Shamisen - strumento musicale - storia, foto, video. Un breve tour nel mondo degli strumenti musicali orientali e l'origine del duduk

Con l'aiuto del quale cantastorie o cantanti giapponesi si sono accompagnati durante lo spettacolo. L'analogo europeo più vicino dello shamisen è . Shamisen insieme a flauti hayashi e shakuhachi, tamburo tsuzumi e . Si riferisce agli strumenti musicali tradizionali giapponesi.

Il nome contrasta con il genere musicale per bunraku e kabuki - nagauta (canzone lunga). Il più noto e il più complesso degli stili esecutivi è il gidayu, che prende il nome da Takemoto Gidayu (1651-1714), un teatro dei burattini bunraku di Osaka. Strumenti e plettri sono i più grandi e la guida stessa è sia un cantante che un commentatore di ciò che accade sul palco. Il lavoro del narratore è così complesso che nel mezzo della performance la guida cambia. Il narratore deve assolutamente conoscere il testo e la melodia. Dal XIX secolo sono apparse anche onna-gidayu, narratrici.

Origine

Shamisen nella sua forma originale ebbe origine nelle profondità dell'Asia occidentale, da lì arrivò in Cina (XIII secolo), dove fu chiamato "sanxian", poi si trasferì nelle isole Ryukyu (l'odierna Okinawa) e solo da lì arrivò in Giappone. Questo evento è segnato molto chiaramente nella storia, in contrasto con il tempo dell'apparizione dell'altro strumenti musicali- e risale al 1562.

Il precursore dello shamisen, il sanshin, veniva suonato nel regno di Ryukyu, che a quel tempo divenne una prefettura. Sanshin, a sua volta, deriva dallo strumento cinese sanjian, che si è evoluto dagli strumenti dell'Asia centrale.

Lo shamisen era anche lo strumento più importante per i musicisti itineranti di goze ciechi che apparvero all'inizio dello shogunato Tokugawa.

A differenza dell'Europa, dove gli strumenti tradizionali/antichi non ricevono molta attenzione, lo shamisen e altri strumenti nazionali in Giappone sono ampiamente conosciuti e amati. La popolarità è dovuta non solo al rispetto dei giapponesi per la loro cultura e storia, ma anche all'uso di strumenti nazionali, in particolare lo shamisen, nel teatro tradizionale giapponese, principalmente nei teatri Kabuki e Bunraku.

Shamisen era più diffuso nell'era Tokugawa e l'abilità di suonarlo faceva parte del programma di formazione obbligatorio per gli studenti maiko - geisha. Ecco perché i "quartieri divertenti" venivano spesso chiamati "quartieri dove lo shamisen non si ferma".

Varietà e applicazioni

Esistono diversi tipi di strumenti che differiscono tra loro per lo spessore del manico.

Strumenti con collo stretto chiamato hosozao e sono utilizzati principalmente nella musica nagauta.

Strumenti con mezzo avvoltoio si chiamano spessori chuzao e sono usati in generi musicali come kiyomoto, tokiwazu, jiuta eccetera.

Nel nord del Giappone, in particolare nell'area di Tsugaru (parte occidentale della prefettura di Aomori), una zona separata versione dal collo spesso dello shamisen — tsugarujamisen, il gioco su cui richiede un virtuosismo speciale. Viene chiamato lo Tsugarujamisen con il collo più spesso futozao ed è utilizzato in joruri.

Dispositivo

Il corpo dello shamisen è una cornice di legno strettamente ricoperta di pelle. Nelle isole Ryukyu, ad esempio, veniva utilizzata la pelle di serpente e nello stesso Giappone veniva utilizzata la pelle di cani o gatti per questo scopo. La custodia è rivestita di pelle su entrambi i lati, inoltre un piccolo pezzo di pelle è incollato alla membrana anteriore per proteggerla dai colpi di plettro (bati).

Tre corde di diverso spessore sono tese tra i piroli e l'estremità inferiore del manico, che sporge dal centro della parte inferiore del corpo. Le corde sono realizzate in seta, nylon e tetlon. La lunghezza dello shamisen è di circa 100 cm.

Lo shamisen viene suonato con un grande plettro bachi, realizzato con materiali come legno, avorio, guscio di tartaruga, corno di bufalo e plastica. Bati per nagaut e jiuta sono triangoli quasi regolari, con spigoli molto netti.

Tsugarujamisen suggerisce un plettro più piccolo, più simile a una foglia di ginkgo.

Tecnica di gioco Shamisen

Sono stati formati tre stili di suonare lo shamisen:

Uta-mono - stile della canzone. Uno dei generi principali accompagnamento musicale spettacoli teatrali kabuki. Questo genere è rappresentato da lunghi intermezzi musicali suonati dall'ensemble hayashi (questo ensemble di solito accompagna spettacoli teatrali, è composto da un flauto e tre tipi di batteria).

Katari-mono è uno stile fantasy.È molto caratteristico della musica tradizionale giapponese ed è rappresentato da un tipo specifico di canto.

Minyo è una canzone popolare.

Quando lo shamisen apparve per la prima volta in Giappone, le corde venivano pizzicate con un piccolo plettro (yubikake) e solo col tempo i musicisti iniziarono ad usare il plettro, che ampliò notevolmente le possibilità timbriche dello strumento. Ogni volta che la corda inferiore viene pizzicata, oltre al suo suono, si sentono armonici e un leggero rumore, questo fenomeno è chiamato "savari" ("tocco"). I savari compaiono anche quando altre corde risuonano con la corda inferiore, specialmente quando l'intervallo di intonazione tra le corde è un'ottava (due ottave, tre, quinte, ecc.). La capacità di utilizzare questo suono aggiuntivo è un segno dell'elevata abilità dell'esecutore e l'effetto acustico stesso è strettamente controllato dai produttori di shamisen.

Il plettro è tenuto nella mano destra e, al momento giusto, il suono delle corde viene fermato da tre dita della mano sinistra su un manico senza tasti. Il pollice e il mignolo non vengono utilizzati nel gioco. Il metodo più caratteristico per suonare lo shamisen è il colpo simultaneo del plettro sulla membrana e sulla corda. Inoltre, ci sono molti altri fattori importanti che determinano le specificità del suono, come lo spessore delle corde, il manico, le membrane, il punto in cui il plettro colpisce le corde, ecc. Anche sullo shamisen si possono pizzicare le corde con la mano sinistra, ottenendo un timbro più elegante. Questa capacità di cambiare il tono è uno dei tratti distintivi dello shamisen.

Oltre al modo di suonare, è possibile modificare il timbro dello strumento variando la lunghezza della corda, del manico o del plettro, nonché le loro dimensioni, spessore, peso, materiale - indicatori di massa! Ci sono quasi due dozzine di shamisen, diversi l'uno dall'altro per tono e timbro, ei musicisti selezionano lo strumento che più si avvicina al loro genere musicale, o lo riaccordano appena prima dell'esibizione.

