Mengenai seni gitar dan latihan pemain gitar. Rangka ringkas sejarah seni gitar gitar dan penyelidikannya

Hantar kerja baik anda di pangkalan pengetahuan adalah mudah. Gunakan borang di bawah

Pelajar, pelajar siswazah, saintis muda yang menggunakan pangkalan pengetahuan dalam pengajian dan kerja mereka akan sangat berterima kasih kepada anda.

Disiarkan pada http://www.allbest.ru/

Disiarkan pada http://www.allbest.ru/

Kementerian Kebudayaan Ukraine

Akademi Kebudayaan Negeri Kharkiv

untuk kemasukan belajar untuk ijazah "Sarjana"

Seni Gitar sebagai Fenomena Sejarah Budaya Muzik

Pikhulya Taras Olegovich

Kharkiv 2015

Rancang

pengenalan

1. Prasyarat untuk pembentukan dan perkembangan bermain gitar klasik

1.1 Sejarah kemunculan, perkembangan dan peningkatan prestasi gitar

1.2 Pembentukan seni gitar di USSR dan Rusia

2. Sejarah kemunculan dan evolusi pop arah jazz dalam seni

2.1 Varieti gitar yang digunakan dalam seni pop-jazz

2.2 Arah utama prestasi pop-jazz 60-70an

Bibliografi

DALAMmenjalankan

Seni muzik abad XX. berkembang dengan pesat dan pesat. Ciri ciri utama perkembangan ini ialah asimilasi pelbagai gaya dan aliran, penghabluran bahasa muzik baharu, prinsip gubahan baharu, pembentukan, dan pembentukan pelbagai platform estetik. Proses ini melibatkan bukan sahaja komposer, penghibur, ahli sejarah seni, tetapi juga berjuta-juta pendengar yang menghasilkan karya muzik.

Perkaitan topik adalah disebabkan oleh pertimbangan muzik instrumental klasik dan pop-jazz dari sudut perkembangan evolusi seni gitar, iaitu pembentukan genre dan trend baharu.

Tujuan kajian adalah untuk mempertimbangkan muzik instrumental klasik dan pop-jazz, pengaruhnya terhadap pembentukan gaya baharu, kemahiran persembahan dan budaya gitar secara amnya.

Objektif kajian:

1) Pertimbangkan sejarah kemunculan, perkembangan dan pembentukan budaya gitar di Eropah, Rusia, USSR.

2) Pertimbangkan asal usul, asal usul dan pembentukan gaya baharu dalam seni pop-jazz.

Objektif kajian adalah pembentukan muzik instrumental klasik dan pop-jazz.

Asas metodologi kerja adalah kaedah analisis intonasi, memberi tumpuan kepada perpaduan prinsip muzik dan ucapan, sebagai asas tradisi seni Eropah, Afrika dan Rusia.

Kebaharuan saintifik karya itu terletak pada fakta bahawa karya itu adalah kajian tentang pembentukan dan evolusi seni gitar dan pengaruhnya terhadap pembentukan budaya gitar.

Nilai praktikal karya itu terletak pada kemungkinan menggunakan bahannya dalam proses mempelajari disiplin muzik sejarah dan teori.

1. PrasyaratpembentukanDanpembangunanpermainanpadaklasikgitar

1.1 Sejarah kemunculan, perkembangan dan peningkatan prestasi gitar

Sejarah asal usul, perkembangan dan penambahbaikan alat muzik ini sangat menakjubkan dan misteri sehinggakan ia lebih seperti kisah detektif yang mendebarkan. Maklumat pertama tentang gitar bermula sejak zaman purba. Di monumen Mesir seribu tahun yang lalu, terdapat imej alat muzik - "nabla", yang kelihatan seperti gitar. Gitar itu juga tersebar luas di Asia, yang disahkan oleh imej pada monumen seni bina Assyria, Babylon dan Phoenicia. Pada abad ke-13, orang Arab membawanya ke Sepanyol, di mana ia tidak lama kemudian mendapat pengiktirafan penuh. Pada akhir abad ke-15, keluarga kaya Sepanyol mula bersaing antara satu sama lain dalam naungan sains dan seni. Gitar, bersama dengan kecapi dan alat petik lain, menjadi alat kegemaran di gelanggang. Dalam kehidupan budaya Sepanyol, bermula dari abad ke-16, banyak persatuan, akademi, bulatan dan mesyuarat - "salon", yang berlangsung secara teratur, memainkan peranan penting. Sejak itu, keghairahan untuk instrumen yang dipetik menembusi orang ramai, dan kesusasteraan muzik khas dicipta untuk mereka. Nama-nama komposer yang mewakilinya membentuk rentetan panjang: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz dan ramai lagi.

Setelah melalui pembangunan yang jauh, gitar itu kelihatan moden. Sehingga abad ke-18, ia lebih kecil, dan badannya agak sempit dan memanjang. Pada mulanya, lima tali telah dipasang pada instrumen, ditala dalam keempat, seperti pada kecapi. Kemudian, gitar itu menjadi enam tali, dengan penalaan yang lebih sesuai untuk dimainkan dalam posisi terbuka untuk mengeksploitasi bunyi rentetan terbuka dengan lebih baik. Oleh itu, pada pertengahan abad ke-19, gitar telah memperoleh bentuk terakhirnya. Enam rentetan muncul di atasnya dengan sistem: mi, si, garam, re, la, mi.

Gitar itu mendapat populariti besar di Eropah dan dibawa ke negara-negara Amerika Utara dan Selatan. Bagaimana untuk menerangkan penggunaan gitar yang begitu meluas? Terutamanya kerana ia mempunyai potensi yang besar: ia boleh dimainkan secara solo, disertai dengan suara, biola, cello, seruling, ia boleh didapati dalam pelbagai orkestra dan ensembel. Dimensi kecil dan kemungkinan pergerakan mudah di angkasa dan, yang paling penting, bunyi yang luar biasa merdu, dalam dan pada masa yang sama telus membenarkan kecintaan terhadap alat muzik sejagat ini oleh pelbagai peminat daripada pelancong romantis kepada pemuzik profesional.

Pada akhir abad ke-18, komposer dan virtuosos muncul di Sepanyol

F. Sor dan D. Aguado, serentak dengan mereka di Itali - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi dan lain-lain. Mereka mencipta himpunan konsert yang luas untuk gitar, daripada kepingan kecil kepada sonata dan konsert dengan orkestra, serta "Sekolah untuk bermain gitar enam tali" yang indah, himpunan pendidikan dan konstruktif yang luas. Walaupun hampir dua ratus tahun telah berlalu sejak penerbitan pertama kesusasteraan pedagogi ini, ia masih menjadi warisan yang berharga untuk kedua-dua guru dan pelajar.

Komposer Sor memberikan konsert di bandar dengan kejayaan yang besar Eropah barat dan Rusia. Baletnya Cinderella, The Lubok as a Painter, Hercules dan Omphale, serta opera Telemachus telah dipentaskan berkali-kali di St. Petersburg, Moscow dan bandar-bandar besar di Eropah Barat. Gaya polifonik, imaginasi yang kaya dan kedalaman kandungan mencirikan karya Sora. Ini adalah komposer pemuzik yang berpendidikan, seorang pemain gitar virtuoso yang kagum dengan kedalaman persembahannya dan kecemerlangan tekniknya. Gubahannya telah memasuki repertoir pemain gitar. Giuliani Itali adalah salah seorang pengasas sekolah gitar Itali. Dia seorang pemain gitar yang cemerlang dan juga pemain biola yang sempurna. Apabila pada tahun 1813 simfoni ketujuh Beethoven dipersembahkan buat kali pertama di Vienna di bawah kendalian pengarang, Giuliani mengambil bahagian dalam persembahannya sebagai pemain biola. Beethoven memandang tinggi Giuliani sebagai komposer dan pemuzik. Sonatanya, konserto dengan orkestra dipersembahkan oleh pemain gitar moden, dan kesusasteraan pedagogi adalah warisan berharga untuk kedua-dua guru dan pelajar.

Saya terutama ingin memikirkan yang paling terkenal dan paling kerap diterbitkan di negara kita "Sekolah Bermain Gitar Enam Tali" oleh guru gitar terkenal Itali, komposer M. Carcassi. Dalam kata pengantar "Sekolah" penulis berkata: "... Saya tidak berniat untuk menulis karya ilmiah. Saya hanya mahu menjadikannya lebih mudah untuk mempelajari gitar dengan menyusun rancangan yang membolehkan anda menjadi lebih biasa dengan semua ciri instrumen ini. Menurut kata-kata ini, jelas bahawa M. Carcassi tidak menetapkan sendiri tugas untuk mencipta manual universal untuk belajar bermain gitar, dan hampir tidak mungkin sama sekali. "Sekolah" memberikan beberapa arahan berharga mengenai teknik tangan kiri dan kanan, pelbagai kaedah ciri bermain gitar, bermain dalam kedudukan dan kekunci yang berbeza. Contoh dan karya muzik diberikan secara berurutan, mengikut urutan kesukaran yang menaik, ia ditulis dengan kemahiran yang hebat sebagai komposer dan guru dan masih bernilai tinggi sebagai bahan pendidikan.

Walaupun, dari sudut pandangan moden, "Sekolah" ini mempunyai beberapa kekurangan yang serius. Sebagai contoh, sedikit perhatian telah diberikan kepada teknik penting bermain tangan kanan seperti apoyando (bermain dengan sokongan); bahasa muzik, berdasarkan muzik tradisi Eropah Barat abad ke-18, agak membosankan; isu pembangunan penjarian, pemikiran melodi-harmonik secara praktikal tidak disentuh, kita hanya bercakap tentang penempatan jari tangan kiri dan kanan yang betul, yang membolehkan kita menyelesaikan banyak masalah teknikal dalam prestasi, meningkatkan bunyi, frasa , dan lain-lain.

Pada separuh kedua abad ke-19, nama baru komposer Sepanyol, pemain solo virtuoso dan guru Francisco Tarrega muncul dalam sejarah gitar. Dia mencipta gaya penulisannya sendiri. Di tangannya gitar bertukar menjadi orkestra kecil.

Kerja persembahan pemuzik yang luar biasa ini mempengaruhi kerja rakan-rakannya - komposer: Albeniz, Granados, de Falla dan lain-lain. Dalam karya piano mereka, seseorang sering mendengar tiruan gitar. Kesihatan yang buruk tidak memberi Tarrega peluang untuk mengadakan konsert, jadi dia menumpukan dirinya untuk mengajar. Kita boleh katakan dengan selamat bahawa Tarrega mencipta sekolah permainan gitarnya sendiri. Antara pelajar terbaiknya ialah Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe dan pemain konsert terkenal lain. Sehingga kini, "Sekolah" oleh E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens dan P. Rocha, berdasarkan kaedah pengajaran Tarrega, telah diterbitkan. Mari kita lihat lebih dekat kaedah ini menggunakan contoh "Sekolah Bermain Gitar Enam Tali" oleh pemain gitar, guru dan ahli muzik terkenal Sepanyol E. Pujol. Ciri tersendiri "Sekolah" ialah persembahan yang murah hati dan terperinci tentang semua "rahsia" utama bermain gitar klasik. Isu yang paling penting dalam teknik gitar telah dibangunkan dengan teliti: kedudukan tangan, instrumen, kaedah penghasilan bunyi, teknik bermain, dsb. Urutan susunan bahan menyumbang kepada penyediaan teknikal dan artistik yang sistematik pemain gitar. "Sekolah" sepenuhnya dibina di atas bahan muzik asal: hampir semua etudes dan latihan dikarang oleh pengarang (dengan mengambil kira metodologi F. Tarrega) terutamanya untuk bahagian yang sepadan.

Adalah amat berharga bahawa penerbitan pendidikan ini bukan sahaja memperincikan kesukaran bermain gitar, tetapi juga menerangkan secara terperinci bagaimana untuk mengatasinya. Khususnya, banyak perhatian diberikan kepada masalah menggunakan penjarian yang betul ketika bermain dengan tangan kanan dan kiri, serta teknik bermain dalam posisi yang berbeza, pelbagai pergerakan, pergeseran tangan kiri, yang pastinya menyumbang kepada perkembangan. pemikiran penjarian. Keberkesanan "Sekolah" Pujol disahkan, khususnya, dengan amalan penggunaannya di beberapa institusi pendidikan di negara kita, Eropah dan Amerika.

Yang sangat penting untuk pembangunan seni gitar dunia adalah aktiviti kreatif pemain gitar Sepanyol terhebat pada abad ke-20. Andres Segovia. Kepentingan luar biasa peranannya dalam sejarah pembangunan instrumen itu bukan sahaja bakat persembahan dan pedagoginya, tetapi juga kebolehannya sebagai penganjur dan propagandis. Penyelidik M. Weisbord menulis: “…untuk menjadikan gitar sebagai alat konsert, ia tidak mempunyai apa yang, contohnya, piano atau biola yang dimiliki - repertoir yang sangat artistik. Merit sejarah Andres Segovia terletak, pertama sekali, dalam penciptaan repertoir sedemikian…”. Dan seterusnya: “M. Ponce (Mexico), M.K. Tedesco (Itali), J. Ibert, A. Roussel (Perancis) K. Pedrel (Argentina), A. Tansman (Poland), dan D. Duart (England), R. Smith (Sweden)…”. Dari senarai komposer yang kecil dan jauh dari senarai lengkap ini, dapat dilihat bahawa terima kasih kepada A. Segovia bahawa geografi gubahan profesional untuk gitar klasik berkembang dengan pesat, dan dari masa ke masa instrumen ini menarik perhatian ramai artis yang cemerlang - E. Vila Lobos, B. Britten. Sebaliknya, terdapat keseluruhan buruj komposer berbakat yang juga penghibur profesional - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin, dll.

1. 2 PembentukangitarseniVUSSRDanRusia

Hari ini dia telah berjaya melakukan banyak lawatan di banyak negara di dunia, termasuk empat lawatan ke USSR (1926 dan 1935, 1936). Dia melakukan karya oleh pemain gitar klasik: Sora, Giuliani, transkripsi karya oleh Tchaikovsky, Schubert, Haydn dan asal. karya oleh komposer Sepanyol: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco dan komposer lain. Segovia mengadakan banyak pertemuan dengan pemain gitar Soviet, yang soalannya dia rela menjawab. Dalam perbualan mengenai teknik bermain gitar, Segovia menunjukkan kepentingan khusus bukan sahaja menetapkan tangan, tetapi juga penggunaan penjarian yang betul. Gitar meninggalkan tanda terang dalam seni muzik Rusia. Ahli akademik J. Shtelin, yang tinggal di Moscow dari 1735 hingga 1785, menulis bahawa gitar di Rusia tersebar perlahan-lahan, tetapi dengan kemunculan pemain gitar virtuoso Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani dan lain-lain di kalangan penghibur tetamu lain alat ini adalah mendapat simpati dan digunakan secara meluas.

Memperoleh di Rusia dari separuh kedua abad ke-18 varieti tujuh rentetan asli dengan triad G-major digandakan menjadi satu oktaf dan rentetan yang lebih rendah dengan jarak satu liter, gitar itu ternyata sesuai secara optimum untuk iringan kord bass lagu urban dan percintaan.

Kemajuan sebenar prestasi profesional pada instrumen ini bermula berkat aktiviti kreatif guru-gitaris cemerlang Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Sebagai seorang pemain kecapi melalui pendidikan, dia menumpukan seluruh hidupnya untuk mempromosikan gitar tujuh tali - pada masa mudanya dia terlibat dalam aktiviti konsert, dan kemudian pedagogi dan pencerahan. Pada tahun 1802, A. Sikhra's Journal for the Seven-String Guitar mula diterbitkan di St. Petersburg, dengan susunan lagu-lagu rakyat Rusia dan susunan muzik klasik. Dalam dekad berikutnya, sehingga 1838, pemuzik itu menerbitkan beberapa majalah serupa yang menyumbang kepada peningkatan yang ketara dalam populariti instrumen, A.O. Sychra membesarkan sejumlah besar pelajar, merangsang minat mereka dalam mengarang muzik untuk gitar, khususnya, variasi pada tema melodi lagu rakyat. Pelajarnya yang paling terkenal ialah S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman dan lain-lain - meninggalkan banyak drama dan susunan lagu-lagu Rusia. Aktiviti Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) adalah sangat penting dalam pembangunan prestasi gitar profesional-akademik Rusia. Orang pertama yang memperkenalkannya kepada gitar ialah S.N. Aksenov, dia juga menjadi mentornya.

Sejak kira-kira 1813, nama M.T. Vysotsky menjadi popular secara meluas. Permainannya dibezakan dengan gaya improvisasi asli, imaginasi kreatif yang berani dalam melodi lagu rakyat yang berbeza-beza. M.T. Vysotsky adalah wakil dari gaya persembahan auditori improvisasi - dalam hal ini dia dekat dengan pembuatan muzik rakyat tradisional Rusia. Banyak yang boleh dikatakan tentang wakil lain persembahan gitar Rusia, yang menyumbang kepada pembangunan sekolah persembahan kebangsaan, tetapi ini adalah perbualan yang berasingan. Sekolah Rusia tulen dibezakan oleh ciri-ciri berikut: kejelasan artikulasi, nada muzik yang indah, fokus pada keupayaan melodi instrumen dan penciptaan himpunan tertentu, dalam banyak cara unik, kaedah progresif menggunakan penjarian khas "kosong" , percubaan dan irama, mendedahkan keupayaan instrumen.

Sistem permainan instrumen termasuk bermain fungsi muzik, intonasi dan alamatnya, yang dihafal secara berasingan dalam setiap kunci dan mempunyai pergerakan suara yang tidak dapat diramalkan. Selalunya penjarian individu sedemikian, "kosong" melodi-harmonik dijaga dengan tekun dan hanya disampaikan kepada pelajar terbaik. Penambahbaikan tidak dikaji secara khusus, ia adalah hasil daripada asas teknikal biasa, dan seorang pemain gitar yang baik dapat menggabungkan intonasi biasa lagu dengan urutan harmonik. Satu set pelbagai irama sering mengelilingi frasa muzik dan memberikan pewarnaan pelik pada fabrik muzik. Kaedah pengajaran inventif sedemikian nampaknya merupakan penemuan Rusia semata-mata dan tidak terdapat di mana-mana dalam karya asing pada masa itu. Malangnya, tradisi persembahan gitar Rusia abad XVIII-XIX. telah dilupakan secara tidak adil, dan hanya terima kasih kepada usaha peminat keadaan ke arah ini berubah menjadi lebih baik.

