Japans samtidskunst: anime og manga. Mono ikke klar over

Til tross for at Japan generelt regnes som et land med stigende teknologier over hele verden, har samtidskunst ikke hastverk med å bryte bånd med tradisjon. Utstillingen «Mono no aware. The Charm of Things" er en trist historie om menneskets tilstand i plastalderen.

Mono no aware er et estetisk prinsipp karakteristisk for japansk kultur, som ga navnet til utstillingen, betyr tingenes triste sjarm, en følelse av fascinasjon for den åpenbare og implisitte skjønnheten til ting og fenomener, med den obligatoriske nyansen av årsakløs tristhet forårsaket av følelsen av illusoriskhet og skrøpelighet av alt synlig. Det er integrert assosiert med den tradisjonelle japanske religionen Shinto. Shintoister tror at alle ting er utstyrt med en åndelig essens "kami". Den finnes i alle gjenstander: i tre og i stein. "Kami" er udødelige og inkludert i syklusen av liv og død, der alt i verden stadig fornyes.

Og selv om samtidskunst snakker et internasjonalt språk, er det bedre å se på japansk samtidskunst som presenteres på denne utstillingen fra deres tradisjoner.

Den innledende installasjonen av kunstneren Hiraki Sawa tok opp et helt rom og er et skyggeteater av skuespillere med husgeråd. Det er bygget på prinsippet om et barns jernbane. Et tog med lommelykt passerer gjennom landskapet skapt av kunstneren, en lysstråle skaper en makroverden fra tingenes mikroverden. Og nå er dette allerede Birch Grove, ikke vertikalt stående blyanter; og dette er kraftledninger på markene, ikke hengende klesklyper; og en omvendt plastkum med håndtak er en tunnel. Verket heter "Inside", det ble vist på Veneziabiennalen tidligere.

Maleriet av Shinishiro Kano kan kalles primitiv surrealisme. I Kanos stilleben er det en basketball, planeten Jorden og frukt i en tallerken.

Maleriet inneholder ikke selve maleriet, men kun rammen malt i olje. På ett lerret er en guddomsfigur i en rød kimono kombinert med et rødt håndkle som henger på en krok på en annen. Handler denne serien med malerier om verdens illusoriske natur? Eller kanskje at hver ting har en "kami".

I maleriet av Masaya Chiba, på bakgrunn av en vakker jungel, er det to skikkelser: antropomorfe skapninger, som forfaller fra hvit materie, som knapt ligner en mann og en kvinne. De er festet på pinner som orientalske teaterdukker. Materien er forgjengelig, den er bare et skall – som om forfatteren vil fortelle oss det. Hans andre maleri "Sleeping Man" handler om det samme. Det er ingen person på bildet, det er bare en håndfull ting på ottomanen: gamle fotografier og postkort, dyrkede kaktuser, hansker, favorittkassetter, en krukke med krydder og et sett med verktøy.

Kunstneren Teppei Kanueji bruker det samme prinsippet for å "skulpturere" (bygget objekt) mannen sin: han limer husholdningsavfall i form av en antropomorf skapning og dekker den med hvit maling.

En enorm mandola er foret med salt på gulvet; dette er et tradisjonelt japansk tempelritual, som tilsynelatende kommer fra buddhismen. Slikt smykkearbeid tar pusten fra deg, enten en labyrint eller et kart over et mystisk land, og hvor heldig det er at det ikke er vind i museet. Denne installasjonen er unik, kunstneren skapte den i flere dager innenfor museets vegger. Det er også en interessant japansk tradisjon: før en kamp drysser sumobrytere bakken med salt.

Hiroaki Moritas installasjon «Fra Evian til Volvik» avslører ganske interessant emne moderne for Japan - plastbehandling. Det står en flaske Evian-vann på glasshyllen, skyggen faller nøyaktig inn i halsen på en annen Volvik-flaske som står på gulvet. Det skapes en illusjon om at vann renner fra flaske til flaske. Absurd ved første øyekast. For japanerne symboliserer dette konseptuelle verket ikke bare syklusen til "kami", det vil si åndelig essens, men også bokstavelig prinsippet om resirkulering - resirkulering av resirkulerbare materialer. Som en øynasjon var Japan en av de første som lærte å samle inn, sortere og resirkulere plastavfall. Ikke bare nye flasker og joggesko blir reprodusert av det resulterende materialet, men til og med kunstige øyer skapes.

