Det høres ut som en løpebane. Musikkinstrumenter og leker: tønneorgel

Romanova E.V.

PhD i kunsthistorie, Federal State Budgetary Education Institute høyere utdanning«St. Petersburg State Conservatory oppkalt etter N.A. Rimsky-Korsakov"

OM KOMPOSISJONDIMINUENDO I TCHAIKOVSKYS PLEK "Orgelkvernen synger"

merknad

I prosessen med å vurdere Tsjaikovskijs skuespill ble de tradisjonelle kriteriene for den innenlandske teorien om enkle former, på den ene siden, og noen kriterier for teorien om blandede former, på den andre, brukt på sammensetningen. Samspillet mellom de strukturelle-komposisjonelle, motiv-intonasjonelle, harmoniske, teksturelle og dynamiske aspektene ved utvikling er vist, bekreftet betydelig rolle komposisjonstrekk i utførelsen musikalsk bilde spiller. Resultatene kan brukes i praksisen med å undervise i analyse av musikalske verk i implementeringen av de viktigste utdanningsprogrammene for høyere utdanning.

Nøkkelord: enkel tostemmig form, kontrastsammensatt form, refreng, refreng, støtteform.

Romanova E.V.

PhD i kunst, Federal State Institution of Higher Education

Sankt-Petersburg Rimsky-Korsakov statskonservatorium

OM KOMPOSITT DIMINUENDOI TCHAIKOVSKYS SKJEMPEL "ORGAN-GRINDER SING"

Abstrakt

I løpet av behandlingen av Tsjaikovskijs skuespill brukes tradisjonelle kriterier for den innenlandske teorien om enkle former på den ene siden og noen kriterier for teorien om blandingsformene med en annen på komposisjonen hennes. Samspillet mellom strukturelle og sammensatte, motivno-intonasjonelle, harmoniske, imponerende og dynamiske aspekter av utviklingen er vist, den essensielle rollen til sammensatte funksjoner i legemliggjørelsen av et musikalsk bilde av stykket bekreftes. Resultater kan brukes i praksis for å undervise i analyse av musikkstykker ved gjennomføring av de viktigste utdanningsprogrammene i høyere utdanning.

nøkkelord: enkel binær form, kontrast og sammensatt form, etter å ha begynt å synge, et refreng, en form for den andre planen.

Konseptet med en sekundær form brukes hovedsakelig i komposisjonsanalysen av komposisjoner basert på varianter av variasjonsformer, samt former som vanligvis er definert som blandede. Samtidig avslører analysen av den komposisjonelle underteksten til en miniatyr ofte en slik grad av individualisering av implementeringen av prinsippene for en eller annen enkel form, som lar oss snakke om den skjulte handlingen til formen til den andre planen. . Etableringen av dette skjemaet bidrar som regel til å klargjøre resultatene av analysen. musikalsk materiale ikke så mye i det strukturelle som i innholdsaspektet. Som en av klare eksempler La oss vende oss til komposisjonen av stykket "Orgelkvernen synger" fra " barnealbum» P.I. Tsjaikovskij.

Dette stykket (sammen med mange andre miniatyrer i samlingen) er en musikalsk skisse fra naturen, og legemliggjør dermed ideen om en "virtuell" reise. I den, som i The Napolitan Song, brukte Tsjaikovskij melodien han hørte i Venezia fra gateartister. Innenfor rammen av en kontrast-sammensatt enkel todelt form, synes dette stykket å tegne en scene av et møte med en orgelkvern, og formidle noen av dens nyanser og detaljer.

Forholdet mellom delene i stykket er likt forholdet mellom solo og refreng i verset og tilsvarer et av de typiske alternativene for å konstruere en todelt form. Eksposisjonsdelen (taktene 1-16 i stykket, eksempel 1) er en kvadratisk periode med gjentatt struktur og har samtidig en rekke uttrykksfulle trekk. Det mest iøynefallende av dem er den ikke-normative tråkkfrekvensen, på grunn av avviket til tonaliteten til det andre trinnet på slutten av første setning - den midterste tråkkfrekvensen viser seg altså å ha en subdominant funksjon. Romantikk-sang-sjangerkarakteren til dette store temaet, som generelt er svært upretensiøs, men samtidig ikke uten en viss raffinement, skygges ekspressivt av et avvik til en molltoneart, noe som forsterker inntrykket av et åndeliggjort, åpent og direkte utsagn , hvor begynnelsen ser ut til å være preget av et følelsesmessig utbrudd. Dermed høres den første delen av komposisjonen spesielt dristig og fremtredende ut.

Andre funksjoner innledende periode, forårsaket av toneavviket nevnt ovenfor, blir begynnelsen på den andre setningen med en annen tonehøyde (melodi ett sekund høyere) og på en annen harmonisk funksjon (II65). De gir ytringen dynamikk, og perioden - stor enhet, basert på den funksjonelle heterogeniteten til setninger (den første er eksposisjonell og utviklende, den andre er utviklende og endelig).

Ris. 1 - innledende eksponeringsperiode

Den andre delen av stykket er også en periode, men organisert (i tonale og funksjonelle aspekter) mye mer tradisjonelt, på grunn av dette oppfattes det ganske naturlig som et refreng. Denne kvadratiske perioden med gjentatt struktur (taktene 17-32 i stykket, eksempel 2) skiller seg fra den normative bare i den midtre kadensen på tonicen. På grunn av fraværet av avvik, det strengt observerte tonisk-dominante funksjonelle-harmoniske skjemaet (uten bruk av akkorder i den subdominante funksjonen), den nøyaktige repetisjonen av setninger, høres den andre delen av stykket ut som en følelsesmessig nedgang - den "følsomme romantikk åpenbaring» erstattes av en roligere og mer fredelig, oppsummerende intonasjon, som tydelig viser seg gjennom repeterende fraser som et kjærlig, mildt farvel.

Legg merke til noen svært individualiserte funksjoner tematisk materiale den andre delen, som i betydelig grad påvirker oppfatningen av stykkets form som helhet.

For det første blir den nøyaktige gjentakelsen av setninger krenket av dynamikken: s i første setning og s - i den andre. Idé diminuendo får derved et direkte, umiddelbart uttrykk, åpenbart medvirkende til effekten av romlig fjerning, nedfelt i stykket: orgelkvernens melodi blir mindre og mindre tydelig hørbar, mindre å kjenne igjen - enten lytteren har passert utøveren, eller omvendt.

For det andre er et veldig slående trekk ved den andre delen dialogen av korte motiver skissert i melodien (noen ganger vekker assosiasjoner til teknikken med skjult tostemme): i denne dialogen på den ene siden prinsippet om spredning, reduksjon i lettelse og spesifisiteten til tematikk er manifestert, og på den annen side, ideen register navneopprop, karakteristisk for de siste delene av den musikalske formen, basert på effekten av resesjon, hemming.

Til slutt blir orgelpunktet på tonisk femte, opprettholdt i hele sin lengde, det definerende trekk ved andre sats. Bruken understreker tydelig den endelige komposisjonsfunksjonen i lyden til andre sats, noe som gjør det mulig å definere den ikke så mye som en kontrast, men som den andre delen av coda-typen.

Legg også merke til at den øvre tonen i femten er figurert - en kontinuerlig veksling av lyder d– e som vibrasjon, skaper en lydografisk effekt av uklarhet, uskarphet av konturer og ytterligere forsterker effekten av romlig fjerning nevnt ovenfor.

Et vesentlig preg, som understreker den "nedstigende" kompositoriske orienteringen til andre sats og stykket som helhet, er den såkalte skriftlige nedbremsingen brukt av Tsjaikovskij i siste takt (takt 32, eksempel 2): ​​i dette øyeblikket, den gjennomgående pulsering av åttendedeler, som tidligere uunngåelig ble observert på grunn av den komplementære rytmen, opphører. De synkoperte tredjedelene av akkompagnementet som er bevart i det midterste laget av teksturen pulserer dermed dobbelt så sakte, noe som skaper effekten av å bremse uten bruk av passende verbale bemerkninger ( ritardando, ritenuto og så videre.).

Ris. 2 - kontrasterende andre del (andre del av coda-typen).

Stykkets form som helhet kan derfor defineres som en enkel todelt kontrastkompositt med en distinkt manifestasjon i bakgrunnen av tegnene til en enkel todelt form med en andre del av coda-typen. Samtidig blir en gradvis krystalliserende idé dens individuelle trekk. diminuendo, støttet av rytmiske og dynamiske virkemidler: malt i subjektivt-lyriske toner, emosjonelt levende materiale fra den første perioden er i motsetning til mer nøytralt, objektivt og mindre individualisert, og legemliggjør emosjonelt forfallsmateriale fra den andre delen (en reduksjon i lettelse, lysstyrke og individuelle egenskaper av materialet forklarer det komposisjonelle forholdet til den betraktede todelte formen med formperioden med tillegg), retardasjonen skrevet i siste takt og den avtagende dynamiske nyansen understreker uttoningseffekten. Det er denne funksjonen som bidrar til lysstyrken til legemliggjørelsen av hovedbildet av stykket, assosiert med at den gradvis glipper ut av syne, som om den oppløses i rommet til hovedpersonen og med den særegne forsvinnings-smeltingen av lydsporene av hans nærvær.

