurativa della pace o della contemplazione di questo lavoro corale. Sebbene all'inizio del brano dalle battute 1-7 la melodia sia spasmodica, questo enfatizza in qualche modo il testo della prima frase. La melodia è espressiva, questo è sottolineato dalle prime 2 frasi di equilibrio figurativo-emotivo.

Una linea melodica simile a un salto da soprano quasi per tutta l'opera, sono caratteristici i salti di quarta e quinta, dalle battute 18 a 23 la divisione del soprano in 1 e 2.

Gli alti sono una linea melodica liscia, ma ci sono anche salti (per quarto).

Tenora è una linea melodica saltellante con elementi di imitazione, canto di un suono, canto su un suono.

Bassi: una linea melodica fluida, che mantiene un suono In 28-29 tonnellate, divisione in bassi e ottave.

Tempo: Andante calmo e pacifico. Deviazione agogica - fermata in 23 volumi.

Dinamica: il dominio quasi completo della dinamica pp e pp crea davvero una sensazione di silenzio notturno e completa pace. Nel testo sorgono sensazioni prima dell'alba ("L'alba del primo mattino è vicina ..."), che sono illuminate colori solari nel culmine (tt. 22-23) sulle parole "Il sole è luce sulla terra". Tutti i mezzi espressivi musicali mirano a raggiungere un culmine: frammentazione del ritmo per attivare il movimento, crescendo in fa, compattazione della trama aumentando il numero di voci (la sono divise in la1 e la2), movimento ascendente in si1, un accordo di settima introduttivo con una quarta nella tonalità di Re su un tempo forte (con fermata), e una risoluzione fluida dal diminuendo al ppp (Es. 1)

Analisi vocale-corale

Tipo di coro: misto.

Gamma di lotti

I bassi (si subcontroctave), i soprani (la 2a ottava) hanno problemi di tessitura. Questo crea difficoltà vocali e corali per queste parti, che richiedono il permesso quando si lavora con il coro. L'irregolarità dei rapporti di tessitura delle voci della partitura corale può comportare il compito di un "allineamento" dinamico artificiale di armonie non assemblanti.

Ensemble: ensemble naturale (equilibrato in tutte le parti).

Accordatura: verticale (armonica)

Difficoltà vocali: SOPRANO - nelle battute 1,2,4,5 ampi salti di quinta, sesta B e M, nella battuta 19 di 2 ottave prevale l'irregolarità posizionale nell'esecuzione dei salti melodici ascendenti e discendenti, nelle battute 17,18, 19 divisione in 1 e 2 soprani, ci sono mosse cromatiche, nella 22a battuta della terzina e nella 23a battuta della fermata, nelle 26.27 battute - salti alla sesta, quinta sotto. Difficoltà vocali di questo tipo vengono superate nel processo di "canto" dell'opera. L'esecuzione corale è impossibile senza attivo respiro canoro, con l'aiuto del quale vengono superate non solo le difficoltà vocali, ma anche le difficoltà del sistema. ALT - uniformità posizionale durante l'intero lavoro, ad eccezione delle battute 4,5,18,25, dove sono presenti salti alla quinta, sesta. Nelle battute 17,20,21,22 e 23, la divisione in 1° e 2° contralto, nella battuta 23 della fermata si verificano i movimenti cromatici. Difficoltà vocali di questo tipo vengono superate nel processo di "canto" dell'opera. L'esecuzione corale è impossibile senza la respirazione attiva del canto, con l'aiuto della quale vengono superate non solo le difficoltà vocali, ma anche le difficoltà del sistema. TENORE - uniformità posizionale di tutta la parte, ci sono salti in 4, 14, 25 battute per sesta, quarta, ci sono movimenti cromatici (Es. 2), segni di alterazione, difficoltà - sedicesimi di durata, canto di singoli suoni. Difficoltà vocali di questo tipo vengono superate nel processo di "canto" dell'opera. L'esecuzione corale è impossibile senza la respirazione attiva del canto, con l'aiuto della quale vengono superate non solo le difficoltà vocali, ma anche le difficoltà del sistema. BASS - uniformità posizionale della parte, ad eccezione delle misure 24,25,28,29. A 28.29 misure, le controottave di SI sono gravi per il basso!Ritmo puntato, nessun movimento cromatico. Difficoltà vocali di questo tipo vengono superate nel processo di "canto" dell'opera. L'esecuzione corale è impossibile senza la respirazione attiva del canto, con l'aiuto della quale vengono superate non solo le difficoltà vocali, ma anche le difficoltà del sistema.

