Šiuolaikinis japonų anime ir manga menas. Sprogstanti Kawaii: kaip suprasti šiuolaikinį japonų meną

Ermitaže vyksta įdomi paroda - Modernus menas Japonija "MONO-NO AWARE. Daiktų žavesys".

Negaliu pasakyti, kad esu šiuolaikinio meno gerbėjas. Man labiau patinka, kai yra į ką pažiūrėti (užimta grafika, arba menai ir amatai, etnosas man yra viskas). Žavėtis grynos koncepcijos grožiu man ne visada smagu. (Malevič, atsiprašau! Aš nemėgstu Juodojo kvadrato!)

Bet šiandien patekau į šią parodą!

Brangioji, jei esi Sankt Peterburge, domiesi menu ir dar nebuvai ten, tuomet paroda veiks iki vasario 9 d.! Eik, nes tai įdomu!

Sąvokos mane šiek tiek įtikina, kaip rašiau aukščiau. Kažkaip pagalvojau, kad per metus, kai lankau šiuolaikines parodas, vienas ar du objektai man atrodo juokingi. Ir daugelis dalykų manęs taip neliečia, kad man gaila laiko, kurį praleidau. Bet tai yra bet kuriame žanre, bet kokiame mene, talento ir vidutinybės santykio procentas, gerai, jei jis yra vienas iš dešimties! Bet man patiko šis pasirodymas.

Japonų kūriniai buvo patalpinti Generalinio štabo parodų salėse. Pirmoji lankytojus pasitinkanti instaliacija – neįtikėtinas labirintas, užpildytas druska ant grindų. Pilkos grindys, balta druska, neįtikėtinai tvarkingai pažymėta erdvė, supinta į vieną lauką. Didelis parodų salė, o baltas ornamentas pasklido po grindis kaip koks nuostabus lopšys. Ir jūs suprantate, koks laikinas šis menas. Paroda bus uždaryta, labirintas bus nušluotas šluota. Kartą žiūrėjau filmą „Mažasis Buda“. Ir ten pradžioje budistų vienuolis iš spalvoto smėlio išklojo sudėtingą ornamentą. O filmo pabaigoje vienuolis padarė aštrų judesį teptuku ir titaniškas darbas išsisklaidė vėjyje. Tai buvo, tada šokinėkite, ir ne. Ir sako: vertink grožį čia ir dabar, viskas praeina. Taigi šis druskos labirintas pradeda su tavimi dialogą, tu pradedi atsakyti į klausimus, kuriuos jis tau pateikia. Menininkas yra Motoi Yamamoto.

Taip taip! Tai toks didelis labirintas, ar pajutote mastelį?

Antrasis objektas, kuris žavi, yra didžiulis Yasuaki Onishi kupolas iš polietileno ir juodos dervos. Neįprastai nuspręsta erdvė. Ant juodų ploniausių nelygių dervos siūlų kabo, šiek tiek judantis, kupolas .... arba kalnas su sudėtingu reljefu. Įėjus į vidų matosi margas taškelių raštas – vietos, kur prilimpa sakai. Juokinga, lyg tyliai pliauptų juodas lietus, o tu – po baldakimu.

Kaip atsirado ši technika? Juokinga, tiesa? Tačiau gyvai atrodo „gyvesnis“, kupolas šiek tiek siūbuoja nuo pravažiuojančių lankytojų kuriamo vėjelio. Ir yra jūsų sąveikos su objektu jausmas. Galite įeiti į „urvą“, pamatyti iš vidaus, kaip yra!

Bet kad nesusidarytų įspūdis, kad viskas buvo tik juoda ir balta, įdėsiu čia dar porą kompozicijos nuotraukų, padarytų iš kartu sujungtų lankelių. Tokios spalvotos juokingos plastikinės garbanos! Taip pat galite pereiti per šį kambarį, lankų viduje, arba galite pažvelgti į viską iš išorės.

Šie daiktai yra mano mėgstamiausi. Žinoma, netrukus konceptualus šiuolaikinis menas taps kitoks, dera su nauju laiku. Ji negrįš į seną ir neliks tokia, kokia yra dabar. Tai pasikeis. Tačiau norint suprasti, kas buvo, kur veržėsi upelis ir kas ir iš kur jis ateina, reikia žinoti, kas vyksta dabar. Ir nesidrovėkite, kad neee, koncepcija ne man, bet pabandykite ją pamatyti ir įvertinti. Talentų, kaip visada, mažai, bet jų yra. O jei eksponatai sulaukia atgarsio, tai dar ne viskas prarasta!!!

Menas ir dizainas

3946

01.02.18 09:02

Šiandieninė Japonijos meno scena yra labai įvairi ir provokuojanti: žiūrima į šalies meistrų darbus. kylanti saulė Pamanysite, kad nusileidote kitoje planetoje! Čia gyvena novatoriai, pakeitę pramonės kraštovaizdį pasauliniu mastu. Pateikiame 10 šiuolaikinių japonų menininkų ir jų kūrybos sąrašą – nuo ​​neįtikėtinų Takashi Murakami (šiandien švenčiančio savo gimtadienį) būtybių iki spalvingos Kusamos visatos.

Nuo futuristinių pasaulių iki punktyrinių žvaigždynų: šiuolaikiniai japonų menininkai

Takashi Murakami: tradicionalistas ir klasikas

Pradėkime nuo progos herojaus! Takashi Murakami yra vienas žymiausių Japonijos šiuolaikinių menininkų, kuriantis paveikslus, didelio masto skulptūras ir madą. Murakami stiliui įtakos turi manga ir anime. Jis yra judėjimo „Superflat“, remiančio japonus, įkūrėjas menines tradicijas ir pokario kultūra. Murakami paaukštino daugelį savo bendraamžių, su kai kuriais iš jų susipažinsime ir šiandien. Mados ir meno meno rinkose pristatomi „subkultūriniai“ Takashi Murakami darbai. Jo provokuojantis filmas „My Lonesome Cowboy“ (1998) 2008 m. buvo parduotas Niujorko „Sotheby's“ už rekordinę 15,2 mln. Murakami bendradarbiavo su visame pasaulyje žinomais prekių ženklais Marc Jacobs, Louis Vuitton ir Issey Miyake.

