Premiere av Alexander Ekman på Paris Opera. Koreograf Alexander Ekman om moderne ballett og sosiale nettverk Alexander Ekman Swan Lake
Programmene er oppkalt etter koreografene. Etter den første - "Lifar. Kilian. Forsythe" - de viste dansekvartetten: "Balanchine. Skredder. Garnier. Ekman. Totalt - syv navn og syv balletter. Ideene til den iherdige franskmannen, ex-etoile fra Paris Opera, er lett å lese. Hilaire har ikke hastverk med å lede teamet som er betrodd ham langs den historisk etablerte banen til flerakters plotlerreter, han foretrekker en serpentin av enakter av forskjellige stiler fremfor dem (to flere programmer av lignende format er planlagt). Troppen, som i den siste tiden overlevde avgangen til nesten tre dusin unge artister, kom seg på rekordtid og ser verdig ut i premiereopus. Fremgangen er spesielt merkbar, gitt at Hilaire ennå ikke åpner portene til teatret for «inviterte» artister og pleier flittig sitt eget team.
Den første i premieren var George Balanchines Serenade, som stanislavittene aldri hadde danset før. Med denne romantiske elegien til musikken til Tsjaikovskij starter den amerikanske perioden til den store koreografen, som åpnet en ballettskole i den nye verden tidlig i 1934. For sine første studenter, som ennå ikke hadde mestret dansens grammatikk godt, men drømte om klassikerne, iscenesatte Balanchine Serenade, russisk i ånden. Krystall, eterisk, vektløs. Kunstnerne i Muztheater leder forestillingen på samme måte som de første utøverne. Det er som om de forsiktig berører en skjør skatt - de mangler også indre mobilitet, noe koreografen insisterte på, men ønsket om å forstå noe nytt er tydelig. Underkastelse og ærbødighet for en poetisk skapelse er imidlertid å foretrekke fremfor livlighet og mot, som troppene, trygge på sine ferdigheter, danser Serenade med. Women's corps de ballet - det viktigste skuespiller opus - kommer til liv i drømmene om en søvnløs natt, når den allerede er på vei tilbake før morgengry. Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova, samt "prinsene" Ivan Mikhalev og Sergey Manuilov, som drømte om sine navnløse heltinner, ser bra ut i den plotløse stemningskomposisjonen.
Tre andre premiereproduksjoner er ukjente for muskovittene. "Halo" er en solfylt, livsbekreftende gest av Paul Taylor, en modernistisk koreograf som snakker om bevegelsens natur. Den dynamiske spektakulære dansen forvandles stadig, minner om en uavhengig disposisjon, bryter de vanlige positurene og hopper, armene flettes enten som grener, eller hopper opp som gymnaster som hopper av sportsutstyr. Koreografien, som ble oppfattet som nyskapende for et halvt århundre siden, reddes av drivkraft og humor, lynrask overgang fra seriøse maksimer til ironiske eskapader. Barefoot Natalya Somova, Anastasia Pershenkova og Elena Solomyanko, kledd i hvite kjoler, demonstrerer en smak for elegante kontraster i komposisjonen. Georgi Smilevsky, teatrets stolthet og dets enestående premiere, er ansvarlig for den langsomme delen, i stand til å bringe dramatisk spenning, stil og festlig skjønnhet til soloen. Dmitry Sobolevsky er en virtuos, fryktløs og emosjonell. Overraskende nok er Händels seremonielle musikk lett "akseptert" av Taylors fantasier, og utfolder en ekte danse maraton. Begge forestillinger, gjenskapende forskjellige stiler Amerikansk koreografi, akkompagnert av Symfoniorkester teater under ledelse av den talentfulle maestroen Anton Grishanin.