Per superare queste difficoltà, bisogna ricordare che un tempo lento non favorisce l'accordatura, specialmente nell'esecuzione a cappella, e ritmo veloce complica l'esecuzione di momenti intonazionalmente scomodi. Pertanto, durante il lavoro di prova, è necessario alternare tempi diversi e costruire singoli movimenti melodici o connessioni di accordi verticalmente fuori ritmo lungo la mano del direttore. L'esecuzione contribuisce alla verifica del sistema bocca chiusa, in cui il controllo uditivo degli esecutori si fa più stretto. La predominanza di sonorità tranquille può portare a un indebolimento del ruolo del respiro e alla perdita di un senso di forte supporto vocale nell'esecuzione, quindi è consigliabile alternare il canto di un brano o dei suoi frammenti con dinamiche diverse e utilizzando tratti vocali diversi.

Respirazione: poiché predominano lunghe frasi musicali a tempo lento, si utilizza prevalentemente la respirazione a catena. Respirando sulle pause nelle battute 9,10,23, c'è anche un respiro corto associato al rapido movimento della musica verso il climax dalle battute 18 a 22, che crea difficoltà nella tecnica vocale e corale.Il basso ha respiro libero, grazie a piccoli frasi nella parte e lunghe pause.

La natura del suono principale e l'attacco del suono: il suono principale è liscio, morbido, legato.Il carattere del suono è leggero, morbido, gentile, trasparente, raccolto, coperto, pulito, che trasmette una sensazione di pace notturna e silenzio, ma verso la fine è più satura, luminosa, solare, leggera, che porta al climax. La scienza del suono e l'attacco del suono sono indissolubilmente legati alla respirazione del canto. Dalle battute 1-7 respiro di gruppo per S, A, T, da 8-11 e da 14-18 tonnellate respiro di gruppo per S, A, T, B. Da 18-22 respiro di catena per S e UN.

La natura del respiro cantato è calma, tenace, leggera. Una caratteristica della battuta 23 è una fermata per l'intero coro.

Difficoltà del dizionario: la dizione gioca un ruolo importante nel rivelare l'immagine. Il testo dovrebbe essere pronunciato dolcemente, con voce cantilenante, pronunciare “r” con parole esagerate (esempio: velluto, riflesso, alba, ecc.), terminare le frasi con “t” (foglia, dormire, bruciare, pulire, alba, ecc. .), nella battuta 22 con terzine “e il raggio d'oro del sole lampeggerà” veloce pronuncia del testo, chiaro canto delle consonanti sonore. Nei bassi, nelle ultime 2 battute, i suoni sono cantati a bocca chiusa. Poiché il lavoro è lento e le frasi sono lunghe, si usa la riduzione di "e" e "a", per evitare la separazione delle parole e, di conseguenza, la perdita di carattere. Esempio: Night-yuzvez dynabar-hat-nomne-bene-sleep. Le vocali vengono cantate, le consonanti alla fine della parola vengono pronunciate in modo assordante.

I timbri delle voci e l'infinita varietà delle loro sfumature dipendono dalla natura della pronuncia del testo, dalla sua incarnazione figurativa e semantica nel canto. Questo compito d'insieme è uno dei mezzi esecutivi più importanti in termini di esecuzione, caratterizzando il coro come l'unico strumento musicale "parlante" nel suo genere.

