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수백만 달러에 팔린 가장 터무니없는 그림. 수백만 달러에 팔린 가장 터무니없는 그림 수백만 달러에 팔린 가장 이상한 그림

예술에는 경계가 없습니다. 특히 우리 대화하는 중이 야사진에 대해. 일부 예술가는 불행히도 죽은 후에야 인식되는 웅장한 캔버스를 만들고 일부는 시간이 지남에 따라 손실됩니다. 그림은 작가의 의식과 감각, 세계관을 비추는 일종의 거울이다. 그러나 모든 캔버스가 한 번에 이해되는 것은 아니며 때로는 그림을 백 번 봐도 여전히 눈앞에 낙서 만있을 것입니다. 어떤 사람들은 이것을 예술로 보는 반면, 다른 사람들은 단순히 손가락을 머리 위로 비틀기만 합니다. 그러나 이것에도 불구하고 그러한 "걸작"은 엄청난 돈에 팔립니다.

유명한 이탈리아 화가 Lucio Fontana와 그의 공간 개념. 기대"

이 사진의 절단선 덕분에 Fontana는 전 세계적으로 유명해졌습니다. 이 일미술품은 한 경매에서 150만 달러에 팔렸습니다. 캔버스는 공간주의 스타일로 만들어졌습니다. 예술의 이러한 방향은 그림과 조각을 결합하여 공간, 시간, 소리, 움직임 및 색상을 통합하는 것으로 추정됩니다. 어떤 사람들은 이 그림에서 보는 사람 앞에서 막 열리려는 일종의 커튼을 보지만 닫혀 있는 동안 모두가 무언가를 기다리고 있습니다.

카탈로니아의 유명한 조각가, 화가, 그래픽 아티스트 조안 미로와 그의 세계적으로 유명한 그림 "개"

Joan Miro의 그림은 구체적이며 모든 사람이 좋아하지는 않습니다. 기본적으로 작가는 추상 미술의 방향으로 작업했지만 그럼에도 불구하고 초현실주의도 그와 가까웠다. 그의 그림은 아이들의 그림과 비슷하며, 이해할 수 있는 이미지와 조금밖에 닮지 않은 인물입니다. Joan Miro "Dog"의 그림은 경매 중 하나에서 220만 달러에 판매되었습니다.

게르하르트 리히터

Gerhard Richter는 세계적으로 유명한 예술가입니다. 그의 훌륭한 나이와 뇌졸중에도 불구하고 그 남자는 자신의 일에 적극적으로 계속해서 기뻐합니다. 유명한 박물관뿐만 아니라 수집가. 유명한 화가는 1년에 약 200점의 그림을 발표합니다. Richter는 세계에서 가장 비싼 예술가 중 한 명이며 위의 그림 사진은 가장 비싼 사본과는 거리가 멀다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 추상 캔버스는 수집가 중 한 사람이 600만 달러를 지불했지만, 화가의 가장 비싼 그림은 4630만 달러를 지불해야 했습니다.

싸이 톰블리

20세기의 유명한 화가 사이 톰블린의 모든 그림을 자세히 살펴보면 모두 추상화 스타일로 만들어졌다고 자신있게 말할 수 있습니다. 이 예술 작품은 경매 중 한 곳에서 900만 달러에 팔렸습니다.

Christopher Wool과 그의 유명한 "Apocalypse Now"

Christopher Wool은 "Apocalypse Now"라는 그의 그림이 2,650만 달러에 팔린 후 2013년에야 유명해졌습니다. 이 성공적인 거래 이후 그의 그림 가격은 치솟았고 이제 그는 뉴욕에서 가장 높은 연봉을 받는 예술가 중 한 명이 되었습니다. 그의 그림은 전시회를 장식하고 있으며 이 예술가의 다양한 수집가와 찬사에 의해 적극적으로 구입됩니다.

로버트 라이먼과 그의 유명한 그림 "The Bridge"

2015년 경매에 나온 유명 화가 로버트 라이먼(Robert Ryman)의 이 그림은 모두를 사로잡았습니다. 캔버스의 경우 2,060만 달러를 지불했습니다. Robert Ryman은 대부분의 예술가들에게 미니멀리스트로 간주되지만, 그 자신이 말했듯이 그는 그의 작품에서 "현실주의자"에 가깝습니다. 그는 동료 중 일부가 그림에서 만드는이 모든 화려한 환상에 전혀 관심이 없습니다. Robert는 사물의 실제 모습을 보여주는 것을 좋아합니다.

재스퍼 존스와 그의 유명한 깃발 그림

2014년 경매에서 살아 있는 예술가 Jasper Johns의 그림은 3,600만 달러를 지불했고, 이는 그를 자동적으로 우리 시대의 가장 높은 연봉을 받는 예술가의 범주로 옮겼습니다. Flags는 군대에서 돌아온 직후 Jasper 작업의 중심 인물이되었습니다.

왠지 우리는 승진만 잘하고 "말레비치의 검은 사각형, 예를 들어 ... 관리가 잘되게하십시오.
그러나 그러한 계획에 대한 사진은 여전히 많이 있습니다. "글쎄, 무엇을 위해, 어떤 돈을 위해?!" :))

주어진 그림의 열 가지 예 - 밝은 예솔직한 칠(예를 들어 5살짜리 아이가 그린 그림이나 벼룩시장에서 구입한 것)에 대해 큰 이름을 발명하고 놀라운 창조 이야기를 쓰고 그것을 게시함으로써 엄청난 돈을 벌 수 있는 방법 세계에서 가장 유명한 경매 중 하나:

1. "공간의 개념, 기다림" Lucio Fontana - $1.5 million

아티스트 Lucio Fontana의 'Concept of Space, Waiting'이 런던 경매에서 150만 달러에 팔렸습니다. 이 작품은 세로로 트인 슬릿이 있는 단색 캔버스입니다. 백만 가지 질문: 이 그림에 구멍을 몇 개 더 만들면 이 그림의 가치가 높아질까요?

2. Gerhard Richter의 "Blood Red Mirror" - 110만 달러

"Mirror"는 110만 달러에 판매되었습니다. 게르하르트 리히터의 나머지 작품의 가치를 깨닫고 이 작품의 가치를 이해하기 어렵다. 그냥 거울에 약간의 그라데이션을 준 빨간 페인트죠? 아마도 이 작품을 구입한 수집가는 비표준 색상의 거울에 비친 자신을 보고 싶었을 것입니다.

3. Ellsworth Kelly의 Greenblot - 160만 달러

이 그림은 160만 달러에 팔렸습니다. 우리가 아는 한, Ellsworth Kelly의 작품 대부분은 거액도움을 줄 수는 없지만 이 캔버스는 예외입니다. 예, 중앙에 변형 된 원이있는 캔버스 일 뿐이라는 사실에도 불구하고 감정가가 있었고 작은 태국 섬 비용만큼 지불했습니다.

4 무제(1961) 마크 로스코 - 2,800만 달러

마크 로스코의 이 작품은 경매에서 2,800만 달러 이상에 팔렸습니다. "Terrible"은 아마도 과장일 것입니다. 그러나 "boring"은 아마도 이 그림에 대한 가장 정확한 설명일 것입니다. 만약 당신의 자녀가 미술 학교에서 1년 동안 공부한 후에 그런 걸작을 집으로 가져간다면 당신은 뭐라고 말하겠습니까? 예를 들어, a) 그들은 자랑스러워서 벽에 걸거나 c) "아주 좋아 ...하지만 다음에는 좀 더 알아보기 쉬운 것을 그려보십시오. "라고 말할 것입니다.

5. "Untitled" Blinky Palermo - 170만 달러

이 작품은 경매에서 170만 달러에 팔렸습니다. "Untitled"는 팔레르모의 나머지 작품과 마찬가지로 여러 가지 색상의 줄무늬 조합입니다. 중 하나 미술 평론가이 예술 작품을 다음과 같이 설명했습니다. 대신 순수하고 희석되지 않은 색을 보여줍니다." 브라보! 요소가 풍부하지 않은 그런 작품을 누군가가 묘사하고 그 안에서 긍정적 인 순간을 찾을 수 있다는 것이 놀랍습니다!

6. Joan Miro의 "Painting (Dog)" - 220만 달러

호안 미로의 이 작품은 경매에서 220만 달러에 팔렸습니다. Miro의 다른 훌륭한 작품 중에서 이것은 우리에게 이례적으로 보입니다. 수집가가 이 그림을 구입한 이유를 이해하기 어렵습니다. 아마도 그는 위대한 거장의 유산의 일부를 소유하고 싶었던 것일까요?

7. White Fire I, Barnett Newman - 380만 달러

Barnett Newman의 White Fire I은 380만 달러에 구입되었습니다. “하얀 불”이라는 이름은 토라에서 유래한 신비로운 용어입니다. 그만큼 뉴먼이 자신의 그림을 통해 관객들에게 전달하고자 했던 깊은 정신적인 느낌으로 가득 차 있음이 분명하다. 정말? 빈 캔버스의 두 줄은 토라와 직접 관련이 있습니까?

8. 무제 사이 톰블리 - 230만 달러

사이 톰블리의 이 그림은 크리스티 경매에서 230만 달러에 팔렸습니다. 이 작업은 종이에 색연필로, 즉 거의 같은 방식으로 유치원에서 첫 글자를 그리려고 시도하는 것과 동일한 재료로 수행되었습니다. 옆에서 보면 5살짜리 아이가 e쓰기를 연습하고 있는 것 같죠?

9 카우보이, 엘스워스 켈리 - 170만 달러

Ellsworth의 카우보이 Kelly는 경매에서 170만 달러에 팔렸습니다. Kelly는 4년 넘게 박물관에서 그림을 공부했습니다. 미술자신의 스타일을 개발하기 전에 보스턴과 파리에서. 그는 캔버스에 주로 블록으로 구성된 스타일을 만들기로 결정했습니다. 초보자는 이것이 나쁜 선택이라고 생각할 수 있습니다. 종이에 다면체의 특별한 점은 무엇입니까? 그러나 경제적 관점에서 Kelly는 머리에 못을 박았습니다. 미학은 어떻습니까? 거의 ~ 아니다.

10 Blue Fool Christopher Wool - 500만 달러

그리고 마지막으로 "The Blue Fool"이라는 상징적 인 이름을 가진 그림은이 기사의 가장 가치있는 결론입니다. 경매에서 5백만 달러 이상에 팔렸습니다. 캔버스에 글을 쓰는 일을 전문으로 하는 크리스토퍼가 이 그림이 팔렸을 때 크게 웃었다는 생각을 억누르기 어렵습니다. 웅변적인 파란색 "Fool"이 적힌 그림을 사도록 누군가를 설득하는 것은... 브라보, 크리스토퍼!

doseng.org

– 밴드리

아래 그림의 10가지 예는 솔직한 칠(예를 들어, 5세 어린이가 그림을 그리거나 벼룩 시장에서 구입한 것)을 위해 엄청난 돈을 벌 수 있는 방법에 대한 생생한 예입니다. 놀라운 제작 스토리를 작성하고 세계에서 가장 유명한 경매 중 하나에 게시:

1. "공간의 개념, 기다림" Lucio Fontana - $1.5 million

2. Gerhard Richter의 "Blood Red Mirror" - 110만 달러

3. Ellsworth Kelly의 Greenblot - 160만 달러

이 그림은 160만 달러에 팔렸습니다. 우리가 아는 한 엘스워스 켈리의 작품은 대부분 큰 액수를 가져오지 못하지만 이 캔버스는 예외다. 예, 중앙에 변형 된 원이있는 캔버스 일 뿐이라는 사실에도 불구하고 감정가가 있었고 작은 태국 섬 비용만큼 지불했습니다.