Etter Tsjaikovskij og Händel - et fonogram og en duett av trekkspillerne Christian Pache og Gerard Baraton "akkompagnerer" en 12-minutters miniatyr av den franske koreografen Jacques Garnier "Onis". Forestillingen til musikken til Maurice Pasha ble øvd inn av eks-regissøren balletttropp Paris Opera og Laurent Hilaires medarbeider Brigitte Lefevre. In the Theatre of Silence, grunnlagt av henne sammen med Jacques Garnier, i en serie eksperimenter med moderne koreografi For førti år siden fant det første showet til Onis sted. Koreografen dedikerte den til sin bror og fremførte den selv. Senere omarbeidet han komposisjonen for tre solister, hvis dans i den nåværende presentasjonen ligner syrlig hjemmelaget vin, og slår litt i hodet. Gutta, knyttet sammen om ikke av slektskap, så av sterkt vennskap, provoserende og uten noe sutreprat om hvordan de vokste opp, ble forelsket, giftet seg, pleiet barn, jobbet, hadde det gøy. En ukomplisert handling til den upretensiøse oppregningen av nuggets - "harmonister", som vanligvis høres ut på landsbyferier, finner sted i Onys, en liten provins i Frankrike. Yevgeny Zhukov, Georgi Smilevsky Jr., Innokenty Yuldashev er ungdommelig spontane og opptrer med lidenskap, faktisk, sortsnummer smaksatt med folkloresmak.
Svenske Alexander Ekman er kjent som en joker og en kuriositetsmester. På Benois de la Danse-festivalen, for sin Svanesjøen, ønsket han å installere hoveddelen Russisk teater et basseng med seks tusen liter vann og kjøre dansende artister der. Ble nektet og improviserte en morsom solo med et glass vann, og kalte det "Hva jeg tenker på i Bolshoi teater". En spredning av eksentriske funn ble også husket av hans "Kaktus".
I "Tulle" dissekerer Ekman ikke dansen, men den teaterlivet. Viser sin svette innside, rituelle grunnlag, ironisk over utøvernes ambisjoner og klisjeer. En oppsynsmann i svart ved Anastasia Pershenkovas vinglete gang på spisse sko, som troppen hennes heroisk ikke kommer fra, klipper ned under en kokett modelldiva. Artistene konsentrerer seg om dumhetene til naiv pantomime, og gjentar igjen og igjen kjedelige treningstrinn. Den slitne corps de ballet faller i fortvilelse – utslitte artister mister synkronismen, bøyer seg i to, tramper med føttene, slår tungt og med fulle føtter på scenen. Hvordan kan du tro at de nylig skled på fingertuppene dine.
Og Ekman slutter aldri å forbløffe med eklektisisme, og bringer til scenen enten et par fra hoffballetten til "Solkongen" av Ludvig XIV, eller nysgjerrige turister med kameraer. På bakgrunn av massegalskap som har oppslukt scenen, «hopper» orkestergraven opp og ned, skjermbildene av ukjente øyne og ansikter endres, oversettelseslinjen suser i galopp. Partitur kompilert av Mikael Karlsson fra hitlåter danse rytmer, torsk og støy, klirring av spissesko og klapp, partiturene i øvingslokalet og nedtoningen av corps de ballet, øving på svanetrinnet, gjør deg svimmel. Overdrevenhet skader harmonien til et humoristisk plot, smak lider. Det er bra at artister ikke går tapt i denne massekoreografiske moroa. Alle bader i elementene i et lekent spill, med glede og kjærlighet gjør narr av den gale verdenen bak kulissene. Den beste scenen til Tulle er det groteske circus pas de deux. Oksana Kardash og Dmitry Sobolevsky i klovneantrekk har det gøy med triksene sine, omgitt av kolleger som teller antall fouetter og piruetter. Akkurat som i filmen "Big" av Valery Todorovsky.
Musikkteatret, som alltid er åpent for eksperimentering, mestrer enkelt de ukjente vidder av verdens koreografi. Målet – å vise hvordan dansen utviklet seg og hvordan profesjonelle og publikumspreferanser endret seg – er nådd. Forestillingene er også arrangert i streng kronologi: 1935 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tulle". Totalt - nesten åtte tiår. Bildet viser seg å være nysgjerrig: fra det klassiske mesterverket til Balanchine, gjennom den sofistikerte modernismen til Paul Taylor og den folkloristiske stiliseringen til Jacques Garnier, til bråket til Alexander Ekman.
Foto på utlysningen: Svetlana Avvakum
Opera Garnier var vertskap for den mest spennende begivenheten i Paris-sesongen - verdenspremieren på balletten "Play" ("The Game") av komponisten Mikael Karlsson, iscenesatt og satt av en av de mest ettertraktede unge koreografene Alexander Ekman. For svensk kreativ duett dette er min første erfaring med Paris Opera Ballet. Forteller Maria Sidelnikova.