Installasjonen til Teppei Kuneuji ligner ved første øyekast en avfallssorteringsstasjon. Her er plastgjenstander lagt ut i forskjellige sekvenser: øser, former, ulike leker, kleshengere, fargede tannbørster, slanger, briller og andre. Strødd med hvitt pulver ser det ut til at de har ligget der for alltid. Når du går blant disse kjente gjenstandene, men ikke lenger brukes, og betrakter dem på avstand, får du en følelse som ligner meditasjon i en steinhage. I sine fotokollasjer bygger Teppei Kuneuji "mentalt" tårn fra byggeavfall. Men dette er ikke slike kinetiske lenker som den kunstneriske duoen Fischli og Weiss, men som en buddhistisk hellig struktur der stein holdes på stein uten festemateriale.

Kunstneren Suda Yoshihiro plasserte en dyktig laget rosa trerose med ett falt kronblad mellom glasset i museumsvinduet med utsikt over Moika-elven. Når jeg ser på denne svært subtile og poetiske intervensjonen i museet, vil jeg begynne å snakke i japansk poesi i haiku-sjangeren, som: "Vinter. Selv en rose i et museum blomstrer for alltid.»

Et annet like poetisk verk, «The Opposite of Volume» av Onishi Yasuaki, refererer til arbeidet til middelaldermaleren og zen-munken Toyo Sesshu. Denne japanske klassikeren er kjent for å bringe kinesisk monokromt blekkmaleri til landet med den stigende solen.

Yasuakis installasjon representerer en grå polyetylen volumetrisk silhuett av et fjell, med bekker (som regn) av frossen flytende plast som faller på den fra taket. Det er snakk om å lage et "tomt" fjell under et regnskyll, som med en monokrom malerier av Toyota Sessus, kunstneren måtte bygge et fjell med bokser, dekke det med tynn polyetylen og deretter dryppe varm plast fra taket.

Til slutt, installasjonen av Kengo Kito: kranser av fargede sportsbøyler i plast som henger ned, som om "japanske hilsener" brakt til Russland for å olympiske leker. Det er interessant at i utstillingen "The Charm of Things" brukes plast som et materiale som japanske kunstnere berører ikke bare miljømessige, men også åndelige spørsmål.

Japanerne oppdaget skjønnheten som var skjult i ting på 900- og 1100-tallet, under Heian-tiden (794 -1185) og utpekte den til og med med det spesielle konseptet "mono no aware" (japansk 物の哀れ (もののあわれ)), som betyr "trist sjarmen av ting." "The Charm of Things" er en av de tidligste japansk litteratur definisjoner av skjønnhet, er det assosiert med Shinto-troen på at hver ting inneholder sin egen guddom - kami - og sin egen unike sjarm. Avare er den indre essensen av ting, det som skaper glede og spenning.

- Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Håndlaget papirproduksjon. Middelalderjapanere verdsatte washi ikke bare for sine praktiske egenskaper, men også for sin skjønnhet. Den var kjent for sin tynnhet, nesten gjennomsiktighet, som imidlertid ikke fratok den styrken. Washi er laget av barken til kozo-treet (morbær) og noen andre trær.
Washi-papir har blitt bevart i århundrer, noe som fremgår av album og bind med gammel japansk kalligrafi, malerier, skjermer og graveringer som har overlevd gjennom århundrene til i dag.
Washi-papir er fibrøst; hvis du ser gjennom et mikroskop, vil du se hull som luft og sollys trenger gjennom. Denne kvaliteten brukes i produksjon av skjermer og tradisjonelle japanske lykter.
Washi-suvenirer er veldig populære blant europeere. Mange små og nyttige gjenstander er laget av dette papiret: lommebøker, konvolutter, vifter. De er ganske holdbare og likevel lette.

- Gohei.
Talisman fra papirstrimler. Gohei er en rituell stab av en shintoprest, som papirsikksakkstrimler er festet til. De samme papirstrimlene henges ved inngangen til en Shinto-helligdom. Papirets rolle i shintoismen har tradisjonelt vært veldig stor, og produkter laget av det har alltid vært gitt esoterisk betydning. Og troen på at hver ting, hvert fenomen, til og med ord, inneholder en kami - en guddom - forklarer utseendet til denne typen brukskunst, som gohei. Shintoismen er på noen måter veldig lik vår hedenskap. For shintoister slår kamien seg spesielt villig ned i alt som er uvanlig. For eksempel i papir. Og enda mer i goheien vridd i en sofistikert sikksakk, som i dag henger foran inngangen til Shinto-helligdommene og indikerer tilstedeværelsen av en guddom i templet. Det er 20 brettealternativer for gohei, og de som er brettet tiltrekker seg spesielt uvanlig kami. Stort sett er gohei hvit, men det er også gylden, sølv og mange andre nyanser. Siden 900-tallet har det vært en skikk i Japan å feste gohei til beltene til sumobrytere før kampen starter.

