Apakah definisi still life untuk kanak-kanak. Masih hidup dalam fotografi
Still life (fr. nature morte - “dead nature”) ialah genre seni halus di mana objek di sekeliling kita digambarkan yang mempunyai hubungan semantik antara satu sama lain. Seni jenis ini menarik dengan kemungkinan visual yang hebat, yang menyumbang kepada pembangunan kemahiran gubahan dan pembinaan warna.
Masih hidup menyampaikan kepada kita imej dan simbol tertentu dunia di sekeliling kita. Melibatkan kita dalam dunia komunikasi objek, memberikan peluang untuk berperanan sebagai teman bicara. artis sejati membolehkan penonton melihat maksud rahsia objek di sekeliling kita. Dengan pra-memilih dan membina atribut tertentu ke dalam komposisi tertentu, yang membawa tugas semantik tertentu.
Masih hidup berasal dari Eropah pada abad ke-16 dan ke-17, tetapi prasejarahnya muncul lebih awal. Setanding dengan genre harian masih hidup untuk masa yang lama tidak dapat mengambil kedudukan utama dalam lukisan. Oleh kerana ia dianggap mustahil untuk menyampaikan idea sosial utama melalui lukisan jenis ini. Terima kasih kepada tuan yang hebat, genre ini diiktiraf sebagai cukup mampu menyampaikan pelbagai keadaan sosial, dengan itu menjejaskan pelbagai nilai sosial. Dengan bantuan pelbagai atribut, satu atau imej lain dicipta, mencerminkan makna idea utama. Barangan isi rumah mengklasifikasikan status sosial, gaya hidup pemiliknya, yang penting untuk menyampaikan imej strata sosial.
Beralih kepada kronologi sejarah seni, seseorang boleh menjejaki berturut-turut kebangkitan dan kejatuhan genre pelik seperti masih hidup.
« Pembentukan masih hidup sebagai genre lukisan bebas adalah disebabkan oleh kerja Belanda dan Flemish artis XVII abad. Abad ke-17 di Eropah ditandai sebagai zaman kegemilangan kehidupan yang masih hidup. Dalam tempoh ini, semua jenis utama hidupan mati telah dicipta.
Perkembangan progresif hidupan mati di Eropah Barat lukisan XVII abad boleh dijelaskan sebahagian besarnya oleh keanehan situasi budaya dan pandangan dunia umum, khususnya, pencairan muktamad dan pada masa yang sama personifikasi bersama kategori seperti material dan rohani, individu dan sejagat. Dalam kehidupan yang masih hidup, yang paling konkrit dari semua kekhususan dunia ini telah ditegaskan secara artistik - sesuatu, hasil daripada aktiviti manusia yang sangat spesifik, pada masa yang sama, benda-benda buatan manusia duniawi ini dikurniakan makna alegori dan simbolik. , dianggap sebagai tanda-tanda nilai kerohanian yang tidak material, sebagai meditasi yang dipersonifikasikan pada makna kehidupan manusia. Sesuatu benda, setelah kehilangan makna alegorinya, tidak lagi menjadi objek seni yang hebat. Genre masih hidup mula beransur-ansur menjadi usang.
Kebangkitannya berlaku pada penghujung abad ke-19 - permulaan abad ke-20. Oleh kerana plotnya dan, sedikit sebanyak, kemandulan semantik, masih hidup dalam dekad-dekad ribut ini untuk pembangunan seni ternyata sangat sesuai untuk eksperimen kreatif. Salah satu yang paling konservatif, dari sudut pandangan ikonografi, salah satu yang paling mantap dari segi komposisi, masih hidup membenarkan artis untuk melakukan pelanggaran yang paling berani, kadang-kadang paradoks terhadap undang-undang genre, sambil kekal dalam ia. Kebanyakan eksperimen di kawasan ini mempunyai sebagai tugas mereka plot yang paling lengkap dan penyahgandingan kiasan perkara.
Perkara-perkara, seolah-olah, melampaui sempadan mereka, kehilangan kepentingan diri mereka, berhenti menjadi sama dengan diri mereka sendiri. Ia sama ada larut dalam cahaya dan warna, tersebar dalam sinaran tenaga, atau terpeluwap menjadi gumpalan jirim, membentuk gabungan jilid paling ringkas, atau hancur menjadi banyak serpihan - dan daripada semua bahan baru yang lebih besar atau, sebaliknya, super-substantial. benda dicipta di atas kanvas. Seperti dalam lukisan abad ke-17, mereka mempunyai makna alegori, tetapi, tidak seperti kehidupan pegun klasik, peranan unsur-unsur utama dalam kriptografi bergambar ini tidak dilakukan oleh objek itu sendiri tetapi oleh ciri-ciri individu mereka, kualiti mereka tepu. dengan peningkatan ketegangan semantik.
Pada tahun-tahun awal abad ke-20, terdapat bukan sahaja kekaburan sempadan benda dalam kehidupan yang masih hidup, tetapi juga kekaburan yang ketara bagi sempadan genre itu sendiri. Dalam kanvas terbuka Matisse, objek yang membentuk kehidupan pegun, meresap dengan irama organik alam semula jadi, bergabung dengan landskap atau berubah menjadi landskap sendiri, mengatasi halangan antara dunia yang hidup dan dunia yang tidak bernyawa. . Dalam landskap kubist Picasso yang dibina, alam semula jadi itu sendiri diobjektifkan, memperoleh ciri-ciri yang dibuat, kebendaan, landskap disamakan dengan kehidupan yang masih hidup. .
