이탈리아와 유럽 부흥의 중요한 이정표. 서유럽의 르네상스

르네상스는 고대의 유산, 아이디어의 부흥을 재고하는 시간입니다. 그러나 이 시간을 지나간 문화의 반복, 모방으로 보는 것은 옳지 않다. 르네상스 시대의 중세 시대에 태어난 아이디어는 현재 사람의 태도에 큰 영향을 미쳤습니다.

다음 조항은 르네상스 남성의 태도에 대한 기본 원칙으로 간주될 수 있습니다.

지상 세계는 인간 자신 만이 가장 높은 완전성을 가진 하나님의 창조물의 계층입니다. 세계관의 신 중심주의는 인간 중심주의로 대체됩니다.

삶의 문제에 대한 명확한 인식이 있습니다.

시간과 공간은 이미 인간 활동의 형식에 의해 명확하게 정의된 실제 존재의 틀에 의해 평가됩니다. 공간이 보입니다. 시간은 현재와 같고 빠르게 흐르고 있습니다. 르네상스 성격 유형은 타이타니즘(많은 사람들이 감당할 수 없을 만큼 많은 것을 성취함)과 보편성(다양한 영역에서 자신의 능력을 실현함)으로 구별됩니다.

창조하는 능력은 인간 신성의 최고 발현이 되고 예술가는 사회에서 가장 존경받는 사람이 됩니다.

예술과 자연은 동등한 개념이 됩니다.

세상의 아름다움은 자연미, 자연미, 인공미, 인공미로 나뉜다. 인간의 아름다움 - 영적이고 육체적입니다.

르네상스는 인간의 창조적 잠재력을 찬양하는 인본주의 사상의 탄생입니다. 인본주의는 예술에서 분명히 나타납니다. 인본주의자들은 오늘날 우리가 응용이라고 부르는 미학의 요소를 (이론적이기보다는 실질적으로) 발전시켰습니다. 자연은 아름다움의 가장 높은 형태로 간주됩니다. 예술은 자연의 아름다움의 법칙에 따라 수행되는 창의성의 한 형태입니다. 중세 미학이 예술을 물질에 대한 애착으로 간주한다면

기성품 형태, 예술가의 영혼에 미리 존재하고 거기에 놓이는 것 하나님그런 다음 르네상스에서 처음으로 예술가가 내 자신이 양식을 만들고 만듭니다. 그러므로 예술은 단순한 자연의 모방이 아니다. 예술을 통해 자신의 의지와 개성을 드러내는 인간의 창조적 행위라는 완전히 새로운 현상이다.

예술은 주변 세계에 대한 인간 지식의 채널 중 하나로 간주됩니다. 예술은 과학과 적극적으로 상호 작용합니다. 르네상스의 위대한 거물들은 예술적 창의성에 종사할 뿐만 아니라 과학적, 기술적 발견도 합니다. Leonardo da Vinci의 이름을 언급하는 것으로 충분합니다.

예술은 독립적일 뿐만 아니라 형태적 구조도 보이기 시작했습니다. 개별 예술 유형의 특수성이 명확하게 나타나기 시작했습니다. 크리에이터는 기술과 개성이 특히 중요하게 여겨지기 시작하는 자신의 분야에서 전문가가 됩니다.

따라서 예술은 민주주의와 세계를 반영하는 사실주의에 대한 열망으로 특징지어지는 점점 더 세속적인 성격을 획득합니다. 개념이 떠오른다 "자유 활동"여기에는 철학, 역사, 웅변, 음악 및 시가 포함됩니다. 사회에서 예술가의 권위가 커지기 시작합니다. 소비된 노동력과 필요한 전문 지식이 예술의 기준이 됩니다. 문학과 미술이 가장 가치 있게 됩니다.

이 시대에 새로운 - 현대 문학.단어는 아름다움의 가장 높은 표현, 단어의 비 유적 작업-최고의 인간 운명으로 이해됩니다. 르네상스 문학은 삶을 긍정하는 성격, 세상의 아름다움, 인간 및 그의 업적에 대한 찬사로 가득 차 있습니다. 주요 주제는 사랑의 주제입니다.

건축학르네상스는 새로운 건축 설계를 통해 이상적인 삶의 방식을 창조할 기회를 찾고 있었습니다. 삶의 이상은 15세기 피렌체에서 실현되었습니다. "이상적인" 도시는 위대한 창조자들의 상상력과 손으로 모델링되었습니다. "이상적인" 도시는 브루넬레스키와 레오나르도 다 빈치또한 세계의 공간 플라스틱 및 사회 정치적 비전의 실현 된 통일성 때문입니다. 처음으로 자연 공간이 아닌 인간 공간이 등장했습니다. 도시의 건축은 일반적으로 도시의 객관적인 세계, 개별 시민의 삶, 공공 생활게임, 안경 및 극장.

작업 중 하나 시각 예술-고대인이 발견한 아름다움의 정경을 관찰하는 것의 중요성이지만 이미지의 사실성과 활력이 손상되지 않는 방식으로. 이미지의 숙달

니야는 직업이 됩니다. 예술 학교가 발전하고 있습니다. 르네상스 미술의 특징은 다음과 같습니다.

주제 변경 - 사람이 관심 증가의 대상이됩니다.

이미지 기술 변경 - 직접적인 관점, 인체 구조 전달의 정확성;

복잡한 복합 색상으로 순수한 색상을 대체합니다.

표현의 주요 수단은 빛이 아니라 시각 예술에서 그래픽 아트의 발전에 기여하는 그림자입니다.

풍경에 대한 특별한 관심;

이젤 그림의 우세와 세속화(초상화)의 출현;

기술 개발 오일 페인팅;

조각에 대한 관심.

안에 조각품벌거벗은 몸에 대한 관심이 돌아온다. 조각가 도나텔로(중세 이후) 처음으로 벌거벗은 몸을 조각으로 표현한 새로운 유형둥근 동상과 조각 그룹, 그림 같은 구호. 르네상스 조각의 알몸은 표현, 움직임, 관능, 에로티시즘으로 가득 차 있습니다. 자세가 역동적이고 근육이 더 긴장되고 감정이 열렸습니다. 고대와 마찬가지로 몸은 영혼의 반영으로 여겨집니다. 그러나 인체 묘사의 강조는 이미 다릅니다. 그것은 특별한 표현으로 간주되어야합니다. 주위. 그렇기 때문에 조각가들은 다양한 심리적 상황에서 인체를 그토록 열심히 연구합니다. 르네상스 시대 남성의 조각적 이미지를 보면 우선 그의 영혼, 상태, 자세, 긴장된 근육, 표정에서 나타나는 감정을 볼 수 있습니다.

형성 극장르네상스는 이름과 관련이 있습니다. 윌리엄 셰익스피어그리고 로페 데 베가.이 시대의 주요 연극 장르는 비극그리고 코미디, 미스터리, 기적, 소극 및 벌집(다양한 코미디). 콘텐츠는 더욱 세속화됩니다. 행동은 (지상, 하늘, 지하 세계) 어디에서나 발생하며 수년 및 수개월 동안 계속되는 이벤트를 다룹니다. 동시에 플롯과 선택된 캐릭터 유형의 무결성이 아직 없습니다. 고대 플롯은 종종 학교 제작물에서 재생되며 교육 및 교육 목표를 추구할 가능성이 더 큽니다. 안경 연극 공연줄거리 전개 측면에서 상당히 지루했지만 댄스 막간, 장식 및 의상으로 청중을 즐겁게했습니다. 르네상스 극장은 믿을 수 있고 현실적이되었으며 시청자가 옆에서 보는 것처럼 무대 액션의 특징을 얻었습니다.

음악은 처음으로 세속적 기원에 기초하고 다른 예술이나 종교의 추가적인 지도 없이 존재하는 세속적 예술로 스스로를 드러낸다. 노래하고 악기를 연주하는 능력은 교양 있는 사람에게 없어서는 안 될 자질이 됩니다.

완전히 새로운 장르가 음악에 등장합니다: 오페라와 기악 연출. 즉흥 연주는 높은 평가를 받았습니다. 클라비코드, 류트, 바이올린과 같은 새로운 악기도 인기를 얻고 있습니다. 오르간은 "고급"예술의 이미지를 재현하는 데 가장 적합한 도구로 간주되었습니다. 소위 기념비적 인 스타일이 탄생 한 것은 오르간 예술이었습니다. 16 세기에 형태를 갖추기 시작한 회화 및 건축의 바로크 양식과 유사합니다. 16세기 스페인에서 등장 첫 번째 논문 음악 예술에 대해.

예술의 부흥은 새로운 예술적 스타일의 디자인을 준비했습니다. 바로크, 고전주의, 로코코.

15-16세기로 접어들면서 이탈리아가 국제정치의 중심에 서게 되자 르네상스 정신은 다른 유럽 국가들에도 스며들었습니다. 특히 영국의 역사가 A. 토인비가 유럽의 "이탈리아화"에 대해 이야기하게 만든 정치 생활과 경제 관계에 대한 이탈리아의 강력한 영향력에서 그 모습이 드러났습니다.

문화 분야에서는 사정이 달랐다. 이탈리아 이외의 지역, 특히 유럽 북부에서는 고대 유산이 르네상스의 발상지(이탈리아 르네상스에 대해 읽어보기)보다 훨씬 겸손한 역할을 했습니다. 결정적으로 중요한 것은 다양한 민족의 역사적 발전의 국가적 전통과 특성이었습니다.

이러한 상황은 북부 르네상스라고 불리는 광범위한 문화 운동이 발생한 독일에서 분명히 나타났습니다. 인쇄술이 발명된 곳은 르네상스 전성기 독일이었습니다. XV 세기 중반. 요하네스 구텐베르크(c. 1397-1468)는 세계 최초의 인쇄된 책인 라틴어 성경을 출판했습니다. 인쇄술은 유럽 전역에 빠르게 퍼져 인본주의적 사상을 전파하는 강력한 수단이 되었습니다. 이 획기적인 발명품은 전체 성격을 바 꾸었습니다. 유럽 ​​문화.

북부 르네상스의 전제 조건은 네덜란드, 특히 초기 이탈리아 르네상스와 거의 동시에 새로운 문화의 요소가 탄생 한 플랑드르 남부 지방의 부유 한 도시에서 형성되었으며 가장 인상적인 표현은 그림이었습니다. 새로운 시대 도래의 또 다른 신호는 네덜란드 신학자들의 호소였습니다. 도덕적 문제기독교, "새로운 경건"에 대한 그들의 열망. 북방 르네상스의 가장 위대한 사상가인 로테르담의 에라스무스(1469-1536)는 그런 정신적인 분위기 속에서 성장했다.로테르담 출신 인 그는 파리에서 공부하고 영국, 이탈리아, 스위스에서 살면서 그의 작품으로 범 유럽의 명성을 얻었습니다. 로테르담의 에라스무스는 기독교 인본주의라고 불리는 인본주의적 사고의 특별한 방향의 창시자가 되었습니다. 그는 기독교를 주로 일상 생활에서 따라야 할 도덕적 가치 체계로 이해했습니다.

네덜란드 사상가는 성경에 대한 심층 연구를 바탕으로 "그리스도의 철학"이라는 자신의 신학 체계를 만들었습니다. 로테르담의 에라스무스는 이렇게 가르쳤습니다. 그리스도인은 뿌림을 받는 자나 기름부음을 받는 자나 성례전에 참석하는 자가 아니라 그리스도에 대한 사랑으로 충만하여 경건한 행위를 행하는 자입니다.

이탈리아의 전성기 르네상스와 동시에 독일에서도 순수 예술이 번성했습니다. 이 과정의 중심에는 뛰어난 예술가 Albrecht Dürer(1471-1528)가 있었습니다. 그의 고향은 독일 남부의 자유도시 뉘른베르크였다. 이탈리아와 네덜란드를 여행하는 동안 독일 예술가는 현대 유럽 회화의 가장 좋은 예를 알 수 있는 기회를 가졌습니다.

그 당시 독일 자체에서는 판이나 금속판에 적용된 부조 그림 인 판화와 같은 예술적 창의성이 널리 사용되었습니다. 판화는 회화와 달리 별도의 판화 형태로 재현되거나 책 삽화인구의 가장 넓은 범위의 재산이되었습니다.

Durer는 조각 기술을 완벽하게 가져 왔습니다. 주요 성서 예언을 보여주는 그의 목판화 "Apocalypse"의 순환은 그래픽 아트의 가장 위대한 걸작 중 하나입니다.

다른 르네상스 거장들과 마찬가지로 뒤러는 뛰어난 초상화가로서 세계 문화사에 입문했습니다. 그는 범유럽적 인정을 받은 최초의 독일 예술가가 되었습니다. 신화와 종교 장면의 거장으로 알려진 예술가 Lucas Cranach Sr.(1472-1553)와 Hans Holbein Jr.(1497/98-1543)도 큰 명성을 얻었습니다.

Holbein은 영국에서 Henry VIII 왕의 궁정에서 몇 년 동안 일하면서 유명한 동시대 인물의 전체 초상화 갤러리를 만들었습니다. 그의 작품은 르네상스 예술 문화의 정점 중 하나였습니다.

