일본 애니메이션과 만화의 현대 미술. 가와이이 폭발: 현대 일본 미술을 이해하는 방법

Hermitage에서 흥미로운 전시회가 진행 중입니다. 현대 미술일본 "MONO-NO AWARE. 물건의 매력".

나는 현대 미술의 팬이라고 말할 수 없습니다. 볼 것이 있을 때 더 좋아합니다(바쁜 그래픽이나 예술과 공예, 민족이 제 전부입니다). 순수한 컨셉의 아름다움에 감탄하는 것은 나에게 항상 즐거운 일만은 아니다. (말레비치, 미안! 난 블랙 스퀘어가 싫어!)

하지만 오늘 나는이 전시회에 도착했습니다!

소중한, 당신이 상트페테르부르크에 있고 예술에 관심이 있고 아직 거기에 가본 적이 없다면 전시회는 2월 9일까지입니다! 재미있으니까 가!

위에서 쓴 것처럼 개념은 저를 조금 설득합니다. 어쩐지 1년 동안 현대 전시를 돌아다니다 보니 기껏해야 한두 가지 물건이 웃기는 것 같다는 생각이 들었다. 그리고 많은 것들이 저를 너무 감동시키지 않아서 제가 보낸 시간이 아쉬워요. 그러나 그것은 어떤 장르, 어떤 예술에서든 재능과 평범함의 비율입니다. 10분의 1이면 좋습니다! 하지만 난 이 쇼가 좋았다.

일본 작품은 일반 직원의 전시장에 배치되었습니다. 방문객을 맞이하는 첫 번째 설치물은 바닥에 소금으로 채워진 놀라운 미로입니다. 회색 바닥, 하얀 소금, 놀랍도록 깔끔하게 표시된 공간이 하나의 필드로 짜여져 있습니다. 큰 쇼룸, 그리고 놀라운 미꾸라지처럼 바닥에 흰색 장식이 퍼졌습니다. 그리고 당신은 이 예술이 얼마나 일시적인지 이해합니다. 전시회가 끝나고 미로는 빗자루로 쓸어 버릴 것입니다. 영화 '리틀 부다'를 본 적이 있다. 그리고 처음에는 불교 승려가 색색의 모래로 복잡한 장식을 배치했습니다. 그리고 영화 말미에 스님이 붓을 휘두르며 날카롭게 움직이자 거대한 작품이 바람에 흩어졌다. 그건 그렇고, 홉, 아니오. 그리고 그것은 지금 여기의 아름다움을 감상하십시오. 모든 것이 덧없는 것입니다. 그래서 이 소금의 미로는 당신과 대화를 시작하고 그가 당신 앞에 놓는 질문에 대답하기 시작합니다. 작가는 야마모토 모토이.

예 예! 이렇게 큰 미로인데 규모를 느끼셨나요?

두 번째로 시선을 사로잡는 오브제는 오니시 야스아키(Yasuaki Onishi)의 폴리에틸렌과 블랙 레진으로 만든 거대한 돔이다. 비정상적으로 결정된 공간. 검은 색 가장 얇은 고르지 않은 수지 실이 약간 움직이고 돔이 .... 또는 복잡한 구호가있는 산이 매달려 있습니다. 내부에 들어가면 가지각색의 점 패턴이 보입니다. 수지가 달라 붙는 곳입니다. 검은 비가 조용히 내리고 캐노피 아래에있는 것처럼 재밌습니다.

이 기술은 어떻게 생겼습니까? 재미있죠? 그러나 라이브는 더 "생생"해 보이며 지나가는 방문객이 만들어내는 바람에 돔이 약간 흔들립니다. 그리고 대상과 상호 작용하는 느낌이 있습니다. "동굴"에 들어갈 수 있습니다. 내부에서 볼 수 있습니다!

그러나 모든 것이 흑백이라는 인상을받지 않기 위해 함께 연결된 농구로 만든 구성 사진을 몇 장 더 게시하겠습니다. 그런 색깔의 재미있는 플라스틱 컬! 그리고 또한, 이 방을 통과할 수도 있고, 농구대 안쪽으로 들어갈 수도 있고, 밖에서 모든 것을 볼 수도 있습니다.

이 아이템들은 제가 가장 좋아하는 아이템입니다. 물론 곧 개념적 동시대 미술은 새로운 시대와 조화를 이루며 다르게 변할 것입니다. 예전으로 돌아가지 않고 지금처럼 남아 있지도 않을 것입니다. 그것은 바뀔 것이다. 그러나 흐름이 무엇인지, 흐름이 어디에서 왔는지, 어디에서 왔는지 이해하려면 지금 무슨 일이 일어나고 있는지 알아야합니다. 그리고 그 nooo를 부끄러워하지 마십시오. 개념은 나를위한 것이 아니지만 그것을보고 평가하십시오. 항상 그렇듯이 재능은 거의 없지만 거기에 있습니다. 전시물이 울려 퍼지면 모든 것이 손실되지 않습니다!!!

예술과 디자인

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01.02.18 09:02

오늘날 일본의 미술계는 매우 다양하고 도발적입니다. 떠오르는 태양당신은 당신이 다른 행성에 착륙했다고 생각할 것입니다! 전 세계적으로 업계의 판도를 바꾼 혁신가들의 본거지입니다. 다음은 무라카미 다카시(오늘 그의 생일을 축하하는 사람)의 놀라운 창조물부터 쿠사마의 다채로운 우주에 이르기까지 10명의 현대 일본 예술가와 그들의 작품 목록입니다.

미래 세계에서 점선 별자리까지: 현대 일본 예술가

무라카미 다카시: 전통주의와 고전

행사의 영웅부터 시작합시다! Takashi Murakami는 회화, 대형 조각 및 패션 작업을 하는 일본의 가장 상징적인 현대 예술가 중 한 명입니다. Murakami의 스타일은 만화와 애니메이션의 영향을 받았습니다. 그는 일본을 지지하는 슈퍼플랫 운동의 창시자이다. 예술적 전통그리고 전후 문화. Murakami는 많은 동시대 동료들을 승진시켰으며, 오늘 그들 중 일부를 알게 될 것입니다. 무라카미 다카시의 "서브컬처" 작품들이 패션과 아트 아트 마켓에서 선보입니다. 그의 도발적인 My Lonesome Cowboy(1998)는 2008년 뉴욕 소더비 경매에서 1,520만 달러에 낙찰되었습니다. Murakami는 세계적으로 유명한 브랜드 Marc Jacobs, Louis Vuitton 및 Issey Miyake와 협력했습니다.