"Hidup masih juga menduduki tempat yang menonjol dalam karya artis impresionis Perancis (Manet, Cezanne, Monet, dll.). Mereka berusaha untuk menjelmakan kesan segar pertama tentang apa yang mereka lihat dalam karya mereka. Untuk kehidupan mereka yang masih hidup, serta untuk lukisan Impresionis secara umum, mereka dicirikan oleh: keharmonian warna tulen yang dilihat secara langsung dalam alam semula jadi, keaslian dan daya hidup komposisi.
Satu daripada tukang terbaik masih hidup adalah terkenal artis perancis Chardin, yang berjaya menembusi kehidupan intim perkara yang paling biasa, membawa mereka lebih dekat kepada penonton, dan ini sebahagian besarnya difasilitasi oleh warna lembut lukisannya, difikirkan secara mendalam dan datang dari pemerhatian kehidupan, kesederhanaan dan keaslian dalam susunan objek.
Dalam kehidupan Chardin, tidak ada skema ketat yang dibangunkan oleh sekolah Belanda, monotoni teknik gubahan, pilihan objek, palet warna. .
Di Rusia, masih hidup genre bebas lukisan, muncul pada awal abad XVIII. Idea tentang dia pada asalnya dikaitkan dengan imej anugerah bumi dan laut, dunia pelbagai perkara yang mengelilingi seseorang. Sehingga lewat XIX abad masih hidup, berbeza dengan potret dan gambaran sejarah, dilihat sebagai genre "inferior". Ia wujud terutamanya sebagai pengeluaran pendidikan dan hanya dibenarkan dalam erti kata yang terhad sebagai lukisan bunga dan buah-buahan.
Permulaan abad ke-20 ditandai dengan berkembangnya lukisan masih hidup Rusia, yang buat pertama kalinya mendapat kesamaan antara genre lain. Keinginan artis untuk memperluaskan kemungkinan bahasa bergambar disertai dengan carian aktif dalam bidang warna, bentuk, dan komposisi. Semua ini amat ketara dalam kehidupan yang masih hidup. Diperkaya dengan tema baharu, imej dan teknik seni, kehidupan pegun Rusia berkembang dengan pesat luar biasa: dalam satu setengah dekad, ia beralih daripada impresionisme kepada penciptaan bentuk abstrak.
Pada 30-40-an abad ke-20, perkembangan ini berhenti, tetapi sejak pertengahan 50-an, masih hidup telah mengalami lukisan Soviet kebangkitan baru dan sejak itu akhirnya dan kukuh meningkat setanding dengan genre lain.
Masih hidup dalam lukisan - imej objek tidak bernyawa statik digabungkan menjadi satu ensembel. Kehidupan pegun boleh dipersembahkan sebagai kanvas bebas, tetapi kadangkala ia menjadi sebahagian daripada komposisi adegan genre atau keseluruhan lukisan.
Apa itu masih hidup?
Lukisan sedemikian dinyatakan dalam sikap subjektif seseorang terhadap dunia. Ini menunjukkan pemahaman yang wujud oleh tuan tentang kecantikan, yang menjadi penjelmaan nilai awam dan ideal estetik pada masa itu. Kehidupan masih dalam lukisan secara beransur-ansur berubah menjadi genre penting yang berasingan. Proses ini mengambil masa lebih daripada seratus tahun, dan setiap generasi baru artis memahami kanvas dan warna mengikut trend era.
Peranan masih hidup dalam komposisi lukisan tidak pernah terhad kepada maklumat mudah, penambahan secara tidak sengaja kepada kandungan utama. Bergantung kepada keadaan sejarah dan permintaan awam, objek boleh mengambil bahagian yang lebih atau kurang aktif dalam mencipta gubahan atau imej hotel, mengaburkan satu atau matlamat lain. Masih hidup dalam lukisan sebagai genre bebas direka untuk menyampaikan keindahan perkara yang setiap hari mengelilingi seseorang dengan pasti.
Kadang-kadang satu butiran atau unsur tiba-tiba mengambil makna yang mendalam, mendapat makna dan bunyinya sendiri.
cerita
Sebagai sebuah genre lama dan dihormati, kehidupan masih dalam lukisan tahu pasang surutnya. Teruk, pertapa dan minimalis membantu mencipta imej heroik umum yang agung dan monumental yang abadi. Pengukir dengan ekspresi yang luar biasa menikmati imej objek individu. Jenis-jenis masih hidup dalam lukisan dan semua jenis klasifikasi berasal semasa pembentukan sejarah seni, walaupun kanvas wujud lama sebelum penulisan buku teks pertama.
Tradisi lukisan ikon dan masih hidup
Dalam lukisan ikon Rusia kuno, beberapa perkara yang berani diperkenalkan oleh artis ke dalam laconisme ketat karya kanonik memainkan peranan yang besar. Mereka menyumbang kepada manifestasi segala-galanya serta-merta dan menunjukkan ekspresi perasaan dalam karya yang dikhaskan untuk plot abstrak atau mitologi.
Jenis hidupan mati dalam lukisan wujud secara berasingan daripada karya lukisan ikon, walaupun kanun yang ketat tidak melarang penggambaran beberapa objek yang wujud dalam genre.
masih hidup kebangkitan
Walau bagaimanapun, karya abad ke-15-16 memainkan peranan penting dalam Renaissance. Pelukis pertama kali menarik perhatian kepada dunia di sekelilingnya, berusaha untuk menentukan kepentingan setiap elemen dalam perkhidmatan manusia.
Lukisan moden, masih hidup sebagai genre yang popular dan digemari berasal dari zaman Tricento. Barangan isi rumah memperoleh kemuliaan tertentu dan kepentingan pemilik yang mereka berkhidmat. Pada kanvas besar, kehidupan yang masih hidup, sebagai peraturan, kelihatan sangat sederhana dan bijaksana - balang kaca berisi air, perak pasu yang elegan atau teratai halus pada batang nipis sering berkumpul di sudut gelap gambar, seperti miskin dan terlupakan saudara mara.
