Claude Monet에 대한 프레젠테이션을 다운로드하십시오. 주제에 대한 MHC 수업을 위한 "Claude Monet" 주제 발표

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인상파의 창시자 모네 긴 수명인상주의의 이상에 충실했으며 경력의 어려운 시작에도 불구하고 성숙기에 성공, 부, 명성을 얻었습니다. 클로드 오스카 모네는 1840년 11월 14일 파리에서 태어났습니다. 미래의 예술가가 다섯 살이었을 때 그의 가족은 모네가 어린 시절과 어린 시절을 보냈던 노르망디 해안의 항구 도시 르아브르로 이사했습니다. 그의 아버지 Adolf는 식료품 도매업을 운영하는 처남을 위해 일했습니다.

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삶의 연대기 1840년 파리에서 부유한 식료품상의 가족으로 태어났습니다. 1845년 모네 가족은 센 강 어귀에 있는 르아브르로 이사합니다. 1858년 풍경화가 Eugène Boudin을 만납니다. 당시에 대한 아이디어) 1859년 학업을 계속하기 위해 파리에 도착하고 피사로를 만납니다. 1861년 군대에 입대하여 알제리에서 복무하지만 곧 병에 걸리고 제대합니다. 1862년 르누아르, 시슬레, 바질과 우정을 쌓습니다. 아기 아들 진을 낳았습니다. 동원에서 런던에 숨어 프랑스-프로이센 전쟁. 그는 Constable과 Turner의 작품을 연구하고 영향력 있는 프랑스 미술상인 Paul Durand-Ruel을 만납니다. 1871년 프랑스로 돌아와 파리 근처 세느 강의 아름다운 만곡부에 있는 아르장퇴유에 정착

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1874년 파리에서 첫 "인상파" 전시회 1879년 카미유가 오랜 투병 끝에 세상을 떠나고 모네는 두 아들과 함께 1883년 지베르니로 이사 좋은 곳파리에서 약 65km 떨어진 에프테 강 유역에서 1892 수년 동안 예술가의 연인이었던 앨리스 고슈드와 결혼 1899 저수지가 있는 정원(수련이 있는 유명한 연못)의 이미지에 초점을 맞춥니다. 1908년 지베르니에 있는 자신의 집 근처에 배치된 자신은 시력을 잃기 시작했지만 1923년까지 완전히 눈이 멀게 될 것을 두려워하여 수술에 동의하지 않았습니다. 수술은 성공적이었고 주인은 그의 입양된 딸 블랑쉬 고슈드-모네의 감독하에 살면서 계속해서 글을 쓰고 있습니다. 1926년 지베르니에서 부와 인정을 받고 사망

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좌회전하는 우산을 든 여인(1886) 131 x 88 cm 파리 오르세 미술관 이 그림의 모델은 수잔 고셰데였습니다. 입양된 딸모네는 1892년 그녀의 어머니인 앨리스와 결혼했습니다. 작가는 수잔나가 오른쪽으로 돌고 있는 이 그림과 쌍을 이루는 그림을 그렸고, 10년 전 첫 부인 카밀라와 비슷한 그림을 그렸습니다(회전 중간). 이 세 그림 중 왼쪽으로 향하는 우산 쓴 여인이 가장 성공적이었습니다. 그녀는 화려한 포즈, 뚜렷한 이미지, 활기찬 붓놀림으로 구별됩니다. 요컨대 이것은 최고의 모네입니다.

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Sainte-Adresse의 테라스(c. 1867) 98 x 130 cm 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 중 하나 초기 걸작모네, 이 그림은 예술적일 뿐만 아니라 전기적 가치도 있습니다. 궁핍한 예술가가 파리(그리고 그의 임신한 애인)를 떠나 르아브르 교외의 생트아드레스에 있는 아버지의 집으로 돌아갈 수밖에 없었던 시기에 쓰여졌습니다. 안락의자에 앉아 있는 두 인물은 모네의 아버지이자 아마도 이모일 것이다. 그들 앞에는 알 수 없는 사람과 함께 작가의 사촌이 서 있다. 이 기간 동안 Monet은 여전히 ​​그림의 엄격한 구성을 위해 노력했습니다. 철자가 명확하고 구성이 신중하게 보정되었으며 예술가 후기의 부드럽고 흐릿한 톤과 거의 유사하지 않습니다.