Tycho Asima와 그녀의 초현실적 세계

예술 제작사인 Kaikai Kiki와 Superflat 운동(둘 다 Takashi Murakami가 설립)의 일원인 Chiho Ashima는 환상적인 도시 풍경과 기묘한 팝 크리처로 유명합니다. 작가는 기이한 자연을 배경으로 악마, 유령, 젊은 미녀들이 사는 초현실적인 꿈을 만들어낸다. 그녀의 작품은 일반적으로 대규모이며 종이, 가죽, 플라스틱에 인쇄됩니다. 2006년, 이 현대 일본 작가는 런던의 Art on the Underground에 참가했습니다. 그녀는 플랫폼을 위해 17개의 연속적인 아치를 만들었습니다. 마법의 풍경은 낮에서 밤으로, 도시에서 시골로 점차 바뀌었습니다. 이 기적은 Gloucester Road 지하철역에서 꽃을 피웠습니다.

시마 치하루와 인피니트 스레드

또 다른 예술가인 Chiharu Shiota는 특정 랜드마크를 위한 대규모 시각적 설치 작업을 하고 있습니다. 그녀는 오사카에서 태어 났지만 지금은 독일 베를린에 살고 있습니다. 중심 주제그녀의 작업은 망각과 기억, 꿈과 현실, 과거와 현재, 불안의 대립이기도 하다. Chiharu Shiota의 가장 유명한 작품은 낡은 의자, 웨딩 드레스, 탄 피아노와 같은 많은 일상 및 개인 용품을 감싸고 있는 뚫을 수 없는 검은 실의 거미줄입니다. 2014년 여름, 시오타는 자신에게 기증된 300개 이상의 신발과 부츠를 빨간 실로 연결하고 고리에 걸었습니다. 치하루의 독일 수도에서의 첫 전시회는 2016년 베를린 아트 위크에서 열렸으며 센세이션을 일으켰습니다.

헤이 아라카와: 어디에나, 어디에도 없다

Ei Arakawa는 변화의 상태, 불안정한 기간, 위험 요소에서 영감을 얻었으며 그의 설치는 종종 우정과 팀워크의 주제를 상징합니다. 현대 일본 예술가의 신조는 수행적 부정확성 "어디서나 어디에도 없다"로 정의됩니다. 그의 창작물은 예상치 못한 곳에서 나타납니다. 2013년에는 베니스 비엔날레와 모리 미술관(도쿄)의 일본 현대 미술 전시회에 아라카와의 작품이 전시되었습니다. Hawaiian Presence 설치(2014)는 뉴욕을 기반으로 활동하는 아티스트 Carissa Rodriguez와의 공동 작업으로 Whitney Biennale에서 선보였습니다. 또한 2014년에 United Brothers라는 듀엣으로 공연하는 Arakawa와 그의 형제 Tomu는 Frieze London 방문자에게 "방사능" 후쿠시마 무 뿌리를 사용한 "작품" "The This Soup Taste Ambivalent"를 제공했습니다.

타나카 코키: 관계와 반복

2015년에는 다나카 코키가 올해의 아티스트로 선정되었습니다. Tanaka는 창의성과 상상력의 공유 경험을 탐구하고, 프로젝트 참가자 간의 교류를 장려하고, 협업을 위한 새로운 규칙을 옹호합니다. 2013년 베니스 비엔날레 일본관에 설치한 작품은 공간을 예술 교류의 플랫폼으로 바꾸는 오브제 영상으로 구성됐다. 다나카 코키(Koki Tanaka)의 설치 작품(그의 이름을 딴 배우와 혼동하지 말 것)은 일상적인 사물(야채를 자르는 칼, 잔에 맥주를 붓는 것, 우산을 펴는 것)으로 수행되는 간단한 제스처의 비디오 녹화와 같이 사물과 행동 사이의 관계를 설명합니다. . 중요한 일이 일어나지 않지만 강박적인 반복과 주의 가장 작은 세부 사항시청자가 평범한 것을 감상하게 만듭니다.

마리코 모리와 유선형

또 다른 현대 일본 예술가인 마리코 모리(Mariko Mori)는 비디오, 사진, 개체를 결합하여 멀티미디어 개체를 "활용"합니다. 그녀는 미니멀한 미래적 비전과 날렵하고 초현실적인 형태를 가지고 있습니다. Mori의 작업에서 되풀이되는 주제는 서양 전설과 서양 문화. 2010년에 Mariko는 교육 문화 재단인 Fau Foundation을 설립했습니다. 비영리 단체, 그녀는 사람이 거주하는 6개 대륙을 기리기 위해 설치 미술 시리즈를 제작했습니다. 가장 최근에 재단의 영구 설치물인 The Ring: One with Nature가 리우데자네이루 근처 레센데의 그림 같은 폭포 위에 세워졌습니다.

이케다 료지: 사운드 및 비디오 합성

이케다 료지(Ryoji Ikeda)는 뉴미디어 아티스트이자 작곡가로서 정현파 사운드에서 인간 청력의 가장자리에 있는 주파수를 사용하는 노이즈에 이르기까지 다양한 "원시" 상태의 사운드와 관련된 작업을 주로 합니다. 그의 숨막히는 설치에는 비디오 프로젝션 또는 디지털 템플릿으로 시각적으로 변환되는 컴퓨터 생성 사운드가 포함됩니다. Ikeda의 시청각 예술품은 규모, 빛, 그림자, 볼륨, 전자음 및 리듬을 사용합니다. 작가의 유명한 테스트 개체는 길이 28m, 너비 8m의 영역을 비추는 5개의 프로젝터로 구성되어 있습니다. 장치는 데이터(텍스트, 소리, 사진 및 동영상)를 바코드 및 0과 1의 이진법 패턴으로 변환합니다.