Jeg husker tittelen "Om fremmede land og mennesker", gitt av Schumann til et av skuespillene som er inkludert i hans "Barnescener".

«I Venezia, om kveldene, kom noen ganger en gatesanger med en liten datter til hotellet vårt, og jeg liker virkelig en av sangene deres.»

I klassifiseringen til Yu.N. Tyulin, slike former foreslås uttrykt av A + B-ordningen på grunn av den tematiske uavhengigheten til den andre delen og tilstedeværelsen av nye innasjonale elementer i den.

I dette tilfellet oppstår en nøyaktig repetisjon av setninger, på grunn av hvilken perioden får en likhet med en strofisk struktur.

Det komposisjonelle forholdet til den betraktede todelte formen med formen til perioden med tillegget lar oss snakke om et fenomen relatert til den synkende komposisjonsmodulasjonen i klassifiseringen av V. Bobrovsky.

En lignende kompositorisk avstamning (bruken av andre del av coda-typen) finnes også i stykket fra "Barnealbumet" "I kirken". Vi legger også merke til noen kompositoriske analogier av stykket som vurderes med stykket " morgenbønn”: begge avsluttes med et avsnitt som klart fyller den endelige komposisjonsfunksjonen, men samtidig representerer “Morgenbønn” i form snarere en periode med tillegg.

Referanser / Referanser

1. Bobrovsky V. Funksjonelle grunnlag for musikalsk form. - M.: Musikk, 1978. - 332 s.
2. Tyulin Y. Musikalsk form / Y. Tyulin, T. Bershadskaya, I. Pustylnik og andre; generell utg. prof. Yu.N. Tyulin. - 2. utg., rettet. og tillegg - M.: Musikk, 1974. - 361 s.
3. P.I. Tsjaikovskij - N.F. von Meck: korrespondanse, 1876-1890: i 4 bind T. 1. 1876-1877 / komp., vitenskapelig og tekstkritiker. red., kommenterer P.E. Vaidman. - Chelyabinsk: MPI, 2007. - 704 s.

Referanser på engelsk / References in English

1. Bobrovskij V. Funkcional'nye osnovy musical'noj formy. . – M.: Muzyka, 1978. – 332 s.
2. Tjulin Ju. Muzykal'naja forma / Ju. Tjulin, T. Bershadskaja, I. Pustyl'nik og andre; generelt redigert av Yu. N. Tyulin. – 2. utgave, rettet og topp. – M.: Muzyka, 1974. – 361 s.
3. I. Chajkovskij – N.F. fon Mekk: perepiska, 1876-1890: v 4 t. T. 1. 1876-1877. / drawing up., vitenskapelig og tekstlig utgave, kommenterer P.E. Vaydman. - Cheljabinsk: MPI, 2007. - 704 s.

tønne orgel

Mange av oss i barndommen leste med entusiasme verket til den bemerkelsesverdige franske forfatteren G. Malo "Uten familie". En historie som absolutt ikke kunne la noen være likegyldige. I denne rørende historien, heltene som har det vanskelig livssituasjoner, bidro til å overleve en interessant gjenstand, et mekanisk musikkinstrument - en løpebane. For å spille på det var det ikke nødvendig å studere og til og med kjenne notene, vri på knappen - melodien lyder.

Foreløpig er dreieskiven allerede en kuriositet. Vi hører på musikk fra digitale medier, som ble innledet av platespillere og båndopptakere, og enda tidligere av grammofoner og grammofoner. Opprinnelsen til all denne teknikken var dreieskiven, som i tidligere tider var så populær at mange store diktere dedikerte diktene sine til den.

Lyden av et tønneorgel skapes ved hjelp av rør plassert i akustisk kabinett. Et veldig viktig element i verktøyet er valsen, med stendere innebygd i den. Pigger er plassert i viss rekkefølge tilsvarende melodien vi ønsker å høre. Hvis du omorganiserer hårnålene, så viser musikken seg å være helt annerledes. Instrumentet begynner å klinge når du dreier på håndtaket på dreieskiven, noe som setter i gang en ganske komplisert mekanisme.

Foto:

Interessante fakta

• Hvert land har sitt eget navn for dreieskiven. I Tyskland - Leierkasten, i England - Barrel orgel, i Frankrike - orgue de barbarie, i Spania - organillo, og i Italia - organistro, i Bulgaria - laterna, i Ungarn - kintorna.
• Den franske «solkongen» Ludvig XIV var den første av monarkene som satte pris på tønneorgelet og introduserte moten for instrumentet.
• Mange store russiske poeter, inkludert A. Vertinsky, A. Fet, P. Antokolsky, O. Mandelstam, I. Annensky, L. Semenov, M. Tsvetaeva, V. Bryusov, B. Okudzhava, dedikerte diktene sine til turskiven. .

• Musikkinstrumentet dreieskiver finnes svært ofte i barnelitteraturen, for eksempel i eventyrene til H.K. Andersen "Svinegjeter", K. Collodi "Pinocchio", A. Tolstoy "Den gyldne nøkkel, eller Pinocchios eventyr", i verkene til A. Kuprin "Hvit puddel". AV. Walton "Christy's Old Barrel Organ", G. Malo "Without a Family".
• Over hele verden blir instrumentet behandlet med stor respekt. I mange europeiske land slik som Sveits, Frankrike, Finland, Ungarn, Estland, Tyskland, Tsjekkia regelmessig internasjonale festivaler orgelkverner. Den mest massive festivalen, som samler mer enn hundre utøvere, arrangeres årlig, vanligvis i juli i Berlin, Tysklands hovedstad. En imponerende prosesjon av orgelkverner kledd i eldgamle kostymer, som passerer langs den berømte boulevarden Kurfürstendamm, vekker oppmerksomhet og vekker stor interesse ikke bare for innbyggerne i hovedstaden, men også for byens gjester.
• I Brasil ble tangoen til og med danset til lyden av en skive.
• I Danmark tror man fortsatt at hvis en orgelkvern blir invitert til bryllup, så vil de nygifte være lykkelige hele livet.
• I Wien, hovedstaden i Østerrike, kan du alltid høre lyden av en sløyfe på Stefansplassen nær hovedkatedralen i byen.
• I Praha kan man alltid finne orgelkverner ved de viktigste historiske severdighetene i byen - Karlsbroen og Gamlebytorget.
• Australia er vertskap for mange forskjellige, noen ganger veldig eksentriske og eksentriske parader og festivaler hvert år. De er som regel lyse og interessante, ofte akkompagnert av lyden av sløyfer.
• Monumenter til tønneorgelet og orgelkvernene finnes i forskjellige byer rundt om i verden: Moskva (Russland), St. Petersburg (Russland), Kiev (Ukraina), Gomel (Hviterussland), Berlin (Tyskland), Newport (USA).
• På russisk er det et uttrykk "start en sløyfe", som betyr irriterende å snakke om det samme.
• For tiden er tønneorganet veldig populært i form av et barneleke som utvikler musklene og fingermotorikken til barnet, og har også en beroligende effekt.
• Radioamatører kaller et tønneorgel for en radiosendeanordning av egen produksjon.

Design

Utformingen av tønneorgelet er ikke så enkelt som det kan virke. Den består av et håndtak, som kalles en krage, et pelskammer, en pinne, en lydrulle, pinner, spaker, stokk, ventiler og rør.
Håndtaket på tønneorgelet får tappen og lydvalsen til å bevege seg. Ved hjelp av en pinne pumpes luft inn i pelskammeret som ligger nederst på verktøyet. Det er knaster på lydvalsen, ved kontakt med hvilke spakene stiger og faller. Spakene får i sin tur sivet til å bevege seg, åpne og lukke ventiler som styrer luftstrømmen inn i rørene som produserer lyden.

Historie

Tønneorgelet var en gang så populært at flere europeiske land: Frankrike, Holland, Sveits og Italia fortsatt krangler og leter etter bevis for hvilket land tønneorgelet først ble født i. Instrumentets historie er imidlertid tapt i eldgamle tider. Bruken av cam-enheter, som tjener til å produsere lyd i en sløyfe, har vært kjent siden antikken. Allerede da ble de brukt i konstruksjonen av ulike typer underholdningsmekanismer. For eksempel, i det gamle Hellas var det teatre som representerte selvbevegende figurer, som ble kalt androider og flyttet til akkompagnement av lyder ekstrahert mekanisk. Og den kjente kinesiske filosofen Confucius, som levde på 600-tallet f.Kr., i en hel uke, uten avbrudd, lyttet til lyden av melodier hentet fra en enhet kalt "tigerribben" og bestående av plater som lager lyder forskjellige høyder. Kanskje var denne musikalske mekanismen stamfaderen til tønneorgelet. Og selv det pneumatiske orgelet, oppfunnet i det 3. århundre f.Kr. av den berømte antikke greske oppfinneren Ktesibius, var indirekte relatert til utseendet til tønneorgelet.

