japansk kultur. Japansk kunst - Historie - Introduksjon - Interessant Japan - LiveJournal

Japansk maleri er et av de vakreste i verden.

Japansk maleri er en av de eldste og mest fantastiske typer kreativitet. Som alle andre har den sin egen lange historie, som kan deles inn i flere perioder etter teknikker og funksjoner. Felles for alle perioder er naturen, som fikk hovedplassen i maleriene. På andreplass i popularitet i Japans kunst er innenlandske scener fra livet.

Yamato

Yamato(VI-VII århundrer) - den første perioden med japansk kunst, som la grunnlaget for skriving. Drivkraften til utviklingen av kunst ble gitt av Kinas prestasjoner innen religion og skrift. Japan skyndte seg å stige til sitt nivå, gjorde endringer i strukturen og bygget alt i likhet med Kina. For utvikling av maleri ble et stort antall verk av kinesiske mestere brakt til Japan, noe som inspirerte japanerne, som dristig skyndte seg å lage lignende malerier.

Maleri i Takamatsuzuka-graven

Denne perioden består av to barneperioder:

• Kofun- perioden med japansk kunst, som okkuperer første halvdel av Yamato. Navnet på perioden er oversatt som "bårens periode". I disse dager fikk hauger en stor rolle, og skapte dem overalt.
• Asuka- den andre delen av Yamato-tiden. Perioden ble oppkalt etter det politiske sentrum i landet som var aktivt i disse årene. Det er assosiert med buddhismens ankomst til Japan, og i fremtiden med aktiv utvikling av alle kulturelle områder.

Nara

Buddhismen, som kom fra Kina, spredte seg aktivt i Japan, noe som bidro til fremveksten av religiøse temaer i kunsten. Japanske kunstnere, revet med av dette emnet, malte veggene til templene, som ble skapt av innflytelsesrike personligheter. Til dags dato har Horyu-ji-tempelet bevart veggmalerier fra den tiden.

Azuchi-Momoyama

Denne perioden er det stikk motsatte av forgjengeren. Dysterhet og monokrom forsvinner fra verkene, erstattes av lyse farger og bruk av gull og sølv i maleriene.

Sypress. Skjerm. Kano Eitoku.

Meiji

På 1800-tallet begynte inndelingen av japansk maleri i tradisjonelle og europeiske stiler, som kraftig konkurrerte med hverandre. I løpet av denne perioden brøt det ut enorme politiske endringer i Japan. Innflytelsen fra Europa i disse årene påvirket nesten hvert hjørne av planeten, og introduserte sine egne funksjoner i hver stat. Den europeiske kunststilen ble aktivt støttet av myndighetene, og avviste de gamle tradisjonene. Men snart avtok spenningen rundt vestlig maleri raskt og interessen for tradisjonell kunst kom kraftig tilbake.

Utvikling av japansk maleri oppdatert: 15. september 2017 av: Valentine

Siden antikken har japansk kunst vært preget av aktiv kreativitet. Til tross for avhengigheten av Kina, hvor nye kunstneriske og estetiske trender stadig dukket opp, introduserte japanske kunstnere alltid nye funksjoner og endret kunsten til lærerne sine, og ga den et japansk utseende.

Japans historie som sådan begynner å ta bestemte former først på slutten av 500-tallet. Relativt få gjenstander som dateres tilbake til tidligere århundrer (den arkaiske perioden) er funnet, selv om noen funn gjort under utgravninger eller under byggearbeid taler om bemerkelsesverdig kunstnerisk talent.

arkaisk periode.

De eldste verkene av japansk kunst er leirpotter av typen Jomon (snoravtrykk). Navnet kommer fra dekorasjonen av overflaten med spiralavtrykk av en snor viklet rundt stokkene som skipsføreren brukte til å lage fartøyet. Kanskje til å begynne med oppdaget mesterne ved et uhell utskrifter av fletteverk, men så begynte de å bruke dem bevisst. Noen ganger satt snorlignende leirkrøller fast på overflaten, noe som skapte en mer kompleks dekorativ effekt, nesten en lettelse. Den første japanske skulpturen oppsto i Jomon-kulturen. Dogu (lett. "leirebilde") av en person eller et dyr hadde sannsynligvis en slags religiøs betydning. Bilder av mennesker, for det meste kvinner, ligner veldig på leirgudinnene til andre primitive kulturer.

Radiokarbonanalyse viser at noen funn fra Jomon-kulturen kan dateres tilbake til 6-5 tusen f.Kr., men en slik tidlig datering er ikke generelt akseptert. Selvfølgelig ble slike retter laget i lang tid, og selv om nøyaktige datoer ennå ikke kan fastslås, skilles tre perioder. De eldste prøvene har en spiss base og er nesten usmykkede, bortsett fra sporene etter et keramikerredskap. Fartøyer fra middelperioden er rikere ornamentert, noen ganger med støpte elementer som skaper inntrykk av volum. Formene til karene i den tredje perioden er svært forskjellige, men dekoren flater ut igjen og blir mer tilbakeholden.

Omtrent på 200-tallet. f.Kr. Jōmon-keramikk ga plass for Yayoi-keramikk, preget av eleganse i form, enkel design og høy teknisk kvalitet. Skåret av karet ble tynnere, ornamentet mindre snodig. Denne typen hersket frem til det 3. århundre. AD

Fra et kunstnerisk synspunkt, kanskje de beste fungerer av den tidlige perioden er khaniva, leiresylindere som dateres tilbake til det 3.-5. århundre. AD Karakteristiske monumenter fra denne epoken er enorme åser, eller gravhauger, gravstrukturer av keisere og mektig adel. Ofte veldig stor størrelse, de er bevis på makten og rikdommen til den keiserlige familien og hoffmenn. Byggingen av en slik struktur for keiser Nintoku-tenno (ca. 395-427 e.Kr.) krevde 40 år. Det mest bemerkelsesverdige ved disse gravene var leiresylindere som omringet dem som et gjerde, khaniva. Vanligvis var disse sylindrene ganske enkle, men noen ganger var de dekorert med menneskelige figurer, sjeldnere med figurer av hester, hus eller haner. Deres formål var todelt: å forhindre erosjon av enorme jordmasser og å forsyne den avdøde med alt nødvendig som han brukte i jordelivet. Naturligvis ble sylindrene laget umiddelbart i store mengder. Variasjonen av temaer, ansiktsuttrykk og gester til figurene som dekorerer dem, er i stor grad et resultat av mesterens improvisasjon. Selv om de er verk av håndverkere i stedet for malere og skulptører, er de av stor betydning som en skikkelig japansk kunstform. Bygninger, hester pakket inn i tepper, prime damer og krigere presenterer et interessant bilde av militærlivet i det tidlige føydale Japan. Det er mulig at prototypene til disse sylindrene dukket opp i Kina, hvor forskjellige gjenstander ble plassert direkte i begravelser, men utførelsen og bruken av haniwa tilhører den lokale tradisjonen.

Den arkaiske perioden blir ofte sett på som en tid blottet for verk av høyt kunstnerisk nivå, en tid med dominans av ting som hovedsakelig har arkeologisk og etnologisk verdi. Imidlertid bør det huskes at dette fungerer tidlig kultur hadde generelt stor vitalitet, ettersom formene deres overlevde og fortsatte å eksistere som spesifikke nasjonale trekk ved japansk kunst i senere perioder.

Asuka-perioden

(552-710 e.Kr.). Introduksjon av buddhismen i midten av det 6. århundre. gjorde betydelige endringer i japanernes livsstil og tenkning og ble drivkraften for utviklingen av kunsten i denne og påfølgende perioder. Buddhismens ankomst fra Kina gjennom Korea er tradisjonelt datert til 552 e.Kr., men det var sannsynligvis kjent tidligere. I de første årene møtte buddhismen politisk motstand, motstand mot den nasjonale religionen Shinto, men etter bare noen tiår fikk den nye troen offisiell godkjenning og ble endelig etablert. I de første årene av sin penetrasjon i Japan var buddhismen en relativt enkel religion med et lite antall guddommer som trengte bilder, men etter omtrent hundre år fikk den styrke og pantheonet vokste enormt.
I løpet av denne perioden ble templer grunnlagt, som ikke bare tjente formålet med å fremme troen, men var sentre for kunst og utdanning. Klostertempelet ved Horyu-ji er et av de viktigste for studiet av tidlig buddhistisk kunst. Blant andre skatter er det en statue av den store triaden Syaka-Nerai (623 e.Kr.). Dette verket av Tori Busshi, den første store japanske billedhuggeren vi kjenner til, er et stilisert bronsebilde, som ligner på lignende grupper i de store huletempelene i Kina. Strenge frontalitet er observert i posituren til den sittende Shaki (japansk transkripsjon av ordet "shakyamuni", den historiske Buddha) og to figurer som står på siden av ham. Menneskefigurens former er skjult av tunge symmetriske folder av skjematisk gjengitte klær, og i glatte langstrakte ansikter kan man føle en drømmende selvopptatthet og ettertanke. Skulpturen fra denne første buddhistiske perioden er basert på stilen og prototypene fra fastlandet for femti år siden; den følger trofast den kinesiske tradisjonen som kom til Japan gjennom Korea.

Noen av de viktigste skulpturene på denne tiden var laget av bronse, men det ble også brukt tre. De to mest kjente treskulpturene er statuer av gudinnen Kannon: Yumedono Kannon og Kudara Kannon, begge i Horyuji. De er et mer attraktivt objekt for tilbedelse enn Shaki-triaden, med sine arkaiske smil og drømmende uttrykk. Selv om arrangementet av brettene til kappene i Kannon-figurene også er skjematisk og symmetrisk, er de lettere og fulle av bevegelse. Høye, slanke skikkelser understreker åndeligheten til ansiktene, deres abstrakte vennlighet, fjernt fra alle verdslige bekymringer, men følsomme for bønn fra de rammede. Skulptøren ga litt oppmerksomhet til konturene av figuren til Kudara Kannon, skjult av brettene på klærne, og i motsetning til den taggete silhuetten til Yumedono, er bevegelsen til både figuren og stoffet rettet i dybden. I Kudars profil har Kannon en grasiøs S-form.

Det eneste overlevende eksemplet på maleri som gir en ide om stilen på begynnelsen av 700-tallet er Tamamushi Zushi, den "bevingede helligdommen". Denne miniatyrhelligdommen har fått navnet sitt fra de iriserende billevingene satt inn i en perforert metallramme; senere ble den dekorert med religiøse komposisjoner og figurer av individuelle karakterer, laget med farget lakk. I likhet med denne periodens skulptur viser noen av bildene stor designfrihet.

Nara-perioden

(710-784). I 710 ble hovedstaden flyttet til Nara, ny by, bygget etter modell av den kinesiske hovedstaden Chang'an. Det var brede gater, store palasser, mange buddhistiske templer. Ikke bare buddhismen i alle dens aspekter, men hele den kinesiske kulturelle og politiske liv oppfattet som et forbilde. Ingen andre land har kanskje følt sin egen kulturs utilstrekkelighet i så stor grad og har ikke vært så utsatt for påvirkning utenfra. Forskere og pilegrimer beveget seg fritt mellom Japan og fastlandet, og administrasjon og palassliv ble modellert etter Kina under Tang-dynastiet. Imidlertid må det huskes at, til tross for å imitere modellene til Tang Kina, spesielt innen kunst, og oppfattet dens innflytelse og stil, tilpasset japanerne nesten alltid utenlandske former til sine egne.

I skulpturen ga den strenge frontaliteten og symmetrien fra forrige Asuka-periode plass til friere former. Utviklingen av ideer om gudene, økt teknisk dyktighet og frihet til å eie materialet tillot kunstnere å skape tettere og mer tilgjengelige ikoniske bilder. Grunnleggelsen av nye buddhistiske sekter utvidet pantheonet til å omfatte til og med helgenene og grunnleggerne av buddhismen. I tillegg til bronseskulptur er det kjent et stort antall verk laget av tre, leire og lakk. Steinen var sjelden og nesten aldri brukt til skulptur. Tørr lakk var spesielt populær, kanskje fordi, til tross for kompleksiteten i prosessen med å forberede komposisjonen, verk laget av den så mer spektakulært ut enn tre og var sterkere enn leireprodukter som var lettere å produsere. Lakkfigurer ble dannet på en tre- eller leirbunn, som så ble fjernet, eller på tre- eller trådbeslag; de var lette og sterke. Selv om denne teknikken dikterte en viss stivhet i positurene, ble det tillatt en stor del av friheten i avbildningen av ansikter, noe som delvis bidro til utviklingen av det som kan kalles en egentlig portrettskulptur. Bildet av guddommens ansikt ble utført i samsvar med de strenge forskriftene fra de buddhistiske kanonene, men populariteten og til og med guddommeliggjøringen av noen av troens grunnleggere og forkynnere ga utmerkede muligheter for å formidle portrettlikhet. En slik likhet kan spores i den tørre lakkskulpturen til den kinesiske patriarken Genjin, æret i Japan, som ligger i Toshodaiji-tempelet. Genjin var blind da han ankom Japan i 753, og hans synløse øyne og opplyste tilstand av indre kontemplasjon er vakkert gjengitt av en ukjent billedhugger. Denne realistiske trenden kom tydeligst til uttrykk i treskulpturen til predikanten Kui, skapt av billedhuggeren Kosho på 1200-1300-tallet. Predikanten er kledd som en vandrende tigger med en stav, en gong og en klubbe, og små figurer av Buddha kommer ut av den halvåpne munnen hans. Ikke fornøyd med bildet av den syngende munken, forsøkte billedhuggeren å uttrykke den innerste betydningen av ordene hans.
Bildene av Buddha fra Nara-perioden er også preget av stor realisme. De er skapt for et stadig økende antall templer, de er ikke like uforstyrret kalde og reserverte som sine forgjengere, har en mer grasiøs skjønnhet og adel, og henvender seg til menneskene som tilber dem med større gunst.

