Jean-Christophe Maillot: «I forholdet mellom en mann og en kvinne er det verste kjedsomheten. Biografi Glad i isolasjon

I fyrstedømmet Monaco ble året for russisk kultur avsluttet med en serie nyttårs nøtteknekkere på scenen til Grimaldi Forum: i balletten til den kunstneriske lederen og koreografen ved Monte-Carlo Ballet Jean-Christophe Maillot, de ledende delene ble fremført av solister Bolshoi teater Olga Smirnova og Artem Ovcharenko. Fra Monte Carlo - TATYANA KUZNETSOVA.

Gjenopptakelse av balletten

Under oppsetningen av The Taming of the Shrew til musikken til Sjostakovitsj i Moskva (den suksessrike balletten, sammen med de ledende skuespillerne, tok tak i flere gyldne masker og vil vises online på kinoer rundt om i verden om et par uker), var koreografen Jean-Christophe Maillot ble betatt av Moskva-artister, og dette er andre gang han inviterer kjæledyrene sine til Monte Carlo. Denne gangen danset Olga Smirnova og Artem Ovcharenko i andre akt av The Nutcracker Troupe, som for første gang i kompaniets historie kom på storskjerm: Nyttårsaften-forestillingen ble sendt over hele Europa. Dette er lykke, ikke bare for Monte-Carlo-balletten, men også for publikum. Nøtteknekkertroppen er den eneste balletten som dette ettertraktede kompaniet ikke tar med på turné: Kunstneren Alain Lagarde kom med en uutholdelig scenografi som i første akt imiterer det teatralske backstage i livsstørrelse (ballett klasse, garderober, garderober), og i det andre - overføring av helter fra en snødekt skog til naturen til forskjellige balletter.

Scenografien følger handlingen nøyaktig: «Nøtteknekkertroppen», komponert av Jean-Christophe Maillot helt på slutten av 2013 til 20-årsjubileet for hans tid som art director for troppen, er en munter og vittig fortelling om nylig historie Ballet of Monte Carlo (se Kommersant datert 11. januar 2014). Den første akten forteller om en liten revolusjon gjort av Fairy Drosselmeyer, som ga ballettdyrene hennes Nøtteknekkeren, en vill koreograf. Under eventyrkarakter skjuler den virkelige prinsesse Caroline, som betrodde troppen, oppdratt i klassiske tradisjoner, til den unge Mayo, hvis gamblingoppfinnelse møtte betydelig motstand fra de mest akademiske solistene. Andre akt er et sammendrag av det beste Balletter Mayo: "Askepott", "La Belle" ("Sleeping Beauty"), "Le Songe" ("Sov inn" midtsommernatt"), "Romeo og Julie". Temaene søvn og delt kjærlighet dominerer her: den bebrillede jenta Clara, den tafatte datteren til koreografene fra første akt (ballettparet av akademiske koreografer betyr den berømte tandem Pierre Lacotte - Ghislaine Tesmar ), ser på seg selv som heltinnen i alle historier og samtidig stjernen i troppen.

Dette var tilfellet for to år siden, men har med gjenopptakelsen av konseptet – og selve forestillingen – gjennomgått merkbare endringer. Invitasjonen fra stjernene i Bolshoi reduserte rollen som Anhara Ballesteros betydelig: Clara hennes forblir en bebrillet dust som ikke har avansert utover rollen som den forsømte Askepott - Olga Smirnova og hennes kavaler Artem Ovcharenko spiller i stjerneroller. Premieren på Bolsjojteatret forble tro mot seg selv: upåklagelig hjelpsom, mild og akademisk, ingenting hardt, ingenting vulgært - legemliggjørelsen av ballettintelligens; selv i den viltende sirkusfinalen, hvor klassiske pas blir gjenfødt til triks, ser hans jete en tournant, utmerket i form, delikat og veloppdragen ut. Men Olga Smirnova, en Petersburger av ballettopprinnelse, berømt for den spesielle strengheten og renheten i sin kyske dans, viste seg å være ulik henne selv i Mayos koreografi. Nei, saftig skuespill med et aktivt, nesten homofil ansiktsuttrykk, nødvendig og passende i denne forestillingen, er fortsatt fremmed for henne: bare øyne lever på ballerinaens gjennomsiktige ansikt. Kroppen hennes ble imidlertid fullstendig kvitt akademisk geometri: frykt og lykke, avsky og smerte, frykt og håp, sløvhet og begjær - alle subtilitetene til følelsene til de tre karakterene hennes kan leses i kroppens kurver, i det frie bevegelse av armene hennes, i plutselige endringer i holdninger, i vestlig synkopert bevegelsesmåte. For Moskva-solistene omarbeidet Jean-Christophe Maillot koreografien, og ga dem en fullverdig romantisk adagio: i den støttet den eksemplariske russiske statsministeren en universell prima av internasjonal klasse.