Nella musica shamisen, la linea della voce coincide quasi con quella suonata sullo strumento: la voce è solo leggermente avanti rispetto alla melodia, il che rende possibile l'ascolto e la comprensione del testo, e sottolinea anche il contrasto tra il suono della voce e il shamisen.

Shamisen nella musica moderna

Shamisen, a causa del suo suono specifico, è spesso usato per migliorare il suono "nazionale" in alcuni Film giapponesi e anime (come in Russia). Quindi, shamisen suona nella colonna sonora della serie anime di Naruto, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu suona in stile New Age.

È utilizzato dai rappresentanti dell'avanguardia musicale europea (ad esempio, Henri Pousseur).

Le composizioni eseguite dagli Yoshida Brothers sono piuttosto popolari, il loro shamisen suona come.

Michiro Sato esegue improvvisazioni sullo shamisen, e pianista jazz Glenn Horiuchi ha inserito frammenti di suonare lo shamisen nelle sue composizioni.

Il chitarrista Kevin Kmetz guida la band californiana God of the Shamisen, in cui suona lo tsugarujamisen.

Video: Shamisen su video + audio

Grazie a questi video, puoi familiarizzare con lo strumento, vedi vero gioco su di esso, ascolta il suo suono, senti i dettagli della tecnica:

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Strumento musicale: liuto

Nell'era delle velocità supersoniche e delle nanotecnologie, a volte vuoi davvero rilassarti, rinunciare a tutto il trambusto mondano e ritrovarti in un altro mondo dove non c'è tumulto moderno, ad esempio, nell'era romantica del Rinascimento. Al momento, non è necessario inventare una macchina del tempo per questo, ma semplicemente visitare un concerto di musica autentica da qualche parte nel Cremlino Izmailovsky o nel Palazzo Sheremetyevo. Lì non solo ascolterai bellissime melodie che riportano mentalmente ai tempi passati, ma conoscerai anche interessanti strumenti musicali su cui i nostri lontani antenati suonavano musica diversi secoli fa. L'interesse per la musica antica sta crescendo oggi, gli artisti moderni padroneggiano con entusiasmo gli strumenti delle epoche passate, tra cui il flauto traverso, viola da gamba, viola acuta, violone contrabbasso barocco, clavicembalo e, senza dubbio, il liuto è uno strumento di classi privilegiate e merita un'attenzione speciale. Gli arabi nel Medioevo la chiamavano giustamente la regina degli strumenti musicali.

Suono

Il liuto appartiene alla famiglia degli archi strumenti a pizzico, per la natura del suo suono, è un po 'come una chitarra, tuttavia, la sua voce è molto più morbida e tenera, e il suo timbro è vellutato e vibrante, poiché è più saturo di sfumature. La fonte del suono sul liuto sono le corde accoppiate e singole, che l'esecutore pizzica con la mano destra e preme contro i tasti con la sinistra, cambiandone la lunghezza, cambiando così il tono.

Il testo musicale dello strumento era scritto utilizzando lettere su una riga di sei righe e la durata dei suoni era indicata da note poste sopra le lettere. Allineare strumento di circa 3 ottave. Lo strumento non ha un'impostazione standard specifica.

Foto:

Fatti interessanti

• Per molte nazioni, l'immagine del liuto fungeva da simbolo di armonia, giovinezza e amore. Tra i cinesi significava saggezza, oltre che coerenza nella famiglia e nella società. Per i buddisti - armonia nel mondo degli dei, per i cristiani - un liuto nelle mani degli angeli segnava la bellezza del paradiso e la riconciliazione delle forze naturali. Nell'arte del Rinascimento simboleggiava la musica e uno strumento con le corde spezzate indicava disaccordo e discordia.
• Il liuto era un emblema, un'immagine simbolica degli innamorati.
• Il liuto nel Rinascimento era molto spesso raffigurato sui dipinti, anche Orfeo e Apollo erano dipinti da artisti dell'epoca non con una lira, ma con un liuto. Ed è impossibile immaginare una composizione più armoniosa di una ragazza o di un giovane con questo strumento romantico.
• Un tempo il liuto, molto diffuso, era considerato uno strumento privilegiato della cerchia laica, della nobiltà e della regalità. In Oriente era chiamato il sultano degli strumenti, e nei paesi europei si diceva che l'organo è il "re di tutti gli strumenti" e il liuto è "lo strumento di tutti i re".
• Il grande poeta e drammaturgo inglese W. Shakespeare ha spesso menzionato il liuto nelle sue opere. Ammirava il suo suono, attribuendole la capacità di portare gli ascoltatori in uno stato estatico.
• Il più grande scultore, artista, poeta e pensatore italiano Michelangelo Buonarroti, ammirando l'esibizione del famoso suonatore di liuto Francesco da Milano, disse di essere stato divinamente ispirato dalla musica e tutti i suoi pensieri in quel momento erano rivolti al cielo.
• L'esecutore del liuto è chiamato suonatore di liuto e il maestro che fa gli strumenti è chiamato liuto.
• Gli strumenti degli artigiani bolognesi - liuto L. Mahler e G. Frey, nonché rappresentanti della famiglia Tieffenbrucker di Venezia e Padova, creati nei secoli XVII-XVIII, costano cifre astronomiche per quegli standard.
• Non era così difficile imparare a suonare il liuto, ma era problematico accordare uno strumento che aveva molte corde fatte di materiali naturali, ma mal tenute accordate a causa degli sbalzi di temperatura e umidità. C'era una battuta molto famosa: un suonatore di liuto passa due terzi del tempo ad accordare lo strumento e un terzo suona musica su uno strumento non accordato.

Progetto

Un design molto elegante del liuto comprende un corpo e un manico, che terminano con un blocco di piroli. Il corpo, che ha una forma a pera, comprende un deck e un corpo che funge da risonatore.

• Il corpo è fatto di segmenti curvi, che formano una forma emisferica, realizzati in legno duro: ebano, palissandro, ciliegio o acero.
• Il ponte è la parte anteriore del corpo che copre il corpo. È piatto, di forma ovale ed è solitamente realizzato in abete risonatore. C'è un supporto sul ponte nella parte inferiore e al centro c'è una buca sotto forma di un elegante motivo intricato o di un bellissimo fiore.

Un manico di liuto relativamente largo ma corto è attaccato al corpo allo stesso livello della tavola armonica. Su di essa è incollata una sovrapposizione di ebano e sono legati anche i delimitatori dei tasti in catgut. Nella parte superiore del manico c'è un capotasto che controlla la tensione delle corde.

Anche il blocco dei piroli del liuto, sul quale sono presenti i perni di regolazione per la tensione delle corde, ha il suo caratteristica distintiva. Sta nel fatto che il blocco si trova rispetto al collo del collo ad un angolo abbastanza grande, quasi retto.

Il numero di corde accoppiate su diversi liuti varia notevolmente: da 5 a 16, e talvolta 24.

Peso lo strumento è molto piccolo ed è di circa 400 gr., lunghezza strumento - circa 80 cm.

