계몽주의 작곡가의 주요 아이디어. 계몽주의 시대의 음악

음악적 고전주의와 그 발전의 주요 단계

고전주의 (lat. сlassicus에서-모범적)-17-18 세기 예술 스타일. "고전주의"라는 이름은 미학적 완벽함의 최고 기준으로서 고전적 고대에 대한 호소에서 유래되었습니다. 고전주의 대표자들은 샘플에서 미적 이상을 그렸습니다. 고대 예술. 고전주의는 존재의 합리성에 대한 믿음, 자연의 질서와 조화, 내면 세계사람. 고전주의의 미학은 반드시 충족되어야 하는 의무적이고 엄격한 규칙의 총합을 담고 있습니다. 예술 작품. 그중 가장 중요한 것은 아름다움과 진실의 균형, 논리적 명확성, 구성의 조화와 완성도, 엄격한 비율, 장르 간의 명확한 구분에 대한 요구입니다.

고전주의의 발전에는 두 단계가 있습니다.

고전주의 XVII부분적으로는 바로크 예술과의 투쟁에서 부분적으로는 그것과의 상호 작용에서 발전한 세기.

18세기 계몽주의 고전주의.

17세기의 고전주의는 여러 면에서 바로크의 정반대입니다. 그것은 프랑스에서 가장 완전한 표현을 받습니다. 이것은 궁정 예술에 대한 최고의 후원을 제공하고 화려 함과 화려 함을 요구하는 절대 군주제의 전성기였습니다. 이 지역의 프랑스 고전주의의 정점 연극 예술 Corneille과 Racine의 비극과 Lully가 의존 한 Moliere의 희극이었습니다. 그의 "서정적 비극"은 그의 오페라의 화려 함, 풍부한 춤, 행렬, 합창단과 같은 바로크 적 특징도 가지고 있지만 고전주의의 영향 (엄격한 구성 논리, 영웅, 절제된 성격)의 흔적을 담고 있습니다.

18세기의 고전주의는 계몽주의 시대와 일치했다. 계몽주의는 모든 유럽 국가를 뒤덮은 철학, 문학 및 예술의 광범위한 운동입니다. "계몽주의"라는 이름은 이 시대의 철학자(볼테르, 디드로, 루소)가 동료 시민을 교육하고 구조 문제를 해결하려고 노력했다는 사실에 의해 설명됩니다. 인간 사회, 인간 본성, 그의 권리. 계몽주의자는 전능의 개념에서 출발했습니다. 인간의 마음. 사람에 대한 믿음, 그의 마음에 대한 믿음은 계몽주의 인물의 견해에 내재된 밝고 낙관적인 분위기를 결정합니다.

오페라는 음악적, 미적 논쟁의 중심에 있다. 프랑스 백과사전에서는 고대 극장에 존재했던 예술의 종합성을 복원해야 하는 장르로 보았다. 이 아이디어는 K.V. 글럭.

계몽 고전주의의 위대한 업적은 만하임 학교 작곡가의 작품과 관련된 교향곡 장르 (소나타-심포니 사이클)와 소나타 형식의 창조입니다. 만하임 학교는 주로 체코 음악가들이 일하던 궁정 예배당을 기반으로 18세기 중반 만하임(독일) 시에 형성되었습니다. 최대 대표자- 체코 Jan Stamitz). 만하임 학교 작곡가들의 작업에서 교향곡의 4부 구조와 오케스트라의 고전적 구성이 확립되었습니다.

만하임 학교는 비엔나의 선구자가되었습니다. 고전 학교 – 음악적 방향 Haydn, Mozart, Beethoven의 작품을 나타냅니다. 비엔나 클래식의 작업에서 마침내 클래식이 된 소나타-심포니 사이클과 실내악 앙상블 및 협주곡 장르가 형성되었습니다.