Under renessansen fortsatte mekanismene for å trekke ut lyd å bli bedre, og til glede for adelen ble det allerede laget mekaniske musikkinstrumenter som gjengav melodier: tønneorgel, musikkbokser og snusbokser.

Det første instrumentet som overlevde og kom ned til oss var en primitiv kopi laget i Frankrike på 1600-tallet. Den kunne bare spille en melodi og tjente til å lære sangfugler, og det var derfor den ble kalt "fugleorgelet". Hjørneskiven ble raskt tatt i bruk av vandrende artister, fordi det var mulig å spille melodier på den uten å kunne en eneste tone, man måtte bare vri på håndtaket på instrumentet. For eksempel lar innbyggerne i Savoy, en region som ligger i det sørøstlige Frankrike ved foten av Alpene, i tider med hungersnød barna sine gå på egen hånd for å tjene til livets opphold. Barn som reiser gjennom store byer, til lyden av en turski med deltakelse av deres firbeinte kjæledyr - murmeldyr, arrangerte forskjellige gateforestillinger. Under inntrykk av en av disse forestillingene dukket den verdensberømte sangen "Marmot" opp på versene til den berømte tyske poeten I.V. Goethe og musikk L.V. Beethoven.

Instrumentet, veldig høyt elsket av folket, har hele tiden utviklet seg. Mestere fra forskjellige land forbedret det hele tiden. Italieneren D. Barbieri, franskmannen J. Wacanson og sveitseren A. Favre er mekanikere og oppfinnere som gjorde svært betydelige endringer i utformingen av tønneorgelet. Instrumentet ble et lite mekanisk orgel uten tastatur - en boks der lydrør, pels og en rulle med små fremspring - hårnåler var plassert i rader. På tønneorgelet var det allerede mulig å spille ikke en melodi som før, men seks eller åtte eller enda flere, siden rullen kunne fjernes uavhengig, og dermed endre repertoaret til instrumentet. Omfanget av dreieskiven har utvidet seg betydelig. For eksempel i engelske kirker den ble brukt til å uttrykke salmer og salmer.

I Russland dukket instrumentet opp fra Polen på slutten av 1700-tallet og ble i løpet av kort tid mestret av omreisende musikere, så vel som artister fra det store toppsirkuset. Melodien som russerne først hørte under fremføringen av dreieskiven var melodien til en sang, som på fransk ble kalt "Charmant Katarina". Det er en versjon om at det var fra dette navnet i vårt land at instrumentet fikk et så uvanlig navn - en gurdy-gurdy, noen ganger ble det også kalt "katarinka". En annen variant av opprinnelsen til navnet på instrumentet vurderes også. Kanskje, opprinnelig ble det kalt en shirmanka, fra ordet skjerm, siden utøverne på instrumentet under forestillingene deres ofte slo seg sammen med dukkespillere som jobbet bak skjermen under forestillingene.

Takket være orgelkverner vokste instrumentets popularitet i Russland veldig raskt. Vandrende musikere, noen ganger akkompagnert av foreldreløse barn, og sang med ynkelige stemmer, vandret gjennom gårdsplassene til husene. Orgelkvernere i sine forestillinger involverte også små aper, som gjorde ansikter til lyden av tønneorgelet, tumlet og til og med sirklet, danset, samt store papegøyer. Fuglene trakk brettede papirer ut av esken, som spådommer om fremtiden ble skrevet på.

Dreiegurdyen, som var etterspurt, ble stadig endret. Ved overgangen til 1800- og 1900-tallet ble det laget flere forskjellige typer instrumenter. Ruller er byttet ut med perforerte bånd , som hver tilsvarer en bestemt lyd. Dette økte mulighetene for instrumentet betydelig og innspilling på det, ikke bare populære sanger og danser, men til og med utdrag fra operaer. Slike instrumenter kalles aristoner. Allerede i denne formen eksisterte dreieskivene til 30-tallet av forrige århundre, og etter at det dukket opp mer avanserte midler for å gjengi lyder: grammofoner, grammofoner, elektriske spillere, båndopptakere, ble de fullstendig erstattet og ble en ting fra forbi.

Nå for tiden er dreieskiven en kuriositet som kan sees oftere på et museum enn man hører på gaten. Riktignok husker innbyggerne i Paris, Wien, Berlin, Amsterdam og noen andre byer i verden henne fortsatt, for der kan du fortsatt møte orgelkverner som spiller alene. Og gi honnør til løpebanen, som har bestått tidens tann, ulike høytider og festivaler med deltagelse av eldgammelt instrument, i dag kraftig forbedret.

Video: lytt til tønneorgelet

MUSIKKINSTRUMENTER OG LEKER

tønne orgel

Dmitri Sjostakovitsj. fat orgel;
Peter Iljitsj Tsjaikovskij. Orgelkvernen synger.

1. leksjon

Programvareinnhold. Å lære barn å bestemme musikkens natur (munter, leken, rampete), å skille dens figurativitet (imitasjon av lyden av en sløyfe).

Leksjonsfremgang:

Lærer: Barn, dere er allerede litt kjent med arbeidet til Dmitri Dmitrievich Shostakovich. Husk hvilket verk av D. Shostakovich du lyttet til (fremfører et fragment).

Barn. "Mars".

Lærer: Hva er arten av denne marsjen? (Fremfører et skuespill.)

Barn. Leken, morsom, rampete.

Lærer: Hvorfor definerte du karakteren til denne musikken på en slik måte?

Barn. Marsjen høres rykkete ut, høy, stille, med aksenter, som om lekesoldater går.

Lærer: I dag skal du høre nok et skuespill av D. Shostakovich – «The Barrel Organ». Hvem vet hva et tønneorgel er?

Barn. Dette er et musikkinstrument.

Lærer: Det stemmer, dette er et gammelt mekanisk musikkinstrument som spiller melodier når orgelkvernen vrir på håndtaket. Hun kan spille en eller flere låter gjentatt mange ganger. Ofte er melodiene klagende, sørgmodige. Orgelkverner var fattige mennesker. De tjente til livets opphold ved å streife rundt på gårdsplassene og gatene, og utrettelig dreide på håndtaket på tønneorgelet. De klagende lydene hennes bar rundt, og folk kastet vekslepenger fra vinduene til orgelkvernen. Dere kjenner alle til A. Tolstojs eventyr "Den gyldne nøkkel ..." Papa Carlo, som laget Pinocchio av en stokk, var en orgelkvern. Du har sett orgelkverner i filmer også. Hvem husker ikke hvordan hun ser ut, se på bildet hennes (viser et bilde). Men det var også sløyfer som spilte muntre, morsomme melodier. Hør D. Shostakovichs skuespill «The barrel orgel» og si hvilken melodi hun spiller (fremfører stykket).

Barn. Munter, leken, munter, morsom.

Lærer. Det stemmer, musikken er bekymringsløs, leken, dansende. Hun ligner en munter, rampete kjeft. Hvordan fremstilte D. Sjostakovitsj løpebanen i dette stykket? Gjentar det noe? (Utfører separat akkompagnement.)

Barn. Ja, de samme lydene gjentas.

Pedagog Akkompagnementet i stykket høres uendret fra begynnelse til slutt (fremfører et akkompagnementsfragment). Dette formidler monotonien, den mekaniske lyden til dette instrumentet. Lytt til stykket på nytt (fremfører det).

2. leksjon

Programinnhold. Skille formen til et musikalsk verk, karakteren til individuelle deler, bestemme virkemidlene for musikalsk uttrykk som skaper et bilde (dynamikk, register, aksenter, artikulasjon), dansens natur (en klar, rykkete polka).

Leksjonsfremgang:

Lærer: Barn, nå skal jeg spille dere et utdrag fra stykket som dere allerede har hørt på. Husk navnet og forfatteren (fremfører et fragment).

Barn. Tønneorgel av D. Shostakovich.

P e d a g. Hva er musikkens natur? (Fremfører et skuespill.)

Barn. Munter, leken, leken, rampete, dansende.

P ed a g o r. Og hva slags dans spiller tønneorgelet?

Barn. Polka.

P e da g o g. Det stemmer. Hvorfor fant du ut at dette er en polka?

Barn. Musikken er rask, rykkete, sprellende, munter.

P e da g o g. Det stemmer. Rytmen er klar og dansbar. Melodien er bygget på vekslingen av jevne, glidende og rykkete, skarpe lyder. Det er mange humoristiske aksenter i musikken som låter uventet, provoserende. Jeg skal spille begynnelsen av stykket, og du markerer aksentene med klapp (utfører første gang av temaet, barna fullfører oppgaven). Hvordan høres melodien andre gang? (Utfører den første varianten - takt 11-18.)

Barn. Stille, brå, lett.