미야지마 타츠오와 LED 카운터

현대 일본 조각가이자 설치 미술가인 Tatsuo Miyajima는 자신의 작품에 사용합니다. 전기 회로, 비디오, 컴퓨터 및 기타 장치. 미야지마의 주요 개념은 인본주의적 사상과 불교의 가르침에서 영감을 받았습니다. 그의 설정에서 LED 카운터는 1에서 9까지의 반복으로 계속 깜박이며 삶에서 죽음으로의 여정을 상징하지만 0으로 표시되는 최종성을 피합니다(Tatsuo의 작업에서는 0이 전혀 나타나지 않음). 격자, 탑, 다이어그램에 있는 유비쿼터스 숫자는 연속성, 영원성, 연결, 시간과 공간의 흐름에 대한 아이디어에 대한 Miyajima의 관심을 표현합니다. 얼마 전 미야지마의 시간의 화살 오브제는 개관전 "Incomplete Thoughts Visible in New York"에서 선보였습니다.

나라 요시모토와 사악한 아이들

Nara Yoshimoto는 어린아이의 지루함과 좌절감, 그리고 유아에게 자연스럽게 나타나는 치열한 독립심을 반영하는 주제인 어린이와 개를 소재로 한 그림, 조각, 그림을 만듭니다. 요시모토 작품의 미학은 불안한 긴장감과 펑크 록에 대한 예술가의 사랑이 혼합된 전통적인 책 삽화를 연상시킵니다. 2011년 뉴욕 아시안 소사이어티 뮤지엄에서 요시토모의 첫 개인전 "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool"을 개최하여 일본 현대 작가의 20년 경력을 다루었습니다. .

쿠사마 야요이와 기이한 형태로 성장하는 공간

치는 창작 전기쿠사마 야요이는 70년 동안 지속된다. 이 기간 동안 놀라운 일본 여성이 회화, 그래픽, 콜라주, 조각, 영화, 판화, 환경 예술, 설치, 문학, 패션 및 패션 디자인 분야를 공부했습니다. Kusama는 그녀의 트레이드마크가 된 매우 독특한 도트 아트 스타일을 개발했습니다. 88세 쿠사마의 작품에서 나타나는 환상적 환상은 세상이 기이한 형태의 증식으로 뒤덮이는 것처럼 보일 때 그녀가 어린 시절부터 경험한 환각의 결과이다. 다채로운 점이있는 방과 축적을 반영하는 "끝없는"거울을 알아볼 수 있으며 다른 것과 혼동 할 수 없습니다.

일본인들은 9-12세기 헤이안 시대(794-1185)에 사물에 숨겨진 아름다움을 발견하고 "모노노와레"(物の哀れ(もののあわれ))라는 특별한 개념으로 명명했습니다. 사물의 슬픈 매력. "사물의 매력"은 일본 문학에서 아름다움에 대한 가장 초기의 정의 중 하나이며, 모든 것이 고유한 신(카미)과 고유한 매력을 가지고 있다는 신도의 믿음과 관련이 있습니다. Avare는 기쁨과 흥분을 일으키는 사물의 내적 본질입니다.

- 와시(wasi) 또는 와가미(wagami).
수동 종이 만들기. 중세 일본인들은 와시를 실용적 가치뿐만 아니라 아름다움으로도 높이 평가했습니다. 그녀는 그녀의 미묘함, 거의 투명성으로 유명했지만 그녀의 힘을 박탈하지는 않았습니다. 와시는 코조(뽕나무) 나무와 다른 나무의 껍질로 만듭니다.
와시 종이는 수세기 동안 보존되어 왔으며, 이에 대한 증거는 수세기를 거쳐 현재까지 내려온 고대 일본 서예, 그림, 병풍, 판화의 앨범과 책입니다.
Vasya의 종이는 섬유질입니다. 현미경을 보면 공기와 햇빛이 침투하는 균열이 보입니다. 이 품질은 병풍과 일본 전통 등불 제조에 사용됩니다.
와시 기념품은 유럽인들에게 매우 인기가 있습니다. 이 종이로 지갑, 봉투, 부채 등 작고 유용한 물건을 많이 만듭니다. 내구성이 뛰어나면서도 가볍습니다.

- 고헤이.
마스코트 종이 스트립. Gohei -종이 지그재그 스트립이 부착 된 신도 사제의 의식 지팡이. 같은 종이 조각이 신사 입구에 걸려 있습니다. 신도에서 종이의 역할은 전통적으로 매우 컸고 종이 제품은 항상 난해한 의미. 그리고 모든 것, 모든 현상, 심지어 단어에도 카미(신)가 포함되어 있다는 믿음이 이런 종류의 출현을 설명합니다. 응용 예술고헤이처럼. 신도주의는 우리의 이교도와 다소 비슷합니다. 신도 신자의 경우, 카미는 특히 평범하지 않은 모든 곳에서 기꺼이 거주합니다. 예를 들어, 종이에. 그리고 오늘날 신사 입구 앞에 걸려 있고 사원에 신이 있음을 나타내는 복잡한 지그재그로 꼬인 고헤이에서 더욱 그렇습니다. 고헤이를 접는 방법은 20가지가 있는데, 특히 특이하게 접힌 것이 가미를 끌어당긴다. Gohei는 주로 흰색이지만 금색, 은색 및 기타 여러 색조도 있습니다. 9세기부터 일본에서는 스모 선수들이 시합을 시작하기 전에 벨트의 고헤이를 강화하는 관습이 있었습니다.

- 아네사마.
종이인형 제작입니다. 19세기에 사무라이 아내들은 아이들이 가지고 노는 종이 인형을 만들어 다른 옷을 입혔습니다. 장난감이 없던 시절, 아네사마는 아이들의 유일한 대담자로서 어머니, 누나, 아이, 친구 역할을 "수행"했습니다.
인형은 일본 종이로 접고 머리카락은 구겨진 종이로 만들고 잉크로 염색하고 접착제로 덮어 광택을냅니다. 독특한 특징은 길쭉한 얼굴에 멋진 작은 코입니다. 오늘날에도 숙련된 손만 있으면 되는 이 간단한 장난감은 전통적인 형태로 이전과 같은 방식으로 계속 만들어지고 있습니다.