Difficoltà di conduzione

Trasmettere con un piccolo e morbido gesto in legato l'immagine della natura notturna, la sua bellezza, pace e silenzio Le principali difficoltà del direttore: piccola ampiezza del gesto, il lavoro del pennello, ritmo puntato, suoni sostenuti sul tempo 3, l'introduzione di la parte di basso dalla battuta 8, nella battuta 11 auftakt i soprani e i contralti “aria della notte” entrano nella 3a battuta, nella 12a battuta l'esatta visualizzazione dell'entrata dei tenori crea un elemento di polifonia, la precisione dell'entrata lungo la mano in 8,9,10 battute dopo le pause, nella 22a battuta delle terzine, la dimostrazione con un gesto attivo che aumenta l'ampiezza, un cambio di dinamica, e quindi il gesto verso uno più attivo con ampiezza crescente quando ci si avvicina al climax, fermata, che termina in "p" e "t" - l'esatta rimozione e diminuzione del gesto, morbidezza, lasciando la fine a p. I rilasci e gli ausiliari sono morbidi con un ritardo, il rinculo è leggero e regolare.

Conclusione: in questo lavoro corale, la musica è armoniosamente combinata con testo letterario. Sia le parole che i suoni trasmettono la bellezza della natura notturna, la sua pace e tranquillità. Il testo e le sfumature dinamiche sono molto ben combinati. Passando da p a f, il compositore raffigura prima la pace della notte, poi l'arrivo del mattino e il risveglio della natura da un sonno notturno. "Il sole è un raggio d'oro, il sole è luce" queste parole sono il culmine dell'intero lavoro, poiché riflettono l'importanza del sole nella nostra vita, perché la luce del sole è vita e ogni nuovo giorno è una nuova vita. è anche chiaramente sottolineato dalle strutture del compositore espressività musicale: transizioni dinamiche, timbro, melodia, ricca armonia, ritmo moderato, ritmo difficile. Imparando ed eseguendo questo lavoro, il coro acquisirà qualità molto importanti: un suono raccolto accurato, un suono principale morbido e uniforme, la capacità di cambiare le dinamiche da p a f, abilità vocali - cantare su suoni alti e bassi, cantare salti complessi e combinazioni armoniche in parti. Il direttore acquisisce anche qualità importanti: la capacità di mantenere il coro in p, la capacità di mostrare un cambiamento di dinamica con un gesto, l'introduzione di varie parti, acquisisce morbidezza, leggerezza, scorrevolezza del gesto, seguita dall'attivazione verso la fine . Questo lavoro può insegnare il controllo sul coro che canta in pi greco e, soprattutto, la corretta espressione e visualizzazione dell'idea dell'opera, il suo carattere.

Domande principali.

IO.1) Definizione del coro da parte di eminenti maestri dell'arte corale.

2) Indicazioni nell'esecuzione corale.

3) Tipo di coro.

4) Il numero dei cori.

II. Tipi di coro.

III. Arrangiamento del coro.

Bersaglio: Determina il significato della disposizione del coro per il suono più favorevole dell'opera corale, in relazione al tipo e al tipo di coro.

Definizione di coro da parte di eminenti maestri dell'arte corale

A. A. Egorov (“Teoria e pratica del lavoro con il coro”): “Un coro è un gruppo più o meno numeroso di cantanti che eseguono un'opera vocale-corale. Inoltre, ogni parte è cantata da più voci omogenee. In questo il gruppo corale, come organizzazione vocale, si differenzia notevolmente dall'ensemble vocale da camera (duetto, trio, quartetto, ecc.), in cui ogni singola parte è sempre affidata ad un solo esecutore. Il tipo più tipico e puro di gruppo corale è il coro a cappella, cioè il gruppo che canta senza accompagnamento strumentale. Un altro tipo di gruppo corale - un gruppo corale accompagnato da un pianoforte, un insieme di strumenti o un'orchestra - non è più completamente autonomo: condivide i suoi compiti esecutivi con l'accompagnamento strumentale.

Il coro a cappella è una sorta di orchestra vocale che, basata sulla sintesi di suoni e parole, trasmette le immagini artistiche di un'opera musicale con i suoi ricchi colori.