Lærer: Det stemmer, melodien høres lett ut, insinuerende, men blir avbrutt av rampete, cocky aksenter (fremfører et fragment). Merk dem med klapp (utfører gjentatte ganger, barna fullfører oppgaven). Melodien fortsetter å endre seg, og akkompagnementet gjentas hele tiden (fremfører stykket til slutten). De to første gangene lød melodien annerledes - først ganske høyt, muntert, provoserende, og deretter stille, engstelig, men fortsatt med lekne, skarpe aksenter. Hvordan høres melodien ut? (Utfører andre halvdel av stykket, med start fra takt 19.)

Barn. Først jevnt, høyt, stille, melodiøst, så høyt, muntert, høyt.

Lærer. I begynnelsen og slutten høres melodien lys ut (utfører den første og siste beholdning emner), og i midten er det stille to ganger, men på forskjellige måter. Lytt til karakteren til temaet for andre og tredje gang (utfører disse variasjonene).

Barn. Den andre gangen - rykkete, lett, oppkvikket, og den tredje - jevn, mild.

Lærer: Lytt nøye. Selv om sist melodien lød jevnt, forsiktig, den mistet fortsatt ikke sin lekne, frekke, rampete tone. Hver gang starter den kjærlig, og slutter med en kort, brå lyd (utfører takt 19-26). Lytt til stykket på nytt (fremfører det).

3. leksjon

Programinnhold. For å konsolidere barnas evne til å skille mellom innledningen og avslutningen, deler av stykket på grunn av endringen i musikkens natur. Bestem klangfargene til musikkinstrumenter som tilsvarer naturen til lyden til delene av stykket. Spill disse instrumentene, fremhev den rytmiske og klangfargede originaliteten til musikken.

Leksjonsfremgang:

Lærer Barn, prøv å finne ut hva jeg spiller for dere (utfører konklusjonen).

Barn. Dette er D. Shostakovichs tønneorgel. Slutten på stykket.

Lærer Fortell meg om stykket har en innledning og en avslutning (fremfører den i sin helhet).

Barn. Spise.

Lærer Hvordan høres introduksjonen ut? (Utfører det.)

Barn. Gjentatte lyder av en løpebane høres.

Lærer Og konklusjonen? (Utfører det.)

Barn. Først jevnt, stille, og deretter høyt, muntert.

Lærer: Og på slutten av stykket høres musikken leken, morsom ut. Den begynner kjærlig, lurt, og blir plutselig avbrutt av en høy akkord som avslutter stykket. Konklusjonen ligner den jevne passasjen av en melodi som lyder i et høyt register (fremfører et fragment). Vi sa at melodien går igjen i stykket på forskjellige måter. Det varierer. Hvordan høres det ut første og siste gang? (Utfører utdrag.)

Barn. Høyt, inderlig, med aksenter.

Lærer: Vi markerte aksenter med klapp, og i dag bruker vi en tamburin til dette. Det vil understreke aksentene og gi lyden klang. La oss markere aksentene i musikken først med klapp, og deretter med tamburiner (utfører første del, barna fullfører oppgaven). Sammenlign nå denne delen av stykket med den siste (fjerde). Har den like mange aksenter som den første, eller ikke? (Utfører utdrag.)

Barn. Nei.

Lærer Hvor mange aksenter er det i denne melodien? (Utfører den fjerde delen.)

Barn. To.

Lærer La oss feire dem med klapp (utfører en variant, barna fullfører oppgaven). Og nå skal vi treffe tamburinen under aksenter (to ganger); dette vil gi musikken klang, lysstyrke. La oss synge denne delen sammen (spiller den med barna). Og la oss nå tenke på hvilke instrumenter som kan brukes i den andre og tredje fremføringen av melodien (fremfører dem). Hvordan høres musikken ut?

Barn. Stille, mild. I den andre delen brått, og i den tredje jevnt.

Lærer Musikken i den andre delen høres stille ut, transparent, lett. Du kan bruke milde bjeller, og aksentene vil fortsatt understreke tamburinene. Marker aksentene i denne delen av stykket med klapp (utfører den andre holderen av temaet, barna fullfører oppgaven). La oss nå spille denne delen på både bjeller og tamburiner (utfører den igjen med barna). Og i den glatte delen, når musikken låter veldig høyt, hvilket instrument kan brukes? (Utfører et fragment.)

Barn. Triangel.

P e da g o g. Det stemmer. Det er ingen aksenter i denne delen, og trekanten vil understreke den høye, klangfulle lyden til musikken. La oss fremføre hele leken (deler barna inn i grupper, deler ut musikkinstrumenter, fremfører leken med dem).

4. leksjon

Programinnhold. Styrke barnas evne til å orkestrere musikk. Skille det emosjonelle-figurative innholdet i skuespill med samme navn.

Leksjonsfremgang:

Lærer: Barn, la oss i dag spille D. Shostakovichs skuespill "Bar-orgel" mer selvsikkert, uttrykksfullt. Aksentene i musikken vil prege tamburinene. Den milde, gjennomsiktige og rykkende lyden av melodien vil bli formidlet av klokkene, og den glatte av trekanten. Hvilke verktøy kan brukes avslutningsvis? (Snippet spilles av.)

Barn. Trekant, og i enden av tamburinen.

P e da g o g. Det stemmer. Når melodien høres mild, jevn, vil en trekant spille. Og for sluttakkorden - alle instrumentene er morsomme, provoserende (utfører konklusjonen sammen med barna). Og nå skal vi fremføre hele stykket (spille det). For en inderlig, rampete musikk vi har laget, hvor lystig tønneorgelet spiller!

Og nå skal jeg fremføre et annet stykke for deg med en lignende tittel, "Orgelkvernen synger." Den ble skrevet av den store russiske komponisten Pjotr ​​Iljitsj Tsjaikovskij. Lytt til stykket og si hvilke følelser, stemninger musikken formidler (fremfører den).

Barn. Musikken er trist, trist.

Lærer: Det stemmer, denne sløyfen spiller en sørgmodig, melodiøs, trist melodi, i motsetning til stykket vi kjenner. Og hvordan formidles den monotone klangen til en sløyfe i det nye verket? Er det repeterende lyder som minner henne om å spille? (Utfører den andre delen.)

Barn. Spise. Lydene gjentas.

Læreren Stykket består av to deler. Jeg spilte den andre delen for deg. De repeterende lydene fra sløyfen er spesielt hørbare i den. Musikken høres sørgmodig ut, sørgmodig. Til tross for at i begge stykkene formidles etterligningen av lydene til et gammelt musikkinstrument - et tønneorgel, hvilke forskjellige følelser og stemninger uttrykkes i dem! Lytt til begge stykkene igjen (fremfører dem).

5. leksjon

Programinnhold. Å formidle karakteren til musikk i bevegelse, å bestemme annen karakter dansbarhet av kontrasterende stykker (polka, vals).

Leksjonsfremgang:

Lærer Barn, lytt til to skuespill du kjenner og navngi dem (fremfører verk).

Barn. Dette er D. Shostakovichs Tønneorgel og P. Tsjaikovskijs The Organ Grinder Sings.

Lærer Hvorfor heter P. Tsjaikovskijs skuespill «Orgelkvernen synger»?

Barn. Det høres ut som en sang - jevnt, nynnende.

P edagogue Det stemmer, i musikken til P. Tsjaikovskij kan man føle melodiens sanglikhet, glatthet, uopplagthet. Er det noe dans i denne musikken? (Utfører begynnelsen av stykket.)

Barn. Dette er en vals.

Lærer. Det stemmer, sløyfen i P. Tsjaikovskijs skuespill spiller en monoton, klagende vals. Og i D. Sjostakovitsjs skuespill, hva slags dans spiller dreieskiven? (Utfører et fragment.)

Barn. Polka.

Lærer I D. Sjostakovitsjs skuespill høres det en rampete opp, som kan fremføres sammen med dansen - en lett, frekk polka. La oss prøve å formidle i bevegelse den forskjellige naturen til disse stykkene, ved å bruke elementer av dans - polka og vals (ring barn i grupper, fremfør stykker, diskuter vellykkede bevegelser).

Presentasjon

Inkludert:
1. Presentasjon, ppsx;
2. Lyder av musikk:
Chaikovsky. Orgelkvernen synger. Barnealbum, mp3;
Sjostakovitsj. Tønneorgel (tre versjoner: piano, symfonisk orkester, sang), mp3;
3. Medfølgende artikkel - abstrakt av klasser, docx;
4. Notater for selvstendig fremføring av lærer, jpg.

Kommunal budsjettinstitusjon

Ekstrautdanning

Barnas kunstskole nr. 8

Ulyanovsk

Metodisk utvikling

"Metodologisk analyse av skuespill fra

"Children's Album" av P.I. Tchaikovsky"

høyere utdanning lærer kvalifikasjonskategori

piano klasse

MBU TIL DSHI nr. 8

Chevachina Galina Alexandrovna

201 6 G.

merknad

Oppgaven presenterer historien om opprettelsen av den mest kjente og populære komposisjonen for barn i nært forhold til komponistens biografi. I hoveddelen av arbeidet gis en figurativ beskrivelse av skuespillene og metodiske anbefalinger til lærere i arbeid med verk. .