Seni gitar juga berkembang pada zaman Soviet, walaupun sikap pihak berkuasa terhadap pembangunan alat muzik ini, secara sederhana, keren. Sukar untuk memandang tinggi peranan guru, penghibur dan komposer yang cemerlang A.M. Ivanov-Kramskoy. Sekolah bermainnya, serta sekolah bermain gitar dan guru P.A. Agafoshina adalah alat bantu mengajar yang sangat diperlukan untuk pemain gitar muda. Aktiviti ini diteruskan dengan cemerlang oleh ramai pelajar dan pengikut mereka: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (gitar klasik dalam jazz), S. Rudnev (gitar klasik dalam bahasa Rusia gaya) dan lain-lain lagi.

gitar jazz pop klasik

2. ceritakejadianDanevolusipop-jazzarahVseni

2.1 Varieti gitar yang digunakan dalam seni pop-jazz

Dalam muzik pop moden, empat jenis gitar digunakan terutamanya:

1. Flat Top (Flat Top) - gitar rakyat biasa dengan tali logam.

2. Klasik (Classical) - gitar klasik dengan tali nilon.

3. Arch Top (Arch Top) - gitar jazz, berbentuk seperti biola yang diperbesarkan dengan "efs" di sepanjang tepi papan bunyi.

4. Gitar elektrik - gitar dengan pikap elektromagnet dan dek kayu monolitik (bar).

Malah 120-130 tahun dahulu, hanya satu jenis gitar yang popular di Eropah dan Amerika. Negara yang berbeza menggunakan sistem penalaan yang berbeza, dan di beberapa tempat mereka juga menukar bilangan rentetan (Di Rusia, sebagai contoh, terdapat tujuh rentetan, bukan enam). Tetapi dari segi bentuk, semua gitar adalah sangat serupa - bahagian atas dan bawah badan yang agak simetri, yang menumpu dengan leher pada fret ke-12.

Saiz kecil, tapak tangan berlubang, leher lebar, mata air berbentuk kipas, dsb. - semua ini mencirikan jenis gitar ini. Malah, bentuk dan kandungan instrumen di atas menyerupai gitar klasik masa kini. Dan bentuk gitar klasik hari ini adalah milik tuan Sepanyol Torres, yang hidup kira-kira 120 tahun yang lalu.

Pada akhir abad yang lalu, gitar mula mendapat populariti secara mendadak. Jika sebelum itu, gitar hanya dimainkan di rumah persendirian dan salun, maka pada akhir abad yang lalu, gitar itu mula muncul di pentas. Terdapat keperluan untuk menguatkan bunyi. Pada masa itulah terdapat pembahagian yang lebih jelas antara klasik dan yang kini paling kerap dipanggil gitar rakyat atau barat. Teknologi mula membuat tali logam yang berbunyi lebih kuat.

Di samping itu, kabinet itu sendiri meningkat dalam saiz, yang membolehkan bunyi menjadi lebih dalam dan lebih kuat. Dibiarkan sahaja masalah serius- ketegangan kuat tali logam sebenarnya membunuh dek atas, dan penebalan dinding cangkang, pada akhirnya, membunuh getaran, dan dengan itu bunyi. Dan kemudian gunung spring berbentuk X yang terkenal telah dicipta. Mata air dilekatkan secara bersilang, dengan itu meningkatkan kekuatan dek atas, tetapi membenarkannya bergetar.

Oleh itu, terdapat pembahagian yang jelas - gitar klasik, yang tidak banyak berubah sejak itu (hanya rentetan mula dibuat daripada sintetik, dan bukan dari sinew, seperti sebelumnya), dan gitar folk-west, yang mempunyai beberapa bentuk, tetapi hampir selalu digunakan dengan mata air berbentuk X, tali logam, badan yang diperbesarkan dan sebagainya.

Pada masa yang sama, satu lagi jenis gitar sedang berkembang - "arch top" (arch top). Apa itu? Semasa syarikat seperti Martin menangani masalah menguatkan bunyi dengan memasang mata air, syarikat seperti Gibson pergi ke arah lain, menjadikan gitar berbentuk dan dibina seperti biola. Instrumen sedemikian dicirikan oleh papan bunyi atas melengkung, kacang, yang seperti double bass, dan tailpiece. Sebagai peraturan, instrumen ini mempunyai potongan biola di sepanjang tepi papan bunyi dan bukannya lubang bulat tradisional di tengah. Gitar ini menampilkan bunyi yang tidak hangat dan dalam, tetapi seimbang dan punchy. Dengan gitar sebegitu, setiap nota jelas boleh didengari, dan pemain jazz dengan cepat menyedari bahawa " seekor kuda hitam muncul dalam bidang penglihatan mereka. Ia adalah untuk jazz bahawa "arch tops" berhutang populariti mereka, yang mana mereka digelar gitar jazz. Pada tahun 1930-an dan 1940-an, keadaan mula berubah - terutamanya disebabkan oleh kemunculan mikrofon dan pikap berkualiti tinggi. Di samping itu, gaya muzik popular baru, blues, memasuki arena dan segera menakluki dunia. Seperti yang anda ketahui, blues berkembang terutamanya disebabkan oleh usaha pemuzik hitam yang miskin. Mereka memainkannya dalam semua cara dengan jari, pick dan juga botol bir (leher botol bir adalah nenek moyang langsung slaid moden). Orang-orang ini tidak mempunyai wang untuk instrumen mahal, mereka tidak selalu mempunyai peluang untuk membeli tali baru untuk diri mereka sendiri, apa jenis gitar jazz yang ada? Dan mereka memainkan apa sahaja yang mereka perlu, kebanyakannya menggunakan instrumen yang lebih biasa - barat. Pada tahun-tahun itu, sebagai tambahan kepada "archtops" yang mahal, syarikat Gibson juga menghasilkan rangkaian besar gitar rakyat "pengguna". Keadaan di pasaran adalah sedemikian rupa sehingga Gibson hampir satu-satunya syarikat yang mengeluarkan gitar rakyat yang murah tetapi berkualiti tinggi. Adalah logik bahawa kebanyakan bluesmen, kerana kekurangan wang untuk sesuatu yang lebih sempurna, mengambil Gibson ke dalam tangan mereka. Jadi sehingga kini mereka tidak berpisah dengan mereka.

Apa yang berlaku kepada gitar jazz? Dengan kemunculan pikap, ternyata bunyi instrumen jenis yang seimbang dan jelas ini paling sesuai untuk sistem amplifikasi ketika itu. Walaupun gitar jazz sama sekali tidak seperti Fender atau Ibanez moden, Leo Fender mungkin tidak akan mencipta Telecasters dan Stratocasternya. jika saya tidak bereksperimen dengan gitar jazz dan pikap dahulu. By the way, kemudian blues elektrik juga dimainkan dan dimainkan pada instrumen jazz dengan pikap, hanya ketebalan badan di dalamnya dikurangkan. Contoh yang jelas tentang ini ialah B.B. King dan beliau gitar terkenal"Lussil" (Lussil), yang ramai hari ini menganggap gitar blues elektrik standard.

Eksperimen pertama yang diketahui dengan menguatkan bunyi gitar dengan elektrik bermula pada tahun 1923, apabila jurutera dan pencipta Lloyd Loar mencipta pikap elektrostatik yang merekodkan getaran kotak resonator alat bertali.

Pada tahun 1931, Georges Beauchamp dan Adolph Rickenbacker mencipta pikap elektromagnet di mana nadi elektrik mengalir melalui penggulungan magnet, mewujudkan medan elektromagnet di mana isyarat daripada rentetan bergetar dikuatkan. Menjelang penghujung tahun 1930-an, banyak penguji mula menggabungkan pikap ke dalam gitar berongga Sepanyol yang kelihatan lebih tradisional. Nah, pilihan yang paling radikal telah dicadangkan oleh pemain gitar dan jurutera Les Paul ( Les Paul) -- dia hanya membuat papan bunyi untuk gitar monolitik.

Ia diperbuat daripada kayu dan dipanggil hanya - "Bar" (The Log). Dengan sekeping pepejal atau hampir pepejal, jurutera lain mula bereksperimen. Sejak 40-an abad XX, kedua-dua peminat individu dan syarikat besar telah berjaya melakukan ini.

Pasaran pengeluar gitar terus berkembang secara aktif, sentiasa mengembangkan rangkaian. Dan jika "trendsetters" sebelum ini adalah semata-mata warga Amerika, kini Yamaha, Ibanez dan firma Jepun yang lain menempati kedudukan utama, menjadikan kedua-dua model mereka dan salinan gitar terkenal yang sangat baik di kalangan peneraju dalam pengeluaran.

Tempat istimewa diduduki oleh gitar - dan terutamanya elektrik - dalam muzik rock. Walau bagaimanapun, hampir semua pemain gitar rock terbaik melangkaui gaya muzik rock, memberi penghormatan besar kepada jazz, dan beberapa pemuzik telah benar-benar pecah dengan rock. Tidak ada yang mengejutkan dalam hal ini, kerana tradisi terbaik bermain gitar tertumpu pada jazz.

Satu perkara yang sangat penting diberikan kepada perhatian Joe Pass, yang, di sekolah jazz terkenalnya, menulis: "Pemain gitar klasik telah beberapa abad untuk membangunkan pendekatan yang organik dan konsisten terhadap prestasi - kaedah "betul". Gitar jazz, gitar plectrum, hanya muncul pada abad kita, dan gitar elektrik masih merupakan fenomena baru yang kita baru mula memahami keupayaannya sebagai alat muzik yang lengkap. Dalam keadaan sedemikian, pengalaman terkumpul, tradisi jazz penguasaan gitar, adalah amat penting.

Sudah masuk bentuk awal blues, "kuno", atau "luar bandar", sering juga dipanggil istilah Inggeris "country blues" (country blues), membentuk elemen utama teknik gitar yang menentukan perkembangan selanjutnya. Teknik berasingan pemain gitar blues kemudiannya menjadi asas kepada pembentukan gaya seterusnya.

Rakaman terawal country blues bermula pada pertengahan 20-an, tetapi terdapat banyak sebab untuk mempercayai bahawa, pada dasarnya, ia hampir tidak berbeza daripada gaya asal yang dibentuk di kalangan orang kulit hitam di negeri-negeri selatan (Texas, Louisiana, Alabama, dsb.). ) pada tahun 70-80an abad XIX.

Antara penyanyi-gitaris yang terkenal dalam gaya ini ialah Blind Lemon Jefferson (1897-1930), yang mempunyai pengaruh yang ketara terhadap ramai pemuzik. tempoh lewat, dan bukan sahaja blues Blind Blake (1895-1931) adalah mahir cemerlang dalam gitar ragtime dan blues, kebanyakan rakamannya masih mengagumkan dengan teknik yang sangat baik dan improvisasi inventif. Blake betul-betul dianggap sebagai salah seorang pemula penggunaan gitar sebagai instrumen solo. Huddie Leadbetter, biasanya dikenali sebagai Leadbelly (1888-1949) pernah dipanggil "raja gitar dua belas tali". Dia kadang-kadang bermain dalam duet dengan Jefferson, walaupun dia lebih rendah daripadanya sebagai penghibur. Leadbelly memperkenalkan figura bass berciri ke dalam iringan - "bass mengembara", yang kemudiannya akan digunakan secara meluas dalam jazz.

Terserlah di kalangan pemain gitar country-blues Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), seorang pemuzik virtuoso, sangat dekat dengan jazz. Mereka merakam blues yang sangat baik tanpa vokal, dan selalunya dia bermain sebagai pengantara, menunjukkan bukan sahaja teknik yang sangat baik, tetapi juga kemahiran improvisasi yang luar biasa.

Salah satu ciri zaman Chicago dalam pembangunan jazz tradisional, yang menjadi peralihan kepada buaian, adalah penggantian instrumen: bukannya kornet, tuba dan banjo, trompet, bes berganda dan gitar muncul di hadapan.

Antara sebabnya ialah kemunculan mikrofon dan kaedah rakaman elektromekanikal: gitar akhirnya berbunyi sepenuhnya pada rekod. Ciri penting jazz Chicago ialah peningkatan peranan penambahbaikan solo. Di sinilah perubahan penting berlaku dalam nasib gitar: ia menjadi instrumen solo yang lengkap.

Ini disebabkan oleh nama Eddie Lang (Eddie Lang, nama sebenarnya - Salvador Massaro), yang memperkenalkan banyak teknik bermain gitar jazz tipikal instrumen lain - khususnya, ciri frasa alat tiupan. Eddie Lang juga mencipta gaya bermain jazz sebagai orang tengah, yang kemudiannya menjadi dominan. Dia pertama kali menggunakan gitar plectrum - gitar khas untuk bermain jazz, yang berbeza daripada bahasa Sepanyol biasa dengan ketiadaan roset bulat. Sebaliknya, pada geladak kelihatan ef, serupa dengan biola, dan perisai panel boleh tanggal yang melindungi daripada pukulan pick. Memainkan Eddie Lang dalam ensembel dibezakan oleh pengeluaran bunyi yang kuat. Dia sering menggunakan bunyi lulus, urutan kromatik; kadang-kadang dia menukar sudut plectrum berhubung dengan papan jari, dengan itu mencapai bunyi tertentu.

Ciri-ciri cara Lang ialah kord dengan rentetan diredam, aksen keras, bukan kord selari, skala nada penuh, glissando idiosinkratik, harmonik buatan, janjang kord ditambah dan frasa loyang. Kita boleh mengatakan bahawa ia adalah di bawah pengaruh Eddie Lang bahawa ramai pemain gitar mula memberi lebih perhatian kepada nota bes dalam kord dan, jika boleh, mencapai peneraju suara yang lebih baik. Penciptaan gitar elektrik merupakan pendorong kepada kemunculan sekolah dan aliran gitar baharu. Mereka diasaskan oleh dua pemain gitar jazz: Charlie Christian di Amerika dan Django Reinhardt

(Django Reinhardt) di Eropah

Dalam bukunya "From Reg to Rock", pengkritik terkenal Jerman I. Berendt menulis: "Bagi seorang pemuzik jazz moden, sejarah gitar bermula dengan Charlie Christian. Selama dua tahun yang dia habiskan untuk adegan jazz Dia merevolusikan permainan gitar. Sudah tentu, ada pemain gitar sebelum dia, tetapi nampaknya, bagaimanapun, gitar dimainkan sebelum Christian dan yang dibunyikan selepasnya adalah dua instrumen yang berbeza.

Charlie bermain dengan kebijaksanaan yang nampaknya tidak dapat dicapai oleh orang sezamannya. Dengan ketibaannya, gitar itu menjadi ahli ensembel jazz yang sama. Dia adalah orang pertama yang memperkenalkan solo gitar sebagai suara ketiga kepada ensemble dengan trumpet dan saksofon tenor, membebaskan instrumen daripada fungsi berirama semata-mata dalam orkestra. Sebelum yang lain, C. Christian menyedari bahawa teknik bermain gitar elektrik jauh berbeza daripada kaedah bermain akustik. Secara harmoni, dia bereksperimen dengan peningkatan dan penurunan kord, mencipta corak irama baharu untuk melodi jazz terbaik (evergreen). Dalam petikan, dia sering menggunakan alat tambah pada kord ketujuh, menarik perhatian pendengar dengan kepintaran melodi dan berirama. Dia adalah orang pertama yang mengembangkan improvisasinya, tidak bergantung pada keharmonian tema, tetapi pada kord lulus, yang dia letakkan di antara yang utama. Dalam sfera melodi, ia dicirikan oleh penggunaan legato dan bukannya staccato keras.

C. Persembahan Christian sentiasa dibezakan oleh kuasa ekspresi yang luar biasa, digabungkan dengan hayunan yang sengit. Ahli teori jazz mendakwa bahawa dengan permainannya dia menjangkakan kemunculan gaya jazz baru bebop (be-bop) dan merupakan salah seorang penciptanya.

Serentak dengan Christian, pemain gitar jazz Django Reinhardt yang sama cemerlang bersinar di Paris. Charlie Christian, semasa masih membuat persembahan di kelab-kelab di Oklahoma, mengagumi Django dan sering mengulangi nota untuk nota solonya dirakam dalam rekod, walaupun pemuzik ini berbeza secara mendadak antara satu sama lain dalam cara bermain. Ramai ahli muzik dan artis jazz terkenal bercakap tentang sumbangan Django kepada pembangunan gaya jazz bermain gitar dan penguasaannya. Menurut D. Ellington, “Django adalah artis super. Setiap nota yang dia ambil adalah harta, setiap kord adalah bukti rasanya yang tidak tergoyahkan.

Django berbeza daripada pemain gitar lain dalam gaya permainannya yang ekspresif, kaya dan pelik, dengan irama panjang selepas beberapa langkah, laluan pantas secara tiba-tiba, irama yang stabil dan beraksen tajam. Pada saat-saat klimaks, dia sering bermain dalam oktaf.

Teknik jenis ini dipinjam daripadanya oleh C. Christian, dan dua belas tahun kemudian - oleh W. Montgomery. Dalam kepingan yang pantas, dia dapat mencipta api dan tekanan sedemikian, yang sebelum ini hanya ditemui dalam persembahan pada alat tiup. Dalam yang perlahan, dia terdedah kepada preluding, dan rhapsody, dekat dengan Negro blues. Django bukan sahaja seorang pemain solo virtuoso yang sangat baik, tetapi juga seorang pemain iringan yang sangat baik. Dia mendahului ramai rakan sezamannya dalam penggunaan kord ketujuh kecil, diminished, augmented dan kord passing lain. Django memberi perhatian yang besar kepada keharmonian skema harmonik kepingan, sering menekankan bahawa jika semuanya betul dan logik dalam urutan kord, maka melodi akan mengalir dengan sendirinya.

Sebagai pengiring, beliau sering menggunakan kord yang meniru bunyi bahagian loyang. Sumbangan Charlie Christian dan Django Reinhardt kepada sejarah gitar jazz adalah tidak ternilai. Kedua-dua pemuzik cemerlang ini menunjukkan kemungkinan tidak habis-habis instrumen anda bukan sahaja dalam iringan, tetapi juga dalam solo improvisasi, telah menentukan arah utama pembangunan teknik bermain gitar elektrik untuk beberapa tahun yang akan datang.

Peranan gitar yang meningkat sebagai alat solo membawa kepada keinginan pemain untuk bermain dalam ensembel kecil (kombo). Di sini pemain gitar berasa seperti ahli penuh ensembel, melaksanakan fungsi kedua-dua pemain pengiring dan pemain solo. Populariti gitar semakin berkembang setiap hari, semakin ramai pemain gitar jazz berbakat muncul, dan bilangan kumpulan besar kekal terhad. Di samping itu, ramai pemimpin dan pengatur orkestra besar tidak selalu memperkenalkan gitar ke bahagian irama. Cukuplah untuk mengatakan, sebagai contoh,

Duke Ellington, yang tidak suka menggabungkan bunyi gitar dan piano dalam iringan. Walau bagaimanapun, kadangkala karya "mekanikal", yang berfungsi untuk mengekalkan irama dalam kumpulan besar, bertukar menjadi seni jazz yang tulen. Ia mengenai tentang salah seorang wakil terkemuka gaya kord-irama permainan gitar, Freddie Green.