V. G. Sokolov (“Lavorare con il coro”): “Un coro è una squadra che ha sufficientemente familiarità con i mezzi tecnici, artistici ed espressivi dell'esecuzione corale necessari per trasmettere i pensieri, i sentimenti e il contenuto ideologico che sono incorporati nel lavoro. "

P. G. Chesnokov (“Coro e la sua direzione”): “Il coro a cappella è un'unione a tutti gli effetti di un numero significativo di voci umane, in grado di trasmettere le più sottili curve di movimenti spirituali, pensieri e sentimenti espressi in una composizione eseguita. Un coro è una tale raccolta di cantanti, nella cui sonorità c'è un insieme rigorosamente equilibrato, un sistema regolato con precisione e sfumature artistiche, distintamente elaborate.

Si noti che Chesnokov rimanda le sfumature agli elementi della sonorità corale, interpretando questo concetto in modo più ampio rispetto a una scala dinamica mobile. Le sfumature, secondo Chesnokov, coprono i mezzi di espressività musicale e corale - caratteristiche di ritmo, tempo, agogica, dizione, ecc., In connessione con i loro cambiamenti dinamici.

Il coro è un concetto estremamente capiente. Di solito è considerato un gruppo musicale e di canto la cui attività è il processo creativo della creazione di musica corale (o esecuzione corale). In questo contesto, il coro è un gruppo vocale ed esecutore unito e organizzato da scopi e obiettivi creativi. Il principio dell'inizio collettivo è obbligatorio per tutti i partecipanti al coro e deve essere mantenuto in qualsiasi fase del lavoro del coro. Un coro è un grande ensemble vocale in termini di numero di partecipanti, composto da parti corali. La base di base di ogni parte corale è l'unisono, che implica la completa fusione di tutte le componenti vocali e corali dell'esecuzione: formazione del suono, intonazione, timbro, dinamica, ritmo, dizione, in altre parole, il coro è un insieme di parti vocali unisoni. L'esecuzione corale si esprime in due forme di fare musica: il canto senza accompagnamento (a cappella) e il canto con l'accompagnamento. A seconda del metodo di intonazione - in accordatura naturale o temperata - aumenta il ruolo dell'intonazione. Intonazione accurata (sistema) e suono equilibrato (ensemble) nel coro sono le condizioni principali per la sua professionalità. Un coro ben coordinato è sempre percepito come un'orchestra vocale composta da voci umane, e quindi richiede l'attenzione costante e sistematica del maestro dal momento in cui il coro canta fino all'esecuzione del concerto sul palco. La struttura del coro dipende dall'abilità e dalla preparazione dei cantori che vi partecipano, nonché dalle qualità personali e professionali del direttore-maestro, dalla sua volontà, conoscenza ed esperienza. Il sistema nel coro è sempre associato all'esecuzione di molti diversi compiti interconnessi - dall'organizzazione del processo di canto e corale e l'educazione (formazione) dei cantanti all'incorporamento della sonorità corale effettiva con l'identificazione dei problemi dell'insieme e del sistema . Allo stesso tempo, compiti importanti nel processo di costruzione di un coro - la creazione di un insieme di unisoni vocali, l'uniformità ad alta quota dei suoni eseguiti, la loro unità timbrica - vengono risolti a condizione di un lavoro vocale e corale adeguatamente organizzato con cantanti. Nell'esecuzione corale, vari tipi di arti sono combinati organicamente: musica e letteratura (poetica). La sintesi di questi due tipi di arte introduce caratteristiche specifiche nella creatività corale. Una combinazione logica e significativa di musica e parole definisce il concetto di genere vocale-corale. Un buon coro si distingue sempre per l'esecuzione tecnica, artistica ed espressiva, dove, insieme ai problemi dell'ensemble e del sistema, vengono risolti i compiti dell'interpretazione musicale e letteraria.

Nessuna delle proprietà sopra elencate può esistere isolatamente. Tutti i componenti sono interconnessi e sono in costante accordo.