- Anesama.
Dette er å lage papirdukker. På 1800-tallet laget samurai-koner papirdukker som barn lekte med, og kledde dem i forskjellige klær. I tider da det ikke var noen leker, var anesama den eneste samtalepartneren for barn, og "spillte" rollen som mor, storesøster, barn og venn.
Dukken er rullet av japansk washi-papir, håret er laget av krøllet papir, malt med blekk og dekket med lim, som gir den en blank finish. Særpreget trekk er en søt liten nese på et langt ansikt. I dag fortsetter dette enkle leketøyet, som ikke krever noe mer enn dyktige hender, tradisjonelt i form, på samme måte som før.

- Origami.
Den eldgamle kunsten å brette papir (折り紙, lit.: "brettet papir"). Kunsten å origami har sine røtter i det gamle Kina, hvor papir ble oppfunnet. Origami ble opprinnelig brukt i religiøse ritualer. I lang tid denne typen kunst var bare tilgjengelig for representanter for overklassen, der et tegn på god smak var mestring av papirbrettingsteknikker. Først etter andre verdenskrig gikk origami utover østen og kom til Amerika og Europa, hvor den umiddelbart fant fansen. Klassisk origami er laget av et firkantet ark papir.
Det er et visst sett med symboler som er nødvendig for å skissere brettediagrammet til selv det mest komplekse produktet. De fleste av de konvensjonelle skiltene ble introdusert i praksis på midten av 1900-tallet av den berømte japanske mesteren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami krever bruk av ett firkantet, jevnt farget ark uten lim eller saks. Samtidskunstformer avviker noen ganger fra denne kanonen.

- Kirigami.
Kirigami er kunsten å kutte ut ulike former fra et ark papir brettet flere ganger ved hjelp av saks. En type origami som tillater bruk av saks og klippepapir under prosessen med å lage modellen. Dette er hovedforskjellen mellom kirigami og andre papirbrettingsteknikker, som fremheves i navnet: 切る (kiru) - klipp, 紙 (gami) - papir. Som barn elsket vi alle å kutte ut snøflak - en versjon av kirigami; ved å bruke denne teknikken kan du ikke bare kutte ut snøflak, men også forskjellige figurer, blomster, kranser og andre søte ting fra papir. Disse produktene kan brukes som sjablonger for trykk, dekorering av album, kort, fotorammer, i klesdesign, interiørdesign og andre forskjellige dekorasjoner.

- Ikebana.
Ikebana, (japansk 生け花 eller いけばな) oversatt fra japansk språk- ike" - liv, "bana" - blomster eller "blomster som lever." Den japanske kunsten å arrangere blomster er en av de vakreste tradisjonene til det japanske folket. Når du komponerer ikebana, sammen med blomster, brukes kuttede grener, blader og skudd.Det grunnleggende prinsippet er prinsippet om utsøkt enkelhet, for å oppnå som de prøver å understreke den naturlige skjønnheten til planter. Ikebana er etableringen av en ny naturlig form der skjønnheten til en blomst og skjønnheten i sjelen til mesteren som skaper komposisjonen er harmonisk kombinert.
I dag er det i Japan de 4 største skolene for ikebana: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Foruten dem er det rundt tusen til ulike retninger og strømmer som følger en av disse skolene.

- Oribana.
På midten av 1600-tallet dukket det opp to skoler fra Ikenobo: ohara (hovedformen for ikebana er oribana) og koryu (hovedformen er sseka). Ohara-skolen studerer forresten fortsatt bare oribana. Som japanerne sier, er det veldig viktig at origami ikke blir til origami. Gomi betyr søppel på japansk. Tross alt, som det skjer, brettet du et stykke papir, og hva skal du gjøre med det? Oribana tilbyr mange bukett ideer for interiørdekorasjon. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Feil.
En type kunst som er født fra blomsterbruk. Blomsterhandel dukket opp i landet vårt for åtte år siden, selv om det har eksistert i Japan i mer enn seks hundre år. En gang i middelalderen lærte samurai krigens vei. Og oshibana var en del av denne veien, akkurat som å skrive hieroglyfer og bruke et sverd. Betydningen av feilen var at i en tilstand av total tilstedeværelse i øyeblikket (satori), skapte mesteren et bilde fra tørkede blomster (pressede blomster). Da kunne dette bildet fungere som en nøkkel, en guide for de som var klare til å gå inn i stillheten og oppleve den samme satorien.
Essensen av kunsten "oshibana" er at ved å samle og tørke blomster, urter, blader, bark under press og lime dem på en base, skaper forfatteren et virkelig "maleverk" ved hjelp av planter. Med andre ord, oshibana maler med planter.
Kunstnerisk kreativitet blomsterhandlere er basert på å bevare formen, fargen og teksturen til tørket plantemateriale. Japanerne har utviklet en teknikk for å beskytte oshibana-malerier fra å falme og mørkne. Essensen er at luft pumpes ut mellom glasset og bildet og det skapes et vakuum som hindrer plantene i å forringes.
Det som tiltrekker folk er ikke bare det ukonvensjonelle ved denne kunsten, men også muligheten til å vise fantasi, smak og kunnskap om plantenes egenskaper. Blomsterhandlere lager ornamenter, landskap, stilleben, portretter og motivmalerier.

