예술가들이 자연을 이용하는 방법에 대해. 누구에게나 헷갈릴 수 있는 너무 솔직한 고전 회화 세계화 속의 나체
사진과 함께 새로운 것을 얻었습니다.
코멘트.
"훅:
* 예술가들은 성실하고 완전한 장인, 앵무새입니다. 그러나 둘 다 자연에서 추상화할 수 없습니다*
여기에 하나의 미묘한 점이있는 것 같습니다. "종류"로 간주되는 것은 무엇입니까?
나는 Nabokov의 진술을 기억합니다. 처음으로 살아있는 풀과 나무, 이곳에서 자란 지역 농부, 땅에서 일하고 그가 아는 숲에서 버섯을 따는 등을 봅니다.
초원이나 숲은 고도로 차별화 된 생물학적 공동체이며 다양한 특정 식물, 곤충, 동물을 볼 수 있지만 그들뿐만 아니라 수많은 가장 복잡한 연결, 도시 거주자 나 농민에게 알려지지 않은 ...
우리는 같은 현실, 본성을 가지고있는 것 같지만 사실 그러한 "현실"은 추상화입니다 ... 몰입, 주의력,인지의 정도에 따라-각 사람에게 이것은 완전히 다른 현실이며 그 공통점은 "잔디는 푸르다", "나무에 나뭇잎"과 같은 가장 원시적 인 계획을 더 이상 확장하지 마십시오 ...
결국 작가도 평신도와는 완전히 다른 눈으로 "자연"을 본다. 개인적인 경험예술가들이 얼마나 더 상세하고 미묘하게 보는지)-그는 형태와 색상에서 많은 것을 알아 차리고 강조하며, 더욱이 이미 그의 예술이 필요한 굴절, 구체적이고 개별적입니다 ...
저것들. "자연"의 개념은 일반적인 의미에서 매우 불안정한 것 같습니다 ... "
답변.
I. 비주얼 아티스트.
Nabokov 예제는 다음을 고려합니다. 다양한 옵션특정 사람에게 어떤 종류의 관찰과 아이디어가 형성되는지에 따라 자연에 대한 해석.
좀 더 넓게 보면 자연에 대한 해석은 작가가 작품에 반영한 것입니다. 반사 주연예술가의 감정, 관찰 및 표현을 재생합니다. 그러나이 역할은 정반대의 두 방향에서 수행 될 수 있습니다.
그들 중 가장 좋은 것에는 어떤 종류의 본성에 대한 감정적 반응이나 그 특성 중 일부에 대한 예리한 관찰이 있습니다. 그리고 여기에서 자연에 대한 생생한 해석을 얻습니다 (인상파, 그런데 훌륭한 동물 화가).
다른 한편으로, 해석은 어떤 감정이나 작가의 머리 속에 이미 존재하는 아이디어에 대한 자연스러운 모티프의 반응이 됩니다. 그들은 그러한 그림에 대해 "그들은 라이브로 쓰지 않고 아이디어에 따라"라고 말하거나 모방, 설명, 문학이라고 부릅니다. 예: 독일 낭만주의자, 러시아 방랑자, 프랑스 상징주의자 등 그러나 어떤 경우에는 '재현에 의한' 회화가 삽화가 아니라 어떤 기법의 총체성인 경향성을 지니기도 한다. 예를 들어, 점묘가(Seurat, Signac)는 인상파와 달리 자연에 대한 시각적 인식의 생생한 순간을 고정하는 실험을 시작한 후 곧 개발된 방법의 인질이 되었습니다.
일러스트레이션의 장르 내에서 일러스트레이션성이 완벽하게 적절하고 정당화될 수 있다는 점은 흥미롭습니다. 우리는 아동 도서 그래픽의 여러 게시물에서 보는 즐거움을 느꼈습니다. 그러나 삽화적 구성에서 장식적 특성을 악화시키는 경향이 있는 일부 예술가들은 장르의 경계를 흔들고 구성을 부분적으로 추상 회화 및 조형 작업의 영역, 즉 자연 해석의 한계를 넘어서는 영역으로 가져옵니다.
이에 대한 두 가지 예:
타티아나 마브리나. 로스토프. 1965년
(O. Bukharov의 라이브 저널에서 복제)
레프 백스트. 목신으로 바슬라프 니진스키의 초상(Claude Debussy의 음악에 맞춰 안무 그림 The Afternoon of a Faun에서). 1912.
워즈워스 아테네움, 하트퍼드
엄밀히 말하면 Mavrina와 Bakst는 이젤 페인팅 분야로 이동하지 않았습니다. 이 전환은 아마도 응용 예술에 대한 그들의 재능과 일치하지 않았을 것입니다.
II.
그러나 처음으로 돌아갑니다. 아티스트는 "그림"이 될 수 없습니다. 어떤 식으로든 자연을 반영(해석)할 뿐만 아니라. 그들 중 일부는 그것을 완전히 자유롭게 처리하고 작업의 주제를 자연이 아니라 더 실질적인 것으로 만들 수 있습니다. 시각적-자연적 오브제 형태의 변형과 변형을 통해
객관적인 형태의 변형은 그것을 해석하는 방식이나 더 예리한 구체화가 아니라, 일반적으로 자연적인 수단으로는 전달할 수 없는 초자연적인 내용을 자연을 통해 표현하기 위한 도구입니다. 사실 이 내용은 철학적 성질의 것들입니다: 자연과 행위 인간의 의식, 존재라고 불리는 특이한 삶의 과정 ... 이 모든 것들은 객관적인 형태의 언어로 예술가들에 의해서만 매우 "성공적으로"설명됩니다. 훨씬 더 어려운 다른 예술가들은 거의 동일한 객관적 형식의 언어로 매번 이러한 것들을 새롭게 창조하려고 노력합니다.
유럽 회화의 역사는 다음과 같이 말할 수 있습니다. 고전 학교그런 철학적 창조 예술적 창의성: 아트 아이콘. 이 학파는 신약성서와 구약성서의 장면을 구성하기 위한 많은 기준을 개발했는데, 일반적으로 객관적인 형태는 (입체파처럼 강제적이지 않은) 변형과 변형을 거쳐 눈에 보이는 것과 보이지 않는 것 모두의 표현이 됩니다. , 상징적 세계. 그러나 이 멋진 학교도 “예증의 죄”를 피하지 못했습니다. 카논이 더 확고하게 실행될수록 이 관행은 이 카논의 연주에 대한 구체적인 예를 외적으로 모방하는 경향이 있었습니다. 및 Horowitz의 해석에서 Chopin; 캐논은 음표 일 뿐이고 음악은 모두 "음표 사이"에 있음을 이해할 수 있습니다.) 또한, 평범한 의식성경의 삽화로 인식되며 성직자조차도 아이콘을 "문맹자를위한 책"이라고 부르는 것을 싫어하지 않았습니다. 따라서 "Rublev 아래"또는 "Dionysius 아래"이미지 그림은 표준 형식에 대한 설명 태도를 악화시키고 아이콘 페인팅 예술의 저하에 기여했습니다.