Varietà

Il liuto un tempo, che era molto popolare, si è evoluto molto intensamente. Maestri di musica costantemente sperimentato con la sua forma, il numero di corde e l'accordatura. Di conseguenza, è sorto un numero abbastanza significativo di varietà di strumenti. Ad esempio, liuti rinascimentali tranne strumenti tradizionali, compresi gli strumenti con un diverso numero di corde accoppiate - i cori, avevano tipi di varie dimensioni simili ai registri della voce umana: piccola ottava, piccola acuta, acuta, contralto, tenore, basso e ottava bassa. Inoltre, la famiglia del liuto comprende il liuto barocco, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kittaron, zither, bandora, cantabile lute, orfarion, wandervogel lute, mandora, mandola.

Applicazione

Gli storici dell'arte considerano il liuto non solo uno degli strumenti più interessanti, ma anche di fondamentale importanza nella storia della musica europea del XVI e XVII secolo. Ha ricevuto riconoscimenti da rappresentanti di vari ceti sociali, dalla gente comune ai reali, ed è stato utilizzato come strumento di accompagnamento, solista e d'insieme. La popolarità in rapida crescita del liuto richiedeva costantemente il rifornimento e l'aggiornamento del repertorio. Molto spesso, i compositori di opere erano anche esecutori, quindi nei paesi europei è apparsa un'intera galassia di meravigliosi compositori di liuto. In Italia - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. In Spagna - L. Milan, M. Fuenlyana. In Germania - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. In Inghilterra - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. In Polonia - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. In Francia - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Va anche notato che anche grandi maestri come È. Bach, A.Vivaldi, G. Händel, J. Haydn prestarono attenzione al liuto, arricchendone il repertorio con le loro opere.

Al momento, l'interesse per la musica antica, e allo stesso tempo per il liuto, non si indebolisce. Il suo suono è sempre più ascoltato sui palchi sale per concerti. Tra compositori contemporanei che oggi compongono per lo strumento, si segnalano molte opere interessanti di I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. MacFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Artisti notevoli

Insolitamente di moda nel Rinascimento e nel Barocco, ma soppiantato da altri strumenti e ingiustamente dimenticato, il liuto suscita ancora oggi grande interesse, e non solo tra i musicisti autentici. Il suo suono ora può essere ascoltato sempre di più su diversi sedi di concerti, e non solo da solo, ma anche in un ensemble con altri bellissimi strumenti musicali antichi. Nel 21 ° secolo, i virtuosi più famosi che fanno molto per rendere popolare lo strumento sono V. Kaminik (Russia), P. O "Dett (USA), O. Timofeev (Russia), A. Krylov (Russia, Canada) , A Suetin (Russia), B. Yan (Cina), J. Imamura (Giappone), R. Lislevand (Norvegia), E. Karamazov (Croazia), J. Held (Germania), L. Kirchhoff (Germania), E Eguez (Argentina), H. Smith (USA), J. Lindbergh (Svezia), R. Barto (USA), M. Lowe (Inghilterra), N. North (Inghilterra), J. van Lennep (Paesi Bassi) e molti altri.

Storia

L'intera storia dell'aspetto del liuto, che in Paesi orientali era considerato uno degli strumenti più avanzati, è impossibile rintracciarlo. Tali strumenti erano già diffusi in molti paesi del mondo quattro millenni fa. Suonavano musica in Egitto, Mesopotamia, Cina, India, Persia, Assiria, Grecia antica e Roma. Tuttavia, gli studiosi d'arte suggeriscono che il liuto abbia avuto un immediato predecessore, l'oud, uno strumento che è ancora trattato con particolare rispetto in Medio Oriente, sostenendo che sia il risultato della creazione del nipote del Profeta. L'oud aveva un corpo a forma di pera, che era fatto di legno di noce o di pero, una tavola armonica di pino, un collo corto e una testa ricurva all'indietro. Il suono è stato estratto con un plettro.

La conquista dell'Europa da parte del liuto iniziò nell'VIII secolo dalla Spagna e dalla Catalogna, dopo che i Mori conquistarono la penisola iberica. Lo strumento non solo si è unito molto rapidamente alle culture di questi paesi, ma anche grazie a crociate, ha cominciato a diffondersi rapidamente ad altri paesi europei: Italia. Francia, Germania, sostituendo altri strumenti allora esistenti, come la cisterna e la pandura. Il liuto, guadagnando popolarità, è stato costantemente sottoposto a vari miglioramenti. I maestri hanno apportato modifiche al design dello strumento, hanno modificato il corpo e il manico, hanno aggiunto le corde. Se inizialmente aveva da 4 a 5 corde accoppiate - cori, in seguito il numero aumentò gradualmente. Nel XIV secolo, il liuto in Europa non solo era completamente formato, ma divenne anche uno degli strumenti più popolari non solo a corte, ma anche nella musica domestica. Era usato non solo come accompagnamento, ma anche come strumento solista. Per il liuto componevano molta musica varia, facevano trascrizioni non solo di canti e balli popolari, ma anche di musica sacra. Nel XV secolo la popolarità dello strumento aumentò ancora di più, i pittori spesso lo raffigurano sulle loro tele d'arte. I compositori continuano ad arricchire intensamente il repertorio. Gli esecutori abbandonano il plettro, preferendo il metodo di estrazione del dito, che ha notevolmente ampliato le possibilità tecniche, consentendo l'esecuzione sia dell'accompagnamento armonico che della musica polifonica. I liuti continuarono a migliorare e gli strumenti a sei corde accoppiate divennero i più ricercati.

Nel XVI secolo la popolarità del liuto raggiunse il suo apice. Ha dominato sia musicisti professionisti che dilettanti. Lo strumento suonava nei palazzi dei re e della più alta nobiltà, così come nelle case dei comuni cittadini. Ha eseguito lavori da solista e d'insieme, ha accompagnato cantanti e cori e, inoltre, li ha presentati alle orchestre. IN paesi diversi furono create scuole per la produzione di strumenti per liuto, la più famosa delle quali si trovava in Italia nella città di Bologna. Gli strumenti venivano costantemente modificati, il numero di corde accoppiate aumentava: prima dieci, poi quattordici, e successivamente il loro numero raggiungeva 36, ​​il che richiedeva di conseguenza modifiche al design dello strumento. C'erano molte varietà del liuto, tra queste ce n'erano sette che corrispondevano alla tessitura della voce umana, dal basso al basso.

Entro la fine del XVII secolo, la popolarità del liuto iniziò a diminuire notevolmente, poiché fu gradualmente soppiantata da strumenti come chitarra, clavicembalo, e poi il pianoforte. Nel XVIII secolo in realtà non era più utilizzato, ad eccezione di diverse varietà che esistevano in Svezia, Ucraina e Germania. E solo a cavallo tra Ottocento e Novecento, a causa del rinnovato interesse per gli strumenti antichi degli appassionati inglesi guidati dal maestro strumentale, musicista professionista e musicologo Arnold Dolmich, l'attenzione per il liuto aumentò nuovamente notevolmente.