Tycho Asima ir jos siurrealistinė visata

Meno gamybos įmonės „Kaikai Kiki“ ir judėjimo „Superflat“ (abu įkūrė Takashi Murakami) narė Chiho Ashima yra žinoma dėl savo fantazijos miesto peizažų ir keistų popso būtybių. Menininkas kuria siurrealistines svajones, kuriose gyvena demonai, vaiduokliai, jaunos gražuolės, vaizduojamos svetimos gamtos fone. Jos darbai dažniausiai būna didelės apimties ir spausdinami ant popieriaus, odos, plastiko. 2006 m. šis šiuolaikinis japonų menininkas dalyvavo Londono parodoje „Art on the Underground“. Ji platformai sukūrė 17 nuoseklių arkų – stebuklingas kraštovaizdis palaipsniui virto iš dienos į naktį, iš miesto į kaimą. Šis stebuklas pražydo Gloucester Road metro stotyje.

Chiharu Shima ir Infinite Threads

Kitas menininkas Chiharu Shiota kuria didelio masto vizualines instaliacijas tam tikriems orientyrams. Ji gimė Osakoje, bet dabar gyvena Vokietijoje – Berlyne. Centrinės temos jos kūryba yra užmarštis ir atmintis, svajonės ir tikrovė, praeitis ir dabartis, taip pat nerimo akistata. Žymiausi Chiharu Shiota kūriniai – nepralaidūs juodų siūlų tinklai, apgaubiantys daugybę kasdienių ir asmeninių daiktų, tokių kaip senos kėdės, vestuvinė suknelė, apdegęs pianinas. 2014 metų vasarą Šiota raudonų siūlų siūlais sujungė ir ant kabliukų pakabino daugiau nei 300 jai dovanotų batų ir batų. Pirmoji Chiharu paroda Vokietijos sostinėje buvo surengta per Berlyno meno savaitę 2016 metais ir sukėlė sensaciją.

Ei, Arakawa: visur, ne bet kur

Ei Arakawa įkvėptas pokyčių būsenų, nestabilumo laikotarpių, rizikos elementų, o jo instaliacijos dažnai simbolizuoja draugystės ir komandinio darbo temas. Šiuolaikinio japonų menininko kredo apibrėžiamas performatyviu neapibrėžtu „visur, bet niekur“. Jo kūryba pasirodo netikėtose vietose. 2013 metais Arakavos darbai buvo eksponuojami Venecijos bienalėje ir Japonijos šiuolaikinio meno parodoje Mori meno muziejuje (Tokijas). „Hawaiian Presence“ instaliacija (2014 m.) buvo sukurta bendradarbiaujant su Niujorke gyvenančia menininke Carissa Rodriguez ir rodoma Whitney bienalėje. Taip pat 2014 m. Arakawa ir jo brolis Tomu, koncertuodami duetu pavadinimu „United Brothers“, „Frieze London“ lankytojams pasiūlė savo „kūrinį“ „The This Soup Taste Ambivalent“ su „radioaktyviomis“ Fukušimos daikono šaknimis.

Koki Tanaka: santykiai ir kartojimas

2015-aisiais Koki Tanaka buvo pripažintas Metų menininku. Tanaka tyrinėja bendrą kūrybiškumo ir vaizduotės patirtį, skatina projekto dalyvių mainus ir pasisako už naujas bendradarbiavimo taisykles. Jo instaliaciją Japonijos paviljone 2013 m. Venecijos bienalėje sudarė vaizdo įrašai apie objektus, paverčiančius erdvę meno mainų platforma. Kokio Tanakos instaliacijos (nepainioti su jo bendrapavarde aktoriumi) iliustruoja objektų ir veiksmų santykį, pavyzdžiui, vaizdo įrašas, kuriame užfiksuoti paprasti gestai, atliekami įprastais objektais (peiliu pjaustomos daržovės, alus pilamas į taurę, atidaromas skėtis) . Nieko reikšmingo neįvyksta, tik įkyrus kartojimas ir dėmesys smulkiausios detalės priversti žiūrovą įvertinti kasdienybę.

Mariko Mori ir supaprastintos formos

Kita šiuolaikinė japonų menininkė Mariko Mori „buria“ multimedijos objektus, derindama vaizdo įrašus, nuotraukas, objektus. Ji turi minimalistinę futuristinę viziją ir aptakias, siurrealistines formas. Mori kūryboje pasikartojanti tema yra Vakarų legendos sugretinimas Vakarų kultūra. 2010 metais Mariko įkūrė edukacinį kultūrinį fondą „Fau“. ne pelno siekianti organizacija, kuriai ji sukūrė savo meno instaliacijų seriją šešių apgyvendintų žemynų garbei. Visai neseniai Fondo nuolatinė instaliacija „Žiedas: vienas su gamta“ buvo iškelta virš vaizdingo krioklio Resende netoli Rio de Žaneiro.

Ryoji Ikeda: garso ir vaizdo sintezė

Ryoji Ikeda yra naujųjų medijų menininkas ir kompozitorius, kurio kūryba daugiausia susijusi su garsu skirtingomis „neapdorotomis“ būsenomis – nuo ​​sinusinių garsų iki triukšmo, naudojant dažnius žmogaus klausos pakraščiuose. Kvapą gniaužiančiose jo instaliacijose – kompiuteriu sukurti garsai, kurie vizualiai paverčiami vaizdo projekcijomis ar skaitmeniniais šablonais. Ikeda audiovizualinio meno objektuose naudojamas mastelis, šviesa, šešėlis, garsumas, elektroniniai garsai ir ritmas. Garsusis menininko bandomasis objektas susideda iš penkių projektorių, kurie apšviečia 28 metrų ilgio ir 8 metrų pločio plotą. Įrenginys konvertuoja duomenis (tekstą, garsus, nuotraukas ir filmus) į brūkšninį kodą ir dvejetainius nulių ir vienetų modelius.

Tatsuo Miyajima ir LED skaitikliai

Šiuolaikinis japonų skulptorius ir instaliacijų menininkas Tatsuo Miyajima naudoja savo mene elektros grandinės, vaizdo įrašai, kompiuteriai ir kitos programėlės. Pagrindinės Mijadžimos koncepcijos įkvėptos humanistinių idėjų ir budizmo mokymų. Šviesos diodų skaitikliai jo sąrankoje nuolat mirksi nuo 1 iki 9, simbolizuojantys kelionę iš gyvenimo į mirtį, tačiau vengiant baigtumo, kurį reiškia 0 (nulis Tatsuo kūryboje niekada nerodomas). Visur esantys skaičiai tinklelyje, bokštuose ir diagramose išreiškia Miyajimos susidomėjimą tęstinumo, amžinybės, ryšio ir laiko bei erdvės tėkmės idėjomis. Ne taip seniai objektas Miyajima Arrow of Time buvo parodytas inauguracinėje parodoje „Nepilnos mintys, matomos Niujorke“.