Inizialmente, l'esecuzione corale era amatoriale e solo a causa di speciali condizioni storiche ha acquisito lo status di arte professionale. Da qui derivano due forme principali di attività corale: professionale e amatoriale, da cui i loro nomi: coro professionale e coro amatoriale (folk, amatoriale). Il primo è un coro composto da cantanti appositamente formati, il secondo è un coro a cui prendono parte tutti coloro che vogliono cantare. Le lezioni nei cori amatoriali non sono regolamentate come in quelle professionali.

Ci sono due direzioni principali nell'esecuzione corale: accademica e popolare, che sono caratterizzate da differenze qualitative nel modo di esibirsi.

Il coro accademico (o cappella) si basa nella sua attività sui principi e criteri di creatività ed esecuzione musicale, sviluppati dalla cultura musicale professionale e dalle tradizioni della secolare esperienza del genere operistico e cameristico. I cori accademici hanno un'unica condizione per il lavoro vocale: il modo accademico di cantare. Nel considerare i problemi del canto vocale-corale, partiremo dal concetto di modo accademico di cantare.

Un coro folk è un gruppo vocale che esegue canzoni folk con le loro caratteristiche intrinseche (tessitura corale, guida vocale, modo vocale, fonetica). I cori folcloristici, di regola, costruiscono il loro lavoro sulla base delle tradizioni canore locali o regionali. Ciò determina la varietà delle composizioni e il modo di esibirsi dei cori folk. dovrebbe essere distinto coro popolare nella sua forma naturale e quotidiana da un coro folk appositamente organizzato, professionale o amatoriale, che esegue sia canzoni popolari autentiche che composizioni d'autore nello spirito popolare.

Le opere corali possono essere caratterizzate dal numero di parti corali indipendenti in esse contenute, che è determinato dal concetto di tipo di coro. Ci sono opere per coro di varie composizioni: a una voce, a due voci, a tre, a quattro e altro ancora. I principi dell'uso di divisi (separazione) nelle parti corali sono legati ai rapporti di tono delle voci cantate, nonché alle loro combinazioni armoniche e timbro-colore. È noto che divisi satura armonicamente la presentazione corale, ma allo stesso tempo indebolisce notevolmente la potenza del suono delle voci corali.

L'unità strutturale principale e minima del coro è la parte corale, che è un insieme coordinato di cantanti le cui voci nei loro parametri generali sono relativamente le stesse per estensione e timbro. È con la parte corale (un gruppo di cantanti) che inizia la costruzione della sonorità corale sotto molti aspetti: la parte corale è l'oggetto iniziale del lavoro del direttore nella costituzione dell'insieme e dell'impianto, nella decorazione artistica dell'opera. A questo proposito, viene rivelato il problema del minor numero di cantanti (voci) nella parte corale - 3-4 cantanti, nonché del loro timbro ed equilibrio dinamico.

Teoricamente, secondo la definizione di P. G. Chesnokov, un coro omogeneo di bambini, donne o uomini a due voci può essere composto da almeno 6 cantanti, ad esempio 3 soprani (acuti) + 3 contralti, 3 tenori + 3 bassi. Tuttavia, nella moderna pratica esecutiva, viene chiamato un coro di dimensioni simili ensemble vocale. Più sonora è considerata la doppia composizione del coro, dove ogni parte ha due composizioni minime: 6 primi soprani + 6 secondi soprani + 6 primi contralti + 6 secondi contralti, in totale si ottengono 24 cantanti. Qui è anche possibile dividere (divisi) ogni partito in due gruppi.

Il numero dei cantori nelle parti del coro deve essere lo stesso. È inaccettabile che un gruppo di cantanti femminili o di bambini di 30 persone sia composto, ad esempio, da 11 primi soprani, 9 secondi soprani, 6 primi contralti e 4 secondi contralti. Si consiglia di aumentare leggermente il numero di cantanti nelle parti dei primi soprani e dei secondi contralti nel coro a quattro voci femminile (bambini), che è associato sia alla selezione dinamica della parte corale che esegue la voce melodica superiore ( C I), e con un suono più compatto della base dell'accordo (A II), ad esempio:

primo soprano - 8 persone;

soprano secondo - 7 persone;

prime viole - 7 persone;

viole secondo - 8 persone.