Teknik chordal virtuoso, deria hayunan yang indah, rasa muzik yang halus membezakan permainannya. Dia hampir tidak pernah bermain solo, tetapi pada masa yang sama dia sering dibandingkan dengan bot tunda, melibatkan keseluruhan orkestra.

Freddie Greenlah yang, sebahagian besarnya, berhutang kepada kumpulan besar Count Basie kekompakan luar biasa bahagian irama, emansipasi dan ringkas permainan. Master ini mempunyai pengaruh yang besar pada pemain gitar yang lebih suka improvisasi iringan dan kord daripada permainan petikan panjang dan improvisasi monofonik. Karya Charlie Christian, Django dan Freddie Green membentuk, seolah-olah, tiga cabang salasilah keluarga gitar jazz. Walau bagaimanapun, satu lagi arah harus disebut, yang berdiri agak berbeza, tetapi pada zaman kita semakin mendapat pengiktirafan dan pengedaran.

Hakikatnya ialah tidak semua pemain gitar mendapati gaya Ch. Christian boleh diterima, di tangannya gitar itu memperoleh bunyi alat tiup (tidak semena-mena ramai, mendengar rakaman Charlie Christian, menganggap suara gitarnya sebagai saksofon). Pertama sekali, gayanya adalah mustahil bagi mereka yang bermain jari pada gitar akustik.

Banyak teknik yang dibangunkan oleh C. Christian (legato panjang, garis improvisasi panjang tanpa sokongan harmonik, nota berterusan, bengkok, penggunaan tali terbuka yang jarang berlaku, dll.) tidak berkesan untuk mereka, terutamanya apabila bermain alat dengan tali nilon. Di samping itu, pemain gitar muncul yang menggabungkan klasik, permainan gitar, flamenco dan unsur-unsur muzik Amerika Latin dengan jazz dalam cara kreatif mereka. Ini terutamanya termasuk dua pemuzik jazz yang cemerlang: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) dan Charlie Byrd (Charlie Byrd), yang karyanya telah mempengaruhi ramai pemain gitar klasik, menunjukkan dalam amalan kemungkinan tanpa had bagi gitar akustik. Dengan alasan yang kukuh, mereka boleh dianggap sebagai pengasas gaya "gitar klasik dalam jazz".

Gitaris Negro, Wes John Leslie Montgomery ialah salah seorang pemuzik paling bijak yang muncul di panggung jazz sejak C. Christian. Beliau dilahirkan pada tahun 1925 di Indianapolis; Dia mula berminat dengan gitar hanya pada usia 19 tahun di bawah pengaruh rekod Charlie Christian dan keghairahan adik-beradiknya Buddy dan Monk, yang bermain piano dan double bass dalam orkestra vibraphonist terkenal Lionel Hampton. Dia berjaya mencapai bunyi yang luar biasa hangat, "baldu" (menggunakan ibu jari tangan kanannya dan bukannya memilih) dan mengembangkan teknik oktaf sehingga dia mempersembahkan keseluruhan korus improvisasi dalam oktaf dengan mudah dan ketulenan yang menakjubkan, selalunya pada tahap yang adil. tempo cepat. Kemahirannya mengagumkan rakan kongsi sehingga mereka secara berseloroh menggelar Wes "Mr. Octave." Cakera pertama dengan rakaman W. Montgomery dikeluarkan pada tahun 1959 dan serta-merta membawa kejayaan pemain gitar dan pengiktirafan luas. Pencinta jazz terkejut dengan kehebatan permainannya, artikulasi yang halus dan terkawal, kemerduan improvisasi, perasaan intonasi blues yang berterusan dan deria irama hayunan yang jelas. Ia sangat menarik untuk Wes Montgomery untuk menggabungkan gitar elektrik solo dengan bunyi orkestra besar, yang merangkumi kumpulan rentetan.

Kebanyakan pemain gitar jazz seterusnya - termasuk pemuzik terkenal seperti Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - mengiktiraf pengaruh besar Wes Montgomery pada kerja mereka. Sudah pada tahun 40-an, piawaian yang dibangunkan oleh swing tidak lagi memuaskan hati ramai pemuzik. Klise yang ditubuhkan dalam keharmonian bentuk lagu, perbendaharaan kata, sering dikurangkan kepada petikan langsung daripada master jazz yang cemerlang, monotoni berirama dan penggunaan hayunan dalam muzik komersial menjadi brek kepada perkembangan selanjutnya genre. Selepas "tempoh keemasan" ayunan, sudah tiba masanya untuk mencari bentuk baharu yang lebih maju. Terdapat lebih banyak arah baru, yang, sebagai peraturan, disatukan dengan nama biasa - jazz moden (Modern Jazz). Ia termasuk bebop ("jazz-staccato"), hard bop, progresif, sejuk, arus ketiga, bossa nova dan jazz Afro-Cuban, jazz modal, jazz-rock, jazz percuma, fusion dan beberapa yang lain: Kepelbagaian, pengaruh bersama dan penembusan bersama arus yang berbeza merumitkan analisis karya pemuzik individu, terutamanya kerana ramai daripada mereka pada satu masa bermain dalam pelbagai ragam. Jadi, sebagai contoh, dalam rakaman Ch. Byrd seseorang boleh menemui bos nova, blues, tema berayun, susunan klasik dan rock desa, dan banyak lagi. Dalam permainan B. Kessel - hayunan, bebop, bossa nova, unsur jazz modal, dll. Ia adalah ciri bahawa pemain gitar jazz sendiri sering bertindak balas dengan agak tajam terhadap percubaan untuk mengklasifikasikan mereka sebagai satu atau lain arah jazz, menganggap ini pendekatan primitif untuk menilai kerja mereka. Kenyataan sedemikian boleh didapati di Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin dan lain-lain.

2 .2 Utamaarahpop-jazzprestasi60-70 - Xtahun

Namun, menurut salah seorang pengkritik jazz, I. Berendt, di ambang 60-an-70-an, empat arah utama telah dibangunkan dalam persembahan gitar moden: 1) arus perdana (aliran utama); 2) jazz-rock; 3) arah blues; 4) batu. Wakil yang paling menonjol dalam arus perdana boleh dianggap sebagai Jim Hall, Kenny Burrell dan Joe Pass. Jim Hall, "penyair jazz" seperti yang sering dipanggilnya, telah dikenali dan disayangi oleh orang ramai sejak lewat 50-an dan sehingga kini.

"Jazz Guitar Virtuoso" dipanggil Joe Pass (Joe Pass, nama penuh Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). Pengkritik meletakkannya setanding dengan pemuzik seperti Oscar Peterson, Ella Fitzgerald dan Barney Kessel. Rekod duetnya dengan Ella Fitzgerald dan Herb Ellis, trio dengan Oscar Peterson dan pemain bass Nils Pederson, dan terutamanya cakera solonya "Joe Pass the Virtuoso" menikmati kejayaan yang hebat. Joe Pass ialah salah seorang pemain gitar jazz yang paling menarik dan serba boleh dalam tradisi Jacgo Reinhardt, Charlie Christian dan Wes Montgomery. Kerjanya sedikit dipengaruhi oleh trend baru jazz moden: dia lebih suka bebop. Bersama dengan aktiviti konsert, Joe Pass banyak mengajar dan berjaya, menerbitkan karya metodologi, di antaranya sekolahnya "Joe Pass Guitar Style" menduduki tempat istimewa "2E

Walau bagaimanapun, tidak semua pemain gitar jazz begitu menumpukan kepada "arus perdana". Antara pemuzik yang cemerlang tertarik ke arah yang baru dalam pembangunan jazz, ia harus diperhatikan George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola. Pemuzik Mexico Carlos Santana (Carlos Santana, lahir pada tahun 1947) bermain dalam gaya "rock Latin", berdasarkan persembahan irama Amerika Latin (samba, rumba, salsa, dll.) dengan cara berbatu, digabungkan dengan unsur flamenco .

George Benson dilahirkan pada tahun 1943 di Pittsburgh dan semasa kecil dia menyanyikan lagu blues dan bermain gitar dan banjo. Pada usia 15 tahun, George menerima gitar elektrik kecil sebagai hadiah, dan pada usia 17 tahun, selepas tamat sekolah, dia membentuk kumpulan rock and roll kecil di mana dia menyanyi dan bermain. Setahun kemudian, pemain organ jazz Jack McDuff tiba di Pittsburgh. Hari ini, sesetengah pakar menganggap rakaman pertamanya bersama Jack McDuff sebagai yang terbaik dalam keseluruhan diskografi Benson. Benson sangat dipengaruhi oleh karya Django Reinhardt dan Wes Montgomery, terutamanya teknik yang terakhir.

Antara pemain gitar generasi baharu yang bermain jazz-rock, dan membangunkan gaya jazz yang agak baharu - gabungan, Ol di Meola (AI di Meola) menonjol. Keghairahan pemuzik muda untuk gitar jazz bermula dengan mendengar rakaman trio yang menampilkan Larry Coryell (yang, secara kebetulan, Al di Meola menggantikan dalam barisan yang sama beberapa tahun kemudian). Sudah pada usia 17 tahun dia mengambil bahagian dalam rakaman dengan Chick Corea. Ol di Meola mahir bermain gitar - kedua-duanya dengan jarinya dan dengan plektrum. Buku teks "Kaedah ciri bermain gitar oleh pengantara" yang ditulis olehnya sangat dihargai oleh pakar.

Inovator zaman kita juga termasuk pemain gitar berbakat Larry Coryell, yang melalui kesukaran cara kreatif-- daripada keghairahan untuk rock and roll kepada trend terbaru dalam muzik jazz moden.

Malah, selepas Django, hanya seorang pemain gitar Eropah mencapai pengiktirafan tanpa syarat di seluruh dunia dan mempengaruhi perkembangan jazz secara umum - orang Inggeris John McLaughlin. Zaman kegemilangan bakatnya jatuh pada separuh pertama tahun 70-an abad kedua puluh - zaman ketika jazz dengan cepat mengembangkan sempadan gayanya, bergabung dengan muzik rock, eksperimen dalam muzik elektronik dan avant-garde, dan pelbagai tradisi muzik rakyat. Bukan kebetulan bahawa bukan sahaja peminat jazz menganggap McLaughlin sebagai "mereka sendiri": kita akan menemui namanya dalam mana-mana ensiklopedia muzik rock. Pada awal 1970-an, McLaughlin menganjurkan orkestra Mahavishnu (Great Vishnu). Sebagai tambahan kepada papan kekunci, gitar, dram dan bes, beliau memperkenalkan biola ke dalam komposisinya. Dengan orkestra ini, pemain gitar merakamkan beberapa rekod, yang diterima dengan penuh semangat oleh orang ramai. Pengulas mencatatkan kelebihan McLaughlin, inovasi dalam susunan, kesegaran bunyi, kerana penggunaan unsur muzik India. Tetapi perkara utama ialah penampilan cakera ini menandakan penubuhan dan perkembangan trend jazz baharu: jazz-rock.

Pada masa ini, ramai pemain gitar cemerlang telah muncul yang meneruskan dan meningkatkan tradisi master masa lalu. Amat penting bagi budaya pop-jazz dunia ialah hasil kerja pelajar Jimm Hall yang paling terkenal - Pat Mattini. Idea inovatif beliau telah memperkayakan bahasa melodi-harmonik muzik pop moden. Saya juga ingin mengambil perhatian aktiviti persembahan dan pengajaran yang cemerlang Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, pelajar Joe Pass Lee Ritenour dan ramai lagi.

Bagi perkembangan seni bermain gitar pop-jazz (elektrik dan akustik) di negara kita, ia tidak mungkin dilakukan tanpa kerja pendidikan dan pendidikan yang berjaya selama bertahun-tahun oleh V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov. , A. Vinitsky, serta pengikut mereka S. Popov, I. Boyko dan lain-lain. Sangat penting ialah aktiviti persembahan konsert pemuzik seperti: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk dan banyak lagi. Setelah beralih dari blues ke jazz-rock, gitar bukan sahaja tidak menghabiskan kemungkinannya, tetapi, sebaliknya, memenangi kepimpinan dalam banyak arah baru jazz. Pencapaian dalam bidang teknik bermain gitar akustik dan elektrik, penggunaan elektronik, kemasukan unsur flamenco, gaya klasik, dan lain-lain memberi alasan untuk menganggap gitar sebagai salah satu instrumen utama genre muzik ini. Itulah sebabnya sangat penting bagi pemuzik generasi baru untuk mengkaji pengalaman pendahulu mereka - pemain gitar jazz. Hanya atas dasar ini adalah mungkin untuk mencari gaya bermain individu, cara peningkatan diri dan perkembangan selanjutnya gitar pop-jazz

kesimpulan

Pada zaman kita, topik membangunkan kemahiran persembahan pada gitar 6 tali masih relevan, kerana pada masa ini terdapat banyak sekolah dan sistem latihan. Ia termasuk arah yang berbeza, daripada sekolah permainan klasik, kepada jazz, Latin, sekolah blues.

Dalam pembangunan stilistika jazz, peranan yang sangat penting dimainkan oleh teknik instrumental tertentu, yang merupakan ciri penggunaan jazz instrumen dan keupayaan ekspresifnya - melodi, intonasi, berirama, harmonik, dll. Blues memainkan peranan penting dalam pembentukan jazz. Sebaliknya, "salah satu faktor penentu dalam penghabluran blues dari jenis cerita rakyat Negro yang lebih awal dan kurang formal ialah 'penemuan' gitar dalam medium ini."

Sejarah perkembangan seni gitar mengenali banyak nama gitaris-guru, komposer dan penghibur yang mencipta banyak alat bantu mengajar untuk belajar bermain gitar, banyak daripada mereka secara langsung atau tidak langsung berkaitan dengan masalah mengembangkan pemikiran penjarian.

Malah, pada zaman kita, konsep gitaris merangkumi penguasaan kedua-dua teknik klasik utama, kedua-dua asas, dan keupayaan dan pemahaman gaya yang mengiringi fungsi, keupayaan untuk bermain dan membuat improvisasi pada digital, semua kehalusan dan ciri pemikiran blues dan jazz.

Malangnya, sejak kebelakangan ini, media telah memberikan sedikit pengaruh bukan sahaja kepada muzik klasik yang serius, tetapi juga kepada jenis muzik pop-jazz bukan komersial.

Senaraikandigunakansastera

1. Bakhmin A.A. Manual arahan kendiri untuk bermain gitar enam tali / A.A. Bakhmin. M.: ASS-center, 1999.-80 p.

2. Boyko I.A. Penambahbaikan pada gitar elektrik. Bahagian 2 "Asas teknik kord" - M.; Pusat Hobi, 2000-96 hlm.;

3. Boyko I.A. Penambahbaikan pada gitar elektrik. Bahagian 3 "Kaedah improvisasi progresif" - M.; Pusat Hobi, 2001-86 hlm.

4. Boyko I.A. Penambahbaikan pada gitar elektrik. Bahagian 4 "Pentatonik dan kemungkinan ekspresifnya" - M.; Pusat Hobi, 2001 - 98 p.; sakit.

5. Brandt V.K. Asas teknik gitaris ensemble pop / Panduan pendidikan dan metodologi untuk sekolah muzik - M. 1984 - 56 p.

6. Dmitrievsky Yu.V. / Gitar daripada blues kepada jazz-rock / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Muzikal Ukraine, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. Sekolah bermain gitar enam tali / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. Komposer, 1975. - 120 p.

8. Manilov V.A. Belajar mengiringi gitar / V.A. Manilov - K .: Muzikal Ukraine, 1986. - 105 p.

9. Pas, D. Guitar style of Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M .: "Guitar College", 2002 - 64 p.; sakit.

10. Popov, S. Asas / Comp.; "Kolej Gitar" - M.; "Kolej Gitar", 2003 - 127p.;

11. Puhol M. Sekolah bermain gitar enam tali / Per. dan pejabat editorial N. Polikarpov - M.; burung hantu. Komposer, 1987 - 184 hlm.

12. Al Di Meola "Teknik bermain dengan orang tengah"; Per. / Comp.; GIDinform

13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 No 10 - hlm. 20-31

Dihoskan di Allbest.ru

...

Dokumen Serupa

Pembangunan dan penggunaan harmoni dan melodi muzik jazz dalam persembahan dan pedagogi pop-jazz moden. Melodi jazz dalam gaya be-bop. Cadangan praktikal untuk mengoptimumkan karya vokalis pop pada repertoir jazz.

tesis, ditambah 07/17/2017


Ciri-ciri menulis, melakukan melisma dalam tempoh masa yang berbeza, punca melisma. Penggunaan teknik muzik dalam persembahan pop-jazz vokal. Latihan untuk pembangunan teknik vokal yang halus dalam vokalis.

tesis, ditambah 18/11/2013


Ciri-ciri tersendiri budaya muzik Renaissance: kemunculan bentuk lagu (madrigal, villancico, frottol) dan muzik instrumental, kemunculan genre baru (lagu solo, cantata, oratorio, opera). Konsep dan jenis utama tekstur muzik.

abstrak, ditambah 18/01/2012


Pembentukan muzik sebagai bentuk seni. Peringkat sejarah pembentukan muzik. Sejarah pembentukan muzik dalam persembahan teater. Konsep "genre muzik". Fungsi dramatik muzik dan jenis utama ciri muzik.

abstrak, ditambah 05/23/2015


Menjadi mekanisme muzik klasik. Pertumbuhan muzik klasik dari sistem ucapan pernyataan muzik (ungkapan), pembentukannya dalam genre seni muzik (chorals, cantatas, opera). Muzik sebagai komunikasi artistik baharu.

abstrak, ditambah 03/25/2010


Kelahiran budaya rock dunia: "country", "rhythm and blues", "rock and roll". Fajar kemuliaan rock and roll dan kemerosotannya. Kemunculan gaya rock. cerita kumpulan legenda "The Beatles". Wakil legenda adegan rock. Raja-raja gitar, pembentukan hard rock.

abstrak, ditambah 06/08/2010


Tradisi budaya rakyat dalam pendidikan muzik dan pendidikan kanak-kanak. Bermain alat muzik sebagai satu jenis aktiviti muzik untuk kanak-kanak prasekolah. Cadangan penggunaan budaya instrumental untuk perkembangan kebolehan muzik kanak-kanak.

tesis, ditambah 05/08/2010


Tempat muzik rock dalam budaya muzik massa abad XX, kesan emosi dan ideologinya kepada penonton belia. Keadaan semasa rock Rusia pada contoh karya V. Tsoi: keperibadian dan kreativiti, misteri fenomena budaya.

kertas penggal, ditambah 26/12/2010


Keistimewaan situasi sosio-budaya moden yang mempengaruhi proses pembentukan budaya muzik dan estetik pelajar sekolah, teknologi perkembangannya dalam pelajaran muzik. Kaedah Berkesan menyumbang kepada pendidikan budaya muzik dalam kalangan remaja.

tesis, ditambah 07/12/2009


Sintesis budaya dan tradisi Afrika dan Eropah. Perkembangan jazz, pembangunan model berirama dan harmonik baharu oleh pemuzik dan komposer jazz. Jazz di Dunia Baru. Genre muzik jazz dan ciri utamanya. Pemuzik jazz Rusia.