Koreografen introduserte utenlandske stjerner i forestillingen, og glemte ikke lokale behov - om å fylle opp sin egen tropp. Et rettferdig fragment av første akt - den der artistene til musikken til Tchaikovskys Serenade lærer en godmodig parodi på Balanchine - Mayo omarbeidet, og ga barna fra Monte Carlo Ballet School. Ungdommene taklet med hell en ganske kompleks tekst og koordinering, til tross for at jenter, i henhold til tenåringsskikk, var nesten et hode høyere enn jevnaldrende.

Men de to tapene troppen led siden premieren for to år siden viste seg å være uopprettelige. Bernice Coppieters, prima og muse for koreografen Mayo, en ballerina med uetterlignelig plastisitet og fengslende karisma, har trukket seg tilbake. Marianna Barabas, som erstattet henne i rollen som Drosselmeyer-feen, er en høy blond kvinne med sterke, vakre ben og harde hender, imiterer gestene til forgjengeren etter beste evne, men hun har verken det forførende og imperiale aristokratiet , verken kroppslig allmakt, heller ikke transcendental perfeksjon, eller prototypens menneskelige humor. Det andre tapet er selve nøtteknekkeren. Festens første utøver - lille Jeroen Verbruggen, som spyr ut rasende energi - gikk til koreografene og sluttet i troppen. Rollen gikk til statsminister Stéphane Burgon, en sangvinsk danser som i alle roller, fra Faust til Siegfried, viser ingenting annet enn usofistikert selvtilfredshet. Som et resultat hovedperson Forestillingen fra en inspirert neurasteniker, hvis anfall av selvsikker inspirasjon er erstattet av kolikk av vantro på seg selv, har forvandlet seg til en munter og bekymringsløs klovn, som erter de rundt seg uten skade på mental helse.

Men disse skuffende endringene er merkbare bare for de som ble forelsket i Nøtteknekkertroppen på forestillinger for to år siden. Den nåværende vekkelsen, som ble sendt over hele Europa, skuffet tydeligvis ikke publikum: forestillingen er fortsatt lys, vittig og rørende. Det er bare det at aksentene har skiftet i det: i stedet for prinsessen og koreografen har troppen kommet i forgrunnen. Dog i full overensstemmelse med ballettens navn.

Alt som skjer på Monte-Carlo Ballet Theatre virker viktig og nært oss – tross alt er det regissert av Jean-Christophe Maillot, koreografen som vi ble forelsket i ved første blikk da vi så balletten hans Daphnis and Chloe tilbake i 2012. Så satte han opp The Taming of the Shrew på Bolshoi Theatre, og denne sesongen viste han oss Askepott (i St. Petersburg) og Beauty (i Moskva). Jean-Christophe - interessant personlighet og sjarmerende person. I et intervju med Olga Rusanova fortalte han om interessen for plottløse balletter, Marius Petipa og hvordan det er å være koreograf i lille Monaco.

Abstraksjon er livet?

Publikum kjenner mine balletter godt, og dette, faktisk, en viktig del min kreativitet. Men jeg har også stor glede av å lage rene bevegelser som er relatert til musikk. Ja, denne kunsten ser ut til å være abstrakt, men jeg tror ikke at det er noe helt abstrakt, siden alt som en person gjør bærer på en slags følelser, følelse. Dessuten elsker jeg å utforske dette veldig spesifikke forholdet mellom bevegelse og musikk. Og når jeg ikke trenger å holde meg til historien, kan jeg være mer vågal, til og med ta risiko i å forske på koreografien. Dette er et slags laboratorium som fenger meg. Og dette er også en viktig del av arbeidet mitt, kanskje mindre kjent, men det inneholder, om du vil, essensen av ballett, bevegelse som sådan.

Min siste ballett, Abstraksjon/Life, ble skapt til helt ny musikk – en cellokonsert fransk komponist Bruno Mantovani med tittelen "Abstraksjon". Det er et veldig stort partitur - nesten 50 minutter - og jeg er inspirert av ideen om å jobbe med en komponist.

Jeg likte selvfølgelig også å jobbe med Sjostakovitsjs musikk – jeg mener balletten «The Taming of the Shrew», da jeg ut fra verkene hans på en måte skapte et nytt partitur til en ballett som ikke fantes i virkeligheten. Men likevel, når en komponist komponerer spesielt for meg, er det en helt annen sak. Dessuten består denne ballettkvelden av to deler - i første del er det George Balanchines ballett til musikken til Stravinskys fiolinkonsert. La meg minne deg på Balanchines setning: "Jeg prøver å lytte til dansen og se musikken." Så jeg, etter Balanchine, ønsker å få musikken til å virke synlig. Ofte samtidsmusikk vanskelig å forstå alene. Og dans, bevegelse gjør det så å si mulig å "gjenopplive" det, å gjøre det mer naturlig for persepsjonen. tiya. På dette tidspunktet skjer det virkelig noe. et mirakel... Generelt sett, som koreograf, komponerer jeg alltid en dans sammen med musikk, jeg kan ikke forestille meg et eneste trinn, en eneste bevegelse uten det, for etter min mening er musikk en kunst av høyeste orden , alltid adressert til følelser, selv om det er komplekst, uforståelig. Og det er dansen, kroppens bevegelser som kan formidle denne følelsen, hvordan man forteller den, og dette, skjønner du, berører.