Totale: 30 persone

La densità sonora delle parti all'unisono del coro da camera, il cui numero non supera i 10 cantanti, è incommensurabile con il suono delle parti corali di un grande coro, dove il numero dei cantanti nelle parti corali è di 20-25 cantanti .

Nella teoria degli studi corali, è consuetudine classificare la composizione quantitativa dei cori in tre tipi principali: cori piccoli (da camera), medi e grandi. Nella moderna pratica esecutiva, un coro da camera con un numero approssimativo di cantanti è di 20-30 persone. Il coro misto medio, che conta fino a 40 persone, prevede la divisione di ciascuna parte corale in due. Il numero di un grande coro misto di solito varia da 80 a 120 persone (occasionalmente di più).

In condizioni favorevoli, massa e cori combinati centinaia o addirittura migliaia di persone. Nella letteratura corale ci sono esempi di composizioni a più cori, in genere, che contano più di una dozzina e mezza di parti corali indipendenti.

Il concetto esistente di doppio coro significa un coro diviso in due lodi, ciascuno dei quali è relativamente indipendente; entrambe le parti del doppio coro possono essere sia di composizione mista (piena e incompleta) che omogenea. Il triplo coro è quindi composto da tre parti.

Esiste una letteratura corale speciale per qualsiasi composizione esecutiva di cori, che, ovviamente, tiene conto delle caratteristiche catalistiche timbriche e delle dimensioni della composizione corale. Pertanto, le opere scritte per un coro da camera, e quindi rivolte a un piccolo gruppo, suoneranno spesse e pesanti in un grande coro, che conta circa 100 cantanti. Al contrario, una partitura per coro grande con divisi in voci diverse nel suono di un piccolo coro perde brillantezza figurativa.

Tipi di coro

La composizione della squadra esecutiva per gruppi è caratterizzata dal termine tipo di coro. Le voci che cantano sono divise in tre gruppi: femminili, maschili e infantili. Un coro composto dalle voci di un gruppo è chiamato omogeneo e un coro composto da voci femminili (o di bambini) e maschili o voci cantanti di tutti e tre i gruppi è chiamato misto. Attualmente esistono quattro tipi di cori: femminili, maschili, di bambini e misti.

Coro misto (composizione completa)

L'estensione del coro misto è superiore a 4 ottave in sol-la controottave fino a 3 ottave. Il coro misto ha una grande dinamica di potenza sonora da pp appena udibile a ff, capace di competere con un'orchestra sinfonica.

coro maschile

La gamma per l'ottava del contatore è fino a 2 ottave. Il coro maschile ha un grande dinamismo del suono, colori timbrici brillanti. La parte del tenore è la voce melodica principale e canta con un suono di petto più denso.

Coro femminile

La gamma va dall'ottava fatale fino a 3 ottave. I suoni estremi sono rari. Il più comune è un arrangiamento misto e ravvicinato delle voci. Molte composizioni originali e adattamenti di canti popolari per coro femminile sono stati creati da compositori russi e stranieri.

Coro di bambini

Le capacità espressive e tecniche del coro dei bambini sono strettamente correlate alle caratteristiche dell'età della composizione.

La voce di un bambino è caratterizzata da trasparenza, morbidezza, nitidezza dell'intonazione e capacità di perfezionare l'armonia e l'insieme. Il suono del coro dei bambini si distingue per l'immediatezza e la sincerità dell'esecuzione. Il coro dei bambini ha grandi capacità di esecuzione.