1.Innledning………………………………………………………..……………….……….2-4

2. Hoveddel……………………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………….

3.Konklusjon……………………………………………………………………………….20

4. Litteratur……………………………………………………………………………….20-21

"Metodologisk analyse av skuespill fra

"Children's Album" av P.I. Tchaikovsky"

Jeg. Introduksjon

musikalsk språk veldig flink til å formidle følelser og stemninger. For å "tegne" noe ved hjelp av musikk eller "fortelle" om noe, tyr komponister til hjelp av vanlig, verbalt språk. Det kan bare være ett ord i tittelen på stykket.

Men dette ordet styrer fantasien vår. For eksempel, i stykket "Lerkens sang" formidler små figurer med trillinger og yndetoner fuglekvitter.

Alle navn og verbale forklaringer for musikalske verk kalt et program. Og musikk som har et program kalles programmusikk. Alle verkene i samlingen "Children's Album" er programmatiske.

Den første enestående samlingen av musikk for barn i russisk pianolitteratur var "Children's Album" av P.I. Tchaikovsky. Utseendet til denne samlingen er ikke et tilfeldig fenomen i kreativ biografi komponist. Tsjaikovskij viet mye tid og krefter pedagogisk virksomhet. I tillegg til å jobbe ved Moskva-konservatoriet, skrev han en lærebok om harmoni og oversatte flere verk av vesteuropeiske musikere som kunne være nyttige for å utdanne russiske studenter.

«Barnealbumet» er ikke bare av stor kunstnerisk verdi, men også ekstremt nyttig for utdanning av elever.

Da han kom tilbake til Russland etter en utenlandsreise våren 1878, besøkte Tsjaikovskij landsbyen. Kamenka hans søster Alexandra Ilyinichna Davydova, som hadde 7 barn. Pyotr Ilyich forgudet nevøene og niesene sine, han gikk med dem, arrangerte fyrverkeri, musikalske forestillinger, dansekvelder, deltok i spill, nøt barnas spontanitet.

Tchaikovsky lyttet ofte til gutta som lager musikk, spesielt 7 år gamle Volodya Davydov. Han skrev N.F. med stor varme om nevøen. von Meck: "Av hensyn til hans uendelig sjarmerende figur, når han spiller, ser på notene og vurderer, kan du dedikere hele symfonier."

Det var til denne Volodya Davydov at P.I. Tsjaikovskij dedikerte sitt "Children's Album", som beriket barnemusikklitteraturen. pianostykker"Barnealbum", op. 89 ble skrevet av P.I. Tsjaikovskij i mai 1878 og utgitt av P. Jurgenson i oktober samme år. På tittelsiden til den første utgaven står syklusens fulle navn: «Barnealbum. Samling av lette skuespill for barn (imitasjon av Schumann). Komposisjon av P. Tsjaikovskij.

Faktisk kan man spore forbindelsen til "Children's Album"

P.I. Tsjaikovskij med et lignende verk av R. Schumann "Album for ungdom". Dette kommer ikke bare til uttrykk i valget av tomter ("March of Soldiers" - og "March of Wooden Soldiers", "First Loss" - "Doll Funeral", "Folk Song" - "Russian Song", etc.), men også i valg av virkemidler for musikalsk inkarnasjon. Begge komponistene snakker til barn overraskende klart og enkelt, og samtidig alvorlig, uten noen «justering». Samlinger fengsler med sin lyrikk. I likhet med Schumann beriker Tsjaikovskij i de fleste av hans skuespill det musikalske stoffet med elementer av polyfoni. Men selv i disse verkene for barn avviker ikke komponistene fra de grunnleggende prinsippene for sin pianostil. Derfor oppfattes Tsjaikovskijs «Barnealbum» som russisk musikk, som en serie bilder dedikert til livet og livet til russiske barn. Pyotr Ilyich forsøkte å sikre at musikken hans var livlig og spennende, så han viste interesse selv for den eksterne utformingen av utgaven av skuespill - i bilder, i formatet til samlingen.

Schumanns innflytelse på Tchaikovskys pianostil kan sees i likheten mellom tekstur, rytme og dynamikk. I "Album for Youth" og "Children's Album" er stykkene innasjonalt minneverdige, tilgjengelige for barnet, kontrasterende i karakter, men forent av én idé. Hvert skuespill er en liten historie fra barnas liv. Stillet opp sammen reflekterer de hele verden. Den programmatiske karakteren til samlingene gjør dem forståelige og interessante for begynnende pianister. Med ekstraordinær følsomhet og subtil forståelse av barnepsykologi reflekterte komponisten i "Children's Album" livet og livet til barna i miljøet som omringet ham hver dag.

"Barnealbumet" av P.I. Tsjaikovskij inneholder 24 skuespill som ikke er forbundet med et enkelt tema. Hvert skuespill inneholder et spesifikt plot, et livlig poetisk innhold. Samlingen fanger et bredt spekter av bilder. Dette er bilder av naturen - "Vintermorgen", "Lerkens sang", barnespill - "Game of Horses", "Doll Disease", "Doll Funeral", "New Doll", "March of Tin Soldiers", karakterer av russiske folkeeventyr er skissert - "Nanny's Tale", "Baba Yaga", russisk folkekunst- "Russisk sang", "En mann spiller munnspill", "Kamarinskaya", sanger fra andre nasjoner - "Gammel fransk sang", "italiensk sang", "tysk sang", "napolitansk sang", europeiske danser - "Vals" , “ Mazurka, Polka.

Verkene i samlingen er skrevet for barn, så tekstur, fingersetting, harmoni, artikulasjon, dynamikk og pedalisering tar hensyn til barnets ytelsesevne. Tsjaikovskij skrev 19 stykker av 24 i durtoner, akkordene er beregnet på barnehender, dynamikken er fra pp til f. De fleste skuespillene er skrevet i enkel todelt eller tredelt form.

Hensikten med å skrive arbeidet:

Å analysere programarbeidene til russiske komponister for barn på eksemplet med P.I. Tsjaikovskij.

Arbeidsoppgaver:

analysere relevansen av utseendet til samlingen;

avsløre de figurative egenskapene til albumets stykker;

II. Hoveddel

"Morgenrefleksjon"

I førsteutgaven het stykket «Morgenbønn», det ligner en sarabande – en streng firstemmig, en rytmisk figur – en kvart med prikk – en åttende.

En lys og alvorlig stemning, som det var, advarer om at historien om barn vil gå i en alvorlig tone. Stykket er skrevet i tonearten G-dur. Karakteren er rolig, gjennomtenkt, teksturen med elementer av polyfoni, formen av en lengre periode med et stort tillegg på tonisk orgelpunkt.

Artikulasjon og dynamikk skal understreke stykkets uttrykksfullhet. Det er viktig å oppnå en myk, melodiøs legato-lyd i alle stemmer.

Spesielt arbeid bør gjøres på det toniske organpunktet.

"Vintermorgen"

Stykket fanger et bilde av en snørik, frostig vintermorgen og formidler samtidig den psykologiske stemningen til barnet. Verket begynner i en frydefull D-dur, som snart modulerer seg til en parallell moll, som om gleden overskygges av overskyet vær.

Stykket er skrevet i en enkel 3-delt form. De opphissede, selvsikkerte ekstreme delene kontrasteres av midten, der bedende, klagende intonasjoner dukker opp.

I begynnelsen av stykket skaper en sekvens av fallende sekunder i høyt tempo en følelse av livlighet, travelheten i en dag som nettopp har begynt. Og i midten skaper den rytmiske omgrupperingen, lyden av intervallet til et økt sekund og endringen av den oppadgående bevegelsesretningen til den nedover inntrykk av et barns klagende intonasjon. I reprisen ser det ut til at aktive og bedende intonasjoner kombineres.

Teksturen til stykket er akkord. Pedalen i den første delen av stykket er rett, kort: den tas på første slag, og i midten - på første slag i annenhver takt.

"Mor"

Selve tittelen inneholder verkets betydning, noe som understrekes av forfatterens bemerkning – «Med stor følelse og ømhet». En kjærlig, mild, lett melodi synger, og hele teksturen synger med en "melodisert" lavere stemme. Når du jobber med en melodi, er det nødvendig å oppnå en vakker, dyp, cantilena-lyd (det er bedre å trekke den ut med puten til en litt utstrakt finger med en lett samlende bevegelse av børsten for hver tredje tone).

Midt i stykket kommer en «skyggesky» opp, melodiske ekko vises. Det er viktig å høre den melodiske basslinjen godt. Det må undervises separat og legato.

"Hestelek"

Denne spreke, billedlige, solfylte scherzoen er provoserende gutteaktig, med en sta ostinato-rytme. Dette er tempoet til en liten toccata, som er preget av et raskt tema, enkel utførelse. Eleven kan tenke seg skuespiller ri på en pinne eller en lekehest. Hele stykket skal høres veldig distinkt og skarpt ut.

Stykket er skrevet i en enkel tredelt form i form av en toccata med samme type rytmisk puls, som imiterer klirringen av hovene til en galopperende hest. Stykket er konsonant med R. Schumanns miniatyr "Den dristige rytteren".