- 종이 접기.
종이 접기의 고대 기술(折り紙, 직역: "접힌 종이"). 종이접기의 예술은 고대 중국종이가 발명된 곳. 처음에 종이 접기는 종교 의식에 사용되었습니다. 오랫동안이런 종류의 예술은 좋은 취향의 표시가 종이 접기 기술의 소유인 상류층의 대표자들에게만 가능했습니다. 제 2 차 세계 대전 이후에만 종이 접기는 동양을 넘어 미국과 유럽으로 건너가 즉시 팬을 찾았습니다. 클래식 종이 접기는 정사각형 종이로 접혀 있습니다.
가장 복잡한 제품의 접는 방식을 스케치하는 데 필요한 특정 기존 기호 세트가 있습니다. 재래식 기호의 대부분은 20세기 중반 일본의 유명한 거장 요시자와 아키라에 의해 실용화되었습니다.
고전적인 종이접기는 풀과 가위 없이 균일한 색상의 정사각형 종이 한 장을 사용하는 것을 규정합니다. 현대 예술 형식은 때때로 이 정경에서 벗어납니다.

- 키리가미.
키리가미는 여러 번 접은 종이를 가위로 여러 모양으로 자르는 기술입니다. 모형을 만드는 과정에서 가위와 종이 자르기를 사용할 수 있는 일종의 종이접기입니다. 이것은 kirigami와 다른 종이 접기 기술의 주요 차이점이며 이름에서 강조됩니다. 切る (kiru) - 자르기, 紙 (gami) - 종이. 우리 모두는 어린 시절에 눈송이를 자르는 것을 좋아했습니다. kirigami의 변형으로 눈송이뿐만 아니라 다양한 인물, 꽃, 화환 및 기타 귀여운 종이를이 기술을 사용하여자를 수 있습니다. 이들 제품은 판화용 스텐실, 앨범 데코레이션, 엽서, 포토액자, 패션디자인, 인테리어 디자인 등 다양한 데코레이션에 활용될 수 있다.

- 꽃꽂이.
꽃꽂이, (jap 生け花 또는 いけばな)에서 번역 일본어- ike" - 생명, "bana" - 꽃 또는 "살아있는 꽃". 일본의 꽃꽂이 예술은 일본인의 가장 아름다운 전통 중 하나입니다. 꽃꽂이를 만들 때 꽃과 함께 자른 가지, 잎, 새싹을 사용합니다. 기본 원칙은 절묘한 단순성이며 이를 달성하기 위해 강조합니다. 자연미식물. 꽃꽂이는 꽃의 아름다움과 구성을 창조하는 주인의 영혼의 아름다움이 조화롭게 결합된 새로운 자연 형태의 창조입니다.
오늘날 일본에는 4개의 주요 꽃꽂이 학교가 있습니다: Ikenobo(Ikenobo), Koryu(Koryu), Ohara(Ohara), Sogetsu(Sogetsu). 그들 외에도 이러한 학파 중 하나를 고수하는 약 천 가지의 다른 방향과 추세가 있습니다.

- 오리바나.
17세기 중반에 오하라(이케바나의 주요 형태 - 오리바나)와 고류(주요 형태 - 세크)의 두 유파가 이케노보에서 출발했습니다. 참고로 오하라 유파는 아직 오리바누만 공부하고 있습니다. 일본인이 말했듯이 종이 접기가 종이 접기로 바뀌지 않는 것이 매우 중요합니다. 고미는 일본어로 쓰레기라는 뜻입니다. 결국 종이 한 장을 접은 다음 어떻게해야합니까? Oribana는 인테리어 장식용 부케에 대한 많은 아이디어를 제공합니다. 오리바나 = 종이접기 + 꽃꽂이

- 실수.
플로리스트리에서 탄생한 미술의 일종. 플로리스트 리가 일본에 600년 이상 존재했지만 8년 전에 우리나라에 나타났습니다. 중세 시대에 사무라이는 전사의 길을 이해했습니다. 그리고 오시바나는 상형 문자를 쓰고 검을 휘두르는 것과 같은 그 길의 일부였습니다. 그 착오의 의미는 사토리(satori)의 완전한 현존 상태에서 주인이 말린 꽃(압화)의 그림을 만들었다는 것이다. 그러면 이 그림은 침묵 속으로 들어가 같은 사토리를 경험할 준비가 된 사람들을 위한 열쇠이자 지침이 될 수 있습니다.
"Oshibana"예술의 본질은 꽃, 허브, 잎, 나무 껍질을 압력을 받아 수집하고 건조하고 바닥에 붙임으로써 작가가 식물의 도움을 받아 진정한 "그림"작업을 만드는 것입니다. 즉, 잘못은 식물로 그림을 그리는 것입니다.
플로리스트의 예술적 창의성은 건조 식물 재료의 형태, 색상 및 질감의 보존을 기반으로 합니다. 일본인은 "오시바나" 그림이 색이 바래거나 어두워지는 것을 방지하는 기술을 개발했습니다. 그 본질은 유리와 그림 사이에 공기가 펌핑되고 ​​식물이 부패하는 것을 방지하는 진공이 생성된다는 것입니다.
그것은이 예술의 틀에 얽매이지 않을뿐만 아니라 식물의 특성에 대한 상상력, 맛, 지식을 보여줄 기회도 끌어들입니다. 플로리스트는 장신구, 풍경화, 정물화, 초상화, 이야기 그림을 만듭니다.

- 분재.
현상으로서의 분재는 중국에서 천 년 이상 전에 나타났지만 이 문화는 일본에서만 발전의 절정에 이르렀습니다. (분재 - 일본어 盆栽 문학. "화분에 식물") - 성장의 예술 정확한 사본미니어처의 실제 나무. 이 식물은 우리 시대보다 몇 세기 전에 불교 승려에 의해 재배되었으며 이후 지역 귀족의 활동 중 하나가되었습니다.
분재는 일본 가정과 정원을 장식했습니다. 도쿠가와 시대에 공원 설계는 새로운 자극을 받았습니다. 진달래와 단풍나무 재배는 부유층의 취미가 되었습니다. 드워프 작물 생산(하치노키 - "냄비 속의 나무")도 개발되었지만 당시의 분재는 매우 컸습니다.
이제 일반 나무가 분재에 사용되며 지속적인 가지 치기와 기타 다양한 방법으로 인해 작아집니다. 동시에 그릇의 부피에 의해 제한되는 뿌리 시스템의 크기 비율과 분재의 땅 부분은 자연에서 성인 나무의 비율에 해당합니다.