Walau bagaimanapun, dalam imej perkara yang indah dan rapat terdapat begitu banyak cinta dalam bentuk puisi lukisan moden, hidupan pegun dan peranannya di dalamnya sudah dengan malu-malu mengintip melalui celah landskap dan tirai tebal adegan genre.
Detik penting
Subjek mendapat elemen sebenar dalam lukisan dan makna baru pada abad ke-17 - era apabila masih hidup dengan bunga-bunga diguna pakai dan dikuasai. Lukisan seperti ini telah mendapat banyak peminat di kalangan bangsawan dan paderi. Dalam gubahan kompleks dengan jalan cerita sastera yang jelas, adegan mendapat tempat mereka bersama dengan watak utama. Menganalisis karya zaman itu, adalah mudah untuk melihat bahawa peranan penting kehidupan mati juga ditunjukkan dalam kesusasteraan, teater dan arca. Perkara mula "bertindak" dan "hidup" dalam karya ini - ia ditunjukkan sebagai watak utama, menunjukkan aspek objek yang terbaik dan paling bermanfaat.
Objek seni yang dibuat oleh pengrajin yang bekerja keras dan berbakat mempunyai kesan peribadi pemikiran, keinginan, dan kecenderungan seseorang tertentu. melukis adalah yang terbaik ujian psikologi membantu untuk mengesan keadaan psiko-emosi dan mencapai keharmonian dalaman dan integriti.
Perkara-perkara yang setia melayani seseorang, mengamalkan semangatnya untuk barangan rumah dan memberi inspirasi kepada pemilik untuk membeli barangan kecil yang cantik dan elegan.
Flemish Renaissance
Lukisan gouache, masih hidup sebagai genre orang tidak segera menerima. Sejarah kemunculan, perkembangan dan pelaksanaan meluas pelbagai idea dan prinsip berfungsi sebagai peringatan tentang perkembangan pemikiran yang berterusan. Kehidupan masih menjadi terkenal dan bergaya pada pertengahan abad ke-17. Genre ini bermula di Belanda, Flanders yang cerah dan meriah, di mana alam semula jadi itu sendiri kondusif untuk kecantikan dan keseronokan.
Lukisan gouache, masih hidup berkembang pesat dalam masa perubahan besar, perubahan lengkap institusi politik, sosial dan agama.
arus flander
Arah borjuasi pembangunan Flanders adalah sesuatu yang baru dan kemajuan bagi seluruh Eropah. Perubahan dalam kehidupan politik membawa kepada inovasi yang sama dalam budaya - ufuk yang dibuka sebelum artis tidak lagi terhad kepada larangan agama dan tidak disokong oleh tradisi yang berkaitan.
Masih hidup menjadi perdana seni baru, yang memuliakan segala-galanya semula jadi, cerah dan cantik. Kanun ketat Katolik tidak lagi menghalang penerbangan imaginasi dan rasa ingin tahu pelukis, dan oleh itu sains dan teknologi mula berkembang bersama dengan seni.
Perkara dan objek biasa seharian, yang sebelum ini dianggap asas dan tidak layak disebut, tiba-tiba menjadi objek kajian rapat. lukisan hiasan, still life dan landskap telah menjadi cermin sebenar kehidupan - rutin harian, diet, budaya, idea tentang kecantikan.
Sifat genre
Ia adalah dari sini, dari kajian yang sedar dan mendalam tentang dunia sekeliling, itu genre berasingan lukisan rumah, landskap, masih hidup.
Seni, yang memperoleh kanun tertentu pada abad ke-17, menentukan kualiti utama genre. lukisan, berdedikasi kepada dunia perkara, menerangkan sifat asas yang wujud dalam objek yang mengelilingi seseorang, menunjukkan sikap tuan dan hipotesisnya kontemporari dengan apa yang ditunjukkan, menyatakan sifat dan kesempurnaan pengetahuan tentang realiti. Artis semestinya menyampaikan kewujudan material, kelantangan, berat, tekstur, warna, tujuan fungsi barangan isi rumah dan hubungan pentingnya dengan aktiviti manusia.
Tugas dan masalah kehidupan mati
Lukisan hiasan, masih hidup dan adegan domestik menyerap trend baru era - pemergian dari kanun dan pemeliharaan serentak naturalisme konservatif imej.
Masih kehidupan era revolusi semasa kemenangan penuh borjuasi mencerminkan penghormatan artis terhadap bentuk baru kehidupan negara sebangsa, menghormati hasil kerja tukang biasa, mengagumi imej yang cantik kecantikan.
Masalah dan tugas genre yang dirumuskan pada abad ke-17 tidak dibincangkan secara umum di sekolah-sekolah Eropah sehingga pertengahan abad ke-19. Sementara itu, artis sentiasa menetapkan sendiri tugas baru dan baru, dan tidak terus menghasilkan semula penyelesaian komposisi dan skema warna secara mekanikal.
Kanvas moden
Foto-foto masih hidup untuk lukisan, yang disediakan di studio moden, jelas menunjukkan perbezaan antara persepsi dunia oleh orang kontemporari dan orang Zaman Pertengahan. Dinamik objek hari ini melebihi semua had yang boleh difikirkan, dan statik objek adalah norma pada masa itu. Kombinasi warna abad ke-17 dicirikan oleh kecerahan dan kesucian warna. Warna tepu secara harmoni sesuai dengan komposisi dan menekankan idea dan idea artis. Ketiadaan mana-mana kanun dengan cara yang terbaik mempengaruhi kehidupan pegun abad ke-20 dan ke-21, kadang-kadang menarik imaginasi dengan keburukan atau variasi yang disengajakan.
Kaedah untuk menyelesaikan masalah kehidupan mati dengan cepat berubah setiap dekad, kaedah dan teknik tidak bersaing dengan imaginasi ahli yang diiktiraf dan tidak begitu.