Il liuto è un antico strumento musicale elegante con una bella voce gentile, che un tempo fu messo fuori uso e ingiustamente dimenticato. Il tempo passava, i musicisti lo ricordavano, si interessavano e lo portavano di nuovo sul palco del concerto per conquistare gli ascoltatori con un suono sofisticato. Oggi il liuto partecipa spesso a concerti di musica autentica, esibendosi sia come strumento solista che d'insieme.

Video: ascolta il liuto

Una volta ho promesso di parlare di strumenti musicali giapponesi. Questa volta è arrivato. Biva è caduta nelle mie mani quasi per caso, ma è toccato a lei aprire l'argomento :)

Oggi la nostra attenzione sarà catturata dai suoni magici - sebbene non gentili e non ariosi, ma piuttosto aspri, metallici e ritmici - di uno strumento musicale tradizionale giapponese chiamato biwa (biwa).
Biwa è una varietà giapponese di liuto o mandolino, arrivò in Giappone dalla Cina nel VII secolo, in Cina uno strumento simile è chiamato pipa (pipa), ma arrivò in Cina dalla Persia nel IV secolo d.C.
E le radici del liuto europeo vanno anche in Asia centrale.
In Giappone, in oltre mille anni di sviluppo del biwa, sono apparsi molti modelli, molte scuole di gioco e di canto.

(Questa è una specie di concerto biwa con orchestra. Gion shoja. Compositore Hirohisa Akigishi
Nella registrazione del prologo "The tale" s of Heike "(la storia di Heike, che è anche chiamata" Taira monogatari ") Questo è il principale opera contemporanea che viene eseguito in biwa. Questa registrazione è stata fatta a Seul, nel 2004 presso il centro Sejong)

Lo strumento ha una forma simile a una noce di mandorla puntata verso l'alto. La parete anteriore del corpo è leggermente curva in avanti, la parte posteriore è piatta. Le pareti - cioè due assi di legno - non sono molto distanti, lo strumento è piuttosto piatto. Ci sono tre fori nella parete frontale.
Il biwa ha quattro o cinque corde fatte con i migliori fili di seta incollati insieme con colla di riso. La tastiera ha cinque tasti molto alti.

Le corde sono tese abbastanza liberamente, cioè non sono molto tese. Il musicista, premendo più forte la corda, ne cambia la tensione, cioè alza il tono. Possiamo dire che lo strumento non è affatto accordato nel senso europeo occidentale del termine, ma il musicista può suonare determinate note cambiando la forza di pressione delle corde.
Ma lo scopo del gioco non è affatto suonare la nota giusta. Pertanto, non c'è presa mortale sulla corda, il dito cambia continuamente pressione, il che fa fluttuare il suono. Inoltre, con il dito puoi muovere la corda lungo i tasti larghi, da questo la corda inizia a ronzare, come su tale indiano strumenti a corda come un sitar o un vino.

Il biwa è tenuto verticalmente e quando si suona viene utilizzato un plettro di legno triangolare, a forma di piccolo ventaglio. Uno dei suoi lati raggiunge i 30 centimetri di lunghezza, è una specie di scapola. La fabbricazione di queste lame - grande arte, devono essere sode ed elastiche allo stesso tempo. L'albero per il mediatore viene essiccato per dieci anni. Naturalmente, viene utilizzata una rara specie di albero.
Con un plettro puoi colpire non solo le corde, ma anche il corpo, oltre a graffiare le corde, però i maestri dicono che questa è una tecnica moderna, prima non era così.
Ma è chiaro che esiste più di un modo per colpire una corda con un plettro così grande - e questo, ovviamente, è perfettamente udibile.

BIWA (Re Records, 1990)
Il CD contiene due tracce strumentali e quattro tracce vocali-strumentali. La più impressionante è la canzone epica "Kawanakajima" ("Isola tra due fiumi") eseguita da Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui è morto nel 1978 ed è nato nel XIX secolo. Apparteneva ai famosi maestri biwa dell'era prima della seconda guerra mondiale.
Nell'Ottocento e nella prima metà del Novecento l'arte del biwa conobbe una rinascita, solo a Tokyo c'erano 30 maestri che costruivano strumenti musicali, dopo la guerra in tutto il Giappone - e nel mondo intero - ne era rimasto solo uno . Quest'arte ha avuto la possibilità di scomparire per sempre, perché i testi erano intrisi dello spirito samurai ora politicamente scorretto.
Rispetto alla nuova generazione di cantanti, la voce di Enomoto Shizuya suona più tragica, più isterica e, direi, più spietata.
L'isola a cui è dedicata questa canzone è un lembo di terra tra due fiumi. In questo luogo nel XVI secolo si svolsero diverse battaglie tra gli eserciti di due capi militari.
Non posso credere che questa sia musica divertente che la gente ascolta la sera, stanca delle cose importanti. No, no, questa musica ricorda chiaramente ai samurai il loro dovere e accende il loro spirito combattivo.

Un altro oggetto ben noto è Atsumori, che è anche un biwa nella foto.

Colpi taglienti di metallo - simili a un colpo di spada - contrastano con la voce che si dispiega lentamente. Le vocali si trascinano a lungo, il ritmo è libero, ci sono molte pause nella musica, ma non si può assolutamente definire pigro. È molto tesa e concentrata.
A proposito, anche le pause, il vuoto, i momenti di silenzio nella tradizione giapponese sono considerati un elemento acustico, cioè suono. Si chiama la parola "ma". Il silenzio può essere breve o lungo, teso o calmo, inaspettato o logico. Il silenzio enfatizza alcuni suoni e sposta l'enfasi in una frase musicale.

C'erano due correnti parallele nella storia del biwa: in primo luogo, il biwa faceva parte dell'orchestra di corte. Un antico biwa giaceva orizzontalmente sul pavimento e veniva suonato con un piccolo plettro. Era uno strumento a percussione.
Nel Medioevo, il biwa veniva suonato dagli aristocratici e dai loro vassalli e si ritiene che questa musica fosse puramente strumentale. IN letteratura classica sono sopravvissute molte descrizioni del biwa solista medievale, del suo suono aggraziato e raffinato e delle sublimi melodie provenienti dalla Cina, ma il biwa solista non è stato conservato nella tradizione della musica di corte fino ad oggi. Nell'orchestra Gagaku, la parte biwa è così semplice che è impossibile liberarsi dell'impressione che qualcosa di importante sia andato perduto nel corso dei secoli.
La tradizione del biwa come strumento solista fu interrotta nel XIII secolo e ripresa solo nel XX.