Persembahan gitar di Rusia mempunyai sejarah tersendiri. Walau bagaimanapun, dalam kerja ini kami akan mempertimbangkan hanya halaman yang berkaitan secara langsung dengan amalan bermain gitar tujuh tali dan mempengaruhi ciri-ciri yang mendasari pembentukan gaya gitar Rusia.
Sekolah gitar Rusia diasaskan pada ketika di Eropah Barat gitar klasik telah mengisytiharkan dirinya sebagai instrumen konsert solo bebas. Dia sangat popular di Itali. Sepanyol. Muncul keseluruhan baris penghibur dan komposer. mencipta repertoir klasik yang baharu. Yang paling terkenal ialah D. Aguado. M. Giuliani. F. Carulli, M. Carcassi. Kemudian, pemuzik yang luar biasa seperti Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber dan lain-lain beralih kepada PR dan menulis untuknya.

Perbezaan utama antara gitar Rusia dan gitar klasik yang popular di Eropah ialah bilangan rentetan (tujuh, bukan enam) dan prinsip penalaannya. Ia adalah persoalan penalaan yang sentiasa menjadi asas dalam pertikaian lama tentang kelebihan gitar enam atau tujuh tali. Memahami kepentingan khusus isu ini, kami menganggap perlu untuk kembali kepada topik asal usul gitar tujuh tali dan penampilannya di Rusia.
Menjelang akhir abad XVIII. di Eropah terdapat beberapa jenis gitar pelbagai reka bentuk, saiz, dengan bilangan tali yang berbeza dan banyak cara untuk menalanya (cukup untuk menyebut bahawa bilangan tali berbeza dari lima hingga dua belas) -. Sekumpulan besar gitar telah disatukan mengikut prinsip menala rentetan dengan perempat dengan satu pertiga utama di tengah (untuk kemudahan, kami akan memanggil penalaan ini sebagai yang keempat). Instrumen ini digunakan secara meluas di Itali. Sepanyol. Perancis.
UK, Jerman, Portugal dan Eropah Tengah terdapat sekumpulan instrumen dengan apa yang dipanggil sistem terts, di mana, apabila menala rentetan suara, pertiga lebih disukai (contohnya, dua terts besar dipisahkan oleh satu liter).
Kedua-dua kumpulan instrumen ini disatukan oleh fakta bahawa muzik yang ditulis untuk satu skala boleh dimainkan menggunakan susunan kecil pada alat skala yang lain.
Menarik kepada kami ialah gitar dengan empat tali ganda, yang datang dari England ke Eropah, dan dari Eropah ke Rusia (St. Petersburg). Struktur gitar ini mempunyai dua jenis: keempat dan ketiga. Yang terakhir berbeza daripada saiz gitar Rusia tujuh rentetan (ia jauh lebih kecil), tetapi secara praktikal menjangkakan prinsip penalaannya mengikut triad utama lanjutan (g, e, c, G, F, C, G). Fakta ini sangat penting untuk kita.

Kekurangan bukti sejarah untuk transformasi badan gitar, nilainya dan skala biasa rentetan hanya membenarkan kita mengambil pilihan untuk pembangunannya. Kemungkinan besar, dimensi leher gitar ditentukan oleh kemudahan bermain, dan ketegangan rentetan, penalaan mereka, sepadan dengan tessitura suara nyanyian. Mungkin penambahbaikan membawa kepada peningkatan dalam badan, penggantian kudis logam dengan helai, dan oleh itu kepada penurunan dalam tessitura bunyi, "gelongsor" keseluruhan sistem ke bawah.
Tidak ada maklumat yang boleh dipercayai yang mengesahkan bahawa gitar inilah yang berfungsi sebagai prototaip "tujuh rentetan" Rusia, tetapi hubungan mereka jelas. Sejarah persembahan gitar di Rusia dikaitkan dengan kemunculan pada zaman pemerintahan Catherine the Great (1780-90an) pemain gitar asing yang bermain gitar ketiga dan ketiga. Antaranya ialah Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez. Terdapat penerbitan koleksi keping untuk gitar 5-6 tali, majalah gitar.
Ignaz von Geld (Ignatius von Geld) menerbitkan buat pertama kali manual yang dipanggil "Kaedah mudah untuk belajar bermain gitar tujuh tali tanpa guru." Malangnya, tidak ada satu salinan sekolah Rusia pertama bermain gitar ini, serta maklumat tentang kaedah pengajaran pengarangnya, jenis gitar, dan cara ia ditala belum dipelihara. Yang ada hanya testimoni kontemporari. Geld itu adalah pemain gitar Inggeris yang hebat.
Tetapi pengasas sebenar sekolah gitar Rusia adalah saya yang menetap di Moscow. Pada akhir abad ke-18. seorang pemuzik yang berpendidikan, seorang pemain kecapi yang hebat Andrey Osipovich Sikhra. Dialah yang memperkenalkan muzik praktikal membuat gitar tujuh tali dengan sistem d, h, g, D, H, G, D, yang kemudiannya dikenali sebagai Rusia.

Kita tidak dapat mengetahui betapa biasa A. Sichra dengan eksperimen Eropah dalam mencipta gitar dengan bilangan rentetan yang berbeza dan cara menalanya, sama ada dia menggunakan keputusannya dalam kerjanya tentang "penambahbaikan" (tetapi dalam kata-katanya sendiri) dari klasik. gitar enam tali. Ini tidak begitu ketara.
Apa yang penting ialah A. Sihra. sebagai peminat setia persembahan gitar, seorang guru yang cemerlang dan pempopularkan ideanya yang cekap, dia meninggalkan tanda cerah dalam sejarah perkembangan persembahan instrumental Rusia. Dengan menggunakan pencapaian terbaik sekolah gitar Sepanyol klasik, dia membangunkan metodologi untuk mengajar gitar tujuh tali, kemudian menetapkannya dalam buku yang diterbitkan pada tahun 1832 dan 1840. "Sekolah". Menggunakan bentuk dan genre klasik. Sychra mencipta repertoir baharu khusus untuk gitar Rusia dan melahirkan kumpulan pelajar yang cemerlang.

Terima kasih kepada aktiviti A. O. Sikhra dan rakan-rakannya, gitar tujuh rentetan mendapat populariti yang luar biasa di kalangan wakil-wakil kelas yang berbeza: golongan cerdik pandai Rusia dan wakil-wakil kelas menengah menyukainya, pemuzik profesional dan pencinta muzik harian beralih kepadanya: sezaman mula mengaitkannya dengan intipati muzik rakyat bandar Rusia. Penerangan mengenai bunyi gitar tujuh tali yang mempesonakan boleh didapati dalam barisan Pushkin yang menyentuh hati. Lermontov, Turgenev. Chekhov, Tolstoy dan ramai penyair dan penulis lain. Gitar mula dianggap sebagai bahagian semula jadi budaya muzik Rusia.
Ingat bahawa gitar A. Sikhra muncul di Rusia dalam keadaan apabila gitar tujuh tali hampir tidak pernah dilihat di mana-mana, adalah mustahil untuk membelinya sama ada di kedai atau dari tukang artisan. Kini seseorang hanya boleh tertanya-tanya berapa cepat (dalam 2-3 dekad) tuan-tuan ini, di antaranya adalah pemain biola terbesar, dapat menubuhkan pengeluaran gitar Rusia. Ini Ivan Batov, Ivan Arhuzen. Ivan Krasnoshchekov. Gitar master Vienna I. Scherzer dianggap sebagai salah satu yang terbaik. Menurut orang sezaman, gitar F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky dibezakan oleh keperibadian unik mereka. Tetapi sekarang kita tidak akan memikirkan perkara ini, kerana ia patut dibincangkan secara berasingan.

Rasa kebangsaan gitar tujuh tali juga diberikan oleh susunan yang ditulis untuknya pada tema lagu rakyat Rusia. “Pengaruh muzik rakyat terhadap seni muzik, sudah tentu, akan bermula sebagai sebahagian daripada tradisi banyak negara. Walau bagaimanapun, di Rusia, muzik rakyat telah menjadi subjek keghairahan orang ramai untuk muzik mereka sendiri, mungkin salah satu pergerakan jiwa Rusia yang paling luar biasa.
Untuk berlaku adil, ia harus diperhatikan. bahawa karya A. Sikhra pada tema Rusia ditulis dalam gaya variasi klasik dan tidak mempunyai rasa asli, murni Rusia yang membezakan susunan pemain gitar Rusia yang lain. Khususnya, Mikhail Timofeevich Vysotsky, pencipta banyak komposisi pada tema lagu-lagu rakyat Rusia, memberikan sumbangan besar kepada pembentukan sekolah gitar Rusia sebagai fenomena kebangsaan yang asli. M. Vysotsky dibesarkan di kampung Ochakovo (12 km dari Moscow) di ladang penyair M. Kheraskov, rektor Universiti Moscow, dalam suasana cinta dan hormat terhadap tradisi rakyat Rusia. Budak itu boleh mendengar penyanyi rakyat yang hebat, mengambil bahagian dalam upacara rakyat. Menjadi anak hamba. Misha boleh mendapat pendidikan hanya dengan menghadiri mesyuarat cerdik pandai kreatif dan rumah Kheraskov, mendengar puisi, perdebatan, dan persembahan dadakan oleh tetamu terpelajar.

Antaranya ialah guru utama M. Vysotsky - Semyon Nikolaevich Aksenov. Dia menyedari kebolehan budak lelaki itu dan mula memberinya pelajaran bermain gitar Rusia. Dan walaupun kelas ini tidak sistematik, budak lelaki itu membuat kemajuan yang ketara. Terima kasih kepada usaha S. Aksenov bahawa M. Vysotsky menerima kebebasannya pada tahun 1813 dan berpindah ke Moscow untuk pendidikan lanjut. Kemudian, pemuzik terkenal, komposer A. Dubuk memberikan Vysotsky bantuan penting dalam menguasai disiplin muzik dan teori.

M. Vysotsky menjadi pemain gitar yang hebat - improviser, komposer. Tidak lama kemudian kemasyhuran seorang pemain gitar virtuoso yang tiada tandingan datang kepadanya. Menurut orang sezaman, permainan Vysotsky kagum bukan sahaja dengan tekniknya yang luar biasa, tetapi dengan inspirasinya, kekayaan imaginasi muziknya. Dia seolah-olah bergabung dengan gitar: ia adalah ekspresi hidup dari mood rohaninya, pemikirannya.
Beginilah cara pemain gitar dan rakan sekerjanya I. E. Lyakhov menilai permainan Vysotsky: - Permainannya tidak dapat difahami, tidak dapat digambarkan dan meninggalkan kesan yang tidak dapat disampaikan oleh nota dan perkataan. Di sini dengan sedih, lembut, sayu terdengar di hadapan anda lagu pemutar; fermato kecil - dan segala-galanya seolah-olah bercakap dengannya sebagai tindak balas: mereka berkata, mengeluh, bass, mereka dijawab oleh suara tangisan trebles, dan keseluruhan paduan suara ini diliputi dengan akord pendamaian yang kaya; tetapi kemudian bunyi, seperti pemikiran yang letih, bertukar menjadi triodi, tema hampir hilang, seolah-olah penyanyi itu memikirkan sesuatu yang lain; tetapi tidak, dia kembali kepada tema, kepada pemikirannya, dan ia kedengaran sungguh-sungguh dan sekata, bertukar menjadi adagio yang penuh doa. Anda Mendengar anjing Rusia, dinaikkan kepada yang suci (Sudet. Segala-galanya sangat indah dan semula jadi, sangat tulus dan muzik, seperti yang anda jarang lihat dalam komposisi lain untuk lagu-lagu Rusia. Di sini anda tidak akan mengingati apa-apa seperti itu: semuanya di sini adalah baru dan asli. Di hadapan kami adalah seorang pemuzik Rusia yang diilhamkan, di hadapan anda ialah Vysotsky.

Ciri tersendiri karya Vysotsky ialah pergantungan pada lapisan besar lagu rakyat Rusia dan sebahagiannya kreativiti instrumental. Inilah yang menentukan perkembangan sekolah gitar Rusia, cawangan Moscownya. M. Vysotsky, mungkin, kurang prihatin dengan cadangan sistematik untuk belajar bermain gitar tujuh tali, walaupun dia memberikan banyak pelajaran. Tetapi dalam karyanya, gitar tujuh rentetan Rusia menjadi instrumen yang benar-benar nasional, mempunyai himpunan khasnya sendiri, teknik teknikal khas dan perbezaan gaya, gaya persembahan, corak pembangunan dalam bentuk muzik (maksud kami hubungan antara kandungan puisi lagu dan proses perkembangan varian dalam gubahan muzik). Dalam hal ini, M. Vysotsky adalah untuk kita. mungkin tokoh terpenting dalam permainan gitar Rusia. Karya beliau meletakkan asas untuk gaya permainan asli, serta prinsip mendapatkan bunyi melodi dan teknik yang mengiringinya. Tetapi ini akan dibincangkan kemudian.

Oleh itu, kemunculan sekolah gitar asal di Rusia dikaitkan dengan nama A. Sikhra dan M. Vysotsky, serta pelajar terbaik mereka.
Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahawa penggunaan gitar yang meluas di Rusia dalam tempoh sejarah yang singkat tidak boleh menjadi kemalangan. Sebaliknya, ia adalah bukti yang baik tentang daya maju instrumen. Terdapat sebab yang cukup untuk berbangga dengan pencapaian sekolah gitar Rusia. Walau bagaimanapun, ia boleh dinyatakan dengan kepahitan bahawa kita tidak mengetahui keseluruhan kebenaran tentang instrumen kita dan warisan yang dicipta untuknya. Adalah penting untuk mengetahui dan memahami perkara ini hari ini, apabila hampir semua yang dibanggakan Rusia pada masa lalu telah dimusnahkan ke tanah, dan tiada apa yang dicipta untuk menggantikannya. Mungkin sudah tiba masanya untuk mengalihkan wajah anda kepada warisan gitar Rusia?! Ia terdiri daripada karya, kaedah dan himpunan orang yang paling berpendidikan pada zaman mereka. Berikut adalah beberapa nama: M. Stakhovich - bangsawan, ahli sejarah, penulis; A. Golikov - bangsawan, pendaftar kolej; V. Sarenko - Doktor Sains Perubatan; F. Zimmerman - bangsawan, pemilik tanah; I. Makarov - pemilik tanah, ahli bibliografi utama; V. Morkov - seorang bangsawan, seorang ahli majlis negeri sebenar: V. Rusanov - seorang bangsawan, konduktor, seorang editor yang cemerlang.

TAMBAHAN PROGRAM PENDIDIKAN AM PRA PROFESIONAL DALAM BIDANG GUITAR SENI MUZIK "Alat Rakyat". Bidang mata pelajaran B.00. BAHAGIAN VARIANT B.03.UP.03.SEJARAH PERSEMBAHAN PADA GUITAR CASSIAN. Tempoh pelaksanaan 1 tahun. Program ini mengandungi semua bahagian yang diperlukan: nota penerangan, kandungan subjek, kurikulum, keperluan untuk tahap latihan pelajar, bentuk dan kaedah kawalan, sistem penilaian, sokongan metodologi proses pendidikan, senarai rujukan.

Muat turun:

Pratonton:

Institusi pendidikan belanjawan perbandaran

pendidikan tambahan untuk kanak-kanak

Sekolah seni kanak-kanak p.Novozavidovsky

TAMBAHAN PRA-PROFESIONAL

PROGRAM PENDIDIKAN AM DI WILAYAH

SENI MUZIK

"Alat Rakyat"

GITAR

Bidang subjek

W.00. BAHAGIAN VARIANT

B.03.UP.03. SEJARAH PERSEMBAHAN PADA GUITAR CASSIAN

Mengenai pembangunan muzik dalam sistem pendidikan tambahan untuk kanak-kanak sekolah muzik dan jabatan muzik kanak-kanak

sekolah seni kanak-kanak

Disusun oleh: Bensman Vera Igorevna,

Pensyarah MBOU DOD DSHI

P.Novozavidovsky

P.Novozavidovsky 2014

Program diluluskan Diluluskan

Majlis Pedagogi ________________ Saperova I.G.

MBOU DOD DSHI Pengarah MBOU DOD DSHI

P. Novozavidovsky p. Novozavidovsky,

Minit Bil 2 bertarikh 30 Oktober 2014. daerah Konakovsky,

rantau Tver.

Disusun oleh: Guru Bensman Vera Igorevna

Penyemak: Pensyarah kategori tertinggi Bensman L.I.

1. Nota penerangan.

Ciri-ciri subjek, tempat dan peranannya dalam proses pendidikan;

Istilah untuk pelaksanaan subjek;

Jumlah masa belajar yang disediakan oleh kurikulum untuk pelaksanaan -sesuatu mata pelajaran;

Bentuk menjalankan latihan bilik darjah;

Tujuan dan objektif subjek;

Struktur kurikulum mata pelajaran;

Kaedah pengajaran;

Penerangan mengenai bahan dan syarat teknikal untuk pelaksanaan subjek;

Maklumat tentang kos masa belajar;

Silibus.

3. Keperluan tahap latihan pelajar.

4. Bentuk dan kaedah kawalan, sistem penggredan:

Pensijilan: matlamat, jenis, bentuk, kandungan; peperiksaan akhir;

Kriteria untuk penilaian.

5.Sokongan metodologi proses pendidikan.

6. Senarai rujukan.

NOTA PENJELASAN

Gitar adalah salah satu alat muzik paling popular yang digunakan dalam latihan profesional dan amatur. Repertoir gitar yang pelbagai termasuk muzik pelbagai gaya dan era, termasuk klasik, popular, jazz.

Gitar bukan sahaja alat muzik iringan dan solo, ia adalah seluruh dunia: penghibur, komposer, penyusun, guru, ahli gitar, ahli sejarah, pengumpul, peminat, peminat, pemain gitar amatur... Ia adalah sebahagian daripada budaya dunia. , kajian yang akan menarik minat ramai.