Debuten til 33 år gamle Alexander Ekman ved Parisoperaen er et av hovedtrumfkortene til Aurélie Dupont i hennes første sesong som kunstnerisk leder for balletten. Suksessen til koreografen i Sverige og de skandinaviske nabolandene viste seg å være så smittsom at han i dag er etterspurt både i Europa og Australia, og til og med Moskva Stanislavsky Museum Theatre fremførte nylig den russiske premieren på hans forestilling "Tulle" fra 2012. (se "Kommersant" datert 28. november ). Dupont lokket Ekman til en fullverdig to-akters premiere, og ga carte blanche, 36 unge artister, historisk scene Opera Garnier og en misunnelsesverdig tid i timeplanen - desemberferieøkten.
Imidlertid kunstnerisk, og enda mer kommersielle risikoer i tilfelle av Ekman er små. Til tross for ungdommen, klarte svensken å jobbe i verdens beste tropper både som danser og som koreograf: i den svenske kongelig ballett, Ballett Kulberg, i NDT II. Og jeg fikk taket på å lage syntetiske forestillinger av høy kvalitet, der det, som i en fascinerende hypertekst, hoper seg opp mange sitater og referanser – og ikke bare om ballettarven, men også på Parallelle verdener Moderne kunst, mote, kino, sirkus og til og med sosiale nettverk. Ekman krydrer alt dette med det nye århundrets «nye oppriktighet» og skaper som om hans bekymring er å muntre opp seeren slik at han forlater forestillingen, om ikke som fra en mottakelse hos en god psykoterapeut, så som fra en god fest . Lokale ballettkonservative uttalte sin dom over en slik "IKEA"-holdning til den ærverdige ballettkunsten lenge før premieren, noe som imidlertid ikke påvirket den generelle spenningen.
Ekman starter sitt «Spill» fra slutten. På et lukket teatralsk gardin løper studiepoeng med navnene på alle de involverte i premieren (det blir det ikke tid til i finalen), og en kvartett saksofonister – gatemusikere – spiller noe oppløftende. Hele første akt flyr forbi på en upretensiøs tone: unge hipstere boltrer seg ukontrollert på den snøhvite scenen (fra kulissene er det bare et tre og enorme kuber som enten svever i luften eller faller ned på scenen; orkesteret sitter akkurat der - i dypet på den bygde balkongen). De leker gjemsel, later som de er astronauter og dronninger, bygger pyramider, hopper på trampoliner, går rundt på scenen med hjul, kysser og ler. Det er i denne gruppen en betinget hovedmann (Simon Le Borne) og en betinget lærer som forgjeves prøver å tøyle det slemme. I andre akt vil voksne barn bli til blinkende kontorister, lekne skjørt og shorts endres til forretningsdresser, kuber blir til støvete arbeidsplasser, det grønne treet vil trassig tørke opp, verden rundt blir grå. I dette luftløse rommet, hvis det er røyk som en rocker, er det bare i røykerommet på kontoret. Her spilte de, nå stoppet de, men forgjeves, sier koreografen. For den helt kjedelige, for sikkerhets skyld, han hovedide uttaler, og setter inn i midten av andre akt et "manifest om spillet" som et universalmiddel for alle sykdommer Moderne samfunn, og i finalen skal også gospelsanger Calesta Day synge lærerikt om det samme.