Og videre. Kunstneren må være et vitne til tiden han lever i, å gi opplysninger om virkelige verden. Jeg snakket om dette med forfatteren av konserten, Bruno Mantovani. Musikken hans er noen ganger for komplisert, tøff, som du hørte. Han sa: «På det 20. århundre, og enda mer i dag, er grusomhet overalt. Verden vokser, det er flere og flere mennesker. Mye frykt, spørsmål, forvirring... Jeg kan ikke skrive myk, øm musikk, jeg må reflektere virkeligheten.»

Petipa, Diaghilev og Instagram

Petipa er noe eksepsjonelt, spesielt, unikt. Da var det ingen andre koreografer som ham. Jeg tror han er en av de første som fikk begrepet dans som et selvforsynt språk, som ingenting trenger å tenkes ut på, lagt til. Ballett i hans tilfelle er faktisk nok til å bygge en forestilling.

Hvorfor snakker vi fortsatt om Petipa? «Fordi det er kjernen i alt som er ballett. Ingen ville vært der han er i dag hvis ikke for det Petipa gjorde. Det er utgangspunktet, starten på kunnskapen om ballett som vi har i dag. Og siden han gikk over år, århundrer, generasjoner, betyr det at han var noe veldig viktig, og dette er åpenbart.

Og i dag, når vi lager en stor plotballett, tenker vi fortsatt på Swan Lake, fordi dette er grunnlaget for klassisk ballett, som hver koreograf er avhengig av. Det var den første slike basen for å bygge videre et nytt konsept, en ny stil tenkning, nye ideer. På den tiden fantes det ingen video, kino, vi hadde bare denne helt spesifikke evnen til dans til å overføre denne kunnskapen gjennom tid, gjennom generasjoner.

Vel, Petipas fenomen er også interessant som et eksempel på gjensidig penetrering av kulturer. Ballettene hans har i mange år vist at dans er et utmerket grunnlag for kommunikasjon i internasjonal målestokk, fordi det er vår gjensidig språk. Da jeg kom til Bolshoi Theatre og jobbet med solistene til troppen, kunne jeg ikke la være å tenke på Petipa, på hvordan denne franske fyren kom fra Marseille til Russland, og etter å ha møtt russisk kultur, prøvde russiske dansere å kombinere begge deler. kulturer.

Dette er veldig viktig å huske, spesielt i dag, fordi kulturelle forskjeller sakte forsvinner. Vi smelter mer og mer inn i hverandre, blander oss. Det ser ut til at ganske nylig, hvis vi ikke så kollegene våre på 5–6 år, visste vi ikke hva de gjorde, og nå, takket være sosiale nettverk og Instagram, strømmer informasjonen konstant. Alt ser ut til å skje over alt på samme tid. Dette er både bra og dårlig.

Jeg tenker: hva ville skje med Grigorovich hvis Facebook og alt som eksisterte da, hvis han visste hva Trisha Brown gjorde i New York på samme tid? Ville alt i ballettene hans være det samme? Ikke sannsynlig, og vi kunne nok bare angre på det.

Måten til russiske dansere var opprinnelig ganske forskjellig fra franske og amerikanske, men tiden går, og du forstår at det som var annerledes for 20 år siden, nå blir stadig mer utvisket, oppløst, trukket nærmere. Og jeg ser dette i mitt selskap, der representanter for ulike nasjonaliteter danser.

Universaliteten i tenkning, stil, estetikk – ja, på noen måter er det flott, men gradvis vil vi miste identiteten vår. Uvitende kopierer vi hverandre mer og mer. Og kanskje var det Petipa som var en av de første som provoserte frem denne prosessen. Det var han som, etter å ha forlatt Frankrike, brakte sin kultur til et annet land, til Russland. Og kanskje var det derfor hun ble så ekstraordinær...

Generelt tror jeg oppgaven til enhver kunstner er å referere til det som ble gjort før deg, å kjenne arven, å behandle den med respekt og nysgjerrighet. Å kjenne historien er veldig viktig, men samtidig må du på et tidspunkt "glemme" denne kunnskapen for å komme videre. Jeg blir ofte spurt om Russian Seasons-troppen av Sergei Diaghilev, som jobbet i Monte Carlo, der teateret vårt opererer. Selvfølgelig var det et meget interessant fenomen når kompaniet samlet komponister, artister, koreografer, ga to eller tre balletter per kveld. I dag er det mange som gjør dette, men da var de de første. For meg er ikke Diaghilevs russiske årstider mindre viktig enn Petipas.