4 무제(1961) 마크 로스코 - 2,800만 달러

5. "Untitled" Blinky Palermo - 170만 달러

이 작품은 경매에서 170만 달러에 팔렸습니다. "Untitled"는 팔레르모의 나머지 작품과 마찬가지로 여러 가지 색상의 줄무늬 조합입니다. 한 예술 평론가는 이 예술 작품을 다음과 같이 설명했습니다. 대신 순수하고 희석되지 않은 색을 보여줍니다." 브라보! 요소가 풍부하지 않은 그런 작품을 누군가가 묘사하고 그 안에서 긍정적 인 순간을 찾을 수 있다는 것이 놀랍습니다!

6. Joan Miro의 "Painting (Dog)" - 220만 달러

호안 미로의 이 작품은 경매에서 220만 달러에 팔렸습니다. Miro의 다른 훌륭한 작품 중에서 이것은 우리에게 이례적으로 보입니다. 수집가가 이 그림을 구입한 이유를 이해하기 어렵습니다. 아마도 그는 위대한 거장의 유산의 일부를 소유하고 싶었던 것일까요?

7. 화이트 파이어 I”, Barnett Newman – 380만 달러

8. 무제 사이 톰블리 - 230만 달러

9 카우보이, 엘스워스 켈리 - 170만 달러

Ellsworth의 카우보이 Kelly는 경매에서 170만 달러에 팔렸습니다. Kelly는 자신만의 스타일을 개발하기 전에 보스턴과 파리의 미술관에서 4년 넘게 그림을 공부했습니다. 그는 캔버스에 주로 블록으로 구성된 스타일을 만들기로 결정했습니다. 초보자는 이것이 나쁜 선택이라고 생각할 수 있습니다. 종이에 다면체의 특별한 점은 무엇입니까? 그러나 경제적 관점에서 Kelly는 머리에 못을 박았습니다. 미학은 어떻습니까? 거의 ~ 아니다.

10 Blue Fool Christopher Wool - 500만 달러

20번. $75,100,000. 2012년에 판매된 "Royal Red and Blue" Mark Rothko.

장엄한 캔버스는 시카고 아트 인스티튜트(Art Institute of Chicago)에서 열린 획기적인 개인전을 위해 작가 자신이 선택한 8점의 작품 중 하나였습니다.

19번. $76,700,000. 1610년에 만들어진 피터 폴 루벤스의 무고한 사람들의 대학살.

이 그림은 2002년 7월 런던 소더비 경매에서 케네스 톰슨이 구입했습니다. 밝고 극적인 작업루벤스는 "가장 예상치 못한 성공"이라는 타이틀을 놓고 경쟁할 수 있습니다. Christie는 이 그림의 가치를 단 500만 유로로 평가했습니다.

18번. $78,100,000. 1876년에 그린 피에르 오귀스트 르누아르의 물랑 드 라 갈레트의 무도회.

이 작품은 1990년에 팔렸고, 당시 팔린 세계에서 두 번째로 비싼 그림으로 등재되었습니다. 다이쇼와 제지 주식회사 사이토 료에이 회장의 소유. 그는 자신이 죽은 후 캔버스를 함께 화장하기를 원했지만 회사가 대출 의무로 인해 재정적 어려움을 겪어 그림을 담보로 사용할 수 밖에 없었다.

17번. 8천만 달러. 1964년에 그린 앤디 워홀의 "청록색 마릴린", 2007년 판매

Mr. Steve Cohen이 인수했습니다. 가격은 확인되지 않았지만 이 수치는 사실로 여겨진다.

16번. 8천만 달러. "False Start", Jasper Johns, 1959년 작성

이 그림은 Citadel 투자 그룹 CEO인 Kenneth S. Griffin에게 매각한 David Geffen의 소유였습니다. 컬트 거장인 재스퍼 존스의 생애 동안 팔린 가장 비싼 그림으로 인정받고 있습니다.

15번. $82,500,000. 가셰 박사의 초상, 빈센트 반 고흐, 1890.

일본 사업가 사이토 료에이가 1990년 경매에서 이 그림을 샀다. 당시 세계에서 가장 비싼 그림이었다. 사이토가 자신의 작품을 함께 화장하고 싶다는 바람에 항의하자 사업가는 그림에 대한 사심 없는 애정을 표현한 것이라고 설명했다.

14번. $86,300,000. Triptych, 프랜시스 베이컨, 1976.

베이컨의 3부작 걸작은 5,268만 달러의 판매고를 기록하며 그의 종전 기록을 경신했습니다. 이 그림은 러시아 억만장자 로만 아브라모비치가 구입했습니다.

13번. $87,900,000. "Adele Bloch-Bauer II의 초상화", Gustav Klimt, 1912.

클림트가 두 번 묘사한 유일한 모델로 첫 번째 버전 이후 몇 달 후에 판매되었습니다. 이것은 2006년에 총 1억 9,200만 달러에 팔린 4점의 그림 중 하나인 Bloch-Bauer의 초상화입니다. 구매자는 알 수 없습니다.

12번. $95,200,000. 고양이와 함께 있는 도라 마르, 파블로 피카소, 1941

엄청난 가격에 망치 아래에 들어간 피카소의 또 다른 그림. 2006년 익명의 러시아인이 모네와 샤갈의 작품을 동시에 1억 달러에 구입했습니다.

11번. $104,200,000. "파이프를 든 소년", 파블로 피카소, 1905.

2004년 처음으로 1억 달러의 장벽을 깬 작품이다. 이상하게도 피카소의 초상화에 그렇게 큰 관심을 보인 사람의 이름은 공개되지 않았다.

10번. $105,400,000. Silver Car Crash (Double Crash), 앤디 워홀, 1932

이것은 가장 비용이 많이 드는 작업입니다. 유명한 전설팝아트, 앤디 워홀. 그림이 별이 되었다 현대 미술, 소더비 경매에서 망치 아래로 가십시오.

9번. $106,500,000. 누드, 녹색 잎과 흉상, 파블로 피카소, 1932

이 관능적이고 다채로운 걸작은 경매에서 팔린 피카소 중 가장 비싼 작품입니다. 이 그림은 Mrs. Sidney F. Brody의 소장품이었으며 1961년 이후 대중에게 공개되지 않았습니다.

8번. 1억 1천만 달러 "플래그", 재스퍼 존스, 1958

깃발은 Jasper Johns의 가장 유명한 작품입니다. 화가는 1954-55년에 처음으로 미국 국기를 그렸습니다.

7번. $119,900,000. "절규", 에드바르트 뭉크, 1895

에드바르트 뭉크의 명작 절규의 네 가지 버전 중 가장 독특하고 다채로운 작품이다. 그들 중 하나만 사적인 손에 남아 있습니다.

6번. $135,000,000. "Adele Bloch-Bauer I의 초상", Gustav Klimt.

Maria Altman은 Adele Bloch-Bauer가 그림을 물려주었기 때문에 그림을 소유할 권리를 위해 소송을 제기했습니다. 주립 갤러리오스트리아와 그녀의 남편은 나중에 제2차 세계 대전 중에 기부를 취소했습니다. 법적 권리를 얻은 Maria Altman은 뉴욕에 있는 자신의 갤러리에 초상화를 전시한 Ronald Lauder에게 초상화를 판매했습니다.

5번. $137,500,000. <우먼 3세>, 윌렘 드 쿠닝.

2006년 Geffen이 판매한 또 다른 그림이지만 이번에 구매자는 억만장자 Steven A. Cohen이었습니다. 이 이상한 추상화는 1951년에서 1953년 사이에 그려진 6개의 Kooning 걸작 시리즈의 일부입니다.

4번. $140,000,000. "1948년 5호", 잭슨 폴록.

The New York Times에 따르면 영화 제작자이자 수집가인 David Geffen은 그림을 FinTech Advisory의 관리 파트너인 David Martinez에게 판매했지만 후자는 정보를 확인하지 않았습니다. 진실은 수수께끼에 싸여 있습니다.

살아있는 예술가의 가장 비싼 작품에 대한 평가는 나이와 건강보다 훨씬 적은 예술사에서 예술가의 역할과 위치에 대해 말하는 구성입니다.

등급을 집계하는 규칙은 간단합니다. 첫째, 살아있는 작가의 작품과의 거래만 고려됩니다. 둘째, 공개 경매 판매만 고려됩니다. 셋째, "한 아티스트-한 작품"이라는 규칙이 준수됩니다 (작품 평가에서 두 개의 레코드가 Jones에 속하는 경우 가장 비싼 레코드 만 남고 나머지는 고려되지 않음). 순위는 달러 기준(판매일 환율 기준)으로 진행됩니다.

1. 제프 쿤스 토끼. 1986. $91.075 백만

제프 쿤스(Jeff Koons, 1955)의 경매 경력을 오래 볼수록 팝아트에 불가능한 것은 없다는 확신이 생깁니다. 풍선 장난감 형태로 Koons 조각품을 감상하거나 키치하고 나쁜 취향이라고 생각할 수 있습니다. 한 가지는 부인할 수 없습니다. Jeff Koons 설치에는 막대한 비용이 듭니다.

Jeff Koons는 2007년 소더비 경매에서 그의 거대한 금속 설치물인 Hanging Heart를 2,360만 달러에 구입하면서 세계에서 가장 성공적인 살아있는 예술가로 명성을 얻기 위한 여정을 시작했습니다. 이 작품은 Koons를 대표하는 Larry Gagosian Gallery에서 구입했습니다. 그것은 우크라이나 억만 장자 Viktor Pinchuk의 이익이었습니다.) 갤러리는 설치뿐만 아니라 실제로 작품을 획득했습니다. 보석 예술. 비록 작품이 금(재료가 스테인리스 스틸)이 아니고 일반 펜던트(높이 2.7m, 무게 1,600kg)보다 분명히 크기가 크지만 목적은 비슷하다. 10겹의 페인트로 덮인 심장이 있는 구성을 제작하는 데 650시간 이상이 소요되었습니다. 결과적으로 화려한 "장식"을 위해 막대한 돈을 지불했습니다.

다음은 2008년 6월 30일 크리스티 런던에서 1,292만 파운드(2,580만 달러)에 보라색 풍선 꽃이 판매된 것입니다. 흥미롭게도 7년 전 "Flower"의 이전 소유자가 110만 달러에 작품을 구입했으며, 이 기간 동안 시장 가격이 거의 25배 증가했다고 쉽게 계산할 수 있습니다.

2008~2009년 미술시장의 침체는 회의론자들에게 쿤스의 패션은 지나갔다고 비방할 이유를 주었다. 그러나 그들은 틀렸습니다. 미술 시장과 함께 Koons의 작품에 대한 관심이 되살아났습니다. 앤디 워홀의 팝 아트 왕의 후계자는 2012년 11월 크리스티에서 "트라이엄프" 시리즈의 다색 조각 "튤립"을 커미션을 포함해 3,370만 달러에 판매하면서 개인 최고 기록을 경신했습니다.

그러나 "튤립"은 문자적이고 비유적인 의미에서 "꽃"이었습니다. 불과 1년 후인 2013년 11월, 스테인리스 스틸 풍선 개(주황색) 조형물의 판매가 이어졌습니다. 망치의 가격은 무려 5,840만 달러였습니다! 살아있는 예술가를위한 엄청난 금액. 현대 작가의 작품은 반 고흐나 피카소의 그림 값으로 팔렸습니다. 딸기였구나...