Gitar itu didedikasikan untuk muzik, lukisan, lagu, penyelidikan, prosa, pengajaran dan bakat artisan, karya sejarah, dan puisi. M.Yu mendedikasikan baris yang mengagumi kepadanya. Lermontov:

Apa bunyinya! saya masih

Bunyi manis I.

Saya lupa syurga, keabadian, bumi,

Dia sendiri...

Ciri-ciri subjek, tempat dan peranannya dalam proses pendidikan;

Di sekolah seni kanak-kanak, dalam proses mengajar pelajar jabatan instrumental, perhatian yang tidak mencukupi diberikan kepada komponen yang paling penting dalam pendidikan muzik, sebagai sejarah persembahan instrumental.

Pada pelajaran kesusasteraan muzik, karya komposer dipelajari, dan penghibur hanya disebut. Sangat sedikit liputan diberikan kepada topik alat muzik rakyat dan terutamanya alat gitar. Aktiviti luar kurikulum yang dijalankan oleh guru adalah pelbagai dan sebahagiannya mengimbangi kekurangan ini. Tetapi ini tidak mencukupi.

Pelajar Sekolah Seni Kanak-kanak harus mempunyai pengetahuan yang lebih banyak dan sistematik dalam bidang sejarah pembangunan instrumen dan persembahan muzik (sekolah dalam dan luar negara).

Pengenalan subjek ke dalam kurikulum program pendidikan perkembangan umum Sekolah Seni Kanak-kanak adalah relevan pada peringkat sekarang, terutamanya untuk program pra-profesional.

Subjek ini melibatkan menyerlahkan peringkat utama dalam pembangunan alat gitar, mengkaji kerja penghibur yang cemerlang, komposer, membiasakan diri dengan karya muzik dicipta untuk instrumen ini, mendengar dan melihat rakaman pemain gitar, pemenang dan pemenang diploma pertandingan (termasuk kanak-kanak, remaja)

Subjek "Sejarah bermain gitar klasik" dicadangkan untuk dimasukkan ke dalam bahagian "Bahagian Pembolehubah" program pembangunan am pra-profesional tambahan dalam bidang seni muzik "Seni Instrumen", "Alat Rakyat", "Gitar" . Anda juga boleh memasukkan item dalam rancangan pendidikan program pembangunan umum yang dilaksanakan di sekolah seni kanak-kanak tertentu.

Program pengarang subjek "Sejarah Persembahan Gitar Klasik" telah dibangunkan berdasarkan Keperluan Negeri Persekutuan untuk program pendidikan am pra-profesional tambahan dalam bidang seni muzik. (2012) Program ini adalah sebahagian daripada kurikulum prestasi instrumental. Gitar "Alat Rakyat".

Bahan-bahan berikut digunakan dalam penyediaan program:

Kompleks pendidikan-kaedah "Persembahan Istrian pada instrumen rakyat" Keistimewaan 071301 "Folk kreativiti artistik". Disusun oleh Zhdanova T.A., Profesor Jabatan Pengendalian Orkestra dan Instrumen Rakyat Akademi Kebudayaan dan Seni dan Teknologi Sosial Negeri Tyumen. Tyumen, 2011

Chupakhina T.I. "Satu kursus syarahan mengenai sejarah persembahan alat muzik rakyat". Omsk, 2004

Sekolah Gitar Charles Duckart.

Tarikh akhir pelaksanaan subjek:

Tempoh pelaksanaan untuk item ini ialah 1 tahun, (35 minggu)

Dengan 5 (6) penggal pengajian - dalam darjah 5.

Pada penggal ke-8 (9) pengajian - dalam gred ke-8.

Jumlah masa belajar yang disediakan oleh kurikulum:

Jumlah intensiti buruh subjek ialah 70 jam.

Daripada jumlah ini: 35 jam - pelajaran bilik darjah, 35 jam - kerja bebas.

Bilangan jam untuk pembelajaran bilik darjah ialah 1 jam seminggu.

Bilangan jam untuk kerja bebas(beban tugas ekstrakurikuler) - 1 jam seminggu.

Bentuk menjalankan latihan bilik darjah.

Matlamat dan objektif subjek.

Subjek "Sejarah prestasi gitar klasik" adalah bahagian penting dalam penyediaan graduan Sekolah Seni Kanak-kanak dalam kelas gitar. Seni gitar adalah sebahagian daripada budaya seni dunia. Ia boleh dikesan dari zaman purba hingga ke hari ini dan dikaitkan secara organik dengan budaya instrumental persembahan dan repertori. Ia menjadi jelas sejauh mana pelbagai isu termasuk kajian sejarah prestasi.

• Tujuan subjek ini adalah untuk menunjukkan syarat sejarah dan urutan perkembangan seni persembahan, untuk memahami proses pembangunan dan pembentukan alat gitar; untuk mengkaji corak sejarah pembentukan dan ciri-ciri utama himpunan, ciri-ciri seni persembahan pada gitar.
• Tujuan subjek juga adalah untuk memastikan perkembangan kebolehan kreatif dan keperibadian pelajar, minat yang mampan dalam aktiviti bebas dalam bidang seni muzik.
• Untuk menanamkan dalam diri pelajar keperluan untuk mengetahui, mengkaji, mendengar dan menganalisis.
• Mencapai tahap pendidikan yang membolehkan graduan mengemudi secara bebas budaya muzik dunia;

Objektif mata pelajaran:

• Salah satu tugas utama mempelajari subjek ini adalah untuk menggalakkan pelajar memahami isu-isu sejarah dan teori pembangunan instrumen yang mereka sedang belajar bermain;
• pemerolehan pengetahuan dalam bidang sejarah budaya muzik, pengembangan ufuk seni pelajar, serta perkembangan keupayaan mereka untuk mengemudi pelbagai aspek seni gitar, gaya muzik dan hala tuju.
• Melengkapkan dengan sistem pengetahuan, kemahiran dan kaedah aktiviti muzik, yang secara keseluruhannya menyediakan asas untuk komunikasi bebas selanjutnya dengan muzik, pendidikan diri muzik dan pendidikan diri.
• pembentukan motivasi sedar di kalangan graduan terbaik untuk meneruskan pendidikan profesional mereka dan menyediakan mereka untuk peperiksaan kemasukan ke institusi pendidikan profesional.

Struktur kurikulum mata pelajaran.

Masalah yang diliputi dalam program ini dipertimbangkan dalam konteks pembangunan seni gitar, dengan mengambil kira prinsip historisisme dan periodisasi kronologi.

Program ini merangkumi bahagian berikut:

Maklumat tentang kos masa belajar;

Silibus;

Keperluan untuk tahap latihan pelajar;

Bentuk dan kaedah kawalan, sistem penggredan, pensijilan akhir;

Sokongan metodologi proses pendidikan;

Selaras dengan arahan ini, bahagian utama program "Kandungan subjek" sedang dibina.

Kaedah pengajaran.

Untuk mencapai matlamat yang ditetapkan dan melaksanakan objektif mata pelajaran, kaedah pengajaran berikut digunakan:

Lisan: ceramah, cerita, perbualan.

Visual: menunjukkan, menggambarkan, mendengar bahan.

Praktikal: Bekerja dengan bahan audio dan video. Menulis laporan, abstrak. Menyediakan pembentangan.

Emosi: kesan artistik.

Penerangan mengenai bahan dan syarat teknikal untuk pelaksanaan subjek.

Memastikan pengajaran subjek ini: kehadiran penonton yang memenuhi piawaian kebersihan dan keperluan keselamatan kebakaran. Komputer atau komputer riba, TV, pusat muzik, projektor multimedia + skrin demo - diingini. Bahan foto, audio, video dengan penglibatan aktif sumber Internet.

Dana perpustakaan dilengkapkan dengan penerbitan bercetak, elektronik, kesusasteraan pendidikan dan kaedah

Setiap pelajar diberikan akses kepada dana perpustakaan dan dana rakaman audio dan video. Semasa kerja bebas, pelajar menggunakan Internet untuk mengumpul bahan tambahan untuk mengkaji topik yang dicadangkan.

Maklumat tentang kos masa belajar;

Jadual 1

1. jadual 2

"Gitar" Tempoh pengajian ialah 5(6) tahun.
Bahagian boleh ubah
Nama barang	1 kelas	2 sel	3 sel	4 sel	5 sel	6 sel
Sejarah permainan gitar klasik
Pensijilan pertengahan

Jadual 3

1. Jadual 4

"Gitar" Tempoh pengajian ialah 8(9) tahun.
Bahagian boleh ubah
Nama barang	1 kelas	2 sel	3 sel	4 sel	5 sel	6 sel	7 sel	8 sel	9 sel
Sejarah persembahan muzik
Bilangan minggu pembelajaran bilik darjah
Pensijilan pertengahan

SILIBUS

	NAMA TOPIK	bilik darjah	Kerja bebas
	Dari sejarah seni gitar. Asal dan perkembangan.
	Asal usul gitar. Lima tempoh berbeza dalam sejarahnya: pembentukan, genangan, kebangkitan, kemerosotan, berkembang.	1 jam	1 jam
	Instrumen pendahulu gitar. Gitar dan kecapi. Gitar di Sepanyol (abad XIII) Tempoh kebangkitan semula gitar dikaitkan dengan komposer Itali, penghibur, guru Mauro Giuliani (lahir pada 1781).
	Fernando Sor (1778-1839) ialah seorang pemain gitar dan komposer Sepanyol yang terkenal. Dia adalah salah seorang yang pertama menemui kemungkinan polifonik dalam gitar. Karya oleh F. Sor untuk gitar. Risalahnya tentang Gitar. Aguado Dionisio (1784 - 1849) - seorang penghibur Sepanyol yang cemerlang - virtuoso, komposer. Orang asli Madrid. Ia adalah satu kejayaan besar di Paris.
	Carulli Fernando (1770 - 1841) - seorang guru terkenal, pengarang "School of Playing the Guitar", seorang komposer yang mengarang kira-kira empat ratus karya, seorang pemain gitar virtuoso Itali.Giuliani Mauro (1781 - 1829) - seorang pemain gitar Itali yang luar biasa - penghibur, komposer, guru. I. Fortea??????? ??
	Matteo Carcassi (1781–1829) - pemain gitar Itali yang paling penting, pengarang School of Guitar Playing,komposer. Regondi Giulio (1822 - 1872) - pemain gitar terkenal Itali - virtuoso, komposer.
	Tarrega Francisco Eixea (1852 - 1909) - pemain gitar terkenal Sepanyol, pengasas sekolah gitar moden Penghibur konsert cemerlang, komposer, pengarang karya paling terkenal untuk gitar.
	Lagenda abad ke-20 - Andres Segovia(1893-1987), pelajar dan pengganti Tarrega. Pemain gitar paling terkenal pada abad ke-20.
	Pensijilan pertengahan (1 suku)
	Gitar Flamenco. Gaya Flamenco.Paco de Lucia ialah seorang pemain gitar flamenco Sepanyol.
	Gitar di Eropah. penghibur terkenal.
	Pemain gitar Amerika Latin. Komposer Brazil E. Villa-Lobos (1887-1959). Gubahan Villa-Lobos adalah sebahagian daripada himpunan pemain gitar moden. Pemain gitar Cuba. Wakil yang cerah ialah Acosta. Anido Maria Luisa (lahir 1907) ialah seorang pemain gitar Argentina yang cemerlang. Penghibur konsert, komposer, guru. Gitar Hawaii dan ciri-cirinya.
	Kelas seminar.
	Pensijilan pertengahan (separuh pertama tahun ini)
	Gitar di Rusia. Rusia pada abad ke-19 dan awal abad ke-20.			suku ke-3
	Kemunculan seni bermain gitar tujuh tali di Rusia. Berkenalan dengan gitar melalui gitaris Itali Giuseppe Sarti, Carlo Conobbio, Pasquale Gagliani. Lagu dan percintaan komposer terkemuka abad ke-19 (A.E. Varlamov, A.L. Gurilev, A.A. Alyabiev, .I. Dubuc., P.P. Bulakhov.)
	Zaman kegemilangan seni profesional domestik A.O. Sikhra (1773-1850) - patriark gitar tujuh rentetan Rusia, seorang komposer yang cemerlang, seorang guru terkenal yang membesarkan galaksi pemain gitar yang sangat berbakat. Andrei Sikhra dan rumah penerbitan muziknya. Pengikut A. Sikhra, pelajarnya: F. Zimmerman, V. Sarenko, V. Markov, S. Aksenov. Gitar tujuh tali dan lagu Rusia, percintaan yang kejam.
	Pemain gitar pertama yang memainkan gitar enam tali ialah N.P. Markov (1810- ) teknik bermain gitar. Pertandingan di Brussels, yang dianjurkan oleh Markov untuk menghidupkan semula minat yang semakin pudar dalam gitar. M.D. Sokolovsky (1818-1883) penghibur konsert terkenal, satu-satunya wakil sekolah gitar tempatan pada zamannya, yang memenangi kemasyhuran Eropah. Aktivitinya dalam mempopularkan gitar.
	Isakov P. I. (1886 - 1958) - pemain gitar - pemain konsert, pengiring, guru, pemula penciptaan Persatuan Gitaris Leningrad. Yashnev V.I. (1879 - 1962) - gitaris-guru, komposer, pengarang (bersama-sama dengan B.L. Volman) dari sekolah bermain gitar enam tali. Agafoshin PS (1874 - 1950) - seorang pemain gitar berbakat, guru terkenal, pengarang "Sekolah" domestik terbaik untuk gitar enam rentetan. Pelajar V.A. Rusanov. . Pertemuan Segovia dan Agafoshin.
	Ivanov - Kramskoy Alexander Mikhailovich (1912 - 1973) - pemain gitar terkenal - pemain konsert, komposer, guru. Artis Terhormat RSFSR. Murid P.S. Agafoshina.N.A. Ivanova - Kramskaya
	Pemain gitar terkenal pada zaman kita.
	sekolah gitar Rusia. Kreativiti Alexander Kuznetsov. Kreativiti V. Shirokogo, V. Derun. A. Frauchi, A. Zimakova. Gitaris: V.Kozlov, Alexander Chekhov, Nikita Koshkin, Vadim Kuznetsov, N.A.Komolyatov, A.Gitman, E.Filkshtein, A.Borodina.Vladimir Tervo…………Dervoed A. V., Matokhin S. N., Vinitsky A. E. , Reznik A.L.
	Pemain gitar asing arahan klasik.
	Seminar
	Pelajaran akhir suku ketiga
	Pertandingan antarabangsa. pertandingan Rusia. Pemenang, diplomat. Perayaan.
	Gitar dalam ensembel ruang. orkestra gitar.
	Gitar klasik di rantau Tver dan Tver. A.M. Skvortsov, E.A. Baev; Duet instrumental "Musical Miniatures" - E. Baev - gitar, E. Muravyova - biola; "Art Duet" Natalya Gritsay, Elena Bondar.
	Gitar Jazz Klasik. Gitar jazz. Arah lain dalam bidang seni gitar. Teknik desa. Gaya Fincher. Gabungan. …….Pelakon pelbagai arah.
	Bagaimanakah gitar dibina? Pembuat gitar terkemuka. Naik taraf gitar. Berapakah bilangan tali gitar? Narciso Yepes dan gitar sepuluh talinya. Baru dalam seni persembahan gitar klasik.
	Seminar-perundingan.
	peperiksaan akhir
	JUMLAH PADA JUMLAH KADAR

3. Keperluan tahap latihan pelajar.

Tahap latihan pelajar adalah hasil penguasaan program subjek "Sejarah prestasi gitar klasik", yang melibatkan pembentukan pengetahuan, kemahiran berikut, seperti:

* minat pelajar dalam sejarah persembahan muzik;

* keupayaan untuk mengemudi dalam pelbagai aspek seni gitar, gaya muzik dan arah;

* kompleks pengetahuan, kemahiran dan kebolehan yang terbentuk dengan baik yang membolehkan menilai, mencirikan kerja yang didengar, gaya dan cara pelaku;

* pengetahuan yang membolehkan anda menggunakan sumber Internet secara bebas.

* graduan harus mengetahui topik utama kursus

4. Bentuk dan kaedah kawalan, sistem penilaian.

• Pensijilan: matlamat, jenis, bentuk, kandungan;

Kriteria untuk penilaian;

Kawalan pengetahuan, kemahiran dan kebolehan pelajar menyediakan pengurusan operasi proses pendidikan dan melaksanakan latihan, ujian, pendidikan dan fungsi pembetulan. Pelbagai bentuk pemantauan kemajuan pelajar memungkinkan untuk menilai secara objektif kejayaan dan kualiti proses pendidikan. Jenis utama kawalan kemajuan dalam subjek

"Sejarah prestasi gitar klasik" ialah: kawalan semasa, pensijilan pertengahan. Peperiksaan akhir.

Pengesahan semasadijalankan untuk mengawal kualiti penguasaan bahagian bahan pendidikan dan bertujuan untuk mengenal pasti sikap terhadap subjek, pada organisasi kerja rumah yang bertanggungjawab dan merangsang. Pensijilan semasa dijalankan dalam bentuk tinjauan, perbualan mengenai topik yang disediakan oleh pelajar, dan perbincangan persembahan yang didengar. Tugas kawalan semasa yang mungkin dalam bentuk ujian, serta kuiz muzik.

Kelas mengenai "Sejarah prestasi instrumental" diadakan dalam bentuk syarahan oleh seorang guru, perbualan dengan pelajar mengenai topik yang disediakan oleh mereka, tinjauan pelajar;

Tempat yang besar dalam kerja diberikan ilustrasi muzik, mendengar dan melihat bahan yang berkaitan. Adalah disyorkan untuk mengadakan seminar mengenai topik yang dipilih oleh guru atau pelajar. Tugas kawalan semasa yang mungkin dalam bentuk ujian, serta kuiz muzik. Berdasarkan keputusan kawalan semasa, anggaran suku tahunan diperolehi.

Pensijilan pertengahan(ditawarkan pada akhir semester pertama dan kedua) menentukan kejayaan perkembangan pelajar dan sejauh mana mereka menguasai tugas pembelajaran pada peringkat ini. Bentuk pensijilan pertengahan: pelajaran kawalan, ujian, laporan, abstrak, pembentangan.

peperiksaan akhir

Apabila lulus pensijilan akhir, graduan mesti menunjukkan pengetahuan, kemahiran dan kebolehan mengikut keperluan program. Bentuk dan kandungan penilaian akhir untuk subjek "Sejarah Persembahan Gitar Klasik" ditubuhkan oleh organisasi secara bebas (atas cadangan guru). Borang yang disyorkan: ujian dengan penilaian atau peperiksaan secara bertulis atau lisan dalam bentuk jawapan kepada soalan yang telah disediakan.

