“Sono interessato a uno spettatore che capisce poco di danza. Jean-Christophe Maillot: “Nella relazione tra un uomo e una donna, la cosa peggiore è la noia Jean-Christophe Maillot balletti

Nuova York, 2017
Foto di Nina Alovert.

Il 26 luglio sul palco del Lincoln Center di New York la prima del balletto del Teatro Statale Accademico Bolshoi della Russia "La bisbetica domata" diretto dal coreografo Jean-Christophe Maillot. Parla del processo di creazione di uno spettacolo, della scelta dei ballerini e della creazione della musica, delle peculiarità di lavorare su un balletto e del suo approccio unico agli artisti in un affascinante stile francese elegante e con un tocco di umorismo. Jean Christophe Maillot in una conferenza stampa prima della prima dello spettacolo.

"La bisbetica domata", la scena finale. Nuova York, 2017

Jean Christophe Maillot: Non mi piace molto parlare di balletto, perché il balletto deve essere guardato. Per me, la cosa più importante è sempre la straordinaria esperienza di creare una performance. Prima di iniziare a lavorare con Teatro Bolshoj”, Non realizzo produzioni con altre compagnie, tranne la mia, da più di 25 anni. E, naturalmente, sono rimasto molto colpito, come probabilmente qualsiasi coreografo che incontra la compagnia livello superiore. Ci sono due motivi per cui ho deciso di mettere in scena La bisbetica domata al Teatro Bolshoi.

Jean-Christophe Maillot: Non mi piace molto parlare di balletto perché il balletto deve essere visto

Quando non conosci la cultura delle persone, inizi a usare i cliché nei tuoi giudizi. Qualcosa del genere: i francesi mangiano camembert e baguette. (Ride). Forse mi sbaglio, perché non conosco bene la Russia e i russi, ma...:

In primo luogo, mi è sempre sembrato che i ragazzi del Teatro Bolshoi fossero tutti uomini veri così duri, e tutte le ragazze fossero semplicemente bellissime ... Quindi per me Gran Teatroè stata una scelta abbastanza ovvia per mettere in scena questa particolare performance.

E la seconda e molto importante ragione è che da più di 20 anni lavoro con una ballerina che amo moltissimo: Bernice Coppieters. Quando aveva 22 anni, le dissi che un giorno avrei messo in scena per lei "La bisbetica domata", perché lei è questa immagine. Insieme a lei abbiamo messo in scena 45 balletti, e un giorno è venuta da me e mi ha detto: "Ecco, mi fermo". E proprio in quel momento mi è stato offerto di mettere in scena una produzione al Teatro Bolshoi. Le ho detto che l'avrei fatto per lei perché sarebbe stata la mia assistente. Quindi farò balletto con lei. Ed eccoci qui: Lantratov (Vladislav Lantratov, interprete del ruolo di Petruccio, ndr), Katya, Mayo e Coppetiers. E abbiamo fatto coreografie in hotel per molto tempo, parlando, parlando.

Nel processo di messa in scena, ho imparato molto sul balletto russo e sui russi. Non posso parlare di tutti i ballerini, solo di quelli con cui ho lavorato al Teatro Bolshoi. Sono completamente diversi. E il processo è completamente diverso.

Quando abbiamo iniziato, tutto era instabile. Ma devo ammettere che il cast con cui ho lavorato è composto dai ballerini più lussuosi e di alta classe del teatro. Ho scoperto che i ballerini russi sono molto ricettivi. Pensavo fossero piuttosto chiusi, ma si sono rivelati ricettivi ed è molto toccante. Non ti mostreranno mai che stanno soffrendo, ma questo deve essere compreso. Ti danno tanto! Sono personalità molto profonde. Prima di questa produzione, pensavo che amassero i conflitti e provassero specificamente a crearli, ma io sono francese e non mi piacciono i conflitti, evito i conflitti. Ma si è scoperto che non era così, e l'ho scoperto fantastico gente profonda e fatto amicizia meravigliosa.

Era anche importante che una delle caratteristiche dei ballerini del Teatro Bolshoi fosse la loro capacità di sentire il teatro. Lavorare con loro è qualcosa di speciale, sono molto generosi, ma lavorano in modo completamente diverso, in modo diverso, a volte non è facile. È più o meno come cercare di spiegare qualcosa alla persona con cui stai parlando. lingue differenti e non hai abbastanza parole esatte per trasmettere ciò che senti e vuoi dire. Ma più a lungo questo balletto è sul palco, meglio io e gli artisti ci capiamo, meglio sentono esattamente cosa volevo ottenere in questa performance.

Nel 2011 ho iniziato a guardare da vicino gli artisti del Teatro Bolshoi quando sono venuto a un concerto di Benoa. Poi, mentre stavo facendo il mio Lago dei cigni, mi è venuta un'idea folle. Tre giorni prima dello spettacolo, ho deciso di presentare "Il lago dei cigni". opzione interessante. Il primo atto è stato eseguito dalla mia compagnia con la mia coreografia, il secondo atto mistico doveva essere eseguito dagli artisti del Teatro Bolshoi in modo tradizionale e il terzo doveva essere qualcosa di folle. I puristi erano completamente scioccati, ma mi è piaciuto molto. Mi ha dato l'opportunità di guardare tutti i ballerini più da vicino.

