Premiere di Alexander Ekman all'Opera di Parigi. Il coreografo Alexander Ekman sul balletto moderno e i social network Alexander Ekman Il lago dei cigni
I programmi prendono il nome dai coreografi. Dopo il primo - “Lifar. Kiliano. Forsythe" - hanno mostrato il quartetto di ballo: "Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman. In totale - sette nomi e sette balletti. Le idee dell'ostinato francese, ex étoile dell'Opéra di Parigi, sono di facile lettura. Hilaire non ha fretta di guidare la squadra a lui affidata lungo il percorso storicamente stabilito delle tele della trama multi-atto, preferisce loro una serpentina di atti unici di stili diversi (sono previsti altri due programmi di un formato simile). La troupe, che nel recente passato è sopravvissuta alla partenza di quasi tre dozzine di giovani artisti, si è ripresa a tempo di record e sembra degna di prime opere. I progressi sono particolarmente evidenti, dato che Hilaire non apre ancora le porte del teatro agli artisti "invitati" e nutre diligentemente la propria squadra.
La prima della prima è stata la Serenata di George Balanchine, che gli Stanislaviti non avevano mai ballato prima. Con questa romantica elegia sulla musica di Čajkovskij inizia il periodo americano del grande coreografo, che all'inizio del 1934 aprì una scuola di ballo nel Nuovo Mondo. Per i suoi primi studenti, che non avevano ancora padroneggiato bene la grammatica della danza, ma sognavano i classici, Balanchine ha messo in scena la Serenata, di spirito russo. Cristallo, etereo, senza peso. Gli artisti del Muztheater dirigono lo spettacolo allo stesso modo dei primi interpreti. È come se toccassero con cura un fragile tesoro: mancano anche di mobilità interna, su cui insisteva il coreografo, ma è evidente il desiderio di comprendere qualcosa di nuovo. La sottomissione e il rispetto per una creazione poetica, tuttavia, è preferibile alla vivacità e al coraggio, con cui le compagnie, sicure della loro abilità, ballano la Serenata. Corpo di ballo femminile: la cosa principale attore opus - prende vita nei sogni di una notte insonne, quando già si allontana prima dell'alba mattutina. Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova, così come i "principi" Ivan Mikhalev e Sergey Manuilov, che sognavano le loro eroine senza nome, hanno un bell'aspetto nella composizione dell'atmosfera senza trama.
Altre tre prime produzioni non sono familiari ai moscoviti. "Halo" è un gesto solare e di affermazione della vita di Paul Taylor, un coreografo modernista che parla della natura del movimento. La danza dinamica e spettacolare è in continua trasformazione, che ricorda una disposizione indipendente, rompe le solite pose e salti, le braccia si intrecciano come rami o saltano come ginnaste che saltano giù dall'attrezzatura sportiva. La coreografia, percepita come innovativa mezzo secolo fa, viene salvata dalla spinta e dall'umorismo, passando in un lampo da massime serie a scappatelle ironiche. A piedi nudi Natalya Somova, Anastasia Pershenkova ed Elena Solomyanko, vestite con abiti bianchi, dimostrano un gusto per i contrasti eleganti nella composizione. Georgi Smilevsky, l'orgoglio del teatro e la sua eccezionale prima, è responsabile della parte lenta, capace di portare tensione drammatica, stile e bellezza festosa all'assolo. Dmitry Sobolevsky è un virtuoso, impavido ed emotivo. Sorprendentemente, la musica cerimoniale di Handel è facilmente "accettata" dalle fantasie di Taylor, dispiegando un vero e proprio maratona di danza. Entrambe le esibizioni, ricreando stili diversi Coreografia americana, accompagnata da Orchestra Sinfonica teatro sotto la direzione del talentuoso maestro Anton Grishanin.