"Ichinotani" in lode Biwa di Silvain Guignard (frammento). Versione europea, come puoi vedere

Ma la funzione principale del biwa è quella di accompagnare lunghi canti e racconti.
Fino al XX secolo, il biwa era suonato quasi esclusivamente da musicisti ciechi, chiamati biwahoshi. Alcuni di loro erano monaci buddisti e recitavano sutra e inni, ma comunque la maggior parte dei cantanti raccontava di guerre e battaglie di eroi leggendari.
Il più famoso epico eroico dal repertorio biwahoshi - "Heike Monogatari" (Heike Monogatari).
Questa è una poesia enorme e piuttosto sanguinosa su come il clan Heike (alias Taire), dopo un breve periodo di massimo splendore, fu sconfitto dal clan Genji (Genji, alias Minamoto) nella seconda metà del XII secolo.
La poesia ha 200 episodi, di cui 176 ordinari, 19 segreti e i restanti 5 top secret.

(scusa per la qualità dell'immagine e del suono. Interpretato da Yukihiro Goto)
Tutte le storie in un modo o nell'altro illustrano le idee buddiste di causa ed effetto, così come l'impermanenza del destino.
Oggi, "Heike Monogatari" è eseguito solo da pochi dei musicisti che suonano il biwa. Tutti gli altri hanno un repertorio molto più moderno.
Tuttavia, si ritiene che i canti eroici eseguiti nel Medioevo dai monaci ciechi siano scomparsi, così come la tradizione del biwa di corte strumentale. La tradizione del canto eroico è stata ripresa più volte e, molto probabilmente, per niente nella forma in cui esisteva 700 anni fa.
Sebbene la storia dello strumento risalga al VII secolo, ma la musica che è sopravvissuta fino ad oggi, a quanto pare, non ha più nulla a che fare con il Medioevo, lo stile, che oggi si chiama antico e classico, non si è formato tanto tempo fa.
Un momento importante nella storia del biwa è il XVI secolo.
Poi è stato creato nuovo strumento Satsuma biwa: Il capo del clan Satsuma ha dato l'ordine di migliorare il liuto poco potente e modesto dei monaci ciechi in modo che diventi uno strumento rumoroso con un suono impressionante e acuto. Il biwa divenne più grande, il suo corpo era fatto di legno più duro. Il suo suono è diventato più maschile, se non aggressivo.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(suono migliore, ma l'incorporamento non è consentito)
Sono state scritte anche nuove canzoni. Lo scopo di questa azione era educativo e propagandistico: i giovani che si sottoponevano all'addestramento militare, cioè il futuro samurai, dovevano crescere nello spirito e apprendere le basi dell'abilità cavalleresca sotto queste canzoni.
Quindi non esisteva alcun canone per suonare e cantare: qualsiasi samurai poteva gridare un testo eroico e, per una maggiore espressività, battere le corde di volta in volta. Le canzoni non invitavano più solo i giovani alle imprese, i samurai sopravvissuti alla guerra raccontavano le loro campagne, anche al suono di biwa.
Con il passare del tempo, la popolazione abbastanza pacifica iniziò ad interessarsi molto a questa musica militarista. Di conseguenza, apparve uno stile per i civili: machi fu (stile urbano) - e per i militari: shi fu (stile samurai).
Apparvero nuovi tipi di strumenti. Diciamo che chikuzen biwa (chikuzen-biwa) è apparso nel 19 ° secolo, ne ha uno in più: una corda alta. Pertanto, questo biwa è considerato femminile, più morbido. Suonalo, rispettivamente, donne.

In tutte le canzoni epiche eseguite con l'accompagnamento di un biwa, il testo è una prosa ritmica intervallata da brevi passaggi poetici. Alcune frasi sono cantate su melodie canoniche, seguite da brevi pause strumentali. Ma, di regola, uno o due colpi sulle corde biwa suonano alla fine di ogni frase o strofa. Questi battiti hanno un timbro diverso: il biwa ha molte più possibilità del tamburo.
Se i suoni del biwa illustrano ciò di cui canta il narratore, allora è solo nel timbro: un suono sottile o sordo, suona metallico o sibilante ... Il testo è cantato in giapponese classico, gli ascoltatori devono capire cos'è detto: intonazione, ritmo e suoni coloranti sono legati al contenuto del dramma.
Questa è musica per l'ascolto diretto, per coloro che entrano in empatia con l'azione, completamente catturati da essa.
Noi, non conoscendo la lingua, a quanto pare, semplicemente non percepiamo molto in questa musica, ma lei, miracolosamente, non diventa esotico, bizzarro o fantastico da questo. No, no, conserva la sua significatività e persuasività.
È anche interessante che questa sia musica molto emotiva, molto intensa, aperta. E i giapponesi - come tutti gli altri buddisti - sembrano evitare di mostrare i propri sentimenti.

In Giappone, la forza che muove l'universo si chiama ki. È una forza spirituale simile al greco pneuma.
L'espressione ki ha la precedenza più alta in assoluto Arti giapponesi. Nel macrocosmo il ki corrisponde ai venti, nel microcosmo al respiro dell'uomo. In giapponese ci sono molte parole legate al ki: ki-shФ (tempo), ki-haku (spirito).
La base della voce che canta è la respirazione, e quindi il canto è una delle manifestazioni del ki.
Gli antichi giapponesi credevano che pronunciando o, per meglio dire, espirando, soffiando una parola, compissero un atto spirituale. E in russo le parole "respiro" e "spirito" non sono affatto estranee l'una all'altra.
La tradizione giapponese del canto è direttamente correlata a questo atteggiamento nei confronti della parola come respiro carico di significato.

E questa breve registrazione non è solo un brano musicale, è Gagaku, la musica cerimoniale del Palazzo Imperiale giapponese.

Il canto europeo, come tutta la musica, si basa sull'altezza e sulla durata dei suoni. IN giappone antico il canto ha fuso elementi acustici come il colore del suono, la sua energia, il volume e la sua qualità in un unico geroglifico sonoro.
È qualcosa di incommensurabilmente più della nota giusta.
E la musica biwa è per molti aspetti diversa dalla musica dell'Europa occidentale. Lo strumento giapponese assume un atteggiamento completamente diverso nei confronti del suono, del ritmo.
Il compositore modernista giapponese Toru Takemitsu ha scritto diverse composizioni che utilizzano biwa insieme all'orchestra sinfonica. Esiste un modo tradizionale di registrare la musica biwa - rispetto all'Europa occidentale sembra molto approssimativo.

Musica Kwaidan, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

Questo è dedicato a Toru Takemitsu

Quando un esecutore di biwa in una delle sue composizioni si è offerto volontario per studiare la notazione dell'Europa occidentale, Takemitsu le ha proibito di farlo. "Questa è l'ultima cosa che mi aspetterei da te", ha detto il compositore. “Studierò io stesso la registrazione tradizionale della musica biwa e imparerò a usarla, non avrai bisogno di note occidentali. Oggi il tradizionale senso del suono sta morendo a causa del sistema occidentale ritocchi strumenti musicali e registrazione di musica con note.