Nara Yoshimoto ir blogi vaikai

Nara Yoshimoto kuria paveikslus, skulptūras ir piešinius su vaikais ir šunimis – temas, kurios atspindi vaikišką nuobodulio ir nusivylimo jausmą bei nuožmią savarankiškumą, kuri natūraliai atsiranda mažiems vaikams. Yoshimoto kūrybos estetika primena tradicines knygų iliustracijas, nerimstančios įtampos ir menininko meilės pankrokui mišinys. 2011 m. Azijos visuomenės muziejuje Niujorke buvo surengta pirmoji Yoshitomo personalinė paroda „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool“, apimanti 20 metų trukusią šiuolaikinio japonų menininko karjerą. Eksponatai buvo glaudžiai susiję su pasaulio jaunimo subkultūromis, jų susvetimėjimu ir protestu. .

Yayoi Kusama ir erdvė, kuri auga neįprastomis formomis

Stulbinantis kūrybinė biografija Yayoi Kusama trunka septynis dešimtmečius. Per šį laiką nuostabi japonė spėjo studijuoti tapybos, grafikos, koliažo, skulptūros, kino, graviūros, aplinkos meno, instaliacijos, literatūros, mados ir mados dizaino sritis. Kusama sukūrė labai išskirtinį taškinio meno stilių, kuris tapo jos prekės ženklu. 88-erių Kusamos darbuose pateikiamos iliuzinės vizijos – kai pasaulis, atrodo, apimtas daugėjančių svetimų formų – yra haliucinacijų, kurias ji patyrė nuo vaikystės, pasekmė. Patalpos su spalvingais taškeliais ir jų sankaupas atspindinčiais „begaliniais“ veidrodžiais atpažįstami, jų su niekuo nesupainiosi.

Daiktuose slypintį grožį japonai atrado IX–XII amžiuje, Heiano eroje (794–1185) ir netgi pavadino jį specialia sąvoka „mono no aware“ (物の哀れ (もののあわれ)), o tai reiškia " liūdnas dalykų žavesys. „Daiktų žavesys“ yra vienas iš ankstyviausių grožio apibrėžimų japonų literatūroje, jis siejamas su šintoizmo tikėjimu, kad kiekvienas daiktas turi savo dievybę – kami – ir savo unikalų žavesį. Avare yra vidinė dalykų esmė, tai, kas sukelia malonumą, susijaudinimą.

- Washi (wasi) arba wagami (wagami).
Rankinis popieriaus gaminimas. Viduramžių japonai washi vertino ne tik dėl praktinių savybių, bet ir dėl grožio. Ji garsėjo savo subtilumu, beveik skaidrumu, tačiau tai neatėmė jėgų. Washi gaminamas iš kozo (šilkmedžio) ir kai kurių kitų medžių žievės.
Washi popierius buvo saugomas šimtmečius, tai liudija senovės japonų kaligrafijos albumai ir tomai, paveikslai, ekranai, graviūros, atėjusios per šimtmečius iki šių dienų.
Vasios popierius yra pluoštinis, pažiūrėjus pro mikroskopą pamatysi įtrūkimus, pro kuriuos prasiskverbia oras ir saulės šviesa. Ši kokybė naudojama ekranų ir tradicinių japoniškų žibintų gamyboje.
Washi suvenyrai yra labai populiarūs tarp europiečių. Iš šio popieriaus pagaminama daug smulkių ir naudingų daiktų: piniginės, vokai, vėduoklės. Jie yra gana patvarūs, tačiau lengvi.

- Gohei.
Talismanas iš popierines juosteles. Gohei – ritualinė šintoizmo kunigo lazda, prie kurios tvirtinamos popierinės zigzago juostelės. Tos pačios popieriaus juostelės pakabintos prie įėjimo į šintoizmo šventovę. Popieriaus vaidmuo šintoizme tradiciškai buvo labai didelis, o popieriaus gaminiams visada buvo skiriamas dėmesys ezoterinė prasmė. Ir tikėjimas, kad kiekviename daikte, kiekviename reiškinyje, net žodžiuose yra kami – dievybė – paaiškina šios rūšies atsiradimą. taikomosios dailės kaip gohei. Šintoizmas kažkuo panašus į mūsų pagonybę. Šintoistams kami ypač nori apsigyventi bet kur, kas neįprasta. Pavyzdžiui, ant popieriaus. Ir juo labiau gohejuje, susuktame į sudėtingą zigzagą, kuris šiandien kabo priešais įėjimą į šintoizmo šventoves ir rodo dievybės buvimą šventykloje. Yra 20 būdų, kaip sulankstyti gohei, o tie, kurie yra ypač neįprastai sulankstyti, pritraukia kami. Gohei vyrauja balta spalva, tačiau randama ir aukso, sidabro ir daug kitų atspalvių. Nuo IX amžiaus Japonijoje buvo paprotys prieš prasidedant kovai sumo imtynininkų diržais sustiprinti gohei.

- Anesama.
Tai popierinių lėlių gamyba. XIX amžiuje samurajų žmonos gamino popierines lėles, su kuriomis vaikai žaisdavo, aprengdavo jas skirtingais drabužiais. Tais laikais, kai nebuvo žaislų, anesama buvo vienintelė vaikams pašnekovė, „atlikdama“ mamos, vyresniosios sesers, vaiko ir draugo vaidmenį.
Lėlė lankstoma iš japoniško washi popieriaus, plaukai iš raukšlėto popieriaus, nudažyti rašalu ir padengti klijais, kurie suteikia blizgesio. Išskirtinis bruožas – graži maža nosytė ant pailgo veido. Šiandien šis paprastas žaislas, kuriam reikia nebent įgudusių rankų, tradicinės formos, ir toliau gaminamas taip pat, kaip ir anksčiau.