이 결과 쿤스는 수년간 살아있는 작가 순위 1위를 지켰다. 2018년 11월에 그는 David Hockney를 잠시 앞질렀습니다(우리 순위에서 2위 참조). 그러나 불과 6 개월 후 모든 것이 정상으로 돌아 왔습니다. 2019 년 5 월 15 일 뉴욕에서 전후 및 현대 미술 경매에서 Christie는 1986 년 Koons의 교과서 조각품 인 은색 "토끼"를 판매했습니다. 비슷한 모양의 풍선을 모방한 스테인레스 스틸로 만들어졌습니다.

전체적으로 Koons는 그러한 조각품 3개와 작가의 사본 1개를 만들었습니다. 경매에는 출판사 Conde Nast (잡지 Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ 등)의 공동 소유주 인 컬트 출판사 Cy Newhouse 컬렉션의 "Rabbit"2 번 사본이 포함되었습니다. Silver "Rabbit"은 1992 년 "Glamour의 아버지"Cy Newhouse가 그 해의 기준에 따라 인상적인 금액 인 100 만 달러에 구입했습니다. 입찰자 10인의 27년 투쟁 끝에 조각품 망치의 가격은 이전 경매가보다 80배나 올랐다. 그리고 Buyer's Premium 커미션으로 최종 결과는 살아있는 모든 아티스트에게 9107만5000달러라는 기록을 세웠습니다.

2. DAVID HOKNEY 작가의 초상. 두 인물이 있는 풀. 1972. $90,312,500

David Hockney(1937)는 20세기의 가장 중요한 영국 예술가 중 한 명입니다. 2011년 데이비드 호크니는 수천 명의 전문 영국 화가와 조각가를 대상으로 실시한 설문 조사에서 역사상 가장 영향력 있는 영국 예술가로 선정되었습니다. 동시에 Hockney는 William Turner 및 Francis Bacon과 같은 마스터를 우회했습니다. 그의 작품은 일반적으로 팝 아트에 기인하지만 초기 작품에서는 Francis Bacon의 정신으로 표현주의에 더 끌렸습니다.

David Hockney는 영국 요크셔에서 태어나고 자랐습니다. 미래 예술가의 어머니는 청교도 적 엄격함으로 가족을 지켰고 아마추어 수준에서 약간의 그림을 그리는 단순한 회계사 인 그의 아버지는 아들에게 그림을 그리도록 격려했습니다. 20대 초반에 David는 캘리포니아로 이주하여 약 30년 동안 그곳에서 살았습니다. 그는 여전히 거기에 두 개의 작업장을 가지고 있습니다. Hockney는 그의 작품의 주인공을 지역 부자, 빌라, 수영장, 캘리포니아 태양 아래서 목욕하는 잔디밭으로 만들었습니다. 미국 시대의 가장 유명한 작품 중 하나인 그림 "Splash"는 사람이 물에 뛰어든 후 수영장에서 솟아오르는 물보라 뭉치의 이미지입니다. 2초도 안 되는 "살아 있는" 이 뭉치를 묘사하기 위해 Hockney는 2주 동안 작업했습니다. 그런데 이 그림은 2006년 소더비에서 540만 달러에 팔렸고 한동안 그의 가장 비싼 작품으로 여겨졌습니다.

호크니(Hockney, 1937)는 이미 80대에 접어들었지만 여전히 작업을 하며 기술 혁신을 통해 새로운 예술적 기법을 발명하기도 합니다. 그는 폴라로이드 사진으로 거대한 콜라주를 만드는 아이디어를 생각해 내고 그의 작품을 팩스 기계에 인쇄했으며 오늘날 아티스트는 iPad에서 그림을 열정적으로 마스터합니다. 태블릿에 그려진 그림은 그의 전시회에서 정당한 자리를 차지합니다.

2005년 호크니는 마침내 미국에서 영국으로 돌아왔다. 이제 그는 야외와 스튜디오에서 지역 숲과 황무지의 거대한 (종종 여러 부분으로 구성됨) 풍경을 그립니다. Hockney에 따르면 캘리포니아에서 30년을 보낸 그는 계절의 단순한 변화에 너무 익숙해져서 진정으로 그를 매혹시키고 매혹시켰습니다. 예를 들어, 그의 최근 작품의 전체 주기는 일년 중 다른 시기에 같은 풍경에 전념합니다.

2018년에 Hockney의 그림은 천만 달러를 여러 번 돌파했습니다. 그리고 2018년 11월 15일, 살아있는 예술가의 작품에 대한 새로운 절대 기록이 Christie에 등록되었습니다. "예술가의 초상화(두 인물이 있는 풀)" 그림이 $90,312,500에 등록되었습니다.

3. 게르하르트 리히터 추상 회화. 1986. 4,630만 달러

리빙 클래식 게르하르트 리히터(1932)우리 순위에서 2 위를 차지했습니다. 독일 예술가는 Jeff Koons의 5,800만 번째 기록이 치기 전까지 살아있는 동료들 사이에서 리더였습니다. 그러나 이러한 상황이 예술 시장에서 이미 철인 리히터의 권위를 흔들 수 있을 것 같지는 않습니다. 2012년 결과에 따르면 독일 예술가의 연간 경매 회전율은 Andy Warhol과 Pablo Picasso에 이어 두 번째입니다.

수년 동안 현재 리히터에게 닥친 성공을 예고한 것은 아무것도 없었습니다. 수십 년 동안 작가는 현대 미술 시장에서 겸손한 위치를 차지했으며 명성을 전혀 열망하지 않았습니다. 명성이 저절로 그를 추월했다고 말할 수 있습니다. 많은 사람들은 뉴욕의 MoMA 박물관이 1995년 리히터의 1977년 10월 18일 시리즈를 구입한 것이 출발점이라고 생각합니다. 미국 박물관은 15개의 회색조 그림에 300만 달러를 지불했고 곧 독일 예술가의 본격적인 회고전을 개최하는 것에 대해 생각하기 시작했습니다. 장대한 전시회는 6년 후인 2001년에 열렸고 그 이후로 리히터의 작품에 대한 관심은 비약적으로 커졌습니다. 2004년부터 2008년까지 그의 그림 가격은 세 배로 뛰었습니다. Artnet 웹 사이트에 따르면 2010년에 Richter의 작품은 이미 7,690만 달러를 벌어들였고, 2011년에는 경매에서 Richter의 작품이 총 2억 달러를 벌어들였으며, 2012년(Artprice에 따르면)에는 2억 6,270만 달러가 그 어떤 작품보다도 많은 수익을 올렸습니다. 다른 살아있는 예술가.

예를 들어 Jasper Johns는 경매에서 놀라운 성공을 거두었습니다. 초기 작업, 이러한 날카로운 분할은 Richter의 작품에서는 일반적이지 않습니다. 수요는 Richter의 경력에 많이 있었던 다양한 창작 기간의 사물에 대해 똑같이 안정적입니다. 지난 60년 동안 이 예술가는 초상화, 풍경, 선착장, 누드, 정물, 그리고 물론 추상화와 같은 거의 모든 전통적인 그림 장르에서 자신을 시도했습니다.

Richter의 경매 기록의 역사는 일련의 정물화 "양초"로 시작되었습니다. 1980년대 초에 제작된 27개의 사실적인 양초 이미지는 작품당 15,000 독일 마르크($5,800)에 불과했습니다. 그러나 여전히 슈투트가르트의 막스 헤츨러 갤러리에서 열린 첫 전시회에서 아무도 양초를 사지 않았습니다. 그런 다음 그림의 주제는 구식이라고 불 렸습니다. 오늘날 "양초"는 항상 작품으로 간주됩니다. 그리고 그들은 수백만 달러의 비용이 듭니다.

2008년 2월 "캔들", 1983년에 작성되었으며 예기치 않게 £에 구입되었습니다. 797만 달러(1,600만 달러). 이 개인 기록은 3년 반 동안 지속되었습니다. 그 다음에 2011년 10월다른 것 "촛불"(1982)이미 £에 Christie's에서 망치를 맞았습니다. 1,046만 달러(1,648만 달러). 이 기록으로 Gerhard Richter는 Jasper Johns와 Jeff Koons에 이어 처음으로 가장 성공적인 생존 아티스트 3위에 진입했습니다.

그런 다음 Richter의 "추상화"의 승리 행렬이 시작되었습니다. 작가는 독특한 작가의 기법으로 비슷한 작품을 씁니다. 간단한 페인트그런 다음 자동차 범퍼 크기의 긴 스크레이퍼를 사용하여 캔버스 전체에 바릅니다. 이로 인해 복잡한 색상 전환, 점 및 줄무늬가 나타납니다. 그의 "추상화"의 표면을 조사하는 것은 발굴과 같습니다. 그 위에는 수많은 다채로운 층의 틈을 통해 다양한 "인물"의 흔적이 보입니다.

2011년 11월 9일현대 및 전후 미술 경매에서 Sotheby의 대규모 "추상화(849-3)" 1997년은 2080만 달러(1320만 파운드). 그리고 6개월 후, 2012년 5월 8일뉴욕의 전후 및 현대 미술 경매에서 Christie 's "추상화(798-3)" 1993년은 기록을 세웠다 2,180만 달러(커미션 포함). 5개월 후 - 다시 기록: "추상화(809-4)" 2012년 10월 12일 런던 소더비에서 열린 록 뮤지션 에릭 클랩튼 컬렉션에서 2,130만 달러(3,420만 달러). 3000만이라는 장벽은 마치 현대 회화가 아니라 이미 100년 된 걸작에 관한 것처럼 아주 쉽게 리히터에 의해 점령되었습니다. Richter의 경우 "위인"의 판테온에 포함 된 것은 이미 예술가의 생애 동안 일어난 것 같습니다. 독일 가격은 계속 상승하고 있습니다.

Richter의 다음 기록은 사실적인 작업인 풍경화에 속했습니다. "밀라노 대성당 광장(Domplatz, Mailand)" 1968. 에 작품을 팔았다. 3,710만소더비 경매에서 2013년 5월 14일. 가장 아름다운 광장의 전망이 쓰여졌다 독일 예술가 1968년 Siemens Electro가 특히 회사의 밀라노 사무소를 위해 의뢰했습니다. 집필 당시에는 리히터의 가장 큰 비유적 작품이었습니다(거의 3x3미터 크기).

Cathedral Square 기록은 거의 2년 동안 유지되었습니다. 2015년 2월 10일그를 방해하지 않았다 "추상화"( 1986): 망치 가격이 £에 도달 3038만9000(4630만 달러). 소더비 경매에 출품된 300.5×250.5cm의 추상화는 리히터가 특별 작가의 페인트 층을 긁어내는 기법을 사용한 첫 번째 대규모 작품 중 하나입니다. 안에 마지막으로 1999년 이 "추상화"는 경매에서 607,000달러에 구입되었습니다(올해부터 현재 판매까지 이 작품은 쾰른의 루드비히 미술관에서 전시되었습니다). 2015년 2월 10일 경매에서 200만 파운드의 경매 단계에 있는 어떤 미국 고객이 4630만 달러의 망치 가격에 도달했습니다. 즉, 1999년 이후 작품의 가격이 76배 이상 인상되었습니다!