그러나 아이콘은 전혀 예술이 아니라는 잘 알려진 관점이 있습니다. 따라서 예를 고려하십시오. 창의적인 작업주제 형식을 가진 화가, 우리는 결국 아이콘이 아니라 이 예술에 가까운 거장 엘 그레코의 작품으로 시작할 것입니다.
엘 그레코. 세례자 요한. 좋아요. 1600년
푸쉬킨 박물관
나는 이미 어떻게 든이 작업을 설명하면서 세례 요한의 다리에주의를 기울였습니다. 다리를 보면 분명히 오른쪽으로 "떨어지는"것을 볼 수 있습니다. 동시에 몸통은 안정적이고 기념비적입니다. 그림 필드의 중심 축을 따라 위치하고 구름에서 열리는 하늘의 원에 새겨 져 있습니다 (왼쪽-거의 기하학적으로 정확함). 압축 된 구름 기둥이 오른쪽으로 올라가고 John의 몸통을 "지지"하는 것처럼 구성 적으로 오른쪽 그림의 "막힘"의 균형을 잡고 John의 어깨를 일종의 "반발"하고 탄력적으로 왼쪽으로 위로 구부러집니다. , 이 보정을 완료합니다. 그리고 이 탄력 있고 강력한 구름의 움직임은 요한의 머리가 왼쪽으로 자유롭게 기울어지는 가볍고 어떻게든 변형된 메아리입니다.
John 다리의 변형 정도는 이 이미지의 다른 모든 세부 사항에 대해 최대이며, 이 변형은 표시된 자연 물체 형태와 관련하여 회화에서 본 것 중 가장 중요한 것 중 하나입니다. 세례요한의 본질을 잘 표현하고 있습니다. 그리고 비 유적으로 다리가 몸통을지지하지 않는다는 사실은 반대로 몸통이 John의 전체 모습에 안정성과 기념비를 부여한다는 사실입니다. 이것은이 이미지의 아이디어를 표현합니다. 사람 요한은 구약에서 신약에 이르기까지 진정으로 놀라운 길을 여행합니다. 이 길은 지상의 자연적인 방법, 즉 자연적인 발로는 갈 수 없는 길입니다. 따라서 그들의 객관적인 형태는 언뜻보기에 눈에 띄고 이상하게 변형됩니다. 따라서 세례 요한의 모습은 그의 발과 땅에 안주하지 않고 하늘을 배경으로 나타나고 그로부터 나오는 부자연스럽고 비현실적인 특성의 안정성을 얻습니다.
이 결정은 El Greco의 창조적 자유와 그의 완전히 개인적인 사고 방식을 모두 나타냅니다. 이전이나 이후에 아무도 그렇게 쓰지 않았습니다. 결국 이것은 추악하기 직전입니다!
지루하지 않도록 두 가지 예만 더 보겠습니다.
아메데오 모딜리아니. Leopold Survage의 초상화. 1918년
흠. 61.5x46. 아테네움 박물관, 헬싱키
다음은 El Greco-Modigliani를 따라 이동하는 것이 자연스러운 예술가입니다. 또한 해석이 아닌 자연의 변형의 거장. 그리고 그의 크레타-스페인 전임자처럼 그는 수직 형태를 그리는 것을 좋아했습니다. 그리고 얼마나 길고 느린 줄! 이것은 포즈로 표현되는 일종의 "숭고한 것"에 대한 갈망이 아니며 포즈 자체는 아무 말도하지 않습니다. 그러나 형태의 모든 힘과 함께 초월에 대한 갈망이 여기에 설정됩니다. 그리고 검정, 파랑 및 회청색의 차가운 환경에서 얼굴과 목의 따뜻하고 거의 뜨거운 색상이 얼마나 강렬하게 묘사되어 묘사 된 예술가의 이미지를 세속적 인 일상 생활의 외적으로 평화로운 상태에서 예감의 공간으로 가져옵니다. 대비되는 긴장감이 넘치는 형태.
여기에서 단 하나의 세부 사항만 부분적으로 우리에게 피상적인 설명적 상징주의의 장치를 상기시킵니다: 동공 없는 눈의 모티프. Modigliani는 다양한 조합으로 이 모티프를 지속적으로 개발했으며 분명히 그의 그림에서는 빌린 요소가 아니라 일종의 유기적 소유물이었습니다. 그러나 회화적 형태에 대한 모호한 인식의 작은 가능성조차 근본적으로 피한 화가가 있다. 이 "반 삽화" 예술가는 Cezanne이었습니다.
그의 초기에 통과 창의적인 방법객관적 형식의 상징적 해석 영역으로의 일부 편차 부분("Tannhäuser 서곡", 참조:), 성숙한 년그는 내면을 드러내는 데 전적으로 집중했고, 자연의 삶우리가 일반적으로 자연이라고 부르는 것: 풍경, 사람, 사물. 그리고 그는 이것을 밝혔습니다. 내면의 삶가장 어렵고 직접적인 방법으로: 그의 눈이 자연에서 본 것을 캔버스에 물감으로 진실되게 구성하는 것. 그러나 문제의 사실은 세잔의 눈이 시야에서 평범한 시선이 자연에 가져오는 불필요한 모든 것을 제거할 수 있다는 것입니다. 일상 지각의 모든 관성.
세잔. 복숭아와 배. 좋아요. 1895년
흠. 61x90. 푸쉬킨 박물관
일부 고정관념과는 달리, 소비에트 미술대다수의 배경에도 불구하고 특별한 청교도주의로 구별되지 않았습니다. 서방 국가들. 한 소녀는 잡지에서 1918년부터 1969년까지의 그림과 그래픽에서 소련 누드의 전형적인 샘플을 수집하기에는 너무 게으르지 않았으며 대략 소련 사진, 영화, 조각, 기념비적 예술에서 그러한 선택을 할 수 있습니다.