- Bonsai.
Bonsai, som et fenomen, dukket opp for mer enn tusen år siden i Kina, men denne kulturen nådde toppen av sin utvikling bare i Japan. (bonsai - japansk 盆栽 lit. "plante i en pott") - kunsten å dyrke eksakt kopi et ekte tre i miniatyr. Disse plantene ble dyrket av buddhistiske munker flere århundrer f.Kr. og ble deretter en av yrkene til den lokale adelen.
Bonsai dekorerte japanske hjem og hager. Under Tokugawa-tiden fikk parkdesign en ny drivkraft: å dyrke asalea og lønn ble et tidsfordriv for velstående mennesker. Dvergplantedyrking (hachi-no-ki - "pottetre") utviklet seg også, men bonsaiene på den tiden var veldig store.
I dag brukes vanlige trær til bonsai, de blir små takket være konstant beskjæring og forskjellige andre metoder. Samtidig tilsvarer forholdet mellom størrelsene på rotsystemet, begrenset av bollens volum, og den bakkede delen av bonsai proporsjonene til et voksent tre i naturen.

- Mizuhiki.
Ligner på macrame. Dette er en gammel japansk brukskunst for å knytte forskjellige knuter fra spesielle snorer og lage mønstre fra dem. Slike kunstverk hadde et ekstremt bredt bruksområde – fra gavekort og brev til frisyrer og håndvesker. I dag er mizuhiki ekstremt mye brukt i gaveindustrien - hver begivenhet i livet er ledsaget av en gave, pakket inn og knyttet på en veldig spesifikk måte. Det er et ekstremt stort antall knuter og komposisjoner i mizuhiki-kunsten, og ikke alle japanere kan dem alle utenat. Selvfølgelig er det de vanligste og enkle knutene som brukes oftest: for gratulasjoner med fødselen av et barn, for et bryllup eller begravelse, bursdag eller opptak til universitetet.

- Kumihimo.
Kumihimo er en japansk fletteteknikk. Når tråder er sammenflettet, oppnås bånd og blonder. Disse lissene er vevd på spesielle maskiner - Marudai og Takadai. Marudai-vevstolen brukes til å veve runde lisser, mens Takadai-veven brukes til flate lisser. Kumihimo oversatt fra japansk betyr "veving av tau" (kumi - veving, bretting sammen, himo - tau, blonder). Til tross for at historikere hardnakket insisterer på at lignende veving kan finnes blant skandinavene og innbyggerne i Andinene, japansk kunst Kumihimo er virkelig en av de eldste typer veving. Den første omtalen av det går tilbake til 550, da buddhismen spredte seg over hele Japan og spesielle seremonier krevde spesielle dekorasjoner. Senere begynte kumihimo lisser å bli brukt som feste for obi-beltet på en kvinnes kimono, som tau for å "pakke" hele samurai-arsenalet av våpen (samurai brukte kumihimo til dekorative og funksjonelle formål, for å knytte rustningene deres og rustningen til hestene deres) og også for å binde sammen tunge gjenstander.
Ulike mønstre av moderne kumihimo veves veldig enkelt på hjemmelagde pappvevstoler.

- Komono.
Hva er det igjen av en kimono etter at den har tjent sin hensikt? Tror du det blir kastet? Ingenting som dette! Japanerne vil aldri gjøre det. Kimono er en dyr ting. Det er utenkelig og umulig å bare kaste det... Sammen med andre typer gjenbruk av kimonoer laget håndverkere små suvenirer av små rester. Disse inkluderer små leker for barn, dukker, brosjer, girlandere, damesmykker og andre produkter; gamle kimonoer brukes til å lage søte små ting, som samlet kalles "komono". Små ting som vil leve eget liv, fortsetter veien til kimonoen. Dette er hva ordet "komono" betyr.