4. Tsui Zhuzhuo "위대한 눈 덮힌 산." 2013. $39.577 백만

오랫동안 우리는 "우리가 아닌" 예술에 대한 과도한 정보로 독자들에게 과부하를 주고 싶지 않았기 때문에 중국 미술 시장의 상황 발전을 면밀히 따르지 않았습니다. 공명하는 예술가만큼 비싸지도 않은 반체제 인사 Ai Weiwei를 제외하고는 중국 작가가 너무 많고 멀리 떨어져있어 중국 시장에서 무슨 일이 일어나고 있는지 탐구 할 수 없었습니다. 그러나 그들이 말했듯이 통계는 진지한 여성이며 세계에서 가장 성공적인 살아있는 작가에 대해 이야기하고 있다면 천상의 제국 현대 미술의 뛰어난 대표자에 대한 이야기 없이는 할 수 없습니다.

중국 아티스트부터 시작하겠습니다. 추이 루주오. 작가는 1944년 베이징에서 태어나 1981년부터 1996년까지 미국에서 살았다. 중국으로 돌아온 후 그는 National Academy of Arts에서 강의를 시작했습니다. Cui Ruzhuo는 전통적인 중국 수묵화 스타일을 재해석하고 중국 기업인과 관리들이 서로에게 선물하기 좋아하는 거대한 두루마리 캔버스를 만듭니다. 서양에서는 그에 대해 거의 알려진 바가 없지만 많은 사람들은 홍콩 호텔 청소부가 쓰레기로 착각하고 실수로 버린 370만 달러짜리 두루마리 이야기를 기억해야 합니다. 그래서-Cui Ruzhuo의 두루마리였습니다.

Cui Ruzhuo는 70대이며 그의 작업 시장은 번창하고 있습니다. 이 작가의 작품 60여 점이 100만 달러를 돌파했지만 그의 작품은 지금까지 중국 경매에서만 성공했습니다. Cui Ruzhuo의 기록은 정말 인상적입니다. 먼저 그것 "눈 속의 풍경"홍콩 폴리 옥션에서 2014년 4월 7일해머 가격은 HK$1억 8400만( 미화 2,370만 달러).

정확히 1년 후 2015년 4월 6일시리즈인 Cui Ruzhuo의 작품에만 전념하는 홍콩의 특별 Poly Auction에서 "강남산의 대설경"(강남은 양쯔강 하류의 우안을 차지하고 있는 중국의 역사적인 지역입니다.) 중 8개의 종이에 잉크로 그린 풍경화는 HK$2억 3,600만 달러에 달했습니다( 미화 3,044.4만 달러).

1년 후 역사는 다시 반복되었습니다. 홍콩의 Poly Auctions가 주최한 Cui Ruzhuo의 개인 경매에서 2016년 4월 4일여섯 부분의 polyptych "위대한 눈 덮인 산" 2013 망치 가격에 도달(수수료 포함) 경매장) HK$3억 6백만 (미화 395억 7700만 달러). 이는 현재까지 아시아 생존작가 중 절대적인 기록이다.

30년 동안 중국 현대미술과 함께 일해온 미술상 존슨 찬에 따르면 이 작가의 작품에 대한 무조건적인 가격 인상 욕구는 있지만 이 모든 것은 숙련된 수집가들이 원하지 않을 것 같은 가격 수준에서 일어나고 있다. 뭔가를 사기 위해. "중국인들은 홍콩의 Poly가 조직한 것과 같은 주요 국제 경매에서 자신의 작품에 대한 가격을 부풀려 아티스트의 등급을 높이고 싶어하지만 이러한 등급이 완전히 조작되었다는 데는 의심의 여지가 없습니다."라고 Johnson Chang은 Cui Ruzhuo의 최신 기록.

물론 이것은 한 딜러의 의견일 뿐이며 모든 데이터베이스에 실제 기록이 기록되어 있습니다. 그를 고려합시다. Cui Ruzhuo 자신은 그의 진술로 판단할 때 그의 경매 성공과 관련하여 Gerhard Richter의 겸손과는 거리가 멀다. 이 기록 경쟁이 그를 진지하게 사로잡는 것 같다. “앞으로 5~10년 안에 내 작품의 가격이 피카소나 반 고흐 같은 서양 거장의 작품 가격을 능가하기를 바랍니다. 이것이 중국의 꿈입니다.”라고 Cui Ruzhuo는 말합니다.

5 재스퍼 존스 깃발. 1983. 3,600만 달러

살아있는 예술가 순위에서 3 위는 미국인에 속합니다. 재스퍼 존스에게(1930). Jones의 작품에 대한 현재 기록 가격은 $입니다. 3600만. 그의 유명한 것에 대해 많은 돈을 지불했습니다. "깃발"크리스티 경매에서 2014년 11월 12일.

예술가가 군대에서 돌아온 직후인 1950년대 중반 Jones가 시작한 일련의 "깃발" 그림은 그의 작품의 중심 그림 중 하나가 되었습니다. 어린 시절에도 작가는 일상적인 물건을 예술 작품으로 변형시키는 레디메이드 아이디어에 관심을 가졌습니다. 그러나 Jones의 깃발은 실제가 아니었고 캔버스에 기름으로 칠해졌습니다. 따라서 예술 작품은 사물의 속성을 획득했습니다. 평범한 인생, 그것은 동시에 깃발의 이미지이자 깃발 자체였습니다. 깃발을 사용한 일련의 작업은 Jasper Johns를 전 세계적으로 유명하게 만들었습니다. 그러나 그의 추상 작품은 그다지 인기가 없습니다. 수년 동안 위의 규칙에 따라 작성된 가장 비싼 작품 목록은 초록으로 향했습니다. "부정한 스타트". 2007년까지 1959년 Jones가 그린 이 매우 밝고 장식적인 캔버스는 살아있는 예술가가 거의 접근할 수 없는 가격의 소유자로 간주되었습니다(일생의 고전이지만)-$ 1,700만. 그것이 미술 시장에 금으로 지불 한 금액입니다. 1988년.

흥미롭게도 기록 보유자로서의 Jasper Johns의 경험은 연속적이지 않았습니다. 1989년에 그는 동료인 Willem de Kooning의 작업에 방해를 받았습니다: 2미터 추상화 "Mixing"이 Sotheby's에서 2,070만 달러에 팔렸습니다. Jasper Johns는 이사해야 했습니다. 그러나 8년 후인 1997년에 de Kooning은 사망했습니다. , 그리고 "잘못된 출발"존스는 거의 10년 동안 살아 있는 예술가들의 경매 등급 1위를 다시 차지했습니다.

그러나 2007년 모든 것이 바뀌었다. False Start 기록은 젊고 야심 찬 Damien Hirst와 Jeff Koons의 작업에 의해 처음으로 가려졌습니다. 그런 다음 Lusien Freud (현재 사망하여이 등급에 참여하지 않음)의 그림 "The Sleeping Benefit Inspector"가 3,360 만 달러에 기록적으로 판매되었습니다. 그런 다음 Gerhard Richter의 기록이 시작되었습니다. 일반적으로 현재까지 3,600만 점의 기록으로 네오 다다이즘, 추상 표현주의, 팝 아트의 교차점에서 작업하는 미국 전후 미술의 거장 중 한 명인 Jasper Johns가 영예로운 3위에 올랐습니다.

6. 에드 러셰이 스매시. 1963. 3,040만 달러

미국 예술가의 그림 "Smash"의 갑작스러운 성공 에드워드 루샤(b. 1937)경매에서 크리스티 2014년 11월 12일이 작가를 가장 비싼 살아있는 예술가의 수로 데려왔습니다. Ed Ruscha (종종 Ruscha라는 이름은 러시아어로 "Rusha"로 발음되지만 정확한 발음은 Ruscha입니다)의 작업에 대한 이전 기록 가격은 "단지"698 만 달러였습니다. 2007년 역'. 7년 후 그의 스매시대략 1,500만~2,000만 달러로 망치 가격에 도달했습니다. 3,040만 달러. 이 작가의 작품 시장이 새로운 수준에 도달했다는 것은 분명합니다. 그가 장식하는 것은 헛되지 않습니다. 백악관 Barack Obama와 Larry Gagosian 자신이 갤러리에 전시합니다.

Ed Ruscha는 추상 표현주의에 대한 열광으로 전후 뉴욕을 열망하지 않았습니다. 대신에 그는 40년 넘게 캘리포니아에서 영감을 찾았고, 18세에 네브래스카에서 이주했습니다. 작가는 팝아트라는 미술의 새로운 경향의 기원에 서 있었다. Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud 및 기타 대중 문화 가수와 함께 Edward Ruscha는 1962년 Pasadena Museum의 New Image of Ordinary Things 전시회에 참여했으며, 이는 미국 팝 아트의 첫 번째 박물관 전시회가 되었습니다. 그러나 Ed Ruscha 자신은 자신의 작품이 팝 아트, 개념주의 또는 기타 예술 경향에 기인하는 것을 좋아하지 않습니다.

그의 독특한 스타일은 "텍스트 페인팅"이라고 불립니다. 1950년대 후반부터 Ed Ruscha는 단어를 그리기 시작했습니다. 워홀에게 수프 통조림이 예술 작품이 된 것처럼, 에드 루샤에게는 슈퍼마켓의 광고판이나 포장, 영화 크레딧에서 가져온 일상적인 단어와 문구(할리우드는 항상 루샤의 편이었고, 많은 동료 예술가들과 달리 Rushey는 "꿈의 공장"을 존중했습니다. 그의 화면 속 글자들은 입체적인 사물의 속성을 획득하는데, 이는 글자로 이루어진 실제 정물화이다. 그의 캔버스를 볼 때 가장 먼저 떠오르는 것은 그려진 단어의 시각적 및 청각 적 인식과 그 이후에만 의미 론적 의미입니다. 일반적으로 후자는 명확하게 해독할 수 없습니다. Ruscha가 선택한 단어와 구는 다른 방식으로 해석될 수 있습니다. 진한 파란색 배경에 있는 동일한 밝은 노란색 단어 "Smash"는 무언가를 부수거나 누군가를 산산조각 내라는 공격적인 호출로 인식될 수 있습니다. 문맥에서 벗어난 고독한 형용사(예를 들어 일부 신문 헤드라인의 일부) 또는 단순히 시각적 이미지의 도시 흐름에 포함된 단일 단어로. Ed Ruscha는 이러한 불확실성을 즐깁니다. "나는 항상 이상하고 설명할 수 없는 것들에 대해 깊은 존경심을 가지고 있었습니다. 어떤 의미에서 설명은 어떤 것을 죽입니다."라고 그는 인터뷰에서 말했습니다.

7. 크리스토퍼 울 제목 없음(RIOT). 1990. 2,993만 달러

미국 예술가 크리스토퍼 울(1955)는 2013년 Apocalypse Now를 2,650만 달러에 판매한 후 살아있는 예술가 순위에 처음 진입했으며, 이 기록은 즉시 그를 Jasper Johns 및 Gerhard Richter와 동등하게 만들었습니다. 2000만 달러가 넘는 이 역사적 거래 금액은 작가의 작품 가격이 800만 달러를 넘지 않았기 때문에 많은 사람들을 놀라게 했지만 크리스토퍼 울 작품 시장의 급속한 성장은 그 당시 이미 분명했습니다. : 작가의 실적에는 100만 달러 이상의 경매 거래가 48건 포함되어 있으며, 그 중 22건(거의 절반)이 2013년에 발생했습니다. 2년 후, 100만 달러 이상 판매된 크리스 울의 작품 수는 70점에 이르렀고, 개인 신기록은 머지않았다. 경매에서 소더비의 2015년 5월 12일 작품 "무제(RIOT)"$에 팔렸다 2993만구매자 프리미엄 포함.