프랑스 르네상스

프랑스 르네상스 문화는 독창성도 뛰어났습니다. 백년 전쟁이 끝난 후 국가는 자체 국가 전통에 의존하여 문화적 급증을 경험했습니다.

프랑스 문화의 번영과 풍요로움은 지리적 위치네덜란드, 독일, 이탈리아의 문화적 업적과 친밀한 친분을 쌓을 수있는 기회를 열었습니다.

새로운 문화는 특히 프란시스 1세(1515-1547)의 통치 기간 동안 프랑스에서 왕실의 지원을 받았습니다. 민족국가의 형성과 왕권의 강화는 특별한 궁중문화의 형성을 동반하였으며, 이는 건축, 회화, 문학에 반영되었다. 강 계곡에서 Loire는 르네상스 스타일로 여러 성을 지었고 그 중 Chambord가 눈에 띕니다. 루아르 계곡은 "프랑스 르네상스의 쇼케이스"라고도 불립니다. 프랑수아 1세의 통치 기간 동안 퐁텐블로의 프랑스 왕들의 거주지가 지어졌고, 파리에 새로운 왕궁인 루브르 박물관의 건설이 시작되었습니다. 건축은 Charles IX 통치 기간에 완료되었습니다. Charles IX 자신에 의해 Tuileries Palace 건설이 시작되었습니다. 이 궁전과 성은 프랑스에서 가장 뛰어난 건축 걸작 중 하나였습니다. 루브르 박물관은 현재 세계에서 가장 큰 박물관 중 하나입니다.

르네상스는 초상화 장르의 탄생으로 오랫동안 널리 퍼졌습니다. 프랑스 회화. 가장 유명한 화가는 궁정 화가인 Jean과 Francois Clouet로, Francis I에서 Charles IX까지의 프랑스 왕과 당대의 다른 유명인의 이미지를 그렸습니다.

프랑스 르네상스의 가장 눈에 띄는 현상은 국가의 국가 정체성과 르네상스 영향을 모두 반영한 작가 Francois Rabelais (1494-1553)의 작품입니다. 그의 풍자소설 '가르강튀아와 팡타그뤼엘'은 당시 프랑스 현실을 폭넓게 보여준다.

XV 말 - XVI 세기 초 프랑스의 정치 생활에 적극적으로 참여했습니다. Philippe de Commines는 근대에 프랑스 역사 및 정치 사상의 토대를 마련했습니다. 그들의 가장 큰 공헌 추가 개발저명한 사상가 Jean Bodin (1530-1596)이 "역사를 쉽게 아는 방법"과 "국가에 관한 여섯 권의 책"으로 소개했습니다.

영어 휴머니즘

오랜 전통의 고전 교육 전통을 지닌 옥스퍼드 대학교는 영국 최대의 인본주의 문화 중심지가 되었습니다. 이곳에서 고대 문학을 공부했습니다. 영국 휴머니즘의 상징이 된 토마스 모어(1478-1535).그의 주요 작품은 유토피아입니다. 이상적인 상태의 이미지를 묘사합니다. 이 책은 토대를 마련하고 특이한 이름을 붙였습니다. 문학 장르- 사회적 유토피아. 그리스어로 "유토피아"는 "존재하지 않는 나라"를 의미합니다.

이상 사회를 묘사하는 More는 그것을 현대 영국 현실과 대조했습니다. 사실 뉴에이지는 의심할 여지가 없는 성과를 가져왔을 뿐만 아니라 심각한 사회적 모순도 가져왔습니다. 영국 사상가는 그의 작품에서 영국 경제의 자본주의적 변혁의 사회적 결과, 즉 인구의 엄청난 빈곤화와 사회의 빈부격차를 처음으로 보여주었다.

이 상황의 원인을 찾기 위해 그는 "사유 재산 만 있고 모든 것이 돈으로 측정되는 곳에서는 정확하고 성공적인 국정 과정이 거의 불가능합니다. "라는 결론에 도달했습니다. T. 모어가 컸다 정치가그의 시대, 1529-1532년. 그는 심지어 영국 총리를 지냈지만 헨리 8세의 종교 정책에 동의하지 않아 처형당했습니다.

르네상스 일상

르네상스는 예술문화뿐만 아니라 일상문화, 사람들의 일상생활에도 큰 변화를 가져왔다. 현대인에게 친숙한 많은 가정용품이 처음 등장하거나 널리 퍼진 것도 그때였다.

중요한 혁신은 중세의 단순하고 부피가 큰 구조를 대체하게 된 다양한 가구의 등장이었습니다. 그러한 가구에 대한 필요성으로 인해 단순한 목공 외에도 목공이라는 새로운 공예가 탄생했습니다.

요리는 더 풍부하고 질적으로 만들어졌습니다. 나이프 외에도 대량 배포는 숟가락과 포크를 받았습니다. 음식도 더욱 다양해졌으며 새로 발견된 국가에서 가져온 제품으로 인해 범위가 크게 풍부해졌습니다. 한편으로는 부의 전반적인 성장과 급증반면 위대한 지리적 발견의 결과로 유럽으로 흘러든 귀금속과 돌의 양은 보석 예술. 르네상스 이탈리아의 삶은 더욱 세련되고 아름다워집니다.

중세 후기는 가위와 단추 같은 것을 르네상스 시대의 유산으로 남겼고, XTV 세기 초에 이르렀습니다. 당시 유럽의 패션을 좌우했던 부르고뉴에서는 테일러링이 발명되었습니다. 옷 생산은 재단사의 기술이라는 특별한 직업으로 두드러졌습니다. 이 모든 것이 패션 분야에서 진정한 혁명을 일으켰습니다. 예전의 옷이 아주 오랫동안 변하지 않았다면 지금은 어떤 취향에 따라 쉽게 디자인할 수 있습니다. 이탈리아인들은 부르고뉴에서 생겨난 컷 의류 패션을 채택하고 이를 더욱 발전시키기 시작하여 유럽 전체의 분위기를 조성했습니다.

르네상스의 역사적 의미

르네상스 문화의 가장 중요한 장점은 그것이 처음으로 드러났다는 것입니다. 내면 세계남자 전체.

주의 인간의 성격그리고 그 독창성은 서정시와 산문, 회화와 조각 등 모든 것에서 문자 그대로 드러났습니다. 시각 예술에서 초상화와 자화상은 그 어느 때보다 인기를 얻었습니다. 문학에서는 전기 및 자서전과 같은 장르가 널리 개발되었습니다.

개성에 대한 연구, 즉 한 사람을 다른 사람과 구별하는 성격과 심리적 구성의 특성에 대한 연구는 문화 인물의 가장 중요한 과제가 되었습니다. 인본주의는 모든 표현에서 인간의 개성에 대한 다재다능한 친분을 이끌어 냈습니다. 전체 르네상스 문화는 전체적으로 새로운 유형의 성격을 형성했으며 그 특징은 개인주의였습니다.

동시에 인간 성격의 높은 존엄성을 확인하면서 르네상스 개인주의는 또한 부정적인 측면을 드러냈습니다. 그래서 역사가 중 한 명은 자신의 존재를 위해 끊임없이 싸워야하는 "서로 경쟁하는 유명인들의 부러움"을 언급했습니다. “인문주의자들이 일어나기 시작하자마자 그들은 즉시 가장 높은 학위서로에 대한 그들의 수단에 있어서 무차별적이다. 또 다른 연구자는 르네상스 시대에 "완전히 자신에게 맡겨진 인간의 성격이 자신의 이기적인 이익에 굴복하여 도덕의 부패가 불가피해졌다"고 결론지었습니다.

15세기 말부터 이탈리아 인본주의의 쇠퇴가 시작된다. 16세기 역사의 특징인 다양한 갈등의 맥락에서 인본주의 문화 전체가 무너졌다. 인본주의 발전의 주요 결과는 인간의 지상 생활 문제에 대한 지식의 방향 전환이었습니다. 전체적으로 부흥은 서유럽 역사에서 근대 무대의 시작을 알리는 매우 복잡하고 모호한 현상이었습니다.

T. More의 책 "Utopia"에서

“공익을 위해서는 모든 것의 평등을 선언하는 한 가지 방법이 있습니다. 모든 사람이 자신의 재산을 가지고 있는 곳에서 이것이 관찰될 수 있는지 모르겠습니다. 어떤 사람이 일정한 권리를 바탕으로 자기가 할 수 있는 만큼 자기 소유로 삼으면 아무리 많은 재산이라도 소수에게 완전히 나누어지기 때문입니다. 나머지는 가난을 그들의 운명에 맡깁니다. 전자는 약탈적이고 불명예스럽고 무익한 반면 후자는 반대로 겸손하고 단순한 사람이며 매일의 열심으로 가져 오기 때문입니다. 자신보다 사회에 더 좋다."

참조:
V. V. Noskov, T.P. Andreevskaya / 15세기 말부터 18세기 말까지의 역사

FRANCESCO PETRARCA(1304-1374) - 이탈리아 르네상스의 창시자, 시성그리고 사상가이자 정치가. 플로렌스의 포폴란 가문에서 태어난 그는 교황 큐리아 아래 아비뇽에서 수년을 보냈고 남은 여생은 이탈리아에서 보냈습니다. Petrarch는 유럽을 많이 여행했으며 주권자 인 교황과 가까웠습니다. 그의 정치적 목표는 교회 개혁, 전쟁 종식, 이탈리아 통일이었다. Petrarch는 고대 철학의 감정가였으며 고대 작가의 원고를 수집하고 텍스트 처리를 할 자격이 있습니다.

Petrarch는 그의 훌륭하고 혁신적인 시뿐만 아니라 그의 주요 서간 "The Book of Daily Affairs"를 포함한 논문, 수많은 편지와 같은 라틴어 산문에서도 인본주의 적 아이디어를 개발했습니다.

Francesco Petrarch에 대해 그가 누구보다 강하다고 말하는 것이 일반적입니다. 적어도 그의 시간에는 자신에게 집중했습니다. 뉴에이지의 최초의 "개인주의자"였을 뿐만 아니라 그 이상으로 놀랍도록 완전한 자기 중심주의자였습니다.

사상가의 작품에서 중세의 신 중심 체계는 르네상스 인본주의의 인간 중심주의로 대체되었습니다. 페트라르카의 "인간의 발견"은 과학, 문학, 예술 분야에서 인간에 대한 더 깊은 지식을 가능하게 했습니다.

레오나르도 다빈치(1454-1519) - 뛰어난 이탈리아 예술가, 조각가, 과학자, 엔지니어. Vinci 마을 근처의 Anchiano에서 태어났습니다. 그의 아버지는 1469년 피렌체로 이사한 공증인이었다. Leonardo의 첫 번째 교사는 Andrea Verrocchio였습니다.

인간과 자연에 대한 레오나르도의 관심은 인본주의 문화와의 밀접한 관계를 말해줍니다. 그는 인간의 창조적 능력이 무한하다고 생각했습니다. Leonardo는 16 세기 사상가들의 아이디어에 확고하게 자리 잡은 이성과 감각을 통해 세계를 인식 할 수 있다는 아이디어를 최초로 입증 한 사람 중 한 명입니다. 그는 자신에 대해 이렇게 말했습니다. "나는 모든 비밀을 이해하고 바닥에 닿을 것입니다!"

Leonardo의 연구는 수학, 물리학, 천문학, 식물학 및 기타 과학의 광범위한 문제에 관한 것입니다. 그의 수많은 발명품은 자연의 발전 법칙 인 자연에 대한 깊은 연구를 기반으로했습니다. 그는 또한 회화 이론의 혁신가였습니다. Leonardo는 세상을 과학적으로 이해하고 캔버스에 재현하는 예술가의 활동에서 최고의 창의성을 보았습니다. 르네상스 미학에 대한 사상가의 기여는 그의 "회화에 관한 책"으로 판단할 수 있습니다. 그는 르네상스가 창조한 "보편적 인간"의 화신이었다.

NICCOLO MACHIAVELLI(1469-1527) - 이탈리아 사상가, 외교관, 역사가.

고대의 가난한 귀족 가문의 후손인 피렌체. 14년 동안 그는 피렌체 공화국의 군사 및 외교를 담당하는 10인 위원회의 비서로 재직했습니다. 피렌체 복원 후 메디치 당국은 국가 활동에서 제외되었습니다. 1513-1520년에 그는 망명 중이었다. 이 기간에는 Machiavelli의 가장 중요한 작품 인 "The Sovereign", "Titus Livius의 첫 10 년에 대한 담론", "History of Florence"가 포함되어 유럽의 명성을 얻었습니다. Machiavelli의 정치적 이상은 로마 공화국으로, 그는 "미덕과 영광 모두에서 주권자를 훨씬 능가하는"강한 국가라는 개념의 구체화를 보았습니다. ("Titus Livius의 첫 10년에 대한 담론").

N. Machiavelli의 아이디어는 정치 교리의 발전에 매우 중요한 영향을 미쳤습니다.

THOMAS MOP(1478-1535) - 영국 인문주의자, 작가, 정치가.