Dopo Ciajkovskij e Handel - un fonogramma e un duetto dei fisarmonicisti Christian Pache e Gerard Baraton "che accompagnano" una miniatura di 12 minuti del coreografo francese Jacques Garnier "Onis". L'esibizione sulla musica di Maurice Pasha è stata provata dall'ex regista compagnia di balletto L'Opera di Parigi e Brigitte Lefevre, socia di Laurent Hilaire. Nel Teatro del Silenzio, fondato da lei insieme a Jacques Garnier, in una serie di esperimenti con coreografia moderna Quarant'anni fa ebbe luogo il primo spettacolo di Onis. Il coreografo lo dedicò a suo fratello e lo eseguì lui stesso. Successivamente ha rielaborato la composizione per tre solisti, la cui danza nella presentazione attuale ricorda il vino aspro fatto in casa, colpendo leggermente la testa. I ragazzi, legati se non dalla parentela, poi da una forte amicizia, provocatoriamente e senza piagnucoloni parlano di come sono cresciuti, si sono innamorati, si sono sposati, hanno allattato figli, hanno lavorato, si sono divertiti. A Onys, una piccola provincia della Francia, si svolge un'azione semplice per l'enumerazione senza pretese di pepite-“armonisti”, che di solito suonano durante le vacanze in paese. Yevgeny Zhukov, Georgi Smilevsky Jr., Innokenty Yuldashev sono giovanili spontanei e si esibiscono con passione, infatti, numero di varietà condito con sapore folcloristico.
Lo svedese Alexander Ekman è conosciuto come un burlone e un maestro delle curiosità. Al festival Benois de la Danse, per il suo Lago dei cigni, ha voluto installare la principale teatro russo una piscina con seimila litri d'acqua e vi corrono artisti danzanti. È stato rifiutato e ha improvvisato un assolo divertente con un bicchiere d'acqua, chiamandolo "A cosa penso dentro Teatro Bolshoj". Una manciata di reperti eccentrici è stata ricordata anche dal suo "Cactus".
In "Tulle" Ekman non analizza la danza, ma il vita teatrale. Mostra il suo interno sudato, base rituale, ironizzando sulle ambizioni e sui cliché degli interpreti. Un sorvegliante in nero all'andatura traballante di Anastasia Pershenkova sulle scarpe da punta, da cui la sua troupe eroicamente non discende, falcia sotto una diva modella civettuola. Gli artisti si stanno concentrando sulle stupidaggini dell'ingenua pantomima, ripetendo continuamente noiosi passi di esercizio. Lo stanco corpo di ballo cade nella disperazione: artisti esausti perdono il loro sincronismo, si piegano a metà, battono i piedi, schiaffeggiano pesantemente il palco ea piedi pieni. Come puoi credere che recentemente ti siano scivolati sulla punta delle dita.
Ed Ekman non smette mai di stupire con l'eclettismo, portando in scena sia una coppia del balletto di corte del “Re Sole” di Luigi XIV, sia turisti curiosi con le macchine fotografiche. Sullo sfondo della follia di massa che ha inghiottito il palcoscenico, la buca dell'orchestra “salta” su e giù, le immagini sullo schermo di occhi e volti sconosciuti cambiano, la fila in corsa della traduzione si precipita al galoppo. Punteggio compilato da Mikael Karlsson da canzoni di successo ritmi di danza, merluzzo e rumore, il rumore delle scarpe da punta e degli applausi, gli spartiti in sala prove e il muggito del corpo di ballo, che si esercita nel passo del cigno, ti fa girare la testa. L'eccessiva nuoce all'armonia di una trama umoristica, il gusto ne risente. È positivo che gli artisti non si perdano in questo divertimento coreografico di massa. Tutti si immergono negli elementi di un gioco giocoso, prendendo in giro con gioia e amore il pazzo mondo dietro le quinte. La scena migliore di Tulle è il grottesco pas de deux del circo. Oksana Kardash e Dmitry Sobolevsky in abiti da clown si divertono con i loro trucchi, circondati da colleghi che contano il numero di fouette e piroette. Proprio come nel film "Big" di Valery Todorovsky.