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수련(1916) 200 x 200m 국립 박물관 서양 미술, 도쿄 스타일 면에서 눈부시고 크기와 구성 면에서 도발적인 이 그림은 모네가 1914년에서 1917년 사이에 그린 수련 연못을 묘사한 60개의 캔버스 시리즈 중 가장 눈에 띄는 작품 중 하나입니다. 인상적인 2m 정사각형 캔버스는 1903-1908년으로 거슬러 올라가는 초기 버전보다 더 대담하고 자유롭게 그려져 있습니다. 이 수련 연못의 풍경은 모네가 자연을 묘사하는 그림이라는 개념에서 혁명적으로 출발했음을 드러내며 추상화를 향한 작가의 발걸음처럼 보입니다. 이에 놀라운 사진분홍색과 노란색 수련의 둥근 섬은 진한 파란색, 녹색 및 보라색 수면에 있습니다. 일반적으로 받아 들여지는 구성 규칙을 거부하고 Monet은 수평선과 같은 개념을 버리고 수련으로 덮인 고립 된 영역에 완전히 집중합니다. 물 위에 떠 있는 수련은 캔버스 가장자리에 날카롭게 잘려 있어 그림이 실제로는 더 큰 것의 일부에 불과하다는 인상을 준다.

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클로드 모네(1840-1926), 프랑스 예술가, 인상주의의 출현과 관련이 있습니다 (프랑스 인상-인상에서). 이 경향의 이름은 그의 그림 중 하나인 인상(Impression)에 의해 주어졌습니다. 해돋이.

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1832년 아르장퇴유에 세느강을 가로지르는 다리가 건설되었고, 철도이 도시는 파리지앵들에게 세련된 휴양지가 되었습니다. 인상파 예술가들은 Argenteuil을 전 세계적으로 유명하게 만들었습니다. 중 하나 초기 그림위대한 클로드 모네의 "아르장퇴유의 철교"는 화가가 그림에서 자신만의 스타일을 창조하는 연습을 하고 있을 때 쓰여졌습니다.

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그림 "Giverny 근처의 건초 더미"는 화가가 선택한 동기의 일상성과 심지어 임의성에서도 눈에 띕니다. 뜨거운 여름 태양의 뜨거운 아지랑이와 하늘을 가로지르는 구름의 그림자는 물체의 일반적인 색상을 변경하여 건초더미를 보라색으로, 나무의 잎사귀를 파란색으로 만듭니다.

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"성 안드레스 정원의 여인"은 다음을 가리킨다. 초기 작업모네는 배경에 있는 사람들을 묘사하는 것을 좋아했습니다. 여름 풍경. 작가는 만들려고 노력했다 인간의 모습자연의 일부를 빛과 공기로 둘러쌉니다. 화가는 밝은 느낌을 완벽하게 전달했습니다. 맑은 날, 그의 붓 아래에서 꽃이 만발한 꽃잎이 타 오르고 여자의 하얀 옷이 빛나고 푸른 풀이 반짝이며 흔들립니다.

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세느강 은행. Vetheuil. 캔버스는 여름 오후를 묘사합니다. 하늘을 가로지르는 구름과 나무가 유속이 빠른 강물에 비친다. 작은 꽃이 흩어져 해안에서 노랗게 변합니다. 보는 사람의 눈에 시각적으로 결합된 순색의 분리된 획은 포착된 자연 상태의 순간성을 전달하여 이 그림을 전형적인 인상파 작품으로 만듭니다.

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수련. 이 작품에서 모네는 수용된 원근법을 의도적으로 왜곡하고 수평선을 버리고 수련으로 물만 그립니다. 물 위에 떠있는 수련은 캔버스 테두리로 잘려서 실제 연못은 그림에 표시된 것 이상인 것 같습니다. .

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클로드 모네의 전기

인상파의 창시자 중 한 명인 프랑스 풍경화가 모네 클로드 오스카. 1840년 10월 14일 - 1926년 12월 5일

출생지: 프랑스 파리

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미술교육파리에서 (1859 년부터), Suisse 스튜디오에서 공부하고 얼마 동안 학문 지향적 인 예술가 C. Gleyre의 스튜디오를 방문했습니다. 살롱에서 그는 C. Corot, T. Rousseau, C. Daubigny의 캔버스를주의 깊게 살펴 보았습니다. Basil, Pissarro, Degas, Cezanne, Renoir, Sisley와 같이 예술에서 새로운 방식을 찾는 젊은 화가와의 친분이 중요했습니다. 그들의 서클에서 모네의 그림 "인상"의 제목에서 "인상파"라는 이름을 얻은 새로운 화보 트렌드의 핵심이 탄생했습니다. Sunrise”(1872, Marmottan Museum, Paris, 프랑스 인상-인상)는 1874 년 인상파 첫 전시회에서 사진 작가 Nadar의 스튜디오에서 전시되었습니다. Claude Monet은 자연에서 많은 일을 합니다. 그에게는 풍경, 국내 장면을 포착하는 것뿐만 아니라 매 순간 무언가가 일어나는 자연에 대한 묵상에서 직접적인 인상의 신선함을 전달하는 것이 중요합니다. 조명, 대기 상태, 날씨, 색이 반사되는 다른 물체와의 근접성, 즉 반사에 따라 지속적으로 변화합니다. 끊임없는 변화 속에서 삶을 재창조하기 위해 작가는 열린 하늘, 야외에서 스케치뿐만 아니라 그림을 완성합니다. 빛나는 빛으로 가득 찬 "정원의 숙녀"(1865 년경, 상트 페테르부르크의 암자) 그림에서 드레스의 흰색은 자연의 모든 여러 가지 색상을 흡수하는 것처럼 보입니다. 여기에는 파란색 하이라이트가 있고 녹색, 황토색 , 분홍빛; 정교하게 만들어진 것처럼 채색잎, 허브.