기악 장르 중에서 가장 인기 있는 것은 다른 종류가정용 엔터테인먼트 음악 - 야외에서 들리는 세레나데, 오락 저녁 시간. Divertimento (프랑스 엔터테인먼트) - 소나타와 모음곡의 특징을 결합하고 세레나데, 야상곡에 가까운 실내악 앙상블 또는 오케스트라를 위한 여러 부분으로 구성된 기악 작품.

K. V. Gluck - 위대한 개혁가 오페라 극장

Christoph Willibald Gluck (1714-1787)-출생 당시 독일인 (Erasbach (독일 바이에른)에서 태어남)은 그럼에도 불구하고 비엔나 고전 학교의 저명한 대표자 중 한 명입니다.

개혁 활동 Gluck은 비엔나와 파리에서 진행되었으며 고전주의의 미학에 맞춰 진행되었습니다. 전체적으로 Gluck은 이탈리아와 프랑스, ​​부파와 세리아, 전통과 혁신 등 약 40 개의 오페라를 썼습니다. 그가 음악사에서 두드러진 위치를 확보한 것은 후자 덕분이었다.

Gluck의 개혁 원칙은 그의 오페라 Alceste 악보 서문에 요약되어 있습니다. 그들은 다음과 같이 결론을 내립니다.

음악은 표현해야 한다 시적 텍스트오페라는 드라마틱한 액션 외에는 단독으로 존재할 수 없습니다. 따라서 Gluck은 음악을 드라마에 종속시켜 오페라의 문학적, 극적 기반의 역할을 크게 향상시킵니다.

오페라는 사람에게 도덕적 영향을 미치므로 고대 주제에 높은 파토스와 고귀함을 호소합니다 ( "Orpheus and Eurydice", "Paris and Helen", "Iphigenia in Aulis"). G. Berlioz는 Gluck을 "Aeschylus of music"이라고 불렀습니다.

오페라는 "모든 예술에서 미의 3대 원칙"인 "단순성, 진실성, 자연성"을 준수해야 합니다. 오페라에서 과도한 기교와 성악 장식(이탈리아 오페라 고유), 복잡한 플롯을 제거해야 합니다.

아리아와 레치타티브 사이에 뚜렷한 대조가 있어서는 안 됩니다. Gluck은 secco 암송을 반주로 대체하여 결과적으로 아리아에 접근합니다(전통적인 오페라 세리아에서 암송은 콘서트 번호 사이의 연결 역할만 했습니다).

Gluck은 또한 아리아를 새로운 방식으로 해석합니다. 즉흥적 자유, 개발의 특징을 소개합니다. 음악적 소재영웅의 심리적 상태 변화와 연결됩니다. 아리아, 레치타티보, 합창이 합쳐져 거대한 드라마틱한 장면을 이룬다.

서곡은 오페라의 내용을 예상하고 청취자를 그 분위기로 안내해야 합니다.

발레는 오페라의 액션과 연결되지 않는 중간 넘버가 되어서는 안 된다. 그것의 도입은 극적 행위의 과정에 의해 결정되어야 한다.

이러한 원칙의 대부분은 오페라 오르페우스와 에우리디케(1762년 초연)에 구체화되었습니다. 이 오페라는 Gluck의 작품뿐만 아니라 모든 유럽 오페라의 역사에서 새로운 단계의 시작을 알립니다. Orpheus에 이어 그의 또 다른 선구적인 오페라인 Alceste(1767)가 이어졌습니다.

파리에서 Gluck은 Aulis의 Iphigenia (1774), Armida (1777), Tauris의 Iphigenia (1779)와 같은 다른 개혁주의 오페라를 썼습니다. 그들 각각의 무대는 파리의 삶에서 장대 한 사건으로 바뀌었고 "Glukists"와 "Picchinists"-나폴리 작곡가 Nicolo Picchini (1728-1728 - 1800). 이 논쟁에서 Gluck의 승리는 그의 오페라 Iphigenia in Tauris의 승리로 표시되었습니다.