Jean-Christophe Maillot: Ma più a lungo questo balletto è sul palco, meglio io e gli artisti ci capiamo, meglio sentono esattamente cosa volevo ottenere in questa performance

È stato allora che ho capito che sarebbe stata dura, dura con Katerina (Ekaterina Krysanova, nel ruolo di Katarina nel balletto "La bisbetica domata", ndr). Si lamentava continuamente di qualcosa, o la luce non era così in piedi, o qualcos'altro. Quindi ho pensato che non valesse affatto la pena parlarle.

Poi mi ci sono voluti due anni per conoscere un po' meglio gli artisti, ma anche dopo questo periodo non sapevo ancora chi avrebbe ballato cosa. Poiché il Teatro Bolshoi è davvero grande, ci sono più di 200 ballerini, ancora non conosco nessuno. Non è stato fino a gennaio 2013 che abbiamo iniziato a lavorare alla produzione. Abbiamo lavorato per 7 settimane, poi due mesi di pausa e altre 6 settimane di lavoro. Tra un lavoro e l'altro, venivo ancora al Bolshoi per incontrare almeno gli artisti con uno sguardo, per conoscerci meglio.

Per me, mettere in scena il balletto con i ballerini è come uscire a cena con la gente. A volte incontri nuove persone a cena, ma devi sapere per certo che non ci sarà nessuno a tavola che possa rovinarti la serata. Devi assicurarti che, anche se non si conoscono, abbiano comunque qualcosa in comune. E quando c'è qualcosa in comune tra le persone, tutto funzionerà sicuramente.

E ora voglio dirtelo una piccola storia su come ha ottenuto Katya ruolo di primo piano. Quando sono già andato a Mosca per mettere in scena La bisbetica domata, non avevo ancora deciso nulla sull'immagine personaggio principale performance, l'unica cosa certa era che sarebbe stata rossa e con un vestito verde, e che sarebbe stato difficile con lei. (Ride)

Jean-Christophe Maillot: In partenza per il Bolshoi, non ho ancora deciso nulla sull'immagine della protagonista della commedia, tranne che sarà rossa e indosserà un vestito verde, e che sarà difficile con lei.

Non ho portato Katya nel primo cast di prove di ballerini. Tutti sono impegnati al Bolshoi, forse a quel tempo ballava altri ruoli importanti, non ricordo. Ma un giorno questa ragazza minuta è venuta da me e mi ha detto che voleva fare un provino con me. Ho risposto perché no. Dopotutto, è molto toccante quando un ballerino si avvicina a te. Il giorno dopo è venuta all'audizione senza sapere tutto quello che ti avevo detto prima. Ed eccola che arriva: rossa, con una maglietta verde, con le ciglia verdi. Ho deciso che era un segno da seguire. Potrei avere la mia visione, ma mi piace essere "violentata" dagli artisti quando gli attori "mi prendono d'assalto". Credo che sia impossibile essere un coreografo se sei un burattino nel tuo mondo e gli artisti ti stanno alla larga.

Credo che non si possa creare una buona coreografia senza una speciale connessione emotiva con i ballerini. Sembrerebbe che se sostituisci l'artista, la coreografia non cambierà. Ma per me, la sostituzione di un artista può portare al fatto che la coreografia semplicemente scompare, non può esistere in un'altra performance. È generalmente accettato che il ruolo apra nuove sfaccettature in una persona che non aveva precedentemente sospettato. A mio parere, è possibile creare tali condizioni in cui i ballerini si sentano abbastanza a loro agio e mostrino più di quello di cui erano capaci prima. Ma in una persona puoi rivelare solo ciò che lui stesso vuole aiutare a manifestare. E posso creare tali condizioni. Mi piace lavorare in un ambiente gioioso, odio le sofferenze e non penso che siano necessarie.

Penso che Katya in "The Taming of the Shrew" si sia rivelata una ragazza più tenera e fragile di quanto si consideri. E anche Vlad.

Spesso "The Taming of the Shrew" è messo in scena come una storia macho. E non sapremo mai come si sentiva lo stesso Shakespeare al riguardo. Ma per me è ovvio che questa è la storia di due persone eccezionali che non accettano accanto a loro un partner ordinario: il "contadino medio". Ma l'idea principale di questa commedia è l'amore e l'opportunità di trovare l'amore per ogni persona. Tutti possono trovare il loro compagno, la loro anima gemella, anche la persona brutta, canaglia o disfunzionale, e nessuno può essere giudicato per la sua scelta. Questo è ciò di cui parla la commedia per me.

Jean-Christophe Maillot: La cosa più difficile è parlare della sincerità della trama, della chiarezza del risultato, questo può essere discusso all'infinito, è soggettivo, ma penso che ci sia qualcosa di nuovo nel nostro balletto e qualcosa che penetra direttamente i cuori delle persone.