Nilai lukisan masa kini terletak pada ekspresi realiti melalui kaca mata artis kontemporari; melalui penjelmaan di atas kanvas, timbul dunia baharu yang boleh memberitahu banyak perkara tentang penciptanya kepada manusia masa hadapan.
Pengaruh Impresionisme
Pencapaian seterusnya dalam sejarah masih hidup adalah impresionisme. Seluruh evolusi arah dicerminkan dalam gubahan melalui warna, teknik dan pemahaman ruang. Romantik Terkini Selama beribu tahun, kehidupan telah dipindahkan ke kanvas sebagaimana adanya - pukulan yang cepat, terang dan butiran ekspresif telah menjadi asas gaya.
Lukisan, masih hidup artis kontemporari pastinya menanggung kesan impresionis inspirasi melalui warna, cara dan teknik imej.
Berlepas dari kanon standard klasikisme - tiga rancangan, komposisi pusat dan wira sejarah- membenarkan artis untuk membangunkan persepsi mereka sendiri tentang warna dan cahaya, serta untuk menunjukkan penerbangan bebas emosi kepada penonton dengan cara yang boleh diakses dan visual.
Tugas utama Impresionis - berubah teknik melukis dan kandungan psikologi gambar. Dan hari ini, walaupun mengetahui situasi era itu, sukar untuk mencari jawapan yang betul kepada persoalan mengapa landskap impresionis, yang menggembirakan dan tidak canggih seperti puisi, menyebabkan penolakan tajam dan ejekan kasar daripada pengkritik yang cerewet dan orang ramai yang tercerahkan.
Lukisan impresionis tidak sesuai dengan kerangka yang diterima umum, jadi masih hidup dan landskap dianggap sebagai sesuatu yang kesat, tidak layak untuk diiktiraf bersama-sama dengan ampas seni tinggi yang lain.
Pameran seni yang telah menjadi pelik aktiviti dakwah untuk artis terkenal pada masa itu, dapat mencapai hati dan menunjukkan keindahan dan keanggunan Imej objek dan objek oleh semua cara yang tersedia menjadi perniagaan seperti biasa walaupun di dalam tembok institusi yang menggerunkan yang hanya menganut prinsip seni klasik. Perarakan kejayaan lukisan masih hidup tidak berhenti sejak akhir abad ke-19, dan kepelbagaian genre dan teknik hari ini memungkinkan untuk tidak takut dengan sebarang eksperimen dengan warna, tekstur dan bahan.
Apa itu masih hidup?
Still life (dari morte alam Perancis - "alam mati") adalah genre seni yang menggambarkan objek tidak bernyawa dalam komposisi yang dicipta khas.
Mari kita lihat dengan lebih dekat apa itu masih hidup, jenis apa yang boleh dibahagikan.
Kehidupan masih Belanda pada abad ke-17
Di Belanda masih hidup era ini, untuk sebahagian besar, mereka menangkap diukur, seolah-olah hidup beku.
Pada masa ini, di Belanda, still life sebagai genre berkembang agak intensif, yang difasilitasi oleh pelbagai faktor. Pada masa itu terdapat tahap yang tinggi perkembangan sains dalam matematik, fizik, sains semula jadi, sains sosial. Navigator membawa banyak barang baru dari luar negara, teknologi baru untuk pembuatan pelbagai perkara timbul, dan banyak barangan cantik yang berbeza diletakkan di tingkap.
Terdapat dua jenis hidupan mati yang popular pada masa ini - bunga dan saintis.
bunga masih hidup
Dari 40-an. Abad XVII masih hidup mula berkembang sebagai genre bebas. Popularitinya mudah dijelaskan: pada masa itu ia dianggap tradisional untuk mempunyai taman-taman mewah dan secara aktif menanam bunga.
Wakil: Ambrosius Bosschaert the Elder, Balthasar van der Ast, Jan David de Heem.
saintis masih hidup
Ia dianggap sebagai jenis intelek kehidupan masih. Untuk memahami kehidupan pegun seperti itu, seseorang perlu memahami Bible dan simbol agama. Tidak jarang genre ini menggunakan ilusi untuk mencipta ilusi optik. Mereka mendapat populariti terbesar pada pertengahan abad ke-17 di Belanda dan di luar negara.
Antara artis yang popular adalah seperti berikut: Jacob de Gijn the Younger, Floris van Dyck, Hans van Essen, Amborius Bosschaert the Elder and Younger, Clara Peters, David Bailey, Maria van Osterwijk, Cornelis Briese, Abraham Mignon, Willem van Aelst, Jan van Huysum.
Masih hidup di Rusia abad XVIII-XX.
Sebagai genre, kehidupan masih wujud di Rusia pada awal abad ke-18. Sehingga abad ke-19, ia dianggap sebagai genre yang lebih rendah, difahami dengan cara yang terhad, terutamanya sebagai komposisi mudah, sebagai contoh, pengeluaran buah-buahan dan bunga. Pada mulanya, kehidupan yang masih hidup menggambarkan anugerah laut dan bumi, pelbagai perkara.
Pada abad ke-20, genre ini meningkat satu tahap, ini adalah masa kegemilangannya di Rusia. Pencarian warna, bentuk, gubahan baharu bermula. Dalam masa 15 tahun, masih hidup telah berubah daripada impresionisme kepada seni abstrak.
Dalam 30-40an. Pada abad kedua puluh, perkembangan genre terhenti sedikit, tetapi pada tahun 50-an terdapat kebangkitan baru, dan kehidupan pegun mengukuhkan kedudukannya di kalangan genre bergambar lain.