Svært få malerier fra denne perioden har overlevd. Flerfargetegningen på papir skildrer Buddhas tidligere og nåværende liv. Dette er et av de få eldgamle eksemplene på emakimono, eller rullemaleri. Rullene ble sakte rullet ut fra høyre til venstre, og seeren kunne bare nyte den delen av bildet som var mellom hendene som rullet ut rullen. Illustrasjonene var rett over teksten, i motsetning til senere ruller, der en tekstdel vekslet med et forklarende bilde. I disse eldste bevarte eksemplene på rullemaleri er skisserte figurer satt mot bakgrunnen av et knapt skissert landskap, og den sentrale karakteren, i dette tilfellet Syaka, dukker opp i ulike episoder.

Tidlig Heian

(784-897). I 784 ble hovedstaden midlertidig flyttet til Nagaoka, delvis for å unngå dominansen til Naras buddhistiske presteskap. I 794 flyttet hun til Heian (nå Kyoto) for en lengre periode. Sent på 800- og 900-tallet var en periode da Japan vellykket assimilert, tilpasset sine egne egenskaper, mange utenlandske innovasjoner. Den buddhistiske religionen opplevde også en tid med forandring, fremveksten av nye sekter av esoterisk buddhisme, med dets utviklete ritualer og etikette. Av disse var de mest innflytelsesrike sektene Tendai og Shingon, som oppsto i India, nådde Kina, og derfra ble brakt til Japan av to lærde som vendte tilbake til hjemlandet etter en lang læretid. Shingon ("True Words")-sekten var spesielt likt ved hoffet og inntok raskt en dominerende posisjon. Dens viktigste klostre lå på Koya-fjellet nær Kyoto; som andre viktige buddhistiske sentre, ble de et oppbevaringssted for enorme samlinger av kunstmonumenter.

Skulptur fra 900-tallet. var for det meste tre. Bildene av guddommer ble preget av alvorlighetsgrad og utilgjengelig storhet, noe som ble understreket av høytideligheten i deres utseende og massivitet. Draperier ble dyktig kuttet i henhold til standardmønstre, skjerf lå i bølger. Den stående Shaki-figuren fra templet ved Muroji er et eksempel på denne stilen. For dette og lignende bilder fra 900-tallet. preget av stiv utskjæring med dypere, tydelige folder og andre detaljer.

Økningen i antall guder skapte store vanskeligheter for kunstnere. I komplekse, kartlignende mandalaer (en geometrisk utforming med magisk betydning) var gudene hierarkisk ordnet rundt en sentralt plassert Buddha, som selv bare var en manifestasjon av det absolutte. På dette tidspunktet dukket det opp en ny måte å skildre figurene til vergeguder omgitt av flammer, forferdelige i utseende, men velgjørende i naturen. Disse gudene ble arrangert asymmetrisk og avbildet i bevegelige positurer, med formidable ansiktstrekk, og beskyttet troen hardt mot mulige farer.

Midt og sen Heian, eller Fujiwara-periode

(898-1185). Overføringen av hovedstaden til Heian, som var ment å unndra presteskapets vanskelige krav, forårsaket også endringer i det politiske systemet. Adelen var den dominerende kraften, og Fujiwara-familien ble dens mest karakteristiske representanter. Periode 10-12 århundrer. ofte assosiert med dette navnet. En periode med spesiell makt begynte, da ekte keisere ble "på det sterkeste rådet" til å legge statens anliggender til side av hensyn til mer behagelige sysler med poesi og maleri. Inntil han ble voksen ble keiseren ledet av en streng regent - vanligvis fra Fujiwara-familien. Det var en tid med luksus og bemerkelsesverdige prestasjoner innen litteratur, kalligrafi og kunst; alt føltes sløvt og emosjonelt, som sjelden nådde dybden, men i det hele tatt var sjarmerende. Elegant raffinement og eskapisme ble reflektert i denne tidens kunst. Selv buddhismens tilhengere lette etter enklere måter, og tilbedelsen av den himmelske Buddha, Amida, ble spesielt populær. Forestillingene om medfølelse og frelsende nåde til Buddha Amida ble dypt reflektert i maleriet og skulpturen fra denne perioden. Massiviteten og tilbakeholdenheten til statuene fra 900-tallet. i 10-11 århundrer. ga vei for lykke og sjarm. Guddommene er avbildet som drømmende, gjennomtenkt rolige, utskjæringen blir mindre dyp, overflaten blir mer fargerik, med en rikt utviklet tekstur. De viktigste monumentene i denne perioden tilhører billedhuggeren Jocho.
Kunstnernes verk fikk også mykere trekk, som minner om tegninger på stoff, og til og med de forferdelige gudene - troens forsvarere ble mindre skremmende. Sutraer (buddhistiske tekster) ble skrevet i gull og sølv på dypt blåtonet papir, den fine kalligrafien til teksten ble ofte innledet av en liten illustrasjon. Mest populære reisemål Buddhismen og deres tilhørende guddommer gjenspeiler aristokratiets preferanser og den gradvise avgangen fra tidlig buddhismes harde idealer.

Atmosfæren på denne tiden og verkene hans er delvis knyttet til avslutningen av det formelle forholdet til Kina i 894. Buddhismen i Kina på den tiden ble forfulgt, og den korrupte Tang-domstolen var i tilbakegang. Den bortgjemte øytilværelsen som fulgte etter denne frakoblingen, fikk japanerne til å vende seg til sin egen kultur og utvikle en ny, renere japansk stil. Faktisk sekulært maleri fra det 10.-12. århundre. var nesten utelukkende japansk - både i teknikk og i komposisjon og plott. Et særtrekk ved disse japanske rullene, kalt yamato-e, var overvekten av engi-plott (opprinnelse, historie). Mens de kinesiske rullene oftest avbildet enorm fantastisk natur, panoramaer av fjell, bekker, steiner og trær, og folk virket relativt ubetydelige, var det personen som var hovedsaken på japanskens narrative ruller i tegningen og teksten. Landskapet spilte bare rollen som en bakgrunn for historien som ble fortalt, underordnet det viktigste fungerende person eller personer. Mange ruller var malte kronikker om livet til kjente buddhistiske predikanter eller historiske skikkelser, deres reiser og militære kampanjer. Andre fortalte om romantiske episoder fra adelens og hoffmennes liv.

Den tilsynelatende idiosynkratiske stilen til de tidlige rullene kom fra enkle blekkskisser på sidene til buddhistiske notatbøker. Dette er dyktige tegninger som karikerer menneskelig atferd gjennom bilder av dyr: en ape i klosterklær som tilber en oppblåst frosk, konkurranser mellom harer, aper og frosker. Disse og andre sene Heian-ruller ga grunnlaget for de mer komplekse narrative rullene i den utviklede stilen på 1200- og 1300-tallet.

Kamakura-perioden

(1185-1392). Sent på 1100-tallet brakte alvorlige endringer i det politiske og religiøse livet i Japan og, selvfølgelig, i dets kunst. Elegansen og estetikken til Kyoto-domstolen ble erstattet eller, i tradisjonen med "spesiell" regel, "fikk et tillegg" i form av en ny, hard og modig regel - Kamakura-shogunatet. Selv om Kyoto nominelt forble hovedstaden, etablerte shogunen Minamoto no Yoritomo (1147-1199) sitt hovedkvarter i byen Kamakura og etablerte på bare 25 år et rigid system av militærdiktatur og føydalisme. Buddhismen, som var blitt så kompleks og ritualisert at den var uforståelig for vanlige lekfolk, gjennomgikk også en stor endring som ikke lovet formynderi av kunsten. Yodo ("Rent Land")-sekten, en form for tilbedelse av Buddha Amida, under ledelse av Honen Shonin (1133-1212) reformerte hierarkiet av buddhaer og guddommer og ga håp om frelse til alle som bare trodde på Amida. Denne doktrinen om et lett tilgjengelig paradis ble senere forenklet av en annen munk, Shinran (1173-1262), grunnleggeren av Shin-sekten, som erkjente at Amidas overbærenhet er så stor at det ikke er behov for å utføre religiøse handlinger, det er nok bare å gjenta trollformelen "Namu Amida Butsu" (det første ordet betyr "submit"; de to andre er "Buddha Amida"). En så enkel måte å redde en sjel på var ekstremt attraktiv, og nå bruker millioner den. En generasjon senere forlot den militante predikanten Nichiren (1222-1282), som sekten er oppkalt etter, denne forenklede formen for religion. Hans tilhengere æret Lotus Sutraen, som ikke lovet øyeblikkelig og ubetinget frelse. Hans prekener berørte ofte politiske temaer, og hans tro og foreslåtte reformer av kirke og stat appellerte til den nye krigerklassen i Kamakura. Endelig begynte Zen-filosofien, som oppsto allerede på 800-tallet, å spille en stadig større rolle i den buddhistiske tanken fra den perioden. Zen understreket viktigheten av meditasjon og forakt for bilder som kan hindre mennesket i hans søken etter å få kontakt med Gud.

Så det var en tid da religiøs tanke begrenset antall malerier og skulpturer som tidligere var nødvendig for tilbedelse. Likevel ble noen av de fineste japanske kunstverkene skapt under Kamakura-perioden. Stimulansen var den iboende japanske kjærligheten til kunst, men nøkkelen til puslespillet er folkets holdning til nye trosbekjennelser, og ikke dogmer som sådan. Faktisk antyder verkene selv årsaken til opprettelsen, fordi mange av disse skulpturene og maleriene fulle av liv og energi er portretter. Selv om zen-filosofien kan ha betraktet vanlige gjenstander for religiøs tilbedelse som en barriere for opplysning, var tradisjonen med å ære lærere ganske akseptabel. Selve portrettet kunne ikke være et objekt for tilbedelse. Denne holdningen til portrettet var ikke unik for zen-buddhismen: mange ministre fra Pure Land-sekten ble æret nesten som buddhistiske guder. Takket være portrettet dukket til og med en ny arkitektonisk form opp - mieido, eller portrettkapellet. Den raske utviklingen av realismen var helt i tidsånden.
Til tross for at de pittoreske portrettene av prester, åpenbart, virkelig var bilder bestemte personer, var de ofte omarbeidinger av malerier som skildrer de kinesiske grunnleggerne av buddhismen. De ble malt mens de forkynte, åpne munner, gestikulerende hender; noen ganger ble tjuvmunker avbildet på en vanskelig reise til troens ære.

En av de mest populære plottene var raigo (ønsket ankomst), som avbildet Buddha Amida med hans følgesvenner, som stiger ned på en sky for å redde sjelen til en troende på dødsleiet og overføre den til paradis. Fargene på slike bilder ble ofte forsterket av påført gull, og bølgete linjer, flagrende kapper, virvlende skyer ga en følelse av bevegelse til Buddhas nedstigning.

Unkei, som arbeidet i andre halvdel av 1100- og begynnelsen av 1200-tallet, var forfatteren av en innovasjon som gjorde det lettere å skjære tre, som forble favorittmaterialet til skulptører under Kamakura-perioden. Tidligere var mesteren begrenset av størrelsen og formen på dekket eller stokken som figuren ble kuttet fra. Armene og kleselementene ble lagt over hverandre, men det ferdige stykket lignet ofte den opprinnelige sylindriske formen. I den nye teknikken ble dusinvis av små biter forsiktig tilpasset hverandre, og dannet en hul pyramide, som lærlingene deretter kunne grovskjære ut figuren fra. Billedhuggeren hadde til rådighet et mer formbart materiale og evnen til å skape mer komplekse former. Muskuløse tempelvakter og guder i flagrende kapper og kapper virket mer levende også fordi krystall eller glass begynte å bli satt inn i øyehulene deres; statuer begynte å bli dekorert med forgylt bronse. De ble lettere og mindre tilbøyelige til å sprekke etter hvert som treverket tørket. Den nevnte trestatuen av Kuya Shonin, verket til Unkeis sønn Kosho, demonstrerer Kamakura-tidens høyeste realisme innen portrettskulptur. Faktisk nådde skulptur på den tiden sitt høydepunkt i sin utvikling, og deretter inntok den ikke lenger en så fremtredende plass i kunsten.

Sekulært maleri reflekterte også tidsånden. De narrative rullene fra den sene Heian-perioden, i beherskede farger og grasiøse linjer, fortalte om de romantiske eskapadene til prins Genji eller underholdningen til de tilbaketrukne hoffdamene. Nå, med lyse farger og energiske strøk, skildret kunstnerne fra Kamakura-tiden kampene til stridende klaner, palasser oppslukt av flammer og skremte mennesker som flyktet fra angripende tropper. Selv når en religiøs historie utspilte seg på rullen, var ikke bildet så mye et ikon som et historisk bevis på hellige menneskers reiser og miraklene de utførte. I utformingen av disse tomtene kan man finne en økende kjærlighet til naturen og beundring for innfødte landskap.