Bezharovsky-danser

Jeg vokste opp i en teaterfamilie. Faren min var scenograf ved Opera- og Ballettteateret. Hjemme, i Touren, samlet sangere, dansere, regissører, du kan si at jeg er født og oppvokst i teateret. Jeg hang der i timevis. Det er derfor jeg ikke liker opera tidlige år sett henne for mye. Samtidig vil jeg ikke si at jeg vokste opp i dansens verden, snarere i et kunstnerisk miljø. I lang tid kunne jeg egentlig ikke betrakte meg selv som en spesialist innen dans - før jeg var 32 år gammel.

Jeg var danser - jeg studerte ved konservatoriet i Tours, deretter i Cannes. Jeg kunne ikke så mye om dans, jeg lurte alltid mer på livet enn på koreografiens historie. Jeg husker hvordan jeg som barn ble imponert av Maurice Béjart, spesielt av skuespillet hans Nijinsky, Guds klovn. Og når jeg var i hagen (og jeg vokste ikke opp i det mest respektable området mitt hjemby Tura) spurte guttene: "Hva slags danser er du? Klassisk eller Bezharovsky?", svarte jeg: "Bezharovsky". Ellers hadde de nok ikke forstått meg, og kanskje hadde de slått meg. Vi vokste opp i en folkekultur i stedet for klassisk dans.

Så begynte jeg å lære noe viktig om ballett, hovedsakelig gjennom danserne: Jeg snakker om Baryshnikov i Giselle, Makarova i Svanesjøen. Jeg oppdaget Balanchine og vi iscenesatte nitten av ballettene hans i selskapet vårt.

Det viktigste er danserne

Jeg oppdaget virkelig Yuri Grigorovich i 2012 da jeg så balletten hans Ivan the Terrible. Jeg ble slått, betatt. Det som imponerte meg mest var ikke engang koreografien – veldig interessant i seg selv, men danserne, deres engasjement, troen på det de gjør. Det rørte meg. Og jeg skjønte igjen at danserne er hovedsaken i ballett. Ja, selvfølgelig, de trenger en koreograf, men en koreograf uten dansere er ingen. Vi må ikke glemme det. Hvis du vil, er dette min besettelse. Jobben min er å være i studio med mennesker – spesielle mennesker: skjøre, sårbare og veldig ærlige, selv når de lyver. Jeg er alltid interessert i artistene jeg deler musikk med, dansespråket der de kan uttrykke det vi føler sammen. Og vi håper alltid at denne bølgen av følelser vil overføres fra scenen til salen og forene oss alle sammen.

Glad isolert

Jeg føler meg ikke så knyttet til ballettverdenen: her i Monaco er jeg på en måte "isolert". Men jeg liker dette stedet fordi det ser ut som meg. Dette landet er spesielt – veldig lite, to kvadratkilometer totalt, men alle vet om det. Monaco er et veldig forførende sted: det er ingen streiker, sosiale og økonomiske problemer, ingen konflikter, ingen fattige, arbeidsløse. Prinsesse Caroline av Monaco har gitt meg den fantastiske muligheten til å jobbe her i 25 år. Jeg er ikke en del av mektige institusjoner som Kongelig ballett, Stort teater, Paris Opera, en del av internasjonale selskaper. Jeg er ensom, men jeg kan bringe hele verden hit.

Og å være her «isolert», er jeg glad. Og hvis ballettverdenen i morgen annonserer en boikott av meg, er det greit, jeg skal jobbe her. Verken prinsen eller prinsessen sier noen gang til meg: "Du må gjøre det og det." Jeg har en fantastisk mulighet til å være ærlig, uavhengig, fri. Jeg kan gjøre hva jeg vil: sette opp forestillinger, holde festivaler.

Det er ikke noe annet teater i Monaco. Og jeg streber etter å gi det lokale publikum så mye som mulig, ikke å begrense det til repertoaret til Monte-Carlo Ballet Theatre. Hvis de i alle disse årene bare så ballettene våre, ville det bety at jeg lurer publikum om hva som skjer i ballettverden. Min oppgave er å få hit klassiske, moderne kompanier og andre koreografer. Jeg vil at menneskene som bor her skal ha de samme mulighetene som parisere og moskovitter. Så jeg må gjøre alt på en gang: å være engasjert i å sette opp balletter, samt turneer, festivaler og også Ballettakademiet. Men min oppgave var å finne en profesjonell regissør, ikke å gjøre jobben for ham, men å støtte ham.

Generelt, jo mer dyktige mennesker rundt deg - jo mer interessant og lettere er det for deg å gjøre jobben din. jeg liker smarte folk i nærheten - de gjør deg smartere.

Jeg hater tanken på at regissøren må være et monster, for å vise styrke, for å gjøre folk redde for seg selv. Det er ikke vanskelig å utøve makt over mennesker som er praktisk talt nakne foran deg hver dag. Men dette er veldig sårbare, usikre mennesker. Og du kan ikke misbruke makten din. Og jeg elsker dansere, jeg sympatiserer selv med de svake, for det har de spesielt arbeid. Du ber en artist om å modnes ved tjue, men vanlige folk det kommer først ved førti, og det viser seg at når ekte modenhet kommer til danseren, "forlater kroppen".