Il Music Theatre, sempre aperto alla sperimentazione, padroneggia facilmente le distese sconosciute della coreografia mondiale. L'obiettivo - mostrare come si è sviluppata la danza e come sono cambiate le preferenze dei professionisti e del pubblico - è stato raggiunto. Anche le esibizioni sono disposte in una rigorosa cronologia: 1935 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tulle". In totale - quasi otto decenni. Il quadro si rivela curioso: dal capolavoro classico di Balanchine, passando per il sofisticato modernismo di Paul Taylor e la stilizzazione folcloristica di Jacques Garnier, fino alla rissa di Alexander Ekman.
Foto sull'annuncio: Svetlana Avvakum
L'Opera Garnier ha ospitato l'evento più intrigante della stagione parigina: la prima mondiale del balletto "Play" ("The Game") del compositore Mikael Karlsson, messo in scena e allestito da uno dei giovani coreografi più ricercati Alexander Ekman. Per lo svedese duetto creativo questa è la mia prima esperienza con il Balletto dell'Opera di Parigi. Racconta Maria Sidelnikova.
Il debutto del 33enne Alexander Ekman all'Opera di Parigi è una delle principali carte vincenti di Aurélie Dupont nella sua prima stagione come direttrice artistica del balletto. Il successo del coreografo in Svezia e nei vicini paesi scandinavi si è rivelato così contagioso che oggi è molto richiesto sia in Europa che in Australia, e anche il Moscow Stanislavsky Museum Theatre ha recentemente eseguito la prima russa della sua performance del 2012 "Tulle". (vedi "Kommersant" del 28 novembre). Dupont ha attirato Ekman a una vera e propria prima in due atti, fornendo carta bianca, 36 giovani artisti, scena storica Opera Garnier e un momento invidiabile nel programma: la sessione delle vacanze di dicembre.
Tuttavia, artistico, e ancora di più rischi commerciali nel caso di Ekman sono piccoli. Nonostante la sua giovinezza, lo svedese è riuscito a lavorare nelle migliori compagnie del mondo sia come ballerino che come coreografo: negli svedesi balletto reale, Balletto Kulberg, in NDT II. E ho imparato a realizzare spettacoli sintetici di alta qualità, in cui, come in un affascinante ipertesto, si accumulano molte citazioni e riferimenti - e non solo sul patrimonio del balletto, ma anche su Mondi paralleli arte contemporanea, moda, cinema, circo e persino social network. Ekman condisce tutto questo con la "nuova sincerità" del nuovo secolo e crea come se la sua preoccupazione fosse quella di rallegrare lo spettatore in modo che lasci lo spettacolo, se non come da un ricevimento da un bravo psicoterapeuta, allora come da una bella festa . I balletomanes-conservatori locali hanno pronunciato il loro verdetto su un simile atteggiamento "IKEA" nei confronti della venerabile arte del balletto molto prima della prima, che, tuttavia, non ha influito sull'entusiasmo generale.