Artis Rusia yang bekerja pada masa itu: Pyotr Konchalovsky, Viktor Teterin, Sergei Zakharov, Nikolai Pozdneev, Ilya Meshkov, Konstantin Korovin, Sergei Osipov, Maya Kopyttseva, Evgenia Antipova, Yaroslav Krestovsky, Kapitolina Rumyantseva, dll.
Masih hidup abad XX-XXI.
Masih hidup di era ini adalah medan yang luas untuk eksperimen. Genre ini berkembang dalam pelbagai bidang:
Sekarang, mengetahui apa itu kehidupan pegun, jika anda mahu, anda boleh berlatih dalam genre ini. Anda juga memerlukan artikel bahan berguna anda akan dapati di bahagian.
Masih hidup(Perancis Nature morte - alam mati), salah satu genre lukisan yang menggambarkan hadiah alam semula jadi (buah-buahan, bunga, ikan, permainan), serta benda-benda yang dibuat oleh tangan manusia (pinggan mangkuk, pasu, jam tangan, dll.). Kadangkala objek tidak bernyawa wujud bersama dengan makhluk hidup - serangga, burung, haiwan dan manusia.
Motif masih hidup sudah ditemui dalam seni Timur Purba dan zaman purba. Terdapat legenda bahawa artis Yunani purba Apelles menggambarkan anggur dengan begitu mahir sehingga burung-burung menyangkanya sebagai anggur asli dan mula mematuk.
Sebutan pertama kehidupan mati boleh didapati pada abad XV-XVI. Untuk masa yang lama masih hidup mengekalkan hubungan dengan gambaran agama.
Sebagai genre bebas, masih hidup berkembang pada abad ke-17. dan kemudian mengalami zaman kegemilangannya yang cerah dalam karya tuan Belanda, Flemish dan Sepanyol. Kepelbagaian jenis dan bentuknya pada masa itu dikaitkan dengan perkembangan sekolah seni lukis realistik kebangsaan.
Di Belanda, terdapat beberapa jenis masih hidup. Para seniman melukis "sarapan pagi" dan "pencuci mulut" sedemikian rupa sehingga seolah-olah seseorang berada di suatu tempat berdekatan dan tidak lama lagi akan kembali. Paip berasap di atas meja, serbet renyuk, wain dalam gelas tidak habis, limau dipotong, roti dipecahkan (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf).
Turut popular ialah imej peralatan dapur, pasu dengan bunga, dan, akhirnya, Vanitas("kesia-siaan kesia-siaan"), masih hidup pada tema kelemahan kehidupan dan kegembiraan jangka pendeknya, memanggil untuk mengingati nilai sebenar dan menjaga keselamatan jiwa. Atribut kegemaran "Vanitas" ialah tengkorak dan jam tangan (J. van Strek. "Vanity of Vanities").
Untuk Belanda masih hidup, dan juga secara umum untuk kehidupan abad ke-17, kehadiran nuansa falsafah tersembunyi, simbolisme Kristian atau cinta yang kompleks adalah ciri (lemon adalah simbol kesederhanaan, anjing itu kesetiaan, dll.)
Flemings, sebaliknya, melukis kanvas besar, kadang-kadang besar bertujuan untuk menghiasi dewan istana. Mereka dibezakan oleh pelbagai warna perayaan, banyak objek, dan kerumitan komposisi. Kehidupan pegun seperti itu dipanggil "kedai"(J. Feith, F. Snyders). Mereka menggambarkan meja yang dipenuhi dengan binatang buruan, makanan laut, roti, dan di sebelahnya - pemilik menawarkan barangan mereka. Makanan yang banyak, seolah-olah tidak sesuai di atas meja, digantung, jatuh terus kepada penonton.
DALAM Itali dan Sepanyol Kebangkitan masih hidup banyak menyumbang kepada kerja Caravaggio. Tema kegemaran masih hidup ialah bunga, sayur-sayuran dan buah-buahan, makanan laut, peralatan dapur, dll. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, dll.).
Artis Sepanyol lebih suka mengehadkan diri mereka kepada satu set kecil item dan bekerja secara bijaksana skema warna. Bentuknya mudah dan mulia; mereka dibentuk dengan teliti dengan chiaroscuro, hampir ketara, komposisinya seimbang dengan ketat (F. Zurbaran. "Masih hidup dengan oren dan lemon", 1633; A. Pereda. "Masih hidup dengan jam").
Di Rusia, masih hidup pertama muncul pada abad ke-18. dalam lukisan hiasan di dinding istana dan lukisan "dummy", di mana objek dihasilkan dengan tepat sehingga kelihatan nyata (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov).
Pada abad ke-19 tradisi tipu muslihat telah difikirkan semula. Masih hidup mengalami kenaikan di tingkat pertama. abad ke-19 dalam kerja F.P. Tolstoy, yang memikirkan semula tradisi "helah" ("Beri currant merah dan putih", 1818), artis sekolah Venice, I. T. Khrutsky. Dalam objek harian, artis berusaha untuk melihat keindahan dan kesempurnaan.