크리스토퍼 울(Christopher Wool)은 흰색 알루미늄 시트에 대형 블랙 레터링으로 가장 잘 알려져 있습니다. 원칙적으로 경매에서 기록을 세운 것은 바로 그들입니다. 모두 1980년대 후반과 1990년대 초반의 것들이다. 전설에 따르면 어느 날 저녁 Wool은 저녁에 뉴욕을 돌아 다니다가 갑자기 새 흰색 트럭에 검은 글자로 된 낙서, 즉 섹스와 사랑이라는 단어를 보았습니다. 이 광경은 그에게 깊은 인상을 주었고 그는 즉시 스튜디오로 돌아와 같은 단어로 자신의 버전을 썼습니다. 때는 1987년이었고, 작가가 "문자 그대로의" 작업을 위해 단어와 구를 더 많이 탐색한 것은 이 시대의 모순적 정신을 반영합니다. 이것은 영화 "Apocalypse Now"에서 Wool이 가져온 "Sell the house, sell the car, sell the children"이라는 호출과 대문자로 된 "FOOL"( "fool")이라는 단어와 "RIOT"라는 단어입니다. ("반란"), 당시 신문 헤드라인에서 자주 발견되었습니다.

알키드 또는 에나멜 페인트가 있는 스텐실을 사용하여 알루미늄 시트에 적용된 단어 및 구 양모는 의도적으로 줄무늬, 스텐실 마크 및 기타 증거를 남깁니다. 창작 과정. 작가는 시청자가 의미를 즉시 이해하지 못하도록 단어를 나누었습니다. 처음에는 글자의 집합체만 볼 수 있습니다. 즉, 단어를 시각적 대상으로 인식한 다음 그 문구나 단어의 의미를 읽고 해독합니다. 울은 제2차 세계대전 이후 미군이 사용하던 서체를 사용하여 명령, 지시, 슬로건의 인상을 높였습니다. 이러한 "편지" 작업은 도시 경관의 일부로 인식되며, 일부 거리 개체 표면의 청결도를 위반한 불법 낙서로 인식됩니다. Christopher Wool의 이 일련의 작품은 언어적 추상화의 정점 중 하나로 인식되어 현대 미술 애호가들에게 높은 평가를 받고 있습니다.

8. 피터 도그 로즈데일. 1991. 2,881만 달러

영국인 피터 도이그(1959)는 포스트모더니스트 쿤스(Koons)와 허스트(Hirst)의 세대에 속하지만 완전히 전통적인 풍경 장르를 선택했습니다. 오랫동안고급 예술가들에게 호의적이지 않은 전자. 그의 작품을 통해 Peter Doig는 구상화에 대한 대중의 희미해진 관심을 되살립니다. 그의 작품은 비평가와 비전문가 모두에게 높은 평가를 받고 있으며 그의 작품 가격이 급격히 상승하고 있다는 증거입니다. 1990년대 초에 그의 풍경화 비용이 수천 달러였다면 지금은 비용이 수백만 달러에 달합니다.

도이그의 작품은 종종 마술적 사실주의라고 불린다. 실제 풍경을 바탕으로 그는 환상적이고 신비하며 종종 우울한 이미지를 만듭니다. 작가는 숲 한가운데 르 코르뷔지에가 지은 낡은 건물이나 숲속 호수 수면 위의 텅 빈 하얀 카누 등 사람들이 버린 물건을 그리는 것을 좋아한다. 자연과 상상력 외에도 Doig는 공포 영화, 오래된 엽서, 사진, 아마추어 비디오 등에서 영감을 얻습니다. Doig의 그림은 다채롭고 복잡하며 장식적이며 도발적이지 않습니다. 그런 그림을 소유하는 것이 좋습니다. 작가의 낮은 생산성은 수집가들의 관심을 불러일으키기도 합니다. 트리니다드에 거주하는 예술가는 1년에 12점 이하의 그림을 그립니다.

2000년대 초반 작가의 개별 풍경화는 수십만 달러에 팔렸다. 동시에 Doig의 작품은 Saatchi Gallery, Whitney Museum의 Biennale 및 MoMA 컬렉션에 포함되었습니다. 2006년에는 100만 달러의 경매 기준을 넘어섰고, 이듬해 예상치 못한 돌파구가 생겼습니다. 5번이나 570만 파운드(1,130만 달러)에 팔렸습니다. 그 당시 살아있는 유럽 예술가의 작품으로는 기록적인 가격이었습니다.

2008년 도이그는 테이트 갤러리와 파리 현대미술관에서 개인전을 열었다. Doig의 작업에 대한 수백만 달러 가격표가 표준이 되었습니다. Peter Doig의 개인 기록은 최근 1년에 여러 번 업데이트되었습니다. 살아있는 작가 순위에서 이 아티스트의 사진과 위치를 변경할 시간만 있습니다.

현재까지 Peter Doig의 가장 비싼 작품은 1991년 Rosedale 설경입니다. 흥미롭게도 이 기록은 소더비나 크리스티가 아닌 필립스 현대 미술 경매에서 세워졌습니다. 2017년 5월 18일에 일어난 일입니다. 토론토 지역 중 하나인 눈 덮인 로즈데일의 전망이 매각되었습니다. 전화 구매자$ 28.81 백만 이것은 이전 기록 ( "Swallowed by the Mire"작업의 경우 $ 25.9 백만)보다 약 3 백만 달러 더 많은 것입니다. 그림 "Rosedale"은 1998 년 런던 Whitechapel Gallery에서 열린 Doig의 주요 전시회에 참가했으며 일반적으로이 작품은 시장에 신선했기 때문에 기록적인 가격이 책정되었습니다.

9. FRANK STELLA 케이프 파인즈. 1959. 2,800만 달러

프랭크 스텔라는 회화 이후의 추상화와 미니멀리즘을 밝은 예술로 대표하는 인물입니다. 특정 단계에서는 하드 엣지 페인팅 스타일이라고 합니다. 처음에 Stella는 그의 그림의 엄격한 기하학, 금욕적인 단색 및 구조를 Jackson Pollock과 같은 추상 표현주의 캔버스의 자발성과 무작위성과 대조했습니다.

1950년대 후반에 유명한 화랑 소유주인 레오 카스텔리(Leo Castelli)의 눈에 띄어 처음으로 전시회에 입상했습니다. 그 위에 그는 소위 "검은 그림"을 발표했습니다. 그 사이에 도색되지 않은 캔버스의 얇은 간격이있는 평행 한 검은 선으로 칠해진 캔버스입니다. 라인은 다음과 같이 추가됩니다. 기하학적 모양, 다소 연상 착시, 깜박이고, 움직이고, 뒤틀리고, 오랫동안 보면 깊은 공간감을 만들어내는 동일한 사진. 주제 평행선얇은 분할 스트립으로 Stella는 알루미늄과 구리 작업을 계속했습니다. 색상, 그림의 기초, 심지어 그림의 모양까지 변경되었습니다 (그 중에서도 문자 U, T, L 모양의 작품이 눈에 띕니다). 하지만 주요 원리그의 그림은 여전히 명확한 윤곽, 기념비성, 단순한 형태, 단색으로 구성되어 있습니다. 그 후 수십 년 동안 Stella는 그러한 기하학적 그림에서 부드럽고 자연스러운 형태와 선으로, 단색 그림에서 밝고 다양한 색상 전환으로 이동했습니다. 1970년대에 Stella는 배를 칠하는 데 사용되는 거대한 패턴에 매료되었습니다. 작가는 조립 요소가있는 거대한 그림에 사용했습니다. 그는 작품에 강철 파이프 또는 철망 조각을 포함했습니다.

초기 인터뷰에서 프랭크 스텔라는 자신의 작품에 담긴 의미, 아니 오히려 의미의 부재에 대해 솔직하게 이야기합니다. 그림은 어떤 것의 복제가 아니라 그 자체로 오브제입니다. "페인트만 칠해진 평평한 표면이에요." 스텔라가 말했다.

음, Frank Stella가 서명한 이 "페인트가 칠해진 표면"은 오늘날 수백만 달러의 가치가 있을 수 있습니다. 살아있는 예술가 순위에서 처음으로 Frank Stella는 Delaware Crossing (1961)을 수수료를 포함하여 $ 13.69 백만에 판매하여 2015 년에 얻었습니다.

4년 후인 2019년 5월 15일, 초기(1959) 작품 "Cape of Pines"가 새로운 기록을 세웠습니다. 망치 가격은 커미션을 포함하여 2,800만 달러가 넘었습니다. 이것은 Stella가 뉴욕에서 열린 첫 전시회에서 데뷔한 바로 그 작품인 29개의 "검은 그림" 중 하나입니다. 프린스턴 대학을 졸업한 Frank Stella는 당시 23세였습니다. 그는 종종 예술가들을 위한 유성 페인트를 살 돈이 충분하지 않았습니다. 젊은 예술가는 수리 작업으로 달빛을 비추고 있었고 순수한 페인트 색상을 정말 좋아했고 캔버스에이 페인트로 작업하는 아이디어가 떠 올랐습니다. Stella는 검은색 에나멜 페인트로 평행 줄무늬를 칠하고 그 사이에 밑칠을 하지 않은 얇은 캔버스 선을 남깁니다. 또한 그는 눈금자없이 예비 스케치없이 글을 씁니다. Stella는 특정 그림에 얼마나 많은 검은 선이 나타날지 정확히 알지 못했습니다. 예를 들어 그림 "Cape of Pines"에는 35 개가 있으며 작품 제목은 Massachusetts Bay - Point of pines에있는 케이프의 이름을 나타냅니다. 20세기 초에는 대형 놀이공원이 있었고 오늘날에는 Revere 시의 구역 중 하나입니다.

10. YOSHITOMO NARA 등 뒤에서 칼. 2000. 2,495만 달러

나라 요시토모(1959)는 일본 네오 팝 아트의 핵심 인물 중 한 명이다. 일본인 - 세계적인 명성과 수년간의 해외 활동에도 불구하고 그의 작품은 여전히 뚜렷한 국가 정체성. Nara가 가장 좋아하는 캐릭터는 일본 만화 및 애니메이션 만화 스타일의 소녀와 개입니다. 그가 수년 동안 발명 한 이미지는 "사람들에게 갔다": 티셔츠에 인쇄되고 기념품과 다양한 "상품"이 만들어집니다. 수도에서 멀리 떨어진 가난한 가정에서 태어나 재능으로 사랑받을 뿐만 아니라 스스로를 만든 인물로 높이 평가받는다. 작가는 빠르고 표현력있게 작업합니다. 그의 걸작 중 일부는 문자 그대로 하룻밤 사이에 완성된 것으로 알려져 있습니다. 나라 요시토모의 그림과 조각은 아끼지 않으면 매우 간결한 경향이 있습니다. 표현 수단, 그러나 항상 강한 감정적 책임을 지닙니다. 나라의 십대 소녀들은 종종 불친절한 곁눈질로 시청자를 바라봅니다. 그들의 눈에는 뻔뻔함, 도전 및 공격성이 있습니다. 손에-칼, 담배. 묘사된 왜곡된 행동은 억압적인 공중 도덕, 다양한 금기, 일본인이 채택한 교육 원칙에 대한 반응이라는 의견이 있습니다. 거의 중세 시대의 엄격함과 수치심은 내면의 문제를 일으키고 지연된 정서적 폭발의 토대를 만듭니다. "등 뒤의 칼"은 아티스트의 주요 아이디어 중 하나를 광범위하게 반영합니다. 이 작품에는 미워하는 소녀의 모습과 그녀의 등 뒤로 손이 위협적으로 감긴 모습이 등장한다. 2019년까지 나라 요시토모의 그림과 조각은 이미 백만, 심지어 수백만 마르크를 한 번 이상 넘었습니다. 그러나 2000만 - 처음으로. 나라는 세계에서 가장 유명한 일본 태생의 예술가 중 한 명입니다. 그리고 지금 가장 비싼 생활비. 2109년 10월 6일 홍콩 소더비에서 그는 무라카미 타카시로부터 이 타이틀을 가져와 90세의 아방가르드 예술가 쿠사마 야요이를 눈에 띄게 능가했습니다(그녀의 그림에 대한 최대 경매 가격은 이미 900만 달러에 접근하고 있습니다).