Adoro lavorare sulla coreografia nel balletto, ma amo anche lavorare sulla storia. La mia decisione di mettere in scena La bisbetica domata è stata influenzata dalla celebrazione del 450° compleanno di Shakespeare. Ero molto nervoso prima della proiezione de La bisbetica domata a Londra. Innanzitutto, è il luogo di nascita di Shakespeare. In secondo luogo, la coreografia è percepita in modo diverso in ogni paese.

La cosa più difficile è parlare della sincerità della trama, della chiarezza del risultato, se ne può discutere all'infinito, questo è soggettivo, ma credo che ci sia qualcosa di fresco nel nostro balletto e qualcosa che penetri direttamente nel cuore delle persone. Non so se sia modesto dirlo, ma è una specie di spontaneità. Lo spettacolo a Londra è stato un successo ed è stato ben accolto dal pubblico.

Sono sempre più interessato a uno spettatore che capisce poco di danza. Perché non ci sono così tante persone che capiscono il balletto in sala - almeno un centinaio ad ogni esibizione, se sei fortunato.

Oggi possiamo usare la coreografia del balletto classico in uno scenario astratto, dando vita a una sorta di produzione comica e ironica. Il potere della musica e dei ballerini cattura lo spettatore e inconsciamente, attraverso il linguaggio del corpo, ti ricorda le cose importanti che tutti conosciamo. È una chimica meravigliosa che è difficile da spiegare.

Quando lavoro a un nuovo balletto, sono sempre ispirato dagli artisti, poiché incarnano per me le immagini che vorrei vedere sul palco.

Avendo deciso di lavorare con il Bolshoi, ho deciso di utilizzare la musica di Dmitri Shostakovich per la produzione, poiché sapevo che sarebbe stata vicina allo spirito degli artisti. Penso di aver ascoltato tutte le registrazioni esistenti di Shostakovich. La musica per me lo è l'arte più alta. Mi sembra che niente susciti più emozioni della musica.

La prima cosa che ho fatto prima che la coreografia fosse messa insieme composizione musicale prestazione, punteggio. Sulla carta, sembra piuttosto strano, caotico. Ma sono sicuro che il valore e la ricchezza della musica di Shestakovich è che è uno di quei compositori che sono in grado di lavorare su livelli completamente diversi. Essendo anch'io un musicista, sapevo di poter combinare la sua musica in modo che suonasse come se fosse stata scritta appositamente per questo balletto. In tal modo, ho usato molta della musica che ha scritto per il cinema.

Jean-Christophe Maillot: Non posso sedermi nella mia stanza e inventare una coreografia. Devo essere in sala con i ballerini e la musica, altrimenti non riesco a pensare a un passo.

Non posso sedermi nella mia stanza e inventare una coreografia. Devo essere in sala con i ballerini e la musica, altrimenti non riesco a pensare a un passo. La musica mi dà emozioni e ispirazione. Mentre lavoravo alla produzione, ho provato a connettermi opere musicali uno dopo l'altro, ovviamente, aderendo ai canoni formali dell'orchestra, alla struttura della composizione e mantenendo l'equilibrio emotivo durante tutto il lavoro.

A volte ho dovuto dimenticare il significato della musica per i russi. So che Shostakovich è russo, ma soprattutto è un compositore. Pertanto, un francese può ascoltare la musica di Shostakovich senza apprezzarne il significato e il significato che sta in essa. Ad un certo punto, ho anche avuto dei dubbi. Quando ho usato la musica della sinfonia, mi hanno spiegato cosa significava questa musica per la cultura russa e che era impossibile suonarla. Ma invece di parlare di guerra, ho parlato dell'amore nella musica. Rispetto la musica, non mi piacciono le provocazioni.

Mi sentivo fiducioso in quello che stavo facendo. Sono andato dal capotreno e gli ho dato il mio piano. Lo tenne per tre giorni e me lo restituì dicendo: "Questo è esattamente quello che sognavo di dirigere un giorno".

Ho detto bene, allora facciamolo Buon lavoro. E penso che abbia funzionato e ci siamo riusciti.

Jean-Christophe Maillot: A volte ho dovuto dimenticare il significato della musica per i russi. Shostakovich è russo, ma soprattutto è un compositore. Pertanto, un francese può ascoltare la musica di Shostakovich senza apprezzarne il significato e il significato che sta in essa.

1977 - Vincitore del Concorso Giovanile Internazionale "Premio di Losanna".
1992 - Cavaliere dell'Ordine al Merito in Arte e Letteratura (Francia).
1999 - Ufficiale dell'Ordine al Merito Culturale del Principato di Monaco.
2002 - Cavaliere dell'Ordine della Legion d'Onore; Premio Nijinsky al Monaco Dance Forum per la migliore performance coreografica, premio della rivista italiana "Danza & Danza" ("Bellezza", 2001).
2005 - Commendatore dell'Ordine di San Carlo (Monaco).
2008 - premio Associazione Internazionale dei Coreografi"Benois de la danse" (Mosca) per la produzione di "Faust" (2007).
2010 - Premio Danza di Valencia (Spagna).