- Origami.
Senovinis popieriaus lankstymo menas (折り紙, liet.: „lankstytas popierius“). Origami menas turi savo šaknis Senovės Kinija kur buvo išrastas popierius. Iš pradžių origami buvo naudojamas religinėse ceremonijose. Ilgam laikuiši meno rūšis buvo prieinama tik aukštesniųjų sluoksnių atstovams, kur gero skonio požymis buvo popieriaus lankstymo technikos turėjimas. Tik po Antrojo pasaulinio karo origami išėjo už Rytų ribų ir atkeliavo į Ameriką bei Europą, kur iš karto rado savo gerbėjų. Klasikinis origami yra sulankstytas iš kvadratinio popieriaus lapo.
Yra tam tikras įprastų simbolių rinkinys, būtinas norint nubraižyti net sudėtingiausio gaminio lankstymo schemą. Daugumą sutartinių ženklų XX amžiaus viduryje praktiškai pritaikė garsus japonų meistras Akira Yoshizawa.
Klasikinis origami reikalauja naudoti vieną kvadratinį tolygiai spalvotą popieriaus lapą be klijų ir žirklių. Šiuolaikinio meno formos kartais nukrypsta nuo šio kanono.

- Kirigamis.
Kirigami – tai menas žirklėmis iškirpti įvairias figūras iš kelis kartus perlenkto popieriaus lapo. Origami tipas, leidžiantis modelio kūrimo procese naudoti žirkles ir pjaustyti popierių. Tai ir yra pagrindinis skirtumas tarp kirigami ir kitų popieriaus lankstymo technikų, kuris pabrėžiamas pavadinime: 切る (kiru) – kirpimas, 紙 (gami) – popierius. Visi vaikystėje mėgome karpyti snaiges – kirigami variantą, šia technika galima karpyti ne tik snaiges, bet ir įvairias figūrėles, gėles, girliandas ir kitus mielus popierinius daiktus. Šie gaminiai gali būti naudojami kaip spaudinių, albumų dekoracijų, atvirukų, nuotraukų rėmelių, mados dizaino, interjero dizaino ir kitų įvairių dekoracijų trafaretai.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 arba いけばな) išversta iš japonų kalba- ike" - gyvenimas, "bana" - gėlės arba "gėlės, kurios gyvena". Japoniškas gėlių komponavimo menas yra viena gražiausių japonų tradicijų. Rengiant ikebaną, kartu su gėlėmis naudojamos nupjautos šakos, lapai ir ūgliai.Pagrindinis principas – išskirtinis paprastumas, kurį stengiamasi pabrėžti. Natūralus grožis augalai. Ikebana – tai naujos natūralios formos kūrimas, kuriame darniai dera gėlės grožis ir kompoziciją kuriančio meistro sielos grožis.
Šiandien Japonijoje yra 4 pagrindinės ikebanos mokyklos: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Be jų, yra apie tūkstantis skirtingų krypčių ir tendencijų, kurios laikosi vienos iš šių mokyklų.

- Oribana.
XVII amžiaus viduryje iš ikenobo pasitraukė dvi mokyklos: ohara (pagrindinė ikebanos forma - oribana) ir koryu (pagrindinė forma - sek). Beje, ohara mokykla vis dar mokosi tik oribanu. Kaip sako japonai, labai svarbu, kad origami nevirstų origamiu. Gomi japoniškai reiškia šiukšles. Juk kaip būna, sulankstėte popieriaus lapą, o ką su juo daryti? Oribana siūlo daugybę idėjų puokštėms papuošti interjerą. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Klaida.
Vaizduojamojo meno rūšis, gimusi iš floristikos. Floristika mūsų šalyje atsirado prieš aštuonerius metus, nors Japonijoje gyvuoja daugiau nei šešis šimtus metų. Kažkada viduramžiais samurajus suprato kario kelią. Ošibana buvo šio kelio dalis, kaip ir hieroglifų rašymas ir kardo valdymas. Klaidos prasmė ta, kad visiško buvimo momente būsenoje (satori) meistras sukūrė džiovintų gėlių (presuotų gėlių) paveikslą. Tada šis paveikslas galėtų pasitarnauti kaip raktas, vadovas tiems, kurie buvo pasiruošę tylėti ir patirti tą patį satori.
„Ošibanos“ meno esmė ta, kad rinkdamas ir džiovindamas gėles, žoleles, lapus, žievę spaudžiamas ir klijuodamas ant pagrindo, autorius augalų pagalba sukuria tikrą „tapymos“ kūrinį. Kitaip tariant, negerai yra dažymas augalais.
Gėlininkų meninė kūryba remiasi džiovintos augalinės medžiagos formos, spalvos ir tekstūros išsaugojimu. Japonai sukūrė techniką, kaip apsaugoti „oshibanos“ paveikslus nuo blukimo ir patamsėjimo. Jo esmė ta, kad tarp stiklo ir paveikslo išpumpuojamas oras ir sukuriamas vakuumas, neleidžiantis augalams gesti.
Tai vilioja ne tik šio meno neįprastumu, bet ir galimybe parodyti vaizduotę, skonį, augalų savybių išmanymą. Floristai kuria ornamentus, peizažus, natiurmortus, portretus ir istorijų paveikslus.

- Bonsai.
Bonsai, kaip reiškinys, atsirado daugiau nei prieš tūkstantį metų Kinijoje, tačiau ši kultūra savo vystymosi viršūnę pasiekė tik Japonijoje. (bonsai – jap. 盆栽 liet. „sodinti į puodą“) – auginimo menas tiksli kopija tikras miniatiūrinis medis. Šiuos augalus budistų vienuoliai augino kelis šimtmečius prieš mūsų erą ir vėliau tapo viena iš vietinės aukštuomenės veiklos rūšių.
Bonsai puošė japonų namus ir sodus. Tokugavos eroje parko projektavimas gavo naują postūmį: azalijų ir klevų auginimas tapo turtingųjų pramoga. Taip pat vystėsi žemaūgė augalininkystė (hachi-no-ki – „medis vazonėlyje“), tačiau to meto bonsai buvo labai dideli.
Dabar bonsams naudojami paprasti medžiai, dėl nuolatinio genėjimo ir įvairių kitų būdų jie tampa smulkūs. Tuo pačiu metu šaknų sistemos, kurią riboja dubens tūris, ir antžeminės bonso dalies dydžių santykis atitinka suaugusio medžio proporcijas gamtoje.