따라서 Gluck은 오페라를 고상한 교육 이상의 예술로 바꾸어 깊은 도덕적 내용, 무대에서 진정한 인간의 감정을 드러냈다. 오페라 개혁 Gluck은 동시대 작곡가와 다음 세대의 작곡가(특히 비엔나 고전) 모두에게 유익한 영향을 미쳤습니다.

"계몽주의 사상의 영향" - 계몽주의 운동. 미국 독립 전쟁. "황금 시대" 러시아 귀족. 러시아 국가. 캐서린 대왕. "사회 계약 또는 정치법의 원칙에 관하여". Pugachev의 봉기. 장 자크 루소. 미국 계몽 운동. 러시아의 "깨달은 절대주의"정책.

"깨달음" - 깨달음 -. 독일 계몽주의. 샤를 몽테스키외. 시계 제작자의 가족으로 제네바에서 태어났습니다. 음악. 조나단 스위프트(1667-1745). 백과 사전의 아이디어. 프랑스 계몽주의 이름을 지정하십시오. 계몽주의 모토의 의미는 무엇입니까? 계몽주의 활동의 가치. 영국은 계몽주의의 발상지입니다. 백과 사전.

"독립 전쟁과 미국의 교육" - 조지 워싱턴. 추가 자료 7 학년 프레젠테이션 형식의 주제, 과정 " 새로운 역사". 독립 전쟁과 미국의 형성. 미국 대통령의 거주지 백악관. 요크타운에서 영국군의 항복. 워싱턴의 뉴욕 입성식. 연합주 독립 선언문 서명.

"계몽주의의 문화" -괴테의 활동 경로는 속물과 현실의 화해에 반대합니다. 4. 백과 사전. 계몽주의 사상과 철학의 중심은 프랑스, ​​영국, 독일이었다. 계몽가들은 지식의 보급에서 모든 사회적 문제를 제거하는 것을 보았습니다. 백과 사전은 "아이디어"가 실제 사회 발전에 영향을 미친다고 믿었습니다.

"계몽주의, 고전주의, 감상주의" - 헨리 필딩 감정. 베토벤. 마음의 한계. 교육. 디드로. 이륙하다 음악 예술. 로푸키나의 초상. T. J. 스몰렛 J.-J. 루소. 니콜라 부알로. 조나단 스위프트. 프랑스. 그것은 어떻게 생겼습니까? 계몽주의, 고전주의, 감상주의. 비평가. 고전주의의 본질. 카를로 고지. 고전주의.

"유럽 XVIII 세기" -주요 목표는 발트해의 지배입니다. 내부 정치 구조. D. Cantemir Aram Oleg. 19세기의 전쟁과 혁명은 국가의 윤곽을 거의 바꾸지 못했습니다. 유럽 ​​국가. 사회. 외교 정책. 17~18세기 후반 유럽.

주제에 총 25개의 프레젠테이션이 있습니다.

종교는 처음으로 가혹한 비판의 대상이 된다. 가장 열렬하고 단호한 비평가, 특히 교회에 대한 비평가는 볼테르입니다.

일반적으로 18세기는 급격히 약화되었다. 종교 재단문화와 세속적 성격의 강화.

18세기 철학긴밀한 협력으로 개발 그리고과학 및 자연 과학과의 협력. 이 협력의 큰 성과는 35권(1751-1780)으로 된 "백과사전"의 출판이었습니다. 디드로 그리고 D "Alamber. 『백과사전』의 내용은 세계와 인간에 대한 선진적인 사상과 견해였다. 과학의 발전에 관한 귀중한 지식과 정보의 집합체였으며,
예술과 공예.

18세기에는 더 이른 과학 혁명, 그리고 과학- 자연 과학을 언급하면 ​​- 고전적인 형태에 도달합니다. 그러한 과학의 주요 특징과 기준은 다음과 같습니다.

지식의 객관성;

그 기원에 대한 경험;

그것에서 주관적인 모든 것을 배제합니다.