Biografia

Nato nel 1960 a Tours (Francia). Ha studiato danza e pianoforte al Conservatorio Nazionale di Tours (Indre-et-Loire) con Alain Daven, poi (fino al 1977) con Roselle Hightower alla Scuola Internazionale di Danza di Cannes. Nello stesso anno gli viene conferito il Premio del Concorso Internazionale Giovanile di Losanna, dopodiché entra a far parte della compagnia dell'Hamburg Ballet John Neumeier, di cui è stato solista per i successivi cinque anni, eseguendo le parti principali.

Un incidente lo ha costretto a lasciare la sua carriera di ballerino. Nel 1983 torna a Tours, dove diventa coreografo e direttore del Bolshoi Ballet Theatre di Tours, poi trasformato in Centro Nazionale di Coreografia. Ha messo in scena più di venti balletti per questa compagnia. Nel 1985 ha fondato il festival Le Chorégraphique.

Nel 1986 ha ricevuto un invito a riprendere il suo balletto " sinfonia d'addio”sulla musica di J. Haydn, al quale nel 1984 disse “l'ultimo perdono” a J. Neumeier, per l'allora rediviva compagnia del Balletto di Monte Carlo. Nel 1987, per questa compagnia, ha messo in scena The Wonderful Mandarin di Bartok, un balletto che si aspettava un successo eccezionale. Nello stesso anno mette in scena il balletto "Il bambino e la magia" sulla musica dell'omonima opera di M. Ravel.

Nella stagione 1992-93. diventa Consulente Artistico del Balletto di Monte-Carlo, e nel 1993 SAR la Principessa di Hannover lo nomina direttore artistico. La troupe di cinquanta persone sotto la sua guida ha progredito rapidamente nel suo sviluppo e ora ha una meritata reputazione come squadra altamente professionale e creativamente matura.

Ha messo in scena i seguenti spettacoli per il Balletto di Monte-Carlo:

“Theme and Four Variations” (“Four Temperaments”) su musica di P. Hindemith (con reminiscenze dal balletto “Four Temperaments” diretto da J. Balanchine)
"Mostri neri" (1993),
"Casa dolce casa" alla musica di G. Goretsky (1994)
“Dov'è la luna” / “Dov'e la luna” sulla musica di A. Scriabin (1994)
"Ubuhuha" su musica tradizionale Burundi (1995)
"To the Promised Land" alla musica di J. Adams (1995)
"Concerto degli angeli" alla musica di I.S. Bach (1996)
"Romeo e Giulietta" di S. Prokofiev (1996)
Recto verso su musica di A. Schnittke (1997)
"Isola" (1998)
Cenerentola di S. Prokofiev (1999)
"Lo schiaccianoci nel circo" (versione de "Lo schiaccianoci" di P. Tchaikovsky, 1999, in onore dell'anniversario del principe Ranieri III nel Chapiteau di Monaco, che ha ospitato 20mila spettatori)
"Opus 40" su musica di M. Monk (2000)
"Tesse" / "Entrelacs" (2000)
"Occhio per occhio" su musica di A. Schnittke, A. Pärt, K. Jarrett (2001)
"Beauty" (versione di "La bella addormentata" di P. Tchaikovsky, 2001)
"Dance of men" alla musica di S. Reich (2002)
"Da una costa all'altra costa" sulla musica di J. Mares (2003)
"Matrimonio" di I. Stravinsky (2003)
"Miniature" su musiche di R. Lazcano, I. Fedele, M. Matalon, B. Mantovani, J. Pesson, A. Cera, M. Ducret (2004)
"Dream" alla musica di F. Mendelssohn-Bartholdy, D. Teruji, B. Mayo (basato sull'opera teatrale "Dream in notte di mezza estate»W.Shakespeare, 2005)
"Another Song I" / "Altro Canto I" su musiche di C. Monteverdi, B. Marini, J. J. Kapsberger (2006)
"Faust" sulla musica di F. Liszt e C. Gounod (2007)
"Another Song II" / "Altro Canto II" B. Mayo (2008)
"Danza degli uomini per le donne" su musica di S. Reich (2009)
"Scheherazade" su musica di N. Rimskij-Korsakov (2009 in "Daphnis and Chloe" alla musica di M. Ravel (2010, in nell'ambito della celebrazione del centenario del balletto russo)
"Opus 50" M. Monet (2011)
"Lago" (versione " Il lago dei cigni" P.Čajkovskij, con musica aggiunta B. Maggio, 2011)
"Horeo" / Lavoro di routine musiche di J. Cage, I. Maresa, B. Mayo (2013 g., questa produzione segnata 20° anniversario la sua guida della troupe)
The Nutcracker Company su musiche di P. Tchaikovsky e B. Mayo (2013 g., la storia della compagnia- al 20° anniversario in cooperazione con suo)

Mayo è invariabilmente in procinto di creare un nuovo linguaggio coreografico, perché vuole "rileggere" i grandi balletti della storia in un modo nuovo e dimostrare il suo modo di pensare coreografico astratto. Questo approccio lo ha reso famoso nella stampa mondiale. È ossessionato dallo sviluppo della sua compagnia. Sempre aperto alla collaborazione con altri creatori e ogni anno ti invita a Monaco coreografi interessanti, offrendo allo stesso tempo l'opportunità di esprimersi su questo palcoscenico e giovani coreografi.