- Mizuhiki.
Makramo analogas. Tai senovinis japonų taikomasis menas iš specialių virvelių rišti įvairius mazgus ir iš jų kurti raštus. Tokie meno kūriniai turėjo itin plačią apimtį – nuo ​​dovanų kortelių ir laiškų iki šukuosenų ir rankinių. Šiuo metu mizuhiki itin plačiai naudojamas dovanų industrijoje – kiekvienam gyvenimo įvykiui dovana turi būti supakuota ir surišta labai specifiniu būdu. Mizuhiki mene yra nepaprastai daug mazgų ir kompozicijų, ir ne kiekvienas japonas juos visus žino mintinai. Žinoma, yra labiausiai paplitusių ir paprasčiausių mazgų, kurie naudojami dažniausiai: sveikinimui gimus vaikeliui, vestuvėms ar minėjimui, gimtadieniui ar stojant į universitetą.

- Kumihimo.
Kumihimo yra japoniška pinta virvelė. Veriant siūlus gaunami kaspinai ir raišteliai. Šie raišteliai audžiami specialiomis mašinomis – Marudai ir Takadai. Mašina „Marudai“ audžia apvalius raištelius, o „Takadai“ – plokščius. Kumihimo japonų kalba reiškia „pynimas virves“ (kumi – pynimas, lankstymas kartu, himo – virvė, nėriniai). Nepaisant to, kad istorikai atkakliai tvirtina, kad panašų audimą galima rasti tarp skandinavų ir Andų gyventojų, japonų kumihimo menas iš tiesų yra vienas iš seniausių audimo tipų. Pirmasis jo paminėjimas datuojamas 550 m., kai budizmas išplito visoje Japonijoje ir specialioms ceremonijoms reikėjo ypatingų dekoracijų. Vėliau kumihimo raišteliai pradėti naudoti kaip obi diržo fiksatorius ant moteriško kimono, kaip virvės visam samurajų ginklų arsenalui „supakuoti“ (samurajus naudojo kumihimo dekoratyviniais ir funkciniais tikslais, kad susirištų savo šarvus ir arklio šarvus) ir taip pat sunkiems daiktams rišti.
Įvairūs šiuolaikinio kumihimo raštai labai lengvai audžiami ant naminių kartoninių staklių.

- Komono.
Kas lieka iš kimono, jam pasibaigus? Ar manote, kad jis išmetamas? Nieko panašaus! Japonai niekada to nepadarys. Kimono brangūs. Taip tiesiog išmesti neįsivaizduojama ir neįmanoma... Be kitų rūšių kimono perdirbimo, amatininkės iš smulkių gabalėlių gamino nedidelius suvenyrus. Tai maži žaislai vaikams, lėlės, sagės, girliandos, moteriški papuošalai ir kiti gaminiai, iš seno kimono gaminami smulkūs mieli daikteliai, kurie bendrai vadinami „komono“. Maži dalykai, kurie gyvens savo gyvenimą, tęsdamas kimono kelią. Štai ką reiškia žodis „komono“.

- Kanzashi.
Plaukų segtukų dekoravimo menas (dažniausiai puoštas gėlėmis (drugeliais ir kt.) iš audinio (daugiausia šilko). Japoniški kanzashi (kanzashi) – ilgas segtukas tradicinei japonų moteriškai šukuosenai. Jie buvo gaminami iš medžio, lako, sidabras, vėžlio kiautas naudojamas tradicinėse kinų ir japonų šukuosenose.Maždaug prieš 400 metų Japonijoje pasikeitė moterų šukuosenų stilius: moterys nustojo šukuoti plaukus tradicine forma – taregami (ilgi tiesūs plaukai) ir pradėjo juos formuoti įmantriai ir keistos formos – nihongami.naudoti įvairūs daiktai – plaukų segtukai, pagaliukai, šukos.Būtent tada net paprastos kuši šukos-šukos virsta elegantišku nepaprasto grožio aksesuaru, kuris tampa tikru meno kūriniu.Japonų moterų tradicinis kostiumas neleido riešų papuošalai ir karoliai, todėl šukuosenos buvo pagrindinis grožis ir saviraiškos laukas – taip pat demonstruojantis savininko piniginės skonį ir storumą. Ant graviūrų matote – atidžiau įsižiūrėjus – kaip japonės lengvai pasikabino iki dvidešimties brangių kanzashi savo šukuosenose.
Dabar tarp jaunų japonų moterų, norinčių savo šukuosenoms suteikti rafinuotumo ir elegancijos, atgimsta kanzashi vartojimo tradicijos. Šiuolaikinės barrettes gali būti papuoštos tik viena ar dviem dailiomis rankų darbo gėlėmis.

- Kinusaiga.
Nuostabus rankdarbių tipas iš Japonijos. Kinusaiga (絹彩画) yra batikos ir kratinio kryžius. Pagrindinė mintis yra ta, kad nauji paveikslai yra pagaminti iš senų šilko kimono – tikrų meno kūrinių.
Pirmiausia menininkas padaro eskizą ant popieriaus. Tada šis piešinys perkeliamas ant medinės lentos. Rašto kontūras perpjaunamas grioveliais, arba grioveliais, o tada iš seno šilko kimono išpjaunamos mažos spalvos ir tono derančios skiautelės, kurių kraštai užpildo griovelius. Žiūrint į tokį paveikslą apima jausmas, kad žiūri į fotografiją ar net tiesiog stebi peizažą už lango, jie tokie tikroviški.

- Temari.
Tai tradiciniai japoniški geometriniais siuvinėtais rutuliukai, pagaminti paprastomis siūlėmis, kurie kažkada buvo vaikų žaislas, o dabar tapo meno forma, kurią mėgsta ne tik Japonija, bet ir visame pasaulyje. Manoma, kad seniai šiuos gaminius samurajų žmonos gamindavo pramogai. Pačioje pradžioje jie tikrai buvo naudojami kaip kamuoliukas žaidimui su kamuoliu, tačiau pamažu pradėjo įgyti meninių elementų, vėliau virto dekoratyviniais ornamentais. Subtilus šių kamuoliukų grožis žinomas visoje Japonijoje. Ir šiandien spalvingi, kruopščiai pagaminti gaminiai yra viena iš liaudies amatų rūšių Japonijoje.