Untuk pensijilan pelajar, dana alat penilaian dicipta, termasuk kaedah kawalan yang membolehkan anda menilai pengetahuan, kemahiran dan kebolehan yang diperoleh.

Kriteria untuk penilaian

5 ("cemerlang");

4 ("baik");

3 ("memuaskan").

Penilaian - "tidak memuaskan" dalam subjek ini adalah tidak diingini, kerana tanpa mengira tahap perkembangan pelajar, guru mempunyai peluang untuk mencari pendekatan individu untuk setiap pelajar dan memaksimumkan kebolehan kreatifnya.

5. Sokongan metodologi proses pendidikan

Subjek ini diajar oleh guru gitar.

Sudah tentu, kita tidak dapat mendengar rakaman penghibur hebat masa lalu. Abad ke-20 memberi kita peluang ini. Kita boleh bercakap tentang tradisi dan kesinambungan persembahan muzik dari era yang berbeza melalui pelajar dan pengikut. (Contohnya: F. Tarrega, Segovia, A.M. Ivanov-Kramskoy, A. Frauchi……….).

Bentuk mengendalikan pelajaran adalah pelbagai, tetapi dengan kemasukan wajib dalam kerja seluruh kumpulan. Mendengar dan melihat rakaman bersama, tugasan kreatif - laporan, abstrak, tanggapan mendengar rakaman di dalam kelas dan secara bebas. Penyampaian bahan termasuk: syarahan oleh guru sendiri dengan mendengar dan melihat bahan audio dan video; prestasi kerja rumah tertentu dalam kerangka bahan yang dipelajari oleh semua pelajar dengan perbincangan seterusnya. Tempat yang besar dalam kerja diberikan kepada ilustrasi muzik, mendengar, serta melihat bahan yang berkaitan.Adalah penting untuk guru memilih pelbagai jenis dengan tepat bahan muzik untuk mendengar dan menetapkan tugas khusus untuk: mengajar penumpuan, mengaktifkan pendengaran, berfikir, membuat anda memberi perhatian kepada butiran, gaya persembahan dan penjelmaan niat komposer oleh pelaku. Ini akan mengembangkan cita rasa pelajar sendiri dan menjadikan mereka lebih sedar mendekati persembahan karya.

Ujian disyorkan untuk dijalankan dalam bentuk seminar, laporan, abstrak, rujukan ringkas bahawa pelajar boleh menyelesaikan sendiri menggunakan sumber dalam talian. Dan sebagai kerja rumah, pelajar boleh mendengar kerja dalam persembahan yang berbeza dan membuat analisis perbandingan didengari, iaitu menyelesaikan tugasan kreatif.

Juga, bentuk kerja kreatif ke arah ini adalah perjalanan bersama (jika boleh) pelajar dengan guru, ibu bapa ke konsert muzik instrumental, diikuti dengan perbincangan di dalam bilik darjah. (Di sekolah kami, acara seperti itu dianjurkan secara berkala kerana lokasi kampung yang selesa kepada organisasi konsert Tver, Klin, Moscow. Juga, penghibur dari Tver datang kepada kami)

Tempat yang bagus diduduki oleh penyediaan guru dan pelajar untuk kelas. Ia adalah satu proses yang sukar dan kreatif. Anda perlu banyak bekerja dengan bahan teks, audio, video, sumber Internet. Ia adalah perlu untuk menggalakkan pelajar bekerja setiap hari selama sekurang-kurangnya satu jam. Dengan bebas biasakelas, akan ada peningkatan minat bukan sahaja dalam mata pelajaran ini, tetapi juga keperluan untuk berdikari kerja bersusah payah jurusan gitar.

1. Averin V.A. Sejarah persembahan pada instrumen rakyat Rusia. Krasnoyarsk, 2002
2. Agafoshin P.S. Baru tentang gitar. M.,
3. Bendersky L. Halaman sejarah persembahan pada instrumen rakyat. Sverdlovsk, 1983.
4. Weisbord C. Andres Segovia. M., Muzik, 1980.
5. Weisbord M. Andrea Segovia dan Seni Gitar Abad Ke-20: Esei tentang Kehidupan dan Kerja. - M.: Sov. komposer, 1989. - 208 e.: sakit.
6. Weisbord M. Andrea Segovia. - M.: Muzik, 1981. - 126s. daripada sakit.
7. Weisbord M.A. Andres Segovia dan Seni Gitar Abad ke-20: Esei tentang Kehidupan dan Kerja. M., 1989
8. Weissboard. Andrei Segovia dan seni gitar abad ke-20. -M., komposer Soviet, 1989.
9. Vasilenko S. Halaman kenangan., M., L., 1948.
10. Vasiliev Yu., Shirokov A. Cerita tentang alat muzik rakyat Rusia. M., komposer Soviet, 1976.
11. Vertkov K. Alat muzik rakyat Rusia. L., Muzik, 1975.
12. Vertkov K., Blagodatov G., Yarovitskaya E. Atlas Alat Muzik USSR. M., 1975.
13. Vidal R.Zh. Nota pada gitar / Per. daripada fr. L. Berekashvili. - M.: Muzik, 1990.-32s.
14. Wolman BL.. Gitar. M., Muzik, 1972.
15. Wolman B. Gitar di Rusia. L., Muzgiz, 1980.
16. Wolman B. Gitar. edisi ke-2. M., 1980.
17. Volman B.L. Gitar di Rusia. L., 1961.
18. Volman B.L. Gitar dan pemain gitar. Esei mengenai sejarah gitar enam tali. - L .: Muzik, 1968.-188s.
19. Volman. B.L. Gitar di Rusia. L., Muzgiz, 1961.
20. Volmon B.L. Gitar dan pemain gitar. L., 1968.
21. Volmon B.L. Gitar. M., 1972.
22. Soalan metodologi dan teori persembahan pada alat muzik rakyat. Koleksi artikel, keluaran No. 2. Sverdlovsk, 1990.
23. Ghazaryan S. Dalam dunia alat muzik. M., Pendidikan, 1985.
24. Gazaryan S. Cerita tentang gitar. M., 1987.
25. Gazaryan S. Cerita tentang gitar. Moscow, 1988.
26. Gertsman E. muzikologi Byzantine. - L .: Muzik, 1988. -256s.
27. Gitar dan pemain gitar: Majalah sastera bulanan - Grozny: M. Panchenkov, 1925; No 1-11.
28. Gitar dan Gitaris: Majalah Sastera Bulanan. - Grozny: M. Panchenkov, 1925; No 11-12.
29. Gitar: Almanac Muzikal. - Isu. 1. M., 1986; Isu. 2., 1990.
30. Gitaris: Majalah muzik dan sastera. - M., 1993. - No. 1; 1994. - No. 2; 1998. - No. 3; 1999. - No. 4; 2000. - No. 3; 2001. - No 1,2,3,4; 2002. - No 1,2,3,4; 2003. - No 1,2,3,4; 2004. - No. 1.
31. Grigoriev G. Tirando. M., 1999.
32. Dmitrievsky Yu., Kolesnik S., Manilov V. Gitar dari blues ke jazz-rock.
33. Majalah Dukart O.N. "Gitaris" No. 1, 1993; 4. - II - No. 2, 1994; 5. - II - No. 3, 1997; 6. - II - No. 1, 1998; 7. - II - No. 1, 1999; 8. - II - No. 1, 2002;
34. Ivanov M. Gitar tujuh rentetan Rusia. M. - L., 1948
35. Ivanov M. Gitar tujuh rentetan Rusia. M., L., Muzgiz, 1948.
36. Ivanova-Kramskoy N.A. "Sejarah gitar, percintaan dan lagu."
37. Ilyukhin A. Bahan mengenai perjalanan sejarah dan teori persembahan pada instrumen rakyat Rusia. Isu 1. M., 1969, keluaran 2. M., 1971.
38. Seni, 2002. - 18 p.
39. Sejarah muzik Soviet Rusia. tt.1,2. M., 1959. Kiev, Muzikal Ukraine, 1986. - 96 p.
40. Kelas ensembel jazz. Program teladan untuk kepakaran 070109
41. Kuznetsov. Gitar jazz. // almanak muzik. Isu 1. Gitar. M., 1989
42. Larichev. .E.D. Gitar enam tali. Pada hari Sabtu. "Almanac muzik", keluaran 1, M., Muzyka, 1989.
43. Manilov V.A. Kawan anda adalah gitar. Kiev: Muzik. Ukraine, 2006. - 208 ms.: sakit.
44. M .: Gitaris Afromeev: Majalah muzikal dengan ilustrasi, nota. adj. -, 1905; #1-12.
45. M .: Gitaris Afromeev: Majalah muzikal dengan ilustrasi, nota. adj. -, 1906; No. 1, Gitaris: Majalah muzikal dengan ilustrasi, nota. adj. ., 1999; No. 1 - C16., Gitaris: Majalah muzikal dengan ilustrasi, nota. adj. -, 1999; No. 1 - P. 56-63., Gitaris: Majalah muzikal dengan ilustrasi, nota. adj. - M., 2002; No 1 - S.52-53
46. M .: Toropov, Gitar dan master: Majalah muzikal dengan ilustrasi, nota. adj. - 1999. M .: Gitaris Afromeev: Majalah muzikal dengan ilustrasi, nota. adj. -, 1904; #1-12
47. Mikhailenko N.P dan Fan Dinh Tang "Buku Panduan Gitaris",
48. Mikhailenko N.P. Kaedah mengajar bermain gitar enam tali. Kiev, 2003.
49. Mikhailenko N.P. dan Pham Dinh Tan. Buku Panduan Gitaris. Kiev, 1997
50. Almanac muzik "Gitar". Isu 1, Moscow "Muzik", 1989.
51. Almanac muzik "Gitar". Isu 2, Moscow "Muzik", 1990.
52. sekolah muzik (pengkhususan pop).Kepelbagaian alat orkestra. - Ufa, 2000. - hlm. 24-25
53. "Seni Muzik Pelbagai" pengkhususan "Alat Pelbagai"

Orkestra". - M., Kolej Pelbagai Muzik Negeri dan Jabatan Jazz

1. Otyugova T., Galembo A., Gurkov I. Kelahiran alat muzik. L., 1986.
2. Rapatskaya. L.A. Mengatasi stereotaip gitar (nota mengenai karya Igor Rekhin). Dalam majalah "Guitarist", No. 3, 1997.
3. Rusanov V.A. Gitar dan pemain gitar. Isu 2. M., 1901.
4. Sharnasse. Gitar enam tali. Dari asal usul hingga ke hari ini. M., Muzik, 1991.
5. Shevchenko. Gitar Flamenco. Kyiv, Muzikal Ukraine, 1988.
6. Shiryalin A.V. Puisi tentang gitar. -M., "Peringkat Belia", RIFME, 1994.
7. Shiryalin A.V. Pantun Gitar. M., 2000.
8. Evers R. Beberapa ciri seni gitar moden // Gitar klasik: persembahan dan pengajaran moden: abstrak. II Pelatih. saintifik-praktikal. conf. 12-13 Apr. 2007 / Tamb. negeri muzik-ped. dalam-t im. S.V. Rachmaninov. - Tambov, 2007. - S. 3-6.
9. Evolusi gitar berdasarkan analisis sekolah tradisional dan moden permainan gitar
10. Ensiklopedia pemain gitar. Keharmonian Blues. Minsk, 1998.
11. Yablokov M.S. Gitar klasik di Rusia dan USSR. Tyumen - Yekaterinburg, 1992 Kandungan jilid pertama
12. Yablokov M.S. "Gitar klasik di Rusia dan USSR"

Buaiannya ialah negara-negara Timur Dekat dan Timur Tengah, di mana ia muncul beberapa milenium yang lalu.
Tetapi penampilannya dalam bentuk tradisionalnya telah didahului oleh pembangunan yang panjang. Menurut beberapa penyelidik, busur pemburu primitif boleh digunakan bukan sahaja sebagai senjata, tetapi juga sebagai alat muzik. Jadi, jika beberapa tali busur ditarik pada busur, maka disebabkan oleh panjang, daya ketegangan dan ketebalan yang berbeza, nada bunyi yang dikeluarkan berubah. Mungkin, ini adalah penampilan alat muzik, yang menjadi prototaip cithara Assyro-Babylonia dan Mesir. Sebaliknya, cithara purba menjadi "nenek moyang" gitar.

Pada piramid Mesir purba dan monumen seni bina Assyria, terdapat hieroglif yang menggambarkan alat nablu, samar-samar menyerupai gitar dalam bentuk. Menariknya, orang Mesir kuno menggunakan hieroglif yang sama untuk menetapkan konsep "baik", "baik", "cantik".
Di Mesopotamia dan Mesir, beberapa jenis cithara (termasuk nabla Mesir dan el-aud Arab) menerima perkembangan yang lebih membina dan tersebar di seluruh pantai Mediterranean seawal milenium ke-3 - ke-2 SM. era baru. Sehingga kini, di negara-negara Asia Minor, terdapat alat muzik "kinira", yang berkaitan dengan gitar.

Di Greece purba, yang paling popular alat muzik were kitara (kitarra), lyre, harp, pandora.
Pada abad pertama era baru, gitar Latin, yang berkaitan dengan bahasa Yunani, tersebar luas di negara-negara Mediterranean di Eropah. Saudara terdekat gitar, kecapi, juga dikenali. Nama "lute" berasal dari perkataan Arab "el-aud", yang bermaksud "kayu" atau "euphonious".
Terdapat andaian bahawa kecapi dan gitar dibawa ke Eropah oleh orang Arab - melalui Sepanyol ditakluki oleh mereka dan pada abad ke-8. Kemungkinan besar, bagaimanapun, instrumen ini merebak ke Eropah melalui Greece Purba - terima kasih kepada hubungan budayanya dengan negara-negara Timur Dekat dan Timur Tengah.

Sehingga abad ke-16, gitar adalah tiga dan empat senar. Mereka memainkannya dengan jari dan plektrum (rekod tulang dan kura-kura).
Pada abad ke-16, gitar lima tali muncul di Sepanyol, dan sejak itu ia dikenali sebagai gitar Sepanyol. Rentetan itu digandakan, kadangkala rentetan pertama ("penyanyi") adalah tunggal. Daripada semua negara Eropah, gitar paling banyak digunakan di Sepanyol, di mana ia menjadi instrumen rakyat yang benar-benar.
Dengan kemunculan rentetan kelima dan peningkatan dalam keupayaan artistik dan persembahannya, gitar mula berjaya bersaing dengan kecapi dan vihuela, pendahulunya, dan secara beransur-ansur menggantikannya daripada penggunaan muzik.
Beberapa virtuoso dan komposer berbakat muncul yang telah meningkatkan seni bermain gitar ke tahap yang sangat tinggi. tahap tinggi. Antaranya ialah F. Corbetta (1620-1681), gitaris istana raja-raja Sepanyol, Perancis dan England, muridnya R. de Vize (1650-1725), gitaris istana Raja Louis XIV Perancis, F. Campion (1686). -1748), G. Suns (1640-1710) dan ramai lagi.
Koleksi tablatur pertama dan alat bantu mengajar untuk gitar mula muncul: "Guitar Book" oleh R. de Vize (1682), "New Discoveries of the Guitar" oleh F. Campion (1705) dan banyak lagi.

Mereka mencetak lama tarian Sepanyol- pascal, chaconnes, sarabandes, folio dan kepingan lain.
Pada separuh kedua abad ke-18, gitar enam tali muncul (menurut ahli sejarah, sekali lagi di Sepanyol). Dengan kemunculan rentetan keenam dan penggantian rentetan berganda dengan rentetan tunggal, perarakan kemenangan gitar merentasi negara dan benua bermula; masih wujud dalam bentuk ini. Kemungkinan muzik gitar enam tali ternyata sangat hebat sehingga ia menjadi salah satu instrumen yang paling disukai.
"Zaman keemasan" gitar bermula. Ia dikaitkan dengan nama komposer Sepanyol dan virtuosos gitar F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) dan Itali F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853).

Penghibur

Sepanyol

SOR José Fernando (Fernando Sor 1778 - 1839)

Gitaris Sepanyol, komposer dan guru. Pada zaman kanak-kanak awal, dia menunjukkan kebolehan yang luar biasa dan menerima pendidikan muzik di salah satu biara Katolik, meningkatkan permainan gitarnya sendiri. Permainan gitar Sora mencipta sensasi sebenar di London, di mana dia pergi selepas tinggal sebentar di Paris. Pada musim luruh tahun 1823, Sor bersama isterinya, seorang ballerina Perancis, pergi ke Rusia, di mana persembahannya mencapai kejayaan besar. Di Moscow, di Teater Bolshoi, balet Sora "Sandrillon" dipentaskan. Pada tahun 1826 Sor kembali ke Paris dan tinggal di sana sehingga akhir zamannya. Digelar "The Beethoven of the Guitar", muziknya yang mendalam dan beremosi serta kelembutan, kelembutan baldu permainannya menjadikannya salah seorang pemain gitar terhebat pada zamannya.
Sor dilahirkan di Barcelona. Pada usia lima tahun, dia sudah mencipta lagu, mengiringi dirinya dengan gitar lama ayahnya. Dia menerima pendidikan muziknya di biara Katolik Montserrat dekat Barcelona dan pada usia 13 tahun dia sudah mengarang muzik yang kompleks. Pernah gurunya diperintahkan untuk mengarang misa khidmat untuk pemain solo, koir dan organ, tetapi kerana sakit dia tidak dapat menyediakannya pada tarikh akhir. Sor membantu gurunya dengan menyiapkan pesanan dengan cemerlang dalam satu malam.
Selepas menamatkan pendidikan muziknya dan mencari pelanggan, Sor menetap di Madrid dan menumpukan dirinya sepenuhnya untuk mengarang muzik dan meningkatkan kemahiran gitarnya. Pada tahun 1813 dia pergi ke Paris, di mana dia tidak lama lagi mendapat reputasi sebagai salah seorang virtuoso terbaik, menawan Berlioz, Cherubini dan pemuzik lain yang tinggal di ibu negara Perancis dengan permainannya. Pada tahun 1815, Soar pergi ke London, di mana dia membuat sensasi sebenar dengan bermain gitarnya. Pada tahun 1823, Sor sudah berada di Rusia, di mana dia juga diberi sambutan yang luar biasa. Semasa salah satu perjalanannya ke St. Petersburg, Sor telah dijemput ke mahkamah Empress Elizaveta Alekseevna, isteri Alexander I, yang menunjukkan kebaikan kepada pemain gitar. Kedekatan dengan mahkamah menjanjikan Sor prospek yang cemerlang, dan dia berhasrat untuk tinggal di Rusia selama-lamanya, tetapi terpaksa meninggalkannya selepas kematian permaisuri.
Selepas kembali ke Eropah Barat, Sor terus menikmati kejayaan yang belum pernah terjadi sebelumnya. Kewibawaannya di kalangan pemain gitar amat tinggi. Walau bagaimanapun, menjelang 1930-an, gitar bukan lagi alat yang bergaya, dan Sor, baik sebagai pemain gitar dan sebagai komposer, juga ketinggalan zaman. Pada bulan Jun 1839 Sor meninggal dunia, separuh dilupakan walaupun oleh rakan-rakan pemuziknya.
Muzik Sora telah menjadi sebahagian daripada sejarah, banyak gubahan gitarnya terus hidup di pentas konsert, dan "School for the Guitar" (1830) beliau dianggap oleh ramai sebagai gubahan paling cemerlang yang didedikasikan untuk teknik persembahan gitar.