Un ottimo impulso alla creatività gli viene dato da personalità brillanti, che raccoglie e coltiva nella sua troupe, volendo dare loro l'opportunità di aprirsi ancora più brillantemente e mostrare abilità ancora più mature. Questo desiderio ha portato alla creazione nel 2000 del Monaco Dance Forum, un festival divenuto ben presto molto conosciuto a livello internazionale.

Il Balletto di Monte Carlo trascorre sei mesi all'anno in tournée, il che è anche una conseguenza della politica ben ponderata di Mayo. La troupe ha viaggiato in quasi tutto il mondo (si è esibita a Londra, Parigi, New York, Madrid, Lisbona, Seoul, Hong Kong, Il Cairo, San Paolo, Rio de Janeiro, Bruxelles, Tokyo, Città del Messico, Pechino, Shanghai) e ovunque e lei e il suo leader hanno ricevuto il massimo riconoscimento.

Jean-Christophe Maillot è un ospite gradito in qualsiasi compagnia di balletto pace. Completamente d'accordo l'anno scorso ha messo in scena alcune delle sue famose esibizioni (tra cui i balletti Romeo e Giulietta e Cenerentola) - al Bolshoi Ballet of Canada (Montreal), al Royal Swedish Ballet (Stoccolma), all'Essen Ballet (Germania), al Pacific Northwest Ballet (USA , Seattle) Balletto Nazionale Korea (Seoul), Stuttgart Ballet (Germania), Royal Danish Ballet (Copenhagen), Geneva Bolshoi Ballet, American Ballet Theatre (ABT), Béjart Ballet a Losanna.

Nel 2007 ha inserito Teatro di Stato Opera di Wiesbaden "Faust" di C. Gounod, nel 2009 - "Norma" di V. Bellini all'Opera di Monte Carlo. Nel 2007 dirige il suo primo film-balletto "Cenerentola", poi, nell'autunno del 2008, il film-balletto "Dream".

Nel 2011, molto un evento importante. La troupe, il festival e Istituto d'Istruzione, ovvero: il Balletto di Montecarlo, il Dance Forum di Monaco e l'Accademia di Danza. Principessa Grazia. Sotto il patrocinio di Sua Altezza la Principessa di Hannover e sotto la guida di Jean-Christophe Maillot, che ha così ricevuto ancora più opportunità per realizzare le sue aspirazioni.

Foto di Karl Lagerfeld

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Jean-Christophe Maillot è nato nel 1960 a Tours (Francia). Ha studiato danza e pianoforte al Conservatorio Nazionale di Tours con Alain Daven, per poi trasferirsi a Roselle Hightower nel scuola Internazionale danza a Cannes.

Nel 1977 è stato insignito del Premio del Concorso Giovanile di Losanna. Quindi John Neumeier lo accettò nella compagnia dell'Hamburg Ballet, dove trascorse cinque anni come solista, interpretando i ruoli principali. Un incidente pose fine alla sua carriera di ballerino.

Nel 1983, Jean-Christophe Maillot è tornato nella sua città natale di Tours, dove è diventato coreografo e direttore del Bolshoi Ballet Theatre di Tours, successivamente Centro Nazionale coreografia. Ha messo in scena più di venti balletti per questa compagnia.

Nel 1985 Jean-Christophe Maillot istituisce un festival coreografico.

Monaco lo invita a creare "Farewell" per il Balletto di Monte-Carlo e nel 1987 - meritato eccezionale successo - "Wonderful Mandarin". Nello stesso anno mette in scena Il bambino e la magia.

Nella stagione 1992-1993, Jean-Christophe Maillot diventa Consulente Artistico del Balletto di Monte-Carlo e nel 1993 Sua Altezza Reale la Principessa di Hannover lo nomina Direttore Artistico. La troupe di 50 artisti sotto la sua guida si è sviluppata rapidamente e oggi ha raggiunto un livello eccellente. Ha messo in scena per il Balletto di Monte Carlo - "Black Monsters" (1993), "Birthplace", Dove la luna (1994), Ubuhuha (1995), "To the Promised Land" (1995), "Romeo and Juliet" (1996) , Recto Verso (1997), "L'isola" (1998), "Cenerentola" e "Lo schiaccianoci nel circo" (1999), Opus 40, Entrelacs (2000), "Occhio per occhio" e "Sleeping" (2001 ), "Dance Men (2002), To the Other Shore (2003), Wedding (2003), Miniatures (2004), Dream (2005), Altro Canto (2006), Faust (2007).