에서 가져온 원본 catrina_burana 소련 미술의 누드 자연. 3부. 1950-1969년
1950년대와 60년대에 사회주의 리얼리즘은 소련 예술의 주요 경향으로 남아 있었습니다. 그리고 30년대와 40년대와 마찬가지로 과도한 노출 묘사는 표준을 준수해야 했습니다. 그러한 자연이 빛날 수 있는 상황의 집합은 제한적이었습니다. 강이나 해안가, 목욕탕, 샤워 시설, 목욕, 그리고 물론 예술가의 작업장. 그러나 40년대로 돌아가서 누드 주제에 특정한 다양한 주제가 나타나기 시작했으며 50년대, 특히 1960년대의 그림과 그래픽에서 더욱 두드러졌습니다. 예를 들어 여기서 테마는 "아침"입니다. 분명히 소비에트 소녀 또는 여성은 아침에 일어나서 토플리스를 과시하거나 심지어 어머니가 낳은 것에서도 잘할 수 있다고 믿었습니다.
1950. N. Sergeeva. 좋은 아침이에요
1950. 자비알로프. 커튼의 배경에 대한 모델
1950. Arakcheev에서. 앉아있는 여자.
1950. Vl 레베데프. 누드 모델
1950년대 드미트리예프스키에서. 나체상
1953. Vsevolod Solodov. 모델
그리고 지금 - 물 절차! 해변, 사우나, 수영, 해수욕.
1950. N 에레멘코. 모래 위에
1950년대 B Sholokhov. 욕조
1950년대 티 에레미나. 수영 선수
이상한 그림또는 오히려 그 이름. 음, 오른쪽은 확실히 수영 선수입니다. 중간에 누가 있는지 의심이 듭니다. 여전히 이것이 수영 선수인 것 같습니다. 글쎄, 그리고 왼쪽에는 끈 팬티와 맨 바닥이 있습니다. 확실히 수영 선수는 아닙니다 ...
그리고 대담한 모델과 함께 Alexander Deineka가 있습니다. 그들 없이는 우리가 어디에 있을까요!
1951. A. 데이네카. 그림 "Bather" 스케치
1952. A. 데이네카. 해수욕객
1951. A. 데이네카. 모델
1952. A. 데이네카. 모델
1953. 데이네카. 리클라이닝 모델
1953. 데이네카. 공을 가지고 누워
마지막 두 경기, 특히 공이 없는 경기는 그리 인상적인 안도감이 아닙니다. 그리고 작은 남자는 다리가 조금 짧을뿐입니다.
1955. 데이네카. 누드 시터
예술가 Andrei Goncharov의 여러 그림.
1952. 안드레이 곤차로프. 라일락 배경에 누드
1952. 안드레이 곤차로프. 앉아있는 누드
1954. A. 곤차로프. 튤립과 함께 누운 누드
1955. A. 빨간색에 누워있는 Goncharov 누드
1956. A. 줄무늬에 Goncharov 누드
1958. A. 곤차로프. 누드 모델
그리고 이제 이미 다양한 플롯이 있습니다. Pimenov의 음모는 목욕과 관련이 있지만 표준은 아니지만 Glazunov의 음모는 에로티시즘으로 가득 차 있습니다.
1955. 유리 피메노프. 겨울날
1956. 일리야 글라주노프. 아침
1957-58년의 스튜디오 모델이 몇 개 더 있습니다. 첫 번째와 세 번째 - Deineka의 부러움에!
1957. A. 올코비치. 나체상
1957. 신의 마이클. 나체상
1958. A. Samokhvalov. 나체상
1958. R. 포도베도프. 앉아있는 모델
여기서 A. Sukhorukih는 누드 장면에 훨씬 더 많은 다양성을 제공합니다. 'Midday Sun'과 'Morning' 모두 로맨스로 가득 차 있다.
1958. A. Sukhorukikh. 한낮의 태양
1960. A. Sukhorukikh. 아침
목욕 장면도 그다지 일반적이지 않습니다. 구성의 중심에서-여자 또는 소녀-시트 뒤에서 볼 수 없습니다. 어떤 이유로 든 바로이 시트가 옷을 위해 손을 뻗고있는 소녀를 차단합니다. 예를 들어, 당신이 옷을 입는 동안 나는 당신을 막을 것입니다. 그러나 여기에 미스터리가 있습니다. 누구에게서? 해안에서 모든 것을 볼 수 있습니다. 아티스트가 염탐했습니다! 그리고 호수 옆에서-분명히 아무도없고 다른 사람들은별로 부끄러워하지 않습니다. 오른쪽에있는 사람은 완전한 네글리제에 앉아 있습니다 ... 신비한 그림.
1958. 체르니셰프. 호수에서 목욕하기
다시 아침. 글쎄요, 그런 그림을 "거짓말 모델"이라고 부르는 것은 불가능합니다. 경솔한 자세로 너무 고통스러워서 여자가 깨어 났고 뻗어 있습니다. 무엇이 잘못 되었습니까?
1959. L. 아스타피예프. 아침
또 다른 해상 테마. 전혀 Deinekin 형식이 유행하지 않습니다 ...
예술가 Grigory Gordon의 두 그림. 독서 소녀도 그해에 인기있는 음모입니다. 음, 예를 들어 뜨거우면 이 형식으로 읽을 수 있습니다.
1960. G. 고든. 책을 가진 소녀
1959. G. 고든. 앉아있는 소녀
물을 주제로 한 세 개의 그림이 더 있습니다.
1960. 블라디미르 스토자로프. 욕조. 빨래하는 여자
1960년대 표도르 사무세프. 목욕 후
여러 스튜디오 누드. Urusevsky와 Reznikova의 모델은 이미 상당히 얇습니다 ...
1960. 게나디 트로쉬킨. 나체상
1960. R. 포도베도프. 젊은 모델
1960. S.P. Urusevsky. 누드 모델
1961. 예브게니아 레즈니코바. 모델 리사
V. Kholuyev 그림의 영웅은 쉽게 알아볼 수 있습니다. 그들에 대해 꼭두각시가 있습니다. 주제 세트는 표준입니다 : 스튜디오에서 알몸, 바다, 아침.
1960년대 V. Kholuev. 리클라이닝 누드
1960년대 V. Kholuev. 나체상
1960년대 V. Kholuev. 바다에서 태어난
1960년대 V. Kholuev. 아침
1962. V. Kholuev. 나체상
A. Sukhorukikh의 "Spring Morning"은 아침과 목욕이라는 두 가지 전형적인 플롯을 결합하지만 여기에서여 주인공의 알몸은 부차적입니다. 이 "누드"는 "누드"를 위한 것이 아니라 그 자체입니다. 대화 조각.