- Yubinuki.
Japoniški antpirščiai, siuvant ar siuvinėjant rankomis, dedami ant dirbančios rankos vidurinio piršto vidurinės falangos, pirštų galiukų pagalba adatai suteikiama norima kryptis, o adata stumiama per žiedą viduryje. pirštas darbe. Iš pradžių japoniški yubinuki antpirščiai buvo gaminami gana paprastai - apie 1 cm pločio tankaus audinio arba odos juosta keliais sluoksniais buvo tvirtai apvyniojama aplink pirštą ir susegta keliomis paprastomis dekoratyvinėmis siūlėmis. Kadangi jubinukai buvo reikalinga tema kiekvienuose namuose jie buvo pradėti puošti geometriniais siuvinėjimais šilko siūlais. Iš siūlių susipynimo buvo sukurti spalvingi ir sudėtingi raštai. Yubinuki iš paprasto namų apyvokos daikto taip pat pavirto į „pasigėrėjimą“ skirtą, kasdienybės puošmeną.
Yubinuki vis dar naudojami siuvimui ir siuvinėjimui, tačiau juos taip pat galima rasti tiesiog nešiojant ant rankų ant bet kurio piršto, pavyzdžiui, dekoratyvinius žiedus. Yubinuki stiliaus siuvinėjimu puošiami įvairūs žiedo pavidalo daiktai – servetėlių žiedai, apyrankės, temari stovai, dekoruoti yubinuki siuvinėjimais, taip pat yra tokio paties stiliaus siuvinėtų adatinių gultų. Yubinuki raštai gali būti puikus įkvėpimas temari obi siuvinėjimui.

- Suibokuga arba sumie.
Japoniška tapyba tušu. Šį kinų tapybos stilių japonų menininkai perėmė XIV amžiuje, o iki XV amžiaus pabaigos. tapo pagrindine tapybos srove Japonijoje. Suibokuga yra vienspalvis. Jai būdingas juodo rašalo (sumi) naudojimas, kieta forma anglis arba pagaminta iš kiniško rašalo suodžių, kurie sumalami rašalo inde, praskiedžiami vandeniu ir teptuku tepami ant popieriaus ar šilko. Monochrome siūlo meistrui begalinį atspalvių pasirinkimą, kurį kinai seniai pripažino rašalo „spalvomis“. „Suibokuga“ kartais leidžia naudoti tikras spalvas, tačiau apsiriboja plonais, skaidriais potėpiais, kurie visada lieka pavaldūs rašalo linijai. Tapyba tušu su kaligrafijos menu dalijasi tokiomis esminėmis savybėmis kaip griežtai valdoma raiška ir techninis formos meistriškumas. Tapybos tušu kokybė, kaip ir kaligrafijoje, priklauso nuo tušu nubrėžtos linijos vientisumo ir atsparumo plyšimui, kuri tarsi laiko kūrinį ant savęs, kaip kaulai laiko audinius ant savęs.

- Etegami.
Nupiešti atvirukai (e – paveikslėlis, pažymėti – raidė). Atvirukų kūrimas „pasidaryk pats“ Japonijoje apskritai yra labai populiarus užsiėmimas, o prieš šventę jos populiarumas dar labiau išauga. Japonai mėgsta siųsti atvirukus savo draugams, taip pat mėgsta juos gauti. Tai greitas laiškas ant specialių ruošinių, gali būti siunčiamas paštu be voko. Etegamie nėra specialių taisyklių ar technikų, kiekvienas gali tai padaryti be specialaus mokymo. Etagami padeda tiksliai išreikšti nuotaiką, įspūdžius, tai rankų darbo atvirukas susidedantis iš paveikslėlio ir trumpo laiško, perteikiantis siuntėjo emocijas, tokias kaip šiluma, aistra, rūpestis, meilė ir kt. Šiuos atvirukus jie siunčia šventėms ir kaip tik, vaizduojančius metų laikus, veiklą, daržoves ir vaisius, žmones ir gyvūnus. Kuo paprasčiau nupieštas šis paveikslas, tuo įdomiau jis atrodo.

- Furoshiki.
Japoniška vyniojimo technika arba audinių lankstymo menas. Furoshiki ilgą laiką pateko į japonų gyvenimą. Išlikę senoviniai Kamakura-Muromachi laikotarpio (1185–1573 m.) ritiniai su moterų atvaizdais, ant galvų nešiojančių drabužių ryšulius, suvyniotus į audinį. Ši įdomi technika atsirado dar 710–794 m. po Kr. Japonijoje. Žodis „furoshiki“ pažodžiui verčiamas kaip „vonios kilimėlis“ ir yra kvadratinis audinio gabalas, naudojamas apvynioti ir nešti visų formų ir dydžių daiktus.
Senovėje japoniškose pirtyse (furo) buvo įprasta vaikščioti su šviesiais medvilniniais kimono, kuriuos lankytojai atsinešdavo iš namų. Pirtininkas atsinešė ir specialų kilimėlį (shiki), ant kurio stovėjo nusirengdamas. Persirengęs į „maudymosi“ kimono, lankytojas drabužius suvyniojo į kilimėlį, o po vonios šlapią kimono suvyniojo į kilimėlį, kad parsineštų namo. Taip vonios kilimėlis tapo daugiafunkciu krepšiu.
Furoshiki labai paprasta naudoti: audinys įgauna daikto, kurį apvyniojate, formą, o rankenos leidžia lengvai nešti krovinį. Be to, dovana, supakuota ne į kietą popierių, o į minkštą, daugiasluoksnį audinį, įgauna ypatingo išraiškingumo. Yra daugybė furoshiki lankstymo schemų bet kokiai progai, kasdienai ar šventei.

- Amigurumi.
Japonijos menas megzti arba nerti mažų gyvūnų ir žmogeliukų iškamšas. Amigurumi (編み包み, liet.: „megzti-apvynioti“) dažniausiai yra mieli gyvūnėliai (pavyzdžiui, meškiukai, zuikiai, katės, šunys ir kt.), maži žmogeliukai, tačiau gali būti ir negyvi daiktai, apdovanoti žmogiškomis savybėmis. Pavyzdžiui, keksiukai, kepurės, rankinės ir kt. Amigurumi yra megztas arba megztas arba nertas. IN Pastaruoju metu Nėrimo amigurumi tapo populiaresni ir labiau paplitę.
mezgama iš siūlų paprastu mezgimo būdu - spirale ir, skirtingai nei europietiško mezgimo būdu, apskritimai dažniausiai nejungiami. Jie taip pat neriami mažesniu dydžiu, palyginti su verpalų storiu, kad būtų sukurtas labai tankus audinys be jokių tarpų įdarui išeiti. Amigurumi dažnai gaminami iš dalių ir sujungiami, išskyrus kai kuriuos amigurumus, kurie neturi galūnių, o turi tik galvą ir liemenį, kurie yra viena visuma. Galūnės kartais užpildomos plastiko gabalėliais, kad būtų suteiktas gyvasis svoris, o likusi kūno dalis užpildoma pluošto užpildu.
Amigurumi estetikos sklaidą skatina jų mielumas („kawaii“).