Muromachi, eller Ashikaga-perioden

(1392-1568). I 1392, etter mer enn 50 år med stridigheter, gjenforenet den tredje shogunen til Ashikaga-familien, Yoshimitsu (1358-1408), landet. Regjeringssetet ble igjen den nominelle hovedstaden i Kyoto, der Ashikaga-shogunene bygde sine palasser i Muromachi-kvarteret. (Denne perioden kalles noen ganger Muromachi, noen ganger Ashikaga.) Krigstid sparte ikke på mange templer – depoter av japansk kunst, som ble brent sammen med skattene som var der. Landet ble alvorlig ødelagt, og til og med fred brakte liten lettelse, da de stridende klanene, i sin suksess, delte ut tjenester etter deres innfall. Det ser ut til at situasjonen var ekstremt ugunstig for utviklingen av kunst, men i virkeligheten beskyttet Ashikaga-shogunene den, spesielt på 1400- og 1500-tallet, da maleriet blomstret.

Den viktigste kunsten på denne tiden var de monokrome poetiske blekktegningene oppmuntret av Zen-buddhismen og påvirket av de kinesiske designene til Song- og Yuan-dynastiene. Under Ming-dynastiet (1368-1644) ble kontaktene med Kina fornyet, og Yoshimitsu, en samler og beskytter av kunst, oppmuntret til samling og studier av kinesisk maleri. Hun ble modell og utgangspunkt for begavede kunstnere som malte landskap, fugler, blomster, bilder av prester og vismenn med lette og flytende penselstrøk. Japansk maleri av denne tiden er preget av linjeøkonomi; kunstneren ser ut til å trekke ut kvintessensen av det avbildede plottet, og lar betrakterens blikk fylle det med detaljer. Overgangene av grått og skinnende svart blekk i disse maleriene er veldig nær filosofien til Zen, som selvfølgelig inspirerte forfatterne deres. Selv om denne trosbekjennelsen nådde betydelig innflytelse selv under den militære makten til Kamakura, fortsatte den å spre seg raskt på 1400- og 1500-tallet, da mange Zen-klostre oppsto. Den forkynte hovedsakelig ideen om "selvfrelse", og assosierte ikke frelse med Buddha, men stolte heller på menneskets alvorlige selvdisiplin for å oppnå en plutselig intuitiv "opplysning" som forener ham med det absolutte. Den sparsomme, men dristige bruken av blekk og den asymmetriske komposisjonen, der de umalte delene av papiret spilte en betydelig rolle i å skildre idealiserte landskap, vismenn og vitenskapsmenn, var i tråd med denne filosofien.

En av de mest kjente eksponentene for sumi-e, en stil med monokromt blekkmaleri, var Sesshu (1420-1506), en Zen-prest hvis lange og produktive liv sikret ham fortsatt ære. På slutten av livet begynte han å bruke haboku-stilen (quick ink), som, i motsetning til den modne stilen, som krevde klare, økonomiske strøk, brakte tradisjonen med monokrom maleri nesten til abstraksjon.
Aktiviteten til Kano-kunstnerfamilien og utviklingen av stilen deres faller på samme periode. Når det gjelder valg av emner og bruk av blekk, var den nær kinesisk, men forble japansk i form av uttrykksmidler. Kano, med støtte fra shogunatet, ble den "offisielle" skolen eller kunstneriske malestilen og blomstret langt inn på 1800-tallet.

Den naive tradisjonen til yamato-e fortsatte å leve i verkene til Tosa-skolen, den andre viktige retningen for japansk maleri. Faktisk, på denne tiden var begge skolene, Kano og Tosa, nært beslektet, de var forent av en interesse for det moderne liv. Motonobu Kano (1476-1559), en av fremragende artister av denne perioden giftet han seg ikke bare med datteren sin med den berømte kunstneren Tosa, men malte også på sin måte.

På 15-16 århundrer. det var bare noen få bemerkelsesverdige skulpturverk. Det skal imidlertid bemerkes at utviklingen av noo-dramaet, med dets variasjon av stemninger og følelser, åpnet et nytt aktivitetsfelt for billedhuggere – de skar ut masker for skuespillere. I klassisk japansk drama fremført av og for aristokratiet, bar skuespillerne (en eller flere) masker. De formidlet en rekke følelser fra frykt, angst og forvirring til behersket glede. Noen av maskene var så flott utskåret at den minste vending på skuespillerens hode forårsaket subtile endringer i uttrykket. Bemerkelsesverdige eksempler på disse maskene har blitt holdt i årevis av familiene hvis medlemmer de ble laget for.

Momoyama-perioden

(1568-1615). I 1593 bygde den store militærdiktatoren Hideyoshi sitt slott på Momoyama, "Peach Hill", og med dette navnet er det vanlig å betegne perioden på 47 år fra Ashikaga-shogunatets fall til etableringen av Tokugawa- eller Edo-perioden , i 1615. Dette var tiden for dominansen til en helt ny militærklasse, hvis store rikdom bidro til kunstens oppblomstring. Imponerende slott med store publikumssaler og lange korridorer kom på mote på slutten av 1500-tallet. og krevde utsmykninger tilpasset deres storhet. Det var en tid med strenge og modige mennesker, og de nye lånetakerne, i motsetning til det tidligere aristokratiet, var ikke spesielt interessert i intellektuelle sysler eller håndverkets finesser. Heldigvis levde den nye generasjonen kunstnere opp til sine lånetakere. I løpet av denne perioden dukket det opp fantastiske skjermer og bevegelige paneler i lyse crimson, smaragd, grønne, lilla og blå farger. Slike sprudlende farger og dekorative former, ofte på bakgrunn av gull eller sølv, var veldig populære i hundre år, og deres skapere ble med rette kalt "store dekoratører". Takket være den subtile japanske smaken, utartet ikke den pompøse stilen til vulgaritet, og selv når tilbakeholdenhet og underdrivelse ga plass til luksus og dekorative utskeielser, klarte japanerne å opprettholde eleganse.

Eitoku Kano (1543-1590), en av de første store kunstnerne i denne perioden, arbeidet i stil med Kano og Tosa, utvidet konseptet med tegning av den første og kombinerte dem med rikdommen av farger i den andre. Selv om bare noen få verk som Eitoku trygt kan identifiseres som forfatteren har overlevd, regnes han som en av grunnleggerne av Momoyama-stilen, og de fleste av kunstnerne i denne perioden var hans studenter eller ble påvirket av ham.

Edo- eller Tokugawa-perioden

(1615-1867). Den lange fredsperioden som kom til det nylig forente Japan kalles enten Tokugawa-tiden, etter herskerens navn, eller Edo (moderne Tokyo), siden denne byen i 1603 ble det nye maktsenteret. To kjente generaler fra den korte Momoyama-perioden, Oda Nobunaga (1534-1582) og Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), klarte til slutt å forene mektige klaner og militante presteskap gjennom militæraksjon og diplomati. Med Hideyoshis død i 1598, gikk makten over til Ieyasu Tokugawa (1542-1616), som fullførte tiltakene som ble startet i fellesskap. Det avgjørende slaget ved Sekigahara i 1600 styrket Ieyasus posisjon, Oska-slottets fall i 1615 ble ledsaget av den endelige kollapsen av Hideyoshi-huset og etableringen av Tokugawa-shogunatets udelte styre.

Tokugawas fredelige styre varte i 15 generasjoner og tok slutt først på 1800-tallet. Det var i utgangspunktet en periode med "lukkede dører"-politikk. Ved et dekret av 1640 ble utlendinger forbudt adgang til Japan, og japanerne kunne ikke reise utenlands. Den eneste kommersielle og kulturelle forbindelsen var med nederlendere og kinesere gjennom havnen i Nagasaki. Som i andre perioder med isolasjon var det et oppsving av nasjonale følelser og fremveksten på slutten av 1600-tallet. den såkalte skolen for sjangermaling og gravering.
Den raskt voksende hovedstaden Edo ble sentrum for ikke bare det politiske og forretningslivet i øyimperiet, men også sentrum for kunst og håndverk. Kravet om at daimyo, provinsføydalherrene, skulle være i hovedstaden en viss del av hvert år skapte et behov for nye bygninger, inkludert palassbygninger, og derav for kunstnere til å dekorere dem. En samtidig fremvoksende klasse av velstående, men ikke-aristokratiske kjøpmenn ga ny og ofte uprofesjonell beskyttelse til kunstnere.

Kunsten fra den tidlige Edo-perioden fortsetter delvis og utvikler Momoyama-stilen, og forsterker dens tendenser til luksus og prakt. Rikdommen av bisarre bilder og polykromi som er arvet fra forrige periode, fortsetter å utvikle seg. Denne dekorative stilen nådde sitt høydepunkt i siste fjerdedel av 1600-tallet. i den såkalte. Genroku-tiden i Tokugawa-perioden (1688-1703). I japansk dekorativ kunst har den ingen paralleller i ekstravaganse og rikdom av farger og dekorative motiver i maleri, stoffer, lakk, i kunstneriske bagateller - attributter til en luksuriøs livsstil.

Siden vi snakker om en relativt sen periode av historien, er det ikke overraskende at navnene på mange kunstnere og deres verk er bevart; her er det mulig å nevne bare noen av de mest fremtredende. Blant representantene for den dekorative skolen som levde og arbeidet under Momoyama- og Edo-perioden er Honnami Koetsu (1558-1637) og Nonomura Sotatsu (d. 1643). Arbeidene deres viser en bemerkelsesverdig følelse av mønster, komposisjon og farger. Koetsu, en talentfull keramiker og lakkkunstner, var kjent for skjønnheten i kalligrafien sin. Sammen med Sotatsu skapte de rulledikt som var mote på den tiden. I denne kombinasjonen av litteratur, kalligrafi og maleri var bildene ikke bare illustrasjoner: de skapte eller antydet en stemning som passer til oppfatningen av teksten. Ogata Korin (1658-1716) var en av arvingene til den dekorative stilen, og sammen med sin yngre bror Ogata Kenzan (1663-1743) perfeksjonerte dens teknikk. Kenzan, bedre kjent som keramiker enn som kunstner, avfyrte kar påskrevet med design av sin berømte eldre bror. Gjenopplivingen av denne skolen på begynnelsen av 1800-tallet. av poeten og maleren Sakai Hoitsu (1761-1828) var den siste bølgen i den dekorative stilen. Horitsus vakre ruller og skjermer kombinerte Korins sans for tegning med Maruyama-naturalismens interesse for naturen, noe som resulterte i rikdommen av farger og dekorative motiver fra den tidligere perioden, dempet av penselstrøkets prakt og finesse.

Sammen med den polykrome dekorative stilen fortsatte tradisjonell Kano skoleblekktegning å være populær. I 1622 ble Kanō Tanyu (1602-1674) utnevnt til hoffmaler for shogunen og kalt til Edo. Med hans utnevnelse til denne stillingen og etableringen av Edo-skolen for Kano-maleri i Kobikito, begynte en periode med kunstnerisk ledelse av denne tradisjonen i et halvt århundre, som gjenopprettet Kano-familiens fremtredende plass og gjorde verkene fra Edo-perioden mest betydningsfull i Kano-maleriet. Til tross for populariteten til skjermer malt med gull og lyse farger, skapt av "store dekoratører" og rivaler, var Tangyu, takket være styrken til hans talent og offisielle posisjon, i stand til å popularisere maleriet til den gjenopplivede Kano-skolen blant adelen. Tanyu la kraft og enkelhet til de tradisjonelle egenskapene til Kano-skolen, basert på en stiv brutt linje og et gjennomtenkt arrangement av komposisjonselementer på en stor fri overflate.

En ny trend, hvor hovedtrekket var en interesse for naturen, begynte å råde på slutten av 1700-tallet. Maruyama Okyo (1733-1795), leder for den nye skolen, var bonde, ble deretter prest og til slutt kunstner. De to første klassene ga ham ikke lykke eller suksess, men som kunstner nådde han store høyder og regnes som grunnleggeren av den realistiske skolen Maruyama. Han studerte med mester ved Kano-skolen, Ishida Yutei (d. ca. 1785); på grunnlag av importerte nederlandske graveringer, forsto han den vestlige teknikken for perspektivrepresentasjon, og noen ganger kopierte han ganske enkelt disse graveringene. Han studerte også kinesiske stiler fra Song- og Yuan-dynastiene, inkludert den subtile og realistiske stilen til Chen Xuan (1235-1290) og Shen Nanping; sistnevnte bodde i Nagasaki på begynnelsen av 1700-tallet. Okyo laget mange verk fra naturen, og hans vitenskapelige observasjoner dannet grunnlaget for oppfatningen av naturen, som Maruyama-skolen var basert på.