1962. A. Sukhorukikh. 봄 아침
그런 다음 스튜디오, 해변, 책이있는 다른 소녀 ... 60 년대는 자유의 메아리, 많은 금지 사항 제거, 더 나아가 플롯과 성능 모두에서 더 많은 자유를 느꼈습니다. 또한 인상적인 형태는 거의 발견되지 않는다는 것을 쉽게 알 수 있습니다.
1962. 블라디미르 라포보크. 워크샵에서
1962. M. 삼소노프. 나체상
1963. S. 솔로비요프. 벌거 벗은 여자
1964. A. Samokhvalov. 해변가에서
1964. V. 스크리아빈. 나체상
1965. A. 수코루키. 책을 가진 소녀
1966. A. 수코루키. 작가의 작업실에서
1965. N. Ovchinnikov. 저녁 멜로디
1966. 안토노프. Titovo 마을의 목욕탕. 자매
1966. 테테린. 나체상
1967. 카파루쉬킨. 시베리아 사람
1967. A. 수하노프. 워크샵에서
글쎄, 이것은 꽤 경솔한 이야기입니다. 스트레이트 BDSM. 몰래 엿보는 남자...
1967. A. 타라센코. 처벌
수영은 안 하고, 신경 쓰세요. 하지만 그냥 휴식을 취하세요. 모자를 쓴 소녀가 산을 걷고 있었고 피곤했습니다. 옷을 벗고 조약돌에 앉았다 ...
1967. V. 차우스. 나머지
1968. 블라디미르 라포보크. 자고 있는
1968. 메이 미투리히. 나체상
그리고이 그림 - 일반적으로 가장자리에 있습니다. 학생이나 그와 같은 학생이 은행에 왔는데, 다리가있는 것으로 판단하면 갈뿐만 아니라 옷을 완전히 벗고 이젤로 페인트를 꺼내고 서로를 그립니다!
1969. M. Tolokonnikova. 스케치에
1969. Y. 락샤. 팔월
1969. Y. 락샤. 꿈
가장 나쁜 시간, 나에게 이것은 1960 년대였습니다 ...
책에 대하여
책에 대하여
기술에 대한 필수 가이드 오일 페인팅를 알기 위해 다른 장르: 정물, 초상화, 풍경, 누드 및 플롯 구성.
많은 화가들은 자신을 한 장르로 제한합니다. 그리고 예술가이자 교육자인 Greg Kreutz는 다면적인 기술이 어떻게 창의적 성장에 도움이 되는지 공유합니다. 각 장에는 특정 장르와 다른 장르에 적용되는 기본 사항이 있습니다. 이 가이드는 지평을 넓히고 틀에 박힌 틀에서 벗어나 새로운 장르에 도전할 수 있는 보편적인 방법을 설명합니다.
그의 작품에 대한 단계별 분석에서 Kreutz는 한 장르에서 습득한 기술이 다른 장르에서 어떻게 도움이 되는지 보여줍니다. 유화의 이론과 실제에 대한 토론은 성공적인 회화 창작을 위한 길잡이이자 영감의 원천이 될 것입니다.
저자로부터
화가라면 누구나 이 감정을 안다. 당신은 이젤 앞에 서서 작업을 살펴봅니다. 아무 문제가 없는 것 같지만 뭔가 분명히 잘못되었습니다. 그림은 조용히 도움을 청하지만 무엇을 해야할지 명확하지 않습니다.
내 경험에 따르면 알 수없는 힘이 작업을 우울한 깊이로 끌어 들이고 그것을 되살리려는 모든 시도를 방해하면 심각한 질문에 도달하고 피상적 인 모든 것을 버리고 본질, 즉 기본으로 뛰어들 때입니다.
기본 사항은 무엇입니까? 곧 당신은 유화의 많은 공통된 진실을 배우게 될 것이지만, 그것들은 한 팔에 모아서 고통받는 그림에 던져질 수 없습니다. 이런 절박한 상황에 처한 아티스트에게는 기본 중의 기본이 필요합니다!
다행히도 40년에 걸친 진지한 연구 끝에 그것들을 간결하게 공식화할 수 있었습니다.
정확성: 피사체가 가능한 한 정확하게 묘사되었는지 확인합니다.
구성: 스토리를 역동적인 구성으로 구성합니다.
공간적 깊이: 가깝고 먼 물체가 얼마나 설득력 있게 묘사되는지 확인합니다.
표현력: 표현 수단을 적극적으로 사용합니다.
이 책은 누구를 위한 책입니까?
유화 실력을 향상시키고 싶은 사람을 위한 책.
저자에 대해
Greg Kreutz는 뉴욕 Art Students League의 예술가이자 교사이며 고전 교과서인 Problem Solving for for의 저자입니다. 오일 페인팅". 그의 작품은 뉴욕과 다른 미국 도시의 갤러리에서 선보입니다. 그는 30년 넘게 그림을 그리고 가르치고 있으며, 그의 마스터 클래스는 비디오 레슨으로 고국과 다른 나라에서 인기가 있습니다. 뉴욕에 살고 있습니다.
제가 "회고전"이라고 부르는 새 섹션을 계속하겠습니다. 이 섹션은 최근 간행물 중 하나에 의해 열렸습니다. 외경이었다 성경 이야기, 오늘 우리는 정식 플롯을 고려할 것입니다.
40. 회고전: 롯과 그의 딸들
많은 사람들이 친숙합니다. 성경 이야기소돔과 고모라의 운명과 의로운 롯의 구원받은 가족에 대해 이야기하지만 여전히 우리가 고려하고 있는 음모가 완전히 명확해지도록 몇 가지 세부 사항을 지정해야 합니다.
롯은 아브라함의 세 종교인 유대교, 기독교, 이슬람교의 영적 조상일 뿐만 아니라 모든 유대인의 조상으로 여겨지는 조상 아브라함의 사랑하는 조카였습니다. . 아브라함은 하나님과 직접적인 접촉이 있었고, 어느 날 하나님은 롯이 가족과 함께 살고 있는 소돔 성은 물론이고 소돔 펜타곤의 이웃 도시들을 이 지역의 주민들이 수렁에 빠지게 하여 벌하시겠다는 그의 의도에 대해 그에게 경고하셨습니다. 극도의 타락. 동시에 거기에 의인 50명 이상이 있었다면 여호와께서 이 성읍들을 살리셨을 것입니다. 아브라함은 흥정을 시작하여 지속적으로이 수치를 10으로 줄였으며 분명히 5 개 도시에서 10 명의 의인을 찾을 수 있기를 바라면서 진정했습니다.