Ekman inizia il suo "gioco" dalla fine. Su un sipario teatrale chiuso, i titoli di coda scorrono con i nomi di tutti coloro che sono coinvolti nella prima (non ci sarà tempo per questo nel finale), e un quartetto di sassofonisti - musicisti di strada - sta suonando qualcosa di edificante. L'intero primo atto vola su una nota senza pretese: giovani hipster si divertono in modo incontrollabile sul palco bianco come la neve (dello scenario c'è solo un albero e enormi cubi che fluttuano nell'aria o cadono sul palco; l'orchestra siede proprio lì - in profondità sul balcone costruito). Giocano a nascondino, fingono di essere astronauti e regine, costruiscono piramidi, saltano sui trampolini, girano per il palco con una ruota, si baciano e ridono. C'è in questo gruppo un capobanda condizionale (Simon Le Borne) e un insegnante condizionale che cerca invano di tenere a freno i cattivi. Nel secondo atto, i bambini adulti si trasformeranno in impiegati ammiccanti, gonne e pantaloncini giocosi saranno cambiati in tailleur, i cubi si trasformeranno in posti di lavoro polverosi, l'albero verde si prosciugherà con aria di sfida, il mondo intorno diventerà grigio. In questo spazio senz'aria, se c'è fumo come una sedia a dondolo, è solo nella sala fumatori dell'ufficio. Qui hanno suonato, ora si sono fermati, ma invano, dice il coreografo. Per il completamente noioso, per ogni evenienza, lui idea principale pronuncia, inserendo a metà del secondo atto un "manifesto sul gioco" come panacea di tutti i mali società moderna, e nel finale, anche la cantante gospel Calesta Day canterà in modo istruttivo la stessa cosa.
Tuttavia, Alexander Ekman si esprime in modo più convincente nel linguaggio coreografico e nelle immagini visive, che sono inseparabili per lui. Così, nei giochi infantili del primo atto, scivola una scena del tutto poco infantile con le Amazzoni in caporali e pugili e con elmi cornuti in testa. Abbinato aspetto Ekman riprende bene i movimenti, alternando combinazioni di punte affilate e pas de chas predatori e ghiacciati con due gambe piegate che seguono la linea del corno. Ama un'immagine spettacolare non meno della stessa Pina Bausch. La donna tedesca nel suo The Rite of Spring ha cosparso di terra il pavimento del palcoscenico, rendendolo parte della scenografia, ed Ekman ha ricoperto di fieno l'Opera di Stoccolma (Dream in notte di mezza estate”), ha annegato l'Opera norvegese in tonnellate d'acqua (“Il lago dei cigni”), e una pioggia di centinaia di palline di plastica è piovuta sul palco dell'Opera Garnier, arrangiando buca dell'orchestra piscina di palline. I giovani fanno una faccia entusiasta, i puristi - stizzosi. Inoltre, a differenza del trucco norvegese con l'acqua, da cui Ekman non poteva nuotare da nessuna parte, nel "Gioco" la grandine verde diventa un potente culmine del primo atto. Sembra un acquazzone tropicale che promette rinascita: il ritmo con cui le palle battono mentre cadono suona come un battito, e i corpi sono così contagiosamente leggeri e sciolti che vuoi porre fine a tutto ciò. Perché dopo l'intervallo, questa pozza si trasformerà in una palude: dove gli artisti si tuffavano e svolazzavano con noncuranza, ora sono irrimediabilmente impantanati - non c'è modo di passare. Ogni movimento richiede loro uno sforzo tale, come se le palline di plastica fossero davvero sostituite con pesi. Voltaggio età adulta Ekman li mette nei corpi dei ballerini - "spegne" i loro gomiti, circonda "due spalle, due fianchi", fa stirare le loro schiene, torce meccanicamente i loro torsi in determinate pose in determinate direzioni. Sembra ripetere l'allegro classico pas de deux del primo atto (uno dei pochi episodi da solista - lo svedese si sente davvero più libero nelle scene di folla), ma gli stessi tratti, atteggiamenti e sostegno nell'arabesco sono morti e formali - non c'è la vita in loro.
Durante la performance si viene coinvolti nel complesso "Gioco" di Ekman: non resta che risolvere gli enigmi compositivi, senza farsi distrarre dalle scenografiche caramelle che ogni tanto lancia al pubblico. Ma questo non è abbastanza per il coreografo. Per suonare in questo modo - già dopo che il sipario è calato, gli artisti tornano in primo piano per lanciare tre palle giganti nella sala. Il pubblico abbigliato della prima li raccolse, li lanciò lungo le file e con piacere li gettò sul soffitto di Chagall. Sembra che anche gli snob della giuria delle bancarelle a volte non perdano i giochi più intellettuali.