Šiuolaikinis pasaulis dažnai kaltinamas dvasinė krizė, griaunant ryšius su tradicijomis, globalizacijoje, neišvengiamai sugeriančioje tautinius pamatus. Viskas yra suasmeninta ir nuasmeninta vienu metu. Jei vadinamasis klasikinis menas galėtume skirstyti į tautines mokyklas ir įsivaizduok tai ten italų menas kas yra vokiečių, o kas prancūzų menas; ar galime šiuolaikinį meną skirstyti į tas pačias „mokyklas“?

Atsakydamas į šį klausimą, norėčiau jūsų dėmesiui pristatyti Japonijos šiuolaikinį meną. Praėjusiais metais Mori meno muziejuje vykusioje konferencijoje, skirtoje internacionalizmo šiuolaikiniame mene tema, Tokijo universiteto profesorius Michio Hayashi teigė, kad 1980-aisiais Vakaruose populiarų „japoniškumo“ suvokimą sutvirtino „kičo“ trejybė. „natūralumas“ ir „technologinis sudėtingumas“. Šiandien populiarus, o ypač komerciškai populiarus Japonijos šiuolaikinis menas vis dar gali būti įtrauktas į šį trikampį. Vakarų žiūrovui ji išlieka paslaptinga ir originali dėl specifinių bruožų, būdingų tik Tekančios saulės šalies menui. Rugpjūčio mėnesį Vakarai ir Rytai susitiko iš karto trijose meno vietose: iki rugpjūčio 8 dienos Manhetene (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) veikė paroda „Egzistencijos dvilypumas – post-Fukušima“, ekspozicija „teamLab: Ultra“. Subjektyvi erdvė“ truko iki rugpjūčio 15 d. yra praktiškai šalia (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); ir Takashi Murakami „Arhat ciklas“ Palazzo Reale Milane vis dar užkariauja ir stebina lankytojus.

Visi rodomi meno kūriniai buvo sukurti po 2011 m. kovo 11 d., kai Japoniją užklupo cunamis. Branduolinė nelaimė Fukušimos atominėje elektrinėje sutraukė tautą, privertė persvarstyti prioritetus ir vertybes bei vėl atsigręžti į seniai pamirštas tradicijas. Menas negalėjo stovėti nuošalyje ir pristatytas pasauliui naujo tipo menininkas, orientuotas į šiuolaikinio žiūrovo poreikius, o kartu gerbdamas istorinius pagrindus ir vertybes.

Takashi Murakami – reklama sėkmingas menininkas, kuri išpopuliarino techno kičą ir sukūrė naują vizualinės kalbos superflat, paremtą japonų nihonga tapybos tradicijomis ir anime bei mangos specifika. Jo atkartotų skulptūrų ir siaubingų instaliacijų ideologija buvo parodyti pokyčius Japonijoje po karo, kai įsivyravo vartotojiškumas. Tačiau 2011 m. kovo 11 d. padalijo Japonijos gyvenimą į „prieš“ ir „po“, kaip dvi baisios 1945 m. rugpjūčio dienos, kai ant Hirosimos ir Nagasakio buvo numestos branduolinės bombos. Po to stipraus žemės drebėjimo, atvedusio prie siaubingų pasekmių, Murakami ėmėsi budizmo ir japonų estetikos permąstymo keliu, žengė žingsnį grįžimo prie ištakų ir dvasingumo link. Pirmasis kūrinys, inicijavęs Arhatų ciklą, yra 500 Arhatų, parodytas Takashi Murakami personalinėje parodoje Dohoje, Katare 2012 m. Grįžimą prie budizmo temų autorius aiškina kaip bandymą suvokti, kad šiame pasaulyje esame ne tik mes, kad yra nuo mūsų nepriklausomos jėgos ir kad mes turime kaskart tobulėti, kad nustotų būti priklausomi nuo mūsų. savų norų ir paveikia. Tanki arhatų siena, tarsi sauganti publiką nuo siautėjančių stichijų per visus 100 metrų drobės, įskiepijo ramybę ir ramybę kiekvieno sieloje. Tačiau Murakami neapsiribojo tik vienu kūriniu ir tęsė paveikslų ciklą, papildydamas ir išplėsdamas pasakojimą, tarsi pasitelkdamas mangos techniką ir pasakodamas istoriją vizualiu dizainu. Antroji ciklo dalis buvo pristatyta galerijoje Blum & Poe ( Los Andželas) 2013 m. Šiandien Milane arhatai jau trečią kartą keliauja po pasaulį, skleisdami sugrįžimo prie dvasingumo ir aistrų išsižadėjimo idėją. Nepaisant pamokymo ir prasmės gilumo, paveikslai yra lengvai suvokiami dėl drąsaus ir ryškių spalvų sprendimo, menine kalba. Manga elementai atnešė jiems tą būtiną populiarinimo dalį, kad transliuojamos budizmo idėjos būtų lengvai perskaitytos ir priimtos net neišmanančios visuomenės.

Kitu šiuolaikinės japonų tapybos atstovu galima pavadinti Murakami mokinį Kazuki Umezawa, kuris sugrąžina mus prie mokyklos ir tęstinumo klausimo. Jis kuria skaitmeninius anime personažų atvaizdus, ​​piešdamas juos ant lipdukų, kad sukurtų papildomą gylį ir vizualinį chaosą. Iš atsitiktinių ir visame internete išsibarsčiusių vaizdų jis konstruoja koliažus, laužo fonus, kuria mandalas, atspindinčias otaku (anime ir mangos gerbėjų) vaizduotės struktūrą ir turinį. Kreipimasis į budizmo simbolį sustiprina jauno menininko darbų semantinę vertę, viena vertus, susiejant sakralumą ir kultūroje įsitvirtinusią, kita vertus, šiuolaikines problemas, bet vėlgi įtraukiant specifinį japonų reiškinį. anime.

Takashi Murakami ir Kazuki Umezawa meistriškai balansuoja tarp aktualumo ir tradicijos, kičo ir stiliaus.

Keista, bet po 2011 metų kovo 11 dieną Japonijoje įvykusio žemės drebėjimo devynias dienas po namo griuvėsiais įstrigęs ir išgelbėtas 16-metis, žurnalisto paklaustas apie savo ateities svajones, atsakė: „Aš nori tapti menininku“.