런던 변호사의 가정에서 태어난 그는 옥스퍼드 대학에서 교육을 받았으며 그곳에서 옥스퍼드 인문주의자 집단에 합류했습니다. Henry VIII 아래에서 그는 여러 고위 정부 직책을 맡았습니다. 모어가 인문주의자로서 형성되고 발전하는 데 매우 중요한 것은 로테르담의 에라스무스와의 만남과 우정이었다. 그는 반역죄로 기소되어 1535년 7월 6일에 처형되었습니다.

Thomas More의 가장 유명한 작품은 고대 그리스 문학과 철학에 대한 저자의 열정과 기독교 사상의 영향, 특히 Augustine의 논문 "On the City of God"을 모두 반영한 "Utopia"이며 이데올로기 적 연결을 추적합니다. 모어에 가까운 인본주의적 이상이 로테르담의 에라스무스와 함께. 그의 사상은 사회사상에 강한 영향을 미쳤다.

로테르담의 에라스무스(1469-1536) - 유럽 인본주의의 가장 저명한 대표자이자 당시 과학자들 중 가장 다재다능한 사람 중 한 명.

가난한 교구 사제의 사생아 에라스무스는 초기그는 1493년에 그곳을 떠날 수 있었던 아우구스티누스 수도원에서 보냈습니다. 그는 열렬한 열정으로 이탈리아 인문주의자들의 작품과 과학 문학을 연구했으며 그리스어와 라틴어의 가장 위대한 감식가가 되었습니다.

에라스무스의 가장 유명한 작품은 Lucian을 모델로 한 풍자 Praise of Stupidity(1509)로 Thomas More의 집에서 단 일주일 만에 작성되었습니다. 로테르담의 에라스무스는 고대와 초기 기독교의 문화적 전통을 종합하려고 노력했습니다. 그는 인간의 타고난 선함을 믿었고 사람들이 이성의 요구 사항에 따라 인도되기를 원했습니다. 에라스무스의 영적 가치 중-정신의 자유, 금욕, 교육, 단순성.

THOMAS MUNTZER (약 1490-1525) - 독일 신학자이자 초기 종교 개혁과 1524-1526년 독일 농민 전쟁의 이데올로기.

장인의 아들로 태어난 뮌처는 라이프치히 대학교와 프랑크푸르트 안 데어 오데르 대학교에서 교육을 받았고 그곳에서 신학 학사 학위를 받고 설교자가 되었습니다. 그는 신비주의자, 재세례파, 후스파의 영향을 받았습니다. 종교 개혁 초기에 뮌처는 루터의 신봉자이자 지지자였습니다. 그런 다음 그는 대중적인 종교 개혁에 대한 자신의 교리를 발전시켰습니다.

Müntzer의 이해에서 종교 개혁의 주요 임무는 새로운 교회 교리나 새로운 형태의 종교를 확립하는 것이 아니라 다수의 농민과 도시 빈민에 의해 수행될 임박한 사회 정치적 격변을 선포하는 것이었습니다. Thomas Müntzer는 사람들이 정의와 법이 승리하도록 돌볼 평등한 시민의 공화국을 위해 노력했습니다.

Müntzer에게 성경은 현대 사건의 맥락에서 자유로운 해석, 즉 독자의 영적 경험에 직접적으로 언급된 해석의 대상이었습니다.

Thomas Münzer는 1525년 5월 15일 불평등한 전투에서 반란군이 패배한 후 체포되어 혹독한 고문 끝에 처형되었습니다.

결론

첫 번째 장을 바탕으로 르네상스 문화의 주요 특징은 다음과 같다는 결론을 내릴 수 있습니다.

인간중심주의,

인문주의,

중세 기독교 전통의 수정,

고대에 대한 특별한 태도는 고대 기념물과 고대 철학의 부활입니다.

세상에 대한 새로운 태도.

인본주의에 관해서는 지도자들은 인간의 가치, 기원과 관대함으로부터 개인의 존엄성의 독립성, 끊임없이 개선하는 능력과 무한한 가능성에 대한 자신감을 강조했습니다.

종교개혁은 일반적으로 세계문명과 문화의 형성에 극히 중요한 역할을 하였다. 그것은 부르주아 사회의 한 남자, 즉 도덕적 선택의 자유를 가진 자율적 개인, 자신의 신념과 행동에 독립적이고 책임있는 사람의 출현 과정에 기여하여 인권 개념의 토대를 마련했습니다. 프로테스탄트 사상의 전달자들은 세상에 대한 새로운 태도로 새로운 부르주아적 유형의 성격을 표현했습니다.

르네상스 시대의 인물들은 철학, 예술, 정치학, 역사, 문학, 자연과학 및 기타 여러 분야를 망라하는 광범위한 창의적 유산을 우리에게 남겼습니다. 그들은 세계 문화 발전에 큰 공헌을 한 수많은 발견을 했습니다.

따라서 르네상스는 범위에 있어서는 국지적인 현상이지만 그 결과에 있어서는 세계적이며, 효과적인 시장 경제, 시민 사회, 민주적 법치, 문명화 된 삶의 방식, 높은 영적 문화.

[프랜시스 베이컨의 "우상" 교리

이미 인간의 마음을 사로잡았고 그 속에 깊숙이 자리잡은 우상과 거짓된 관념들이 사람들의 마음을 지배하여 진리가 들어가기 어렵게 하지만 그 입구를 허락하고 허락한다 해도 그들은 다시 과학이 갱신되는 동안 길을 막고 사람들이 경고하지 않는 한 가능한 한 그들에 대항하여 무장하지 않는 한 그것을 방해할 것입니다.

사람들의 마음을 포위하는 네 종류의 우상이 있습니다. 그들을 연구하기 위해 이름을 부여합시다. 첫 번째 유형은 씨족의 우상, 두 번째는 동굴의 우상, 세 번째는 광장의 우상, 네 번째는 극장의 우상이라고합시다.

진정한 귀납법을 통한 개념과 공리의 구축은 의심할 여지 없이 우상을 억압하고 몰아내는 진정한 수단이다. 그러나 우상의 표시는 매우 유용합니다. 우상의 교리는 자연의 해석을 위한 것이며, 일반적으로 받아들여지는 변증법을 위한 궤변 논박의 교리입니다.

클랜의 아이돌그 근거를 인간의 본성, 부족 또는 바로 그 종류의 사람들에서 찾으십시오. 인간의 감정이 사물의 척도라고 주장하는 것은 거짓이기 때문입니다. 반대로 감각과 마음의 모든 지각은 세상의 유비가 아니라 인간의 유비에 근거합니다. 인간의 마음은 고르지 못한 거울에 비유되는데 거울은 자신의 본성과 사물의 본성을 뒤섞어 왜곡되고 변형된 형태로 사물을 비춥니다.

동굴 우상개인의 망상의 본질. 결국 인류 고유의 실수 외에도 모든 사람에게는 자연의 빛을 약화시키고 왜곡시키는 특별한 동굴이 있습니다. 이것은 각각의 특별한 타고난 속성, 교육 및 다른 사람과의 대화, 책 읽기 및 사람이 머리를 숙이는 권위에서 발생하거나 편견과 경향이있는 영혼에 의해 수신되는지 여부에 따라 인상의 차이로 인해 발생합니다. , 또는 영혼이 시원하고 차분하거나 다른 이유로. 따라서 인간의 정신은 개인의 위치에 따라 변덕스럽고 불안정하며 무작위적인 것입니다. 이것이 헤라클레이토스가 사람들이 큰 세상이나 일반적인 세상이 아니라 작은 세상에서 지식을 찾는다고 말한 이유입니다.

사람들의 상호 연결과 공동체로 인해 나타나는 아이돌도 있습니다. 우리는 그들을 일으키는 사람들의 교제와 교제를 언급하면서 이러한 우상을 부릅니다. 광장의 우상. 사람들은 말로 하나가 됩니다. 군중의 이해에 따라 단어가 설정됩니다. 그러므로 나쁘고 불합리한 단어의 확립은 놀라운 방식으로 마음을 포위합니다. 학식 있는 사람들이 스스로 무장하고 자신을 보호하기 위해 사용하는 정의와 설명은 결코 대의에 도움이 되지 않습니다. 말은 마음을 직접적으로 강요하고 모든 것을 혼란스럽게 하며 사람들을 공허하고 무수한 논쟁과 해석으로 이끈다.

마지막으로, 다양한 철학 교리와 잘못된 증거 법칙에서 사람들의 영혼에 뿌리를 내린 우상이 있습니다. 우리는 그들을 부른다 연극 아이돌, 우리는 허구와 인공 세계를 나타내는 많은 코미디가 상연되고 재생되는 만큼 많은 철학 체계가 수용되거나 발명된다고 믿기 때문입니다. 우리는 지금 존재하거나 한때 존재했던 철학 체계에 대해서만 이것을 말하는 것이 아닙니다. 왜냐하면 이런 종류의 동화는 다수로 결합되고 구성될 수 있기 때문입니다. 일반적으로 매우 다른 오류는 거의 동일한 원인을 갖기 때문입니다. 여기서 우리는 일반적인 철학적 가르침뿐만 아니라 전통, 신앙 및 부주의의 결과로 힘을 얻은 과학의 수많은 원리와 공리를 의미합니다. 그러나 이런 종류의 우상들은 사람의 마음에 경고를 주기 위해 더 구체적이고 확실하게 따로 말해야 합니다.

인간의 마음은 성향 때문에 사물에서 발견하는 것보다 더 많은 질서와 균일성을 쉽게 가정합니다. 그리고 자연의 많은 부분이 독특하고 완전히 닮지 않았지만, 그는 존재하지 않는 유사점, 대응 관계 및 관계를 발명합니다. 그러므로 하늘의 모든 것이 완전한 원을 그리며 움직인다는 소문이...\

인간의 마음은 그것이 공통된 믿음의 대상이거나 좋아하기 때문에 일단 받아들인 것을 지지하고 동의하기 위해 모든 것을 끌어들입니다. 반대되는 사실의 강도와 수에 상관없이 마음은 그것들을 알아채지 못하거나 무시하거나 크고 유해한 편견을 가지고 차별함으로써 그것들을 거부하고 거부하여 이전 결론의 신뢰성이 그대로 유지되도록 합니다. . 그러므로 그는 서원하여 난파선에서 구원받은 자들의 형상을 그에게 보여주고 성전에 전시하고 동시에 대답을 구했을 때 그가 이제 신의 힘을 인식하는지 여부에 대해 올바르게 대답했습니다. “서약을 하고 죽은 사람들의 형상은 어디에 있습니까? 이것은 점성술, 꿈, 신념, 예측 등 거의 모든 미신의 기초입니다. 이런 종류의 소란에 빠지는 사람들은 일어난 사건에 주목하고 속인 사건은 무시하지만 후자는 훨씬 더 자주 발생합니다. 이 악은 철학과 과학에 더 깊이 침투합니다. 그것들에서 한 번 인식된 것은 후자가 훨씬 더 좋고 강하더라도 나머지를 감염시키고 정복합니다. 또한 우리가 지적한 이러한 편파성과 허영심이 일어나지 않더라도 인간의 마음은 부정적인 주장보다 긍정적인 주장에 더 잘 따르지만 공정하게는 두 가지 모두를 동등하게 취급해야 한다고 끊임없이 속고 있습니다. 더욱이, 모든 참된 공리의 구성에서 부정적인 주장은 큰 힘을 가집니다.

인간의 마음은 즉각적이고 갑자기 그를 강타할 수 있는 것에 의해 가장 큰 영향을 받습니다. 이것은 일반적으로 상상력을 자극하고 채우는 것입니다. 나머지는 눈에 띄지 않게 변형하여 자신의 마음을 소유하는 작은 것과 동일하다고 상상합니다. 마치 불이 붙은 것처럼 공리가 검증되는 멀고 이질적인 논증으로 전환하는 것은 일반적으로 마음이 기울어지지 않고 능력이 없습니다.가혹한 법과 강력한 권위가 그에게 지시할 때까지.

인간의 마음은 탐욕스럽습니다. 그는 멈출 수도 쉬지 않고 더 멀리 돌진합니다. 그러나 헛된 것입니다! 그러므로 사유는 세상의 한계와 끝을 파악하지 못하고, 마치 필연적인 것처럼 항상 더 멀리 존재하는 것을 표상한다. ....\ 정신의 이러한 무기력은 원인을 발견하는 데 훨씬 더 해로운 결과를 가져옵니다. 쉬지 않고 여기에서 더 유명한 것을 찾고 있습니다. 그래서 더 멀리 있는 것을 추구하면서 그는 그에게 더 가까운 것, 즉 우주의 본성이 아니라 인간의 본성에 근원을 두고 있는 최종 원인으로 되돌아갑니다. 놀라운 방식으로 철학을 왜곡했습니다. 그러나 보편적인 것에 대한 원인을 찾는 사람은 더 낮고 종속적인 원인을 찾지 않는 사람과 마찬가지로 가볍고 무지하게 철학을 합니다.