La disposizione del coro

L'arrangiamento del coro è un sistema specifico per l'arrangiamento dei cantanti ai fini della loro attività concertistica. La cultura corale domestica ha accumulato una ricca esperienza sulla questione dell'organizzazione del coro. La comprensione teorica di questa esperienza si rifletteva nelle opere di P.G. Chesnokov, G.A. Dmitrevsky, A.A. Egorov, S.V. Popov, K.K. Pirogov, V.G.Sokolova e altri. Quindi, V.G.Sokolov osserva che "per il lavoro di successo del coro, una certa disposizione delle parti durante le prove e le esibizioni dei concerti, che è familiare sia al leader che ai cantanti, non ha poca importanza. "

Uno dei più importanti in questa materia è l'aspetto artistico e performativo. È noto che l'arrangiamento dovrebbe fornire ai cantanti delle parti le condizioni più favorevoli per gli ensemble. A questo proposito, A.A. Egorov scrive: “Riorganizzando successivamente le voci all'interno del gruppo e selezionando attentamente una voce per un'altra sulla base dell'omogeneità e dei timbri, è possibile stabilire una fusione completa e gettare così le basi per una parte corale. "

Il corretto arrangiamento dovrebbe garantire la possibilità di contatto uditivo tra i cantori di vari paria corali, perché "il buon ascolto reciproco delle parti corali crea le condizioni più favorevoli per l'emergere di un insieme e di un sistema, che è la base per la coerenza del coro."

Di solito, nella collocazione del coro o del palcoscenico, sono guidati da tradizioni consolidate. Le parti correlate sono nello stesso gruppo. Le voci di ciascuna parte corrispondono tra loro in termini di timbro, gamma sonora, ecc. Il coro si trova in modo tale che mano sinistra dal conduttore erano voci alte, a destra - in basso. In un coro misto, i soprani sono posti alla sinistra del direttore, seguiti dai tenori; a destra i contralti, seguiti dai bassi.

Tra le tante opzioni per la disposizione di cori omogenei, è popolare quella in cui ogni parte si trova in un gruppo, come un settore. Nel coro femminile o di bambini (da sinistra a destra): secondi soprani, primi soprani, primi contralti, secondi contralti. Nel coro maschile: al centro sono secondi tenori, primi tenori, secondi bassi, primi bassi, ottavisti. Si ritiene che la collocazione delle prime voci acute (I soprano o I tenori) al centro del coro migliori la sonorità, e la collocazione delle seconde voci acute (II soprano o II tenori) “copra” il suono della prima a una certa misura.

Coro femminile (di bambini).

coro maschile

Ottavisti
Tenora II
Tenora II
Tenora II
Tenora II

Questa disposizione del coro viene solitamente utilizzata nella registrazione del suono. In questo caso, un microfono separato viene posizionato prima di ogni parte corale. Il posizionamento di un coro misto durante la registrazione del suono tiene conto della direzione del suono di ciascuna parte corale verso un microfono esposto separatamente.

Oltre a quanto sopra, vengono utilizzate anche altre opzioni per organizzare i gruppi del gruppo del coro, ad esempio:

Coro femminile (di bambini).

Soprano I	Soprano II

Durante le prove, il coro dovrebbe essere posizionato come durante lo spettacolo. Si sconsiglia di posizionare il coro sullo stesso piano orizzontale, in quanto ciò perde il corretto contatto visivo tra i cantanti e il direttore. Inoltre, i membri del coro saranno costretti a cantare "dietro" rispetto ai coristi davanti. Nel coro misto feste maschili leggermente superiore a quello delle donne.

L'arrangiamento in quartetto del coro crea le migliori condizioni per l'autocontrollo uditivo dei cantanti, tiene conto delle capacità canore individuali di ogni membro del collettivo e viene utilizzato nei cori da camera.

Il posizionamento del coro sul palco dipende dalle proprietà acustiche del riverbero. Il riverbero è la proprietà acustica di una stanza dovuta alla capacità riflettente delle sue superfici interne di aumentare l'intensità e la durata dei suoni (l'effetto "eco"). Con riverbero insufficiente il suono diventa “secco”, con riverbero eccessivo la performance sarà “illeggibile, sporca”. Sulla base di ciò, attualmente nella Cappella del canto statale di San Pietroburgo. MI Glinka (guidato da V.A. Chernushenko) utilizza la disposizione del coro, in cui le voci femminili costituiscono la terza e la quarta fila e le voci maschili occupano la prima e la seconda fila. Allo stesso tempo, il leader di questo gruppo utilizza un'ampia disposizione del coro.