Fra begynnelse til slutt er stykket skrevet i en firestemmig kvartettakkordstruktur. Eleven må få hjelp til å oppnå lydharmonien i akkordene. Derfor er det nødvendig å jobbe med staccato i sakte tempo: staccato utføres med de minste bevegelsene av børsten med fingertuppene matchet. Læreren skal sørge for at eleven ikke gjør unødvendige bevegelser, og med gjentatte toner benytter en dobbel øving av piano.

Det er nyttig å lære melodien og akkompagnementet separat, du kan også trene høyrehåndsdelen i sakte tempo, og spille den med begge hender.

Når sonoriteten økes, "kobles" hånden til fingrene, og deretter underarmen. Når du beveger deg til et raskt tempo, må du opprettholde pianistiske teknikker.

I den midtre delen av stykket (fra 25. takt) merkes tydelig et modusskifte (først i h-moll, og deretter gjentas alt i e-moll). I akkordteksturen vises ekkoer. Etter en rennende skygge høres D-dur spesielt lett og selvsikker ut i reprise.

"March of the Wooden Soldiers"

Dette stykket er en morsom marsj, til lyden av et "leketøy"-orkester med fløyter og en tromme, ser det ut til at en lekehær av tresoldater slår et skritt. Derfor er hovedvanskene i dette stykket rytmiske. Hele stykket må spilles ekstremt tydelig, jevnt, strengt, inn moderat tempo. Først er det viktig å lære stykket i sakte tempo med sterke fingre. Det er viktig å oppnå fra eleven samtidig fjerning av hender under pauser, nøyaktig utførelse av det rytmiske mønsteret, og ta hensyn til fingersettingen.

Stykket er skrevet i en enkel tresatsform. Midt i stykket høres hemmelighetsfullt og til og med litt truende ut, takket være modusskiftet (a-moll) og bruken av napolitansk harmoni.

"Dukkesykdom"

Tsjaikovskij skrev en syklus om dukker, som inkluderte: "Dukkens sykdom", "Dukkens begravelse", "Den nye dukken".

Hvor mye P.I. Tsjaikovskij har en livlig observasjon, velrettede skisser av en lunefull barnslig psyke med karakteristiske overganger fra tristhet til glede, fra tårer til latter og moro.

«Dukkens sykdom» er et trist skuespill: dukken er syk, lider, stønner, klager. Det er nødvendig å jobbe med eleven på en melodisk melodi, uttrykksfull bass og harmonier etter hverandre. Du kan lære melodien separat, uten pauser i et mer mobilt tempo, for bedre å kjenne dens utvikling. Vertikale harmonier må settes sammen til en akkord slik at de er lettere å høre.

På dette stykket er det bra å lære barnet om den forsinkede pedalen. Ta den til et kvarter med en prikk i delen av venstre hånd og lytt til den sammen med meloditonen til slutten av takten, og fjern den deretter jevnt. Og så i hver neste syklus.

I musikken kan du høre sukk, og tårer og urolig pust.

7. "Begravelsesdukke"

Første tap liten mann, seriøse opplevelser, møte med døden er konsonant med R. Schumanns skuespill "Det første tap".

I et høytidelig begravelsesfølge, en dyster c-moll, lyder en begravelsesmarsj. Med dynamikk skildrer komponisten enten tilnærmingen til begravelsesfølget, eller fjerningen. Rytmisk figur: halvpart, åttende med prikk, sekstende og igjen halvparten - karakteristisk for begravelsesmarsjen.

Musikkens dystre natur understrekes av tunge akkorder og intervaller i akkompagnementet.

Barnet må bli forklart at i denne leken er begravelsen en marionett, og de må behandles, hvordan spille.

"vals"

Waltz er pardans, den er basert på jevn virvling. Waltz er en av favorittsjangrene til P.I. Tchaikovsky. Denne valsen har trekk av både ballsal og lyrisk stemning i første del, og blir karakteristisk, strålende i andre del. Og du kan forestille deg den første delen som et "smil av et barn", og den andre delen som en "hulking". Det er tross alt bare barn som kan smile og hulke samtidig.

Dette stykket er skrevet i en kompleks tredelt form. Sammen med selve valsen har den seksjoner med innslag av en karakteristisk dans (i midtpartiet). For å avsløre funksjonene i arbeidet, må du komme opp med figurative sammenligninger. Tenk deg for eksempel Nyttårsfeiring og barn som danser nær juletreet. Den ene lystige dansen følger den andre. Den glatte, grasiøse valsen er erstattet av dansen til en liten ballerina som utfører intrikate trinn (taktene 18-38), som erstattes av en klosset og morsom dans av mummers (taktene 38-52).

Det er bedre å begynne å jobbe med en vals med akkompagnement - legato, med en litt merkbar avhengighet av bassen.

Når du jobber med en melodi, må du oppnå melodiøsitet og plastisitet, vær oppmerksom på synkopasjoner i 2-4 tiltak.

I den midterste delen må du hjelpe eleven til å føle polymetrien - en kombinasjon av et tredelt valsekkompagnement med en todelt del av høyre hånd, for å føle tostemmen.

Pedalisering vil bidra til å identifisere dansbarhet: koble en forsinket basspedal med akkorder.

"Ny dukke"

Dette er en subtil psykologisk skisse - gleden til en jente om en fantastisk gave - en ny dukke.

Stykket er basert på valssjangeren. Lettheten i den fleksible intermitterende bevegelsen til melodien skaper en atmosfære av barnslig lykke.

Følelsen av en "flygende" melodi til "G"-tonen i sjette takt gjør det mulig å spille hele den første formasjonen "i ett åndedrag".

Eleven skal forklare at ligaene i den midtre delen ikke er frasering, men stiplede, de reflekterer spenning og utålmodighet.

Ta pedalen kort, på bekostning av "tider".

"Mazurka"

Polsk navn folkedans"Mazurka" kommer fra "mazur" - navnet på innbyggerne i Mazovia. Mazurkaen er preget av en tredelt meter og rytme, med et hyppig skifte i vekt til andre og tredje taktslag.

En distinkt, presis berøring av fingertuppene på pianoklaviaturen, et sakte tempo, en tydelig hørsel av harmoni, behagelig fingersetting, pedalisering som bidrar til å markere enten en sterk beat eller en synkopering - dette er hva som vil hjelpe studenten å lære mazurkaen i riktig karakter.

"Russisk sang"

"Russian Song" er bygget på en ekte folkemelodi "You're Head, My Little Head", inkludert av komponisten i hans samling "50 Russian Folk Songs for Piano in 4 Hands".

Med samme melodi varierer musikken på grunn av den bevegelige bassen og undertonene.

Når du arbeider med et teaterstykke, må du sørge for at eleven hører en kombinasjon av stemmer. For dette formålet må tostemmer i én hånd læres med to hender.

Mannen spiller munnspill

Stykket er ekstremt fantasifullt. Bildet av en mann på en haug som prøver å lære å spille munnspill. Som uvillig, uforstyrret, med latskap, avler bonden munnspillpelsverk - han vet åpenbart å spille bare dette ene motivet og gjentar det i det uendelige. Her er det ingen utvikling.

I form er det et variasjonstema. Miniatyren avsluttes med gjentatt repetisjon av hovedharmonien - den dominerende septiemakkorden, som fungerer som et tonalt grunnlag. Til tross for sin enkelhet høres stykket friskt og pittoresk ut.

13. Kamarinskaya

Dette stykket har fått størst popularitet. I den bruker Tsjaikovskij dansens naturlige hverdagsintonasjon.

"Kamarinskaya er skrevet i D-dur, dette er tonen til helten i syklusen, resultatet av utviklingen av helten, hans dannelse som en russisk person.

I "Kamarinskaya" kan du høre en folkesang - en dans med en dristig, munter karakter.

"Kamarinskaya" imiterer folkemetoder for variasjon. På temaet (12 takter) i venstre hånds del minner den summende D-basslyden og den øvre stemmen om lyden folkeinstrument sekkepipe, som du kan spille både melodi og strekkbass på samtidig. Den øvre stemmen høres ut som en balalaika. Staccato bør spilles veldig kort, med en "klype".

Stykkets klimaks er i den andre varianten. Massive akkorder satt ut i to oktaver låter tykke og fyldige. For å oppnå den nødvendige klangstyrken, må de fjernes med hele hånden, med en bevegelse "fra tonearten." Denne variasjonen i klangstyrke ligner en munnspill.

Pedalen er rett, kort, for hver akkord.

14. "Polka"

Polka er en grasiøs og munter dans med frekk humor i de ekstreme partiene og med et snev av komisk kantete og klønete i midten. I polka må du oppnå en lett, elegant lyd. Det er nødvendig å jobbe med akkompagnementet, oppnå en lett staccato med små "stikk" av bassnoter, det er bedre å utføre staccato med et lite trykk "fra nøkkelen".