Jean-Christophe Maillot amplia il repertorio della troupe invitando ogni anno a Monaco importanti coreografi; permettendo a giovani nomi di esprimersi su questo palcoscenico.

Negli ultimi anni, è stato invitato a mettere in scena produzioni in Grande balletto Canada, Royal Swedish Ballet, Essen Ballet, Pacific Northwest Ballet, Stuttgart Ballet. Nel marzo 2007, il coreografo ha ricevuto un'offerta dal Wiesbaden Staatstheater per mettere in scena l'opera Faust, e da Teatro dell'opera Montecarlo-Norma. La produzione di Mayo di The Sleeping Woman ha ricevuto nel 2001 il Premio Nijinsky per la Migliore Coreografia e il Premio della Critica Italiana Danza & Danza.

Migliore del giorno

Il coreografo è stato insignito dell'Ordine al merito culturale. Jean-Christophe Maillot è anche Cavaliere dell'Ordine di Grimaldi, Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere francese, l'Ordine della Legion d'Onore di Francia.

Oggi Mayo è uno dei coreografi francesi più famosi all'estero. Il suo nome è conosciuto a Londra e Parigi, New York, Madrid, Lisbona, Seul, Hong Kong, Il Cairo, San Paolo, Rio de Janeiro, Bruxelles, Tokyo, Città del Messico, Pechino, Shanghai.

Tutto ciò che accade al Teatro del Balletto di Monte-Carlo ci sembra importante e vicino, dopotutto è diretto da Jean-Christophe Maillot, il coreografo di cui ci siamo innamorati a prima vista quando abbiamo visto il suo balletto Daphnis et Chloe in 2012. Poi ha messo in scena La bisbetica domata al Teatro Bolshoi, e in questa stagione ci ha mostrato Cenerentola (a San Pietroburgo) e La bella (a Mosca). Jean Christophe - personalità interessante e persona affascinante. In un'intervista con Olga Rusanova, ha parlato del suo interesse per i balletti senza trama, Marius Petipa e com'è essere un coreografo nel piccolo Monaco.

L'astrazione è vita?

Il pubblico conosce bene i miei balletti soggetti, e questo, infatti, una parte importante la mia creatività. Ma provo anche un grande piacere nel creare movimenti puri legati alla musica. Sì, quest'arte sembra essere astratta, ma non credo che ci sia qualcosa di completamente astratto, poiché tutto ciò che fa una persona porta una sorta di emozione, sentimento. Inoltre, mi piace esplorare questa relazione molto specifica tra movimento e musica. E quando non devo attenermi alla storia, posso essere più audace, persino correre dei rischi nella ricerca della coreografia. Questa è una specie di laboratorio che mi affascina. E anche questa è una parte importante del mio lavoro, forse meno conosciuta, ma che racchiude, se vogliamo, l'essenza del balletto, del movimento in quanto tale.

Il mio ultimo balletto, Astrazione/Vita, è stato creato su una musica completamente nuova: un concerto per violoncello compositore francese Bruno Mantovani dal titolo "Astrazione". È una partitura molto ampia - quasi 50 minuti - e mi ispira l'idea di lavorare con un compositore.

Certo, mi è piaciuto anche lavorare con la musica di Shostakovich - intendo il balletto "The Taming of the Shrew", quando dalle sue opere ho creato una nuova colonna sonora per un balletto che non esisteva nella realtà. Tuttavia, quando un compositore compone appositamente per me, è una questione completamente diversa. Inoltre, questa serata di balletto è composta da due parti: nella prima parte c'è il balletto di George Balanchine sulla musica del Concerto per violino di Stravinsky. Lascia che ti ricordi la frase di Balanchine: "Cerco di ascoltare la danza e vedere la musica". Quindi io, seguendo Balanchine, voglio che la musica sembri visibile. Spesso musica contemporanea difficile da capire da solo. E la danza, il movimento permettono, per così dire, di "ravvivarlo", di renderlo più naturale per la percezione. tiya. A questo punto, qualcosa sta realmente accadendo. un miracolo... In generale, come coreografo, compongo sempre una danza insieme alla musica, non riesco a immaginare un solo passo, un solo movimento senza di essa, perché, secondo me, la musica è un'arte di prim'ordine , sempre rivolto alle emozioni, anche se complesso, incomprensibile. Ed è la danza, il movimento del corpo che può trasmettere questa emozione, come raccontarla, e questo, vedi, tocca.

E inoltre. L'artista deve essere testimone del tempo in cui vive, di cui dare informazioni mondo reale. Ne ho parlato con l'autore del Concerto, Bruno Mantovani. La sua musica a volte è troppo complicata, dura, come hai sentito. Ha detto: “Nel 20° secolo, e ancora di più oggi, la crudeltà è ovunque. Il mondo sta crescendo, ci sono sempre più persone. Un sacco di paure, domande, confusione... non posso scrivere musica morbida e tenera, devo riflettere la realtà".