Pada abad ke-18 tuan Perancis J.-B. DENGAN. Chardin. Lukisan-lukisannya, menggambarkan peralatan sederhana dan padat (mangkuk, periuk tembaga), sayur-sayuran, makanan ringkas, dipenuhi dengan nafas kehidupan, dihangatkan oleh puisi perapian dan mengesahkan keindahan kehidupan seharian. Chardin juga melukis alegori masih hidup (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
bunga baru genre datang kepada con. 19 - mohon. Abad ke-20, apabila kehidupan mati menjadi makmal untuk eksperimen kreatif, satu cara untuk menyatakan keperibadian artis. masih hidup memerlukan tempat yang penting dalam karya pasca-impresionis - V. van Gogh, P. Gauguin dan lebih-lebih lagi P. Cezanne. P. Picasso, A. Matisse
masih hidup masih hidup
(Morte alam Perancis, natura morta Itali, secara harfiah - alam mati; stilleven Belanda, Stilleben Jerman, masih hidup dalam bahasa Inggeris, secara harfiah - kehidupan tenang atau tidak bergerak), genre seni halus (terutamanya lukisan kuda-kuda), yang didedikasikan untuk perkara imej mengelilingi seseorang, diletakkan, sebagai peraturan, dalam persekitaran rumah tangga yang sebenar dan disusun secara komposisi ke dalam satu kumpulan. Organisasi khas motif (yang dipanggil pementasan) adalah salah satu komponen utama sistem kiasan genre still life. Sebagai tambahan kepada objek tidak bernyawa (contohnya, barangan rumah), hidupan mati menggambarkan objek hidupan liar, terpencil daripada sambungan semula jadi dan dengan itu bertukar menjadi sesuatu - ikan di atas meja, bunga dalam sejambak, dll. Melengkapkan motif utama, pegun kehidupan mungkin termasuk imej orang, haiwan, burung, serangga. Penggambaran perkara dalam kehidupan mati mempunyai nilai artistik yang bebas, walaupun dalam proses pembangunan ia sering berfungsi untuk menyatakan kandungan simbolik, menyelesaikan masalah hiasan atau membetulkan dunia objektif dengan tepat dalam sains semula jadi, dll. Pada masa yang sama, pegun kehidupan boleh mencirikan bukan sahaja perkara dalam diri mereka, tetapi juga status sosial, kandungan dan gaya hidup pemiliknya, menimbulkan banyak persatuan dan analogi sosial.
Motif masih hidup sebagai butiran gubahan sudah ditemui dalam seni Timur Purba dan zaman dahulu, beberapa fenomena dalam seni zaman pertengahan sebahagiannya setanding dengan masih hidup. Timur Jauh(contohnya, genre yang dipanggil "bunga-burung"), tetapi kelahiran masih hidup sebagai genre bebas berlaku pada zaman moden, apabila perhatian kepada dunia material, kepada imej konkrit-sensualnya, berkembang dalam karya Sarjana Itali dan terutamanya Belanda Renaissance. Sejarah masih hidup sebagai genre lukisan kuda-kuda, dan khususnya jenis "trompe l" oeil (yang dipanggil snag), dibuka oleh "Still Life" oleh Jacopo de Barbari Itali (1504), yang secara ilusi. mencipta semula objek dengan tepat. separuh daripada XVI- permulaan abad ke-17, yang difasilitasi oleh kecenderungan sains semula jadi yang menjadi ciri era ini, minat seni dalam kehidupan seharian dan kehidupan peribadi seseorang, serta perkembangan kaedah untuk pembangunan artistik dunia (karya Belanda P. Aartsen, Fleming J. Brueghel Velvet, dll.).
Zaman kegemilangan masih hidup - abad XVII. Kepelbagaian jenis dan bentuknya pada masa itu dikaitkan dengan perkembangan sekolah seni lukis realistik kebangsaan. Di Itali dan Sepanyol, kebangkitan kehidupan masih difasilitasi oleh kerja Caravaggio dan pengikutnya ( cm. Caravaggisme). Tema kegemaran masih hidup ialah bunga, sayur-sayuran dan buah-buahan, makanan laut, peralatan dapur, dll. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, dll.). Kehidupan pegun Sepanyol dicirikan oleh keterukan yang tinggi dan kepentingan istimewa imej sesuatu (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, dll.). Minat dalam sifat sehari-hari perkara, keintiman, sering demokratisme imej jelas dimanifestasikan dalam kehidupan masih Belanda. Ia dicirikan oleh perhatian khusus kepada penghantaran persekitaran cahaya, tekstur bahan yang pelbagai, kehalusan hubungan tonal dan skema warna - daripada pewarnaan "sarapan monokrom" yang sangat sederhana oleh V. Kheda dan P. Klas kepada sangat kontras, komposisi warna yang menakjubkan V. Kalf ("pencuci mulut "). Kehidupan masih Belanda dibezakan oleh banyaknya jenis genre ini: "ikan" (A. Beyeren), "bunga dan buah-buahan" (J. D. de Hem), "permainan yang dipukul" (J. Venike, M. Hondekuter), alegori masih hidup "vanitas "("kesia-siaan kesia-siaan"), dll. Orang Flemish masih hidup (terutamanya "pasar", "kedai", "bunga dan buah-buahan") menonjol untuk skopnya dan pada masa yang sama komposisi hiasan: ini adalah pujian kepada kesuburan dan kelimpahan (F. Snyders, J. Feit) , Pada abad XVII. Jerman (G. Flegel, K. Paudis) dan Perancis (L. Bozhen) masih hidup juga sedang berkembang. Dari akhir abad ke-17 dalam kehidupan masih Perancis, trend hiasan seni istana berjaya (bunga oleh J. B. Monnoyer dan sekolahnya, memburu masih hidup oleh A. F. Deport dan J. B. Oudry). Dengan latar belakang ini, karya salah seorang tuan yang paling penting dalam bahasa Perancis masih hidup - J. B. S. Chardin, ditandai dengan ketegasan dan kebebasan komposisi, kehalusan penyelesaian warna, menonjol dengan kemanusiaan dan demokrasi yang tulen. Pada pertengahan abad XVIII. dalam tempoh pembentukan akhir hierarki akademik genre, istilah "nature morte" timbul, yang mencerminkan sikap menghina terhadap genre penyokong akademikisme ini, yang lebih suka genre yang kawasannya adalah "alam hidup" ( genre sejarah, potret, dsb.).