11. 쩡 판치 마지막 식사. 2001. 2,330만 달러

소더비 홍콩에서 2013년 10월 5일연도 규모 캔버스 "마지막 식사"베이징 예술가 쩡 판즈 (1964) 1억6000만 홍콩 달러라는 기록적인 금액에 팔렸습니다. 2,330만 달러미국. 물론 Leonardo da Vinci의 영향으로 작성된 Fanzhi의 총 작업 비용은 두 배였습니다. 예비 평가약 천만 달러 Zeng Fanzhi의 이전 가격 기록은 $ 960만이 작품은 2008년 5월 Christie의 홍콩 경매에서 지불되었습니다. 마스크 시리즈. 1996년 6".

"최후의 만찬"은 1994년부터 2001년까지의 기간을 다루는 "가면" 시리즈에서 Fanzhi가 그린 가장 큰(2.2 × 4미터) 그림입니다. 주기는 경제 개혁의 영향으로 중국 사회의 진화에 전념합니다. PRC 정부에 의한 시장 경제 요소의 도입은 중국인의 도시화와 분열을 가져왔습니다. Fanzhi는 태양 아래에서 싸워야하는 현대 중국 도시의 주민들을 묘사합니다. 모든 사람 유명한 구성 Fanzhi를 읽는 Leonardo의 프레스코 화는 완전히 다른 의미를 갖습니다. 장면은 예루살렘에서 벽에 전형적인 상형 문자 판이있는 중국 학교 교실로 옮겨졌습니다. "그리스도"와 "사도들"은 주홍색 넥타이를 가진 개척자로 변했고 "유다"만이 금색 넥타이를 착용합니다. 이것은 사회주의 국가에서 일상적인 삶의 방식을 관통하고 파괴하는 서구 자본주의에 대한 은유입니다.

Zeng Fanzhi의 작품은 양식적으로 유럽 표현주의에 가깝고 극적입니다. 그러나 동시에 그들은 중국의 상징과 특성으로 가득 차 있습니다. 이러한 다재다능함은 중국과 서양 수집가 모두를 예술가의 작품으로 끌어들입니다. 이것에 대한 직접적인 확인은 The Last Supper의 출처입니다. 이 작품은 1980년대와 1990년대 초 중국 아방가르드의 유명한 수집가인 벨기에 남작 Guy Ullens가 경매에 내놓았습니다.

12. 로버트 레이먼 다리. 1980. 2,060만 달러

경매에서 크리스티 2015년 5월 13일추상 작업 "다리" 85세 미국 화가 로버트 라이먼(Robert Ryman)은 2,060만 달러커미션을 고려하면 낮은 추정치보다 두 배나 비쌉니다.

로버트 라이먼(1930)은 그가 예술가가 되고 싶다는 것을 즉시 깨닫지 못했습니다. 23세에 그는 재즈 색소폰 연주자가 되고 싶어 테네시주 내슈빌에서 뉴욕으로 이주했습니다. 그동안 그는 유명한 음악가가 된 것이 아니라 MoMA에서 경비원으로 돈을 벌어야 했고 그곳에서 Saul LeWitt와 Dan Flavin을 만났습니다. 첫 번째는 박물관에서 야간 비서로 일했고 두 번째는 경비원과 엘리베이터 운영자로 일했습니다. Rothko, De Kooning, Pollock 및 Newman과 같은 MoMA에서 본 추상 표현주의 작품에서 영감을 받은 Robert Ryman은 1955년에 회화를 시작했습니다.

Ryman은 종종 미니멀리스트라고 불리지만 그는 환상을 만드는 데 관심이 없기 때문에 "현실주의자"라고 불리는 것을 선호합니다. 그는 그가 사용하는 재료의 품질만을 보여줍니다. 그의 작품 대부분은 간결한 사각형 모양을 기반으로 가능한 모든 흰색 음영 (회색 또는 황색에서 눈부신 흰색까지)의 페인트로 칠해져 있습니다. 그의 경력 동안 Robert Ryman은 캔버스, 강철, 플렉시 유리, 알루미늄, 종이, 골판지, 비닐, 벽지 등에 오일, 아크릴, 카제인, 에나멜, 파스텔, 구 아슈 등으로 많은 재료와 기술을 시도했습니다. 그의 전문 복원가인 친구인 Orrin Riley는 그가 사용하려고 생각한 재료의 부식성에 대해 그에게 조언했습니다. 한 예술가가 말했듯이 "나는 질문이 없다. 무엇쓰기, 가장 중요한 것- 어떻게쓰다". 질감, 획의 특성, 다채로운 표면과 바닥 가장자리 사이의 경계, 작품과 벽 사이의 관계에 관한 것입니다. 1975년부터 특수 요소그의 작품은 Ryman이 직접 디자인하고 고의적으로 눈에 띄게 두는 고정물이 되어 그의 작품이 "그들이 걸려 있는 벽이 실제인 것처럼 실제"임을 강조합니다. Ryman은 작품에 "제목"보다는 "이름"을 부여하는 것을 선호합니다. "이름"은 한 작품을 다른 작품과 구별하는 데 도움이 되며, Ryman은 종종 자신의 작품을 페인트 브랜드, 회사 등으로 명명하고 "제목"은 일종의 암시와 깊이 숨겨진 의미를 주장합니다. 작가가 정기적으로 거부하는 작품. 재료와 기술 외에는 중요하지 않습니다.

13. 데미안 허스트 졸린 봄. 2002. 1,920만 달러

영국 예술가 데미안 허스트에게 (1965)살아있는 고전 Jasper Johns와의 분쟁에서이 등급에서 처음으로 1 위를 차지할 운명이었습니다. 이미 언급 한 작품 "False Start"는 오랫동안 침몰 할 수없는 리더로 남을 수 있습니다. 2007년 6월 21일당시 설치 42세의 Hirst "졸린 봄"(2002)는 소더비에서 £에 팔리지 않았습니다. 976만 달러, 즉 1920만 달러. 그런데 작품은 다소 특이한 형식을 가지고 있습니다. 한편으로 이것은 알약 더미(6,136 알약)가 있는 디스플레이 캐비닛으로, 사실상 고전적인 설치물입니다. 한편 이 쇼케이스는 평면(깊이 10cm)으로 만들어 프레임에 담아 플라스마 패널처럼 벽에 걸어두어 회화 고유의 소유의 편안함을 충분히 제공한다. 2002년에는 이 설치물의 자매작인 Sleepy Winter가 반값이 넘는 740만 달러에 팔렸습니다. 누군가는 태블릿이 겨울에 더 퇴색된다는 사실로 가격 차이를 "설명"했습니다. 그러나 그러한 것들에 대한 가격 책정 메커니즘이 더 이상 장식 효과와 관련이 없기 때문에 이러한 설명이 절대적으로 근거가 없다는 것은 분명합니다.

2007년에 많은 사람들은 Hirst를 살아있는 예술가 중 가장 비싼 작품의 작가로 인정했습니다. 그러나 문제는 "계산 방법에 따라"라는 범주에서 나옵니다. 사실 Hurst는 값 비싼 파운드에 팔렸고 Jones는 현재 가격이 떨어지고 심지어 20 년 전에도 달러에 팔렸습니다. 그러나 20년의 인플레이션을 고려하지 않고 액면가로 계산하더라도 Hirst의 작업은 달러로, Jones의 작업은 파운드로 더 비쌌습니다. 상황은 경계선이었고 모든 사람은 누가 가장 비싸다고 생각할지 자유롭게 결정할 수 있었습니다. 그러나 Hurst는 오래지 않아 1위를 유지했습니다. 같은 2007년에 그는 "Hanging Heart"로 쿤스에 의해 1위에서 밀려났다.

현대 미술 가격이 전 세계적으로 하락하기 직전에 Hirst는 젊은 예술가를 위해 전례없는 사업을 시작했습니다. 2008 년 9 월 15 일 런던에서 열린 그의 작품 단독 경매입니다. 전날 발표 된 Lehman Brothers의 파산 소식은 현대 미술 애호가들의 식욕을 망치지 않았습니다. Sotheby 's에서 제공하는 223 개의 작품 중 5 개만이 새로운 소유자를 찾지 못했습니다 (그런데 구매자 중 한 명은 Viktor Pinchuk이었습니다. ). 일하다 "황금 황소 자리"- 포름알데히드에 황금 원반을 씌운 거대한 황소 조각상, - 가져옴 £10.3m ($18.6m). 이것은 파운드(거래가 이루어진 통화)로 측정한 경우 Hurst의 최상의 결과입니다. 그러나 우리는 달러 기준으로 순위를 매기고 있으므로 (황금 송아지가 우리를 용서할 수 있기를) Hirst의 베스트 세일을 Sleepy Spring으로 간주합니다.

2008년 이후로 Hirst는 Sleepy Spring과 Golden Calf를 판매하지 않았습니다. Richter, Jones, Fanzhi, Wool 및 Koons의 작업을위한 2010 년대의 새로운 기록은 Damien을 우리 등급의 6 번째 줄로 옮겼습니다. 그러나 Hirst 시대의 쇠퇴에 대해 단정적으로 판단하지 맙시다. 분석가들에 따르면 "슈퍼 스타"로서의 Hurst는 이미 역사상 사라졌으며 이는 그들이 그것을 아주 오랫동안 살 것이라는 것을 의미합니다. 그러나 미래의 가장 큰 가치는 그의 경력에서 가장 혁신적인 시기인 1990년대에 창작된 작품에서 예측된다.

14. 마우리치오 카텔란 그를. 2001. 1,719만 달러

이탈리아인 Maurizio Cattelan(1960)은 경비원, 요리사, 정원사, 가구 디자이너로 일하다가 미술계에 입문했습니다. 독학으로 배운 작가는 아이러니한 조각과 설치 작품으로 세계적으로 유명해졌습니다. 그는 교황에게 운석을 떨어뜨렸고, 고객의 아내를 사냥 트로피로 바꾸고, 옛 거장 박물관 바닥에 구멍을 뚫고, 밀라노의 증권 거래소에 거대한 가운데 손가락을 들고 프리즈 박람회에 살아있는 당나귀를 가져왔습니다. . 가까운 장래에 Cattelan은 구겐하임 미술관에 황금 변기를 설치할 것을 약속합니다. 결국 Maurizio Cattelan의 장난은 예술계에서 널리 인정되었습니다. 그는 베니스 비엔날레에 초대되었습니다 (2011 년 설치 "Others"-관객 군중의 모든 파이프와 들보에서 위협적으로 보이는 2 천 마리의 비둘기 무리) 아래 통과), 뉴욕 구겐하임 미술관에서 회고전(2011년 11월)을 준비하고 마침내 그의 조각품에 큰 돈을 지불합니다.