Men likevel uttrykker Alexander Ekman seg mest overbevisende i det koreografiske språket og de visuelle bildene, som er uatskillelige for ham. Så, i barnespillene i første akt, sklir en helt ubarnslig scene gjennom med amasonene i kroppstopper og boksere og i hornhjelmer på hodet. Matchet utseende Ekman plukker opp bevegelser godt, vekslende skarpe spisskombinasjoner og rov, iskald pas de chas med to bøyde ben som følger hornlinjen. Han elsker et spektakulært bilde ikke mindre enn den samme Pina Bausch. Den tyske kvinnen i hennes The Rite of Spring strødde gulvet på scenen med jord, noe som gjorde det til en del av kulissene, og Ekman dekket Stockholmsoperan med høy (Dream in midtsommernatt”), druknet Den Norske Opera i tonnevis med vann (“Svanesjøen”), og et hagl av hundrevis av plastkuler regnet ned på Opera Garnier-scenen, og arrangerte orkestergrav ballbasseng. Unge mennesker lager et entusiastisk ansikt, purister - peevish. Dessuten, i motsetning til det norske trikset med vann, som Ekman ikke kunne svømme fra noen steder, blir det grønne haglet i «Spillet» en kraftig kulminasjon av første akt. Det ser ut som et tropisk regnskyll som lover gjenfødelse: rytmen som ballene slår når de faller høres ut som en puls, og kroppene er så smittende lette og løse at du ønsker å sette en stopper for den. For etter pausen vil dette bassenget bli til en sump: der artistene bare dykket og flagret uforsiktig, nå er de håpløst fastlåst - ingen måte å komme seg gjennom. Hver bevegelse krever slik innsats fra dem, som om plastkuler faktisk ble erstattet med vekter. Spenning voksenlivet Ekman legger dem inn i kroppene til danserne - "slår av" albuene deres, sirkler "to skuldre, to hofter", får ryggen til å stryke, vrir overkroppen mekanisk i gitte positurer i gitte retninger. Det ser ut til å gjenta den lystige klassikeren pas de deux fra første akt (en av få soloepisoder - svensken føler seg virkelig friere i publikumsscener), men de samme slagene, holdningene og støtten i arabesk er død og formell - det er ingen livet i dem.
Du blir dratt inn i Ekmans komplekse «Game» under forestillingen: alt du trenger å gjøre er å løse komposisjonsoppgavene, uten å bli distrahert av de scenografiske søtsakene som han slenger opp til publikum nå og da. Men dette er ikke nok for koreografen. For å spille slik – allerede etter at teppet faller, kommer artistene igjen på banen for å lansere tre gigantiske baller inn i salen. Det nedkledde premierepublikummet plukket dem opp, slengte dem langs rekkene og kastet dem med glede mot Chagall-taket. Det ser ut til at selv jurysnobber fra bodene noen ganger ikke savner de mest intellektuelle spillene.
Igjen arrangerer Laurent Hilaire en kveld enakters balletter, igjen studere koreografien fra det 20. århundre, gå til MAMT. På to reiser er det nå mulig å dekke sju koreografer – først Lifar, Kilian og Forsyth (), og deretter Balanchine, Taylor, Garnier og Ekman (premiere 25. november). "Serenade" (1935), "Halo" (1962), "Onis" (1979) og "Tulle" (2012). Nyklassisistisk, amerikansk moderne, fransk eskapisme fra nyklassisistisk og Ekman.
Trupp musikkteater Balanchine danser for første gang, og Taylor og Ekman har aldri blitt satt opp i Russland. I følge teatrets kunstneriske leder skal solistene få mulighet til å uttrykke seg, og corps de ballet - å jobbe.
« Jeg ønsket å gi unge mennesker muligheten til å uttrykke seg. Vi inviterer ikke eksterne artister – dette er mitt prinsipp. Jeg synes at troppen har fantastiske solister som jobber med stor appetitt og åpenbarer seg i det nye repertoaret fra en helt uventet side.(Om "Onis")
…Flott koreografi, flott musikk, tjue kvinner - hvorfor takke nei til en slik mulighet? I tillegg, etter å ha forberedt to komposisjoner, er det mulig å okkupere de fleste kvinnene i troppen.(om "Serenade")" fra et intervju for "Kommersant".
Foto: Svetlana Avvakum Balanchine skapte "Serenade" for voksne elever ved ballettskolen hans i Amerika. " Jeg har nettopp undervist elevene mine og drev med ballett hvor du ikke kan se hvor dårlig de danser". Han benektet både de romantiske tolkningene av balletten og det skjulte plottet og sa at han tok en leksjon på skolen sin som grunnlag - da kommer noen for sent, så faller han. Det var nødvendig å ta 17 elever, så tegningen viste seg å være asymmetrisk, i stadig endring, sammenflettet - ofte holder jentene hender og flettet. Lavt lyshopp, hakkede streker, blå gjennomskinnelige chopins som danserne bevisst berører med hendene - alt er luftig marshmallow. Ikke å telle en av de fire delene av Tsjaikovskijs serenade «finale på russisk tema», hvor danserne nesten begynner å danse, men så folkedans tilslørt av klassikerne.