I tillegg til interesse for naturalisme på 1700-tallet. fornyet innflytelse fra den kinesiske kunstneriske tradisjonen. Representanter for denne trenden graviterte mot malerskolen til Ming (1368–1644) og Qing (1644–1912) maler-vitenskapsmenn, selv om deres forståelse av dagens kunsttilstand i Kina sannsynligvis var begrenset. Kunsten til denne japanske skolen ble kalt bujinga (kunsten til utdannede mennesker). En av de mest innflytelsesrike mesterne i bujinga-stilen var Ikeno Taiga (1723-1776), kjent kunstner og kalligraf. Hans modne stil er preget av tykke konturlinjer fylt med lette fjæraktige strøk i lyse toner og blekk; han malte også med brede, frie strøk av svart blekk, som skildrer bambusstammer bøyd i vind og regn. Med korte, buede linjer oppnådde han en effekt som minner om graveringer i bildet av tåkete fjell over en innsjø omgitt av skog.
17. århundre skapte en annen bemerkelsesverdig kunstretning fra Edo-perioden. Dette er den såkalte ukiyo-e (bilder av den skiftende verden) – sjangerscener skapt av og for vanlige folk. Tidlig ukiyo-e oppsto i den gamle hovedstaden i Kyoto og var for det meste pittoreske. Men sentrum av produksjonen deres flyttet snart til Edo, og mesternes oppmerksomhet fokuserte på tresnitt. Den nære assosiasjonen mellom tresnitttrykk og ukiyo-e har ført til misoppfatningen at tresnitttrykk var oppdagelsen av denne perioden; faktisk oppsto det på 1000-tallet. Slike tidlige bilder var votive i naturen, og skildret grunnleggerne av buddhismen og guddommer, og i løpet av Kamakura-perioden ble noen narrative ruller gjengitt fra utskårne blokker. Graveringskunsten ble imidlertid spesielt populær i perioden fra midten av 1600- til 1800-tallet.

Motivene til ukiyo-e-graveringene var de vakre kurtisanene fra de homofile kvartalene, favorittskuespillere og scener fra dramaer. Tidlig, såkalt. primitive graveringer ble utført i svart, med sterke rytmiske bølgete linjer, og ble preget av enkle design. De ble noen ganger malt for hånd i en oransje-rød farge kalt tan-e (lyse røde malerier), med sennepsgule og grønne markeringer. Noen av de "primitive" kunstnerne brukte håndmaling kalt urushu-e (lakkmaleri), der mørke områder ble forbedret og gjort lysere ved tilsetning av lim. Et tidlig polykromt trykk, som dukket opp i 1741 eller 1742, ble kalt benizuri-e (karmosinrødt trykk) og brukte vanligvis tre farger - rosa rød, grønn og noen ganger gul. Virkelig flerfargede graveringer, som brukte hele paletten og kalt nishiki-e (brokadebilder), dukket opp i 1765.

I tillegg til å lage individuelle trykk, illustrerte mange av gravørene bøker og tjente penger på å lage erotiske illustrasjoner i bøker og på ruller. Det bør huskes at ukiyo-e-gravering besto av tre typer aktivitet: det var arbeidet til en tegner, hvis navn trykket bar, en utskjærer og en skriver.

Hishikawa Moronobu (ca. 1625-1694) regnes som grunnleggeren av tradisjonen med å lage ukiyo-e-trykk. Andre "primitive" kunstnere av denne trenden er Kiyomasu (1694-1716) og Kaigetsudo-gruppen (et merkelig fellesskap av kunstnere hvis eksistens forblir uklar), samt Okumura Masanobu (1686-1764).

Overgangskunstnerne som skapte benizuri-e-trykk var Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktiv ca. 1751-1760) og Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Verkene til Suzuki Harunobu (1725-1770) åpner epoken med polykrom gravering. Fylt med myke, nesten nøytrale farger, befolket av grasiøse damer og galante elskere, var Harunobu-trykk en stor suksess. Omtrent på samme tid jobbet Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) og Kitagawa Utamaro (1753-1806) med ham. Hver av dem bidro til utviklingen av denne sjangeren; mestere brakte graveringer som skildrer grasiøse skjønnheter og kjente skuespillere til perfeksjon. I løpet av noen få måneder i 1794-1795 skapte den mystiske Tosusai Saraku forbløffende sterke og ærlig talt grusomme portretter av skuespillerne på den tiden.

I de første tiårene av 1800-tallet denne sjangeren har nådd modenhet og begynte å avta. Katsushika Hokusai (1760-1849) og Ando Hiroshige (1797-1858) er tidens største mestere, hvis arbeid forbinder nedgangen i graveringskunsten på 1800-tallet. og dens nye vekkelse på begynnelsen av det 20. århundre. Begge var først og fremst landskapsmalere, og fikset hendelsene i det moderne livet i graveringene sine. Den strålende mestringen av teknikken til skjærere og trykkere gjorde det mulig å formidle lunefulle linjer og de minste nyanser av solnedgangen eller tåken som stiger opp ved daggry i graveringen.

Meiji-restaureringen og den moderne perioden.

Det hender ofte at den eldgamle kunsten til et eller annet folk er fattig på navn, datoer og gjenlevende verk, så eventuelle vurderinger kan bare gjøres med stor forsiktighet og konvensjon. Det er imidlertid ikke mindre vanskelig å bedømme samtidskunst, siden vi er fratatt et historisk perspektiv for å korrekt vurdere omfanget av enhver bevegelse eller kunstner og hans verk. Studiet av japansk kunst er intet unntak, og det meste som kan gjøres er å presentere et panorama av samtidskunst og trekke noen foreløpige foreløpige konklusjoner.

I andre halvdel av 1800-tallet Japanske havner ble gjenåpnet for handel, store endringer skjedde på den politiske scenen. I 1868 ble shogunatet avskaffet og keiser Meijis regjeringstid ble gjenopprettet. Den offisielle hovedstaden og residensen til keiseren ble flyttet til Edo, og selve byen ble kjent som Tokyo (østlig hovedstad).

Som har skjedd tidligere, skapte slutten på nasjonal isolasjon stor interesse for andre nasjoners prestasjoner. På denne tiden gjorde japanerne et stort sprang innen vitenskap og teknologi. Kunstnerisk viser begynnelsen av Meiji-æraen (1868-1912) aksept av alt vestlig, inkludert teknologi. Denne iveren varte imidlertid ikke lenge, og den ble fulgt av en periode med assimilering, fremveksten av nye former, som kombinerte en retur til sine egne tradisjoner og nye vestlige trender.

Blant artistene fikk Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) og Tomioka Tessai (1836-1942) berømmelse. De tre første holdt seg til den tradisjonelle japanske stilen og fagene, selv om de forsøkte å vise originalitet i humør og teknikk. Seihō, for eksempel, jobbet i den rolige og konservative atmosfæren i Kyoto. Hans tidlige arbeider skapt på den naturalistiske måten av Maruyama, men senere reiste han mye i Kina og ble dypt påvirket av kinesisk blekkmaleri. Hans turer til museer og ledende kunstsentre Europa satte også spor i arbeidet hans. Av alle de fremtredende artistene på denne tiden var det bare Tomioka Tessai som var i nærheten av å utvikle en ny stil. I hans energiske og kraftfulle verk kombineres grove, vridde, taggete linjer og svarte blekkflekker med fintskrevne fargeflekker. I senere år lyktes noen unge oljemalere der deres bestefedre hadde mislyktes. De første forsøkene på å jobbe med dette uvanlige materialet minnet om parisiske lerreter og ble ikke preget av verken spesiell verdi eller spesifikt japanske trekk. Imidlertid skapes det nå verk med eksepsjonell appell, der en særegen japansk følelse av farger og balanse skinner gjennom abstrakte temaer. Andre kunstnere, som arbeider med mer naturlig og tradisjonelt blekk og noen ganger bruker kalligrafi som utgangspunkt, skaper energiske abstrakte stykker i strålende sort med gråtoner.

Som i Edo-perioden, på 1800- og 1900-tallet. skulptur var ikke populært. Men på dette området, representanter moderne generasjon, utdannet i Amerika og Europa, eksperimenterte med stor suksess. De små bronseskulpturene, abstrakte i form og merkelig navn, viser den japanske følelsen av linje og farge, som manifesterer seg i bruken av en myk grønn eller varm brun patina; treskjæring vitner om japanernes kjærlighet til materialets tekstur.

Sosaku hanga, det japanske "kreative trykket", dukket opp bare i det første tiåret av 1900-tallet, men som en spesiell kunstretning formørket det alle andre områder av moderne kunst. Dette moderne trykket er strengt tatt ikke en etterfølger til det eldre ukiyo-e tresnittet; de er forskjellige i stil, plott og fremgangsmåter. Kunstnere, hvorav mange var sterkt påvirket av vestlig maleri, innså viktigheten av sine egne kunstnerisk arv og fant passende materiale i tre for å uttrykke sine kreative idealer. Hanga-mestere maler ikke bare, men skjærer også ut bilder på treklosser og trykker dem selv. Selv om trebearbeiding er på sitt høyeste i denne kunstformen, brukes alle moderne vestlige trykkteknikker. Eksperimentering med blader, hyssing og "funne gjenstander" lar deg i noen tilfeller lage unike overflatetekstureffekter. Til å begynne med ble mesterne av denne trenden tvunget til å søke anerkjennelse: Tross alt ble selv de beste prestasjonene til ukiyo-e-skolen assosiert av intellektuelle kunstnere med en analfabet folkemengde og betraktet som plebeisk kunst. Kunstnere som Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi og Maekawa Senpan gjorde mye for å gjenopprette respekten for trykking og etablere den som en verdig gren av kunst. De tiltrakk seg mange unge kunstnere til gruppen deres, og gravørene teller nå hundrevis. Blant mesterne i denne generasjonen som oppnådde anerkjennelse i Japan og i Vesten er Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen og Saito Kiyoshi. Dette er mestere hvis innovasjon og ubestridelige talent har tillatt dem å innta en verdig posisjon blant de ledende kunstnerne i Japan. Mange av deres jevnaldrende og andre, yngre hanga-kunstnere produserte også bemerkelsesverdige graveringer; det faktum at vi ikke nevner navnene deres her betyr ikke en lav vurdering av deres arbeid.

KUNST OG BRUKSKUNST, ARKITEKTUR OG HAGE

De foregående avsnittene omhandlet hovedsakelig maleri og skulptur, som i de fleste land regnes som hovedtypene for kunst. visuell kunst. Kanskje er det urettferdig å ta med på slutten av artikkelen dekorativ kunst og folkehåndverk, hagekunst og arkitektur - former som var en viktig og integrert del av japansk kunst. Men kanskje, med unntak av arkitektur, krever de spesielle hensyn bortsett fra generell periodisering Japansk kunst og med stilendringer.

Keramikk og porselen.

De viktigste kunst og håndverk i Japan er keramikk og porselen. Keramisk kunst faller naturlig i to kategorier. Det fine polykrome porselen Imari, Nabeshima og Kakiemon tok navnet sitt fra produksjonsstedene, og dets rike maleri på en kremfarget eller blåhvit overflate var beregnet på adelen og hoffkretsene. Prosessen med å lage ekte porselen ble kjent i Japan på slutten av 1500- eller begynnelsen av 1600-tallet; tallerkener og skåler med glatt glasur, med et asymmetrisk eller brokadelignende mønster, verdsettes både hjemme og i vesten.

I motsetning til porselen i grov keramikk laget av leire eller lavkvalitets steinmasse, som er typisk for Shino, Oribe og Bizen, er oppmerksomheten rettet mot materialet, tilsynelatende uforsiktig, men gjennomtenkt arrangement av dekorative elementer. Påvirket av konseptene fra Zen-buddhismen var slike kar veldig populære i intellektuelle kretser og ble mye brukt, spesielt i teseremonier. I mange kopper, tekanner og caddies, attributter for teseremoniens kunst, ble selve essensen av Zen-buddhismen nedfelt: tøff selvdisiplin og streng enkelhet. Under den japanske dekorative kunstens storhetstid var talentfulle kunstnere Korin og Kenzan engasjert i å dekorere keramiske produkter. Det bør huskes at berømmelsen til Kenzan er mer assosiert med hans talent som keramiker, og ikke som maler. Noen av de enklere typene og teknikkene for å lage kar kommer fra folkehåndverkstradisjoner. Moderne verksteder, som fortsetter de gamle tradisjonene, produserer vakre produkter som gleder seg over sin elegante enkelhet.

Lakk produkter.

Allerede på 7-8 århundrer. lakk var kjent i Japan. Fra denne tiden er lokkene på kistene, dekorert med bilder av mennesker og geometriske motiver, påført med tynne gylne linjer, bevart. Vi har allerede snakket om betydningen av tørrlakkteknikken for skulptur på 800- og 900-tallet; samtidig og senere ble det laget pyntegjenstander som brevkasser eller røkelsesesker. Under Edo-perioden ble disse produktene laget i store mengder og med den mest praktfulle dekorasjonen. Luksuriøst dekorerte bokser til frokost, til kaker, til røkelse og medisiner, kalt inro, reflekterte rikdommen og kjærligheten til luksus som ligger i denne tiden. Overflaten på gjenstandene var dekorert med mønstre av gull og sølvpulver, biter av gullfolie, alene eller i kombinasjon med skallinnlegg, perlemor, en legering av tinn og bly, etc.; disse mønstrene sto i kontrast til den lakkerte røde, svarte eller brune overflaten. Noen ganger laget kunstnere som Korin og Koetsu lakkdesign, men det er usannsynlig at de personlig deltok i disse verkene.

Sverd.

Japanerne har, som allerede sagt, vært et folk av krigere i en betydelig periode av sin historie; våpen og rustninger ble ansett som essensielle gjenstander for en stor del av befolkningen. Sverdet var en manns stolthet; både selve bladet og alle andre deler av sverdet, spesielt håndtaket (tsuba), ble dekorert i ulike teknikker. Tsuba laget av jern eller bronse ble dekorert med gull- og sølvinnlegg, skåret ut eller trimmet med begge. De avbildet landskap eller figurer av mennesker, blomster eller familievåpen (mon). Alt dette kompletterte arbeidet til sverdmakere.