비정상적으로 증가한 과학의 권위는 이미 18세기에 과학, 과학을 종교의 자리에 두는 것입니다. 이를 바탕으로 사회의 법칙이 완전히 "투명"해지고 완전히 알려질 수있는 소위 과학적 유토피아주의도 형성됩니다. 및 정치 - 엄격하게 기반 과학적 법칙그것은 자연의 법칙과 구별할 수 없습니다. 특히 이러한 견해는 자연과학과 자연법칙의 프리즘을 통해 사회와 인간을 바라보는 디드로가 지지했다. 이 접근 방식을 통해 사람은 더 이상 인식과 행동의 주체가 되지 않고 자유를 박탈당하며 평범한 사물이나 기계와 동일시됩니다.

일반적으로 예술 XVIII세기- 이전에 비해 덜 깊고 숭고해 보이며 더 가볍고 경쾌하며 피상적으로 보입니다. 그것은 이전에 고상하고 선택되고 숭고하다고 여겨졌던 것에 대한 아이러니하고 회의적인 태도를 보여줍니다. Epicurean 원리, 쾌락주의에 대한 갈망, 쾌락과 쾌락의 정신이 눈에 띄게 향상되었습니다. 동시에 예술은 더욱 자연스러워지고 현실에 가까워집니다. 게다가 점점 더 공격적으로 사회 생활, 투쟁과 정치가 참여하게됩니다.

18세기 미술여러면에서 이전 세기의 직접적인 연속입니다. 주요 스타일은 여전히 ​​고전주의와 바로크입니다. 동시에 예술의 내부 차별화, 점점 더 많은 경향과 방향으로의 분열이 있습니다. 새로운 스타일이 등장하고 세부 사항 로코코 그리고 감상주의.

고전주의무엇보다 먼저 나타내는 프랑스 예술가 J.-L. 다윗 (1748-1825). 크기가 큰 역사적 사건, 주제 시민의 의무.

바로크절대주의 시대의 "훌륭한 스타일"이기 때문에 점차 영향력을 잃고 18 세기 중반에 스타일 로코코.가장 유명한 대표자 중 하나는 예술가입니다. 에 대한. 프라고나르 (1732-1806). 그의 "Bathers"는 삶의 진정한 신격화, 관능적 인 기쁨과 즐거움입니다. 동시에 프라고나르가 묘사한 육체와 형태는 실체가 없고 경쾌하며 심지어 덧없는 것처럼 보인다. 에 대한 그의 작품에서 전경기교, 우아함, 세련미, 조명 및 공기 효과가 나옵니다. 이 정신으로 "Swing"이라는 그림이 쓰여졌습니다.

감상주의(18세기 후반) 이성에 대한 자연스러운 감정 숭배를 반대했습니다. 감상주의의 창시자이자 주요 인물 중 한 명은 J.-J. 루소. 그는 소유 유명한 말: "마음은 틀릴 수 있지만, 느낌은 절대 아닙니다!". 그의 작품 "줄리아 또는 뉴 엘로이즈", "고백"등에서 그는 평범한 사람들의 삶과 관심사, 그들의 감정과 생각, 자연의 노래를 묘사하고 도시 생활을 비판적으로 평가하며 가부장적 농민 생활을 이상화합니다.

가장 큰 XVIII 아티스트세기유행이 지났다. 여기에는 주로 프랑스 예술가가 포함됩니다. A. 와토 (1684 - 1721) 및 스페인 화가 F. 고야 (1746 - 1828).

Creativity Watteau ( "아침 화장실", "Pierrot", "Cythera 섬 순례")는 Rococo 스타일에 가장 가깝습니다. 동시에 그의 작품에는 루벤스와 반 다이크, 푸생과 티치아노의 영향이 느껴진다. 그는 낭만주의의 선구자이자 회화에서 최초의 위대한 낭만주의로 간주됩니다.