Itali

Giuliani Mauro (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

Gitar virtuoso Itali yang cemerlang, komposer yang diiktiraf oleh pihak berkuasa seperti J. Haydn dan L. Beethoven. Dilahirkan berhampiran Naples. Sebagai seorang kanak-kanak, dia belajar bermain biola dan seruling, pada masa yang sama dia belajar gitar sendiri: pada usia dua puluh tahun dia telah mencapai keputusan yang cemerlang sehingga dia mendapat kemasyhuran di Itali sebagai pemain gitar terbaik. Sejak 1800, aktiviti konsertnya bermula, pada mulanya berlaku di Itali dan Perancis. Pada tahun 1807 dia datang ke Vienna dengan konsert, di mana pengkritik muzik sebulat suara mengiktirafnya sebagai pemain gitar terhebat di dunia.
Setelah menetap di Vienna, Giuliani mengikuti aktiviti konsert dan pengajaran. Antara rakannya ialah L. Beethoven dan J. Haydn, pemain biola L. Spohr dan J. Mayseder, pemain piano I. Hummel, I. Moscheles dan A. Diabelli.
Pada tahun 1816, Giuliani melawat Jerman dengan kejayaan yang besar. Pada tahun 1819 dia membuat persembahan di Rom dalam konsert dengan D. Rossini dan N. Paganini.
Persembahan cemerlang Giuliani dan persembahan konsertnya sendiri untuk gitar dan orkestra membuktikan hak yang sama gitar sebagai alat konsert dengan biola, cello dan piano. "Orkestra Kecil" - inilah cara Beethoven mencirikan bunyi gitar Giuliani.
Pada tahun 1821 Giuliani kembali ke Itali dan menetap di Rom. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, dia melawat Jerman, Poland, Rusia dan England, di mana-mana menyebabkan kegembiraan dan kagum dengan seninya.
M. Giuliani meninggal dunia pada tahun 1829 di Naples.

Carulli Ferdinand (Fernando 1770-1841)

Pemain gitar, guru dan komposer Itali. Pada mulanya, dia belajar cello. Selepas belajar bermain gitar sendiri, dia menjadi seorang pemain gitar profesional. Nada yang indah, kesucian dan kefasihan bermain gitar memastikan kejayaannya di Naples, dan kemudian di Paris, di mana dia menjadi kegemaran salun. Carulli menetap di Paris pada tahun 1818. Setelah mendapat kemasyhuran sebagai pemain gitar terbaik pada zamannya, dia berkongsi kejuaraan dengan Matteo Carcassi dan memegangnya sehingga kepulangan Fernando Sor.
Seorang guru terkemuka dan penghibur yang cemerlang, Carulli menerbitkan kira-kira tiga ratus gubahannya: keping untuk gitar solo, konserto untuk gitar dan orkestra, karya ruang, yang dibezakan oleh kemahiran instrumental dan teknikal yang tinggi. Dua daripada karya teorinya telah mendapat pengiktirafan meluas; ini adalah "Sekolah bermain lira atau gitar" (1810) dan kajian tentang iringan "Harmoni seperti yang digunakan untuk gitar" (1825). "Sekolah" Carulli mendapat populariti tertentu: ia melalui lima edisi sekaligus dan diterbitkan berkali-kali selepas kematian pengarang.

Carcassi Matteo (1792 -1853)

Salah seorang pemain gitar Itali yang paling terkenal pada zamannya, komposer dan guru, pengikut F. Carulli. Dalam sejarah gitar, beliau dikenali sebagai pengarang "The School of Playing the Guitar" (1836) dan karya pedagogi. Pengajiannya untuk gitar telah bertahan hingga ke hari ini, membentuk bahan latihan untuk mana-mana pemain gitar moden dan dianggap klasik.
Matteo Carcassi belajar gitar sejak kecil di negara asalnya Itali. Dia belum berusia dua puluh tahun apabila dia sudah mendapat reputasi di Itali sebagai virtuoso gitar. Pada tahun 1815, beliau mengajar gitar dan piano di Paris. Semasa lawatan konsert ke Jerman pada tahun 1819, Carcassi bertemu dengan pemain gitar Perancis Meissonier, yang pada tahun 1812 mengasaskan rumah penerbitannya di Paris. Kedua-dua pemain gitar itu menjadi kawan rapat dan Meissonier menerbitkan kebanyakan karya Carcassi.
Pada tahun 1822 di London, selepas hanya beberapa konsert, orang ramai mula bercakap tentang Carcassy sebagai pemain gitar dan guru yang luar biasa. Dia tidak lama kemudian kembali ke Paris, tetapi melawat London setiap tahun, di mana bakat gitarnya sangat dihargai, dan di mana dia sentiasa diharapkan dan dihormati.
Apabila Carcassi mula-mula muncul di Paris, bakatnya untuk beberapa waktu berada dalam bayang-bayang pemain gitar virtuoso Itali yang lain, Ferdinando Carulli, tetapi selepas beberapa tahun Carcassi mencapai pengiktirafan dan kejayaan besar. Dia mengadakan konsert setiap tahun di kebanyakan bandar utama Eropah. Pada tahun 1836, Carcassi kembali sebentar ke Itali, tetapi Paris kekal sebagai kediaman tetapnya sehingga kematiannya pada tahun 1853.

Perancis

Napoleon Pantai (Napolón Coste / Claude Antoine Jean George Napolón Coste 1805 - 1883

Pemain gitar dan komposer Perancis. Dilahirkan di Franche-Comte. Kerana agak muda, dia sudah memulakan aktiviti seorang penghibur dan guru. Pada tahun 1830 dia berpindah ke Paris, di mana dia berkawan dengan F. Sor, D. Aguado, F. Carulli dan M. Carcassi, yang tinggal di sana pada masa yang sama dengannya, yang mempunyai pengaruh yang besar terhadap kerjanya. Pada tahun 1856, pada pertandingan antarabangsa untuk komposisi terbaik dan instrumen terbaik, yang dianjurkan di Brussels oleh pemain gitar Rusia N. Makarov, dia menerima hadiah kedua untuk komposisinya "The Great Serenade".
Cost ialah salah satu penghibur Perancis terbaik abad ke-19 dan sering dibandingkan dengan Sor. Akibat kecederaan tangan akibat kemalangan, dia terpaksa mengganggu aktiviti konsertnya. Kerja Costa sendiri agak kecil, tetapi membuktikan bakat mengarang yang luar biasa. Dia menulis kira-kira 70 karya untuk gitar: waltz, variasi, "Concert Rondo", "Great Serenade", kitaran "Autumn Leaves", "25 Etudes" (op. 38), keping untuk oboe dan gitar, dsb. kepingan kecil sentiasa merasakan harmoni harmoni dan polifoni orkestra.
Nama Costa juga dikaitkan dengan edisi baru, disemak dan diperbesarkan bagi Sor's School for the Guitar, di mana Kos menyertakan transkripsi suite oleh Robert de Wiese. Meninggal dunia di Paris.

Gitar di Rusia

Sejarah gitar di Rusia adalah menarik dan sangat asli.
Dalam perkembangannya, ia melalui lebih kurang peringkat yang sama seperti di negara-negara Eropah Barat.
Ahli sejarah Rusia N. Karamzin menulis bahawa pada abad ke-6, orang Slavia suka bermain cithara dan kecapi, tidak berpisah dengan mereka walaupun dalam kempen ketenteraan yang keras. Dimainkan di Rusia dan gitar empat tali.
Pada tahun 1769, Academician Shtelin menulis tentang penampilan dalam pemerintahan Empress Elizabeth dari gitar lima tali Itali, yang mana majalah muzik khas diterbitkan.

Pada akhir abad ke-18, gitar enam tali muncul di Rusia. Tidak lama kemudian dia menjadi popular dalam semua lapisan masyarakat. Sekolah pertama memainkan alat ini dan pelbagai edisi muzik dicetak. Sekolah tertua yang diterbitkan di Rusia ialah "Sekolah Gitar yang Diperbaiki untuk Enam Tali, atau Panduan Bermain Gitar Sendiri" oleh Ignatius von Geld. Dia keluar ke awal XIX abad dalam bahasa Rusia dan Jerman.
Dalam tempoh yang sama, "Etudes" dan "Four Sonatas" untuk piano dan gitar enam tali oleh virtuoso terkenal, komposer dan guru P. Galyani, "Majalah baharu untuk gitar enam tali" oleh A. Berezovsky, "Konsert untuk enam -tali gitar diiringi orkestra" diterbitkan dalam komposer St. Petersburg Ashanin (1815).
Pada tahun 1821 - 1823 "Akademi Muzik" dibuka di Moscow dan Nizhny Novgorod, di mana kanak-kanak lelaki dan perempuan belajar bermain gitar. Virtuosos gitar Rusia yang luar biasa muncul - M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.

Vysotsky Mikhail Timofeevich (kira-kira 1791-1837)

Pemain gitar virtuoso Rusia dan komposer gitar. Dia belajar gitar dengan S. N. Aksenov. Dia menggemari klasik, terutamanya Bach, yang fuguesnya dia cuba transkripsi untuk gitar. Ini dicerminkan dalam gaya gubahan gitarnya yang serius dan mulia: kebanyakannya fantasi dan variasi pada bahasa Rusia tema rakyat(kitaran 4-5 variasi, dibingkai oleh "screensaver" dan "endings"), terdapat juga susunan untuk potongan gitar oleh V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (dengan siapa ahli muzik itu rapat), dan lain-lain. Daripada jumlah ini, 83 telah dicetak; beliau "Sekolah Praktikal dan Teori untuk Gitar" (1836) juga diterbitkan.

Makarov Nikolai Petrovich (1810-1890)

Pemain gitar virtuoso Rusia, propagandis aktif seni gitar.
Dilahirkan di bandar Chukhloma, wilayah Kostroma. Dia menghabiskan masa kanak-kanaknya di ladang bapa dan ibu saudaranya M.P. Volkonskaya. Berkhidmat sebagai pegawai tentera.
Bermain biola sejak kecil. Pada usia dua puluh lapan, dia mula berminat dengan gitar dan, berlatih sepuluh hingga dua belas jam sehari, tidak lama kemudian mencapai kejayaan yang ketara.
Konsert pertama Makarov berlangsung pada tahun 1841 di Tula, di Dewan Perhimpunan Bangsawan, di mana dia memainkan bahagian pertama Konserto Ke-3 Giuliani.
Pada tahun 1852, Makarov mengembara ke luar negara, di mana dia bertemu dengan pemain gitar terbesar di Eropah: Tsani de Ferranti, Carcassi, Kost, Mertz, master gitar Scherzer. Pada tahun 1856, di Brussels, beliau menganjurkan Pertandingan Antarabangsa Pertama untuk komposisi terbaik untuk gitar dan instrumen terbaik, di mana beliau tampil sebagai pemain solo dengan kejayaan yang besar. Hadiah pertama untuk gubahan terbaik diberikan kepada J.K. Mertz, hadiah ke-2 kepada N. Kost, hadiah pertama untuk instrumen terbaik kepada sarjana Austria I. Scherzer, hadiah ke-2 kepada tuan Rusia I. Arhuzen. N. Makarov meninggal dunia di kampung Funtikovo-Rozhdestvenskoye, Wilayah Tula.

Sokolovsky Mark Danilovich (1818-1883)

Dilahirkan di Ukraine berhampiran Zhytomyr. Saya belajar bermain gitar sendiri, mengikuti Sekolah Giuliani, Leniani dan Mertz.
Pada tahun 1841 beliau mengadakan konsert solo pertamanya di Zhitomir, di mana beliau mengadakan Konsert di E Minor oleh F. Carulli. Pada tahun 1846 beliau mengadakan konsert solo di dewan Perhimpunan Noble. Konsert itu berjaya dengan jayanya dan dihadiri lebih seribu orang.
Pada tahun 1858 Sokolovsky pergi ke luar negara. Dengan kejayaan besar ialah konsertnya di Vienna. Pada tahun 1863-1868 beliau membuat lawatan kejayaan ke bandar-bandar utama Eropah: Paris, London, Berlin, Brussels, Dresden, Milan, Krakow, Warsaw. Mereka memanggilnya "Artis Hebat" di Jerman, "Paganini of the Guitar" - di England, "Kosciuszko of Guitarists" - di Poland.
Pada 25 Januari 1869, Sokolovsky mengadakan konsert di dewan yang sesak di Teater Bolshoi. Konsert perpisahannya (kerana sakit) berlangsung pada tahun 1877 di St. Petersburg, di dewan Chapel Nyanyian Mahkamah.
Sokolovsky menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di Vilna (Vilnius), terlibat dalam aktiviti pedagogi. Tamparan hebat baginya ialah keengganan N. Rubinstein untuk membuka kelas gitar di Konservatori Moscow.
Mark Sokolovsky meninggal dunia pada tahun 1883 di Vilna dan dikebumikan di tanah perkuburan Rasu di Vilna; tidak jauh dari situ, artis dan komposer terkenal Lithuania Mikaelius Konstintinis Čiurlionis kemudiannya dikebumikan.

Lebedev Vasily Petrovich (1867-1907)

Dilahirkan di wilayah Samara. Seorang pelajar gitaris terkenal Rusia I. Dekker-Schenk.
Berjaya mengadakan konsert di St. Petersburg dan bandar-bandar lain di Rusia. Pada tahun 1900 beliau membuat persembahan dengan orkestra alat muzik rakyat Rusia VV Andreev di Paris, di Pameran Dunia. Akhbar mencatatkan kejayaan besar artis itu. Lebedev adalah pemain pertama bahagian gitar dalam Kuartet N. Paganini untuk Guitar, Violin, Viola dan Cello. Beliau mengajar di St. Petersburg di Muzium Pedagogi dan di bahagian daerah tentera. Meninggal dunia di Petersburg.

merosot

Pada separuh kedua abad ke-19, seni gitar merosot. Opera, muzik simfoni dan instrumental, yang mencapai tahap berbunga penuh, meletakkan gitar ke latar belakang dan menangguhkan perkembangannya selama beberapa dekad. Tetapi pada tahap yang lebih besar menyumbang kepada fesyen dan cita rasa borjuasi kecil ini yang tersebar di semua lapisan masyarakat. Menurut ungkapan kiasan Segovia, pemain gitar terbesar abad ke-20, "gitar itu digantung di dinding pendandan rambut", tujuan utamanya adalah iringan primitif untuk lagu dan percintaan, para pemuzik tidak lagi menganggap gitar sebagai instrumen yang serius. . Banyak tradisi lama telah menjadi sia-sia, nota dan manuskrip yang jarang terhitung telah musnah; penghibur dan komposer yang berbakat menjadi semakin kurang - amatur dan kejahilan menyapu seni gitar.
Penurunan itu merebak ke semua negara Eropah, tetapi kurang daripada yang lain, ia menyentuh Sepanyol, di mana kebangkitan baru gitar bermula.
Pemuzik yang mengembalikan nama baik kepada gitar dan menaikkan seninya kepada ketinggian yang baru, sehingga kini tidak kelihatan ialah Francisco Eschea Tarrega, seorang pemain gitar virtuoso Sepanyol yang cemerlang, komposer, pengasas sekolah moden bermain gitar.

kelahiran semula

Tarrega-Eshea Francisco (1852 - 1909)

Gitar dan komposer virtuoso Sepanyol yang cemerlang, pengasas sekolah bermain gitar Sepanyol. Dilahirkan pada 21 November 1852, meninggal dunia pada 5 Disember 1909. Dia telah bermain gitar sejak kecil. Kebolehan muzik Tarrega menarik perhatian, dan dengan sokongan keluarga kaya, dia berjaya pergi ke Madrid dan pada Oktober 1874 memasuki konservatori, dari mana dia lulus dengan cemerlang dalam dua kepakaran - piano dan komposisi. Walaupun kebolehan pianisnya yang baik, Tarrega lebih suka bermain gitar, dalam permainan yang dia bertambah baik sehingga dia memutuskan untuk mengadakan konsertnya sendiri di teater Alhambra di Madrid. Kejayaan besar yang mengiringi persembahan ini memutuskan isu sepenuhnya - Tarrega menjadi pemain gitar. Lawatan konsert ke Perancis, Itali, Austria, Belanda dan negara lain mengesahkan kebolehan pemain gitar yang luar biasa. Akhbar membandingkan Tarrega dengan penghibur kontemporari terbesar - pemain biola Pablo de Sarasate dan pemain piano Anton Rubinstein.

Barrios (Mangori) Augustine (Agustin Barrios Mangore 05/23/1885-08/07/1944)

Seorang pemain gitar virtuoso Paraguay yang cemerlang, yang kepentingannya dihargai sepenuhnya hampir 50 tahun selepas kematiannya. Dilahirkan dalam keluarga pemuzik, di mana, sebagai tambahan kepada Augustine, terdapat tujuh lagi anak. Dia mula bermain gitar awal-awal lagi. Guru pertama ialah Gustavo Escalda, yang memperkenalkan pemain gitar muda kepada dunia muzik oleh Sor, Tarrega, Aguado dan komposer lain yang karya-karyanya menjadi asas kepada himpunan gitar tradisional. Pada usia 13 tahun, mencatatkan bakat luar biasa kanak-kanak itu, yang telah menunjukkan dirinya dalam banyak bidang (dia cemerlang dalam melukis, mempunyai kebolehan matematik yang luar biasa dan bakat sastera), dia dihantar untuk belajar di Kolej Kebangsaan di Asuncion.
Pada tahun 1910, Barrios, yang pada masa itu telah dikenali sebagai pemain gitar virtuoso, meninggalkan Paraguay dan pergi ke Argentina. Untuk 34 tahun akan datang dia melawat benua Amerika Selatan, mengadakan konsert di bandar Argentina, Uruguay, Brazil, Venezuela, Costa Rica dan El Salvador. Dia juga mengembara ke Chile, Mexico, Guatemala, Honduras, Panama, Colombia, Cuba dan Hawaii. Antara 1934 dan 1936 perjalanannya ke Eropah berlaku - dia bermain di Sepanyol, Jerman dan Belgium.
Pada tahun 1932, Barrios sendiri mula memanggil dirinya "Nitsuga Mangori - Gitar Paganini" (Nitsuga ialah bacaan terbalik Augustine, dan Mangori ialah nama pemimpin legenda kaum India Guarani). Sekitar pertengahan 30-an, Barrios mula mengalami masalah kesihatan - hati yang sakit tidak lagi membenarkannya membuat perjalanan konsert yang panjang dan berat. Dia menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di San Salvador, ibu kota negara kecil Amerika Tengah El Salvador, mengajar dan mengarang muzik, hanya sekali-sekala membuat konsert gitar solo.
Mangori bukan sahaja seorang penghibur yang cemerlang, tetapi juga seorang komposer, yang memiliki lebih daripada 300 karya untuk gitar, kebanyakannya dianggap hari ini antara karya terbaik pernah menulis untuk gitar solo.