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정원의 여인. 창조의 해 1867

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Monet은 잎사귀의 떨림, 물에 비치는 태양의 반짝임, 하늘을 가로질러 미끄러지는 구름의 그림자를 전달하는 양각 스트로크로 작업을 시작합니다. "Rocks in Etretat"(1886, Museum 미술, 모스크바); "Giverny의 초원"(1888), "양귀비 필드"(1880 년대, 둘 다-Hermitage, St. Petersburg). 작가는 의도적으로 그림이 삶의 흐름에서 무작위로 빼앗긴 조각의 인상을 주는 방식으로 구성을 구축합니다("Boulevard des Capucines", 1873, 모스크바 미술관). Monet은 동일한 것을 캡처하여 시리즈를 만듭니다. 모티브, 안으로 다른 시간날: " 루앙 대성당정오에"(1894); "저녁의 루앙 대성당"(1894, 모두 모스크바 미술관); 물체의 윤곽, 볼륨은 가벼운 공기 매체에서 용해되기 시작합니다.

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양귀비. 창조의 해 1873

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색상의 순도와 음질을 달성하기 위해 Monet은 팔레트에서 색상 혼합을 피합니다. 그가 필요로하는 녹색 단풍의 색조를 전달하기 위해 작가는 그 옆에 노란색과 파란색의 획을 그 옆에 놓고, 멀리서 병합하고 보는 사람의 눈에 "혼합"하고 잎은 녹색으로 보이고 펄럭이는 것처럼 보입니다. 바람 ( "건초 더미", 1886 년경, 모스크바 미술관). 이러한 모든 혁신은 대중의 거부와 비판을 불러 일으켰습니다. 인상주의 그림은 살롱에 받아들여지지 않았고, 거의 아무것도 팔지 않았거나 전혀 사지 않았습니다. 모네는 살았다 오랫동안빵이나 페인트를 살 돈이 없었고 때로는 그가 시작한 캔버스를 완성할 수 없을 정도로 궁핍했습니다. 그들의 마지막 작품- 1918년부터 Monet이 작업한 14개의 대형 장식 패널 "Nymphaeum"("수련" 또는 "수련")은 반짝이는 물, 백합, 은빛 버드나무 및 불안정한 반사가 있는 풍경을 국가에 선물로 물려주었습니다. Louvre (Paris)의 Orangery의 두 개의 타원형 방 공간을 채우십시오.

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Claude Monet (1840-1926), 인상주의의 출현과 관련된 프랑스 예술가 (프랑스 인상-인상). 이 경향의 이름은 그의 그림 중 하나인 인상(Impression)에 의해 주어졌습니다. 해돋이.

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이 장엄한 연구는 밤이 낮으로 바뀌는 순간을 포착합니다. 작가는 밝은 주황색을 몇 번만 칠하면 물에 떨리는 빛을 전달할 수 있습니다. "인상. Sunrise”-인상파 운동에 이름을 붙인 것은 바로이 그림이었습니다.

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1832년 아르장퇴유에는 센강을 가로지르는 다리가 놓였고, 철도가 건설되면서 도시는 파리지앵들의 세련된 휴양지가 되었습니다. 인상파 예술가들은 Argenteuil을 전 세계적으로 유명하게 만들었습니다. 위대한 클로드 모네의 초기 그림 중 하나인 "아르장퇴유의 철교"는 화가가 자신만의 화풍을 그리는 연습을 하고 있을 때 그렸습니다.

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그림 "Giverny 근처의 건초 더미"는 화가가 선택한 동기의 일상성과 심지어 임의성에서도 눈에 띕니다. 뜨거운 여름 태양의 뜨거운 안개와 하늘을 가로지르는 구름의 그림자는 물체의 일반적인 색상을 변경하여 건초더미를 보라색으로, 나무 잎을 파란색으로 만듭니다.