인간의 마음은 마른 빛이 아니며 의지와 열정이 뿌려져 있으며 과학에서 모든 사람에게 바람직한 것을 낳습니다. 사람은 오히려 자기가 좋아하는 것의 진실을 믿는다. 그는 연구를 계속할 인내심이 없기 때문에 어려운 것을 거부합니다. 냉정한 - 그것은 희망을 사로잡기 때문에; 자연에서 가장 높은 것은 미신 때문입니다. 경험의 빛-그것에 대한 오만함과 경멸 때문에 마음이 기초적이고 연약하다는 것이 밝혀지지 않았습니다. 역설 - 통념 때문에. 무한한 수의 방식으로, 때때로 감지할 수 없는 열정은 마음을 더럽히고 부패시킵니다.

그러나 대부분 인간 마음의 혼란과 망상은 감각의 관성, 불일치, 기만에서 비롯됩니다. 감각을 자극하는 것이 감각을 즉각적으로 자극하지 않는 것보다 선호되기 때문입니다. 그러므로 보는 것이 그칠 때 사색도 그치므로 보이지 않는 것에 대한 관찰이 불충분하거나 아예 없는 것이다. 그러므로 만져볼 수 있는 몸으로 둘러싸인 영혼의 모든 움직임은 숨겨져 있고 사람들이 접근할 수 없습니다. 마찬가지로 고체 부분의 미세한 변형은 숨겨진 상태로 남아 있습니다. 일반적으로 변경이라고 하는 것이 사실은 가장 작은 입자의 움직임입니다. 한편, 우리가 말한 이 두 가지에 대한 연구와 해명이 없이는 실질적인 의미에서 본질적으로 중요한 것은 아무것도 달성할 수 없습니다. 더욱이 공기의 본질과 공기보다 더 미묘한 모든 물체의 본질은 거의 알려져 있지 않습니다. 감정 자체는 약하고 미혹적이며, 감각을 강화하고 날카롭게 하기 위해 고안된 도구는 거의 가치가 없습니다. 자연에 대한 가장 정확한 해석은 적절하고 적절하게 설정된 실험을 통한 관찰을 통해 달성됩니다. 여기서 감정은 경험에 대해서만 판단하지만 경험은 자연과 사물 자체를 판단합니다.

인간의 마음은 본질적으로 추상적인 것에 끌리고 유체를 영구적인 것으로 생각합니다. 그러나 추상화하는 것보다 자연을 부분으로 해부하는 것이 좋습니다.. 이것이 다른 사람들보다 자연에 더 깊이 침투한 데모크리토스 학파가 한 일입니다. 더 많은 물질, 내부 상태 및 상태 변화, 순수 작용 및 작용 또는 운동의 법칙을 연구해야 합니다. 이러한 작용 법칙을 형태라고 부르지 않는 한 형태는 인간 영혼의 발명품이기 때문입니다.

이들은 우리가 부르는 아이돌입니다 가문의 우상. 그것들은 인간 정신의 본질의 획일성, 편견, 한계, 끊임없는 움직임, 열정의 암시, 감각의 무능력 또는 모드에서 비롯됩니다. 지각의.

동굴 우상교육, 습관 및 사고뿐만 아니라 영혼과 육체의 고유한 특성에서 비롯됩니다. 이런 종류의 우상은 다양하고 무수하지만 가장 주의가 필요하고 마음을 가장 부패시키고 더럽힐 수 있는 우상을 지적하겠습니다.

사람들은 특정 과학과 이론, 자신이 생각하는 저자와 발명가, 또는 가장 많은 노력을 기울였고 가장 익숙한 것을 좋아합니다. 이런 사람들이 철학과 일반 이론에 몰두한다면 이전 계획의 영향으로 그것들을 왜곡하고 타락시킵니다. \...\

철학과 과학과 관련하여 마음의 가장 크고 근본적인 차이점은 다음과 같습니다. 어떤 마음은 사물의 차이점을 알아차리는 데 더 강하고 적합하며, 다른 마음은 사물의 유사점을 알아차리는 데 더 적합합니다. 완고하고 예리한 마음은 차이의 모든 미묘함을 머뭇거리고 숙고하면서 성찰에 집중할 수 있습니다. 그리고 고상하고 움직이는 마음은 모든 곳에 내재된 사물의 가장 미묘한 유사점을 인식하고 비교합니다. 그러나 두 마음은 사물의 구분이나 그림자를 추구하는 데 너무 멀리 가기 쉽습니다.

단순함 속에 있는 자연과 육체에 대한 명상은 마음을 분쇄하고 이완시킵니다. 복잡하고 구성이 복잡한 자연과 신체에 대한 관조는 귀를 멀게 하고 마음을 마비시킵니다. \...\ 그러므로 이러한 명상은 마음이 꿰뚫고 수용적이 되도록 그리고 우리가 지적한 위험과 그로 인한 우상을 피하기 위해 서로 번갈아 교체해야 합니다.

관상에 있어서 주의는 동굴의 우상을 막고 추방하는 것과 같아야 합니다. 이러한 우상은 주로 과거 경험의 우세, 비교와 구분의 과잉, 일시적인 것에 대한 성향 또는 광대함에서 비롯됩니다. 그리고 사물의 소중함. 일반적으로 사물의 본질을 숙고하는 모든 사람은 자신의 마음을 특히 강하게 사로잡고 사로잡은 것이 의심스럽다고 생각해야 합니다. 그러한 선호의 경우에는 마음이 균형 잡히고 순수하게 유지되도록 큰 주의가 필요합니다.

하지만 최악의 광장의 우상단어와 이름과 함께 마음을 관통합니다. 사람들은 그들의 마음이 말을 명령한다고 믿습니다. 그러나 말이 이성에 반하는 힘을 발휘하는 경우도 있습니다. 이것은 과학과 철학을 궤변적이고 비효율적으로 만들었습니다. 그러나 단어의 대부분은 일반적인 의견에 그 출처가 있으며 군중의 마음에 가장 분명한 한계 내에서 사물을 분리합니다. 더 예리한 마음과 더 부지런한 관찰이 이러한 경계를 재정의하여 자연과 더 일치하도록 할 때 말은 방해가 됩니다. 따라서 과학자들의 시끄럽고 엄숙한 논쟁은 종종 단어와 이름에 대한 논쟁으로 바뀌며 정의에 따라 그것들을 정리하기 위해 그것들부터 시작하는 것이 (수학자들의 관습과 지혜에 따라) 신중할 것입니다. 그러나 사물에 대한 그러한 자연적 정의와 물질적 정의조차도 이 질병을 치료할 수 없습니다. 개념과 공리를 확립하는 방법과 방법에 대해 말할 때 곧 말할 것입니다.

극장 아이돌타고난 것이 아니고 비밀리에 마음에 침투하지 않고 허구의 이론과 잘못된 증거 법칙에서 공개적으로 전달되고 인식됩니다. 그러나 그것들을 반박하려는 시도는 우리가 말한 것과 결정적으로 일치하지 않을 것입니다. 우리가 근거나 증거에 대해 동의하지 않는다면 더 나은 논증이 불가능하기 때문입니다. 고대인의 명예는 그대로 유지되며 질문은 경로에만 적용되기 때문에 아무것도 제거되지 않습니다. 길을 걷는 절름발이가 길 없이 달리는 사람보다 낫다는 말이 있습니다. 도로 위의 주자가 더 민첩하고 빠를수록 그의 방황이 더 커질 것이라는 것도 분명합니다.

과학을 발견하는 우리의 방식은 재능의 예리함과 힘에 거의 영향을 미치지 않고 거의 동등하게 만드는 것입니다. 직선을 긋거나 완벽한 원을 그리는 것과 마찬가지로 손의 견고함, 기술 및 테스트는 큰 의미가 있지만 손만 사용하면 나침반과 자를 사용하면 거의 또는 전혀 의미가 없습니다. 그래서 그것은 우리의 방법입니다. 그러나 여기서는 별도의 반박이 필요하지 않지만 이러한 종류의 이론의 유형과 부류에 대해 언급해야 할 것이 있습니다. 그런 다음 그들의 약점에 대한 외적 징후에 대해서도, 마지막으로 불행하게도 길고 보편적인 오류 합의에 대한 이유에 대해 설명하여 진리에 접근하는 것이 덜 어려워지고 인간의 마음이 더 기꺼이 정화될 수 있도록 합니다. 자신과 우상을 거부합니다.

연극이나 이론의 우상은 무수히 많고 더 많을 수도 있고 언젠가는 더 많아질 수도 있습니다. 수세기 동안 사람들의 마음이 종교와 신학에 몰두하지 않고 시민 당국, 특히 군주제 당국이 그러한 혁신, 심지어 투기적인 혁신에 반대하지 않고 이러한 혁신으로 전환했다면 사람들은 위험에 처하지 않고 피해를 입지 않고 웰빙, 상을받지 못할뿐만 아니라 경멸과 악의를 받으면 의심 할 여지없이 더 많은 철학적이고 이론 학교한때 그리스인들 사이에서 매우 다양하게 번성했던 것들처럼. 천상의 에테르 현상과 관련하여 많은 가정이 만들어질 수 있는 것과 마찬가지로 철학 현상에 관한 다양한 도그마가 형성되고 구성될 수 있습니다. 이 극장의 픽션은 시인의 극장과도 같다. 역사 속 실화보다 무대를 위해 꾸며낸 이야기가 더 조화롭고 아름다우며 모두의 욕망을 충족시킬 가능성이 더 높다.

반면에 철학의 내용은 일반적으로 적은 것에서 많은 것을, 또는 많은 것에서 적은 것을 도출함으로써 형성되기 때문에 두 경우 모두 철학은 너무 협소한 경험과 자연사에 근거하여 결정을 내린다. 그것보다 적게. 따라서 합리주의적 설득의 철학자들은 경험에서 다양하고 사소한 사실을 정확히 알지 못하지만 부지런히 연구하고 무게를 잰 경험에서 빼냅니다. 다른 모든 것은 마음의 반성과 활동에 달려 있습니다.

몇 가지 실험을 통해 부지런하고 신중하게 노력한 후 모험을 통해 철학을 발명하고 도출했으며 이와 관련된 다른 모든 것을 놀라운 방식으로 왜곡하고 해석한 다른 철학자들이 많이 있습니다.

신앙과 존경의 영향 아래 신학과 전통을 철학과 혼합하는 세 번째 부류의 철학자도 있습니다. 그들 중 일부의 허영심은 영혼과 천재로부터 과학을 추론하는 지점에 도달했습니다. 따라서 거짓 철학의 오류의 근원은 궤변, 경험주의, 미신의 세 가지입니다.

......\ 사람들이 우리의 지시에 따라 궤변적인 가르침에 작별을 고하고 진지하게 경험에 참여한다면, 마음의 조숙하고 성급한 열정과 일반 및 원칙으로 올라가려는 열망으로 인해 아마도 이런 종류의 철학에서 큰 위험이 발생할 것입니다. 우리는 지금 이 악을 경고해야 합니다. 그래서 우리는 이미 특정 유형의 우상과 그 표현에 대해 이야기했습니다. 그것들은 모두 확고하고 엄숙한 결정으로 거부되고 버려져야 하며, 마음은 그것들로부터 완전히 해방되고 깨끗해져야 합니다. 과학에 기초한 사람의 왕국에 들어가는 것이 "아무도 어린아이와 같이 되지 않고는 들어갈 수 없는" 천국에 들어가는 것과 거의 같게 하십시오.