Pada abad ke-19 nasib kehidupan masih ditentukan oleh pakar lukisan terkemuka, yang bekerja dalam banyak genre dan melibatkan kehidupan masih dalam perjuangan pandangan estetik Dan idea seni(F. Goya di Sepanyol, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet di Perancis). Antara sarjana abad ke-19 yang mengkhusus dalam genre ini, A. Fantin-Latour (Perancis) dan W. Harnet (AS) juga menyerlah. Kebangkitan baru kehidupan mati dikaitkan dengan prestasi sarjana pasca-impresionisme, yang baginya dunia perkara menjadi salah satu tema utama (P. Cezanne, V. van Gogh). Sejak awal abad XX. still life adalah sejenis makmal lukisan yang kreatif. Di Perancis, tuan Fauvism (A. Matisse dan lain-lain) mengikuti laluan pengenalpastian yang lebih tinggi kemungkinan emosi dan dekoratif-ekspresi warna dan tekstur, dan wakil kubisme (J. Braque, P. Picasso, X. Gris dan lain-lain), menggunakan kekhususan kemungkinan artistik dan analitik yang masih hidup, berusaha untuk mewujudkan cara baharu untuk menyampaikan ruang dan bentuk. Masih hidup juga menarik tuan aliran lain (A. Kanoldt di Jerman, G. Morandi di Itali, S. Lukyan di Romania, B. Kubista dan E. Filla di Republik Czech, dll.). Aliran sosial dalam kehidupan pegun abad ke-20 diwakili oleh karya D. Rivera dan D. Siqueiros di Mexico, R. Guttuso di Itali.
Masih hidup muncul dalam seni Rusia pada abad ke-18. bersama-sama dengan penegasan lukisan sekular, mencerminkan penderitaan kognitif era dan keinginan untuk menyampaikan dunia objektif dengan jujur dan tepat ("helah" oleh G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, dll.). Perkembangan selanjutnya kehidupan pegun Rusia untuk masa yang agak lama adalah episodik. Beberapa peningkatan pada separuh pertama abad XIX. (F. P. Tolstoy, sekolah A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) dikaitkan dengan keinginan untuk melihat keindahan dalam yang kecil dan biasa. Pada separuh kedua abad XIX. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan beralih kepada kehidupan pegun yang bersifat samar hanya sekali-sekala; Kepentingan tambahan kehidupan masih dalam sistem artistik Wanderers diikuti dari idea mereka tentang peranan dominan gambar plot-tema. Kepentingan bebas kajian masih hidup meningkat pada permulaan abad ke-19 dan ke-20. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Zaman kegemilangan masih hidup Rusia jatuh pada awal abad ke-20. Contoh terbaik beliau termasuk karya impresionistik K. A. Korovin, I. E. Grabar; karya artis "Dunia Seni" (A. Ya. Golovin dan lain-lain) yang secara halus bermain dengan watak sejarah dan setiap hari; secara mendadak imej hiasan P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan dan pelukis lain bulatan Blue Rose; kehidupan yang masih cerah dipenuhi dengan kepenuhan oleh tuan "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Masih hidup Soviet, berkembang selaras dengan seni realisme sosialis diperkaya dengan kandungan baharu. Dalam 20-30an. ia merangkumi kedua-dua pemahaman falsafah kemodenan dalam karya yang diasah secara komposisi (K. S. Petrov-Vodkin), dan tematik "revolusioner" masih hidup (F. S. Bogorodsky dan lain-lain), dan percubaan untuk mendapatkan semula "benda" yang ditolak oleh apa yang dipanggil bukan- objektif melalui eksperimen dalam bidang warna dan tekstur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), dan rekreasi penuh kekayaan warna-warni dan kepelbagaian dunia objektif (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A . Osmerkin dan lain-lain), serta mencari keharmonian warna yang halus, penyairan dunia perkara (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa dan lain-lain). Dalam 40-50an. P. V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich secara aktif bekerja dalam masih hidup. Di antara tuan yang masih hidup di republik Kesatuan, A. Akopyan di Armenia, T. F. Narimanbekov di Azerbaijan, L. Svemp dan L. Endzelina di Latvia, N. I. Kormashov di Estonia menonjol. Tarikan kepada peningkatan "objektiviti" imej, estetika dunia perkara yang mengelilingi seseorang menentukan minat dalam kehidupan artis muda tahun 70-an dan awal 80-an. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, dll.).
V. Kheda. "Sarapan dengan pai blackberry." 1631. Galeri gambar. Dresden.
P. Cezanne. "Peaches dan Pear" Akhir 1880-an Muzium Seni Halus dinamakan sempena A. S. Pushkin. Moscow.
K. S. Petrov-Vodkin. "Pagi masih hidup". 1918. Muzium Rusia. Leningrad.
I. I. Mashkov. "Snedd Moscow: roti". 1924. Galeri Tretyakov. Moscow.
Sumber: Ensiklopedia Seni Popular. Ed. Bidang V.M.; M.: Rumah penerbitan " Ensiklopedia Soviet", 1986.)
masih hidup(Morte alam Perancis - alam mati), salah satu genre lukisan. Masih hidup menggambarkan hadiah alam semula jadi (buah-buahan, bunga, ikan, permainan), serta benda-benda yang dibuat oleh tangan manusia (pinggan mangkuk, pasu, jam, dll.). Kadangkala objek tidak bernyawa wujud bersama dengan makhluk hidup - serangga, burung, haiwan dan manusia.
Nyawa pegun yang termasuk dalam gubahan plot sudah pun ditemui dalam lukisan. dunia purba(lukisan dinding dalam Pompeii). Terdapat legenda bahawa artis Yunani purba Apelles menggambarkan anggur dengan begitu mahir sehingga burung-burung menyangkanya sebagai anggur asli dan mula mematuk. Sebagai genre bebas, masih hidup berkembang pada abad ke-17. dan kemudian mengalami zaman kegemilangannya yang cerah dalam karya tuan Belanda, Flemish dan Sepanyol.