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The Lady in the Garden of St. Andres는 여름 풍경 속의 사람들을 묘사하는 것을 좋아했던 Monet의 초기 작품을 가리킵니다. 작가는 인간의 모습을 자연의 일부로 만들고 그것을 빛과 공기로 둘러싸려고 했습니다. 화가는 밝고 화창한 날의 느낌을 완벽하게 전달했고, 꽃이 만발한 꽃잎은 그의 붓 아래에서 타오르고, 여성의 하얀 옷은 빛나고, 푸른 잔디는 반짝이며 흔들립니다.

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세느강 은행. Vetheuil. 캔버스는 여름 오후를 묘사합니다. 하늘을 가로지르는 구름과 나무가 유속이 빠른 강물에 비친다. 작은 꽃이 흩어져 해안에서 노랗게 변합니다. 보는 사람의 눈에 시각적으로 결합된 순수한 색상의 분리된 획은 포착된 자연 상태의 순간성을 전달하여 이 그림을 전형적인 인상파 작품으로 만듭니다.

시사:

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오스카 클로드 모네

클로드 오스카 모네는 1840년 11월 14일 파리에서 태어났습니다. 소년이 다섯 살이었을 때 가족은 노르망디로 이사했습니다. 아버지는 클로드가 식료품 상인이 되어 가족 사업을 계속하기를 원했습니다. 15세에 모네는 르아브르 전역에서 풍자화가로 알려졌습니다. 그는 명성을 쌓아서 캐리커처 초상화를 그려 달라는 요청으로 사방에서 포위당했습니다. 이런 식으로 어느 정도 명성을 얻은 모네는 곧 도시에서 "중요한 사람"이 되었습니다. 그의 캐리커처는 유일한 미술 용품점의 창에 자랑스럽게 전시되어 있습니다. 전기.

Basil, Pissarro, Degas, Cezanne, Renoir, Sisley와 같이 예술에서 새로운 방식을 찾는 젊은 화가와의 친분이 중요했습니다. 그들의 서클에서 모네의 그림 "인상"의 제목에서 "인상파"라는 이름을 얻은 새로운 화보 트렌드의 핵심이 탄생했습니다. 일출" 피에르 오귀스트 르누아르 알프레드 시슬리

Claude Monet은 자연에서 많은 일을 합니다. 그에게는 풍경, 국내 장면을 포착하는 것뿐만 아니라 매 순간 무언가가 일어나는 자연에 대한 묵상에서 직접적인 인상의 신선함을 전달하는 것이 중요합니다. 조명, 대기 상태, 날씨, 색이 반사되는 다른 물체와의 근접성, 즉 반사에 따라 지속적으로 변화합니다. 끊임없는 변화 속에서 삶을 재창조하기 위해 작가는 야외에서 스케치 작업을 할 뿐만 아니라 그림을 완성하기도 한다. 빛나는 빛으로 가득 찬 그림 "정원의 숙녀"에서 드레스의 흰색은 자연의 모든 여러 가지 색상을 흡수하는 것처럼 보입니다. 여기에는 파란색 하이라이트가 있고 녹색, 황토색, 분홍빛이 도는 것입니다. 나뭇잎과 잔디의 녹색 색상은 정교하게 디자인되었습니다.

"정원의 여인"

Monet은 잎사귀의 떨림, 물 위의 태양 섬광의 깜박임, 하늘을 가로 질러 미끄러지는 구름의 그림자를 전달하는 부조 스트로크로 작업을 시작합니다. " 에트 르타의 바위 ". 작가는 의도적으로 그림이 삶의 흐름에서 무작위로 빼앗긴 조각의 인상을 주는 방식으로 구성을 구축합니다("Boulevard des Capucines", 1873, 모스크바 미술관). Monet은 동일한 것을 캡처하여 시리즈를 만듭니다. 하루 중 다른 시간대의 모티프: "정오의 루앙 대성당"(1894); 저녁의 루앙 대성당 (1894, 둘 다 모스크바 미술관); 물체의 윤곽, 볼륨은 가벼운 공기 매체에서 용해되기 시작합니다.

색상의 순도와 음질을 달성하기 위해 Monet은 팔레트에서 색상 혼합을 피합니다. 그가 필요로하는 녹색 단풍의 색조를 전달하기 위해 작가는 그 옆에 노란색과 파란색의 획을 그 옆에 놓고, 멀리서 병합하고 보는 사람의 눈에 "혼합"하고 잎은 녹색으로 보이고 펄럭이는 것처럼 보입니다. 바람. "건초 더미". 이러한 모든 혁신은 대중의 거부와 비판을 불러 일으켰습니다.

인상주의 그림은 살롱에 받아들여지지 않았고, 거의 아무것도 팔지 않았거나 전혀 사지 않았습니다. Monet은 빵이나 페인트를 살 돈이 없었고 때로는 그가 시작한 캔버스를 완성할 수 없을 정도로 궁핍한 상태에서 오랫동안 살았습니다. "푸르빌 해변"