Tadasu Takamine. „God Save America“, 2002. Vaizdo įrašas (8 min. 18 sek.)

Dviguba perspektyva: Japonijos šiuolaikinis menas
Kuratoriai Elena Yaichnikova ir Kenjiro Hosaka

Pirma dalis: „Realybė/paprastas pasaulis“. Maskvos modernaus meno muziejus, kalnai. Maskva, Ermolajevskio g. 17
Antra dalis: „Įsivaizduojamas pasaulis / fantazija“. Maskvos modernaus meno muziejus, kalnai. Maskva, Gogolevskio bulvaras, 10

Maskvos modernaus meno muziejus kartu su Japonijos fondu pristato parodą „Dviguba perspektyva: Japonijos šiuolaikinis menas“, skirtą plačiajai visuomenei supažindinti su šiuolaikiniais Japonijos menininkais.
Dviguba perspektyva yra iš dviejų kuratorių skirtingos salys, dvi muziejaus aikštelės ir dviejų dalių projekto struktūra. Elenos Yaichnikovos ir Kenjiro Hosakos kuruojama paroda sujungia daugiau nei 30 įvairaus stiliaus menininkų, dirbusių nuo septintojo dešimtmečio iki šių dienų, kūrinius. Projektą sudaro dvi dalys – „Tikrasis pasaulis / Kasdienis gyvenimas“ ir „Įsivaizduojamas pasaulis / Fantazijos“, kurios yra muziejaus teritorijoje Ermolaevsky Lane 17 ir Gogolevsky Boulevard 10.

Pirma dalis: „Realybė / įprastas pasaulis“

Pirmojoje parodos dalyje „Tikras pasaulis/Kasdienis gyvenimas“ pristatomas japonų menininkų požiūris į mus supantį pasaulį per kreipimąsi į XX amžiaus pasaulio istoriją (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa ir Yuken Teruya), apmąstymai apie mus supantį pasaulį. prietaisas šiuolaikinė visuomenė(Dumb Type ir Tadasu Takamine), sąveika su miesto erdve (susisiekite su Gonzo ir ChimPom) ir poezijos paieška kasdieniame gyvenime (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi ir Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura video kūrinių serijoje „Requiem“ persikūnija į įvairius istoriniai personažai: Chaplinas, rašytojas Yukio Mishima ir net Leninas – ir atkuria epizodus iš jų gyvenimo. Kita projekto dalyvė Tetsuya Umeda instaliacijas kuria iš improvizuotų priemonių, įprastų dalykų – taip banaliausia kasdienybė tampa menu. Parodoje bus eksponuojami Yoko Ono darbai – garsioji „Cut Piece“ 1965 ir 2003 metų versija bei garso instaliacija „Cough Piece“ (1961). Parodoje bus pristatomi vieno centrinių Mono-Ha judėjimo (Mono-Ha, išvertus kaip „daiktų mokykla“) atstovo Kishio Sugos, pasiūliusio japonišką alternatyvą vakarietiškam modernizmui, kūriniai. Nuotraukų skiltyje bus pristatyti Toshio Shibata, Takashi Homma ir Lieko Shiga darbai.

Yayoi Kusama. „Aš čia, bet niekur“, 2000. Mišri technika. Instaliacija Maison de la Culture du Japon, Paryžius.
Autoriaus kolekcija

Antrąją projekto dalį sudarantys kūriniai pateiks visuomenei laisvą, įsivaizduojamą pasaulį, kuriame yra viskas, ko negalime pamatyti realiame gyvenime, viskas, kas yra už jo ribų. Šios parodos dalies menininkų darbai remiasi japonų popkultūra, fantazijos, naivumo, mitų ir kosmogoninės pasaulio sandaros apmąstymų pasauliu. Kiekvienas parodos dalyvis į sąvoką „vaizduotė“ įdeda savo prasmę. Taip elgiasi ir menininkas Tadanori Yokoo, santykyje su įsivaizduojamu pasauliu Pagrindinė tema jo kūrinių išnykimas, o tiksliau „savaiminis išnykimas“. Panašų motyvą galima atsekti ir Yayoi Kusamos kūryboje: projektuodama savo fantazijas į realybę, ji kuria pasaulį, kupiną keistų raštų. Milžiniška Kenji Yanobe skulptūra „Saulės vaikas“ (2011) buvo sukurta siaubingu metu, kai Fukušima-1 atominėje elektrinėje įvyko sprogimas. Jo monumentalus objektas tampa vaizduotės susikirtimo tašku. Menininkas supranta, kad patirtis, patirta ties realybės riba, taps postūmiu kurti naują pasaulį. Dalyje „Imaginary World/Fantasy“ taip pat yra Yoshitomo Naros, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa ir daugelio kitų kūrinių.
Dalis darbų buvo sukurti specialiai parodai. Menininkas Yoshinori Niva atvyko į Maskvą dėl savo projekto „Vladimiras Leninas ieškomas Maskvos butuose“ (2012), siekdamas rasti artefaktų, susijusių su revoliucionieriaus asmenybe maskvėnų butuose. Jo darbas – jo paieškų ir kelionių po Maskvą vaizdo dokumentacija. Menininkas Tetsuya Umeda, kurio darbai vienu metu bus pristatomi dviejose vietose, atvyks į Maskvą, kur savo instaliacijas realizuoja vietoje.
Šios dvi, iš pirmo žvilgsnio, neprilygstamos parodos dalys skirtos parodyti du japonų meno polius, kurie realybėje pasirodo vienas nuo kito neatsiejami.
Parodos rėmuose taip pat planuojama surengti atvirus meistriškumo kursus ir kūrybiniai susitikimai su projekto dalyviais. Paskaitas skaitys japonų kuratorius Kenjiro Hosaka ir menininkas Kenji Yanobe. Rusijai ši paroda pirmą kartą pristato šiuolaikinį Japonijos meną tokiu mastu.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166,5 x 100 cm. Akrilas ant drobės
Nuotrauka: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Atskyrimo erdvė", 1975. Šakos ir betono blokeliai. 184 x 240 x 460 cm
Nuotrauka: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Saulės vaikas", 2011. Stiklo pluoštas, plienas, neonas ir kt. 620 x 444 x 263 cm. Įrengimas memorialiniame parke Ezpo"70
Nuotrauka: Thomas Swab