Di Belanda, terdapat beberapa jenis masih hidup. Para seniman melukis "sarapan pagi" dan "pencuci mulut" sedemikian rupa sehingga seolah-olah seseorang berada di suatu tempat berdekatan dan tidak lama lagi akan kembali. Paip berasap di atas meja, serbet renyuk, wain dalam gelas tidak habis, limau dipotong, roti dipecahkan (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Juga popular adalah imej peralatan dapur, pasu bunga dan, akhirnya, "Vanitas" ("kesombongan kesombongan"), masih hidup pada tema kelemahan kehidupan dan kegembiraan jangka pendeknya, menyeru untuk mengingati nilai-nilai sebenar dan menjaga keselamatan jiwa. Atribut kegemaran "Vanitas" ialah tengkorak dan jam tangan (J. van Strek. "Vanity of Vanities"). Kehidupan masih Belanda, serta abad ke-17 masih hidup secara umum, dicirikan oleh kehadiran nuansa falsafah yang tersembunyi, simbolisme Kristian atau cinta yang kompleks (lemon adalah simbol kesederhanaan, anjing itu kesetiaan, dll.). Pada masa yang sama Pada masa itu, artis mencipta semula dalam kehidupan masih dengan cinta dan semangat kepelbagaian dunia (permainan sutera dan baldu, alas meja permaidani berat, perak berkilauan, buah beri berair dan wain mulia). Komposisi hidupan mati adalah ringkas dan stabil, tertakluk kepada pepenjuru atau bentuk piramid. "Wira" utama sentiasa diserlahkan di dalamnya, sebagai contoh, gelas, jag. Sarjana secara halus membina hubungan antara objek, bertentangan atau, sebaliknya, memadankan warna, bentuk, tekstur permukaannya. dilepaskan dengan berhati-hati butiran terkecil. Bersaiz kecil, lukisan ini direka untuk pemeriksaan rapi, renungan panjang dan pemahaman makna tersembunyinya.
Flemings, sebaliknya, melukis kanvas besar, kadang-kadang besar bertujuan untuk menghiasi dewan istana. Mereka dibezakan oleh pelbagai warna perayaan, banyak objek, dan kerumitan komposisi. Kehidupan pegun seperti itu dipanggil "kedai" (J. Feit, F. Snyders). Mereka menggambarkan meja yang dipenuhi dengan binatang buruan, makanan laut, roti, dan di sebelahnya - pemilik menawarkan barangan mereka. Makanan yang banyak, seolah-olah tidak sesuai di atas meja, digantung, jatuh terus kepada penonton.
Artis Sepanyol lebih suka mengehadkan diri mereka kepada satu set objek kecil dan bekerja dalam skema warna terkawal. Hidangan, buah-buahan atau cengkerang dalam lukisan F. Zurbarana dan A. Bahagian hadapan diletakkan dengan tenang di atas meja. Bentuk mereka sederhana dan mulia; mereka dibentuk dengan teliti dengan chiaroscuro, hampir ketara, komposisinya seimbang dengan ketat (F. Zurbaran. "Masih hidup dengan oren dan lemon", 1633; A. Pereda. "Masih hidup dengan jam").
Pada abad ke-18 tuan Perancis J.-B. DENGAN. Chardin. Lukisan-lukisannya, menggambarkan peralatan sederhana dan padat (mangkuk, periuk tembaga), sayur-sayuran, makanan ringkas, dipenuhi dengan nafas kehidupan, dihangatkan oleh puisi perapian dan mengesahkan keindahan kehidupan seharian. Chardin juga melukis alegori masih hidup (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
Di Rusia, masih hidup pertama muncul pada abad ke-18. dalam lukisan hiasan di dinding istana dan lukisan "dummy", di mana objek dihasilkan dengan tepat sehingga kelihatan nyata (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). Pada abad ke-19 tradisi tipu muslihat telah difikirkan semula. Masih hidup mengalami kenaikan di tingkat pertama. abad ke-19 dalam kerja F.P. Tolstoy, yang memikirkan semula tradisi "helah" ("Beri currant merah dan putih", 1818), artis sekolah Venice, I. T. Khrutsky. Dalam objek harian, artis berusaha untuk melihat keindahan dan kesempurnaan.
Zaman kegemilangan baharu genre itu tiba di penghujungnya. 19 - mohon. Abad ke-20, apabila kehidupan mati menjadi makmal untuk eksperimen kreatif, satu cara untuk menyatakan keperibadian artis. Masih hidup menduduki tempat yang penting dalam karya pasca-impresionis - V. van Gogh, P. Gauguin dan lebih-lebih lagi P. Cezanne. Monumentaliti komposisi, garis kedekut, asas, bentuk tegar dalam lukisan Cezanne direka untuk mendedahkan struktur, asas perkara itu dan mengingati undang-undang yang tidak tergoyahkan dalam susunan dunia. Artis mengukir bentuk dengan warna, menekankan kebendaannya. Pada masa yang sama, permainan warna yang sukar difahami, terutamanya biru sejuk, memberikan kehidupan pegunnya perasaan udara dan kelapangan. Barisan masih hidup Cezanne diteruskan di Rusia oleh tuan-tuan " Jack of Diamonds"(I.I. Mashkov, P.P. Konchalovsky dsb.), menggabungkannya dengan tradisi orang Rusia seni rakyat. Artis "Mawar Biru"(N.N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) mencipta gubahan nostalgia, gaya antik. Generalisasi falsafah meresap dalam kehidupan pegun K. S. Petrova-Vodkina. Pada abad ke-20 dalam genre masih hidup, P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi. Di Rusia, tuan terbesar dalam genre ini ialah M.S. Sarian, P.V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov dan lain-lain.