그의 작품으로 F. Goya ( "Marie-Louise 여왕의 초상화", "발코니의 마하", "Sabasa Garcia의 초상화", 일련의 에칭 "Caprichos")은 Rembrandt의 현실적인 추세를 이어갑니다. 그의 작품에서 푸생, 루벤스 및 기타 위대한 ​​예술가들의 영향을 감지할 수 있습니다. 동시에 그의 예술은 스페인 회화, 특히 Velázquez의 예술과 유기적으로 통합됩니다. 고야는 뚜렷한 민족적 성격을 지닌 작품의 화가 중 한 명입니다.

뮤지컬 아트전례 없는 성장과 번영을 경험하고 있습니다. 만약에 XVII세기는 극장의 세기로 간주됩니다. XVIII세기는 당연히 음악의 시대라고 할 수 있습니다. 그녀의 사회적 명성이 너무 높아져 예술 중 1 위를 차지하며 거기에서 회화를 대체합니다.

18세기의 음악은 다음과 같은 이름으로 표현됩니다. F. 하이든, K. 글럭, G. 헨델. 위대한 작곡가들 중에서 세심한 주의~ 받을 만하다 이다. 바흐 (1685 - 1750) 및 안에. A. 모차르트 (1756- 1791).

바흐는 바로크 시대의 마지막 위대한 천재입니다. 그는 거의 모든 분야에서 성공적으로 일했습니다. 음악 장르오페라 제외. 그의 음악은 낭만주의를 포함하여 많은 후기 스타일을 예상하여 시대를 훨씬 앞서갔습니다. 바흐의 작품은 폴리포니 예술의 정점입니다. 성악과 연극 음악 분야에서 가장 유명한 걸작작곡가는 칸타타 "Matthew Passion"입니다. 지난 날들그리스도의 삶. 그의 생애 동안 바흐에게 가장 큰 영광이 가져온 오르간 음악.클라비어를 위한 음악 분야에서 작곡가의 빛나는 창작물은 "평균율 클라비에" XVII-XVIII 세기의 음악 스타일에 대한 일종의 백과 사전입니다.

작품에서 오스트리아 작곡가 W. A. ​​모차르트, 고전주의의 원리는 감상주의의 미학과 결합됩니다. 동시에 모차르트는 낭만주의의 선구자이며 음악에서 최초의 위대한 낭만주의입니다. 그의 작업은 거의 모든 장르를 아우르며 모든 곳에서 대담한 혁신가로 활동합니다. 모차르트의 생애 동안 그의 오페라는 가장 큰 성공을 거두었습니다. 그 중에서 가장 유명한 것은 "피가로의 결혼식", "돈 후안", "마술피리". 또한 특별히 언급할 가치가 있습니다. "레퀴엠".

* 이 일아니다 과학적 작업, 졸업이 아니다 자격을 갖춘 작업수집된 정보를 처리, 구조화 및 형식화한 결과이며 다음을 위한 자료 소스로 사용하기 위한 것입니다. 독학교육 작업.

주제 보고: "계몽 시대의 음악"

계몽주의 시대에 전례 없는 음악 예술의 부상이 일어났습니다. K. V. Gluck(1714–1787)이 개혁을 수행한 후 오페라는 음악, 노래 및 복잡한 극적 행동을 하나의 공연으로 결합하는 합성 예술이 되었습니다. FJ Haydn(1732–1809)은 기악을 최고 수준의 고전 예술로 끌어올렸습니다. 계몽주의 음악 문화의 정점은 J.S. Bach(1685–1750)와 W.A. Mozart(1756–1791)의 작품입니다. 깨달음의 이상은 모차르트의 오페라 마술피리(1791)에서 특히 생생하게 드러납니다. 이 작품은 이성과 빛의 숭배, 인간이 우주의 왕관이라는 생각으로 구별됩니다.

18세기 오페라 예술

18세기 후반 오페라 개혁. 주로 문학 운동이었습니다. 그 조상은 프랑스 작가이자 철학자 J.J. 루소였습니다. Rousseau는 또한 음악을 공부했으며 철학에서 자연으로의 복귀를 요구했다면 오페라 장르에서 그는 단순함으로의 복귀를 옹호했습니다. 성공하기 1년 전인 1752년 파리 프리미어페르골레시 부인의 시녀인 루소는 자신의 코믹 오페라 <마을의 마법사>를 작곡했고, 이어서 라모가 공격의 주요 대상이 된 통렬한 프랑스 음악에 관한 편지를 작곡했습니다.