C'era una volta un antico biwa scomparso dal palazzo dell'imperatore Tennoh. Si chiamava Genjo. Non aveva prezzo, era molto costosa. L'imperatore non riusciva a trovare un posto per se stesso. Se veniva rubato, il ladro doveva romperlo: era impossibile venderlo. L'imperatore era sicuro che il suo biwa fosse stato rubato per oscurare la sua anima.
Minamoto no Hiromasa era un aristocratico e un eccellente musicista. Anche lui era molto addolorato per la perdita.
Una notte sentì il suono di una corda - non c'erano dubbi: era il biwa di Genjo. Hiromasa svegliò il servitore e andarono a catturare il ladro. Si stavano avvicinando al suono, ma continuava ad allontanarsi. Una specie di spirito suonava sul biwa: solo Hiromasa poteva sentire il suono delle corde.
Ha seguito il suono fino a raggiungere il vero punto meridionale Kyoto - alla minacciosa porta di Rashomon. Hiromasa e il suo servitore stavano sotto il cancello, si udì il suono di un liuto dall'alto. "Non è un essere umano," sussurrò Hiromasa, "è un demone."
Alzò la voce, "Ehi, chi suona il Genjo! L'Imperatore Tenno ha cercato lo strumento da quando è scomparso. So che sei qui, ti ho seguito fin dal palazzo!"
La musica si interruppe, qualcosa cadde dall'alto e rimase sospeso nel corridoio. Hiromasa indietreggiò: pensava che fosse un demone. Ma il liuto di Genjou pendeva da una corda in cima.
L'imperatore era molto contento del ritorno di Genjo, nessuno dubitava che fosse stato il demone a rubare il tesoro e poi a darlo via. Hiromasa è stato generosamente ricompensato.
Genjo è ancora dentro Palazzo imperiale. Questo non è solo un liuto, è qualcosa di vivo con un proprio carattere. Se viene raccolto da un musicista inetto, non emette alcun suono.
Un giorno ci fu un incendio nel palazzo. Tutti sono scappati e nessuno ha pensato di salvare Genjo. Ma, misteriosamente, è stata trovata sul prato davanti al palazzo, dove pare si sia presa!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Xi Jinping, presidente dei cinesi Repubblica Popolare, parlando a un simposio dedicato al 69 ° anniversario della vittoria sugli invasori giapponesi durante la guerra mondiale, invitando il Giappone ad adottare un approccio più responsabile per valutare ...

aggiunto: 04 marzo 2014

Musica e strumenti nazionali giapponesi

Il Paese del Sol Levante Il Giappone ha una cultura distintiva e unica. L'eredità di una grande nazione è strettamente legata alla musica. La musica nazionale giapponese è lo stesso fenomeno originale, dovuto all'isolamento del paese.

Il popolo giapponese tratta sempre con attenzione e rispetto i monumenti della cultura della propria patria. Qualsiasi musica è impossibile senza strumenti musicali. La cultura musicale del Giappone ha il suo genere unico. Questo spiega la varietà di strumenti utilizzati per creare capolavori musicali.

Strumenti musicali notevoli

Uno degli strumenti musicali giapponesi più famosi è shamisen, che è analogo al liuto. Appartiene alla categoria degli strumenti a pizzico a tre corde. Ha avuto origine da sanshina, che a sua volta deriva da sanxiano che è originario della Cina.

La musica e le danze giapponesi non sono complete senza lo shamisen, che è ancora venerato oggi isole giapponesi ed è spesso usato nel teatro giapponese Bunraku e Kabuki. È anche importante che il gioco sullo shamisen sia incluso nel programma di formazione per geisha - maiko.

Anche la musica nazionale giapponese è indissolubilmente legata ai flauti. Strumento musicale fue appartiene a una famiglia di flauti noti per il loro tono acuto. Sono fatti di bambù. Questo flauto ha avuto origine dal flauto cinese - " paixiao«.

Il flauto più famoso della famiglia fue è shakuhachi, che viene utilizzato come strumento musicale dai monaci buddisti Zen. Secondo la leggenda, lo shakuhachi è stato inventato da un normale contadino. Mentre trasportava il bambù, udì una meravigliosa melodia che usciva dal bambù quando il vento vi soffiava dentro.

Il flauto fue, così come lo shamisen, è spesso usato come accompagnamento nei teatri Banraku e Kabuki e in vari ensemble. Alcuni dei fuet possono essere sintonizzati sul modo occidentale e quindi diventare solisti. È interessante notare che prima suonare il fue era caratteristico solo per i monaci erranti giapponesi.

Suikinkutsu

Un altro strumento che rappresenta cultura giapponeseÈ suikinkutsu. Ha la forma di una brocca capovolta, su cui scorre l'acqua. Entrando attraverso certi fori, fa sì che lo strumento emetta un suono molto simile al suono di una campana. Questo strumento viene suonato prima della cerimonia del tè ed è anche usato come attributo del tradizionale giardino giapponese.

A proposito, per comodità, la cerimonia del tè può svolgersi in giardino. Il suono dello strumento immerge una persona in un'inspiegabile sensazione di rilassamento, crea uno stato d'animo contemplativo. Un tale stato è molto adatto per immergersi nello Zen, poiché il relax in giardino durante la cerimonia del tè fa parte della tradizione Zen.

Più comprensibile per la nostra percezione è lo strumento taiko,che nella traduzione in russo significa "tamburo". Taiko è diventato famoso negli affari militari, tra l'altro, così come le sue controparti in altri paesi. Come si suol dire, nelle cronache di Gunji Yeshu, nove colpi su nove significavano una chiamata alla battaglia e, a sua volta, nove su tre significava che il nemico doveva essere inseguito.

Va tenuto presente che durante l'esecuzione di un batterista si presta attenzione all'estetica dell'esecuzione che offre, poiché non solo la melodia e il ritmo dell'esecuzione sono importanti, ma anche l'aspetto dello strumento su cui la melodia è giocato.

Generi musicali giapponesi

La musica folk del Giappone ha fatto molta strada nel suo sviluppo. Le sue origini erano canzoni magiche, in seguito lo sviluppo e la formazione genere musicale influenzato dal confucianesimo e dal buddismo. Pertanto, la musica giapponese, in un modo o nell'altro, è associata a rituali, feste tradizionali, spettacoli teatrali e altre attività. giapponese musica etnica, ascolto online che, nel mondo moderno, può essere in qualsiasi momento della giornata e ovunque sia diventato parte importante eredità culturale Paesi.

Ci sono due principali più specie popolari musica nazionale giapponese.

• Il primo è shomyo, che è un canto buddista.
• Secondo - gagaku, che è musica di corte orchestrale.

Ma ci sono anche generi che non hanno radici antiche. Appartengono a yasugi bushi ed enka.

Il genere più popolare di canzoni popolari giapponesi è yasugi bushi, che prende il nome dalla città di Yasugi. Il tema del genere è legato alla storia antica e ai racconti mitopoietici. Ma yasugi bushi non è solo canzoni, ma anche danza sukui dojo così come l'arte della giocoleria alla musica Zeni Daiko, in cui gli steli di bambù sono usati come strumento musicale, che vengono riempiti di monete.