Stoffer.

Rikt mønstret silke og andre stoffer, foretrukket av hoffet og prestene i tider med overflod og overflod, samt ensfargede stoffer med en nesten primitiv design som er karakteristisk for folkekunst, er også uttrykk for nasjonalt japansk talent. Etter å ha nådd sitt høydepunkt under den rike æraen til Genroku, har tekstilkunsten blomstret igjen i det moderne Japan. Den kombinerer ideer og kunstige fibre fra vesten med tradisjonelle farger og dekorative motiver.

Hager.

De siste tiårene har interessen for japanske hager og arkitektur økt på grunn av den vestlige offentlighetens større eksponering for disse kunstformene. Hager i Japan har en spesiell plass; de er uttrykk og symbol på høye religiøse og filosofiske sannheter, og disse obskure, symbolske overtonene, kombinert med hagernes tilsynelatende skjønnhet, vekker den vestlige verdens interesse. Det kan ikke sies at religiøse eller filosofiske ideer var det hovedårsaken skape hager, men når planleggeren planla og opprettet en hage, vurderte planleggeren slike elementer, hvis kontemplasjon ville føre til at betrakteren reflekterte over ulike filosofiske sannheter. Her er det kontemplative aspektet ved Zen-buddhismen legemliggjort i en gruppe uvanlige steiner, bølger av raket sand og grus, kombinert med torv, eller planter arrangert slik at strømmen bak dem forsvinner og dukker opp igjen, som alle oppmuntrer betrakteren til å fullføre uavhengig den lagt ned under byggingen hage ideer. Preferansen for vage hint fremfor forståelige forklaringer er karakteristisk for Zen-filosofien. Bonsai-dvergtrær og bittesmå pottehager, nå populære i Vesten, har blitt en fortsettelse av disse ideene.

Arkitektur.

Hoved arkitektoniske monumenter Japan er templer, klosterkomplekser, føydale slott og palasser. Fra antikken til i dag har tre vært hovedbyggematerialet og bestemmer i stor grad designtrekkene. De eldste religiøse bygningene er helligdommer av den nasjonale japanske religionen Shinto; etter tekstene og tegningene å dømme var det relativt enkle bygninger med stråtak, som de gamle boligene. Tempelbygninger reist etter spredningen av buddhismen og knyttet til den var basert på kinesiske prototyper i stil og layout. Buddhistisk tempelarkitektur har endret seg over tid, og innredningen og arrangementet av bygninger har variert i ulike sekter. Japanske bygninger er preget av store haller med høye tak og et komplekst system av konsoller, og innredningen deres gjenspeiler smaken av deres tid. Den enkle og majestetiske arkitekturen til Horyu-ji-komplekset, bygget nær Nara på begynnelsen av 700-tallet, er like karakteristisk for Asuka-perioden som skjønnheten og elegansen til proporsjonene til Hoodo, Ujis "Phoenix Hall" reflektert i Lotus Lake , er fra Heian-perioden. De mer forseggjorte strukturene fra Edo-perioden fikk ytterligere utsmykning i form av rikt malte skyvedører og skjermer laget av de samme "store dekoratørene" som dekorerte interiøret i vollgravede slott og føydale palasser.

Japans arkitektur og hager er så nært beslektet at de kan betraktes som deler av hverandre. Dette gjelder spesielt for bygninger og hagehus til teseremonien. Deres åpenhet, enkelhet og nøye utformede tilknytning til landskap og perspektiv har stor innflytelse på moderne arkitektur Vest.

PÅVIRKNING AV JAPANSK KUNST I VESTEN

I løpet av bare ett århundre ble Japans kunst kjent i Vesten og hadde en betydelig innvirkning på den. Det var også tidligere kontakter (for eksempel handlet nederlenderne med Japan gjennom havnen i Nagasaki), men gjenstandene som nådde Europa på 1600-tallet var hovedsakelig brukskunst - porselen og lakk. De ble ivrig samlet som kuriositeter og kopiert på forskjellige måter, men denne dekorative eksporten reflekterte ikke essensen og kvaliteten til japansk kunst og ga til og med japanerne en lite flatterende idé om vestlig smak.

For første gang opplevde vestlig maleri den direkte innflytelsen fra japansk kunst i Europa i 1862 under den enorme internasjonale utstillingen i London. Japanske treblokktrykk ble introdusert på Paris-utstillingen fem år senere, og vakte fornyet interesse. Flere private samlinger av graveringer dukket umiddelbart opp. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh og andre tok japanske fargetrykk som en åpenbaring; en liten, men alltid gjenkjennelig innflytelse fra japansk grafikk på impresjonistene er ofte notert. Amerikanerne Whistler og Mary Cassatt ble tiltrukket av linjens tilbakeholdenhet og de lyse fargene på ukiyo-e-trykk og malerier.

Åpningen av Japan for utlendinger i 1868 skapte en fascinasjon for alt vestlig og fikk japanerne til å vende seg bort fra sin egen rike kultur og kunstneriske arv. På denne tiden ble mange vakre malerier og skulpturer solgt og havnet i vestlige museer og private samlinger. Utstillinger av disse gjenstandene introduserte Vesten til Japan og stimulerte interessen for å reise til Fjernøsten. Utvilsomt åpnet okkupasjonen av Japan av amerikanske tropper på slutten av andre verdenskrig flere muligheter enn før for å bli kjent med og dypere studier av japanske templer og deres skatter. Denne interessen ble reflektert i oppmøtet til amerikanske museer. Interessen for Orienten generelt ble forårsaket av organiseringen av utstillinger av japansk kunst valgt fra japanske offentlige og private samlinger og brakt til Amerika og Europa.

Vitenskapelig forskning siste tiår gjorde mye for å tilbakevise oppfatningen om at japansk kunst bare er en refleksjon av kinesisk kunst, og en rekke japanske publikasjoner om engelske språk introduserte Vesten for østens idealer.

Den moderne japanske kunstscenen ser ut til å være fullstendig globalisert. Kunstnere reiser mellom Tokyo og New York, nesten alle fikk europeisk eller amerikansk utdanning, de snakker om arbeidet sitt på internasjonal kunstengelsk. Dette bildet er imidlertid langt fra komplett.

Nasjonale former og trender viser seg å være en av de mest ettertraktede varene som Japan kan tilby til verdensmarkedet for kunstneriske ideer og verk.

flyoperasjon. Hvordan superflat kombinerer amerikansk geekkultur og tradisjonell japansk maleri

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Hvis i den vestlige verden for nesten alle (unntatt kanskje de mest ivrige postmoderne teoretikere) fortsatt er grensen mellom høy- og massekultur relevant, om enn problematisk, så er disse verdenene totalt blandet i Japan.

Et eksempel på dette er Takashi Murakami, som med suksess kombinerer utstillinger i verdens beste gallerier og streamingproduksjon.

Opptak av omvisningen til Murakami-utstillingen "Det blir mildt regn"

Murakamis forhold til populærkulturen – og for Japan er dette først og fremst kulturen til manga- og anime-fans (otaku) – er imidlertid mer komplisert. Filosof Hiroki Azuma kritiserer forståelsen av otaku som et autentisk japansk fenomen. Otaku anser seg selv som direkte forbundet med tradisjonene fra Edo-perioden på 1600- og 1800-tallet - epoken med isolasjonisme og avvisningen av modernisering. Azuma argumenterer for at otaku-bevegelsen – basert på manga, animasjon, grafiske romaner, dataspill – kun kunne ha oppstått i sammenheng med den amerikanske okkupasjonen etter krigen som et resultat av importen av amerikansk kultur. Kunsten til Murakami og hans tilhengere gjenoppfinner otaku med popkunstteknikker og avkrefter den nasjonalistiske myten om tradisjonens autentisitet. Det representerer en "re-amerikanisering av japanskisert amerikansk kultur."

Fra et kunstnerisk synspunkt er superflat nærmest tidlig japansk ukiyo-e-maleri. Det mest kjente verket i denne tradisjonen er trykket The Great Wave Off Kanagawa av Katsushika Hokusai (1823–1831).

For vestlig modernisme var oppdagelsen av japansk maleri et gjennombrudd. Det gjorde det mulig å se bildet som et fly og søker ikke å overvinne denne særegenheten ved det, men å jobbe med det.

Katsushiki Hokusai. "Den store bølgen utenfor Kanagawa"

Pionerer innen ytelse. Hva betyr japansk kunst fra 1950-tallet i dag

Dokumentasjon av den kreative prosessen til Akira Kanayama og Kazuo Shiragi

Superflat tok form først på 2000-tallet. Men de kunstneriske handlingene som er viktige for verdenskunsten begynte i Japan mye tidligere – og enda tidligere enn i Vesten.

Den performative vendingen i kunsten fant sted på begynnelsen av 60- og 70-tallet i forrige århundre. I Japan dukket forestillingen opp på femtitallet.

For første gang har Gutai-gruppen skiftet fokus fra å lage selvforsynte objekter til produksjonsprosessen. Herfra - ett skritt til å forlate kunstobjektet til fordel for en flyktig begivenhet.

Selv om individuelle kunstnere fra Gutai (og det var 59 av dem i løpet av tjue år) eksisterte aktivt i internasjonal kontekst, for å forstå hvordan deres kollektive aktivitet med japansk etterkrigskunst generelt begynte i Vesten ganske nylig. Bommen kom i 2013 med flere utstillinger i små gallerier i New York og Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde at MoMA, og den massive historiske retrospektive Gutai: Splendid Playground på Guggenheim Museum. Moskva-importen av japansk kunst ser ut til å være en nesten forsinket fortsettelse av denne trenden.

Sadamasa Motonaga. Arbeid (vann) på Guggenheim-museet

Det er slående hvor moderne disse retrospektive utstillingene ser ut. For eksempel er det sentrale objektet for utstillingen ved Guggenheim-museet rekonstruksjonen av Work (Water) av Sadamasa Motonaga, der nivåene til museumsrotunden er forbundet med polyetylenrør med farget vann. De minner om penselstrøk som er revet av lerretet, og fungerer som et eksempel på Gutais sentrale fokus på «konkrethet» (som bandets navn oversettes fra japansk), materialiteten til objektene som kunstneren arbeider med.

Mange medlemmer av Gutai fikk en utdanning relatert til klassisk nihonga-maleri, mange er biografisk knyttet til den religiøse konteksten til Zen-buddhismen, til dens karakteristiske japanske kalligrafi. Alle fant en ny, prosessuell eller deltakende tilnærming til eldgamle tradisjoner. Kazuo Shiraga har filmet hvordan han tegner sine anti-Rauschenberg monokromer med føttene, og til og med laget malerier offentlig.

Minoru Yoshida forvandlet blomster fra japanske trykk til psykedeliske objekter - et eksempel på dette er Bisexual Flower, en av de første kinetiske (bevegelige) skulpturene i verden.

Kuratorene for utstillingen på Guggenheim-museet forteller om den politiske betydningen av disse verkene:

"Gutai demonstrerte viktigheten av fri individuell handling, riving av publikumsforventninger og til og med dumhet som måter å motvirke den sosiale passiviteten og konformiteten som over flere tiår tillot en militaristisk regjering å få en kritisk masse av innflytelse, invadere Kina, og deretter bli med i andre verdenskrig."

God og klok. Hvorfor artister forlot Japan for Amerika på 1960-tallet

Gutai var unntaket fra regelen i Japan etter krigen. Avantgardegrupper forble marginale, kunstverdenen var strengt hierarkisk. Hovedveien til anerkjennelse var deltakelse i konkurranser holdt av anerkjente sammenslutninger av klassiske kunstnere. Derfor foretrakk mange å reise til Vesten og integrere seg i det engelskspråklige kunstsystemet.

Det var spesielt vanskelig for kvinner. Selv i den progressive Gutai nådde ikke andelen av deres tilstedeværelse en femtedel. Hva kan vi si om tradisjonelle institusjoner, for tilgang som det var nødvendig spesialopplæring. På sekstitallet hadde jenter allerede skaffet seg retten til det, men å lære kunst (hvis det ikke handlet om dekorativt, som var en del av ferdighetssettet ryosai kenbo- en god kone og en klok mor) var et sosialt imøtekommende yrke.

Yoko Ono. kuttet stykke

Historien om emigrasjonen av fem mektige japanske kvinnelige artister fra Tokyo til USA var tema for Midori Yoshimotos studie «Into Performance: Japanese Women Artists in New York». Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi og Shigeko Kubota bestemte seg i starten av karrieren for å reise til New York og jobbet der, inkludert modernisering av tradisjonene innen japansk kunst. Bare Yoko Ono vokste opp i USA - men hun nektet også bevisst å returnere til Japan, etter å ha blitt desillusjonert over Tokyos kunstneriske hierarki under sitt korte opphold i 1962-1964.

Ono ble den mest kjente av de fem, ikke bare som kona til John Lennon, men også som forfatter av proto-feministiske forestillinger dedikert til objektiveringen av kvinnekroppen. Det er åpenbare paralleller mellom Cut Piece It, der publikum kunne klippe av deler av artistens klær, og "Rhythm 0" av "bestemoren til ytelsen" Marina Abramović.

På korte ben. Hvordan bestå forfatterens skuespilleropplæring Tadashi Suzuki

Når det gjelder Ono og Gutai, ble metodene og temaene for arbeidet deres, atskilt fra forfatterne, internasjonalt betydningsfulle. Det finnes andre former for eksport - når kunstnerens verk oppfattes med interesse på den internasjonale arenaen, men lån av selve metoden skjer ikke på grunn av dens spesifisitet. Det mest slående tilfellet er Tadashi Suzukis skuespillertreningssystem.