Vårt firma – jeg vil ikke si «familie», for artistene er ikke mine barn – dette er et selskap av likesinnede. Jeg har aldri hatt et forhold til en tropp der frykt, sinne, konflikt ville leve. Det er ikke mitt.

Å være koreograf betyr å koble mennesker med ulike skoler, ulike mentaliteter, slik at de skaper en forestilling, og samtidig, i prosessen med å skape, vet man aldri nøyaktig hvem som vil vise seg å være det viktigste leddet i resultatet. . Det er alltid en laginnsats.

Kjære venner!
.
Vennlig hilsen nettstedets administrasjon

Regissør

Jean-Christophe Maillot

Biografi:

Jean-Christophe Maillot - fremragende koreograf og danser, eier høye titler og priser: Chevalier of the Order of Arts (Frankrike, 1992), Chevalier of the Order of Merit innen kunst (Monaco, 1999), Chevalier of the Order of the Legion of Honor, presentert av den franske presidenten Jacques Chirac i 2002 .

Han var hoveddanseren for Hamburg Ballet under ledelse av John Neumeier. I 1983 ble Jean-Christophe Maillot utnevnt til koreograf og direktør for Théâtre des Tours, som senere ble et av de nasjonale koreografiske sentrene i Frankrike. I 1993 inviterte Hennes Kongelige Høyhet Prinsessen av Hannover Jean-Christophe Maillot som direktør for Monte-Carlo Ballet. Som sjefskoreograf for troppen skapte han oppsiktsvekkende balletter: "Romeo og Julie", "Askepott", "Skjønnhet", "Hjem", "Recto Verso". J.C. Maillot gjenopptok en rekke mesterverk fra Ballets Russes i koreografien til M. Fokin, L. Myasin, V. Nijinsky, men viktigst av alt, han utvidet og styrket arven betydelig etter J. Balanchine, viktig for troppen, som han anser den største russiske koreografen i det tjuende århundre (i dag inkluderer repertoaret til Ballets de Monte-Carlo allerede ti av hans mesterverk).
Den unge regissøren åpnet stor kreativ frihet for troppen, skapte mer enn 40 premiereproduksjoner, 23 av dem i sin egen koreografi. I tillegg inviterte Jean-Christophe Maillot flest kjente koreografer modernitet til å jobbe i troppen hans. De mest fremragende koreografene på 1900-tallet iscenesatte forestillinger for Monte-Carlo Ballet: Maurice Béjart, John Neumeier, Jiri Kilian, William Forsythe. "Ballet Monte-Carlo" turnerer på scenene til de fleste kjente teatre USA, Europa og Asia.

Ballettene iscenesatt av Jean-Christophe Maillot ble ikoniske og ble triumferende presentert på scenene til verdens mest kjente teatre i London, Roma, Madrid, Paris, Brussel, Lisboa, Kairo, New York, Mexico City, Rio de Janeiro, San Paulo , Hong Kong, Seoul, Tokyo.

Filmer av Jean-Christophe Maillot:

Denne troppen har historiske, eldgamle forbindelser med Russland. Det var en gang i fyrstedømmet Monaco, Sergei Diaghilev plasserte basen for sin stjernebedrift. Etter impresarioens død falt troppen noen ganger fra hverandre, for så å forenes igjen, men som et resultat dukket den russiske balletten av Monte Carlo opp, der Leonid Myasin jobbet, som beholdt Diaghilevs sjeldenheter og skapte hans berømte forestillinger. Etter gambling hus og bilracing vant, og balletten gikk i skyggen, selv om troppen formelt eksisterte til tidlig på 60-tallet. I 1985 ble "barna til Terpsichore" tatt under beskyttelse av det regjerende huset i Monaco. Ordet "russisk" ble ekskludert fra navnet, personalet ble rekruttert, og resultatet ble den offisielle troppen til fyrstedømmet Monaco "Ballet de Monte Carlo". På begynnelsen av 90-tallet inviterte prinsesse Caroline av Hannover Jean-Christophe Maillot til å bli med på laget som art director, som allerede hadde erfaring som solist med Hamburg Ballet og direktør for teatret i Tours. I dag er en av de rikeste europeiske troppene her. I to tiår har Mayo, skaperen av sitt eget teater og en venn av prinsesse Caroline, kun satt opp forestillinger med likesinnede artister, og de forstår ham perfekt. Den internasjonale debuten til koreografen finner sted på Bolshoi Theatre, og vi spurte selveste Jean-Christophe Maillot om hans forberedelse.