15. "Italiensk sang"

Skrevet i tonearten D-dur. Den ble laget som en husholdningsskisse mens du reiste til utlandet. I et brev fra Firenze skrev komponisten at han og broren en gang hørte en ti år gammel gutt synge en tragisk sang med en gitar. Han sang med en vakker tykk stemme med en slik varme at han rørte Pjotr ​​Iljitsjs hjerte. Og denne sangen ble inkludert i samlingen kalt "Italian Song".

Stykket er skrevet i en enkel todelt form. Den lette melodien flyter rolig, uten hastverk.

Når man lærer dette stykket med en student, bør man fokusere på det musikalske bildets valsenatur. Det er nødvendig å jobbe separat på melodien (bevegende, grasiøs i første del, og cantilena i den andre) og akkompagnementet (lys, vals, med en litt merkbar avhengighet av bassen).

I den andre delen blir teksturen mer komplisert. Melodien og akkompagnementet overføres til høyre hånd, og i venstre vises en monoton "mekanisert" bevegelse av kvartaler på den vedvarende bassen.

Man må passe på at akkompagnementet i høyre hånd høres veldig stille ut og ikke overdøver melodien.

16. "En gammel fransk sang"

Dette er en melankolsk, sjelfull sang, som et minne om en fjern fortid.

Stykket er skrevet i tresatsform, i g-moll. Melodien i første del skal låte dypt, langt ut. Det er to stemmer i venstre hånd.

Mellomsatsen begynner i hemmelighet, på et "cello" staccato-akkompagnement, og kommer så raskt til et klimaks. I melodi, til tross for de korte ligaene, må du prøve å unngå å knuse. Akkompagnementet utføres best med lette børstebevegelser, men sterke fingre. Før kulminasjonen er det på sin plass å lage en liten ritenuto og caesura, slik at etter det den fantastiske melodien til reprise klinger enda mer gjennomtrengende.

17. "Tysk sang"

"Tysk sang" - munter, med en "sprettende melodi". Den er basert på intonasjonene til den tyrolske sangen, og rytmen ligner den gamle Lendler-dansen som er populær i Tyskland og Østerrike.

Med studenter er det nyttig å lære akkompagnement separat: ta bassen dypere og andre og tredje taktslag er lettere. Ta den forsinkede pedalen til "en"-telling. "Tysk sang" er skrevet i tredelt form.

18. "Neapolitansk sang"

«Neapolitansk sang» er full av livlig gjenoppliving av italienske torg. Det skal utføres enkelt, og observere alle slagene nøyaktig.

Det temperamentsfulle, grasiøse stykket ligner den nasjonale italienske dansetarantella - full av energi, blusser opp med moro mot slutten. I stykkets melodi og rytme, de karakteristiske svingene til italieneren folkemusikk- repeterende rytmer og intonasjoner, aksenter etter pauser, imitasjon av lydene til folkemusikkinstrumenter.

En vanlig ytelsesfeil er den uklare lyden av en rytmisk figur som er typisk for kastanjetter eller gitarer - to sekstende- og to åttendetoner, der den andre sekstendedelen ikke alltid er tydelig.

En annen ulempe er tyngden av akkompagnementet, noe som reduserer uttrykksevnen til fremføringen av stykket betydelig. For å overvinne disse tekniske vanskelighetene, er det nyttig å øve venstre hånd med en håndleddsbevegelse oppover på et fremhevet andreslag. Når du utfører en melodi, er det nødvendig å utføre alle slagene angitt av komponisten: ligaer, pauser, aksenter.

Stykket er skrevet i tre deler. Den består av tre perioder, som hver består av to setninger. Den andre perioden (takt 20 og 36) utvikler den første, men høres mer lyrisk og myk ut. Den tredje, tvert imot, er mer temperamentsfull og lys: tempoet, dynamikken og teksturen endres. Utførelsen av akkompagnementet til denne delen forårsaker noen vanskeligheter på grunn av spredningen. Det er nødvendig å forene bass og akkord (konstant vekslende) i en bevegelse. Dette unngår mas, tyngde, gir spillet nøyaktighet og selvtillit.

Repeterende lyder av melodien etter ligaene skal høres lett ut, men tydelig. Når du fremfører et stykke, er det nødvendig å unngå tett pedallyd.

19. "Nanny's Tale"

Blant levende inntrykk barndom, fanget av Tchaikovsky, kan man merke seg bildene av folkeeventyr. Det skjer sent på kvelden. Det er på tide å legge babyen og «skremme». Det er her originalspillene lyder: «Nanny's Tale» og «Baba Yaga» – et svært sjeldent og uttrykksfullt eksempel på Tsjaikovskijs fantasi.

I dette stykket kan man forestille seg en gammel barnepike som umiddelbart forvandler seg i fantasien til bildet av en fantastisk trollkvinne.

(for eksempel Pushkins Naina). Noe kantete, "stikkende" presentasjon, rytmisk særhet, intrikate plassering av aksenter bidrar til å skape en atmosfære av fabelaktighet, basslinjen minner om barns frykt.

Det originale bildet av barnepikens eventyr åpner en ny side i «barnas» romantikk, helt forskjellig fra Mussorgskys, både i uttrykk og form. I «Nanny's Tale» høres uvanlige harmonier noe snodig, fantastisk i musikken.

Stykket er skrevet i tre deler.

"Nanny's Tale" og "Baba Yaga" er to symfoniske forgjenger blant de visuelle bildene av barnas verden og de lyriske bildene til "Barnealbumet".

20. Baba Yaga

Baba Yaga er fabelaktig fantastisk bilde. Tørr staccato skaper inntrykk av hardhet og stikkende, uløselig forbundet i fantasien vår med bildet av en grusom heks. I musikken kan du høre hvordan «Baba Yaga» suser etter noen på jakt. Og det ser ut til at du tror hvordan hun flyr over skogene og dalene i morteren sin, "kjører den sjette, feier stien med et kosteskaft."

Rasende angrep av åttendetoner, som om de bryter på sforzando-akkorder, gir dette bildet en nyanse av matthet (et lignende inntrykk skapes i Mussorgskys "Hut on Chicken Legs" ved en jevn tilbakevending til lyden "salt").

Lær staccato med en elev på legato, og deretter i sakte tempo portamento.

Spiller en betydelig rolle harmonisk språk spiller. P.I. Tchaikovsky brukte i likhet med Mussorgsky tritonen for å karakterisere Baba Yaga.

Stykket er skrevet i en enkel tresatsform. Den kantete lyden fra begynnelsen av verket ligner på en haltende gangart eventyrkarakter. I bevegelsen av åttendedeler i midtpartiet ser en fantastisk flytur ut til å være akkompagnert av en «vindfløyte», et slag med «staccato» gir karakteriseringen av musikken en illevarslende særhet.

21. "Søt drøm"

Dette stykket er skrevet i sjangeren romantikktekster. Hvert barn vil at moren skal fortelle eller synge noe veldig hyggelig om kvelden, da blir drømmene hyggelige. «Sweet Dream» er skrevet i tredelt form.

For at barnets spill ikke skal være statisk og monotont, er det nødvendig å lære ham å demontere konstruksjonen av en melodisk linje, å føle den gjensidige tiltrekningen av lyder i fraser. Når du jobber med en student på melodien til den første delen, må du forklare ham arten av hovedintonasjonen til stykket (den første to-takten), og uttrykke et ømt åndelig ønske. Vis ønsket om melodien til lyden "mi", og deretter en liten nedgang til halvtonen "la". Videre arbeid med utviklingen av melodilinjen. Tsjaikovskij arrangerte alle de dynamiske nyansene selv: lyden vokser gradvis mot 6. takt i hver av de to setningene, og hovedklimakset for hele perioden er i andre setning (14. takt). Klimakset skal spilles ikke bare med en lysere lyd, men også bredere, som om du plasserer lydene litt fra hverandre. Eleven må forklare betydningen av noen fraser slik at han fanger opp endringene i hovedintonasjonen, som enten blir vedvarende og energisk, eller noe trist.

Hovedklimakset til «Sweet Dream» er i den andre konstruksjonen av midtdelen. I den midtre delen av stykket går melodien over i det nedre «cello»-registeret, og bør derfor låte spesielt rikt. Deretter (i takt 22-24, 31-32) leder to stemmer melodien: den øvre "fiolinen" og den nedre "celloen". Hovedklimakset i midtpartiet bidrar til en større relieff av lyden av reprise.

Akkompagnementet i stykket foregår i mellomstemmen. Det skal høres veldig mykt og jevnt ut. For å gjøre dette er det nødvendig å lære delen av venstre hånd med begge hender i de ekstreme delene: venstre legato leder den nedre stemmen, og den høyre, med en liten berøring på instrumentet, utfører åttendedeler.

Pedalen må tas for hver tone i melodien, den fungerer som et middel til å fargelegge.

«Sweet Dream» er utmerket legato-materiale.