- Kanzashi.
Kunsten å dekorere hårspenner (oftest dekorert med blomster (sommerfugler osv.) laget av stoff (for det meste silke). Japansk kanzashi er en lang hårnål for en tradisjonell japansk kvinnefrisyre. De var laget av tre, lakk, sølv, skilpaddeskall , brukt i tradisjonelle kinesiske og japanske frisyrer.For omtrent 400 år siden, i Japan, endret stilen til kvinnefrisyren seg: kvinner sluttet å gre håret i tradisjonell form - taregami (langt rett hår) og begynte å style det i intrikate og bisarre former - nihongami. brukt ulike gjenstander- hårnåler, pinner, kammer. Det er da at selv en enkel kushi-kam blir til et elegant tilbehør av ekstraordinær skjønnhet, som blir et ekte kunstverk. Japanske kvinners tradisjonelle kostyme tillot ikke håndleddssmykker og halskjeder, så hårdekorasjoner ble viktigste skjønnhet og et felt for selvuttrykk - i tillegg til å demonstrere smaken og tykkelsen på eierens lommebok. I graveringene kan du se - hvis du ser nøye etter - hvordan japanske kvinner lett hengte opp til tjue dyre kanzashi i frisyrene sine.
For tiden er det en gjenoppliving av tradisjonen med å bruke kanzashi blant unge japanske kvinner som ønsker å legge raffinement og eleganse til frisyrene sine; moderne hårnåler kan dekoreres med bare en eller to elegante håndlagde blomster.

- Kinusayga.
En fantastisk type håndverk fra Japan. Kinusaiga (絹彩画) er en krysning mellom batikk og lappeteppe. Hovedideen er at nye malerier settes sammen bit for bit fra gamle silkekimonoer - sanne verk Kunst.
Først lager kunstneren en skisse på papir. Deretter overføres denne tegningen til en treplate. Omrisset av designet er kuttet med riller, eller riller, og deretter kuttes små biter av matchende farge og tone fra en gammel silkekimono, og kantene på disse bitene fyller rillene. Når du ser på et slikt bilde, får du følelsen av at du ser på et fotografi, eller til og med bare ser på landskapet utenfor vinduet, de er så realistiske.

- Temari.
Dette er tradisjonelle japanske geometriske broderte baller laget med enkle sømmer som en gang var et barneleke og nå har blitt en form for brukskunst med mange fans, ikke bare i Japan, men over hele verden. Det antas at for lenge siden ble disse produktene laget av konene til samurai for underholdning. Helt i begynnelsen ble de faktisk brukt som en ball for å spille ball, men trinn for trinn begynte de å tilegne seg kunstneriske elementer, og ble senere til dekorative ornamenter. Den delikate skjønnheten til disse ballene er kjent over hele Japan. Og i dag er fargerike, nøye utformede produkter en av typene folkehåndverk i Japan.

- Yubinuki.
Japanske fingerbøl, når du syr eller broderer for hånd, settes de på den midterste falanxen til langfingeren til den arbeidende hånden, ved hjelp av fingertuppene får nålen ønsket retning, og ringen på langfingeren skyver nålen gjennom arbeidet. Til å begynne med ble japanske yubinuki fingerbøl laget ganske enkelt - en stripe av tykt stoff eller lær omtrent 1 cm bred i flere lag ble viklet tett rundt fingeren og ble festet sammen med noen enkle dekorative sømmer. Siden Yubinuks var nødvendig vare i hvert hjem begynte de å bli dekorert med geometriske broderier med silketråder. Sammenflettede sømmer skapte fargerike og komplekse mønstre. Yubinuki fra en enkel husholdningsgjenstand har også blitt til en gjenstand for "beundring" og dekorasjon. Hverdagen.
Yubinuki brukes fortsatt til sying og broderi, men i tillegg kan de også enkelt brukes på hendene på enhver finger, som dekorative ringer. Broderi i yubinuki-stilen brukes til å dekorere forskjellige ringformede gjenstander - serviettringer, armbånd, temari-stativ dekorert med yubinuki-broderi, og det finnes også broderte nålevesker i samme stil. Yubinuki-mønstre kan være en stor inspirasjonskilde for temai obi-broderi.

- Suibokuga eller sumie.
Japansk blekkmaleri. Dette kinesisk stil maleriet ble lånt av japanske kunstnere på 1300-tallet og på slutten av 1400-tallet. har blitt hovedretningen for maleri i Japan. Suibokuga er monokrom. Det er preget av bruken av svart blekk (sumi), en solid form kull eller kinesisk blekk laget av sot, som males i en blekkpotte, fortynnes med vann og påføres med en pensel på papir eller silke. Monokrom gir mesteren et uendelig utvalg av tonale alternativer, som kineserne lenge har anerkjent som "fargene" på blekk. Suibokuga tillater noen ganger bruk av ekte farger, men begrenser det til tynne, gjennomsiktige streker, som alltid forblir underordnet linjen utført med blekk. Blekkmaleri deler med kalligrafikunsten slike essensielle egenskaper som tett kontrollert uttrykk og teknisk formbeherskelse. Kvaliteten på blekkmaling kommer ned, som i kalligrafi, til integriteten og motstanden mot riving av linjen tegnet med blekk, som ser ut til å holde kunstverket i seg selv, akkurat som bein holder vev på seg selv.