Ancora una volta Laurent Hilaire organizza una serata balletti in un atto, studiando ancora la coreografia del 20° secolo, vai al MAMT. In due viaggi, è ora possibile coprire sette coreografi: prima Lifar, Kilian e Forsyth (), e poi Balanchine, Taylor, Garnier ed Ekman (prima il 25 novembre). "Serenade" (1935), "Halo" (1962), "Onis" (1979) e "Tulle" (2012) rispettivamente. Neoclassico, moderno americano, evasione francese dal neoclassico e da Ekman.
Troupe teatro musicale Balanchine balla per la prima volta e Taylor ed Ekman non sono mai stati messi in scena in Russia. Secondo il direttore artistico del teatro, i solisti dovrebbero avere l'opportunità di esprimersi e il corpo di ballo di lavorare.
« Volevo dare ai giovani l'opportunità di esprimersi. Non invitiamo artisti esterni: questo è il mio principio. Penso che la compagnia abbia solisti straordinari che lavorano con grande appetito e si rivelano nel nuovo repertorio da un lato completamente inaspettato.(A proposito di "Onis")
…Grande coreografia, grande musica, venti donne: perché rifiutare una simile opportunità? Inoltre, avendo preparato due composizioni, è possibile occupare la maggior parte delle donne della troupe.(su "Serenade")" da un'intervista per "Kommersant".
Foto: Svetlana Avvakum Balanchine ha creato "Serenade" per gli studenti adulti della sua scuola di danza in America. " Ho appena insegnato ai miei studenti e ho fatto balletti dove non puoi vedere quanto ballano male". Ha negato sia le interpretazioni romantiche del balletto che la trama nascosta e ha detto di aver preso come base una lezione nella sua scuola: allora qualcuno arriverà in ritardo, poi cadrà. Era necessario prendere 17 studenti, quindi il disegno si è rivelato asimmetrico, in continua evoluzione, intrecciato - spesso le ragazze si tengono per mano e intrecciano. Salti in condizioni di scarsa illuminazione, trattini tritati, chopin blu traslucidi che i ballerini toccano deliberatamente con le mani: tutto è arioso marshmallow. Senza contare una delle quattro parti della serenata di Ciajkovskij "finale su tema russo", dove i ballerini quasi iniziano a ballare, ma poi danza popolare velato dai classici.
Foto: Svetlana Avvakum Dopo il neoclassico Balanchine, il contrasto è il moderno di Paul Taylor, che, sebbene abbia ballato con il primo in Episodes, ha lavorato nella troupe di Martha Graham. "Halo" alla musica di Gendal è semplicemente un libro di testo sui movimenti moderni: ecco le mani a forma di V, e un dito del piede su se stessi, e una posizione preparatoria jazz, e un passaggio nel sesto dall'anca. Anche qui è rimasto qualcosa dei classici, ma tutti ballano a piedi nudi. Tali oggetti d'antiquariato sembrano già più in un museo, ma il pubblico russo l'ha preso anche con troppo entusiasmo.
Halo di Paul Taylor Foto: Svetlana Avvakum Così come "Onis" di Jacques Garnier, che un tempo sfuggì all'accademismo e alla trama, concentrandosi sulla danza stessa e corpo umano. Due fisarmonicisti in un angolo del palco, tre ballerini sono sdraiati. Si allungano, ondeggiano, si alzano e iniziano una danza sfrenata con rotazioni, calpestio e schiaffi. Ecco il folklore e Alvin Ailey, la cui tecnica Garnier ha studiato negli Stati Uniti (così come la tecnica di Cunningham). Nel 1972, insieme a Brigitte Lefebvre, lascia l'Opera di Parigi e crea il Teatro del Silenzio, dove non solo sperimenta, ma dirige anche attività educative e uno dei primi in Francia a includere nel suo repertorio il lavoro di coreografi americani. Ora Lefebvre è venuta a Mosca per provare la coreografia di Garnier, che ovviamente piaceva ai ballerini russi, e la stessa Lefevre ha scoperto grazie a loro anche nuove sfumature di questa coreografia.