하나님이 두 천사를 소돔에 보내어 살피게 하시니 그들이 아름다운 청년의 형체로 변하여 롯의 집에 나타나 그들의 방문 목적을 그에게 설명하니라 한편, 소돔의 거의 모든 남자들이 롯의 집에 모였습니다. 롯이 군중에게 나갔습니다. 그들은 무엇을 원하십니까? 왜 왔습니까? 그들은 두 명의 잘 생긴 소년이 당신에게 어떻게 왔는지 보았다고 대답했습니다. 그러니 그들을 우리에게 주면 우리가 그들을 알게 될 것입니다. 그렇지 않으면 당신은 불행 할 것입니다. 롯이 대답했습니다. 할 수 없습니다. 그들은 내 손님입니다. 하지만 그거 알아요? -나는 두 딸, 소녀가 있습니다-어서, 내가 당신에게 줄 것이고 당신은 여기를 떠날 것입니다. 그러나 대중은 젊은이들을 인도하라는 롯의 제안을 받아들이지 않았습니다.
이제 특히 외국어 출처에서 "소도미 죄"라는 개념을 일반적으로 받아 들여지는 것과 다른 개념으로 대체하려는 분명한 경향이 있습니다. 예를 들어 프랑스어에서 "sodomy"라는 단어는 최근 몇십 년)는 가축과의 교미를 의미하게 되었습니다. 그리고 일부 통역사는 그렇게 직접 씁니다. Sodomites의 죄는 그들이 박애주 의자를 나쁘게 대하고 (일부 소녀는 그녀의 친절로 인해 직접 화상을 입었음) 환경을 오염 시켰으며 일반적으로 소수자를 불쾌하게 만들었다는 것입니다. 이를 위해 주님은 그들을 벌하셨습니다. 하지만 우리는 이러한 최신 해석을 받아들이지 않습니다. 그렇죠? 유일한 출처는 창세기입니다. 그리고 거기에 천사들이 젊은 남자의 모습으로 나타났다고 전해진다. 그리고 화상을 입은 자원 봉사 소녀에 대해서는 아무 말도하지 않았습니다. 그래서 우리는 이 도시들이 파괴된 특정한 죄에 대해 완전히 설명하는 전통적인 버전을 고수할 것입니다.
롯의 집 근처에서 일어난 사건들은 천사들에게 열 명의 의인에 대한 조사와 수색이 불필요하고 모든 것이 분명하다는 것을 확신시켰습니다. 예방 조치로 그들은 집 근처에 모인 모든 사람의 눈을 멀게하고 롯에게 말했습니다. 그들은 준비하고 가족을 데리고 거기에 누구가 있습니까? 아내, 딸? 딸들에게 구혼자가 있습니까? -신랑들을 데리고 여기에서 나가십시오. 지금 모두 태울 것이기 때문입니다. 롯은 그의 집을 포위 한 적들이 눈이 멀었다는 사실을 이용하여 재빨리 딸의 신랑에게 달려 갔지만 그들은 그를 믿지 않았습니다. 그들은 당신, 아빠가 그런 환상을 가지고 있다고 말합니다. 와인 ... 음, 그들이 말했듯이 , 영광이 될 것입니다.
어떤 이유로 소돔과 고모라 성만이 하늘의 불에 의해 멸망되었다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 이것은 전적으로 사실이 아닙니다. 그들과 함께 Sevoim과 Adma의 도시가 불타 버렸습니다. 그리고 Sodom 오각형의 한 도시인 Sigor 또는 Zoar만이 영향을받지 않았습니다. 아직 의인이 열두 명이나 있어서가 아니라 롯의 개인적인 요청으로 가족과 함께 도망치려했기 때문입니다. 아마도 실제로 Sigor의 도덕은 그렇게 손상되지 않았습니다. 누가 지금 확실히 말할 수 있습니다.
소돔에서 롯의 가족이 도망친 에피소드는 아마도 거의 모든 사람에게 알려져있을 것입니다. 천사들은 그들에게 불타는 도시를 뒤돌아 보지 말라고 말했지만 롯의 아내는 돌아 서서 소금 기둥으로 변했습니다. 이 불행한 사건이 일어나지 않았다면 오늘 대화의 주제가 없었을 것이기 때문에이 순간은 매우 중요합니다.
이 극적인 순간은 주요 선택에 앞서 그림에 묘사됩니다. 라파엘 산티 (Raphael, Raffaello Sanzio da Urbino, 1483 - 1520, 이탈리아)
롯의 소돔 탈출. 바티칸 교황궁에 있는 라파엘로의 로지아 프레스코화.
나중에 같은 주제에 대한 또 다른 조각이 있습니다.
Julius Schnorr von Carolsfeld(1794 - 1872, 독일)
보시다시피, 소녀들은 주전자와 기타 도구를 사용하여 상품 전체를 끌고 있으며 아마도 가족 저축을 가방에 넣었을 것입니다. 거기에 금, 모르겠습니다 또는 은-롯은 결코 가난한 사람이 아닙니다. 남성. 이것은 투수조차도 역할을 할 후속 이벤트를 이해하는 데 중요합니다.
Sigor에 딸들과 함께 도착한 Lot는 마을에 머무르는 것이 불가능하다는 것을 깨달았습니다. 정말 생명을 위협합니다. 그것은 이해할 수 있습니다-공황이 도시에서 지배했습니다. 왜냐하면 이웃 도시가 어떻게 불타고 있는지 완벽하게 볼 수 있었기 때문이며 주님의 불은 당신을위한 국내 불이 아닙니다! 그리고 시고르 주민들의 관습은 소돔과 고모라의 관습과 거의 다르지 않았기 때문에 살아남은 가족이 만든 혼란 속에서 죽임을 당하고 강탈당할 가능성은 매우 현실적이었습니다. 따라서 Lot는 결정을 내 렸습니다. 당분간 가까운 산으로 물러나고 거기에 편리한 동굴이 있으면 보게 될 것입니다. 그래서 그들은 더 괜찮은 동굴을 발견하고 서둘러 그곳에서 그들의 삶을 정리했습니다. 근처에 살아남은 Sigor의 존재는 분명히 Lot와 그의 딸을 구했습니다. 어딘가에서 음식을 사야했고 돈이 많았습니다.
일부 통역사는 후속 사건을 다음과 같이 해석합니다. 롯의 딸은 세상에 다른 사람이 없다고 진심으로 믿었고 모든 것이 불타고 모두 불타 버렸기 때문에 인간의 지속에 대한 책임이 있습니다. 경주. 물론 그렇지 않습니다. Sigor는 살아 남았고 그들은 분명히 매우 가깝게 살았고 반복합니다. 그들은 아마도 그곳에 식량을 비축했을 것입니다. 사람들은 거기에 머물렀고 남자도 있었지만 당신과 나는 이미이 남자들의 선호도가 무엇인지 알고 있습니다. 이 점에서 Segor는 Sodom과 다를 것 같지 않습니다. 결국 천사들은 Lot의 요청에 의해서만 그를 태우지 않았습니다.