- 미즈히키.
마크라메 아날로그. 이것은 특수 끈으로 다양한 매듭을 묶고 그로부터 패턴을 만드는 고대 일본 응용 예술입니다. 이러한 예술 작품은 기프트 카드와 편지에서 헤어스타일과 핸드백에 이르기까지 매우 넓은 범위를 가졌습니다. 현재 mizuhiki는 선물 산업에서 매우 널리 사용됩니다. 인생의 모든 사건에 대해 선물은 매우 특정한 방식으로 포장되고 묶여 있어야 합니다. 미즈히키 기술에는 매우 많은 매듭과 구성이 있으며 모든 일본인이 이를 모두 암기하는 것은 아닙니다. 물론 가장 자주 사용되는 가장 일반적이고 간단한 매듭이 있습니다. 아이의 탄생 축하, 결혼식 또는 기념, 생일 또는 대학 입학을 위해.

- 쿠미히모.
Kumihimo는 일본 꼰 코드입니다. 실을 짜면 리본과 끈을 얻습니다. 이 끈은 Marudai 및 Takadai와 같은 특수 기계로 짜여져 있습니다. Marudai 기계는 둥근 끈을 짜는 데 사용되며 Takadai는 평평한 끈을 짜는 데 사용됩니다. 일본어로 Kumihimo는 "줄 짜기"(kumi - 짜기, 함께 접기, himo - 밧줄, 레이스)를 의미합니다. 역사가들이 스칸디나비아 인들과 안데스 산맥의 주민들 사이에서 비슷한 직조를 찾을 수 있다고 완고하게 주장한다는 사실에도 불구하고 일본의 kumihimo 예술은 실제로 가장 오래된 직조 유형 중 하나입니다. 그것에 대한 첫 번째 언급은 550년으로 거슬러 올라갑니다. 그때 불교는 일본 전역에 퍼졌고 특별한 의식에는 특별한 장식이 필요했습니다. 나중에 kumihimo 끈은 여성용 기모노의 오비 벨트 고정 장치, 전체 사무라이 무기고를 "포장"하는 로프로 사용되기 시작했습니다 (사무라이는 갑옷과 말 갑옷을 묶기 위해 장식 및 기능적 목적으로 kumihimo를 사용했습니다). 무거운 물건을 묶는 데에도 사용됩니다.
현대적인 쿠미히모의 다양한 패턴은 수제 골판지 베틀에서 매우 쉽게 짜여집니다.

- 코모노.
시간이 지나면 기모노는 어떻게 남습니까? 버려지고 있다고 생각합니까? 이런 건 없어! 일본인은 절대 그렇게 하지 않을 것입니다. 기모노는 비싸다. 그렇게 그냥 버리는 것은 상상도 할 수 없고 불가능합니다... 다른 유형의 기모노 재활용과 함께 공예가들은 작은 조각으로 작은 기념품을 만들었습니다. 이들은 어린 이용 작은 장난감, 인형, 브로치, 화환, 여성용 보석 및 기타 제품이며, 오래된 기모노는 총칭하여 "komono"라고하는 작고 귀여운 물건을 만드는 데 사용됩니다. 살아갈 작은 것들 자신의 삶, 기모노의 길을 계속합니다. 이것이 "코모노"라는 단어의 의미입니다.

- 칸자시.
천(주로 실크)으로 만든 머리핀(대부분 꽃(나비 등)으로 장식)을 장식하는 기술입니다. 일본 간자시(간자시)는 전통적인 일본 여성 헤어스타일을 위한 긴 머리핀입니다. 그들은 나무, 옻칠, 은색, 거북 껍질은 중국과 일본의 전통 헤어스타일에 사용됩니다. 약 400년 전 일본에서는 여성의 헤어스타일 스타일이 바뀌었습니다. 그리고 기괴한 형태 - 니혼가미 다양한 아이템 사용 - 머리핀, 막대기, 빗. 손목 장신구와 목걸이를 허용하므로 헤어스타일은 메인 뷰티그리고 자기 표현의 밭-소유자의 지갑의 맛과 두께를 보여줍니다. 판화에서 자세히 보면 일본 여성들이 헤어 스타일에 값 비싼 칸자시를 20 개까지 쉽게 걸었던 방법을 볼 수 있습니다.
헤어스타일에 세련미와 우아함을 더하고 싶어하는 젊은 일본 여성들 사이에서 칸자시를 사용하는 전통이 이제 다시 부활하고 있습니다.

- 키누사이가.
일본의 놀라운 유형의 바느질. 기누사이가(絹彩画)는 바틱과 패치워크의 교차점입니다. 주요 아이디어는 새로운 그림이 오래된 비단 기모노(진정한 예술 작품)에서 함께 연결된다는 것입니다.
먼저 작가는 종이에 스케치를 한다. 그런 다음 이 도면을 나무판으로 옮깁니다. 패턴의 윤곽은 홈 또는 홈으로 절단된 다음 색상과 톤이 일치하는 작은 조각이 오래된 실크 기모노에서 절단되고 이러한 조각의 가장자리가 홈을 채웁니다. 그런 사진을 보고 있으면 마치 사진을 보고 있는 것 같은 느낌이 들기도 하고, 창밖의 풍경을 보기만 해도 너무 리얼하다.

- 테마리.
단순한 스티치로 만든 일본의 전통적인 기하학적 자수 공으로 한때 어린이 장난감이었으며 현재는 일본뿐만 아니라 전 세계적으로 많은 팬을 보유한 예술 형식이 되었습니다. 오래 전에 이러한 제품은 사무라이 아내가 오락을 위해 만든 것으로 여겨집니다. 처음에는 볼 게임의 공으로 실제로 사용되었지만 점차 예술적 요소를 습득하기 시작하여 나중에 장식용 장식품으로 변했습니다. 이 공의 섬세한 아름다움은 일본 전역에 알려져 있습니다. 그리고 오늘날 다채롭고 세심하게 만들어진 제품은 일본의 민속 공예품 중 하나입니다.