- Etagami.
Tegnede postkort (e - bilde, tagger - brev). Å lage kort med egne hender er generelt en veldig populær aktivitet i Japan, og før ferien øker populariteten enda mer. Japanerne elsker å sende postkort til vennene sine, og de elsker å motta dem også. Dette er en type hurtigbrev på spesielle tomme skjemaer; det kan sendes med post uten konvolutt. Det er ingen tagger spesielle regler eller en tekniker, kan dette gjøres av alle uten spesiell opplæring. Stadier hjelper til med å uttrykke stemning, inntrykk nøyaktig, dette er et håndlaget postkort som består av et bilde og et kort brev, som formidler avsenderens følelser, som varme, lidenskap, omsorg, kjærlighet, etc. Disse kortene sendes på helligdager og bare som det, som viser årstider, handlinger, grønnsaker og frukt, mennesker og dyr. Jo enklere dette bildet er tegnet, jo mer interessant ser det ut.

- Furoshiki.
Japansk emballasjeteknikk eller kunsten å brette stoff. Furoshiki har vært en del av japansk liv i lang tid. Gamle ruller fra Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) med bilder av kvinner som bærer bunter med klær pakket inn i tøy på hodet er bevart. Denne interessante teknikken oppsto tilbake i 710 - 794 e.Kr. i Japan. Ordet "furoshiki" betyr bokstavelig talt "badematte" og er et firkantet stykke tøy som ble brukt til å pakke inn og bære gjenstander i alle former og størrelser.
I gamle dager, i japanske bad (furo) var det vanlig å bruke lette bomullskimonoer, som besøkende tok med seg hjemmefra. Badegjesten hadde også med seg en spesiell matte (shiki) som han sto på mens han kledde av seg. Etter å ha skiftet til en "bade"-kimono, pakket den besøkende klærne sine inn i et teppe, og etter badet pakket han den våte kimonoen inn i teppet for å bære den hjem. Dermed ble badematten til en multifunksjonell veske.
Furoshiki er veldig enkel å bruke: stoffet tar formen til gjenstanden du pakker inn, og håndtakene gjør det enkelt å bære lasten. I tillegg får en gave pakket inn i hardt papir, men i mykt, flerlags stoff, spesiell uttrykksevne. Det er mange mønstre for å brette furoshiki for enhver anledning, hverdag eller ferie.

- Amigurumi.
Den japanske kunsten å strikke eller hekle små myke dyr og humanoide skapninger. Amigurumi (japansk 編み包み, lett.: «strikket-innpakket») er oftest søte dyr (som bjørner, kaniner, katter, hunder osv.), mennesker, men de kan også være livløse gjenstander utstyrt med menneskelige egenskaper. For eksempel cupcakes, hatter, håndvesker og andre. Amigurumi er strikket eller heklet. I I det siste Heklet amigurumi har blitt mer populært og mer vanlig.
strikket av garn på en enkel måte strikking - i en spiral, og i motsetning til den europeiske strikkemetoden, er sirklene vanligvis ikke koblet sammen. De er også heklet i en mindre størrelse i forhold til tykkelsen på garnet for å lage et veldig stramt stoff uten hull som fyllematerialet kan slippe ut gjennom. Amigurumi er ofte laget av deler og deretter satt sammen, med unntak av noen amigurumi som ikke har lemmer, men bare et hode og en torso som danner en helhet. Lemmene er noen ganger fylt med plastbiter for å gi dem levende vekt, mens resten av kroppen er fylt med fiberfyll.
Spredningen av amigurumi-estetikk lettes av deres søthet ("kawaiiness").

Det er en interessant utstilling på gang på Eremitasjen - Moderne kunst Japan "MONO-NO AVARE. Sjarmen med ting."

Jeg kan ikke si at jeg er en fan av samtidskunst. Jeg liker det bedre når det er noe å se på (travel grafikk, eller dekorativ kunst, etnisitet - det er mitt alt). Å beundre skjønnheten i et rent konsept er ikke alltid gøy for meg. (Malevich, beklager! Jeg liker ikke den svarte firkanten!)

Men i dag kom jeg til denne utstillingen!

Kjære dere, hvis dere er i St. Petersburg, interessert i kunst og ikke har vært der ennå, så vil utstillingen stå frem til 9. februar! Gå, det er interessant!

Jeg er ikke særlig overbevist av konseptene, som jeg skrev ovenfor. Jeg tenkte på en eller annen måte at i løpet av et år med å besøke samtidsutstillinger, virker på det meste en eller to gjenstander morsomme for meg. Og mange ting berører meg ikke så mye at jeg synes synd på tiden jeg brukte. Men dette finnes i enhver sjanger, i enhver kunst, prosentandelen av talent og middelmådighet, vel hvis det er én av ti! Men jeg likte denne utstillingen.