그래서 소녀들은 인간이 아니라 종류의 지속에 대해 걱정했습니다. 그리고 그들은 이해할 수 있습니다. 그들의 신랑은 하늘에서 계속 타오르는 소돔의 불에 태워졌고 접근 가능한 유일한 도시에서 신랑을 찾을 기회는 0입니다. "우리 아빠는 여전히 꽤 강합니다. 그리고 그는 확실히 우리 가족을 계속 이어갈 수 있습니다. 우리가 아니라면 누가이 고귀한 사업에 기여할 수 있습니까?" 더욱이 그 당시에는 "근친상간"이라는 개념이 실제로 존재하지 않았다는 것을 이해해야 합니다. 예를 들어, 아브라함은 그의 이복 누이와 결혼했고 롯의 누이 밀카는 그녀의 삼촌과 결혼했습니다.
소녀들의 계획은 이것입니다 : 무감각해질 때까지 아빠와 함께 와인을 마시는 것-다행히도 그들은 주전자를 가져 갔고 도시에서 와인을 살 수 있습니다-물론 당신도 용기를 내고 마시고 누워 있습니다. 그와 하룻밤을 보내고, 먼저 맏이, 그리고 이 모든 것을 반복합니다. 여동생. 글쎄, 사실 그들은 계획을 성공적으로 실행했고 둘 다 임신했고 적시에 각각 아들을 낳았습니다. 하나는 모압이고 다른 하나는 암몬이었습니다. 그들에게서 모압 사람과 암몬 사람이 나왔습니다. 그건 그렇고, 요르단의 수도는 이유 때문에 암만이라고 불립니다 (그리고이 모든 사건은 근처 어딘가에서 일어났습니다) ... 그러나 이것은 여전히 완전히 다른 이야기입니다.
후기 르네상스부터 르네상스 시대까지 알몸의 이미지에 대한 "금기"가 저절로 사라지자 예술가들은 행복하게 롯과 딸의 음모를 잡았습니다. 아마도 Susanna의 경우 경건에 대한 찬송가 였지만 Lot의 딸의 경우 ... 물론이 이야기는 모든 합리적인 해석은 여전히 약간 보입니다. 그렇습니다. 모호합니다. 그러나 우리가 판단하는 것은 아닙니다.
그림은 항상 그렇듯이 그림을 그린 예술가의 출생 연도로 정렬됩니다. 자, 시청을 시작하겠습니다.
Giacomo Palma the Elder, 일명 Palma il Vecchio (Palma il Vecchio, 일명 Jacopo Negretti, 1480 - 1528, 베니스) 
알브레히트 알트도르퍼(Albrecht Altdorfer, 1480-1538년경, 독일)
여기에서 파파롯은 앞의 사진과 달리 상당히 제정신이고 자신의 행동을 알고 있는 것처럼 보입니다...
그림의 조각 
오, 젠장, 우리는 죽을 만들었습니다 ...
Bonifacio Veronese (Bonifacio Veronese, 1487 - 1553, 베로나 - 베니스)
약간 이상한 버전. 왜 우리는 두 개의 큐피드가 필요한지 여전히 이해할 수 있지만 그 중 하나는 왜 마스크를 쓰고 있습니까?
그리고 네, 둘째 딸이 태블릿을 들고 앉아 Instagram에 무슨 일이 일어나고 있는지 게시하는 것 같습니다 ...
Lucas van Leyden, 일명 Luke of Leyden, 일명 Lucas Huygens(Lucas van Leyden, 1494 - 1533, 네덜란드)
그리고 여기 언덕에 어떤 사람들이 있는지 명확하지 않습니까?
게오르그 펜츠(Georg Pencz, 1500 - 1550, 독일)
그래, 그게 바로 그 당시의 아름다움의 이상이었다...
얀 마시스(Jan Massys, Matsys 또는 Metsys, c. 1509 - 1575, 플랑드르 - 네덜란드)
그리고 여기 소녀들은 꽤 현대적으로 보입니다. 특히 왼쪽에 있습니다.
Andrea Meldolla, 일명 Schiavone (Andrea Meldolla, 1510 - 1563, 이탈리아)
Frans Floris (Frans Floris, 오히려 Frans "Floris" de Vriendt, 1520 - 1570, 네덜란드) 
여기서 둘째 누이처럼 취해 보이는 롯은 그리 많지 않습니다. 지루하고 계산하지 않고 넘어갔습니다.
그리고 여기서 우리는 소금기둥의 형태로 된 롯의 아내의 모습을 봅니다. 근데 상징이..
Frans Floris의 또 다른 버전 
그리고 여기 아버지 롯은 아직 늙지 않았고 좋아 보입니다. 분명히 podshofe이지만.
그리고 다시 한 번 Frans Floris! 
흥미롭게도 무자비하고 무서운 인물로 묘사되는 것은 플로리스이지만 롯의 딸들은 그 자체로는 아무것도 아니다.
16세기의 무명 예술가, 프란스 플로리스의 추종자
나는이 그림을 좋아한다. 캐릭터의 이미지가 잘 전달된다. 소녀들은 별 열정없이 "파티"에 참여하고,
그러나 혐오감 없이 그들은 자신이 무엇을 하고 있고 왜 하는지 알고 있습니다. 분명히 아버지도 모든 것을 완벽하게 이해합니다.
Jacques de Backer (Jacob de Backer, 1555 - 1590, 플랑드르 - 네덜란드)
다시 우리는 실제로 소돔 근처에 있는 소금 기둥을 봅니다. 우리는 그를 몇 번이고 사랑할 것입니다.
아고스티노 카라치(Agostino Carracci, 1557 - 1602, 이탈리아)
헨드릭 골치우스(1558~1617, 네덜란드)
모든 전설이 날아갑니다 ... 그러나 Goltzius는 얼마나 좋은가!
그리고 여우가 여기 있습니다. 직접 Lars 우리 von Trier가 숨을 쉬었습니다 ...
그리고 전설은 묘사 된이 회사가 모든 것을 완벽하게 이해하고 긍정적이고 아이러니하며 바보처럼 행동하지 않는 동안 모든 것을 완벽하게 이해하기 때문에 날아갑니다. 우리는 귀하의 반성없이 모든 것을 올바르게 수행합니다.