Maurizio Cattelan의 2010년 이후 가장 비싼 작품은 왁스 조각작가 자신과 닮은 남자의 바닥 구멍에서 엿보는 것(Untitled, 2001). 3부와 작가의 사본이 함께 존재하는 이 조각-설치는 로테르담의 보이만스 반 뵈닝겐 미술관에서 처음 공개되었습니다. 그런 다음 이 장난꾸러기 캐릭터는 18세기와 19세기 네덜란드 화가들의 그림이 있는 홀 바닥의 구멍에서 밖을 내다보았습니다. 이 작품에서 Maurizio Cattellan은 거장들의 그림으로 박물관 홀의 신성한 공간을 침범하는 대담한 범죄자와 자신을 연관시킵니다. 따라서 그는 미술관 벽이 부여하는 신성함의 후광을 예술에서 빼앗고자 합니다. 전시를 위해 매번 바닥에 구멍을 뚫어야 하는 이 작품은 소더비에서 792만2000달러에 팔렸다.

이 기록은 2016년 5월 8일에 무릎을 꿇은 히틀러를 묘사한 Cattelan의 훨씬 더 도발적인 작품인 Him이 1718만 9000만 달러에 낙찰될 때까지 유지되었습니다. 이름이 이상합니다. 캐릭터 선택은 위험합니다. Cattelan의 다른 모든 것과 마찬가지로. 그는 무엇을 의미합니까? "그의" 또는 "지옥의 폐하"? Fuhrer의 이미지를 노래하는 것에 대해 확실히 말하는 것이 아님이 분명합니다. 이 작품에서 히틀러는 오히려 무기력하고 불쌍한 모습으로 등장한다. 그리고 터무니없이-사탄의 화신은 남학생 의상을 입고 그의 얼굴에 겸손한 표정으로 무릎을 꿇고 어린 아이 크기로 만들어졌습니다. Cattelan에게 이 이미지는 절대악의 본질을 숙고하고 두려움을 없애는 방법에 대한 초대입니다. 그건 그렇고, "Him"조각은 서양 관객들에게 잘 알려져 있습니다. 시리즈의 그녀의 형제들은 퐁피두 센터와 솔로몬 구겐하임 미술관을 비롯한 전 세계 주요 박물관에서 10회 이상 전시되었습니다.

15. MARC GROTJAN 무제(S III가 프랑스에 출시됨 Face 43.14). 2011. 1,680만 달러

2017년 5월 17일, 경매에 나온 Marc Grotjan의 가장 강력한 그림 중 하나가 Christie의 뉴욕 저녁 경매에 나타났습니다. 그림 "Untitled (S III Released to France Face 43.14)"는 파리의 수집가인 Patrick Seguin이 1300만~1600만 달러의 추정가로 전시했으며 제3자에 의해 로트 판매가 보장되었기 때문에 아무도 특별히 놀라지 않았습니다. 49세 작가의 개인 경매 신기록 수립으로 . 망치의 가격은 1,475만 달러(구매자 프리미엄 포함 1,680만 달러)로 Grotjan의 이전 경매 기록을 1,000만 달러 이상 넘어섰고, 그는 작품이 8자리에 팔리는 살아있는 예술가 클럽에 속하게 되었습니다. 경매 저금통 마크 그로티안에서 약 30년 동안 같은 결과(매출액 100만 달러 이상, 1000만 달러 이하)와 같은 7자리 수.

Mark Grotjan(1968)은 그의 작업 전문가들이 모더니즘, 추상 미니멀리즘, 팝 및 옵아트의 영향을 보고 친구 Brent Peterson과 함께 로스앤젤레스로 이사하고 갤러리를 연 후 1990년대 중반에 기업 정체성을 갖게 되었습니다. "702호실". 작가 자신이 회상했듯이 그 당시 그는 예술에서 자신에게 먼저 온 것이 무엇인지 생각하기 시작했습니다. 그는 실험할 수 있는 동기를 찾고 있었습니다. 그리고 나는 그가 항상 선과 색에 관심이 있다는 것을 깨달았다. 선형 원근법, 수많은 소실점 및 다색 추상 삼각형 모양을 사용한 레이온주의와 미니멀리즘 정신에 대한 실험은 결국 Grotjan을 세계적인 명성으로 이끌었습니다.

여러 개의 지평선과 소실점이 있는 추상적이고 다채로운 풍경에서 나비 날개를 연상시키는 삼각형 모양으로 마무리되었습니다. Grotjan의 그림 2001–2007 그들은 그것을 "나비"라고 부릅니다. 오늘날 소실점을 이동시키거나 여러 개의 소실점을 공간적으로 이격하여 동시에 사용하는 것은 작가의 가장 강력한 기법 중 하나로 여겨진다.

다음 대규모 작품 시리즈는 "Faces"라고 불 렸습니다. 이 시리즈의 추상 라인에서 Matisse, Jawlensky 또는 Brancusi의 정신으로 마스크 상태로 단순화된 인간 얼굴의 특징을 추측할 수 있습니다. 형태의 궁극적 단순화 및 양식화, 그림의 구성 솔루션에 대해 말하면서 눈과 입의 흩어져있는 윤곽이 덤불에서 우리를 바라 보는 것처럼 보일 때 연구자들은 Grotjan의 얼굴과 원시 예술의 연결에 주목합니다. 아프리카와 오세아니아의 부족, 작가 자신은 단순히 "정글에서 내다보는 눈의 이미지를 좋아한다. 나는 때때로 개코원숭이나 원숭이의 얼굴을 상상했다. 내가 의식적이든 무의식적이든 원시 아프리카 예술의 영향을 받았다고 말할 수는 없고 오히려 그 영향을 받은 예술가들의 영향을 받았다. 피카소가 가장 분명한 예입니다."

"Faces"시리즈의 작품은 잔인하고 우아하며 눈을 즐겁게하고 마음을 즐겁게합니다. 시간이 지남에 따라 이러한 작업의 질감도 변경됩니다. 내부 공간의 효과를 만들기 위해 작가는 두꺼운 페인트의 넓은 스트로크, 심지어 폴록 스타일 스패터를 사용하지만 그림의 표면을 평평하게 하여 자세히 살펴보면 완전히 평평한 것 같습니다. 경매 기록을 세운 그림 Untitled(S III Released to France Face 43.14)는 Mark Grotjan의 이 유명한 시리즈에 속합니다.

16. 무라카미 다카시 내 외로운 카우보이. 1,516만 달러

일본어 무라카미 다카시(1962)조각으로 우리의 평가를 입력 "나의 외로운 카우보이", 2008년 5월 Sotheby's에서 $에 판매됨 1,516만. 이 판매로 무라카미 다카시는 오랫동안 가장 성공적인 살아있는 아시아 예술가로 간주되었습니다. Zeng Fanzhi의 The Last Supper 판매로 가려졌습니다.

Takashi Murakami는 예술가, 조각가, 패션 디자이너 및 애니메이터로 활동하고 있습니다. Murakami는 서양이나 다른 차입 없이 진정한 일본을 작업의 기초로 삼고 싶었습니다. 학생 시절에 그는 일본 전통 예술인 니혼가에 매료되었고 나중에는 애니메이션과 만화의 대중 예술로 대체되었습니다. 그리하여 환각적인 Mr DOB, 웃는 꽃의 패턴, 밝고 반짝이는 유리 섬유 조각품이 마치 일본 만화의 페이지에서 막 튀어나온 것처럼 탄생했습니다. 어떤 사람들은 Murakami의 예술을 패스트 푸드이자 저속함의 구체화라고 생각하고 다른 사람들은 예술가를 일본 Andy Warhol이라고 부릅니다.

Murakami는 Andy Warhol의 The Lonely Cowboys (1968)에서 조각품의 이름을 빌 렸습니다. 일본인은 자신이 인정한 것처럼 한 번도 본 적이 없지만 단어 조합을 정말 좋아했습니다. 한 조각으로 무라카미는 일본 에로만화 팬들을 기쁘게 해 웃음을 자아냈다. 크기가 커지고 입체화 된 애니메이션 영웅은 대중 문화의 주물로 변합니다. 이 예술적 진술은 고전적인 서양 팝 아트(Allen Jones의 가구 세트 또는 Koons의 Pink Panther를 기억하십시오)의 정신에 상당히 부합하지만 국가적 트위스트가 있습니다.

17. 카우스. 앨범 KAWS. 2005. $14,784,505

KAWS는 뉴저지 출신의 미국인 예술가 Brian Donelly의 가명입니다. 그는 1974년생으로 우리 평가에서 최연소 참여자입니다. Donelly는 Disney에서 애니메이터로 시작했습니다(만화 "101 Dalmatians" 등의 배경 그리기). 어렸을 때부터 그래피티에 관심이 많았습니다. 처음에 그의 시그니처 디자인은 눈구멍 자리에 "X"가 있는 두개골이었습니다. 젊은 작가의 작품은 쇼 비즈니스맨과 패션 업계 사람들에게 사랑을 받았습니다. 그는 Kanye West 앨범의 커버를 만들었고 Nike, Comme des Garçons 및 Uniqlo와의 콜라보레이션을 발표했습니다. 시간이 지남에 따라 KAWS는 현대 미술계에서 잘 알려진 인물이 되었습니다. 그의 시그니처인 미키 마우스 조각상은 박물관, 공공 장소 및 개인 소장품으로 진출했습니다. KAWS가 My Plastic Heart 브랜드로 한정판 비닐 장난감을 출시하자 갑자기 높은 수집가들의 관심 대상이 되었습니다. 이 "장난감"의 열정적 인 수집가 중 한 명은 창립자입니다. 검은 별랩퍼 Timati: 그는 "Companions Cavs"의 전체 시리즈를 거의 완전히 수집했습니다.

KAWS의 작품은 2019년 4월 1일 소더비 홍콩 경매에서 1,470만 달러로 작가 작품 최고 기록을 세웠습니다. 일본 패션디자이너 니고의 컬렉션에 있었다. 미터 캔버스 KAWS 앨범은 1967년 유명한 비틀즈 앨범 "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"의 표지에 대한 오마주입니다. 사람 대신 Kimpsons가 있습니다. Simpsons 만화 시리즈의 양식화된 캐릭터로 눈 대신 "X"가 있습니다.

18. 진산 타직 신부. 1983. 1,389만 달러

비교적 젊고 현대적인 중국 예술가들 사이에서 이들은 모두 1980년대 후반의 소위 "뉴 웨이브"에 속합니다. 중국 예술, 완전히 다른 세대와 다른 학교의 대표가 예기치 않게 우리 평가에 올랐습니다. 현재 80대인 진상이(Jin Shangyi)는 저명한 대표공산주의 중국의 1세대 예술가. 이 예술가 그룹의 견해는 가장 가까운 공산주의 동맹 인 소련의 영향으로 대부분 형성되었습니다.