Foto: Svetlana Avvakum Etter den nyklassisistiske Balanchine er kontrasten det moderne til Paul Taylor, som selv om han danset med den første i episoder, jobbet i troppen til Martha Graham. "Halo" til musikken til Gendal er rett og slett en lærebok om moderne bevegelser: her er V-formede hender, og en tå på seg selv, og en jazzforberedende posisjon, og en pasning i den sjette fra hoften. Her er det også noe igjen av klassikerne, men alle danser barbeint. Slike antikviteter ser allerede mer ut som i et museum, men det russiske publikum tok det til og med for entusiastisk.
Halo av Paul Taylor Foto: Svetlana Avvakum Samt "Onis" av Jacques Garnier, som en gang stakk av fra akademisk og plott, med fokus på selve dansen og Menneskekroppen. To trekkspillere i hjørnet av scenen, tre dansere ligger. De strekker seg, svaier, reiser seg og starter en sprudlende dans med rotasjoner og tramping og dask. Her er folklore, og Alvin Ailey, hvis teknikk Garnier studerte i USA (samt Cunninghams teknikk). I 1972, sammen med Brigitte Lefebvre, forlot han Paris Opera og skapte Stillhetens Teater, hvor han ikke bare eksperimenterte, men også ledet pedagogiske aktiviteter og en av de første i Frankrike som inkluderte arbeidet til amerikanske koreografer i repertoaret sitt. Nå har Lefebvre kommet til Moskva for å øve på Garniers koreografi, som åpenbart appellerte til russiske dansere, og Lefevre selv oppdaget til og med nye nyanser av denne koreografien takket være dem.
Onis av Jacques Garnier Foto: Svetlana Avvakum Men kveldens hovedpremiere var balletten «Tulle» av svensken Alexander Ekman. I 2010 ble han invitert av Royal Swedish Ballet til å gjøre en produksjon. Ekman nærmet seg denne saken filosofisk og med ironi (i andre henseender, så vel som til hans andre kreasjoner). «Tulle» er en refleksjon over temaet «hva er klassisk ballett". Med barnets nysgjerrighet stiller han spørsmål: hva er ballett, hvor kom det fra, hvorfor trenger vi det og hvorfor er det så attraktivt.
“Jeg liker tutuen, den stikker ut i alle retninger”, “ballett er bare et sirkus”– si det ukjente helt i starten, mens danserne varmer opp på scenen. Ekman, som med forstørrelsesglass, vurderer konseptet «ballett», akkurat som i en videoprojeksjon på scenen glir kameralinsen over ballett tutu- i rammen er det bare et rutenett, alt ser annerledes ut på nært hold.
«Tulle» Alexander Ekman Foto: Svetlana Avvakum Så hva er ballett?
Dette er en øvelse, tellende - på scenen gjør ballerinaer synkront øvelser, i høyttalerne er det et høyt klirring av spisseskoene og forvirret pust.
Dette er fem stillinger, uendret – turister med kamera dukker opp på scenen, de knipser danserne som på et museum.
Dette er kjærlighet og hat - ballerinaer snakker om sine drømmer og frykt, smerte og eufori på scenen - " jeg elsker og hater pointe-skoene mine”.
Dette er et sirkus - et par i harlekinkostymer (ballerinaen har fjær på hodet som hester) utfører komplekse triks til tuting og skrik fra de andre danserne.
Dette er makt over betrakteren – den amerikanske komponisten Michael Karlsson har laget en elektronisk adaptasjon av «Swan» med aggressive beats, danserne fremfører sitater fra ballettens ballettsymbol med kaldblodig storhet, og betrakteren blir spikret. som en betongplate av denne kraftige estetikken.
«Tulle» er en lett forberedelse av ballett, ironisk og kjærlig, når den stille kunsten får stemmerett, og den argumenterer ironisk nok, men selvsikkert erklærer sin storhet.