È preferibile disporre il coro a forma di piccolo semicerchio (a ventaglio) o, in casi estremi, in linea retta con piccoli arrotondamenti agli spigoli. La posizione del coro esclusivamente in linea retta è meno appropriata.

Quando si eseguono brani corali con accompagnamento di pianoforte, lo strumento è posto davanti al coro al centro oa destra (rispetto al direttore); quando eseguito con un accompagnamento di un'orchestra o di un ensemble, l'orchestra o l'ensemble è posto davanti e il coro è posto in un piccolo semicerchio dietro di esso. Ad esempio, quando si eseguono "Tre canzoni russe" di S. Rachmaninov, scritte per un coro misto incompleto (contralti e bassi) e orchestra, le voci corali si trovano solitamente a sinistra (contralti) e a destra (basso) del direttore dietro l'orchestra su apposita pedana (banchi corali). In questo caso la sonorità di ogni singola parte diventa più compatta e monolitica. L'uso a lungo termine di una parte corale, come, ad esempio, nell'opera specificata, consente di caratterizzare la parte corale con un termine molto raro: coro di viole o coro di bassi.

La moderna ricerca scientifica condotta sull'influenza dei modelli acustici e sulla posizione dei cantanti ha permesso di apportare modifiche alla disposizione del coro e sviluppare una serie di raccomandazioni pratiche volte a garantire condizioni adeguate per l'autocontrollo uditivo dei cantanti:

non mettere voci forti e deboli nel quartiere;

utilizza una versione mista di un ampio arrangiamento con un'alternanza di voci affini ed eterogenee.

La disposizione presentata presenta i seguenti vantaggi:

Crea le condizioni per la realizzazione di ensemble artistici non sulla base di timbri livellanti, ma identificando le capacità timbriche naturali di ciascuna voce, che riflette la tendenza dei metodi vocali e corali progressivi e contribuisce a sviluppo di successo e miglioramento delle capacità di canto.

Crea di più condizioni effettive organizzare il coro come una comunità di individui (ensemble di solisti).

Contribuisce alla formazione di ogni cantante un maggior grado di responsabilità per la qualità della propria "produzione vocale". Fare musica in un tale arrangiamento richiede al cantante di mostrare la massima iniziativa e indipendenza.

Contribuisce all'individuazione delle singole caratteristiche timbriche di ciascuna voce e quindi ha un impatto molto significativo sulla qualità del suono del coro, che diventa più ricco di timbri, più saturo e voluminoso.

Parole chiave

Coro; tipo; visualizzazione; numero; parti corali; femmina; maschio; misto; bambini; disposizione; esecuzione; timbri.

Brevi conclusioni

L'aspetto vocale e metodologico dell'arrangiamento del coro è toccato nelle opere sull'educazione musicale dei bambini. Quindi, M.F. Zarinskaya rileva l'importanza della disposizione dei cantanti per organizzare l'influenza di alcune voci su altre nel processo di educazione vocale nel coro. Raccomanda di collocare nell'ultima fila e lungo i bordi del coro "quelli che cantano con il timbro più bello e, naturalmente, anche coristi esperti, davanti - bambini che cantano più debolmente o hanno certe carenze nel canto".

Domande di controllo

1. Cos'è un coro?

2. Fornire una descrizione del coro misto.

3. Quali opzioni conosci per arrangiare il coro?

4. Quali fattori influenzano la posizione dei coristi sul palco?

Letteratura

Osenneva M.S., Samarin V.A. Classe corale e lavoro pratico con il coro. -M.2003

Keerig OP Coreologia - S.-P. 2004

Sokolov Vl. Lavora con il coro - M., "Music", 1983