Enca, come genere, è emerso relativamente di recente, nel dopoguerra. In esso, i motivi popolari giapponesi si intrecciano con la musica jazz e blues. Quindi, la musica giapponese ha il suo caratteristiche nazionali, e quindi diverso da altri generi musicali in altri paesi. Quindi, ci sono strumenti musicali chiamati pozzi che cantano, che non vedrai da nessuna parte sulla terra, tranne forse in Tibet.

La musica giapponese è caratterizzata da tempo e ritmo in continua evoluzione. Spesso non ci sono dimensioni in esso. La musica giapponese è vicina ai suoni della natura, il che la rende ancora più misteriosa e insolita.

Video: musica giapponese online

Dutar. Du - due. Catrame - stringa. Uno strumento con tasti forgiati e due corde di vena. Pensi che meno corde siano più facili da suonare?

Bene, allora ascolta uno dei i migliori artigiani suonare il dutar - Abdurakhim Khaita, uiguro dello Xinjiang, Cina.
C'è anche un dutar turkmeno. Le corde ei tasti del dutar turkmeno sono di metallo, il corpo è scavato da un unico pezzo di legno, il suono è molto brillante, sonoro. Il dutar turkmeno è stato uno dei miei strumenti preferiti negli ultimi tre anni e il dutar mostrato nella foto mi è stato portato da Tashkent abbastanza recentemente. Strumento straordinario!

Azerbaigian saz. Le nove corde sono divise in tre gruppi, ognuno dei quali è accordato all'unisono. Uno strumento simile in Turchia si chiama baglama.

Assicurati di ascoltare come suona questo strumento nelle mani di un maestro. Se hai poco tempo, guarda almeno a partire dalle 2:30.
Da saz e baglama deriva lo strumento greco bouzouki e la sua versione irlandese.

Oud o al-ud, se chiami questo strumento in arabo. È dal nome arabo di questo strumento che ha avuto origine il nome del liuto europeo. Al-ud - liuto, liuto - senti? Il solito oud non ha tasti: i tasti su questo esemplare della mia collezione sono apparsi su mia iniziativa.

Ascolta come un maestro del Marocco suona l'oud.

Dal violino erhu cinese a due corde con un semplice corpo risonante e una piccola membrana di cuoio, ebbe origine il gidjak dell'Asia centrale, che nel Caucaso e in Turchia era chiamato kemancha.

Ascolta come suona il kemancha quando lo suona Imamyar Khasanov.

Il rubab ha cinque corde. I primi quattro sono raddoppiati, ogni coppia è accordata all'unisono e la corda del basso è una. Il manico lungo ha tasti secondo la scala cromatica per quasi due ottave e un piccolo risuonatore con membrana in cuoio. Cosa pensi che significhino le corna ricurve verso il basso provenienti dal manico verso lo strumento? La sua forma ti ricorda la testa di una pecora? Ma va bene la forma - che suono! Avresti dovuto sentire il suono di questo strumento! Vibra e trema anche con il suo collo massiccio, riempie tutto lo spazio intorno con il suo suono.

Ascolta il suono del Kashgar rubab. Ma il mio rubab suona meglio, onestamente.

Il catrame iraniano ha un doppio corpo scavato ricavato da un unico pezzo di legno e una membrana ricavata da pregiata pelle di pesce. Sei corde accoppiate: due corde d'acciaio, seguite da una combinazione di acciaio e rame sottile, e la coppia successiva è accordata su un'ottava: una corda di rame spessa è accordata un'ottava sotto l'acciaio sottile. Il catrame iraniano ha forzato i tasti fatti di vene.

Ascolta come suona il catrame iraniano.
Il tar iraniano è l'antenato di diversi strumenti. Uno di questi è un setar indiano (se - tre, tar - stringa), e degli altri due parlerò di seguito.

Il catrame azero non ha sei, ma undici corde. Sei degli stessi del catrame iraniano, una corda di basso aggiuntiva e quattro corde non suonate che risuonano quando vengono suonate, aggiungendo echi al suono e prolungando la durata del suono. Tar e kemancha sono forse i due strumenti principali della musica azera.

Ascolta per qualche minuto, a partire dalle 10:30 o almeno a partire dalle 13:50. Non hai mai sentito una cosa del genere e non potresti immaginare che una simile performance sia possibile su questo strumento. Questo è interpretato dal fratello di Imamyar Khasanov - Rufat.

C'è un'ipotesi che il catrame sia l'antenato della moderna chitarra europea.

Di recente, quando ho parlato del calderone elettrico, mi hanno rimproverato: dicono, tiro fuori l'anima dal calderone. Probabilmente, più o meno la stessa cosa è stata detta a una persona che, 90 anni fa, ha immaginato di mettere un pickup su una chitarra acustica. Circa trent'anni dopo, furono creati i migliori esempi di chitarre elettriche, che rimangono lo standard fino ad oggi. Un decennio dopo, apparvero i Beatles, Pietre rotolanti seguito dai Pink Floyd.
E tutti questi progressi non hanno interferito con i produttori. chitarre acustiche e chitarristi classici.

Ma gli strumenti musicali non si sono sempre diffusi da est a ovest. Ad esempio, la fisarmonica è diventata insolitamente strumento popolare in Azerbaigian nel XIX secolo, quando vi apparvero i primi coloni tedeschi.

La mia fisarmonica è stata realizzata dallo stesso maestro che ha realizzato gli strumenti per Aftandil Israfilov. Ascolta come suona questo strumento.

Il mondo degli strumenti musicali orientali è ampio e diversificato. Non vi ho nemmeno mostrato una parte della mia collezione, che è tutt'altro che completa. Ma devo parlarvi di altri due strumenti.
Una pipa con una campana in cima si chiama zurna. E lo strumento sotto di esso si chiama duduk o balaban.

Celebrazioni e matrimoni iniziano con i suoni della zurna nel Caucaso, in Turchia e in Iran.

Ecco come appare uno strumento simile in Uzbekistan.

In Uzbekistan e Tagikistan, zurna è chiamato surnay. IN Asia centrale e Iran, i suoni persistenti di un altro strumento, il karnay, si aggiungono necessariamente ai suoni della surnah e dei tamburelli. Karnay-surnay è una frase stabile che denota l'inizio della vacanza.

È interessante notare che nei Carpazi esiste uno strumento legato al karnay e il suo nome è familiare a molti: trembita.

E la seconda pipa, mostrata nella mia foto, si chiama balaban o duduk. In Turchia e Iran, questo strumento è anche chiamato mey.

Ascolta come Alikhan Samedov suona il balaban.