Tekst: Nina Kudyakova
Opera Garnier var vertskap for den mest spennende begivenheten i Paris-sesongen - verdenspremieren på balletten "Play" ("The Game") av komponisten Mikael Karlsson, iscenesatt og satt av en av de mest ettertraktede unge koreografene Alexander Ekman. For den svenske kreative duoen er dette den første erfaringen med å jobbe med Paris Opera Ballet. Forteller Maria Sidelnikova.
Debuten til 33 år gamle Alexander Ekman ved Parisoperaen er et av hovedtrumfkortene til Aurélie Dupont i hennes første sesong som kunstnerisk leder for balletten. Suksessen til koreografen i Sverige og de skandinaviske nabolandene viste seg å være så smittsom at han i dag er etterspurt både i Europa og Australia, og til og med Moskva Stanislavsky Museum Theatre fremførte nylig den russiske premieren på hans forestilling "Tulle" fra 2012. (se "Kommersant" datert 28. november ). Dupont, derimot, lokket Ekman til en fullverdig to-akters premiere, og ga carte blanche, 36 unge artister, den historiske scenen til Opera Garnier og misunnelsesverdig tid på timeplanen – desemberferieseansen.
Den kunstneriske og enda mer kommersielle risikoen i Ekmans tilfelle er imidlertid liten. Til tross for ungdommen, klarte svensken å jobbe i verdens beste tropper både som danser og som koreograf: i Kungliga Svenska Balletten, Kulbergballetten, i NDT II. Og han fikk taket på å lage syntetiske forestillinger av høy kvalitet, der det, som i den mest fascinerende hypertekst, hoper seg opp med mange sitater og referanser – ikke bare til ballettarven, men også til moderne kunsts parallelle verdener, mote, kino, sirkus og til og med sosiale nettverk. Ekman krydrer alt dette med det nye århundrets «nye oppriktighet» og skaper som om hans bekymring er å muntre opp seeren slik at han forlater forestillingen, om ikke som fra en mottakelse hos en god psykoterapeut, så som fra en god fest . Lokale ballettkonservative uttalte sin dom over en slik "IKEA"-holdning til den ærverdige ballettkunsten lenge før premieren, noe som imidlertid ikke påvirket den generelle spenningen.
Ekman starter sitt «Spill» fra slutten. På et lukket teatralsk gardin løper studiepoeng med navnene på alle de involverte i premieren (det blir det ikke tid til i finalen), og en kvartett saksofonister – gatemusikere – spiller noe oppløftende. Hele første akt flyr forbi på en upretensiøs tone: unge hipstere boltrer seg ukontrollert på den snøhvite scenen (fra kulissene er det bare et tre og enorme kuber som enten svever i luften eller faller ned på scenen; orkesteret sitter akkurat der - i dypet på den bygde balkongen). De leker gjemsel, later som de er astronauter og dronninger, bygger pyramider, hopper på trampoliner, går rundt på scenen med hjul, kysser og ler. Det er i denne gruppen en betinget hovedmann (Simon Le Borne) og en betinget lærer som forgjeves prøver å tøyle det slemme. I andre akt vil voksne barn bli til blinkende kontorister, lekne skjørt og shorts endres til forretningsdresser, kuber blir til støvete arbeidsplasser, det grønne treet vil trassig tørke opp, verden rundt blir grå. I dette luftløse rommet, hvis det er røyk som en rocker, er det bare i røykerommet på kontoret. Her spilte de, nå stoppet de, men forgjeves, sier koreografen. For de som er helt sløve, for sikkerhets skyld, uttaler han hovedideen sin ved å sette inn i midten av andre akt et "manifest om spillet" som et universalmiddel for alle sykdommer i det moderne samfunnet, og i finalen, evangeliet sangeren Calesta Day vil også synge lærerikt om dette.