Suzuki-teatret er elsket selv i Russland - og dette er ikke overraskende. Sist han var med oss ​​i 2016 med fremføringen av De trojanske kvinnene basert på tekstene til Euripides, og på 2000-tallet kom han flere ganger med oppsetninger av Shakespeare og Tsjekhov. Suzuki overførte handlingen til skuespillene til den nåværende japanske konteksten og tilbød ikke-opplagte tolkninger av tekstene: han oppdaget antisemittisme i Ivanov og sammenlignet den med japanernes foraktelige holdning til kineserne, overførte handlingen til kong Lear til et japansk galeasyl.

Suzuki bygde systemet sitt i opposisjon til den russiske teaterskolen. I sent XIXårhundre, i løpet av den såkalte Meiji-perioden, opplevde det moderniserende keiserlige Japan fremveksten av opposisjonsbevegelser. Resultatet ble en storstilt vestliggjøring av en tidligere ekstremt lukket kultur. Blant de importerte formene var Stanislavsky-systemet, som fortsatt er en av de viktigste regimetodene i Japan (og i Russland).

Suzuki øvelser

På sekstitallet, da Suzuki begynte sin karriere, spredte tesen seg mer og mer om at japanske skuespillere på grunn av deres kroppslige egenskaper ikke kunne venne seg til roller fra vestlige tekster som fylte det daværende repertoaret. Den unge regissøren klarte å tilby det mest overbevisende alternativet.

Suzukis øvelsessystem, kalt bengrammatikk, inkluderer dusinvis av måter å sitte på, og enda flere måter å stå og gå på.

Skuespillerne hans spiller vanligvis barbeint og virker, ved å senke tyngdepunktet, så tett bundet til bakken som mulig, tunge. Suzuki lærer dem og utenlandske utøvere sin teknikk i landsbyen Toga, i eldgamle japanske hus fylt med moderne utstyr. Troppen hans gir bare rundt 70 forestillinger i året, og resten av tiden lever han, nesten uten å forlate landsbyen og ikke ha tid til personlige anliggender – kun jobb.

Toga-senteret dukket opp på 1970-tallet og ble designet på forespørsel fra direktøren av den verdensberømte arkitekten Arata Isozaka. Suzukis system kan virke patriarkalsk og konservativt, men han snakker selv om Toga i moderne termer av desentralisering. Selv på midten av 2000-tallet forsto Suzuki viktigheten av å eksportere kunst fra hovedstaden til regionene og organisere lokale produksjonssteder. Ifølge regissøren ligner det teatralske kartet over Japan på mange måter det russiske - kunsten er konsentrert i Tokyo og flere mindre sentre. Det russiske teateret ville også ha nytte av et selskap som jevnlig drar på turné i småbyer og holder til langt fra hovedstaden.

SCOT Company Center i Toga

Blomsterstier. Hvilken ressurs oppdaget moderne teater i noh og kabuki-systemer

Suzuki-metoden vokser ut av to eldgamle japanske tradisjoner – men også kabuki. Det er ikke bare at disse typer teater ofte karakteriseres som kunsten å gå, men også i mer åpenbare detaljer. Suzuki følger ofte regelen om utførelse av alle roller av menn, bruker karakteristiske romlige løsninger, for eksempel hanamichi ("blomstenes vei") av kabuki-prøven - en plattform som strekker seg fra scenen og inn i dypet av auditoriet. Han utnytter også ganske gjenkjennelige symboler som blomster og ruller.

Selvfølgelig, i globale verden det er ikke snakk om japanernes privilegium til å bruke sine nasjonale former.

Teateret til en av vår tids mest betydningsfulle regissører, amerikaneren Robert Wilson, ble bygget på lån fra men.

Han bruker ikke bare masker og sminke som minner massepublikummet om Japan, men låner også måtene å handle på basert på maksimal nedbremsing av bevegelse og selvforsynt uttrykksevne til gesten. Ved å kombinere tradisjonelle og ritualistiske former med ultramoderne lyspartiturer og minimalistisk musikk (et av Wilsons mest kjente verk er en produksjon av Philip Glass opera Einstein on the Beach), produserer Wilson i hovedsak syntesen av opprinnelse og relevans som mye av moderne kunst streber etter. .

Robert Wilson. "Einstein på stranden"

Fra noh og kabuki har en av grunnpilarene i moderne dans vokst frem – butoh, bokstavelig talt oversatt – mørkets dans. Butoh ble oppfunnet i 1959 av koreografene Kazuo Ono og Tatsumi Hijikata, som også trakk på et lavt tyngdepunkt og konsentrasjon på føttene, og handlet om å bringe refleksjoner fra traumatiske krigsopplevelser inn i den kroppslige dimensjonen.

«De viste kroppen syk, kollapset, til og med monstrøs, monstrøs.<…>Bevegelsene er enten sakte, eller bevisst skarpe, eksplosive. For dette brukes en spesiell teknikk, når bevegelsen utføres som uten å involvere hovedmusklene, på grunn av skjelettets beinspaker,» skriver dansehistoriker Irina Sirotkina inn butoh i historien om frigjøring av kroppen, kobler det med avgangen fra ballettnormativiteten. Hun sammenligner butoh med praksisen til dansere og koreografer fra det tidlige 20. århundre - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman snakker om innflytelsen på senere "postmoderne" dans.

Et fragment av dansen til Katsura Kana, den moderne etterfølgeren til butoh-tradisjonen

I dag er butoh i sin opprinnelige form ikke lenger en avantgarde-praksis, men en historisk rekonstruksjon.

Imidlertid er bevegelsesordboken utviklet av Ohno, Hijikata og deres tilhengere fortsatt en verdifull ressurs for moderne koreografer. I Vesten brukes den av Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky og til og med i videoen til «Belong To The World» av The Weekend. I Japan er etterfølgeren til butoh-tradisjonen for eksempel Saburo Teshigawara, som kommer til Russland i oktober. Selv om han selv benekter paralleller med mørkets dans, finner kritikere ganske gjenkjennelige tegn: en tilsynelatende benløs kropp, skjørhet, lydløst steg. Riktignok er de allerede plassert i sammenheng med postmodernistisk koreografi – med sitt høye tempo, løp, arbeid med postindustriell støymusikk.

Saburo Teshigawara. metamorfose

Lokalt globalt. Hvordan ligner japansk samtidskunst på vestlig kunst?

Verkene til Teshigawara og mange av hans kolleger passer organisk inn i programmene til de beste vestlige samtidsdansfestivalene. Hvis du skumles gjennom beskrivelsene av forestillinger og forestillinger som ble vist på festivalen / Tokyo - det største årlige showet av japansk teater, vil det være vanskelig å legge merke til grunnleggende forskjeller fra europeiske trender.

Et av de sentrale temaene er stedsspesifisitet – japanske kunstnere utforsker Tokyos rom, alt fra klumper av kapitalisme i form av skyskrapere til marginale områder med otaku-konsentrasjon.

Et annet tema er studiet av intergenerasjonell misforståelse, teatret som et sted for levende møte og organisert kommunikasjon av mennesker i ulike aldre. Prosjekter dedikert til henne av Toshika Okada og Akira Tanayama ble brakt til Wien flere år på rad til en av de viktigste europeiske scenekunstfestivalene. Det var ikke noe nytt i overføringen av dokumentarmateriale og personlige historier til scenen på slutten av 2000-tallet, men kuratoren for Wienfestivalen presenterte disse prosjektene for publikum som en mulighet for live, punkt-til-punkt-kontakt med en annen. kultur.

En annen hovedlinje er å jobbe gjennom den traumatiske opplevelsen. For japanerne er det ikke assosiert med Gulag eller Holocaust, men med bombingen av Hiroshima og Nagasaki. Teateret refererer til ham konstant, men den kraftigste uttalelsen om atomeksplosjoner som øyeblikket for opprinnelsen til all moderne japansk kultur tilhører fortsatt Takashi Murakami.

til utstillingen "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" er tittelen på hans kuraterte prosjekt som ble vist i New York i 2005. "Little Boy" - "baby" på russisk - navnet på en av bombene som ble sluppet over Japan i 1945. Ved å samle hundrevis av manga-tegneserier fra ledende illustratører, karakteristiske vintageleker, varer inspirert av kjent anime fra Godzilla til Hello Kitty, har Murakami presset konsentrasjonen av søthet - kawaii - til det ytterste i museumsrommet. Samtidig lanserte han et utvalg animasjoner, der bilder av eksplosjoner, bar jord og ødelagte byer ble de sentrale bildene.

Denne motstanden var den første store uttalelsen om infantiliseringen av japansk kultur som en måte å takle posttraumatisk stresslidelse på.

Nå virker denne konklusjonen allerede åpenbar. En akademisk studie av kawaii av Inuhiko Yomota er bygget på den.

Det er også senere traumatiske triggere. Av de viktigste - hendelsene 11. mars 2011, jordskjelvet og tsunamien som førte til en storulykke ved atomkraftverket i Fukushima. På Festival/Tokyo-2018 ble et helt program på seks forestillinger viet til å forstå konsekvensene av en natur- og teknologikatastrofe; de ble også tema for et av verkene som ble presentert på Solyanka. Dette eksemplet viser tydelig at arsenalet av kritiske metoder brukt av vestlig og japansk kunst ikke er fundamentalt forskjellig. Haruyuki Ishii lager en installasjon av tre TV-apparater som går gjennom høyhastighetsredigerte og loopede opptak fra TV-programmer om jordskjelvet.

"Verket består av 111 videoer som kunstneren så hver dag i nyhetene til det øyeblikket da alt han så ikke lenger ble oppfattet som fiksjon," forklarer kuratorene. New Japan er et talende eksempel på hvordan kunst ikke motsetter seg tolkning basert på nasjonale myter, men samtidig avslører et kritisk blikk at samme tolkning kan være relevant for kunst av enhver opprinnelse. Kuratorene snakker om kontemplasjon som grunnlaget for den japanske tradisjonen, med utgangspunkt i sitater fra Lao Tzu. Samtidig, som om man utelater fra parentesen at nesten all samtidskunst er fokusert på «observatøreffekten» (som utstillingen heter) – enten det er i form av å skape nye kontekster for oppfatningen av kjente fenomener eller i å heve spørsmålet om muligheten for adekvat persepsjon som sådan.

Imagined Communities - nok et verk av videokunstneren Haruyuki Ishii

Spill

Man skal imidlertid ikke tro at Japan på 2010-tallet er en konsentrasjon av progressivitet.

Vanene til den gode gamle tradisjonalismen og kjærligheten til orientalistisk eksotisme har ennå ikke blitt overlevd. "The Theatre of Virgins" er tittelen på en ganske beundrende artikkel om det japanske teatret "Takarazuka" i det russiske konservative magasinet "PTJ". Takarazuka dukket opp på slutten av 1800-tallet som et forretningsprosjekt for å tiltrekke turister til en avsidesliggende by med samme navn, som ved et uhell ble endestasjonen for en privat jernbane. Bare ugifte jenter spiller i teatret, som ifølge eieren av jernbanen skulle lokke mannlige tilskuere til byen. I dag fungerer Takarazuka som en industri, med egen TV-kanal, et tett konsertprogram, til og med en lokal fornøyelsespark. Men det er fortsatt kun ugifte jenter som har rett til å være med i troppen – la oss håpe de ikke sjekker jomfrudommen i det minste.

Takarazuka blekner imidlertid i forhold til Toji Deluxe-klubben i Kyoto, som japanerne også kaller teater. De viser helt vilt, skal man dømme etter beskrivelse New Yorker-spaltist Ian Buruma, stripteaseshow: flere nakne jenter på scenen gjør demonstrasjonen av kjønnsorganer til et offentlig ritual.

Som mange kunstneriske praksiser, er dette showet basert på eldgamle legender (ved hjelp av et stearinlys og et forstørrelsesglass kunne mennene fra publikum byttet på å utforske "hemmelighetene til morgudinnen Amaterasu"), og forfatteren selv ble minnet om noh-tradisjonen .

Vi vil overlate søket etter vestlige analoger for Takarazuki og Toji til leseren - det er ikke vanskelig å finne dem. Vi bemerker bare at en betydelig del av moderne kunst er rettet nettopp mot å bekjempe slike undertrykkelsesmetoder – både vestlig og japansk, alt fra superflat til butoh-dans.

Japan er en veldig interessant stat, kjent for et bredt utvalg av tradisjoner og skikker. Den geografiske plasseringen til Land of the Rising Sun gjorde det noe isolert fra andre stater, takket være at det utviklet seg uten hensyn til europeiske land. Kulturen i Japan er ekstremt rik og mangfoldig. Spesielle japanske tradisjoner ble dannet under påvirkning av historisk viktige hendelser. Gradvis forvandlet Japan seg til en mektig, sammenhengende stat med karakteristiske trekk og en viss mentalitet hos befolkningen.

Hovedaspekter av japansk kultur

Kulturen i landet er manifestert i mange samfunnssfærer. I Japan er dens aspekter;

Prosessen med å drikke te for japanerne er ikke en enkel tilfredsstillelse av kroppens fysiologiske behov, men en ekte kult. Te-seremonien i Japan er ledsaget av spesielle attributter og inneholder mange tradisjoner. En slik ærbødig holdning, ser det ut til, til den daglige prosessen tok sin utvikling fra meditasjonen til buddhistiske munker. Det var de som ga så mye betydning for prosessen med å drikke te.