№ 14 서유럽 부흥의 시대. 갱생-지금은 서유럽과 중부 유럽 국가의 문화 및 이데올로기 발전 기간입니다. 르네상스는 이탈리아에서 가장 분명하게 나타났습니다. 이탈리아에는 단일 국가가 없었습니다 (남부를 제외하고). 정치적 존재의 주요 형태는 공화당 정부 형태의 작은 도시 국가, 은행가, 부유 한 상인 및 산업가와 합병 된 봉건 영주입니다. 따라서 이탈리아에서는 완전한 형태의 봉건제가 형성되지 않았습니다. 도시 간의 경쟁 상황은 출신이 아니라 개인의 능력과 부를 우선시합니다. 활기차고 진취적인 사람들뿐만 아니라 교육받은 사람들도 필요했습니다. 따라서 교육과 세계관에 인본주의적 방향이 나타난다. 리바이벌은 보통 초기(시작 14 - 끝 15)와 높음(끝 15 - 16의 1분기)으로 나뉩니다. 이탈리아의 가장 위대한 예술가들이 이 시대에 속합니다. 레오나르도 다빈치(1452-1519), 미켈란젤로 부오나로티(1475 -1564) 및 라파엘 산티(1483-1520). 이 구분은 이탈리아에 직접 적용되며 르네상스가 아펜니노 반도에서 절정에 이르렀지만 그 현상은 유럽의 다른 지역으로 퍼졌습니다. 알프스 북쪽의 유사한 과정을 « 북부 르네상스 ». 유사한 과정이 프랑스와 독일의 도시에서 일어났습니다. 중세인도, 현대인도 과거에서 이상을 찾고 있었다. 중세 시대에 사람들은 자신이 계속해서 산다고 믿었습니다. 로마 제국은 계속되었고 문화적 전통 : 라틴어, 로마 문학 연구, 그 차이는 종교 영역에서만 느껴졌습니다. 그러나 르네상스 시대에는 중세 시대와 근본적으로 다른 점, 주로 교회의 모든 것을 포괄하는 힘의 부재, 영적 자유, 우주의 중심으로서의 인간에 대한 태도를 본 고대에 대한 견해가 바뀌었습니다. 인본주의 자의 세계관에서 중심이 된 것은 바로 이러한 아이디어였습니다. 새로운 발전 추세와 일치하는 이상은 고대를 완전히 부활시키려는 열망을 불러 일으켰고, 이를 위해 비옥 한 땅이 된 것은 수많은 로마 유물이있는 이탈리아였습니다. 르네상스는 그 자체로 나타나 예술의 비범한 성장의 시대로 역사에 기록되었습니다. 이전의 예술 작품이 교회의 이익, 즉 컬트 대상이었다면 이제 작품은 미적 요구를 충족시키기 위해 만들어집니다. 인본주의자들은 삶이 즐거움을 가져다 주어야 한다고 믿었고 중세 수도원의 금욕주의는 그들에 의해 거부되었습니다. 그러한 이탈리아 작가와 시인들은 인본주의 이데올로기 형성에 큰 역할을했습니다. 단테 알리기에리(1265~1321), 프란체스코 페트라르카(1304~1374), 조반니 보카치오(1313-1375). 사실, 그들, 특히 페트라르카는 르네상스 문학과 휴머니즘 자체의 창시자였습니다. 인본주의자들은 그들의 시대를 번영, 행복, 아름다움의 시대로 인식했습니다. 그러나 이것이 논란이 없었던 것은 아닙니다. 주된 것은 그것이 엘리트의 이데올로기로 남아 있었고 새로운 아이디어가 대중에게 침투하지 않았다는 것입니다. 그리고 인본주의 자들은 때때로 비관적 인 분위기를 가졌습니다. 미래에 대한 두려움, 인간 본성에 대한 실망, 사회 구조에서 이상을 달성할 수 없다는 것이 르네상스의 많은 인물들의 분위기에 스며들어 있습니다. 아마도 이런 의미에서 가장 드러나는 것은 긴장된 기대였습니다. 최후의 날 1500년. 르네상스는 새로운 유럽 문화, 새로운 유럽의 세속적 세계관, 새로운 유럽의 독립적인 성격의 토대를 마련했습니다.

소개

르네상스는 서유럽 문화사에서 질적으로 새로운 단계입니다. 그 본질은 중세 시대의 세계관에서 현대 문화로의 전환입니다. 이 전환은 과학, 종교, 예술 등 인간의 세계관과 세계관의 모든 영역에서 일어났습니다.

르네상스, 뉴 에이지의 시작을 알린 XIII-XIV 세기의 유럽 문화 역사의 시대. 부흥은 우선 예술적 창의성의 영역에서 스스로 결정되었습니다. 유럽 ​​역사의 한 시대로서, 도시의 경제적, 사회적 자유의 강화, 결국 독일의 종교 개혁과 농민 전쟁으로 이어진 영적 탐구, 절대주의 군주제 형성 등 많은 중요한 이정표로 표시됩니다. 프랑스에서 가장 큰 규모), 대항해 시대의 시작, 유럽 인쇄의 발명, 우주론에서 태양 중심 시스템의 발견 등 그러나 그 첫 번째 징후는 동시대인들에게 보였던 것처럼 오랜 세기의 중세 "쇠퇴" 이후의 "예술의 번창", 즉 고대의 예술적 지혜를 "되살린" 번창이었습니다. 프랑스 르네상스와 모든 유럽 아날로그가 오는) 처음으로 사용됩니다. ) J. Vasari. 일반적으로 이탈리아와 알프스 북부 국가의 르네상스 발전 단계의 기간 구분은 일치하지 않습니다. 일반적으로 받아 들여지지만 "북부 르네상스"라는 조건부 개념은 이탈리아 르네상스와 유추하여 독일, 네덜란드 및 프랑스의 문화와 예술에 적용됩니다. 이들 국가의 예술 문화의 주요 특징 중 하나는 후기 고딕 예술과의 유전적 연결입니다. "북부 르네상스"의 기원은 XIV와 XV 세기의 전환기에 찾아야 합니다. 부르고뉴에서.

XV 세기에. 네덜란드 회화는 북유럽 예술 학교 중에서 선두 자리를 차지했습니다. 북르네상스 회화는 고대부터 볼 수 없었던 사물의 표면에 대한 세밀한 묘사, 정확히 알아채고 성공적으로 조명 효과를 적용하여 얻은 가소성, 자연스러움이 흥미롭다. 가장 명확하게, 이 "문화 혁명"은 목표와 방법의 변화로 표현되었습니다. 창의적인 활동. 과학적 지식과 교육을 습득하는 새로운 방법, 회화의 새로운 시각 체계, 문학의 새로운 장르, 새로운 형태의 사회적 행동. 고대 철학과 미학, 기독교 세계관과 초기 부르주아 사회의 현실적 의식 사이에 대화가 이루어졌습니다. 이 대화에서 현실과 이상, 물질적 자연과 영적 신성의 조화가 탄생하고 새로운 유형의 미의식이 탄생했습니다.

르네상스 현상이 이탈리아에서 처음 발생하여 전례 없는 화려함(가장 분명하게 나타남)에 이르렀다는 것은 미숙한 사람들에게도 잘 알려져 있습니다. 대부분의 현대 연구자들의 일반적인 인식에 따르면 "르네상스 문화"라는 용어는 동일하지 않으며 "르네상스 문화"의 개념과 동일하지 않다는 점을 기억해야 합니다. 현상. 그리고 두 번째는 훨씬 더 광범위하며 (르네상스 문화와 함께) 당시의 다른 문화 현상(계속 존재했던 중세, 비르네상스 문화 과정 포함)을 포함합니다. 우리는 르네상스의 연대기적 틀이 서유럽의 다른 지역과 문화 영역에서도 동일하지 않습니다).

이탈리아는 고전 르네상스의 발상지입니다. 연대기적 틀 이탈리아 르네상스- 30-40대. XIV 세기 (또는 11세기 중반부터) - 16세기 말. (또는 17세기의 첫 10년). 프랑스, 독일, 네덜란드 또는 소위 북부 르네상스와 같은 서유럽의 다른 국가의 르네상스 (외국 과학에서 북유럽은 전통적으로 알프스 북쪽, 즉 이탈리아 북쪽-네덜란드, 프랑스, 독일 등). 따라서 이들 국가의 문화와 예술에 적용되는 "북부 르네상스"의 개념은 역사적, 문화적, 예술적 정의만큼 지리적 특성이 아닙니다.

이 과정의 목적은 이탈리아 XII-XVI 세기에 가장 완벽하게 표현된 르네상스의 특징을 분석하는 것입니다. 연구 과정에서 가장 저명한 대표자의 건축, 조각 및 회화 분야에서 혁신적인 기능을 식별하는 것이 필요합니다.

연구 주제에 관한 문헌을 연구합니다.

르네상스 미술의 특징을 설명할 수 있습니다.

Filippo Brunneleschi, Donatello, Masaccio, Jan van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Albrecht Dürer의 작업을 분석합니다.

작업의 구조 - 코스 작업은 소개, 2 장, 결론 및 적용으로 구성됩니다. 소개는 전체 연구의 주요 측면을 간략하게 설명하고 목표와 목표를 설정합니다. 1장 설명 일반적인 의미르네상스, 이 시대 예술의 문제, 예술가들이 예술에 가한 혁신. 2장에서는 북유럽 르네상스의 문화, 네덜란드 회화의 '전통주의'와 '낭만주의', 독일과 프랑스의 르네상스의 발현 양상을 살펴본다.

1. 르네상스 - 새 이미지문화의 평화

.1 유럽 르네상스 예술의 일반적인 문제

당시 유럽 문화에서 중세의 금욕주의와 독단주의는 삶의 의미에 대한 새로운 감각, 인간의 마음과 경험의 광범위한 가능성으로 대체되었습니다. 고대 세계의 형태는 이탈리아 도시의 건축, 건물 내부에 처음 나타납니다. 이탈리아 르네상스의 거장들은 피렌체, 베니스, 시에나, 만투아 등의 아름다운 사원, 극장, 궁전을 만듭니다. 이탈리아 도시. 현지 조건의 영향으로 명확하게 구별되는 이탈리아어, 프랑스어, 네덜란드어, 독일어, 영어 및 스페인어 품종의 새로운 스타일이 형성되고 있습니다.

고대 예술의 공식 언어는 새로운 시대의 이상에 봉사했습니다. 떠오르는 새로운 건축 양식은 고대 로마 양식과 마찬가지로 매우 절충적이며 그 형식적 요소는 분명 그레코로만 양식의 무기고에서 차용한 것임이 밝혀졌습니다. 새로운 건축물의 건물 형태의 차분한 수평 분할은 이제 고딕 양식의 급증하는 선과 반대됩니다. 지붕이 평평해집니다. 탑과 첨탑 대신 돔, 드럼, 돛, 이중 주문 등이 자주 나타납니다.

르네상스의 문제는 예술 분야에서 매우 강력하고 훌륭하게 실현된 개성에 대한 태도가 나중에 사회의 사회적 정치적 삶에 파괴적인 것으로 판명되었다는 것입니다. 개성의 자발적인 자기 긍정은 종종 고귀한 부흥주의 인본주의와는 거리가 멀다는 것이 밝혀졌습니다. 여기에서 개성은 뚜렷한 개인주의, 자신의 필요와 욕구에 대한 동물학적 주장, 인본주의적 도덕성을 다양한 형태의 상황 윤리로 점진적으로 저하시키는 것으로 변합니다. 시민의 의무, 높은 도덕적 자질, 영웅주의, 조화롭게 발전된 이미지, 강한 정신그리고 일상의 차원을 넘어선 인간 영웅의 몸. 전성기 르네상스의 예술은 삶의 아름다운 측면의 조화를 위해 노력하면서 일반적인 이미지라는 이름으로 사소한 세부 사항을 포기했습니다. 개발 중 초상화 그림르네상스의 중요한 업적 중 하나가 됩니다.

자기 지식의 노력이 시작되는 한계 인 외부 경계가 그려질 때만 사람은 반사의 거울을 갖게됩니다. 르네상스 개인은 무엇보다도 자연스럽고 자발적으로 자기 표현하는 존재입니다.

현대 사회와 유사한 평행선을 그리는 것은 어렵지 않습니다. 그토록 오랜 세월 소비에트 이데올로기가 길러온 애국심과 의무감, 양심, 도덕성을 겸비한 인간의 숭고한 이상은 쉽고 빠른 이익을 추구하며 물질적 재화를 추구하는 인간에게 자리를 내주었다. , 육체적 쾌락. 방탕과 고집, 포만감과 개인주의(모든 사람이 자신을 위할 때) - 이것은 현대인과 르네상스인 모두에게 내재된 특징의 완전한 목록과는 거리가 멉니다.

1.2 이탈리아 건축, 회화, 조각의 혁신적 특징

르네상스는 이탈리아에서 시작되어 여러 단계를 거쳤으며 다른 서유럽 국가의 예술과 문화에 큰 영향을 미쳤습니다. 예술사에서 우리는 XIV 세기 초기 르네상스의 틀 내에서 미술과 조각의 발전에 대해 이야기할 수 있습니다. 건축의 역사에서는 상황이 다릅니다. XIV 세기의 경제 위기로 인해 건축의 르네상스는 XV 세기 초에 시작되어 이탈리아에서 XVII 세기가 시작될 때까지 그리고 국경을 넘어 더 오래 지속되었습니다.

15세기 이탈리아는 재능 있는 장인들이 풍부하고 예술적 창의성의 범위가 다른 모든 유럽 국가보다 앞서 있었다. 르네상스의 사상은 단순한 변화를 의미하지 않았습니다. 스타일 방향그리고 예술적 취향뿐만 아니라 그 사회 생활의 모든 영역에서 심오한 변화를 가져 왔습니다.

필리포 브루넬레스키. (1337-1446) - XV 세기의 가장 위대한 이탈리아 건축가 중 한 명. 건축 역사의 새로운 장을 열다 -

르네상스 스타일의 형성. 주인의 혁신적인 역할은 동시대 사람들에게도 주목되었습니다. 레온 바티스타 알베르티가 1434년 피렌체에 도착했을 때 그는 "고대의 저명한 예술 거장들 중 어느 누구"도 뒤지지 않는 예술가들의 모습에 충격을 받았습니다. 이 예술가들 중 첫 번째로 그는 Brunelleschi라는 이름을지었습니다. 거장 안토니오 마네티의 초기 전기 작가에 따르면, 브루넬레스키는 "로마 또는 고전이라고 불리는 건축 양식을 갱신하고 유통시켰지만" 그 이전과 그의 시대에는 "독일식" 또는 "현대식"으로만 건축했습니다. 즉, 고딕) 방식입니다. 100년 후, Vasari는 위대한 피렌체 건축가가 "건축에 새로운 형태를 부여하기 위해" 세상에 왔다고 주장할 것입니다.

고딕 양식과 단절한 브루넬레스키는 고대 고전에 그다지 의존하지 않고 프로토 르네상스 건축과 중세 시대에 걸쳐 고전의 요소를 보존한 이탈리아 건축의 국가적 전통에 의존했습니다. 브루넬레스키의 작품은 두 시대의 전환기에 서 있습니다. 동시에 프로토 르네상스의 전통을 완성하고 건축 발전의 새로운 길을 위한 토대를 마련했습니다.