Men likevel uttrykker Alexander Ekman seg mest overbevisende i det koreografiske språket og de visuelle bildene, som er uatskillelige for ham. Så, i barnespillene i første akt, sklir en helt ubarnslig scene gjennom med amasonene i kroppstopper og boksere og i hornhjelmer på hodet. For å matche utseendet, velger Ekman perfekt bevegelser, vekslende skarpe kombinasjoner på spisse sko og rov, isete pas de cha med to bøyde ben, og gjentar hornlinjen. Han elsker et spektakulært bilde ikke mindre enn den samme Pina Bausch. Den tyske kvinnen i hennes The Rite of Spring strødde gulvet på scenen med jord, noe som gjorde det til en del av kulissene, og Ekman dekket Stockholmsoperan med høy ("En midtsommernattsdrøm"), druknet Den Norske Opera i tonnevis med vann ("Svanesjøen"), og Opera Garnier inntok scenen regnet ned et hagl av hundrevis av plastballer, og arrangerte et ballbasseng i orkestergraven. Unge mennesker lager et entusiastisk ansikt, purister - peevish. Dessuten, i motsetning til det norske trikset med vann, som Ekman ikke kunne svømme fra noen steder, blir det grønne haglet i «Spillet» en kraftig kulminasjon av første akt. Det ser ut som et tropisk regnskyll som lover gjenfødelse: rytmen som ballene slår når de faller høres ut som en puls, og kroppene er så smittende lette og løse at du ønsker å sette en stopper for den. For etter pausen vil dette bassenget bli til en sump: der artistene bare dykket og flagret uforsiktig, nå er de håpløst fastlåst - ingen måte å komme seg gjennom. Hver bevegelse krever slik innsats fra dem, som om plastkuler faktisk ble erstattet med vekter. Ekman legger spenningen i voksenlivet inn i kroppene til dansere - "slår av" albuene deres, sirkler "to skuldre, to hofter", får ryggen til å stryke, vrir overkroppen mekanisk i gitte positurer i gitte retninger. Det ser ut til å gjenta den lystige klassikeren pas de deux fra første akt (en av få soloepisoder - svensken føler seg virkelig friere i publikumsscener), men de samme slagene, holdningene og støtten i arabesk er død og formell - det er ingen livet i dem.
Du blir dratt inn i Ekmans komplekse «Game» under forestillingen: alt du trenger å gjøre er å løse komposisjonsoppgavene, uten å bli distrahert av de scenografiske søtsakene som han slenger opp til publikum nå og da. Men dette er ikke nok for koreografen. For å spille slik – allerede etter at teppet faller, kommer artistene igjen på banen for å lansere tre gigantiske baller inn i salen. Det nedkledde premierepublikummet plukket dem opp, slengte dem langs rekkene og kastet dem med glede mot Chagall-taket. Det ser ut til at selv jurysnobber fra bodene noen ganger ikke savner de mest intellektuelle spillene.
Alexander Ekman. Foto - Yuri Martyanov / Kommersant
Koreograf Alexander Ekman samtidsballett Og i sosiale nettverk.
Tulle dukket opp på repertoaret til Stanislavsky og Nemirovich-Danchenko Musical Theatre - den første balletten i Russland av Alexander Ekman, en 34 år gammel svenske, den mest produktive, ettertraktede og talentfulle koreografen i sin generasjon, som allerede har regissert 45 balletter rundt om i verden, den siste av dem i Paris Opera.
– Du har en sjelden gave til å iscenesette plotløse komiske balletter: i Tulle, for eksempel, er det ikke karakterene og relasjonene deres som er morsomme, men selve kombinasjonen av klassiske bevegelser og særegenhetene ved fremføringen deres. Synes du klassisk ballett er utdatert?
Jeg elsker klassisk ballett, det er flott. Og likevel er det bare en dans, det skal være moro, det skal være en lek. Jeg forvrider ikke de klassiske bevegelsene, jeg viser dem bare fra en litt annen vinkel – det viser seg å være en så lett absurditet. Og det kan oppstå misforståelser, spesielt fra kunstnernes side: å jobbe som i et drama er ikke veldig vanlig for dem. Jeg sier alltid til dem: «Ikke komedier. Det er ikke du som skal være morsom, men situasjoner.
– Så, teatret er tross alt for deg viktigere enn ballett?
"Et teater er et rom der to tusen mennesker kan føle seg knyttet til hverandre, oppleve de samme følelsene og deretter diskutere dem: "Så du dette? Kult, ikke sant? En slik menneskelig enhet er det vakreste i teatret.
- Du introduserer tale i ballettene dine - replikaer, monologer, dialoger. Tror du publikum ikke vil forstå ideen din uten ord?
«Jeg synes bare det er morsommere på den måten. Jeg liker å presentere overraskelser, overraskelser, overraske publikum. Betrakt tale som mitt varemerke.