kultur: Hvordan klarte Bolshoi-teatret å overtale deg – et hjemmemenneske – til å sette opp?
Mayo: Jeg er ikke så mye hjemmemenneske, vi turnerer mye. Men jeg komponerer balletter bare i mitt hjemlige teater, her har du rett. Og med Bolshoi - Sergei Filin overtalte tålmodig. Han snakket til meg slik jeg snakker til koreografer når jeg vil at de skal scene i Monaco. Han tilbød seg å komme til Moskva for å bli kjent med troppen. Kunstnerne ved Bolshoi Theatre viste fragmenter av Svanesjøen i Monte Carlo: Jeg så dem, de så på hvordan jeg jobber. På et tidspunkt tenkte jeg at det kanskje virkelig var på tide å ta en sjanse og prøve å iscenesette noe utenfor Monaco. Tilby noe Bolshoi Theatre - fantastisk! I tillegg føler jeg meg bra i Russland, og de pålegger meg ikke noe - sats hva du vil.

kultur: Hvorfor ønsket de seg «The Taming of the Shrew»?
Mayo: For meg er ballett erotisk kunst, og The Taming er Shakespeares mest sexy skuespill, skrevet med ironi, humor og en sunn dose kynisme. Samtalen om forholdet mellom mann og kvinne står meg nær.

kultur: Du gjentok flere ganger at kvinner sterkere enn menn. Tror du virkelig det?
Mayo: Ja, selv om damene fortsatt trenger oss.

kultur: I denne Shakespeare-historien fremhever regissører ofte temaet kvinners frigjøring.
Mayo: Kvinnens stilling har heldigvis endret seg mye. Men likevel eksisterer machismo og overvekt av maskulin i samfunnet. Jeg ville vise at menn likevel ikke kan leve uten kvinner. De løper etter damene, ikke omvendt. Hva er forholdet mellom Petruchio og Katarina? Dette er forholdet mellom to mennesker som ikke er i stand til å kontrollere lidenskapen og begjæret som har grepet dem. De har blitt kjent med kjærligheten som blåser i hodet og trosser fornuften. I The Shrew er spørsmålet ikke hvordan en kvinne blir lydig, men hvordan en mann til slutt er klar til å akseptere alt fra en kvinne hvis han er forelsket. Da kan hun virkelig gjøre alt - en mann blir svak under påvirkning av kvinnelige sjarm.

kultur: På prøven siterte du en venn av deg som beklaget: «Vi drømmer alltid om å gifte oss med en elskerinne, men det viser seg at vi giftet oss med kona vår». Ville det ikke vært det samme for Petruchio og Katarina?
Mayo: Jeg tror ikke de blir inkludert i husholdningens tyggegummi. Det er flere par i stykket. Bianca og Lucentio elsker også hverandre, de danser vakkert, vi ser deres gjensidige ømhet. I finalen er det en liten scene med tedrikking: Lucentio gir Bianca en kopp, og hun kaster den i ansiktet hans, fordi det ser ut til at teen er dårlig. Det er her vi forstår at Lucentio allerede er sammen med sin kone, og ikke med sin elsker. Og Petruchio og Katarina, som forlater scenen, rekker samtidig opp hendene for å gi hverandre en leken pendel. Og det virker for meg at i et så fantastisk forhold vil de tilbringe hele livet.

kultur: Ballettene dine inneholder ofte selvbiografiske motiver. Er de med i "Taming ..."?
Mayo: Dette er litt av min historie - jeg er forelsket i den sta og har bodd sammen med henne i ti år nå. Hun temmet meg. Vi krangler aldri eller krangler til og med, men vi provoserer hverandre konstant. Et slikt spill med katt og mus, og det lar deg ikke kjede deg. Kjedsomhet er det verste i livet til en mann og en kvinne. Man kan irritere hverandre, oppføre seg dårlig, være i eufori, bli innbilsk, krangle, men bare ikke bli lei.

kultur: Bernice Coppieters, din favorittballerina, kone og muse, jobber med deg i dag på Bolshoi...
Mayo: Jeg trenger en assistent som kjenner min måte å jobbe på. Kunstnerne mine forstår umiddelbart hva som må gjøres. Det var en slik sak. En solist, som jeg øvde med for første gang, danset forferdelig. Jeg spurte: "Kan du ikke løfte beinet høyere?" Han svarte: "Selvfølgelig kan jeg det, men jeg gjentar det du viste." Bena mine reiser seg ikke lenger så høyt som de gjorde for et par tiår siden. Kan du forestille deg hva en forestilling på Bolshoi Theatre ville blitt hvis artistene hadde kopiert meg? På øvelser improviserer jeg med utøvere, og når Moskva-dansere ser hvordan jeg komponerer bevegelser med Bernice og hvordan hun formidler nyanser (dette er det vanskeligste), blir alt klart for dem. Det vil si at jeg styrket Bernice til å vise hva jeg vil og hva jeg ikke kunne gjøre for henne før. Da jeg begynte å jobbe med Bernice var hun 23 og jeg ville regissere The Taming of the Shrew, men det gikk ikke.