- 유비누키.
일본 골무는 손바느질이나 자수를 할 때 일하는 손의 가운데 손가락의 가운데 지골에 놓고 손가락 끝으로 바늘에 원하는 방향을 부여하고 바늘을 가운데 고리를 통해 밀어 넣습니다. 일하는 손가락. 처음에 일본 유비누키 골무는 아주 간단하게 만들어졌습니다. 약 1cm 너비의 촘촘한 천이나 가죽 조각을 여러 층으로 손가락에 단단히 감싸고 몇 가지 간단한 장식 스티치로 고정했습니다. 유비눅스 시절부터 필요한 과목모든 집에서 그들은 실크 실로 기하학적 자수로 장식되기 시작했습니다. 스티치의 엇갈림에서 다채롭고 복잡한 패턴이 만들어졌습니다. 단순한 생활용품이던 유비누키도 일상의 장식인 '감탄'의 오브제로 탈바꿈했다.
유비누키는 여전히 바느질과 자수에 사용되지만 장식용 반지처럼 단순히 손가락에 끼는 것도 볼 수 있습니다. 유비누키 스타일의 자수는 냅킨 링, 팔찌, 테마리 스탠드, 유비누키 자수로 장식된 반지 형태의 다양한 물건을 장식하는 데 사용되며 같은 스타일의 자수 바늘 침대도 있습니다. 유비누키 패턴은 테마리 오비 자수에 큰 영감을 줄 수 있습니다.

- Suibokuga 또는 sumie.
일본 수묵화. 이 중국 스타일의 그림은 14세기와 15세기 말에 일본 예술가들에 의해 채택되었습니다. 일본 회화의 주류가 되었다. 스이보쿠가는 단색입니다. 흑묵(수묵)을 사용하는 것이 특징이며, 입체적인 형태 숯또는 중국 잉크의 그을음으로 만들어 먹병에 갈아서 물로 희석하고 붓으로 종이나 실크에 바릅니다. 모노크롬은 중국인들이 오래 전에 잉크의 "색상"으로 인식했던 끝없는 색조 옵션을 마스터에게 제공합니다. Suibokuga는 때때로 실제 색상의 사용을 허용하지만 항상 잉크 라인에 종속되는 얇고 ​​투명한 획으로 제한합니다. 수묵화는 엄격하게 통제된 표현과 형태의 기술적인 숙달과 같은 본질적인 특성을 서예 예술과 공유합니다. 수묵화의 질은 서예에서와 마찬가지로 잉크로 그린 선의 온전함과 찢어짐에 대한 저항으로 귀결됩니다. 말하자면 뼈가 조직을 유지하듯이 예술 작품을 자체적으로 유지하는 것입니다.

- 에테가미.
그린 엽서(e - 그림, 태그 - 편지). DIY 엽서 만들기는 일반적으로 일본에서 매우 인기 있는 활동이며 연휴 전에 인기가 더욱 높아집니다. 일본인은 친구에게 엽서를 보내는 것을 좋아하고 친구도 받는 것을 좋아합니다. 이것은 특수 공백에 대한 일종의 빠른 편지이며 봉투없이 우편으로 보낼 수 있습니다. etegami에는 특별한 규칙이나 기술이 없으며 누구나 특별한 훈련 없이 할 수 있습니다. Etagami는 기분, 인상을 정확하게 표현하는 데 도움이되며 따뜻함, 열정, 관심, 사랑 등 보낸 사람의 감정을 전달하는 그림과 짧은 편지로 구성된 수제 엽서입니다. 그들은 계절, 활동, 야채와 과일, 사람과 동물을 묘사한 명절을 위한 엽서를 보냅니다. 이 그림은 단순하게 그릴수록 더 재미있어 보입니다.

- 보자기.
일본식 포장 기술 또는 천 접기 기술. 보자기는 오랫동안 일본인의 삶에 들어갔습니다. 가마쿠라-무로마치 시대(1185-1573)의 고대 두루마리에는 머리에 천으로 감싼 옷 다발을 들고 있는 여성의 이미지가 보존되어 있습니다. 이 흥미로운 기술은 일찍이 710-794년 일본에서 시작되었습니다. "후로시키"라는 단어는 문자 그대로 "목욕 깔개"로 번역되며 모든 모양과 크기의 물건을 포장하고 운반하는 데 사용되는 정사각형 천 조각입니다.
예전에는 방문객들이 집에서 가져온 가벼운 면 기모노를 입고 일본식 목욕탕(후로)에 들어가는 것이 관례였습니다. 목욕하는 사람은 옷을 벗을 때 서 있던 특별한 양탄자(시키)도 가져왔습니다. "목욕" 기모노로 갈아입은 방문객은 옷을 깔개로 감싸고, 목욕 후에는 젖은 기모노를 깔개로 싸서 집으로 가져옵니다. 따라서 욕실 매트는 다기능 가방이 되었습니다.
보자기는 사용하기 매우 쉽습니다. 천은 포장하는 물체의 모양을 취하고 손잡이가 있어 짐을 쉽게 옮길 수 있습니다. 또한 딱딱한 종이가 아닌 부드러운 다층 천으로 포장 된 선물은 특별한 표현력을 얻습니다. 매일 또는 축제를 위해 다양한 방법으로 보자기를 접을 수 있습니다.

- 아미구루미.
작은 박제 동물과 인간형 생물을 뜨개질하거나 뜨개질하는 일본 예술. 아미구루미(編み包み, lit.: "뜨개질로 감싼")는 대부분 귀여운 동물(곰, 토끼, 고양이, 개 등), 작은 사람이지만 인간의 속성이 부여된 무생물일 수도 있습니다. 예를 들어, 컵케이크, 모자, 핸드백 등. Amigurumi는 뜨개질을하거나 뜨개질을하거나 뜨개질을합니다. 안에 최근에크로 셰 아미 구루미는 점점 더 대중화되고 보편화되었습니다.
간단한 편직 방법으로 원사로 편직-나선형으로 유럽 편직 방법과 달리 원은 일반적으로 연결되지 않습니다. 또한 실의 굵기에 비해 더 작은 크기로 코바늘로 뜨개질을 하여 충전물이 나올 틈이 없는 매우 조밀한 직물을 만듭니다. 아미구루미는 팔다리가 없고 머리와 몸통만 있어 하나의 전체인 일부 아미구루미를 제외하고 종종 부품으로 만든 다음 조립합니다. 팔다리는 때때로 플라스틱 조각으로 채워져 생체중을 제공하는 반면 신체의 나머지 부분은 섬유질로 채워집니다.
아미구루미 미학의 확산은 그들의 귀여움("카와이")에 의해 촉진됩니다.