15세기 초, 피렌체 통치자, 길드 조직, 상인 길드는 산타 마리아 델 피오레 피렌체 대성당의 건축과 장식을 완성하는 데 큰 관심을 기울였습니다. 기본적으로 건물은 이미 세워져 있었지만 14세기에 구상된 거대한 돔은 실현되지 않았다. 1404년부터 브루넬레스키는 돔 설계에 참여했습니다. 결국 그는 작업을 수행하라는 명령을 받고 리더가됩니다. 마스터가 직면한 가장 큰 어려움은 중앙 십자가의 거대한 크기(48m 이상)로 인해 확산을 용이하게 하기 위해 특별한 노력이 필요했습니다. 기발한 디자인을 적용함으로써 브루넬레스키는 레온 바티스타 알베르트(Leon Battista Albert)의 말을 빌리자면 "가장 독창적인 발명품을 만들어냄으로써 문제를 해결했다. ." 돔은 1420년에 시작되어 1436년에 랜턴 없이 완성되었으며, 주인이 죽은 후 브루넬레스키의 그림에 따라 완성되었습니다. 피렌체 건축가의 이 작품은 미켈란젤로의 돔으로 장식된 성 베드로 성당까지 이탈리아 르네상스의 돔형 교회 건설의 시작을 표시했습니다.

브루넬레스키의 주요 작품 중 하나는 그가 재건한 피렌체의 산 로렌초 교회입니다. 그는 측면을 구축하여 시작했습니다

나중에 오래된 성구실의 이름을 받은 예배당에서 그는 르네상스 중심 구조의 유형을 만들었고 평면은 정사각형이며 돛에 얹혀 있는 돔으로 덮여 있습니다. 교회 건물 자체는 3일간의 바실리카입니다.

산 로렌조(San Lorenzo)의 오래된 성구실에 세워진 돔 구조의 아이디어는 브루넬레스키의 가장 유명하고 완벽한 작품 중 하나인 파치 채플(1430-1443)에서 더욱 발전되었습니다. 공간 구성의 명확성, 선의 순도, 비율의 우아함 및 장식으로 구별됩니다. 모든 볼륨이 돔형 공간 주위에 그룹화된 건물의 중심 특성, 건축 양식의 단순성과 명확성, 부품의 조화로운 균형은 Pazzi Chapel을 르네상스 건축의 새로운 원칙의 초점으로 만듭니다. Brunelleschi의 마지막 작품-Santa Maria degli Angeli 교회, San Spirito 교회 및 기타 일부 교회의 웅변은 미완성 상태로 남아 있습니다.

시각 예술의 새로운 트렌드는 조각에서 처음으로 나타났습니다. 15세기 초, 도시에서 가장 부유하고 영향력 있는 작업장과 상인 길드에서 온 대성당, 세례당, 오르 산 메켈레 교회와 같은 도시의 가장 큰 건물을 장식하라는 대규모 주문이 많은 젊은이들을 매료시켰습니다. 예술가들 사이에서 많은 뛰어난 거장들이 곧 등장했습니다.

Donatello (1386-1466) - 르네상스 개화를 시작한 거장들을 이끈 위대한 피렌체 조각가. 인은-

그의 시간 동안 그는 진정한 혁신가로 활동했습니다.

자연에 대한 철저한 연구와 고대 유산을 능숙하게 사용하는 Donatello는 안정적인 인물 설정 문제를 해결하고 신체의 유기적 무결성, 무거움, 질량을 전달한 최초의 르네상스 마스터였습니다. 그의 작품은 새로운 시작의 다양성에서 눈에 띈다. 그는 조각상 플라스틱으로 나체의 이미지를 되살리고 조각 초상화의 토대를 마련했으며 청동 기념물, 새로운 유형의 비석을 만들고 독립 그룹의 문제를 해결하려고 시도했습니다. 그는 그의 작품에서 이론을 처음으로 사용한 사람 중 한 명이었습니다. 선형 관점. Donatello의 작업에 설명된 문제는 오랫동안 유럽 조각의 발전을 결정했습니다.

이미 1406년에 Donatello는 대성당(1408-1409, Florence, National Museum)을 위해 대리석 "David"를 공연했습니다.

포기 전통적인 이미지거문고 또는 이슬람 두루마리를 손에 든 노인의 모습을 한 다윗 왕은 패배 한 골리앗에 대한 승리의 순간에 다윗을 청년으로 제시했습니다. 승리의 의식을 자랑스럽게 생각하는 다윗은 엉덩이에 서서 잘린 적의 머리를 발로 짓밟습니다. 이 성경적 영웅의 이미지를 만드는 Donatello는 고대 전통에 의존하려고 노력했으며 얼굴과 머리카락을 해석하는 데 고대 프로토 타입의 영향이 특히 두드러졌습니다. 프레임의 David 얼굴 긴 머리, 양치기 모자의 가장자리로 덮여 있으며 머리가 약간 기울어져 거의 보이지 않습니다. 이 조각상에는 인물의 연출, 몸통의 굴곡, 손의 움직임, 고딕 양식의 메아리가 있습니다. 그러나 대담한 충동, 움직임, 영성은 이미 Donatello의 기질을 느낄 수 있습니다.

그의 작품에서 Donatello는 비율의 객관적인 정확성과 인물 구성을 위해 노력했을뿐만 아니라 조각상이 의도 한 위치에 놓일 경우의 인상을 항상 고려했습니다.

George 동상은 Donatello 작업의 정점 중 하나입니다. 여기에서 그는 매우 개별적인 이미지를 생성하는 동시에 강한 성격, 강력하고 아름다운 사람, 그것은 시대와 매우 일치했으며 나중에 이탈리아 르네상스의 거장들의 많은 작품에 반영되었습니다. 이것은 인간의 성격을 평준화시킨 중세 정경에서 벗어나려는 예술가의 열망으로 인해 초기 르네상스 예술의 전형적인 특징입니다.

세기 중반에 피렌체의 조각품은 기념비적 성격과 극적인 표현의 특징을 잃습니다. 세속적이고 일상적인 모티프가 점점 더 널리 퍼지고 조각 초상화가 나타나 빠르게 퍼집니다.

15세기 초 피렌체의 그림은 대조가 풍부합니다. 조각에서와 마찬가지로 후기 트레첸토 예술의 고딕 예술이 르네상스 예술에 미친 영향에서 결정적인 변화가 이루어집니다. 새로운 방향의 머리는 Masaccio였으며 그의 활동은 15 세기의 30 년에 해당합니다. 그의 급진적이고 대담한 혁신은 예술가들에게 큰 인상을 남겼지만 부분적으로만 받아들여졌습니다.

Masaccio (1401-1428)-예술에 집착하고 국경 너머에있는 모든 것에 무관심하고 부주의하고 멍청한 사람, 그리고이 멍청함 때문에 그는 이탈리아어로 머프를 의미하는 Masaccio라는 별명을 얻었습니다.

조각가 Donatello 및 건축가 Brunelleschi와의 창의적인 접촉뿐만 아니라 Giotto의 예술은 젊은 예술가에게 큰 영향을 미쳤습니다. 마사초는 브루넬레스키, 도나텔로와 함께 피렌체 르네상스 미술의 사실주의 경향을 이끌었다.

그의 가장 오래된 작품은 1420년경의 성 안나와 천사들이 있는 마돈나와 아이로 간주됩니다.

1426년 마사초는 피사에 있는 카를리네 교회를 위해 대형 제단 폴립티치를 그렸습니다. 비슷한 시기에(1426-1427) 플로렌스에 있는 오래된 고딕 양식의 산타 마리아 노벨라 교회에서 쓰여진 프레스코 "삼위일체"는 마사초 작품의 새로운 단계를 반영합니다. 프레스코화의 구성에는 처음으로 당시 브루넬레스키가 작업하던 선형 원근법이 일관되게 사용되었다. 그것의 첫 번째 계획은 십자가에 못 박히신 그리스도와 다가오는 마리아와 요한과 함께 십자가에 의해 점유되며, 두 번째 계획에서는 아버지 하나님의 모습이 그리스도 뒤의 맨 위에 보입니다.

Masaccio 프레스코화의 참신함은 그가 그린 장엄한 르네상스 양식의 건축 양식과 선형 원근법의 능숙한 사용 때문만은 아닙니다. 구도의 간결함, 조각에 가까운 형태의 리얼리티, 얼굴의 표현력이 새로웠다.

Bracacci Chapel에서 Masaccio의 가장 유명한 작품 중 하나는 The Expulsion from Paradise입니다. 윤곽이 희박한 풍경을 배경으로 칼을 든 천사가 맴도는 낙원의 문에서 나오는 아담과 이브의 모습이 선명하게 드러납니다. 회화 역사상 처음으로 르네상스 마사치오알몸을 설득력있게 실행하고 자연스러운 비율을 부여하고 단단하고 꾸준히 땅에 눕혔습니다. 표현력 면에서 이 프레스코화는 당시의 예술과 유사하지 않습니다.

Bracacci Chapel의 Masaccio의 프레스코 화는 냉정한 사실주의로 가득 차 있습니다. 기적을 이야기하면서 Masaccio는 그가 묘사하는 장면에서 신비주의의 그늘을 박탈합니다. 그의 그리스도, 베드로, 사도들은 지상의 사람들이며 그들의 얼굴은 개별화되고 인간 감정의 도장이 찍혀 있으며 그들의 행동은 자연스러운 인간 충동에 의해 지시됩니다.

마사초는 전임자들처럼 인물을 일렬로 쌓지 않고 서사의 의도에 따라 그룹화하여 풍경 속에 자유롭게 배치한다. 빛과 색의 도움으로 사물의 형태를 자신 있게 조각한다. 또한 "낙원에서 추방"에서와 같이 빛은 자연광의 방향에 따라 떨어지며 그 출처는 오른쪽 높은 곳에 위치한 예배당의 창문입니다.

그가 창조한 것은 역사의 전환점이 되었다 이탈리아 회화. 그가 죽은 후 1세기 이상 동안 브라카치 예배당은 순례의 장소이자 화가들의 학교였습니다.

2. 북르네상스 문화의 민족적 정체성

.1 네덜란드 회화의 "전통주의"와 "로마니즘"

오늘날 벨기에와 네덜란드의 영토를 포함하는 작은 나라는 15세기 이탈리아에서 유럽 예술의 가장 밝은 중심지가 될 운명이었습니다. 네덜란드 도시들은 비록 정치적으로 독립적이지는 않았지만 오랫동안 부유해지고 강해졌으며 광범위한 무역을 수행한 다음 직물, 카펫 및 유리의 제조 생산을 개발했습니다. 주요 센터 국제 무역시적인 운하 도시인 고대 브뤼헤가 있었습니다. 15세기 말에 활기 넘치는 앤트워프(Antwerp)에 자리를 내주면서 사라졌습니다.

네덜란드의 고딕 건축은 사원뿐 아니라 더 많은 시청, 성벽 및 탑, 상인의 집입니다.

그리고 공예 길드 쇼핑몰, 창고 및 마지막으로 특징적이고 오래된 유형의 주거용 주택 : 좁은 정면과 높은 삼각형 또는 계단식 박공이 있습니다.

교회는 돌보다 벽돌로 더 많이 지어졌기 때문에 교회 조각품은 대단한 발전. Klaus Sluter와 그의 학생들은 네덜란드 문화에서 눈부신 예외로 남아 있습니다. 중세 시대의 주요 예술적 힘은 미니어처 그림에서 다른 것으로 나타났습니다. 15세기에 미니어처는 Limburg 형제가 그린 유명한 베리 공작의 시간의 책에서 볼 수 있듯이 높은 수준의 완성도에 도달했습니다.

세상을 바라보는 사랑스럽고 부지런하며 시적인 시선은 얀 반 에이크가 시작한 15세기의 위대한 그림이 미니어처에서 물려받은 것입니다. 원고를 장식하는 작은 그림은 제단의 문을 장식하는 큰 그림으로 성장했습니다. 동시에 새로운 예술적 자질이 생겼습니다. 미니어처에 있을 수 없는 무언가가 나타났습니다. 같은 의도, 사람, 얼굴, 눈 깊이에 집중된 시선.

Hermitage에는 저명한 네덜란드 거장 Rogier van der Weyden “St. 루크는 마돈나를 그린다"(전도자 루크는 예술가이자 화가 작업장의 후원자로 여겨졌다). 그것은 네덜란드가 가장 좋아하는 전형적인 많은 구성을 포함합니다. 도시와 운하의 파노라마, 다리에 두 명의 생각에 잠긴 인물과 함께 너무 작고 부드럽고 조심스럽게 칠해졌습니다. 그러나 가장 주목할만한 것은 "인생에서"마돈나를 그리는 루크의 얼굴과 손입니다. 그는 특별한 표정을 가지고 있습니다. 완전히 사색에 빠진 남자의 조심스럽고 떨리는 경청 표정입니다. 이것이 네덜란드의 옛 거장들이 자연을 바라 본 방식입니다.