kultur: Hvorfor valgte du musikken til Dmitri Sjostakovitsj?
Mayo:Å, nå skal jeg si noe originalt: Shostakovich - stor komponist. Musikken hans er universet: rik og fargerik. Den inneholder ikke bare drama og lidenskap, men grotesk, satire og et ironisk blikk på omgivelsene. Jeg er musiker av utdannelse, og for meg er det bare musikk som trekker alle følelser og følelser. Musikk er makt, den dikterer staten. Jeg gir ofte et slikt eksempel - enkelt, men forståelig og forståelig. Hvis din elskede forlater deg, og du hører på Adagietto fra Mahlers «Femte» i et tomt hus, så er det fare for å begå selvmord. Men hvis du setter på en Elvis Presley-plate, vil du mest sannsynlig ønske å erobre en annen kvinne så snart som mulig. Uansett vil det være et ønske om å oppdage noe nytt for deg selv.

På Bolsjojteatret er de vant til å holde innledende prøver til pianoet. Jeg krevde at de umiddelbart satte på plater – et orkesterfonogram. Artister må høre hele orkesteret, den fulle lyden av musikken. Da blir følelser født.

Sjostakovitsj ble også valgt fordi jeg kom til Russland og må ta et skritt mot ditt land. Russerne føler musikkverden Shostakovich, som er nær meg også. Jeg tok fragmenter fra ulike arbeider, men jeg vil at seeren skal glemme det og oppfatte musikken som et enkelt partitur. Ingen grunn til å gjette: det er fra Hamlet, King Lear, den niende symfonien. Jeg bygde dramaturgien, passet på at musikken hørtes ut som en helhet, som om komponisten selv hadde skrevet den til forestillingen vår.

kultur: Din sønn er kostymedesigneren. Hvilke antrekk var du ute etter?
Mayo: Jeg vil at folk ikke skal tenke på dans, men på livet sitt etter forestillingen. Derfor bør kostymene være lik de du kan bruke i dag og gå ut. Men samtidig skal de føle teatralitet og letthet, og gi kroppen frihet. Dansen kan tross alt ikke si alt, bare det kroppen kan formidle. Som Balanchine sa – jeg kan vise at denne kvinnen elsker denne mannen, men jeg kan ikke forklare at hun er hans svigermor.

kultur: Samfunnet "Venner Bolshoi-ballett” arrangerte et møte med deg på Bakhrushinsky-museet. Uttrykket til assistenten din: "Før du gjør" temming ... "i Bolshoi, må du temme Bolshoi selv," møtte publikum med applaus. I enighet rollebesetningsmedlemmer, etter min mening var det ikke mulig å temme?
Mayo: Jeg ble umiddelbart bedt om å bestemme den andre og til og med den tredje komposisjonen. Jeg gjorde motstand lenge. Jeg lager aldri to komposisjoner. For meg er koreografi en artist, ikke et sett med bevegelser. Katarina er Katya Krysanova, ikke en rolle som en annen artist kan gjenta. Jeg vil forstå at jeg har oppnådd et resultat hvis jeg lager en slik ballett som jeg ikke kan reprodusere selv i troppen min for mitt publikum.

kultur: Hvem er din seer?
Mayo: Jeg liker å lage forestillinger for en mann som kom inn i teatret fordi han må følge kona, og hun kom bare fordi datteren hennes er engasjert i ballett. Og hvis ektefellene blir interessert i ballett, så har jeg oppnådd et resultat. Det jeg gjør er moro og lek for meg.

kultur: Den andre line-upen har kommet...
Mayo: Det var mot ull. Det er nødvendig å ta hensyn til særegenhetene til stedet der du endte opp - Bolshoi trenger flere artistpar. Når vennene mine inviterer meg på middag hvor de serverer fisk, og jeg ikke vil ha det, prøver jeg det fortsatt. Jeg håper den andre rollebesetningen også vil være interessant, men for meg og resten av livet er The Taming of the Shrew at the Bolshoi Katya Krysanova, Vladislav Lantratov, Olya Smirnova, Semyon Chudin. Vi bygde denne balletten med dem. Sammen dro vi på en reise på 11 uker, og den går mot slutten. Den ferdige forestillingen går, den tilhører ikke meg lenger.

kultur: Hvorfor kan de oppstilte rollene tross alt ikke danses av andre?
Mayo: Den fantastiske Katya Krysanova (det er til og med merkelig at jeg først ikke så Katarina i henne, hun erobret meg) i en av scenene kysser hun Lantratov-Petruchio og det kommer ut slik at jeg vil gråte - hun er så skjør og forsvarsløs. Og etter to sekunder begynner hun å kjempe. Og i denne overgangen er hun ekte og naturlig, fordi vi tok utgangspunkt i henne, Katya Krysanova, reaksjoner og vurderinger. En annen ballerina har en annen karakter, disposisjon, organiske stoffer. Og hun må bygge ting annerledes. Dans er ikke et sett med trinn, for meg er utseendet og berøringen av småfingrene en viktig del av koreografien.

kultur: Har kunstnerne fra Bolshoi overrasket deg på noen måte?
Mayo: Jeg er overrasket over kvaliteten på dansen deres, entusiasme, nysgjerrighet, lyst til å jobbe. De danser så mange – og forskjellige – balletter! I Monaco nekter jeg å ha mer enn 80 forestillinger i året, men de opptrer tre ganger så mange. Jeg kan ikke forestille meg hvordan de gjør det.