오늘날의 세상은 종종 다음과 같은 이유로 비난을 받습니다. 영적 위기, 전통과의 유대 파괴, 세계화, 필연적으로 국가 기반 흡수. 모든 것이 개인화되고 동시에 비개인화됩니다. 소위 말하는 경우 고전 예술우리는 국립학교그리고 거기에 상상 이탈리아 미술독일 예술은 무엇이며 프랑스 예술은 무엇입니까? 그렇다면 현대 미술을 같은 "학교"로 나눌 수 있습니까?

이 질문에 답하기 위해 일본 현대 미술을 소개하고 싶습니다. 지난해 모리 미술관에서 열린 현대 미술의 국제주의를 주제로 한 회의에서 하야시 미치오 도쿄대 교수는 서양에서 '일본다움'에 대한 대중적 인식이 1980년대 '키치' 삼위일체에 의해 굳어졌다고 말했다. '자연스러움'과 '기술적 정교함'. 오늘날 대중적이고 특히 상업적으로 인기 있는 일본의 현대 미술은 여전히 ​​이 삼각형에 놓일 수 있습니다. 서양 시청자에게는 떠오르는 태양의 땅 예술에만 내재된 특정 기능으로 인해 신비하고 독창적입니다. 8월에는 서양과 동양이 한 번에 세 곳의 예술 공간에서 만났습니다. 8월 8일까지 맨하탄(515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan)에서 “존재의 이중성 – 포스트 후쿠시마” 전시회가 열렸습니다. 주관적 공간'은 8월 15일까지 지속되었으며 거의 ​​근처에 있습니다(508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan). 밀라노의 Palazzo Reale에 있는 Takashi Murakami의 "Arhat Cycle"은 여전히 ​​방문객을 매료시키고 놀라게 합니다.

전시된 모든 작품은 쓰나미가 일본을 강타한 2011년 3월 11일 이후에 제작되었습니다. 후쿠시마 원자력 발전소의 핵 재해는 국가를 결집시켰고, 우선 순위와 가치를 재고하고 오랫동안 잊혀진 전통으로 다시 돌아갈 필요가 있게 만들었습니다. 예술은 제쳐두고 세상에 선보일 수 없었습니다. 새로운 유형예술가는 현대 시청자의 요구에 초점을 맞추는 동시에 역사적 토대와 가치를 존중합니다.

무라카미 다카시 - 광고 성공한 예술가테크노 키치를 대중화하고 일본 니혼가 회화의 전통과 애니메이션, 망가의 특수성을 바탕으로 새로운 시각 언어 슈퍼플랫을 창조한 작가. 그의 복제된 조각과 터무니없는 설치의 이념은 전후 소비주의가 만연한 일본의 변화를 보여주기 위한 것이었다. 그러나 2011년 3월 11일은 히로시마와 나가사키에 핵폭탄이 투하된 1945년 8월의 끔찍한 이틀처럼 일본의 삶을 "전"과 "후"로 나누었습니다. 끔찍한 결과를 초래 한 그 강력한 지진 이후 Murakami는 불교와 일본 미학을 재고하는 길에 착수하여 기원과 영성으로 돌아가는 발걸음을 내디뎠습니다. 아라한 사이클을 시작한 첫 작품은 2012년 카타르 도하에서 열린 무라카미 다카시의 개인전에서 선보인 500나한이다. 저자는 불교 주제로의 복귀는 이 세상에는 우리만이 있는 것이 아니라 우리와 무관한 세력이 있으며 의존하지 않으려면 매번 개선해야 한다는 것을 깨닫기 위한 시도라고 설명합니다. 자신의 욕망그리고 영향을 미칩니다. 캔버스 전체 100m에 걸쳐 격렬한 요소로부터 청중을 보호하는 것처럼 빽빽한 arhats 벽은 모든 사람의 영혼에 평화와 평온을 심어주었습니다. 그러나 무라카미는 한 작품에 그치지 않고 마치 만화 기법을 사용하여 이야기를 시각 디자인으로 전달하듯 내러티브를 보완하고 확장하면서 회화의 순환을 이어갔다. 사이클의 두 번째 부분은 Blum & Poe 갤러리에서 발표되었습니다. 로스 앤젤레스) 2013 년에. 오늘날 밀라노에서 arhats는 영성으로의 복귀와 열정의 포기에 대한 아이디어를 전파하면서 세 번째로 세계를 여행하고 있습니다. 교훈성과 의미의 깊이에도 불구하고 그림은 대담하고 밝은 색상 결정으로 인해 쉽게 인식됩니다. 예술적 언어. 만화적 요소는 그들에게 필요한 대중화의 몫을 가져왔기 때문에 불교의 방송 사상은 미숙한 대중도 쉽게 읽고 받아들일 수 있었습니다.

근대 일본화의 다음 대표자는 무라카미의 제자인 카즈키 우메자와라고 할 수 있습니다. 그는 애니메이션 캐릭터의 디지털 렌더링을 스티커 위에 그려 추가 깊이와 시각적 혼돈을 만들어냅니다. 인터넷 전체에 흩어져 있는 임의의 이미지에서 그는 콜라주를 구성하고 배경을 깨고 오타쿠(애니메이션 및 만화 팬)의 상상력의 구조와 내용을 반영하는 만다라를 만듭니다. 불교 상징에 대한 호소는 젊은 예술가의 작품의 의미론적 가치를 높이고, 한편으로는 신성하고 확립된 문화를 연결하고, 다른 한편으로는 현대 문제를 연결하지만, 다시 특정 일본 현상을 포함합니다. 일본 만화 영화.

Takashi Murakami와 Kazuki Umezawa는 관련성과 전통, 키치와 스타일 사이에서 능숙하게 균형을 잡습니다.

놀랍게도 2011년 3월 11일 일본 대지진 이후 집 잔해 속에 9일 동안 갇혀 있다가 구조된 16세 소년이 기자의 장래 꿈에 대해 묻자 이렇게 대답했습니다. 예술가가 되고 싶어요.”