Onis di Jacques Garnier Foto: Svetlana Avvakum Ma la prima principale della serata è stata il balletto "Tulle" dello svedese Alexander Ekman. Nel 2010 è stato invitato dal Royal Swedish Ballet a fare una produzione. Ekman ha affrontato la questione con filosofia e ironia (sotto altri aspetti, così come per le altre sue creazioni). “Tulle” è una riflessione sul tema “cosa è balletto classico". Con la curiosità di un bambino, fa domande: cos'è il balletto, da dove viene, perché ne abbiamo bisogno e perché è così attraente.
“Mi piace il tutù, sporge in tutte le direzioni”, “il balletto è solo un circo”- dice l'ignoto all'inizio, mentre i ballerini si stanno scaldando sul palco. Ekman, come con una lente d'ingrandimento, riflette sul concetto di "balletto", proprio come in una proiezione video sul palco, l'obiettivo della telecamera scorre tutù di balletto- nell'inquadratura c'è solo una griglia, da vicino tutto sembra diverso.
"Tulle" Alexander Ekman Foto: Svetlana Avvakum Allora cos'è il balletto?
Questo è un esercizio, contando: sul palco, le ballerine fanno esercizi in modo sincrono, negli altoparlanti c'è un forte rumore delle loro scarpe da punta e un respiro confuso.
Queste sono cinque posizioni, invariate: i turisti con le macchine fotografiche compaiono sul palco, fotografano i ballerini come in un museo.
Questo è amore e odio - le ballerine parlano dei loro sogni e paure, dolore ed euforia sul palco - " amo e odio le mie scarpe da punta”.
Questo è un circo: una coppia in costume da arlecchino (la ballerina ha piume sulla testa come cavalli) esegue trucchi complessi al fischio e alle urla degli altri ballerini.
Questo è il potere sullo spettatore: il compositore americano Michael Karlsson ha realizzato un adattamento elettronico di "Swan" con ritmi aggressivi, i ballerini eseguono frammenti di citazioni dal balletto-simbolo del balletto con grandiosità a sangue freddo, e lo spettatore è inchiodato come una lastra di cemento da questa potente estetica.
“Tulle” è una preparazione leggera del balletto, ironica e amorosa, quando all'arte silenziosa viene dato il diritto di voto, e argomenta, ironicamente, ma dichiara con sicurezza la sua grandezza.
Testo: Nina Kudyakova
L'Opera Garnier ha ospitato l'evento più intrigante della stagione parigina: la prima mondiale del balletto "Play" ("The Game") del compositore Mikael Karlsson, messo in scena e allestito da uno dei giovani coreografi più ricercati Alexander Ekman. Per il duo creativo svedese, questa è la prima esperienza di lavoro con il Balletto dell'Opera di Parigi. Racconta Maria Sidelnikova.
Il debutto del 33enne Alexander Ekman all'Opera di Parigi è una delle principali carte vincenti di Aurélie Dupont nella sua prima stagione come direttrice artistica del balletto. Il successo del coreografo in Svezia e nei vicini paesi scandinavi si è rivelato così contagioso che oggi è molto richiesto sia in Europa che in Australia, e anche il Moscow Stanislavsky Museum Theatre ha recentemente eseguito la prima russa della sua performance del 2012 "Tulle". (vedi "Kommersant" del 28 novembre). Dupont, d'altra parte, ha attirato Ekman a una vera e propria prima in due atti, fornendo carta bianca, 36 giovani artisti, il palcoscenico storico dell'Opera Garnier e un tempo invidiabile nel programma: la sessione delle vacanze di dicembre.