Petipa, Diaghilev e Instagram

Petipa è qualcosa di eccezionale, speciale, unico. Poi non c'erano altri coreografi come lui. Penso che sia uno dei primi che ha avuto il concetto di danza come linguaggio autosufficiente, a cui non è necessario pensare, aggiungere nulla. In realtà il balletto nel suo caso è abbastanza per costruire una performance.

Perché stiamo ancora parlando di Petipa? “Perché è al centro di tutto ciò che è balletto. Nessuno sarebbe dov'è oggi se non fosse per quello che ha fatto Petipa. È il punto di partenza, l'inizio della conoscenza del balletto che abbiamo oggi. E poiché ha scavalcato anni, secoli, generazioni, significa che era qualcosa di molto importante, e questo è ovvio.

E oggi, quando creiamo un grande balletto della trama, pensiamo ancora al Lago dei cigni, perché questa è la base balletto classico su cui ogni coreografo fa affidamento. È stata la prima base di questo tipo su cui costruire ulteriormente un nuovo concetto, un nuovo stile pensiero, nuove idee. A quel tempo non esisteva il video, il cinema, avevamo solo questa capacità molto specifica della danza di trasferire questa conoscenza nel tempo, attraverso le generazioni.

Ebbene, il fenomeno di Petipa è interessante anche come esempio di compenetrazione di culture. I suoi balletti hanno dimostrato per molti anni che la danza è un'ottima base per la comunicazione su scala internazionale, perché è la nostra linguaggio reciproco. Quando sono arrivato al Teatro Bolshoi e ho lavorato con i solisti della compagnia, non ho potuto fare a meno di pensare a Petipa, a come questo ragazzo francese è arrivato da Marsiglia in Russia e, avendo incontrato la cultura russa, i ballerini russi, ha provato a combinare entrambi culture.

Questo è molto importante da ricordare, soprattutto oggi, perché le differenze culturali stanno lentamente scomparendo. Ci stiamo sempre più fondendo l'uno nell'altro, mescolando. Sembrerebbe che di recente, se non vedevamo i nostri colleghi per 5-6 anni, non sapevamo cosa stessero facendo e ora, grazie ai social network e a Instagram, le informazioni fluiscono costantemente. Tutto sembra accadere dappertutto nello stesso momento. Questo è sia bene che male.

Sto pensando: cosa succederebbe a Grigorovich se Facebook e tutto ciò esistesse allora, se sapesse cosa stava facendo Trisha Brown a New York nello stesso momento? Sarebbe stato tutto uguale nei suoi balletti? Non probabile, e probabilmente potremmo solo pentircene.

Il modo dei ballerini russi era originariamente molto diverso da quello dei francesi e degli americani, ma il tempo scorre, e capisci che ciò che era diverso 20 anni fa ora è sempre più cancellato, dissolto, avvicinato. E lo vedo nella mia compagnia, dove ballano rappresentanti di diverse nazionalità.

L'universalità del pensiero, dello stile, dell'estetica - sì, per certi versi è fantastico, ma gradualmente perderemo la nostra identità. Noi, inconsapevolmente, ci copiamo sempre di più. E forse è stato Petipa uno dei primi a provocare questo processo. Fu lui che, dopo aver lasciato la Francia, ne portò la cultura in un altro paese, in Russia. E forse è per questo che è diventata così straordinaria...

In generale, penso che il compito di ogni artista sia fare riferimento a ciò che è stato fatto prima di te, conoscere il patrimonio, trattarlo con rispetto e curiosità. Conoscere la storia è molto importante, ma allo stesso tempo, a un certo punto devi "dimenticare" questa conoscenza per andare avanti. Mi viene spesso chiesto della compagnia Russian Seasons di Sergei Diaghilev, che ha lavorato a Monte Carlo, dove opera il nostro teatro. Certo, è stato un fenomeno molto interessante quando la compagnia ha riunito compositori, artisti, coreografi, ha dato due o tre balletti a sera. Oggi molti lo fanno, ma allora erano i primi. Per me, Russian Seasons di Diaghilev non è meno importante di Petipa.

Ballerino Bezarovsky

Sono cresciuto in una famiglia teatrale. Mio padre era uno scenografo al Teatro dell'Opera e del Balletto. A casa, nel Tour, si riunivano cantanti, ballerini, registi, si può dire che io sono nato e cresciuto a teatro. Sono rimasto lì fuori per ore. Ecco perché non mi piace l'opera nei primi anni l'ho vista troppo. Allo stesso tempo, non direi di essere cresciuta nel mondo della danza, piuttosto in un ambiente artistico. Per molto tempo non ho potuto davvero considerarmi uno specialista nel campo della danza - fino all'età di 32 anni.