Alve historie, absolutt frihet søker og eksperimenterer med klassikerne. Ankom Dansefestivalen Inversjonsballett Monte Carlo brakte en av sine mest kjente forestillinger, La Belle. Den berømte koreografen Jean-Christophe Maillot tenkte om plottet til Charles Perot til musikken til Tchaikovsky og presenterte sin "Skjønnhet" for publikum, og understreket at dette er et uavhengig verk. Og etter anmeldelsene å dømme klarte han å overraske publikum. Kritikere erklærer enstemmig: "Dette er et mesterverk!"

Balletten har ikke startet ennå, men salen har allerede en magisk atmosfære. Jean-Christophe Maillot har som en historieforteller samlet sin internasjonale tropp rundt seg og forteller hvordan man kan skape magi i bevegelse.

Siste instruksjoner før premieren på Bolshoi. Jean-Christophe Maillot er ikke bare interessert i koreografiens finesser, men også i karakterenes karakterer. Alle ballettene hans er virkelige dramatiske forestillinger.

Og denne er intet unntak. «Sleeping Beauty» som aldri før. Ikke en barnehistorie - en psykologisk analyse av originalkilden - gammelt eventyr Charles Perrault, hvor det frelsende kysset ikke er en lykkelig slutt, men bare begynnelsen.

"Det er to verdener her - prinsen og skjønnheten. Foreldrene hennes elsket og beskyttet henne for mye. Hun er ikke klar for virkeligheten. Og prinsens mor, tvert imot, elsket ikke i det hele tatt, og han er også sårbar og forsvarsløs foran livet. Et overskudd av kjærlighet er like farlig for en person som dens mangel, sier koreograf, direktør for Monte Carlo Ballet Jean-Christophe Maillot.

Den etterlengtede kongedatteren lever i en gjennomsiktig ball av illusjoner, lukket fra omverdenen. Og hvis skjønnhet i et eventyr faller inn i en drøm, etter å ha stukket seg selv på en spindel, får hun her et åndelig traume, etter å ha kommet ut av kokongen og møtt den grusomme virkeligheten.

Et kyss på to og et halvt minutt er slett ikke ballett - en dramatisk innretning: en kvinne er født i en jente. For å spille denne hardt tilvinnede måten å vokse opp på, inviterte koreografen Bolshoi prima ballerina Olga Smirnova, en ballerina av klassisk St. Petersburg-trening. Og nok en gang viste han hvor virtuost han evner å kombinere tradisjon og avantgarde, duetten av Skjønnheten og Prinsen ble av kritikere kalt mesterens mesterverk.

«Han gir meg en slik følelse av kroppen sin, finn plastisitet; det er en følelse av sannhet på scenen når du ikke er begrenset av rammeverket til klassisk dans, sier Olga Smirnova, primaballerina ved Bolsjojteatret i Russland.

Mayos forestillinger er en blanding av stiler og sjangre: "Nøtteknekkeren" - på sirkusarenaen, " Svanesjøen"- et drama i vår tids beste tradisjoner innen film noir og "The Taming of the Shrew". 80 verk, og hver av oss i dag. Derfor har den nåværende produksjonen til og med et annet navn: La Belle - "Skjønnhet". Ikke forveksle med klassisk ballett. Bare musikken til Tchaikovsky forble fra ham.

"For å forsterke spenningen og dramatikken i forestillingen, for å vise de mørkere, dypere sidene av denne historien, brukte jeg fragmenter av Tsjaikovskijs musikk fra Romeo og Julie-overtyren," sier Jean-Christophe Maillot.

Denne ikke-klassiske "Sleeping Beauty" presenteres av Monte-Carlo Ballet som en del av Dance Inversion-festivalen - "Dance Inversion", som viser alle prestasjonene samtidskoreografi. Syntese av ballettformer, musikk og drama.

"Disse to rom med klassisk dans og samtidskunst for 25 år siden kranglet mye, de var veldig aktive, noen ganger aggressivt diskuterte, og i dag konvergerer disse to rommene," forklarer kunstnerisk leder Festival Dance Inversion Irina Chernomurova.

Ballettfans vil se Swan Lake fra Irland med folkemusikk i stedet for Tsjaikovskij. Den uventede «Nøtteknekkeren» fra Sveits. All skjønnheten til "Body of the Ballet" - dette er navnet på produksjonen til Marseille-troppen. I løpet av de neste to månedene skal koreografer fra åtte land vise hvor mangfoldig og mektig dansespråket kan være.