Tuttavia, i rischi artistici e ancor più commerciali nel caso di Ekman sono piccoli. Nonostante la sua giovinezza, lo svedese è riuscito a lavorare nelle migliori compagnie del mondo sia come ballerino che come coreografo: nel Royal Swedish Ballet, nel Kulberg Ballet, in NDT II. E ha imparato a realizzare spettacoli sintetici di alta qualità, in cui, come nell'ipertesto più affascinante, si accumulano molte citazioni e riferimenti - non solo all'eredità del balletto, ma anche ai mondi paralleli dell'arte moderna, moda, cinema, circo e persino social network. Ekman condisce tutto questo con la "nuova sincerità" del nuovo secolo e crea come se la sua preoccupazione fosse quella di rallegrare lo spettatore in modo che lasci lo spettacolo, se non come da un ricevimento da un bravo psicoterapeuta, allora come da una bella festa . I balletomanes-conservatori locali hanno pronunciato il loro verdetto su un simile atteggiamento "IKEA" nei confronti della venerabile arte del balletto molto prima della prima, che, tuttavia, non ha influito sull'entusiasmo generale.
Ekman inizia il suo "gioco" dalla fine. Su un sipario teatrale chiuso, i titoli di coda scorrono con i nomi di tutti coloro che sono coinvolti nella prima (non ci sarà tempo per questo nel finale), e un quartetto di sassofonisti - musicisti di strada - sta suonando qualcosa di edificante. L'intero primo atto vola su una nota senza pretese: giovani hipster si divertono in modo incontrollabile sul palco bianco come la neve (dello scenario c'è solo un albero e enormi cubi che fluttuano nell'aria o cadono sul palco; l'orchestra siede proprio lì - in profondità sul balcone costruito). Giocano a nascondino, fingono di essere astronauti e regine, costruiscono piramidi, saltano sui trampolini, girano per il palco con una ruota, si baciano e ridono. C'è in questo gruppo un capobanda condizionale (Simon Le Borne) e un insegnante condizionale che cerca invano di tenere a freno i cattivi. Nel secondo atto, i bambini adulti si trasformeranno in impiegati ammiccanti, gonne e pantaloncini giocosi saranno cambiati in tailleur, i cubi si trasformeranno in posti di lavoro polverosi, l'albero verde si prosciugherà con aria di sfida, il mondo intorno diventerà grigio. In questo spazio senz'aria, se c'è fumo come una sedia a dondolo, è solo nella sala fumatori dell'ufficio. Qui hanno suonato, ora si sono fermati, ma invano, dice il coreografo. Per chi è completamente ottuso, per ogni evenienza, pronuncia la sua idea principale, inserendo a metà del secondo atto un "manifesto sul gioco" come panacea per tutti i mali della società moderna, e nel finale il vangelo anche il cantante Calesta Day canterà in modo istruttivo su questo.