For europeere preger konseptet "kimono" de nasjonale klærne til Japan. Men i selve Land of the Rising Sun er det to betydninger av dette ordet - i snever og vid betydning. Ordet "kimono" i Japan refererer ikke bare til nasjonaldrakten, men også til alle klær generelt. Under kimonoen bæres som regel en spesiell kappe og syv belter. En kimono som brukes om sommeren kalles en yukata. Avhengig av kvinnens alder, kan antrekksmodellen også variere.

I Japan blir to religiøse bevegelser vellykket forkynt samtidig - shintoisme og buddhisme. Shintoismen dukket opp i det gamle Japan, den er basert på tilbedelse av forskjellige skapninger. Buddhismen er på sin side delt inn i flere varianter. I Japan er det mange skoler som fremmer en eller annen trend innen buddhisme.

Steinhager er av spesiell betydning i kulturen i Japan. De er ikke bare en arkitektonisk kreasjon som tiltrekker seg oppmerksomheten til turister, men også et sted åndelig vekst. Her finner japanerne opplysning fra kontemplasjonen av steinkonstruksjoner plassert i en spesiell rekkefølge. Steinhagene inkluderer en spesifikk plan, som bare en opplyst person kan nøste opp.

Tango no sekku er en feiring til ære for guttene. Det er dedikert ikke bare til alle små mannlige representanter, men også til maskuliniteten og styrken til hele det japanske folket. Det er vanlig å feire ferien om våren, når naturen våkner og gleder seg over sin skjønnhet. På tango no sekku-dagen blir guttene tatt hånd om av foreldrene. Faren må fortelle sønnen om alle de japanske krigerne og deres bedrifter. Og moren dekker bordet for ham med deilig mat.

Kirsebærblomst regnes som det vakreste naturfenomenet. Mange turister kommer hit bare for å nyte kontemplasjonen av en blomstrende plante. Om våren kan en stor mengde mennesker observeres i parkene i Japan. Mange familier drar på piknik og ser skjønnheten til det japanske kirsebærtreet.

Buer kan tilskrives de særegne tradisjonene i landet. De representerer reglene for god oppførsel. Det er ikke vanlig at japanerne sier farvel, i stedet bukker de like mange ganger som samtalepartneren gjorde.

Samurai representerer en viss klasse av samfunnet som har utviklet seg under påvirkning av tradisjoner og skikker. Det har en direkte forbindelse med kulturen i landet. Samurai er krigere som utfører en bestemt tjeneste, som kan være både militær, sikkerhet eller husholdning. I alle disse tilfellene personifiserer samuraier motet, maskuliniteten og adelen til det japanske folket.

Prosessen med dannelse av kulturen i det gamle Japan

Kulturen i det gamle Japan begynte å utvikle seg med fødselen av det japanske språket og skriften. Landet til den stigende solen lånte grunnlaget for dette fra Kina. Japansk skrift inneholder også hieroglyfer, som en utenlandsk statsborger ikke vil kunne forstå. Over tid begynte nye ord, lyder og setninger å bli lagt til det japanske språket. Så han forvandlet seg fullstendig vanlige trekk med Kina er fortsatt sporbare.

Religiøsiteten i landet stammer også fra antikken. Shintoismen var en konsekvens av utviklingen av ulike mytologier. På dette øyeblikket denne undervisningen fremmer kulten av ledere og døde mennesker. Buddhismen har på sin side så dype røtter at vitenskapsmenns og historikeres meninger om fremveksten av denne typen religion varierer sterkt.

Japansk kunst

Nesten alle typer kunst som praktiseres i Japan har én hovedidé - ro og avslapning. Det er nettopp en persons harmoni med seg selv som inneholder kunst, uavhengig av måten informasjon presenteres på. Mange kunstformer kjent over hele verden begynte sin utvikling i Japan. Blant dem kan origami skilles - evnen til å brette forskjellige former fra papir.

En annen populær del Japansk kunst ble ikebana. Dette er en ferdighet til å danne buketter med blomster ved hjelp av en spesiell teknologi. Herfra kom en like populær aktivitet, som kalles bonsai. Dette er opprettelsen av en rekke komposisjoner fra dvergtrær. I Omiya, ikke langt fra Tokyo, er det en hel Bonsai-park. Hvert dvergtre som presenteres her er unikt og vakkert på sin egen måte.

Malerier av Japan vil fortjene spesiell betydning, siden hvert maleri har en skjult betydning. Som et design brukes som regel lyse farger, kontrasterende overganger og klare linjer. Japan har også kunsten kalligrafi. Dette er ferdigheten til estetisk vakker skriving av hieroglyfer. Brukskunst er også utbredt i Japan. Det er et helt museum i Tokyo dedikert til dette håndverket. Her kan du se produkter laget av papir, glass eller metall. Og dette er ikke en fullstendig liste over materialer som brukes til dette formålet.

Den japanske stilen av interiørdesign fortjener også spesiell oppmerksomhet. Det inkluderer funksjonalitet og enkelhet, sammen med originaliteten til ytelsen. I tillegg bærer interiørdesign en religiøs filosofi, som enhver annen form for japansk kunst.

japansk arkitektur

Arkitektoniske strukturer i Japan er på en eller annen måte assosiert med religion. Tempelbygninger til å begynne med, oftest, var blottet for blomster. Dette skyldtes bruken av umalt tre i konstruksjonen. Senere begynte de å bruke røde og blå nyanser.

Hovedmaterialet for arkitektoniske bygninger i Japan anses å være tre. Dette skyldes at bestanden denne ressursen stor nok i landet. I tillegg til at treet leder varme godt og absorberer fuktighet, er det også praktisk under jordskjelv, som forekommer ganske ofte i Japan. Hvis et steinhus er veldig vanskelig å gjenskape etter ødeleggelse, er et trehus mye lettere.

Hovedtrekket i arkitekturen til Japan er tilstedeværelsen av jevne geometriske former. Oftest er dette trekanter og rektangler. Det er nesten umulig å møte jevnhet og rundhet av linjer i enhver struktur. Hovedprinsippet, basert på hvilket japanerne utstyrer hjemmene sine, er den uatskillelige eksistensen av innsiden av huset og utsiden. Dette gjelder japanske hager. De skal innredes i nøyaktig samme stil som selve huset. Ellers regnes det som dårlig smak og fullstendig dårlig smak. Japanerne legger spesiell vekt på hagene sine.

Japansk musikk

Når det gjelder musikalsk utvikling, så Japan til andre land, ved å bruke noen musikkinstrumenter. Men senere moderniserte hun dem under påvirkning av lokale smaker og tradisjoner. Den første innflytelsen på dannelsen av klassisk musikk i Japan var den lokale Dengaku-folkloren, blandet med utenlandsk påvirkning og ga opphav til musikken som for tiden er kjent for Japan.

Den religiøse siden av saken bidro også til det musikalske opphavet. Takket være kristendommen begynte orgelspillet å spre seg. Og buddhismen fremmet fløytespilling.

For tiden har klassisk musikk vunnet popularitet i Japan. Mange medlemmer av denne kreativitetscellen reiser utenfor Japan. Disse inkluderer Goto Midori, Ozawa Seiji og Uchida Mitsuko. Relativt nylig ble det åpnet haller designet for komfortabel lytting til klassisk musikk i Japan. Disse inkluderer Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, etc.

Husholdningstradisjoner i Japan

Japanerne er et veloppdragent folk som observerer deres tradisjoner og skikker. Respekt for deg selv og andre i Japan anses som normen. Fra barndommen blir barn lært normene for gode manerer, forklare dem de grunnleggende verdiene til det japanske folket, og opplyse dem på alle mulige måter. Og alt er til fordel for samfunnet. Enhver turist som kommer til Land of the Rising Sun fra et annet land er overrasket over hvor vennlige, vennlige og veloppdragne japanerne er.

I motsetning til europeiske land har Japan lenge hatt forbud mot røyking på offentlige steder. Dette gjelder også privat eiendom. Røyking i nærheten av andre mennesker er kun tillatt hvis de har gitt sitt samtykke.

Japanerne følger blant annet strengt alle hygieneregler som samfunnet dikterer dem. For eksempel, i ethvert rom, inkludert religiøse bygninger, er det spesielle halmtepper. Du kan ikke gå på dem i sko, de anses ikke bare som en interiørdekorasjon, men også som en ekte helligbrøde. Japanerne bestemte seg også for å beskytte seg mot mulige bakterier som de tar med seg fra toalettet på føttene. På ethvert offentlig sted og i leiligheter er det spesielle tøfler for toalettet, som ikke tillater overføring av skadelige bakterier til andre rom.

Å spise for japanerne regnes ikke som en livsprosess, men en ekte kult. Før de spiser, tørker japanerne alltid av hendene med et spesielt håndkle dynket i vann, som kalles oshibori. Bordsetting skjer ikke tilfeldig, men etter en spesiell ordning. Til og med hver enhet har sin egen plass. Japanerne deler dem inn i hann og hunn, og dette er veldig viktig for dem. Skjeer i Japan brukes bare til å spise o-sonesuppe, som er tilberedt til nyttår, japanerne foretrekker å drikke andre forretter utelukkende fra spesielle boller. Dessuten regnes det ikke som dårlig form å smaske med leppene under et måltid. Det antas at på denne måten blir smaken av retten bedre avslørt.

Relevansen av god form i Japan bevises ved tilstedeværelsen av følgende regler:

• Det er nødvendig å diskutere sted og tidspunkt for møtet på forhånd. Å komme for sent i Japan anses som frekt og utenfor anstendighetens grenser.
• Du kan ikke avbryte samtalepartneren, du må tålmodig vente på at personen skal si fra, og deretter begynne å uttrykke sin mening.
• Hvis du ringer feil nummer, må du be om unnskyldning.
• Hvis noen kom deg til unnsetning, må du definitivt takke ham.
• Noen gjester til japanerne kan betraktes som ære. For dem tildeler de til og med en spesiell plass ved bordet, som som regel er den mest ekstreme fra inngangen til rommet.
• Når man gir en gave til japanerne, bør man be om unnskyldning for å være ydmyk til tross for hva det er. Det er reglene, du bør ikke bryte dem.
• Sittende ved middagsbordet kan menn krysse bena, mens kvinner er strengt forbudt å gjøre dette. Bena skal være gjemt inn og peke i én retning.

Tradisjonene i Japans liv inkluderer også ære for mennesker som er eldre. Det spiller ingen rolle hva en persons yrke, inntekt, utseende eller karaktertrekk er, hvis han er eldre, må han behandles med respekt. Alderdom i Japan inspirerer til respekt og stolthet. Dette betyr at personen har kommet langt og nå fortjener han heder.

Hjelp nettstedet: Klikk på knappene

Hallo, kjære lesere søkere etter kunnskap og sannhet!

I dag inviterer vi deg til å berøre skjønnheten og snakke om kunsten i det gamle Japan. I artikkelen nedenfor vil vi kort gjennomgå stadiene av historien som påvirket dannelsen av japansk kunst, og deretter dvele ved hver av komponentene i mer detalj. Du vil lære om funksjonene til ikke bare tradisjonelle typer, som arkitektur, maleri, men også om kampkunst, miniatyrer, teater, parker og mye mer.

Så artikkelen lover å være interessant, og viktigst av alt - informativ!

Historiske perioder

The Land of the Rising Sun har en unik kultur, nedfelt i tradisjonelle originale bygninger og templer, malerier, skulpturer, dekorasjoner, hager, litterære verk. I de siste århundrene har slike ikke-trivielle områder som tresnitt, poesi, origami, bonsai, ikebana og til og med manga og anime blitt populært. Alle tok form i lang tid, forankret i antikken.

Svært lite var kjent om denne tiden før begynnelsen av forrige århundre, fordi Japan var et ganske lukket land for resten av verden. Imidlertid har det blitt utført en rekke studier siden den gang, de arkeologiske utgravningene som funnene er fantastiske. De viser at det allerede i det andre årtusen f.Kr. var et kulturelt japansk samfunn, og primitive stammer bodde på øyene for 15-12 tusen år siden.

Japansk kultur begynte å ta form rundt det 4. årtusen f.Kr., men nådde sitt høydepunkt i middelalderen – i perioden fra 600- til 1700-tallet.

Gammel japansk historie begynner i forhistorisk tid og slutter med Heian-stadiet på 800-900-tallet, selv om mange forskere også inkluderer senere perioder. I denne forbindelse skilles tre hovedstadier, som igjen er delt inn i mindre perioder, eller jidai. Hver av dem er preget av utseendet til nye produkter, strukturer, stiler.

1. Primitivt fellessystem

Det primitive samfunnet i Japan eksisterte i den neolitiske epoken, da de første steinverktøyene dukket opp, så vel som under Jomon- og Yayoi-perioden. Det antas at Jōmon varte fra det 10. årtusen til det 4. århundre f.Kr. Så begynte den første keramikken å dukke opp, som hadde samme navn som hele epoken - jomon.

Jōmon lerkar

Disse karene var asymmetriske i form og hadde tradisjonelle ornamenter i form av et vridd tau. Det antas at de ble brukt i ulike ritualer og ritualer. Samtidig dukket det opp ulike typer smykker - øredobber, armbånd og halskjeder laget av leire, dyretenner, skjell, steiner, krystall.