다카미네 다다스. "God Save America", 2002. 비디오(8분 18초)

이중 시점: 일본 현대 미술
큐레이터 Elena Yaichnikova와 Kenjiro Hosaka

1부: "현실/보통 세계".모스크바 현대 미술관, 산. 모스크바, Ermolaevsky 레인, 17
두 번째 부분: "상상의 세계/환상".모스크바 현대 미술관, 산. 모스크바, Gogolevsky Boulevard, 10

모스크바 현대 미술관은 일본 국제교류기금과 함께 일반 대중에게 일본 현대 예술가를 알리기 위해 고안된 "이중 관점: 일본 현대 미술" 전시회를 개최합니다.
Double perspective는 두 명의 큐레이터가 다른 나라, 박물관의 두 사이트와 프로젝트의 두 부분 구조. 엘레나 야이치니코바(Elena Yaichnikova)와 호사카 겐지로(Kenjiro Hosaka)가 큐레이팅한 이 전시회는 1970년대부터 현재까지 작업한 다양한 스타일의 30명 이상의 예술가들의 작품을 한자리에 모았습니다. 이 프로젝트는 17 Ermolaevsky Lane과 10 Gogolevsky Boulevard의 박물관 부지에 위치한 "The Real World / Everyday Life"와 "Imaginary World / Fantasies"의 두 부분으로 구성됩니다.

1부: "현실/보통 세계"

전시 "The Real World/Everyday Life"의 첫 번째 부분은 20세기 세계사에 대한 호소(모리무라 야스마사, 니와 요시노리, 데루야 유켄), 장치 현대 사회(Dumb Type 및 Tadasu Takamine), 도시 공간과의 상호 작용(Gonzo 및 ChimPom에 문의) 및 일상 생활에서 시 검색(Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi 및 Tetsuya Umeda). 모리무라 야스마사가 영상 작품 "레퀴엠" 시리즈에서 다양한 모습으로 환생 역사적 인물: 채플린, 작가 미시마 유키오, 심지어 레닌까지 - 그리고 그들의 삶에서 에피소드를 재현합니다. 또 다른 프로젝트 참여자인 우메다 테츠야(Tetsuya Umeda)는 즉흥적인 수단, 일상적인 것들로부터 설치 작업을 합니다. 따라서 가장 진부한 일상이 예술이 됩니다. 이번 전시에서는 1965년과 2003년 버전으로 유명한 오노 요코의 작품 'Cut Piece'와 사운드 설치 작품 'Cough Piece'(1961)를 선보인다. 이번 전시에서는 서구 모더니즘에 대한 일본의 대안을 제시한 모노하 운동(Mono-Ha, "School of things"로 번역됨)의 중심 대표자 중 한 명인 스가 기시오의 작품을 선보일 예정입니다. 포토 섹션에서는 시바타 토시오, 혼마 타카시, 시가 리에코의 작품을 소개합니다.

쿠사마 야요이. "나는 여기 있지만 어디에도 없다", 2000. 혼합 매체. Maison de la culture du Japon, Paris에 설치.
저자의 컬렉션

프로젝트의 두 번째 부분을 구성하는 작품들은 우리가 현실에서 볼 수 없는 모든 것, 경계 너머의 모든 것이 있는 자유로운 상상의 세계를 대중에게 제시할 것입니다. 전시회의 이 부분의 예술가들의 작품은 일본 대중 문화, 환상의 세계, 순진함, 신화 및 세계의 우주적 구조에 대한 성찰을 참조합니다. 전시의 각 참가자는 "상상"이라는 개념에 자신의 의미를 부여합니다. 그래서 예술가 요코오 다다노리는 상상의 세계와의 관계에서 메인 테마그의 작품의 소멸, 또는 오히려 "자기 소멸". 쿠사마 야요이(Yayoi Kusama)의 작업에서도 유사한 모티프를 찾을 수 있습니다. 그녀는 자신의 환상을 현실에 투사함으로써 기괴한 패턴으로 가득 찬 세상을 창조합니다. 야노베 겐지(Kenji Yanobe)의 거대한 조각품 "Child of the Sun"(2011)은 후쿠시마-1 원자력 발전소에서 폭발이 있었던 끔찍한 시기에 제작되었습니다. 그의 기념비적 오브제는 상상의 교차점이 된다. 작가는 실재의 경계에서 경험한 경험이 새로운 세계를 창조하는 원동력이 될 것임을 이해한다. 상상의 세계/판타지 부분에는 나라 요시토모, 무라카미 다카시, 아이다 마코토, 사와 히라키 등의 작품도 있습니다.
일부 작품은 전시를 위해 특별히 제작되었습니다. 아티스트 Yoshinori Niva는 Muscovites 아파트에서 혁명가의 성격과 관련된 유물을 찾기 위해 "모스크바 아파트에서 블라디미르 레닌을 원합니다"(2012) 프로젝트를 위해 모스크바에 왔습니다. 그의 작업은 그의 탐색과 모스크바 여행을 비디오로 기록한 것입니다. 2개의 장소에서 동시에 작품을 선보일 아티스트 우메다 테츠야(Tetsuya Umeda)는 자신의 설치 작업을 현장에서 실현하기 위해 모스크바로 올 예정입니다.
언뜻 보기에 비교할 수 없는 이 두 부분은 일본 미술의 두 극을 보여주기 위해 설계되었으며, 실제로는 서로 분리할 수 없는 것으로 판명되었습니다.
전시의 틀 내에서 오픈 마스터 클래스와 창의적인 회의프로젝트 참가자들과 함께. 일본 큐레이터 호사카 겐지로와 아티스트 야노베 겐지의 강연이 있습니다. 러시아의 경우 이번 전시회에서 처음으로 일본 현대 미술을 이 정도 규모로 선보입니다.

나라 요시토모. "Candy-blue night", 2001. 1166.5 x 100 cm 캔버스에 아크릴
사진: 우치다 요시타카

Kisio Suga "분리의 공간", 1975. 가지와 콘크리트 블록. 184 x 240 x 460cm
사진: 우치다 요시타카

야노베 켄지. "Child of the Sun", 2011. 유리 섬유, 강철, 네온 등 620 x 444 x 263 cm. 추모공원 에즈포에 설치70
사진: 토마스 스왑