Tuttavia, Alexander Ekman si esprime in modo più convincente nel linguaggio coreografico e nelle immagini visive, che sono inseparabili per lui. Così, nei giochi infantili del primo atto, scivola una scena del tutto poco infantile con le Amazzoni in caporali e pugili e con elmi cornuti in testa. Per abbinarsi all'aspetto, Ekman seleziona perfettamente i movimenti, alternando combinazioni taglienti su scarpe da punta e pas de cha predatori e ghiacciati con due gambe piegate, ripetendo la linea del corno. Ama un'immagine spettacolare non meno della stessa Pina Bausch. La donna tedesca nel suo The Rite of Spring ha cosparso il pavimento del palco di terra, rendendolo parte dello scenario, ed Ekman ha coperto l'Opera di Stoccolma con il fieno ("Sogno di una notte di mezza estate"), ha annegato l'Opera norvegese in tonnellate d'acqua ("Il lago dei cigni"), e l'Opera Garnier è salita sul palco facendo piovere una pioggia di centinaia di palline di plastica, organizzando una piscina di palline nella fossa dell'orchestra. I giovani fanno una faccia entusiasta, i puristi - stizzosi. Inoltre, a differenza del trucco norvegese con l'acqua, da cui Ekman non poteva nuotare da nessuna parte, nel "Gioco" la grandine verde diventa un potente culmine del primo atto. Sembra un acquazzone tropicale che promette rinascita: il ritmo con cui le palle battono mentre cadono suona come un battito, e i corpi sono così contagiosamente leggeri e sciolti che vuoi porre fine a tutto ciò. Perché dopo l'intervallo, questa pozza si trasformerà in una palude: dove gli artisti si tuffavano e svolazzavano con noncuranza, ora sono irrimediabilmente impantanati - non c'è modo di passare. Ogni movimento richiede loro uno sforzo tale, come se le palline di plastica fossero davvero sostituite con pesi. Ekman mette la tensione della vita adulta nei corpi dei ballerini: "spegne" i loro gomiti, circonda "due spalle, due fianchi", stira le loro schiene, torce meccanicamente i loro torsi in determinate pose in determinate direzioni. Sembra ripetere l'allegro classico pas de deux del primo atto (uno dei pochi episodi da solista - lo svedese si sente davvero più libero nelle scene di folla), ma gli stessi tratti, atteggiamenti e sostegno nell'arabesco sono morti e formali - non c'è la vita in loro.
Durante la performance si viene coinvolti nel complesso "Gioco" di Ekman: non resta che risolvere gli enigmi compositivi, senza farsi distrarre dalle scenografiche caramelle che ogni tanto lancia al pubblico. Ma questo non è abbastanza per il coreografo. Per suonare in questo modo - già dopo che il sipario è calato, gli artisti tornano in primo piano per lanciare tre palle giganti nella sala. Il pubblico abbigliato della prima li raccolse, li lanciò lungo le file e con piacere li gettò sul soffitto di Chagall. Sembra che anche gli snob della giuria delle bancarelle a volte non perdano i giochi più intellettuali.
Alessandro Ekman. Foto - Yuri Martyanov / Kommersant
Coreografo Alexander Ekman balletto contemporaneo E nei social network.
Tulle è apparso nel repertorio del Teatro musicale Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko - il primo balletto in Russia di Alexander Ekman, uno svedese di 34 anni, il coreografo più prolifico, ricercato e talentuoso della sua generazione, che ha già diretto 45 balletti in tutto il mondo, l'ultimo dei quali all'Opera di Parigi.
– Hai un dono raro per mettere in scena balletti comici senza trama: in Tulle, ad esempio, non sono i personaggi e le loro relazioni a essere divertenti, ma le stesse combinazioni di movimenti classici e le peculiarità della loro interpretazione. Pensi che il balletto classico sia obsoleto?
Adoro il balletto classico, è fantastico. Eppure è solo un ballo, dovrebbe essere divertente, dovrebbe esserci un gioco. Non distorco i movimenti classici, li mostro solo da un'angolazione leggermente diversa: risulta essere un'assurdità così facile. E possono nascere incomprensioni, soprattutto da parte degli artisti: lavorare come in un dramma non è per loro molto consueto. Dico sempre loro: “Non fare la commedia. Non sei tu che dovresti essere divertente, ma le situazioni.
- Quindi, dopo tutto, il teatro è per te più importante del balletto?
“Un teatro è uno spazio in cui duemila persone possono sentirsi in contatto tra loro, provare gli stessi sentimenti e poi discuterne: “Hai visto questo? Splendido, no? Tale unità umana è la cosa più bella del teatro.
- Introduci il discorso nei tuoi balletti: repliche, monologhi, dialoghi. Pensi che il pubblico non capirà la tua idea senza parole?
“Penso solo che sia più divertente così. Mi piace presentare sorprese, sorprese, sorprendere il pubblico. Considera la parola come il mio marchio di fabbrica.