Øredobber og armbånd av leire fra Jomon-perioden

I det tredje århundre f.Kr. begynte Yayoi-tiden, som varte i seks århundrer. Deretter lokalbefolkningen de lærte å dyrke risavlinger, tok opp jordbruk, fortsatte å mestre keramikkkunsten, og begynte også å smelte metaller, hvorav det viktigste var jern, laget våpen av kobber og klokker av bronse.

Dotaku bronseklokke, slutten av Yayoi-tiden

• Dannelsen av staten Japansk stat begynte å ta form fra det 4. til det 8. århundre. Denne perioden er kjent som Kofun- og Yamato-perioden. Så dukket det opp et helt nettverk av gravhauger i landet, og Japan selv begynte å bevege seg nærmere det himmelske riket, og tok uunngåelig i bruk religion - og med det - arkitektur, skulptur. Tidens viktigste bygning er Horyu-ji, representert ved en pagode i fem lag. Spesielle skulpturer laget av leire, kalt "khaniva", begynte å bli installert nær haugene.

Horyu-ji, Japan

• Etablering av lover Dette stadiet faller på periodene Nara (VIII århundre) og Heian (sent VIII-XII århundre). I det øyeblikket kommer japanerne enda nærmere naboene - kineserne og koreanerne, sammen med det buddhistiske konseptet, låner de også konfucianske og taoistiske konsepter, tar i bruk metallbearbeidingsteknikker, konstruksjonsmetoder og bygningsdesign, nye trender innen maleri. Arkitektur er spesielt i endring - enkle shinto-helligdommer blir erstattet av buddhistiske stupaer som ligner på indiske. I boligene til vanlige mennesker, i stedet for bar jord, dukket det opp treplanker på gulvet, og sypresstak dukket opp på toppen.

Skildring av Nara-perioden i Japan

Hvis vi snakker om et senere tidspunkt, kan vi skille flere perioder og deres viktigste kulturelle trekk:

• Karakum (XII-XIV århundre) - utseendet til samurai og kampsport;
• Sengoku og Jidai (XV-XVI århundrer) - tiden for europeisk ekspansjon inn i østens verden, der kristendommen og vestlige kulturelle trender trengte inn til og med inn i landet til den stigende solen;
• Edo (XVII-XIX århundrer) - kraften til den berømte Tokugawa-familien, preget av isolasjonen av Japan og utviklingen av kulturell identitet.

Alt som skjedde senere er allerede ny tid og modernitet, og nå er det utvilsomt, selv i relativt lukkede Japan, en viss kulturell globalisering- opplevelsen til vestlige mestere blir adoptert, og i vesten blir japanske motiver på sin side mote. Imidlertid har Japans kunst alltid hatt en spesiell smak, hatt egenskaper som er unike for den.

Enkelhet, proporsjonalitet med mennesket, konsisthet, naturlige materialer, enhet med naturen - slik kan du karakterisere japanske mesterverk, både gamle og moderne.

Maleri

Japan, som du vet, sto fra hverandre i lang tid, grensene var stengt for andre land. Da japanerne, med ankomsten av det 7. århundre, begynte å kommunisere oftere og oftere med naboene sine, for å knytte bånd til den kontinentale verden, oppdaget de maling, pergament, blekk og med dem kunst.

Til å begynne med var det ekstremt enkelt og konsist: enkle bilder ble laget på svart eller hvitt papir, vanligvis en av tre farger - gul, grønn eller rød. Men gradvis vokste ferdighetene til lokale malere, og i stor grad på grunn av spredningen av Buddhas lære, ettersom flere og flere bilder ble skapt fra livet til læreren og hans elever.

Bilder med buddhistiske temaer i det gamle Japan

På 900-tallet hadde Japan allerede dannet sin egen gren av maleri, som var uavhengig av kineserne. Samtidig begynte buddhismens rolle å svekkes, og religiøse motiver ble erstattet av de såkalte sekulære, det vil si sekulære, som var spesielt populære under Tokugawa-familiens regjeringstid.

Shoguns fra Tokugawa-dynastiet

Kaiga, som japanerne kalte maleriet, fikk helt andre former og stiler, og naturen tok en viktig plass i det. Siden den gang har maleriet manifestert seg i nye former:

• Yamato-e er hovedskolen for malere. Det oppsto på 900-1000-tallet og ble støttet av Kunstakademiet under keiseren. Verkene var rullet ruller, som avbildet litterære plott kombinert med dyktig kalligrafi. Det var to hovedtyper av ruller: emakimono - mange meter lang, brettet horisontalt og ofte sett på bordet, og kakimono - brettet vertikalt og hengt på veggen. Vanligvis ble silke eller papir malt i yamato-e-stilen, men senere ble keramiske retter, nasjonale klær, vifter, vegger og skjermer i økende grad brukt som lerret. Det ble lagt særlig vekt på å formidle sinnstilstanden.
• Sumi-e - som en uavhengig stil ble dannet rundt XIV århundre. Funksjonene er bruken av akvarell og svart-hvitt-farger.
• Portretter - ble populært i XIII-XIV århundrer.
• Landskap - oppnådd popularitet i XIV-XV århundrer, hovedsakelig på grunn av spredningen av Zen-buddhismen over hele landet, som er basert på ideen om kontemplasjon og enhet med naturen.
• Ukiyo-e er et karakteristisk lyst maleri på brettene. Den dukket opp på 1600-tallet og inneholdt bilder av natur, kjente japanske geisha- eller Kabuki-teaterkunstnere. Et århundre senere ble denne trenden så populær at den til og med vant europeernes hjerter - de begynte å bruke denne stilen i sine egne verk.

Tradisjonelt Ukiyo-e-trykk

arkitektonisk retning

Opprinnelig ble japansk arkitektur redusert til bygging av gamle tradisjonelle hus - haniwa. De ble opprettet før det 4. århundre, og deres utseende kan bare bedømmes av de overlevende miniatyrmodellene og -tegningene, siden de ikke har overlevd til i dag.

Her gikk livet og livet til vanlige mennesker. Dette var originale dugouts, dekket ovenfra med en halmtak. Den ble støttet av spesielle trerammer.

Senere dukket takayuka opp - en analog av kornmagasiner. De besto også av spesielle støttebjelker, som gjorde det mulig å redde avlingen fra naturkatastrofer og skadedyr.

Omtrent på samme tid, i I-III århundrer, begynte templer av den gamle shinto-religionen å dukke opp til ære for gudene som nedlatende naturkreftene. De ble oftest bygget av ubehandlet og umalt sypress, og hadde en lakonisk rektangulær form.

Stråtaket eller furutaket var gavl, og selve strukturene ble bygget på søyler omgitt av paviljonger. Et annet karakteristisk trekk ved Shinto-helligdommer er den U-formede porten foran inngangen.

I Shinto er det en lov om fornyelse: hvert tjuende år ble templet ødelagt, og nesten nøyaktig det samme, men nytt, ble bygget på samme sted.

Det mest kjente slike tempel heter Ise. Den ble først bygget i begynnelsen av det 1. årtusen og ble ifølge tradisjonen stadig gjenoppbygd. Ise består av to lignende komplekser som ligger litt fra hverandre: den første er dedikert til solens krefter, den andre er dedikert til fruktbarhetens guddom.

Siden 600-tallet begynte den buddhistiske læren som kom fra Kina og Korea å spre seg i Land of the Rising Sun, og med det prinsippene for å bygge buddhistiske templer. Først representerte de kinesiske kopier, men senere begynte en spesiell, virkelig japansk stil å spores i tempelarkitekturen.

Strukturene ble bygget asymmetrisk, som om de smeltet sammen med naturen. Konsisthet og klarhet i former, en treramme, kombinert med et steinfundament, pagoder i flere nivåer, ikke for lyse farger - dette er det som skiller datidens helligdommer.

Mange av dem har overlevd til i dag. Arkitekturmonumenter inkluderer Horyu-ji fra begynnelsen av 700-tallet med sitt berømte gylne tempel og 40 andre bygninger, Todai-ji fra midten av 800-tallet i byen Nara, som fortsatt regnes som den største trekonstruksjonen på planet. Samtidig er buddhistisk arkitektur tett sammenvevd med skulptur og maleri, som skildrer guddommer og motiver fra lærerens liv.

Todai-ji tempel

Ved overgangen til 1100- og 1200-tallet begynte føydalismen i staten, og derfor ble Shinden-stilen, som er preget av prakt, populær. Den ble erstattet av sein-stilen, i spissen for det er enkelhet og litt intimitet: i stedet for vegger er det nesten vektløse skjermer, på gulvet er det matter og tatami.

Samtidig begynte palasser-templer av lokale føydale herrer å dukke opp. Mesterverk av denne typen struktur er den berømte Kinkaku-ji fra 1300-tallet, eller Golden Pavilion, samt Ginkaku-ji fra 1400-tallet, også kjent som Silver Temple.

Ginkakuji-tempelet (den gyldne paviljongen)

Sammen med palasser-templer i XIV-XV århundrer begynte landskapshagekunst å dukke opp. På mange måter skyldes dets utseende penetrasjonen av Zens kontemplative lære i Japan. Hager begynte å dukke opp rundt templer og store boliger, der hovedkomponentene ikke bare var planter, blomster, men også steiner, vann, samt sand- og rullesteinshauger, som symboliserer vannelementet.

Den unike byen Kyoto er kjent over hele verden.

En annen type hage er en tehage, som kalles "tyaniva". Den omkranser tehuset, hvor det holdes en spesiell, rolig seremoni, og en spesiell sti går gjennom hele hagen til huset. Etter å ha dukket opp i middelalderen, finnes pulling overalt i dag.

Skulpturell retning

Skulptur i det gamle Japan er for det meste assosiert med religiøse og rituelle tradisjoner. Også i III-V århundrer folk lærte å lage små figurer kalt dogu.

Dogu avbildet mennesker, dyr, og gitt at de ble funnet i hauger, kan vi konkludere med at de ble lagt i graven sammen med de døde - dette var deres tjenere som kunne være nyttige i den neste verden. Dogu var leire, bronse, tre, lakk figurer. Senere ble det også opprettet større statuer av guddommer nær hauger og shinto-helligdommer.

dogu figur

Buddhismens ankomst til landet påvirket selvfølgelig den lokale skulpturen. Tallrike monumenter til Buddha begynte å dukke opp på 600-700-tallet. Etter de kinesiske og koreanske mesterne begynte lokale skulptører sin reise.

På 900-tallet begynte den skulpturelle retningen å utvikle seg enda mer, men buddhaenes utseende endret seg og de begynte å ha flere, opptil tusen, ansikter og hender. Oftest var de laget av sterke tresorter, lakk, bronse, leire.

Mange vakre monumenter har overlevd til i dag. For eksempel, i tempelet til Haryu-ji, sitter en majestetisk Buddha-figur på en lotusblomst, og i Todai-ji er det et helt ensemble av guddommer ledet av en 16 meter lang Buddha, som ble skapt av skulptørene Kaikei og Unkei .

Andre typer

Japansk kunst er mangefasettert, og du kan snakke om det i timevis. La oss snakke om flere andre typer kunst som oppsto i antikken.

• Kalligrafi

Det kalles sedo, som betyr «varslingsveien». Kalligrafi i Japan dukket opp takket være de vakre hieroglyfene som ble lånt fra kineserne. I mange moderne skoler regnes det som et obligatorisk fag.

• haiku eller haiku

Haiku er en spesiell japansk lyrisk poesi som dukket opp på 1300-tallet. Poeten kalles "haijin".

• Origami

Dette navnet oversettes som "papir som har blitt brettet." Origami kommer fra Midtriket og ble opprinnelig brukt i ritualer og var en okkupasjon for adelen, men har nylig spredt seg over hele verden.

eldgammel kunst origami i japan

• Ikebana

Ordet i oversettelse betyr "levende blomster". Som origami ble den opprinnelig brukt i ritualer.

• Miniatyrer

De to vanligste typene miniatyrer er bonsai og netsuke. Bonsai er kopier av ekte trær i sterkt redusert form. Netsuke er små figurer som talisman sjarm som dukket opp på 1700- og 1800-tallet.

• Kampsport

De er først og fremst assosiert med samurai - en slags ridderlighet, ninja - leiemordere, leiesoldater, bushido - krigere.

• Teaterkunst

Det mest kjente teatret, stoltheten til alle japanere, er det klassiske Kabuki-teatret. Du kan lese mer om teaterkunst i Japan.

Kabuki teater i Japan

Konklusjon

Som vi kan se av artikkelen, er Japan en hel skattkammer av mesterverk av kunst, ikke bare på nasjonalt, men også på global skala. Siden antikken, som begynner lenge før vår tidsregning, begynte japanerne å skape og skape vakre ting rundt: malerier, bygninger, statuer, dikt, parker, miniatyrer - og dette er ikke hele listen.

Interessant nok er funksjonene innebygd i japansk kultur antikken, kan spores i vår tids kreasjoner - dette er enkelhet, konsisthet, naturlighet, ønsket om harmoni med naturen.

Tusen takk for oppmerksomheten, kjære lesere! Vi håper at du i dag har lært mye om et så mystisk og fjernt land som Japan. Bli med oss ​​- legg igjen kommentarer, del lenker til artikler med venner - vi vil bli veldig glade for å utforske mystisk verdenØst med deg!

Ser deg snart!