소련의 공식 미술, 사회주의 리얼리즘, 당시 중국에서도 보기 드문 유화(수묵화와 달리)는 1950년대에 절정에 이르렀고, 북경미술대학에 와서 3년(1954년부터 1954년까지 1957) 가르치는 소련 예술가콘스탄틴 메토디예비치 막시모프. 당시 막내였던 진샤니가 반에 들어갔다. 작가는 모델을 올바르게 이해하고 묘사하는 방법을 가르쳐 준 사람이 Maksimov라고 말하면서 항상 선생님을 따뜻하게 기억했습니다. K. M. Maksimov는 이제 고전이 된 중국 현실주의자들의 은하계 전체를 불러왔습니다.

Jin Shan의 작품에서 소련의 "가혹한 스타일"과 유럽 회화 학교의 영향을 느낄 수 있습니다. 작가는 르네상스와 고전주의의 유산을 연구하는 데 많은 시간을 할애했으며 작품에서 중국 정신을 보존하는 것이 필요하다고 생각했습니다. 1983년에 그린 그림 "타직 신부"는 금산 작품의 새로운 이정표이자 보편적으로 인정받는 걸작으로 여겨진다. 2013년 11월 중국 가디언 경매에 출품되어 추정가보다 몇 배 더 비싸게 팔린 것은 바로 그녀였습니다. 수수료를 포함해 1,389만 달러였습니다.

19. BANKSY 부패한 의회. 2008. 1,214만 달러

Banksy 태그가 있는 벽화는 1990년대 후반에 도시의 벽에 나타나기 시작했습니다(처음에는 영국에서, 그 다음에는 전 세계적으로). 그의 철학적이고 동시에 날카로운 낙서는 시민의 자유에 대한 국가의 공격, 범죄에 대한 문제에 전념했습니다. 환경, 무책임한 소비, 불법 이주 제도의 비인간성. 시간이 지남에 따라 Banksy의 벽 "비난"은 전례없는 미디어 인기를 얻었습니다. 사실 그는 국가와 기업의 위선을 비난하는 여론의 주요 대변인 중 한 명이 되어 자본주의 체제에서 점점 더 불의를 만들어내고 있습니다.

Banksy의 중요성, "시간의 신경"에 대한 감각 및 그의 은유의 정확성은 청중뿐만 아니라 수집가들에게도 높이 평가되었습니다. 2010년대에는 그의 작품에 수십만 달러, 심지어 백만 달러 이상이 기부되었습니다. Banksy 낙서가 부서지고 벽 조각과 함께 도난당했습니다.

첨단 디지털 감시 시대에도 Banksy는 여전히 익명을 유지하고 있습니다. 더 이상 한 사람이 아니라 재능있는 여성이 이끄는 여러 아티스트 그룹이라는 버전이 있습니다. 그것은 많은 것을 설명할 것입니다. 그리고 목격자 카메라의 렌즈에 잡힌 작가들의 외적 상이성과 비인격적인 스텐실 적용 방식(주어 고속저자의 직접적인 참여가 필요하지 않음), 그림 주제 (공, 눈송이 등)의 감동적인 낭만주의. 어쨌든 그의 조수를 포함하여 Banksy 프로젝트의 사람들은 입을 다물고 있는 방법을 알고 있습니다.

2019년 뱅크시의 가장 비싼 작품은 예기치 않게 4미터 캔버스 Devolved Parliament("저하된", "부패한" 또는 "위임된" 의회)가 되었습니다. 영국 하원에서 논쟁을 벌이는 침팬지는 스캔들 같은 브렉시트의 해에 청중을 조롱하는 것 같습니다. 이 그림이 이 역사적 전환점보다 10년 전에 그려졌기 때문에 누군가가 그것을 예언적이라고 생각한다는 것은 놀라운 일입니다. 2019년 10월 3일 소더비 경매에서 알려지지 않은 구매자가 예비 추정가의 6배인 12,143,000달러에 치열한 입찰에 석유를 구입했습니다.

20. JOHN CURREN "달콤하고 단순합니다." 1999. $12.007 백만

미국 예술가 존 커런(1962)도발적인 성적 사회적 주제에 대한 풍자적인 비유적 그림으로 유명합니다. Curren의 작업은 옛 거장(특히 장로 Lucas Cranach와 매너리스트)의 페인팅 기법과 광택 있는 잡지의 패션 사진을 결합하는 데 성공했습니다. 더 기괴한 것을 달성하기 위해 Karren은 종종 인체의 비율을 왜곡하고 개별 부분을 확대하거나 축소하며 부서지고 예의 바른 포즈로 영웅을 묘사합니다.

Curren은 1989년 학교 앨범에서 다시 그린 소녀들의 초상화로 시작했습니다. Cosmopolitan과 Playboy의 사진에서 영감을 얻은 가슴이 큰 미녀 사진으로 1990년대 초에 계속되었습니다. 1992년에는 부유한 노부인의 초상화가 등장했다. 그리고 1994년에 Curren은 수년 동안 그의 주요 뮤즈이자 모델이 된 조각가 Rachel Feinstein과 결혼했습니다. 1990년대 후반에 커린의 기교는 그의 그림의 키치하고 기괴한 것과 결합하여 인기를 끌었습니다. 2003년 래리 가고시안이 작가의 홍보를 맡았고, 가고시안 같은 딜러가 작가를 맡는다면 성공은 보장된다. 2004년 휘트니 미술관에서 존 커런 회고전이 열렸다.

이 무렵 그의 작품은 6자리 숫자에 팔리기 시작했다. John Curran의 그림에 대한 현재 기록은 2016년 11월 15일 Christie's에서 1,200만 달러에 판매된 Sweet and Simple의 것입니다. 2008 년 그의 이전 기록은 550 만 달러였습니다 (그런데 같은 작품 "귀엽고 단순함"에 대해 지불).

21. 브라이스 마든 참석. 1996–1999 109억 1700만 달러

우리 순위에 있는 또 다른 살아있는 미국 추상 미술가는 Bryce Marden(1938)입니다. 미니멀리즘 스타일의 Marden의 작품과 1980 년대 후반부터 몸짓 그림은 독특한 작가의 약간 음소거 된 팔레트로 구별됩니다. Marden 작품의 색상 조합은 그리스, 인도, 태국, 스리랑카 등 전 세계 여행에서 영감을 받았습니다. Marden의 형성에 영향을 준 작가 중에는 Jackson Pollock(1960년대 초 Marden은 유대인 박물관에서 경비원으로 일하면서 Pollock의 "물방울"을 개인적으로 관찰함), Alberto Giacometti(파리에서 그의 작업에 대해 알게 됨) 및 Robert Rauschenberg (Marden이 조수로 일하던 중). Marden 작업의 첫 번째 단계는 색상이 지정된 직사각형 블록(수평 또는 수직)으로 구성된 고전적인 미니멀리스트 캔버스에 전념합니다. 마치 사람이 그린 것이 아니라 기계로 인쇄한 듯한 이상적인 작품성을 추구했던 많은 미니멀리스트들과 달리 마든은 작가의 작업 흔적을 남기고 다양한 재료(왁스, 오일 페인트). 1980년대 중반 이후 동양 서예의 영향으로 기하학적 추상화는 구불구불한 선으로 대체되었고 배경은 같은 단색의 색면으로 바뀌었다. 이러한 "구불구불한" 작품 중 하나인 "The Attended"는 2013년 11월 Sotheby's에서 커미션을 포함하여 1091.7만 달러에 판매되었습니다.

22. 장샤오강 영원한 사랑. 1,020만 달러

중국 현대미술의 또 다른 대표자는 상징주의자이자 초현실주의자이다. 장샤오강(1958). 소더비 홍콩에서 2011년 4월 3일, 벨기에 남작 Guy Ullens 컬렉션의 중국 아방가르드가 판매 된 곳, Zhang Xiaogang의 삼부작 "영원한 사랑"$에 팔렸다 1020만. 당시에는 작가뿐만 아니라 중국 현대미술 전체의 기록이기도 했다. Xiaogang의 작품은 자신의 박물관을 열려는 억만 장자의 아내 Wang Wei가 구입했다고합니다.

신비주의와 동양철학을 좋아하는 장샤오강은 삶, 죽음, 재생의 세 부분으로 구성된 "영원한 사랑"의 이야기를 썼습니다. 이 삼면화는 1989년 국립미술관에서 열린 상징적인 중국/아방가르드 전시회에 등장했습니다. 또한 1989년에는 천안문 광장에서 학생 시위가 군대에 의해 잔인하게 진압되었습니다. 이 비극적 인 사건 이후 나사가 조여지기 시작했습니다. 국립 박물관 전시회가 분산되고 많은 예술가가 이주했습니다. 위로부터 부과된 사회주의 리얼리즘에 대응하여 냉소적 리얼리즘의 방향이 생겨났는데, 그 대표적인 인물이 장샤오강이었다.

23. 브루스 나우만 무기력한 헨리 무어. 1967. 990만 달러

미국 사람 브루스 나우만(1941)제48회 베니스 비엔날레(1999)의 본상을 수상한 은 오래전 그의 기록을 경신했습니다. Nauman은 60년대에 그의 경력을 시작했습니다. 감정가들은 그를 20세기 후반 미술계에서 가장 영향력 있는 인물 중 한 명인 Andy Warhol 및 Joseph Beuys와 함께 부릅니다. 그러나 그의 일부 작품의 풍부한 지성과 절대적인 비장식성은 분명히 일반 대중에게 그의 빠른 인지도와 성공을 방해했습니다. Nauman은 종종 언어를 실험하여 친숙한 문구의 예상치 못한 의미를 발견합니다. 단어는 중심 인물네온 의사 표시 및 패널을 포함한 그의 많은 작품. Naumann 자신은 자신을 조각가라고 부르지만, 지난 40년 동안 그는 절대적으로 자신을 시도했습니다. 다른 장르- 조각, 사진, 비디오 아트, 퍼포먼스, 그래픽. 1990년대 초 Larry Gagosian은 예언적인 말을 했습니다. "Naumann 작업의 진정한 가치는 아직 실현되지 않았습니다." 그래서 일어났습니다. 2001년 5월 17일 1967년 Naumann의 Christie's에서 "무력한 헨리 무어(후면)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview))는 전후 예술 부문에서 새로운 기록을 세웠습니다. 등 뒤로 묶인 Naumann의 손 깁스, 석고와 왁스로 만든 망치 아래 $ 990만프랑스 거물 Francois Pinault 컬렉션에서 (다른 출처에 따르면 American Phyllis Wattis에 따르면). 작업 견적은 2-3백만 달러에 불과했기 때문에 그 결과는 모두에게 정말 놀라운 일이었습니다.

이 전설적인 판매 이전에 Naumann의 작품 중 두 작품만이 백만 달러를 넘었습니다. 그리고 지금까지 그의 전체 경매 경력에서 "Henry Moore ..."외에 6 개의 작품 만이 7 자리에 올랐지 만 그 결과는 여전히 900 만과 비교할 수 없습니다.

무기력한 헨리 무어(Helpless Henry Moore)는 60년대에 20세기 최고의 조각가 중 한 명으로 꼽히는 영국 예술가 헨리 무어(1898–1986)의 인물에 대한 나우만의 논쟁적인 작품 시리즈 중 하나입니다. 인정받는 스승의 그늘에 가려진 젊은 작가들은 맹렬한 비판으로 그를 공격했다. Naumann의 작업은 이러한 비판에 대한 응답이자 동시에 창의성이라는 주제에 대한 성찰입니다. 작품의 제목은 영어 단어 bound-bound (문자 그대로의 의미에서)와 특정 운명에 처한 두 가지 의미를 연결하여 말장난이됩니다.

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