이탈리아. Monteverdi 이후 Cavalli, Alessandro Scarlatti (하프시 코드 작품의 가장 큰 작가 인 Domenico Scarlatti의 아버지), Vivaldi 및 Pergolesi와 같은 오페라 작곡가가 이탈리아에서 차례로 나타났습니다.

코믹 오페라의 전성기. 또 다른 유형의 오페라는 오페라 세리아에 대한 자연스러운 반응으로 발생한 오페라 부파 (opera-buffa) 인 나폴리에서 시작되었습니다. 이러한 유형의 오페라에 대한 열정은 유럽의 도시인 비엔나, 파리, 런던을 빠르게 휩쓸었습니다. 이전 통치자 인 1522 년부터 1707 년까지 나폴리를 통치했던 스페인 사람들로부터 도시는 민속 코미디의 전통을 물려 받았습니다. 온실에서 엄격한 교사들에게 욕을 먹었지 만 코미디는 학생들을 사로 잡았습니다. 그들 중 한 사람인 G. B. Pergolesi(1710–1736)는 23세의 나이에 인터메조 또는 작은 코믹 오페라인 The Servant-Mistress(1733)를 썼습니다. 이전에도 작곡가들은 인터메조를 작곡했지만(보통 오페라 세리아 막 사이에 연주됨) Pergolesi의 작품은 대단한 성공을 거두었습니다. 그의 대본에서 그것은 고대 영웅의 착취에 관한 것이 아니라 완전히 현대적인 상황에 관한 것입니다. 주인공은 "commedia dell'arte"에서 알려진 유형에 속했습니다. 즉, 표준 만화 역할 세트가있는 전통적인 이탈리아 즉석 코미디입니다. 부파 오페라 장르는 G. Paisiello(1740–1816) 및 D. Cimarosa(1749–1801)와 같은 후기 나폴리인의 작품에서 현저하게 발전했으며 Gluck 및 Mozart의 코믹 오페라는 말할 것도 없습니다.

프랑스. 프랑스에서는 륄리 대신 라모가 자리를 잡았다. 오페라 무대 18세기 전반에 걸쳐.

부파 오페라의 프랑스어 비유는 "코믹 오페라"(오페라 코미크)였습니다. F. Philidor(1726-1795), P. A. Monsigny(1729-1817) 및 A. Gretry(1741-1813)와 같은 작가들은 전통에 대한 Pergolesian 조롱을 마음에 새기고 자신들만의 코믹 오페라 모델을 개발했습니다. 취향, 암송 대신 대화 장면의 도입을 제공했습니다.

독일. 오페라는 독일에서 덜 발전했다고 믿어집니다. 사실 많은 독일 오페라 작곡가들이 독일 밖에서 일했습니다. 영국의 헨델, 이탈리아의 가세, 비엔나와 파리의 글루크, 독일 궁정 극장은 유행하는 이탈리아 극단이 차지했습니다. 오페라 부파와 프랑스 코믹 오페라의 현지 유사어인 징슈필은 라틴 국가보다 늦게 개발되기 시작했습니다. 이 장르의 첫 번째 예는 I. A. Hiller(1728-1804)의 "Devil at Large"로, Mozart가 Seraglio에서 납치되기 6년 전인 1766년에 작성되었습니다. 아이러니하게도 독일의 위대한 시인 괴테와 실러는 국내가 아니라 이탈리아와 프랑스의 오페라 작곡가들에게 영감을 주었습니다.