Japanske kreasjoner ble vist i utstillingshallene i General Staff Building. Den første installasjonen som møter besøkende er en utrolig stor labyrint drysset med salt på gulvet. Grått gulv, hvitt salt, utrolig pent merket plass, vevd inn i ett felt. Stor utstillingslokale, og et hvitt ornament som sprer seg over gulvet som en slags fantastisk loach. Dessuten forstår du hvor midlertidig denne kunsten er. Utstillingen vil stenge, labyrinten vil bli feid bort med en kost. Jeg så en gang en film, "Little Buddha". Og der, i begynnelsen, la en buddhistisk munk ut et komplekst ornament fra farget sand. Og på slutten av filmen gjorde munken en skarp bevegelse med børsten og det titaniske verket spredt for vinden. Det var der, så var det et hopp, og så var det ikke. Og dette sier, sett pris på skjønnheten her og nå, alt er flyktig. Så denne labyrinten av salt, den går i dialog med deg, du begynner å svare på spørsmålene den stiller deg. Artist - Motoi Yamamoto.

Ja Ja! Dette er en så stor labyrint, kan du føle skalaen?

Det andre objektet som fascinerer er den enorme kuppelen laget av polyetylen og svart harpiks av Yasuaki Onishi. Plassen er utformet på en uvanlig måte. Hengende, litt bevegelige, på svarte, tynne, ujevne tråder av harpiks er en kuppel ... eller et fjell med komplekst terreng. Når du går inn, ser du et broket mønster av prikker - steder hvor harpiksen fester seg. Det er morsomt, som om svart regn faller stille, og du er under kalesjen.

Hvordan kom du på denne teknikken? Morsomt, ikke sant? Men i det virkelige liv ser det "mer levende ut", kuppelen svaier litt fra brisen som skapes av forbipasserende besøkende. Og det er en følelse av din interaksjon med objektet. Du kan gå "inn i hulen" og se hvordan det er fra innsiden!

Men for å unngå inntrykk av at alt bare var svart-hvitt, vil jeg legge ut et par flere bilder av komposisjonen laget av bøyler koblet sammen her. Slike fargede morsomme plastkrøller! Og også, du kan gå gjennom dette rommet, inne i bøylene, eller du kan se på alt fra utsiden.

Jeg likte disse gjenstandene best. Selvfølgelig vil snart konseptuell samtidskunst bli annerledes, i takt med den nye tiden. Det vil ikke gå tilbake til den gamle måten, og vil ikke forbli slik det er nå. Det vil endre seg. Men for å forstå hva som skjedde, hvor strømmen hastet og hva og hvor den kommer fra, må du vite hva som skjer nå. Og ikke viker unna det faktum at nei, konseptet er ikke noe for meg, men prøv å se det og sett pris på det. Det er få talenter, som alltid, men de finnes. Og hvis utstillingene gir gjenklang, er ikke alt tapt!!!

Dagens verden blir ofte anklaget for åndelig krise, i ødeleggelsen av bånd med tradisjoner, i globaliseringen, som uunngåelig absorberer nasjonale grunnlag. Alt er personifisert og depersonalisert på samme tid. Hvis vi kunne dele såkalt klassisk kunst inn i nasjonale skoler og forestill deg at det er det italiensk kunst hva er tysk kunst og hva er fransk; så kan vi dele samtidskunst inn i de samme «skolene»?

Som svar på spørsmålet som stilles, vil jeg gjerne presentere japansk samtidskunst for deg. På en konferanse i Kunstmuseum Mori, om temaet internasjonalisme i samtidskunst i fjor, antydet professor Michio Hayashi ved University of Tokyo at den populære oppfatningen av "japanskhet" i Vesten ble konsolidert på 1980-tallet av treenigheten "kitsch", "naturlighet" og " teknologisk sofistikert." I dag kan populær, og spesielt kommersielt populær, samtidskunst i Japan fortsatt plasseres innenfor denne trekanten. For den vestlige seeren forblir den mystisk og original pga spesifikke funksjoner, bare iboende i landets kunst Rising Sun. I august møttes vest og øst på tre kunststeder samtidig: frem til 8. august ble utstillingen "Duality of Existence - Post - Fukushima" holdt på Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), utstillingen "teamLab: Ultra Subjective Space” varte til 15. august er nesten i nærheten (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); og "The Arhats Cycle" av Takashi Murakami på Palazzo Reale i Milano fortsetter fortsatt å fengsle og overraske besøkende.

Alle verkene som ble presentert ble laget etter 11. mars 2011, da tsunamien rammet Japan. Atomkatastrofen ved atomkraftverket i Fukushima forente nasjonen, tvang den til å revurdere prioriteringer og verdier, og igjen vende seg til lenge glemte tradisjoner. Kunst kunne ikke stå til side og presenteres for verden ny type en kunstner fokusert på behovene til den moderne betrakteren, og samtidig hedre historiske grunnlag og verdier.