얀 반 에이크로 돌아가 봅시다. 그는 형 Hubert와 함께 일하면서 미니어처로 시작했습니다. van Eyck 형제는 전통적으로 유화 기법을 발명한 것으로 알려져 있습니다. 이것은 정확하지 않습니다. 식물성 기름을 바인더로 사용하는 방법은 이전에 알려졌지만 van Eycks는이를 개선하고 배포에 자극을주었습니다. 기름은 곧 온도를 대체했습니다.

유성 페인트는 나이가 들면서 어두워집니다. 우리가 박물관에서 보는 오래된 그림들은 그들이 나타났을 때 다르게 보였고, 훨씬 더 가볍고 밝았습니다. 그러나 van Eycks의 그림에는 정말 특이한 기술적 특성이 있습니다. 페인트는 마르지 않고 수세기 동안 신선함을 유지합니다. 스테인드 글라스 창의 광채를 연상시키는 거의 빛납니다.

반 에이크스의 가장 유명한 작품인 대형 겐트 제단화는 위베르트에 의해 시작되었으며, 그의 죽음 이후에도 계속 이어져 1432년 1월에 완성되었습니다. 웅장한 제단의 날개는 내부와 외부 모두 2단으로 칠해져 있습니다. 바깥쪽에는 기부자 (고객)의 성모 영보와 무릎을 꿇은 모습이 있습니다. 평일에는 제단이 닫혀있는 모습입니다. 휴일에는 문이 열렸고 열리면 제단이 6 배 더 커졌고 교구민 앞에서 Van Eyck 색상의 모든 광채로 광경이 생겼습니다. 인간의 죄의 구속과 다가오는 깨달음에 대한 생각. 위의 중앙에는 deesis가 있습니다. 왕좌에 계신 아버지 하나님과 마리아와 세례 요한이 측면에 있습니다. 이 수치는 인간의 성장보다 큽니다. 그런 다음 인간 성장과 음악 및 노래 천사 그룹의 벌거 벗은 아담과 이브. 낮은 계층에서 - 훨씬 더 작은 규모로, 매우 공간적으로, 넓은 범위에서 해결되는 어린 양 숭배의 붐비는 장면 피는 풍경, 측면 날개-순례자의 행렬. 어린양 경배의 줄거리는 죄 많은 세상이 끝난 후 하나님의 도성이 땅에 내려와 밤이 없고 영원한 빛이 있을 것이라고 말하는 요한계시록에서 따온 것입니다. 수정같이 빛나는 생명의 강과 달마다 열매를 맺는 생명나무와 그 성은 "투명한 유리 같은 정금"입니다. 어린 양은 의인을 기다리는 신화의 신비로운 상징입니다. 그리고 분명히 예술가들은 영원과 썩지 않는 황금빛 꿈을 구현하기 위해 지구의 매력, 인간의 얼굴, 허브, 나무, 물에 대한 모든 사랑을 겐트 제단의 그림에 담으려고했습니다.

얀 반 에이크는 뛰어난 초상화가이기도 했습니다. Arnolfini 배우자의 한 쌍의 초상화에서 샹들리에, 캐노피, 거울 및 무릎 개가있는 평범한 방에서 당시 다소 허식적인 패션을 입은 평범한 사람들의 이미지는 일종의 멋진 성사처럼 보입니다. 마치 촛불의 불꽃, 사과의 홍당무, 볼록 거울을 숭배하는 것과 같습니다. 은밀한 의식을 치르듯 온유한 아내의 손을 꼭 잡고 있는 아르놀피니의 길고 창백한 얼굴의 모든 이목구비에 반한다. 사람과 물건 모두-모든 것이 엄숙한 기대와 경건한 진지함으로 얼어 붙었습니다. 모든 것에는 결혼 서약과 난로의 신성함을 암시하는 숨겨진 의미가 있습니다.

그리하여 burghers의 일상적인 그림이 시작되었습니다. 이 미묘한 꼼꼼함, 편안함에 대한 사랑, 사물의 세계에 대한 거의 종교적인 애착. 그러나 멀어 질수록 더 많은 산문이 나오고 시가 멀어졌습니다. 시민의 삶은 신성함과 위엄의 시적인 어조로 묘사된 적이 없었습니다.

북유럽 국가의 초기 시민도 그들의 후손만큼 "제한된 부르주아"가 아니었습니다. 사실, 이탈리아 인의 범위와 다양성은 그의 특징이 아니지만 더 좁은 세계관에서도 버거는 특별한 종류의 겸손한 웅장함에 이질적이지 않습니다. 결국 그는 도시를 만든 시민이었고 봉건 영주로부터 도시의 자유를 수호했으며 여전히 외국 군주와 탐욕스러운 가톨릭 교회로부터 도시를 지켜야 했습니다. burghers의 어깨에는 물질적 가치에 대한 존경심 증가 외에도 탄력성, 기업 결속력, 의무 및 단어에 대한 충성도, 자존감을 개발 한 뛰어난 인물을 형성 한 위대한 역사적 행위가 놓여 있습니다. Thomas Mann이 말했듯이 burgher는 "최고의 의미에서 평균적인 사람"이었습니다.

이 정의는 르네상스 시대의 이탈리아인에게는 맞지 않습니다. 그들은 높은 의미에서도 평범한 사람처럼 느껴지지 않았습니다. Jan van Eyck이 연기한 Arnolfini는 네덜란드에 거주하는 이탈리아인이었습니다. 동포가 그렸다면 초상화는 아마도 정신이 달랐을 것입니다. 그녀의 외모와 성격에 대한 개인에 대한 깊은 관심은 이탈리아와 북부 르네상스의 예술가들을 하나로 모았습니다. 그러나 그들은 다른 방식으로 그것에 관심을 갖고 거기에서 다른 것을 봅니다. 네덜란드인은 거물주의와 인간의 전능함에 대한 감각이 없습니다. 그들은 인간의 성실성, 자질에서 그 가치를 봅니다. 그 중 겸손과 경건, 우주 앞에서 자신의 작음에 대한 의식은 마지막이 아닙니다. 이 겸손함 속에서도 개인의 존엄성은 사라지지 않고 밑줄이 그어져 있는 듯하다.

15세기 중후반에 많은 훌륭한 화가들이 네덜란드에서 일했습니다. 이미 언급한 Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. 그들의 예술적 개성은 이탈리아 Quattrocentists와 같은 수준의 개별 스타일은 아니지만 상당히 뚜렷하게 구별됩니다. 그들은 주로 제단과 초상화를 그렸고 부유한 시민들이 의뢰한 이젤 그림을 그렸습니다. 온유하고 사색적인 분위기가 물씬 풍기는 그들의 작곡은 특별한 매력을 지닌다. 그들은 크리스마스의 음모와 아기 숭배를 좋아했으며 이러한 음모는 미묘하고 독창적으로 해결되었습니다. Hugo van der Goes의 "The Adoration of the Shepherds"에서 아기는 여느 신생아처럼 날씬하고 비참합니다. 주변 사람들은 그를 바라보고 무력하고 뒤틀려 깊은 영적 부드러움으로 마돈나는 수녀처럼 조용합니다. , 눈을 들지 않지만 겸손한 어머니의 자부심으로 가득 차 있음을 느낍니다. 보육원 밖에서는 구불 구불 한 도로, 희귀 한 나무, 탑, 다리가있는 넓고 언덕이 많은 네덜란드의 풍경을 볼 수 있습니다.

여기에는 많은 감동이 있지만 단맛은 없습니다. 형태의 고딕 양식의 각이 눈에 띄고 일부 강성이 있습니다. van der Goes의 양치기 얼굴은 고딕 작품에서 흔히 볼 수 있듯이 특징적이고 추합니다. 심지어 천사들 - 그리고 그것들은 못생겼습니다.

네덜란드 예술가들은 아름답고 규칙적인 얼굴과 모습을 가진 사람들을 거의 묘사하지 않으며, 이 또한 이탈리아 예술가들과 다릅니다. 로마인의 직계 후손인 이탈리아인이 일반적으로 북쪽의 창백하고 연약한 아들보다 더 아름다웠다는 단순한 고려는 물론 고려할 수 있지만 주된 이유는 여전히 이것이 아니라 일반적인 예술적 개념. 이탈리아 인본주의는 인간의 위대함과 고전적 형태에 대한 열정으로 가득 차 있습니다. 네덜란드 인은 "보통 남자"를 시화하며 고전적인 아름다움과 조화로운 비율과는 거의 관련이 없습니다.

네덜란드인은 디테일에 대한 열정이 있습니다. 그들은 그들에게 비밀스러운 의미를 지닌 운반자입니다. 꽃병에 든 백합, 수건, 찻주전자, 책 등 직접적인 세부 사항을 제외한 모든 세부 사항에도 숨겨진 의미가 있습니다. 사물은 사랑으로 묘사되고 영감을 받은 것 같습니다.

자신에 대한 존중, 일상생활에 대한 존중, 사물의 세계에 대한 존중은 종교적 세계관을 통해 굴절되었다. 이것이 바로 네덜란드 르네상스가 일어나고 있는 개신교 개혁의 정신이었습니다.

이탈리아 인에 비해 덜 의인화 된 인식, 범신론 적 원칙의 우세 및 고딕 양식의 직접적인 연속성은 네덜란드 회화 스타일의 모든 구성 요소에 영향을 미칩니다. 이탈리아 Quattrocentists 사이에서 모든 구성은 아무리 세부 사항이 많더라도 다소 엄격한 구조론에 끌립니다. 그룹은 옅은 부조처럼 만들어집니다. 즉, 아티스트는 일반적으로 명확하게 정의된 밀폐된 공간의 상대적으로 좁은 전면 영역에 주요 인물을 배치하려고 합니다. 그는 그것들을 건축적으로 균형을 잡았고, 그것들은 확고하게 서 있습니다. 우리는 이미 Giotto에서 이러한 모든 기능을 찾을 수 있습니다. 네덜란드의 구성은 덜 폐쇄적이고 덜 구조적입니다. 그들은 깊이와 거리에 매력을 느끼고 공간감은 이탈리아 회화보다 더 생생하고 경쾌합니다. 수치는 더 기발하고 불안정하며, 그들의 구조는 아래쪽으로 갈라지는 부채꼴 모양의 로브 주름으로 인해 방해받습니다. 네덜란드인은 선의 유희를 좋아하지만, 선은 볼륨을 구성하는 조각 작업이 아니라 오히려 장식적인 역할을 합니다.

네덜란드 인은 구성 중심의 뚜렷한 강조가 없으며 주요 인물에 대한 강조가 증가했습니다. 작가의 관심은 다양한 동기로 흩어지고 모든 것이 그에게 유혹적으로 보이며 세상은 다양하고 흥미 롭습니다. 배경의 일부 장면은 별도의 플롯 구성이라고 주장합니다.

마지막으로, 중심이 전혀 없고 공간이 많은 동등한 그룹과 장면으로 채워지는 구성 유형도 있습니다. 이와 동시에 주요 문자때때로 그들은 모퉁이 어딘가에서 끝납니다.

15세기 말에 Hieronymus Bosch와 비슷한 구성이 발견되었습니다. Bosch(1450-1516)는 매우 특이한 예술가입니다. 순전히 네덜란드인의 의도와 관찰력이 비정상적으로 생산적인 환상과 매우 어두운 유머와 결합됩니다. 그가 가장 좋아하는 이야기 중 하나는 은둔자가 악마에게 포위되는 "성 안토니오의 유혹"입니다. 보쉬는 자신의 그림을 작은 기어다니는 무시무시한 생물 군단으로 채웠습니다. 이 괴물에서 인체 부위를 발견하면 정말 오싹합니다. 기이한 악마의 전체 Kunstkamera는 중세 키메라와 크게 다릅니다. 그들은 더 장엄하고 사악하지 않았습니다. Bosch의 악마학의 신격화는 고문 정원과 유사한 그의 "뮤지컬 지옥"입니다. 벌거 벗은 사람들, 사방에서 기어 오르는 괴물과 섞여 고통스러운 정욕에 몸부림 치고 일부 거대한 악기의 현에 십자가에 못 박히고 압착되고 신비한 장치에 톱질 , 구덩이에 밀어 넣고 삼켰습니다.

보쉬의 기이한 판타스마고리아는 마음의 철학적 노력에서 탄생합니다. 그는 16세기의 문턱에 섰고, 지금은 뼈아프게 생각하게 만드는 시대였다. 분명히 Bosch는 거머리처럼 모든 생물에 달라 붙는 세계 악의 활력과 편재, 삶과 죽음의 영원한 순환, 유충과 세균을 뿌리는 이해할 수없는 자연의 사치에 대한 생각에 압도되었습니다. 지구와 지하, 썩은 정체 된 늪에서 모든 곳에서 생명의. 보쉬는 아마도 다른 것보다 더 예리하고 경계심 있게 자연을 관찰했지만 그 안에서 조화나 완벽함을 찾지 못했습니다. 자연의 면류관인 인간은 왜 죽음과 부패의 운명에 처해 있으며, 왜 그는 약하고 비참하며, 왜 자신과 타인을 괴롭히고 끊임없이 고통을 당합니까?