Torneremo al balaban, ma per ora voglio parlare di quello che ho visto a Pechino.
Per quanto hai capito, colleziono strumenti musicali. E non appena ho avuto un momento libero durante il mio viaggio a Pechino, sono andato subito al negozio di strumenti musicali. Quello che ho comprato io stesso in questo negozio, te lo dirò un'altra volta. E ora che non ho comprato e quello che rimpiango terribilmente.
Nella finestra c'era una pipa con un campanello, il cui disegno ricordava esattamente una zurna.
- Come si chiama? chiesi tramite un interprete.
- Sona, - mi hanno risposto.
- Quanto è simile a "sorna - surnay - zurna" - pensai ad alta voce. E il traduttore ha confermato la mia supposizione:
- I cinesi non pronunciano la lettera r nel mezzo di una parola.

Puoi leggere di più sulla varietà cinese di zurna
Ma, sai, zurna e balaban vanno di pari passo. Il loro design ha molto in comune, forse è per questo. E cosa ne pensi? Accanto allo strumento sona c'era un altro strumento: il guan o guanji. Ecco come appariva:

Ecco come appare. Ragazzi, compagni, signori, ma questo è il duduk!
E quando ci è arrivato? Nell'ottavo sec. Pertanto, si può presumere che provenga dalla Cina: i tempi e la geografia coincidono.
Finora, è solo documentato che questo strumento si è diffuso a est dallo Xinjiang. Bene, come suonano questo strumento nel moderno Xinjiang?

Guarda e ascolta dal 18° secondo! Ascolta che suono lussuoso ha l'uigur balaman - sì, qui si chiama esattamente come nella lingua azera (c'è una tale pronuncia del nome).

E mangiamo Informazioni aggiuntive in fonti indipendenti, ad esempio, nell'enciclopedia iraniana:
BALABANO
CH. ALBRIGHT
uno strumento a fiato a doppia ancia cilindrica lungo circa 35 cm con sette fori per le dita e un foro per il pollice, suonato nell'Azerbaigian orientale in Iran e nella Repubblica dell'Azerbaigian.

O l'Iranika simpatizza con gli azeri? Bene, il TSB dice anche che la parola duduk è di origine turca.
Azeri e uzbeki hanno corrotto i compilatori?
Bene, bene, sicuramente non sospetterai i bulgari di simpatia per i turchi!
su un sito bulgaro molto serio per la parola duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dudyuk (dal turco düdük), squeaker, svorche, glasnik, aggiuntivo - Naroden darven è uno strumento musicale di tipo aerophonite, tubi semichiusi.
Ancora una volta indicano l'origine turca della parola e la chiamano il loro strumento popolare.
Questo strumento è diffuso, come si è scoperto, principalmente tra i popoli turchi, o tra i popoli che hanno avuto contatti con i turchi. E ogni nazione lo considera ragionevolmente il suo strumento popolare e nazionale. Ma solo uno si prende il merito della sua creazione.

Dopotutto, solo i pigri non hanno sentito che "duduk è un antico strumento armeno". Allo stesso tempo, suggeriscono che il duduk è stato creato tremila anni fa, cioè in un passato non dimostrabile. Ma i fatti e la logica elementare mostrano che non è così.

Torna all'inizio di questo articolo e dai un'altra occhiata agli strumenti musicali. Quasi tutti questi strumenti sono suonati anche in Armenia. Ma è abbastanza chiaro che tutti questi strumenti sono apparsi in molto di più numerose nazioni con una storia chiara e comprensibile, tra cui vivevano gli armeni. Immagina un piccolo popolo che vive in dispersione tra altri popoli con i propri stati e imperi. Un popolo del genere creerà un set completo di strumenti musicali per un'intera orchestra?
Francamente ho anche pensato: "Va bene, quelli erano strumenti grandi e complessi, lasciamoli da parte. Ma almeno gli armeni potrebbero inventarsi una pipa?" E si scopre che no, non l'hanno fatto. Se l'avessero inventato, allora questa pipa avrebbe un nome puramente armeno, e non il poetico e metaforico tsiranopokh (l'anima di un albicocco), ma qualcosa di più semplice, più popolare, con una radice o completamente onomatopeico. Finora, tutte le fonti indicano l'etimologia turca del nome di questo strumento musicale, e la geografia e le date di distribuzione mostrano che il duduk iniziò la sua distribuzione dall'Asia centrale.
Bene, facciamo un'altra ipotesi e diciamo che il duduk arrivò nello Xinjiang dall'antica Armenia. Ma come? Chi ce l'ha portato? Quali popoli migrarono dal Caucaso all'Asia centrale all'inizio del primo millennio? Non ci sono tali nazioni! Ma i turchi si spostavano costantemente dall'Asia centrale verso ovest. Potrebbero benissimo diffondere questo strumento nel Caucaso, e sul territorio della moderna Turchia e persino in Bulgaria, come indicano i documenti.

Prevedo un altro argomento dei difensori della versione dell'origine armena del duduk. Ad esempio, un vero duduk è fatto solo da un albero di albicocca, che in latino si chiama Prúnus armeniáca. Ma, in primo luogo, le albicocche in Asia centrale non sono meno comuni che nel Caucaso. Il nome latino non indica che questo albero si sia diffuso in tutto il mondo dal territorio dell'area che porta il nome geografico di Armenia. Proprio da lì è penetrato in Europa ed è stato descritto dai botanici circa trecento anni fa. Al contrario, esiste una versione secondo cui l'albicocca si è diffusa dal Tien Shan, parte del quale si trova in Cina e parte in Asia centrale. In secondo luogo, l'esperienza di persone di grande talento dimostra che questo strumento può essere realizzato anche con il bambù. E il mio balaban preferito è fatto di gelso e suona molto meglio di quelli di albicocca, che ho anche io e sono fatti proprio in Armenia.

Ascolta come ho imparato a suonare questo strumento in un paio d'anni. Ha partecipato alla registrazione Artista nazionale Il turkmeno Gasan Mammadov (violino) e l'artista popolare ucraino, il mio connazionale di Fergana, Enver Izmailov (chitarra).

Con tutto questo, voglio rendere omaggio al grande interprete armeno di duduk Jivan Gasparyan. Fu quest'uomo a rendere il duduk uno strumento conosciuto in tutto il mondo, grazie al suo lavoro sorse in Armenia una meravigliosa scuola di suonare il duduk.
Ma parlando Duduk armeno" è valido solo su strumenti specifici se sono realizzati in Armenia, o sul tipo di musica che è nato grazie a J. Gasparyan. Indicare origine armena duduk può solo quelle persone che si permettono affermazioni prive di fondamento.

Si prega di notare che io stesso non indico né il luogo esatto né l'ora esatta dell'apparizione del duduk. Probabilmente è già impossibile stabilirlo e il prototipo del duduk è più antico di qualsiasi popolo vivente. Ma sto costruendo la mia ipotesi sulla diffusione del duduk, basata su fatti e logica elementare. Se qualcuno desidera obiettarmi, allora voglio chiedere in anticipo: per favore, quando costruisci ipotesi, allo stesso modo, fai affidamento su fatti dimostrabili e verificati da fonti indipendenti, non rifuggire dalla logica e cerca di trovare un'altra spiegazione comprensibile per i fatti elencati.