Takashi Murakami - kommersiell suksessfull artist, som populariserte techno-kitsch og skapte et nytt visuelt språk, superflat, basert på tradisjonene til japansk nihonga-maleri og spesifikasjonene til anime og manga. Ideologien til hans replikerte skulpturer og sjokkerende installasjoner var å demonstrere endringen i Japan etter krigen, da forbrukerisme ble utbredt. Men 11. mars 2011 delte livet til Japan inn i "før" og "etter", som de to forferdelige dagene i august 1945, da atombomber ble sluppet over Hiroshima og Nagasaki. Etter det kraftige jordskjelvet, som førte til forferdelige konsekvenser, la Murakami inn på veien for å tenke nytt om buddhismen og japansk estetikk, og tok et skritt mot å vende tilbake til røttene og spiritualiteten. Det første verket som markerte begynnelsen på «Arhats»-syklusen er «500 Arhats», vist på Takashi Murakamis separatutstilling i Doha, Qatar, i 2012. Returen til buddhistiske temaer forklares av forfatteren som et forsøk på å innse at i denne verden er det ikke bare oss, at det er krefter uavhengig av oss, og at vi må forbedre oss hver gang for å slutte å være avhengige av egne ønsker og påvirker. Den tette veggen av arhats, som om den beskyttet tilskuere fra de rasende elementene gjennom hele 100 meter av lerretet, innpodet fred og ro i alles sjel. Men Murakami begrenset seg ikke til bare ett verk og fortsatte syklusen av malerier, komplementerte og utvidet fortellingen, som om han brukte mangateknikken og fortalte historien i visuell design. Den andre delen av serien ble presentert på Blum & Poe-galleriet ( Los Angeles) i 2013. I dag, i Milano, reiser arhatene verden rundt for tredje gang, og sprer ideen om en retur til spiritualitet og forsakelse av følelser. Til tross for oppbyggelsen og dybden av mening, er maleriene lett å oppfatte på grunn av det dristige og lyse fargevalget, selve det kunstneriske språket. Elementer av manga brakte inn den nødvendige mengden popularisering slik at buddhismens overførte ideer lett kunne leses og oppfattes selv av den uinnvidde offentligheten.

Den neste representanten for moderne japansk maleri kan kalles Kazuki Umezawa, en elev av Murakami, som bringer oss tilbake til spørsmålet om skole og kontinuitet. Han lager digitale gjengivelser av anime-karakterer ved å male dem over klistremerker for å skape ekstra dybde og visuelt kaos. Fra tilfeldige bilder spredt over hele Internett, konstruerer han collager, bryter opp bakgrunner, skaper mandalaer som gjenspeiler strukturen og innholdet i fantasien til otaku (anime- og manga-fans). Appell til det buddhistiske symbolet forsterker den semantiske verdien av den unge kunstnerens verk, og forbinder på den ene siden det hellige og etablerte i kulturen, på den annen side moderne problemstillinger, men igjen med inkluderingen av et spesifikt japansk fenomen - anime.

Takashi Murakami og Kazuki Umezawa balanserer dyktig mellom relevans og tradisjon, kitsch og stil.

Det er overraskende at etter jordskjelvet i Japan 11. mars 2011, svarte en 16 år gammel gutt som var fanget under ruinene i hjemmet sitt i ni dager og ble reddet på en journalists spørsmål om drømmene hans for fremtiden: «Jeg vil å bli kunstner."

En utstilling av japansk samtidskunst "Double Perspective" vil bli holdt.

1. Det er mye uvanlig i japansk samtidskunst. For eksempel ble disse maleriene av Izumi Kato laget for hånd, uten å bruke en pensel

2. Ved første øyekast kan det virke som om dette er vanlige lyspærer. Men dette verket med dyp mening er dedikert til den 38. breddegraden, som skiller Nord- og Sør-Korea.

3. Selvfølgelig, i hvert arbeid er det en dyp mening som ikke ligger på overflaten, men selv om du ikke finner den, kan du ganske enkelt beundre, for eksempel, skjønnheten til en dyktig laget rose.

4. dette er verk av Kenji Yanobe om hvordan en person kan overleve verdens undergang

6. Dette er hans mest kjente verk, «Child of the Sun», laget etter ulykken ved Fukushima kjernekraftverk.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. Dette er også moderne japansk kunst

10. interessant prosjekt "Lenin er ønsket i Moskva-leiligheter." Yoshinori Niva søkte etter bevarte gjenstander relatert til Lenins personlighet i muskovittenes hjem. Det merkeligste er at det ikke var russerne som gjorde dette, men japanerne.

14. Det ble forresten brukt utstoppede ekte rotter til dette arbeidet.

15. disse fotografiene viser folks frykt