보쉬가 그런 질문을 던진다는 사실 자체가 각성된 호기심, 즉 휴머니즘에 수반되는 현상을 말해줍니다. 인본주의는 인간의 모든 것을 찬양하는 것만을 의미하지 않습니다. 그것은 또한 우주의 신비를 풀기 위해 사물의 본질에 침투하려는 욕망을 의미합니다. Bosch에서이 욕망은 우울한 색조로 칠해졌지만 Leonardo da Vinci가 아름답고 추한 모든 것을 탐구하게 만든 것은 정신적 갈증의 증상이었습니다. Leonardo의 강력한 지성은 세상을 전체적으로 인식하고 통일성을 느꼈습니다. 보쉬의 마음 속에는 세상이 파편화되어 수천 개의 파편으로 쪼개져 이해할 수 없는 조합을 이루고 있었다.

그러나 낭만적 인 흐름, 즉 이탈리아 Cinquecento의 영향을 받아 16 세기에 네덜란드에 퍼지기 시작했다는 점을 언급 할 가치가 있습니다. 그들의 독창성 부족은 매우 눈에 띕니다. 이탈리아인들 사이에서 아름답던 '클래식 누드'의 이미지는 확실히 네덜란드에는 주어지지 않았으며 Jan Gossaert의 'Neptune and Amphitrite'처럼 웅장하게 부어오른 몸으로 다소 코믹해 보이기까지 했습니다. 네덜란드 인은 또한 그들 자신의 지방 "매너리즘"을 가졌습니다.

우리는 가정 및 풍경 이젤 그림 장르의 발전에 주목합니다. 네덜란드 예술가 16세기에. 그들의 개발은 가장 넓은 원, 교황권과 가톨릭 성직자를 미워하면서 그들은 점점 더 가톨릭에서 멀어지고 교회 개혁을 요구했습니다. 그리고 루터와 칼빈의 개혁에는 성상 파괴의 요소가 포함되었습니다. 개신교 교회의 내부는 완전히 단순하고 꾸밈이 없어야 했습니다. 가톨릭 교회의 화려하고 화려한 장식과는 전혀 다릅니다. 종교 예술볼륨이 크게 감소하고 컬트가 중단되었습니다.

깨끗해 보이기 시작함 풍속화상점의 상인, 사무실의 환전상, 시장의 농민, 카드 플레이어의 이미지로. 국내 장르는 초상화 장르에서 성장했고 풍경 장르는 네덜란드 거장들이 좋아했던 풍경 배경에서 성장했습니다. 배경이 커졌고 순수한 풍경으로 한 걸음 밖에 남지 않았습니다.

그러나 모든 것이 Pieter Brueghel(1525-1569)의 엄청난 재능을 구속하고 그 자체에 집중합니다. 그는 국가적 정체성이라고 불리는 것을 최고 수준으로 소유했습니다. 그의 예술의 모든 놀라운 특징은 원래 네덜란드 전통으로 거슬러 올라갑니다. 누구와도 달리 Brueghel은 그의 시대 정신과 민속적 풍미를 표현했습니다. 그는 모든면에서 인기가 있습니다. 의심 할 여지없이 예술가 사상가이기 때문에 격언과 은유 적으로 생각합니다. 그의 우화 속에 담긴 삶의 철학은 씁쓸하고 아이러니하지만 동시에 용기가 있다. Bregel이 가장 좋아하는 구성 유형은 위에서 본 것처럼 넓은 공간이므로 사람들이 작아 보이고 계곡에서 헤매지만 모든 것이 자세하고 명확하게 작성됩니다. 내러티브는 일반적으로 민속과 관련이 있으며 Brueghel은 우화 그림을 그렸습니다.

Bruegel은 삶의 전체 철학이 드러나는 방식으로 주요 인물과 사건을 강조하지 않고 네덜란드에서 일반적으로 사용되는 공간-경관 구성 유형을 사용합니다. 이카루스의 추락은 여기에서 특히 흥미 롭습니다. Brueghel의 그림은 해변의 평화로운 풍경을 묘사합니다. 농부는 쟁기를 따라가고, 목자는 양을 돌보고, 어부는 낚싯대를 들고 앉아 있고, 배는 바다를 항해하고 있습니다. Icarus는 어디에 있으며 그의 타락은 그것과 어떤 관련이 있습니까? 오른쪽 구석에서 물 밖으로 튀어 나온 불쌍한 맨발을 보려면 자세히 살펴 봐야합니다. 이카루스는 하늘에서 떨어졌지만 아무도 눈치채지 못했다. 평범한 삶은 언제나처럼 흐릅니다. 농부, 그의 경작지, 목자에게 그의 양떼는 누군가의 기복보다 훨씬 더 중요합니다. 특별한 사건의 의미는 곧 드러나지 않고 동시대 사람들은 그것을 눈치 채지 못하고 일상적인 걱정에 몰두합니다.

부흥 미술 그림 조각

2.2 독일과 프랑스 예술의 르네상스

XIV-XV 세기의 전환기에. 독일은 봉건 기반의 활력에 기여한 이전 기간보다 훨씬 더 세분화되었습니다.

독일 도시의 발전은 네덜란드와 관련하여도 뒤처졌고 독일 르네상스는 한 세기 후에 이탈리아와 비교하여 형성되었습니다. XV 세기의 많은 예술가들의 작품의 예. 독일에서 르네상스가 어떻게 형성되었는지 추적할 수 있습니다. 이들은 Konrad Witz, Michael Pacher, Martin Schongauer입니다. 내러티브 요소는 종교적 음모에 대한 인간의 감정을 드러내려는 욕구 인 제단 이미지에 나타납니다 (같은 이름의 마을에있는 St. Wolfgang 교회에있는 St. Wolfgang M. Pacher의 제단, 1481). 그러나 공간에 대한 이해, 황금색 배경의 도입, 그림의 파편화, 끊어지는 선의 불안한 리듬,

주요 내용과 특정 내용을 꼼꼼하게 작성하는 것 - 이 모든 것이 말합니다.

이 거장들의 예술적 세계관의 일관성 부족과 중세 전통과의 긴밀한 연결 독일의 세기는 왕권과 로마 카톨릭에 대항하는 농민, 기사도, 시민의 강력한 혁명 운동으로 시작됩니다. 1517년 봉건 교회에 반대하는 독일 종교 개혁의 수장인 마틴 루터의 논문은 "화약 통에 번개가 치는 것과 같은 소이 효과를 냈습니다." 혁명적 운동독일은 이미 1525년에 패배했지만, 농민 전쟁의 시기는 독일 인본주의, 세속 과학, 독일 문화의 영적 고양과 번영의 시기였습니다. 독일 르네상스의 가장 위대한 예술가인 알브레히트 뒤러(1471-1528)의 작품이 이 시기와 일치한다.

Dürer의 작업에서 많은 독일 거장들의 검색이 합쳐진 것처럼 보였습니다. 자연 관찰, 인간, 공간에서 사물의 관계 문제, 존재 인간의 모습풍경, 공간 환경에서. 다재다능함, 재능의 규모, 현실 인식의 폭이라는 ​​측면에서 Dürer는 전성기 르네상스의 전형적인 예술가입니다. 그는 화가, 조각가, 수학자, 해부학자, 원근법 학자, 엔지니어였습니다. 그는 이탈리아에 두 번, 네덜란드에 한 번, 본국. 그의 유산은 80점의 이젤 작품, 200점이 넘는 판화, 1000점이 넘는 그림, 조각, 손으로 쓴 자료로 구성되어 있습니다. 뒤러는 르네상스의 가장 위대한 인문주의자였지만, 그의 인간 이상은 이탈리아의 이상과 달랐다. Dürer의 깊은 국가적 이미지는 힘이 넘치지만 때로는 심각합니다.

반사, 그들은 Raphael 또는 Leonardo의 명확한 조화가 부족합니다.

예술적 언어는 복잡하고 우화적입니다.

백년 전쟁 중에도 프랑스 국민 국가의 탄생 인 프랑스 국가 형성 과정이 시작되었습니다. 국가의 정치적 통일은 주로 루이 11세에 의해 완료되었습니다. XV 세기 중반까지. 또한 초기 단계에서 여전히 고딕 예술과 밀접한 관련이 있는 프랑스 르네상스의 시작을 나타냅니다. 이탈리아의 프랑스 왕의 캠페인 소개 프랑스 예술가이탈리아 예술과 XV 말부터

V. 고딕 양식의 전통, 이탈리아어와 결정적인 단절을 시작합니다.

예술은 자신의 국가적 과제와 관련하여 다시 생각됩니다.

프랑스 르네상스는 궁정 문화의 성격을 가졌습니다. (민중적 성격은 프랑스 르네상스 문학에서 가장 분명하게 나타났는데, 주로 François Rabelais의 작품에서 그의 순수한 이미지, 전형적인 Gallic 위트 및 명랑함을 보여줍니다.) 네덜란드 예술에서와 마찬가지로 사실적인 경향이 관찰됩니다.

무엇보다도 신학 및 세속 책의 축소판입니다. 첫 번째

프랑스 르네상스의 주요 예술가 - Jean Fouquet (약 1420-1481), Charles VII와 Louis XI의 궁정 화가. 초상화(1445년경 샤를 7세의 초상화)와 종교 작품(멜룬의 딥티치) 모두에서 이미지 해석에 있어 철저한 글쓰기가 기념비성과 결합됩니다. 이 기념비성은 형태의 추구, 실루엣의 고립과 완전성, 정적인 자세, 색채의 간결함에 의해 만들어집니다. 실제로 Melen diptych의 Madonna는 밝은 빨간색과 파란색의 두 가지 색상으로 칠해졌습니다 (그 모델은 Charles VII가 사랑하는 모델이었습니다-중세 예술에서는 불가능한 사실). 동일한 구성의 명확성과 그림의 정확성, 색상의 울림은 Fouquet의 수많은 미니어처의 특징입니다 (Boccaccio, The Life of Famous Men and Women, circa 1458). 원고의 필드는 그의 고향 Touraine의 풍경 인 군중의 현대 Fouquet의 이미지로 가득 차 있습니다.

결론

따라서 르네상스 또는 르네상스는 인류의 삶에서 예술과 과학의 엄청난 발전으로 특징지어지는 시대입니다.

인본주의를 기반으로 한 르네상스 예술 - 사람을 삶의 최고 가치로 선포하는 사회적 사고의 흐름. 예술에서 메인 테마무한한 영적 능력과 창의적인 가능성. 예술가들은 세상을 다르게 보기 시작했습니다. 마치 중세 예술의 실체가 없는 이미지가 3차원의 구호, 볼록한 공간에 자리를 내준 것처럼 평평합니다. 그들은 고대 미학의 요구 사항에 따라 신체적 아름다움과 영적 아름다움이 하나로 합쳐지는 완벽한 성격을 창의력으로 노래했습니다. 많은 화가, 시인, 조각가, 건축가는 르네상스의 위대한 인물의 "매너"만을 배우려고 인본주의의 아이디어를 포기했습니다. 따라서 르네상스의 예술적 이상의 위기의 특징은 르네상스 말기에 발전한 매너리즘 (소박함, 매너리즘)으로 나타났습니다. 명백한 모방, 이차적 스타일, 개별 세부 사항의 과장, 때로는 제목으로 표현되기도합니다. 작품 ( "목이 긴 마돈나"), 비율 위반 , 부조화, 변형, 그 자체로 이탈리아 르네상스 예술의 본질에 이질적입니다.

르네상스 예술은 뉴 에이지 유럽 문화의 토대를 마련했으며 모든 주요 예술 유형을 근본적으로 바 꾸었습니다. 고대 질서 체계의 창의적으로 수정된 원칙이 건축에 확립되었고 새로운 유형의 공공 건물이 형성되었습니다. 그림은 선형으로 풍부해졌습니다. 공중 관점인체의 해부학과 비율에 대한 지식. 세속적 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 기념비적 인 벽화와 함께 장식 건축 구조, 그림이 나타나고 유화가 생겼습니다. 예술의 첫 번째 장소는 일반적으로 보편적으로 재능있는 사람인 예술가의 창조적 개성이었습니다.

르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다. 그 인지적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고, 자연스러움을 추구함에 있어 소소한 일상에 하강하지 않았다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.

르네상스의 주제는 풍부하고 무궁무진합니다. 이 강력한 운동은 수년 동안 전체 유럽 문명의 발전을 결정했습니다. 우리는 진행중인 프로세스의 본질에 도달하려고 노력하고 있습니다. 이해하려면 르네상스 남자의 심리적 분위기를 더 자세히 복원하고 당시의 책을 읽고 방문해야합니다. 미술관. 휴머니즘 사상은 르네상스 예술의 번영을 위한 정신적 기반입니다. 르네상스 예술은 인본주의의 이상으로 가득 차 있으며 아름답고 조화롭게 발전한 사람의 이미지를 만들어 냈습니다. 이 시대의 예술은 인류를 끝없이 기쁘게 할 것이며 그 활력과 마음과 마음을 정복하는 능력에 놀라움을 금치 못할 것입니다. 예술과 삶 모두에서 나타난 타이타니즘의 시대였습니다. 물론 르네상스는 인류 역사상 가장 아름다운 시대 중 하나입니다.

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