Adam van Noort (1562 - 1641, 플랑드르)
오라치오 젠틸레스키(1563~1639, 이탈리아)
Gentileschi의 두 그림은 분명히 "연회"가 끝나는 순간을 묘사합니다.
나는 롯의 딸들이 불타는 도시의 빛을 서로에게 보여주었다고 믿습니다.
나머지도 태울 것입니다! 그리고 Sigor는 태울 것입니다! 그래서-우리는 모든 것을 올바르게했습니다, 자매님!
Joseph Heintz the Elder (Joseph Heintz der Altere, 1564 - 1609, 스위스)
Abraham Bloemaert (1564 - 1651, 네덜란드)
물론 Old Lot는 그렇게 취하지 않았고 모든 것을 이해했습니다.
Lazarus van der Borcht (1565 - 1611, 플랑드르)
잊지 마세요: 언제나 여성의 아름다움에 대한 이상이 있었습니다.
Joachim Uttewael(Joachim Wtewael 또는 Uytewael, 1566 - 1638, 네덜란드)
글쎄, Utteval은 음모에 관계없이 항상 좋습니다.
장로 Jan Bruegel (1568 - 1625, 네덜란드)
소돔과 고모라를 배경으로 딸들과 함께 있는 롯 
얀 뮐러(1571~1628, 네덜란드) 
피터 폴 루벤스(Peter Paul Rubens, 1577 - 1640, 플랑드르 - 네덜란드)
Rubensovsky Lot는 완전히 미쳤습니다.
Giovanni Battista Caracciolo, 일명 Battistello (Battistello Caracciolo, 1578 - 1635, 이탈리아)
무릎에 대한 흥미로운 구성 아이디어 ...
필리포 비탈레(1585~1650, 이탈리아)
마시모 스탄지오네(1585 - 1656, 이탈리아)
Stanzione의 첫 번째 사진에서 - Lot를 마시는 과정의 시작과 두 번째 - 파티는 이미 본격화되었습니다.
소녀들은 매우 날씬하고 현대적인 방식으로 보입니다. 그러나 Susanna는 그와 비슷하게 생겼습니다.
Simon Vuet (1590 - 1649, 프랑스)
알려지지 않은 아티스트 XVII세기, Simon Vouet의 추종자
Guercino, 일명 Giovanni Francesco Barbieri(1591 - 1666, 이탈리아)
같은 아티스트의 다른 버전이 있습니다.
아르테미시아 젠틸레스키(1593~1653, 이탈리아)
Cornelis van Poelenburch (1594 - 1667, 네덜란드)
Pulenburg의 두 그림에서 소금 기둥은 분명히 소녀들에 대한 비난으로서의 어머니의 이미지입니다. 그것이 그들이 두 번째 사진에서 당황한 것입니다 ...
Hendrick Bloemaert(1601 또는 1602 - 1672, 네덜란드)
프란체스코 푸리니(Francesco Furini, 1603-1646, 이탈리아)
Andrea Vaccaro (Andrea Vaccaro, 1604 - 1670, 이탈리아)
Girolamo Forabosco (1605 - 1679, 이탈리아)
Pietro Liberi, 일명 Libertino (Pietro Liberi, 1605 - 1687, 이탈리아)
피에트로 리치(Pietro Ricci, 1606-1675, 이탈리아)
헨드릭 반 소머(1607~1655, 네덜란드)
Lubin Bozen (Lubin Baugin, 1610 또는 1612 - 1663, 프랑스)
Jacob van Loo (1614 - 1670, 네덜란드)
17세기 네덜란드의 무명 예술가
오른쪽이 건강하신가요?
베르나르도 카발리노(Bernardo Cavallino, 1616-1656, 이탈리아)
이것들은-어쩐지 그다지 현대적이지 않습니다-오히려 소련입니다.
Gerard Terborch (1617 - 1681, 네덜란드)
딸도 아빠도 어쩐지 상당히 캐리커처처럼 보이는데...
플라미니오 토레(Flaminio Torre, 1620-1661, 이탈리아)
Giovanni Battista Langetti(1625 - 1676, 이탈리아)
Federico Servelli (Federico Cervelli 1625 - 초기 1700, 이탈리아)
얀 스탄(Jan Havickszoon Steen, c. 1626 - 1679, 네덜란드)
여기 로트 좋다! 그리고 딸들도 좋습니다.
피에트로 네그리(Pietro Negri, 1628-1679, 이탈리아)
어떤 이유로 두 번째 딸은 무대 뒤에 남아있었습니다.
Luca Giordano (1634 - 1705, 이탈리아) - 두 장의 사진
Gregorio de Ferrari (1647 - 1726, 이탈리아)
Marcantonio Franceschini(1648 - 1729, 이탈리아)
그리고 다른 버전:
안토니오 벨루치 (Antonio Bellucci, 1654 - 1726, 이탈리아)
요한 마이클 로트마이어(Johann Michael Rottmayr, 1654 - 1730, 오스트리아)
Adrian van der Werff (Adriaen van der Werff, 1659 - 1722, 네덜란드)
Paolo de Matteis (Paolo De Matteis, 1662 - 1728, 이탈리아)
Willem van Mieris(1662 - 1747, 네덜란드)
Frantisek Karel Remb (Francisek Karel Remb, 1675 - 1718, 슬로베니아)
장 프랑수아 드 트로이(Jean-Francois de Troy, 1679~1752, 프랑스)
셋 다 정말 잘하는 것 같습니다!
Jacopo Amigoni (1682 - 1752, 이탈리아)
Frans van Mieris the Younger (Frans van Mieris II, 1689 - 1763, 네덜란드)
무명 화가, 17세 말- 18세기 초, 러시아
국내 버전에서 Lot는 완전히 쇠약 해져서 어떻게 작업에 대처 했습니까?
알려지지 않은 아티스트 XVIII세기
장 밥티스트 그뢰즈(Jean-Baptiste Greuze, 1725-1805, 프랑스)
그래서 Grez는 엄마가 당기지 않습니다. 그들은 어떻게 아이를 잉태 했습니까?
Louis-Jean-Francois Lagrenee (1725 - 1805, 프랑스)
Peter Jozef Verhaghen(1728 - 1811, 플랑드르 - 네덜란드)
그리고 Verhagen의 두 번째 버전. 캐릭터는 꽤 알아볼 수 있습니다.
요한 고타드 폰 뮐러(1747~1830, 독일)
여기에서는 아무도 복잡하지 않고 모두가 행복해 보입니다.