오스트리아. 비엔나의 오페라는 크게 세 가지로 나뉩니다. 주요 장소는 진지한 이탈리아 오페라 (이탈리아 오페라 세리아)가 차지했습니다. 고전 영웅그리고 신들은 큰 비극의 분위기 속에서 살다가 죽었습니다. 덜 형식적이었다 희가극(오페라 부파), 이탈리아 코미디 (commedia dell "arte)의 Harlequin과 Columbine의 음모를 바탕으로 뻔뻔한 부족, 그들의 낡은 주인 및 모든 종류의 도적과 사기꾼으로 둘러싸여 있습니다. 이러한 이탈리아 형식과 함께 독일 코믹 오페라 모차르트의 오페라 경력이 시작되기 전에도 Gluck은 17세기 오페라의 단순성으로의 복귀를 옹호했습니다. 당신의 목소리의 힘을 보여주기 위해 가수.

그의 재능의 힘으로 모차르트는 이 세 가지 방향을 결합했습니다. 십대 때 그는 각 유형의 오페라를 하나씩 썼습니다. 성숙한 작곡가로서 그는 오페라 세리아 전통이 퇴색했지만 세 방향 모두에서 계속 작업했습니다.

Platonova Vera, 11 A 클래스

철학, 과학, 시각 예술, 문학. 프랑스 백과사전 J.J. Rousseau와 D. ​​Diderot은 교육 운동의 뛰어난 대표자입니다. 백과 사전의 미적 견해.

다성 예술에서 음악 쓰기의 동음이의 화성 창고로의 전환.

오페라 예술. 드라마투르기, 공연의 무대화, 성악의 실천에 영향을 미친 이탈리아 오페라 세리아와 프랑스 서정 비극의 위기. 장르 오페라 부파. 테마, 이미지, 연결 민속 음악. Giovanni Pergolesi(1710-1736)와 그의 오페라 The Servant-Mistress - 클래식 패턴새로운 장르. 행동 개발의 특징과 작곡, 주제별 개발 원칙. 기본적인 보컬 형식, 오케스트라의 역할.

프랑스 코믹 오페라. 민속 박람회 공연과 보드빌이 그 기원입니다. 오페라의 음모. 억양 콘텐츠의 기초가 되는 프랑스 노래. 아리아의 2행절 구조, 오케스트라의 장르-화상적 사용. "버푼의 전쟁". 장 자크 루소(Jean Jacques Rousseau, 1712-1778)의 오페라 "The Village Sorcerer", 새로운 멜로디 창고의 설립. F. Philidor, P. Monsigny의 오페라. André Grétry (1741-1813)의 오페라 "Richard 사자의 심장”는 서정적 방향의 장르-일상 오페라이다.

크리스토프 빌리발트 글룩(1714-1787). 예술의 의미 K.V. 오페라 발전의 역사에서 글럭. 창의적인 방법. 최초의 혁신적인 뮤지컬 드라마는 Orpheus와 Alceste였습니다. "glukists"와 "picchinists"사이의 투쟁. 미적 관점케이 V. 글럭. 오페라 드라마투르기의 원리. 인토네이션 갱신 및 보컬 파트의 각색. 합창단, 발레, 오케스트라의 역할. 역사적 의미 K.V. 의 오페라 독창성. 결함 추가 개발뮤지컬 극장.

수단이되는 음악 XVIII세기. 다른 조건에서 형성 국가 문화소나타 교향곡 및 콘서트 장르. 18세기 기악주의에서 소나타 발전 원리의 발전. 고전적 구성의 형성 심포니 오케스트라. 개발의 중요성 기악 XVIII 세기 심포니 학교 설립 체코 작곡가. Frantisek Vaclav Micha(1694-1744) - 최초의 교향곡 중 하나를 만든 사람. 만하임 학파 대표: Jan Stamitz(1717-1757), Frantisek Richter(1709-1789). 안톤 필츠(1730-1760). 특성 뮤지컬 이미지, 주제의 특징, 개발 원칙 및 형식. 역동적인 스타일 혁신 연주. I.K. 의 작업에 대한 J. Stamitz 학교의 영향. 바흐, V.A. 모차르트와 다른 작곡가들.