Vila-Lobos Heitor (Heitor Villa-Lobos 1887 - 1959)

Komposer Brazil yang cemerlang, pakar cerita rakyat muzikal, konduktor, guru. Dilahirkan pada 5 Mac 1887, meninggal dunia pada 17 November 1959. Mengambil pengajaran daripada F. Braga. Pada 1905-1912 dia mengembara ke seluruh negara, mempelajari kehidupan rakyat, cerita rakyat muzik (merekodkan lebih daripada 1000 melodi rakyat). Dari 1915 dia membuat persembahan dengan konsert pengarang.
Pada tahun 1923-30. tinggal terutamanya di Paris, berkomunikasi dengan komposer Perancis. Pada tahun 1930-an, beliau melakukan kerja yang hebat untuk menganjurkan sistem pendidikan muzik yang bersatu di Brazil, mengasaskan beberapa sekolah muzik dan koir. Vila-Lobos ialah pengarang alat bantu mengajar khas ("Panduan Praktikal", "Nyanyian Choral", "Solfeggio", dll.), karya teori "Pendidikan Muzik". Dia juga bertindak sebagai konduktor, mempromosikan muzik Brazil di tanah airnya dan di negara lain. Dia menerima pendidikan muziknya di Paris, di mana dia bertemu A. Segovia dan kepada siapa dia kemudian menumpukan semua gubahannya untuk gitar. Gubahan Vila-Lobos untuk gitar mempunyai ketara watak kebangsaan, irama dan harmoni moden di dalamnya berkait rapat dengan lagu dan tarian asal India dan kulit hitam Brazil. Ketua Sekolah Komposer Kebangsaan. Pemula penciptaan Akademi Muzik Brazil (1945, presidennya). Membangunkan sistem pendidikan muzik untuk kanak-kanak. Dia menulis 9 opera, 15 balet, 20 simfoni, 18 puisi simfoni, 9 konserto, 17 kuartet tali; 14 "Shoros" (1920-29), "Brazilian Bahian" (1944) untuk ensembel instrumental, bilangan koir yang tidak terhitung, lagu, muzik untuk kanak-kanak, susunan sampel cerita rakyat, dsb. - secara keseluruhan lebih seribu daripada yang paling pelbagai gubahan.

Segovia Andres (1893-1987)

Pemain gitar dan guru Sepanyol yang cemerlang. Dia dilahirkan di Andalusia, di bandar Linares, pada 21 Februari 1893, dan beberapa minggu kemudian keluarga itu berpindah ke Jaen. Seni indah improvisasi pemain gitar rakyat Andalusia dan budaya asal tanah purba ini sangat mempengaruhi sikapnya.
Pada tahun 1910, konsert awam pertama Andres Segovia, yang dianjurkan oleh rakan-rakannya, berlangsung di "Pusat Artistik" Granada.
Pada tahun 1915, Segovia bertemu dengan pemain gitar Miguel Llobet, terima kasih kepada siapa dia dapat mengadakan konsert di Barcelona pada Januari 1916. Walau bagaimanapun, mereka tidak berusaha untuk membiarkan gitar masuk ke dalam dewan besar. Dia bukan instrumen yang popular, dan semua orang merasakan bahawa kuasa bunyinya tidak mencukupi, dan dia tidak akan didengari di dalam bilik besar.
Titik perubahan dalam nasib gitar adalah konsert di Palau Chamber Music di Barcelona, ​​​​di mana Segovia akhirnya mendapat kebenaran untuk membuat persembahan. Keindahan bunyi gitar akustik benar-benar memukau para pendengar.
Suasana Renacimiento, gerakan untuk menghidupkan semula tradisi rakyat dalam muzik dan budaya Sepanyol, menyumbang kepada kejayaan selanjutnya Segovia. Dalam tempoh enam tahun akan datang, pemain gitar itu memenangi pengiktirafan untuk instrumennya bukan sahaja di dewan konsert Madrid dan Barcelona, ​​​​tetapi juga di bandar-bandar lain di Sepanyol. Untuk ini mesti ditambah kejayaan dua lawatan ke Amerika Selatan pada tahun 1919 dan 1921.
20-an abad ke-20 menjadi masa kelahiran era baru dalam seni gitar dan permulaan pengiktirafan dunia Segovia. Setiap persembahan Segovia dianggap sebagai satu keajaiban, sebagai penemuan sesuatu yang baru. Dia berusaha untuk mengatasi stereotaip dan menubuhkan gitar sebagai instrumen solo.
Tiga kali, pada tahun 1926, 1927, 1935-1936, dia datang ke USSR dan dengan kejayaan berterusan mengadakan konsert di Moscow, Leningrad, Kyiv dan Odessa. Segovia tampil bukan sahaja dengan konsert, tetapi juga bertemu dengan pemain gitar tempatan, mendengar permainan mereka, mengadakan perbualan yang teratur dan pelajaran terbuka. Ini juga menjejaskan perkembangan seni gitar di Kesatuan Soviet: selepas lawatan itu, ramai pemuzik profesional mula melihat gitar sebagai instrumen yang layak untuk kajian serius. Hasilnya ialah pembukaan kelas gitar di sekolah muzik (kemudian sekolah teknik), serta di universiti muzik individu. P. S. Agafoshin adalah penyokong setia Segovia, yang merupakan yang pertama di USSR mencipta "Sekolah Memainkan Gitar Enam Tali", berdasarkan garis panduan metodologi pemain gitar yang cemerlang. Oleh itu, Segovia bukan sahaja seorang artis, tetapi juga seorang penganjur aktif instrumennya.

Gitar di Rusia 2

Agafoshin Petr (1874-1950)

Seorang pemain gitar Rusia yang hebat, salah seorang guru pertama gitar enam tali. P.S. Agafoshin dilahirkan di kampung Pirogovo, wilayah Ryazan, dalam keluarga petani. Keghairahan terhadap gitar yang diwarisi daripada bapanya (asalnya bermain gitar tujuh tali). Setelah berpindah ke Moscow, Petr Agafoshin meningkatkan permainannya pada instrumen kegemarannya sendiri, hanya sekali-sekala menggunakan nasihat guru, di antaranya ialah V. Rusanov, editor majalah Moscow "Guitarist. Peranan penting dalam perkembangan seni Agafoshin dimainkan oleh persahabatannya dengan artis V. I. Surikov dan D. E. Marten, peminat gitar yang ghairah. Mengambil bahagian sebagai penghibur dalam banyak konsert. Diiringi penyanyi cemerlang F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Pengiktirafan seni persembahan Agafoshin adalah jemputan untuk mengambil bahagian dalam opera Massenet "Don Quixote" di Teater Bolshoi pada tahun 1916, di mana beliau menemani F.I. Chaliapin.
Pertemuan pada tahun 1926 dengan Segovia memberi inspirasi kepada Agafoshin. Dia tidak terlepas satu konsert artis Sepanyol, secara peribadi bertemu dengannya. "Selepas pemergian Segovia," tulis Agafoshin, "saya segera menyusun semula, membuat penyesuaian yang diperlukan pada pengeluaran saya, dengan kaedah permainan. Menjelang ketibaannya yang seterusnya pada musim bunga tahun 1927, keadaan saya lebih seimbang, kerana dengan ini masa saya sendiri sudah agak Oleh itu, pemerhatian lanjut saya terhadap permainannya adalah lebih produktif, saya boleh memfokuskan mereka pada detik-detik individu dan butiran persembahannya, terutamanya bahagian-bahagian yang sedang dalam proses kajian saya.
P.S. Agafoshin bekerja sebagai penghibur orkestra di Teater Maly Negeri selama lebih daripada 40 tahun. Pada tahun 1930-1950 beliau mengajar kursus gitar di Kolej Muzikal. Revolusi Oktober dan Konservatori Negeri Moscow. Ramai pemain gitar Soviet terkenal adalah pelajarnya (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov dan lain-lain).

Alexander Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)

Gitaris, komposer, konduktor, guru, pengarang "School of Playing the Six-String Guitar" Soviet Rusia yang cemerlang, salah satu daripada beberapa pemain gitar Soviet yang dianugerahkan gelaran Artis Terhormat RSFSR (1959). Dilahirkan pada 26 Julai 1912 di Moscow. Belajar di Kolej Muzik dinamakan sempena revolusi Oktober dengan Petr Spiridonovich Agafoshin (gitar enam tali), kemudian di Konservatori Moscow (kursus latihan). Dia memainkan peranan besar dalam pembangunan gitar enam tali di Rusia.
Dia tampil sebagai pemain solo dan dalam ensemble dengan penyanyi (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky). Sejak 1932 beliau bekerja di All-Union Radio. Pada tahun 1939 beliau menerima hadiah ke-2 di Pertandingan All-Union untuk Penghibur Alatan Rakyat. Pada tahun 1939-45. konduktor Ensemble Lagu dan Tarian NKVD USSR. Pada tahun 1947-52 beliau adalah konduktor Koir Rakyat Rusia dan Orkestra Instrumen Rakyat Radio All-Union.
Pengarang drama dan sekolah untuk gitar enam tali. Gubahan gitarnya (termasuk dua konsert untuk gitar dan orkestra) sangat popular di kalangan pemain gitar.
Aktiviti pedagogi A. M. Ivanov-Kramskoy diteruskan di Sekolah Muzik Akademik di Konservatori Moscow, di mana dari 1960 hingga 1973 dia mengetuai kelas gitar, setelah melatih banyak pemuzik berbakat. Kemudian dia mengajar di Institut Kebudayaan.
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy adalah seorang tokoh muzik dan masyarakat terkemuka yang menumpukan seluruh tenaganya untuk mempromosikan seni gitar. Selepas untuk tahun yang panjang terlupa, terima kasih kepada penghibur dan guru yang cemerlang, gitar itu mendapat semula status instrumen konsert profesional dan mula diajar di institusi muzik menengah dan tinggi di negara ini. Meninggal dunia A.M. Ivanov-Kramskoy di Minsk semasa lawatan. Dia dikebumikan di Moscow di tanah perkuburan Vvedensky.

Komoliatov Nikolai (b. 1945)

Salah seorang pemain gitar Rusia kontemporari terbaik, cikgu. Dilahirkan pada tahun 1945 di bandar Saransk, pada tahun 1962-70. belajar di sekolah, dan kemudian di Institut. Gnesins dalam kelas gitaris terkenal Rusia A. M. Ivanov-Kramskoy. Lulus dari Konservatori Negeri Ural. M. P. Mussorgsky. Sejak pembukaan kelas gitar di RAM. Gnesinykh bekerja sebagai seorang guru, setelah menyediakan ramai pemenang pelbagai pertandingan selama ini. Pada masa ini dia adalah seorang profesor kelas gitar Akademi Muzik Rusia. Gnesins.
Pada tahun 1996 beliau menjadi pemenang pertandingan antarabangsa di Festival Seni Amerika Latin. Dia adalah penghibur pertama banyak karya oleh komposer kontemporari. Firma "Melody" mengeluarkan dua cakera solo penghibur. Cakera pertama terdiri daripada etudes dan preludes oleh E. Vila-Lobos, dan yang kedua termasuk karya oleh P. Panin (Dua etudes, Two preludes, Dance of the Shaman and Humoresque) dan I. Rekhin's suite "In Memory of E. Vila -Lobos".
Dalam ulasan konsert N. Komoliatov, akhbar mencatatkan kekayaan timbre instrumen dan teknik virtuosonya, keanggunan dan kehalusan rasa artistik pemuzik itu.
Untuk pencapaian cemerlang dalam bidang seni gitar, N. Komoliatov telah dianugerahkan gelaran Artis Terhormat Rusia. Selama lebih daripada 25 tahun dia telah menjadi pemain solo Filharmonik Negeri Moscow.

YerzunovV Viktor (b. 1945)

pemain gitar, komposer, guru muzik. Dilahirkan pada tahun 1945 di Saransk. Ayah meninggal di hadapan. Kebolehan muzik muncul awal, tetapi tidak ada peluang untuk belajar.
Dia mula belajar bermain hanya pada usia 17 tahun, di halaman rumah. Kami berpuas hati dengan tiga kord utama... Titik perubahan adalah perkenalan dengan Nikolai Komoliatov, satu-satunya orang di Saransk yang pergi belajar dengan Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy. Saya masih ingat mukadimah pertama Vila-Lobos, yang dimainkannya semasa pertemuan pertama kami.
Dan kemudian latihan diteruskan dengan bantuan manual arahan diri untuk bermain gitar dan "melalui surat-menyurat". Nikolai Komoliatov, yang kemudiannya berkhidmat sebagai kelasi dan bermain dalam ensemble Armada Pasifik, merakam pada perakam pita dalam persembahannya sendiri karya-karya itu, nota yang dimiliki Victor, dan menghantarnya melalui pos dari Vladivostok. Jadi, "dengan telinga", dia memahami nota, bermain pada model guru jauhnya. Pada tahun 1963, selepas menamatkan pengajian dari sekolah, dia bekerja sebagai tukang pemasangan di kilang Elektrovypryamitel. Dia berjaya bermain gitar walaupun semasa rehat makan tengah hari, dan selepas bekerja - sehingga gelap pada waktu malam. Saya menyediakan program untuk memasuki sekolah muzik sendiri. Saya tidak masuk ke sekolah di Konservatori Moscow, kerana menurut perintah Kementerian Kebudayaan pada tahun itu terdapat satu set pelajar dari Kazakhstan dan Uzbekistan. Tetapi pada tahun yang sama, kelas kecil gitar enam tali telah dibuka di Sekolah Gnessin di Jabatan Instrumen Rakyat. Dua daripada tiga puluh pemohon telah diterima. Salah seorang daripada mereka ialah Viktor Erzunov. Selepas 3.5 bulan belajar, Viktor telah digubal ke dalam barisan Tentera Soviet, di mana dia berkhidmat di unit tempur selama tiga tahun. Apabila kembali ke sekolah, dia belajar sepuluh jam sehari untuk mengejar ketinggalan. Pada masa yang sama, dia mula memperoleh pengalaman mengajar pertamanya. Dia sendiri memilih himpunan untuk pelajar untuk menanamkan dalam mereka rasa muzik yang baik.
Guru V. Yerzunov, Boris Khlopovsky pergi bermain di Mosconcert dan mengesyorkan pelajar terbaiknya untuk kerja mengajar. Jawatan kosong seorang guru gitar dipegang selama enam bulan untuk Viktor Alekseevich, semasa dia sedang menamatkan pengajiannya. Pada tahun 1971 beliau mula bekerja di Kolej Muzikal. Gnesins. Pada masa yang sama, atas jemputan Marina Davydovna Khidekel, dia membuka kelas gitar di Sekolah Seni Chernogolovskaya.
Potongan pertama kepunyaan tuan yang sudah matang, dipilih selepas bertahun-tahun ujian mengikut masa, diterbitkan pada tahun 1989 dalam "Koleksi Repertoir Pedagogi untuk Gitar" bersama-sama dengan karya-karya klasik. Koleksi pengarang sepenuhnya dari komposisi Viktor Yerzunov sendiri "Album Gitaris" untuk sekolah muzik kanak-kanak juga telah dikeluarkan.

Vinitsky Alexander
(b. 1950)

Pemain gitar Rusia, komposer, guru muzik. Pemenang pertandingan antarabangsa. Lulusan Akademi Muzik Rusia. Gnesins. Beliau mengajar di Kolej Muzikal Negeri. Gitar klasik Gnessins, mengadakan konsert solo, menulis muzik untuk gitar, mengadakan seminar dan kelas induk mengenai topik "Gitar klasik dalam jazz". Mengambil bahagian dalam perayaan antarabangsa muzik gitar dan jazz, berjaya membuat persembahan di luar negara dan di bandar-bandar besar di Rusia. Dalam program konsert Alexander Vinitsky, komposisi pengarang berbunyi, menggabungkan gaya yang berbeza, serta susunan muzik oleh Gershwin, Jobim, Bonff, Gilberto, Powell, Porter, Rodgers dan komposer lain. Dirakam 7 cakera. Dia menerbitkan karyanya di rumah penerbitan muzik utama dunia. Beliau telah berulang kali menjadi pengerusi dan ahli juri pertandingan gitar klasik antarabangsa di Perancis, Poland, dan Rusia.

Frauchi Alexander (b. 1954)

Salah seorang pemain gitar klasik Rusia terbaik. Dilahirkan di Rostov pada tahun 1954. Dia mula mengambil langkah pertama dalam muzik di bawah bimbingan bapanya, Camille Arturovich Frauchi, seorang pemain biola terkenal dan, seperti yang mereka katakan, seorang pemain gitar dan guru yang hebat. Dia belajar di Central Music School di Conservatory. Tchaikovsky di Moscow dalam kelas N. A. Ivanova-Kramskaya dan di Konservatori. Mussorgsky di Sverdlovsk bersama G. Mineev. Pada tahun 1979 beliau memenangi hadiah pertama di pertandingan muzik kebangsaan penghibur di Leningrad, dan pada tahun 1986 - hadiah pertama di Pertandingan Gitar Antarabangsa di Havana (Cuba). Beliau telah mengadakan konsert solo dan mengendalikan kelas induk di Jerman, Perancis, Belgium, Great Britain, Amerika Syarikat, Austria, Itali, Yugoslavia, Poland, Cuba, Hungary, Republik Czech, Bulgaria, Turki dan Greece. Alexander Frauchi telah berulang kali dijemput sebagai ahli juri di pertandingan antarabangsa pemain gitar. Satu rekod dikeluarkan oleh syarikat Melodiya, serta CD-ROM (1994) dengan rakaman karya Nikita Koshkin.
Artis Terhormat Rusia, guru muzik, profesor di Akademi Muzik Rusia (bekas Institut Muzik dan Pedagogi Gnessin) di Moscow.