윌리엄 블레이크(1757 - 1827, 영국)
Giuseppe Bernardino Bison(1762 - 1844, 이탈리아)
새뮤얼 우드퍼드(Samuel Woodford, 1763~1817, 영국)
Francesco Hayez(1791 - 1882, 이탈리아)
귀스타브 쿠르베(1819~1877, 프랑스)
Josef Worlicek (1824 - 1897, 체코)
도메니코 모렐리(1826~1901, 이탈리아)
그리고 이것으로 롯과 그의 딸들을 묘사하려는 학문주의 시대가 끝났습니다. 그러나 이러한 시도 자체는 계속되었습니다!
콘스탄틴 파블로비치 쿠즈네초프(1863~1936, 러시아~프랑스)
Mark Zakharovich Chagall (1887 - 1985, 러시아 - 프랑스)
Isaac Hirsche Grunewald(1889 - 1946, 스웨덴)
오토 딕스(1891~1969, 독일)
Renato Guttuso (1912 - 1987, 이탈리아)
테드 세스 제이콥스(1927, 미국)
Guttuso와 마찬가지로 Jacobs는 실제로 매우 현실적으로 보입니다.
데이비드 베커(1940, 우크라이나)
타티아나 그리고리예브나 나자렌코(1944, 러시아)
롯과 딸들 - diptych 
스테파노 풀레오(1950, 이탈리아)
롯의 딸들 
그리고 오늘 선집의 끝에서 저는 롯과 그의 딸들과 함께 이야기의 시작 부분인 소돔에 있는 롯의 집을 포위한 사건으로 돌아갈 것을 제안합니다. 독일 예술가 마이클 후터(1963)서사시 그림 "롯이 소돔 주민들에게 딸을 바친다"를 썼습니다. 우리는 본다. 
대형 - 실제로 Lot가 제공하는 조각입니다. 
자, 여기서 마치겠습니다.
학생들을 가르치다 고전 예술, 교육자들은 오랫동안 예술가들이 자연에서 작업하도록 장려해 왔습니다. 글쎄, 우리 서구 세계에서는; 그들은 그것이 아시아에서는 어떤지 모르지만 나는 그것이 같다고 생각합니다.
학생들은 "실제"로 보이는 물체, 모델 및 장면을 관찰하여 그리기, 칠하기 및 조각하는 방법을 배웁니다. 그러나 자연에서 일하는 것은 당연한 일이 아닙니다.
오늘날 많은 예술가들이 사진을 사용합니다. 여기 우리는 미끄러운 땅에 있습니다. 사진에만 의존한다면 자신의 인간, 개인, 원본이 아닌 카메라의 세계관을 재창조하는 데 시간을 보낼 수 있습니다. 한마디로 예술의 기둥 중 하나입니다.
1. 사람들은 카메라처럼 세상을 보지 않습니다.
1밀리초 안에 카메라는 절대적인 디테일을 캡처할 수 있지만 사진의 깊이가 충분하지 않습니다.
예를 들어 아래 이미지에서 전경의 꽃부터 배경의 타일까지 장면의 모든 요소에 동시에 초점이 맞춰져 있습니다.
일부 개체는 다른 개체 뒤에 있다고 말할 수 있습니다. 나무와 관목은 입체적으로 보이지 않습니다. 그들은 처럼 보인다 평평한 인물잎 패턴으로. 지금 실내에 있다면 창가로 가서 보세요. 공원의 스크린에서 책을 읽고 있다면 똑같이 하세요. 나무를 봐. 볼륨있는 둥근 줄기, 넓은 공간에 펼쳐진 가지, 심지어 하늘의 깊이를 강조하는 것을 볼 수 있습니다.
이것은 우리가 지각의 깊이에서 카메라보다 우월하다는 것을 의미합니다. 그것은 우리에게는 3차원이고 카메라에게는 2차원입니다.
2 그리고 이것이 우리의 능력 중 하나가 작용하는 곳입니다. 또는 그것의 부재: 우리는 한 번에 하나 이상의 것에 초점을 맞출 수 없으므로 각 요소를 보려면 눈을 움직여야 합니다.
Les Ambassadeurs에서 열린 Edgar Degas의 카페 콘서트(1876–1877). 그가 포즈의 자연스러움 속에서 주의의 정도를 조작하는 방법을 보십시오.
그의 관심은 가수의 얼굴과 오른손에 집중되고 다른 모든 인물은 부드러운 가장자리와 감소된 대비로 칠해져 있습니다.
그래서 우리는 첫 번째 계획을 명확하고 예리하게 읽었고 다른 모든 것은 부드럽고 약간 흐릿하지만 우리는 이것을 깨닫지 못합니다. 주인이 자연에서 그림을 그릴 때 그는 단단한 선으로 배경의 윤곽을 강조하지 않습니다.
사진으로 보면 그렇더라구요. 사람들이 배경에 추가되었습니다.
미셸 델 캄포. 사진과 삶 모두에서 작동합니다 (훨씬 덜 자주😊 ). 2006년 스페인 소피아 여왕이 수여한 BMW Prize를 비롯한 수많은 예술상을 수상했습니다.
미셸 델 캄포
3. 눈의 움직임 덕분에 그림자와 밝은 빛이 있는 장면을 연구하고 올바른 빛에서 모든 것을 볼 수 있습니다. 그리고 이것은 매우, 매우 중요합니다.
대조적으로 카메라는 전체 장면에 대해 충분히 잘 작동하는 하나의 노출을 선택합니다. 결과적으로 무언가가 필연적으로 왜곡되어 너무 어둡거나 너무 밝아집니다. 사진으로 작업하는 예술가들은 종종 이 결함을 복사하여 자신의 작업을 사진으로 표시합니다. 이것은 즉시 볼 수 있습니다.
Megan Boodie는 미국 예술가입니다. 주로 디지털 조작으로 사진에서 작업합니다. 2009년
사진에서 일반적인 렌즈 왜곡은 카메라의 고정된 시점과 피사체와의 근접성의 결과입니다.
실생활에서 같은 장소에 서 있어도 다르게 보입니다. 끊임없이 움직이는 우리의 눈은 큰 물체와 형상을 전체가 아닌 조각으로 만납니다.
4. 우리는 그림을 스캔하고 여러 번 초점을 맞추고 다시 초점을 맞추며 각각의 새로운 영역에 초점이 맞춰지면 이전 영역이 흐릿한 주변 시야로 돌아갑니다.
우리의 두뇌는 이러한 여러 관점을 하나의 지능형 전체로 결합합니다.
우리는 살아 있는 말을 볼 때 앞부분이 크고 뒷부분이 작지 않을 것이고 작가는 그렇게 쓰지 않는다. 다음과 같이 표시됩니다.