Ero una ballerina - ho studiato al conservatorio di Tours, poi a Cannes. Non sapevo molto di danza, mi sono sempre interrogata più sulla vita che sulla storia della coreografia. Ricordo come da bambino rimasi impressionato da Maurice Béjart, in particolare dalla sua commedia Nijinsky, God's Clown. E quando in cortile (e non sono cresciuto nella zona più rispettabile della mia città natale Tura) i ragazzi hanno chiesto: “Che tipo di ballerino sei? Classico o Bezharovsky?”, ho risposto: “Bezharovsky”. Altrimenti probabilmente non mi avrebbero capito, o forse mi avrebbero picchiato. Siamo cresciuti in una cultura di danza popolare piuttosto che classica.

Poi ho cominciato a imparare qualcosa di importante sul balletto, principalmente attraverso i ballerini: sto parlando di Baryshnikov in Giselle, Makarova in Swan Lake. Ho scoperto Balanchine e abbiamo messo in scena diciannove dei suoi balletti nella nostra compagnia.

La cosa principale sono i ballerini

Ho davvero scoperto Yuri Grigorovich nel 2012 quando ho visto il suo balletto Ivan il Terribile. Ero colpito, affascinato. Quello che mi ha colpito di più non è stata nemmeno la coreografia, molto interessante di per sé, ma i ballerini, il loro coinvolgimento, la fiducia in quello che stanno facendo. Mi ha toccato. E ho capito di nuovo che i ballerini sono la cosa principale nel balletto. Sì, certo, hanno bisogno di un coreografo, ma un coreografo senza ballerini non è nessuno. Non dobbiamo dimenticarcene. Se vuoi, questa è la mia ossessione. Il mio lavoro è stare in studio con persone - persone speciali: fragili, vulnerabili e molto oneste, anche quando mentono. Sono sempre interessato agli artisti con cui condivido la musica, il linguaggio della danza attraverso il quale possono esprimere ciò che sentiamo insieme. E speriamo sempre che questa raffica di emozioni venga trasferita dal palco alla sala e ci unisca tutti insieme.

Felice in isolamento

Non mi sento troppo legata al mondo del balletto: qui a Monaco sono un po' "isolata". Ma mi piace questo posto perché mi assomiglia. Questo paese è speciale: molto piccolo, due chilometri quadrati in totale, ma lo sanno tutti. Monaco è un posto molto seducente: non ci sono scioperi, problemi sociali ed economici, nessun conflitto, nessun povero, nessun disoccupato. La Principessa Carolina di Monaco mi ha dato la meravigliosa opportunità di lavorare qui per 25 anni. Non faccio parte di istituzioni potenti come Balletto Reale, Grande teatro, Opera di Parigi, parte di società internazionali. Sono solo, ma posso portare qui il mondo intero.

Ed essendo qui "in isolamento", sono felice. E se domani il mondo del balletto annuncerà il mio boicottaggio, va bene, lavorerò qui. Né il principe né la principessa mi dicono mai: "Devi fare questo e quello". Ho una meravigliosa opportunità di essere onesto, indipendente, libero. Posso fare quello che voglio: mettere in scena spettacoli, organizzare festival.

Non c'è nessun altro teatro a Monaco. E mi sforzo di dare il più possibile al pubblico locale, senza limitarlo al repertorio del Teatro del Balletto di Monte-Carlo. Se in tutti questi anni hanno visto solo i nostri balletti, significherebbe che sto ingannando il pubblico su ciò che sta accadendo mondo del balletto. Il mio compito è portare qui compagnie classiche, moderne e altri coreografi. Voglio che le persone che vivono qui abbiano le stesse opportunità dei parigini e dei moscoviti. Quindi devo fare tutto in una volta: essere impegnato nella messa in scena di balletti, oltre a tournée, festival e anche all'Accademia di balletto. Ma il mio compito era trovare un regista professionista, non per fare il lavoro per lui, ma per sostenerlo.

In generale, di più persone di talento intorno a te - più interessante e facile è per te svolgere il tuo lavoro. mi piace persone intelligenti nelle vicinanze: ti rendono più intelligente.

Odio l'idea che il regista debba essere un mostro, per mostrare forza, per far temere le persone. Non è difficile esercitare il potere su persone che sono praticamente nude davanti a te ogni giorno. Ma queste sono persone molto vulnerabili e insicure. E non puoi abusare del tuo potere. E amo i ballerini, simpatizzo anche con i deboli, perché li hanno lavoro speciale. Chiedi a un artista di maturare a vent'anni, ma persone normali arriva solo a quarant'anni, e si scopre che quando arriva la vera maturità al ballerino, il corpo “se ne va”.

La nostra azienda - non dirò "famiglia", perché gli artisti non sono i miei figli - questa è un'azienda di persone che la pensano allo stesso modo. Non ho mai avuto una relazione con una troupe in cui vivessero paura, rabbia, conflitto. Non è mio.

Essere un coreografo significa connettere persone con scuole diverse, mentalità diverse, in modo che creino uno spettacolo e, allo stesso tempo, nel processo di creazione, non si sa mai esattamente chi si rivelerà essere l'anello più importante nel risultato . È sempre un lavoro di squadra.