22. "Lerkens sang"

"Song of the Lark" - lett, klar, som om ringing i asurblå musikk formidler følelsen av oppvåkning vårens natur. For barn er en lerke en fugl over feltet, og for en komponist er den et symbol på fantasiens flukt, inspirasjon. Dette er opplysningen til helten i "Barnealbumet". Gå tilbake i minnet til livets morgen, for lerken synger tidlig om morgenen. Dette er en motvekt til «Vintermorgen». Dette stykket er kulminasjonen av hele syklusen. «Lerkens sang» er så å si gjennomsyret av «fuglesang». Dette er en pittoresk skisse med et lyst og gledelig humør, og bare i den andre delen høres et snev av tristhet i valsens nåde.

Og så er Lark komponisten, sangeren og skaperen selv.

Stykket er skrevet i en enkel trestemmig form, med akkordakkompagnement, med en overtone i overstemmen. Teksturen til stykket er basert på små figurer i trillinger og nådenotater, som er plassert i det øvre registeret. Den kontinuerlige kjeden av nådenotater fremkaller assosiasjoner til fuglenes muntre kvitring.

Når du arbeider med en elev på en posisjonsfigur, er det nødvendig å forklare eleven at tre sekstendedeler skal rettes til den åttende, rytmisk nøyaktig spilt og høres klar, smuldrende, ikke sammenkrøllet.

Grace notater må læres separat slik at de høres veldig tydelig og høyt.

Når du jobber med en venstrehåndsdel, er det nyttig å spille den legato og da i form av seige korte akkorder.

23. "Orgelkvernen synger"

P.I. Tchaikovsky, som husket Italia, som han elsket med sine tønne-orgler og gatesangere, skrev stykket "The Organ Grinder Sings", som ble inkludert i "Children's Album". Dette stykket er skrevet til melodien til en av sangene, sunget av en liten italiensk jente.

«The Organ Grinder Sings» er et musikalsk bilde der en vandrende musiker med et tønneorgel og en ape synger sangene sine mens han reiser rundt i verden, og for komponisten er det han selv som reiser i sine kreasjoner verden rundt.

Stykket er skrevet i en enkel todelt form, i rytmen til en vals, som "Italiensk sang". Melodien er lett, flyter rolig, uten hastverk. For at eleven skal spille den innledende melodilinjen uten å bryte og presse, må han vise stigningen av lydbølgen til tonen "mi".

I den andre delen blir teksturen mer komplisert. Melodien og akkompagnementet overføres til høyre hånd, og i venstre, på en vedvarende bass, vises en monoton bevegelse av kvartaler (dette ligner den ensartede bevegelsen til en orgelkverners hånd). Sammen med eleven må du jobbe mer med uttrykksevnen til melodien og den stille lyden av akkompagnementet, som ikke overdøver melodien.

24. Kor

Tsjaikovskijs «Barnealbum» begynner med «Morning Reflection» og avsluttes med stykket «Choral» (i den første utgaven hadde begge stykkene forskjellige titler – «Morgenbønn» og «I kirken»). Musikken til "Morning Reflection" er fylt med en lys og alvorlig stemning, som om den advarer om at historien om barn vil gå i en alvorlig tone. «Choral» høres mer konsentrert, hardt ut, trist.

Begge stykkene har mye til felles: en rolig, gjennomtenkt karakter, en tekstur med elementer av polyfoni, en utvidet periodeform med et stort tillegg på det toniske orgelpunktet. De bringes også sammen av toneartenes slektskap (G-dur og E-moll). I Chorale viser Tsjaikovskij til kanonen for kveldsgudstjenesten. Dette skuespillet høres ut som en oppfordring til å søke «veien til templet». Tsjaikovskij henvender seg til barn med håp om at eventuelle vanskeligheter i livet kan overvinnes. Du kan komme deg ut av livets konflikter ved hjelp av nære mennesker - skuespillet "Mamma", vende seg til kunsten - "Vals", i enhet med folket - "Kamarinskaya", og til slutt, i egen kreativitet- "Lerkens sang".

Stykket er skrevet i to deler. Karakteren til den første delen er konsentrert i dybden på jorden. Trekkspill tekstur. Du må jobbe med eleven om harmonien i akkordene, og for dette, forklar barnet at det er nødvendig å fremheve den øvre stemmen og bassen i akkordene.

I den andre delen er akkordene skrevet i et høyt register, og bassene på det toniske orgelpunktet (lyden "G") høres mer intenst ut (symboliserer den ubønnhørlige tiden som går).

Musikken til dette stykket minner om kirkens kanon "Herre, ha nåde ..." Pedalen er forsinket (det er tilrådelig å ikke ta den til bunns).

III. Konklusjon.

De subtile semantiske forbindelsene som eksisterer mellom de ekstreme delene av samlingen "Morgenbønn" og "In the Church" (titler i første utgave) bidrar til den kompositoriske harmonien og fullstendigheten til "Barnealbumet". Hans 24 skuespill er som en skisse av dagens fargerike inntrykk.

"Children's Album" er rettet mot både dannelsen av utøveren og utdanning av personligheten til barnet. Verk som er forståelige for barn er guider til «voksen» musikk.

"Children's Album" av P.I. Tchaikovsky er den første russiske pianosamlingen skrevet spesielt for barn.

«Children's Album» er inkludert i verdens gullfond musikklitteratur for barn.

I et av brevene hans skrev P. I. Tchaikovsky: «Kunst er like i stand til å berøre sjelen til både et barn og en voksen, derfor blir veien til kunst til kreativitet temaet for Barnealbumet. Gjennom «Barnealbumet» fikk vi strålende smakebiter av skuespill – både musikalsk og pedagogisk materiale for barn, men også kloke livstimer for oss alle.

IV. Litteratur

1.B. Asafiev Russisk musikk om barn og for barn // Selected Works, vol. IV. Moskva: USSRs vitenskapsakademi, 1955

2.P.I. Tsjaikovskij Brev til slektninger. Favoritter. Moskva: Muzgiz, 1955

3.A.D. Alekseev Pianokunstens historie M.: Musikk 1988.

4. A. Alshvang P. I. Tsjaikovskij - M: Muzgiz, 1959.

5.G.G.Neigauz "Notes of a teacher". M., 1961; 1982.

6.G.Dombaev Kreativitet P.I. Tsjaikovskij. i materialer og dokumenter. M.: Muzgiz, 1958.

7. P.I. Tchaikovsky "Children's Album" - en pianosyklus på 24 stykker. Moskva "Musikk" 1981

I dag vil vi fortsette temaet interessante musikkinstrumenter (husk leksjon nr. 014 ""). Pappa Carlo fra eventyret "Pinocchio" var en orgelkvern! Vi skal sammen med barna høre på «Orgelkvernen synger» av Pjotr ​​Tsjaikovskij og «Tønneorgelet» av Dmitrij Sjostakovitsj. Vri på håndtaket på en imaginær sløyfe, tegn lyden av en løpebane og fantaser, skap og fordyp deg i den fantastiske verdenen av klassisk musikk.

Tønneorgel! Tønneorgel! Orgelkvern! Se! Han vrir på håndtaket og musikk høres ut, for et mirakel, for et mirakel! La oss huske eventyret Gylden nøkkel". Hvem jobbet som Papa Carlo, som laget Pinocchio av tømmerstokker? Han var en orgelkvern.

Sharmanka er et eldgammelt mekanisk musikkinstrument som spiller melodier når en orgelkvern dreier sveiven. Dreiegurdyen kan spille en eller flere melodier. Ofte er melodiene klagende, sørgmodige. Orgelkverner var fattige mennesker. De tjente til livets opphold ved å streife rundt på gårdsplassene og gatene, og utrettelig dreide på håndtaket på tønneorgelet. De klagende lydene hennes bar rundt, og folk kastet vekslepenger fra vinduene til orgelkvernen.

"... En gammel mann kom inn på tunet med en fargerikt malt boks på skulderen, ofte en ape som satt på den. Det var en orgelkvern. Han tok av seg byrden fra skulderen, begynte jevnt å rotere skaftet på skuta. -gurdy, og lydene av valser og polkaer ble hørt med sutring og hulking, ofte uenig og falsk..."(L. Mikheeva).

"Orgelkvernen synger" Pyotr Ilyich Tchaikovsky (et skuespill fra "Children's Album") - Dette skuespillet er en sjangerkarakteristisk sketsj, hvis lyd skildrer en gammel mann. Han vrir på håndtaket på dreieskiven og vakre utstrakte lyder renner ut av den. Stykket «Orgelkvernen synger» er basert på det italienske (venetianske) motivet. Et upretensiøs, men klokt rolig tema fjerner de dystre tankene til et barn. Musikken er som en vals. Musikken er trist, trist. Hurtigringen spiller klagende, melodiøst, trist.

Tønneorgel Dmitry Dmitrievich Shostakovich- bekymringsløs, leken, munter, leken, munter, morsom, pepp musikk, som ligner på en polkadans. De samme lydene gjentas, og imiterer vridningen av et slingrehåndtak, monotont og monotont.

Forløpet av leksjonen vår:

1. Fortelle Med dine egne ord, hva er en løpebane, vis hvordan orgelkvernen snur orgelkvernen, på hvilke tidspunkter orgelkvernen ble brukt og til hva. Vis illustrasjoner sløyfe, løkke. Nøkkelen her er i dine egne ord! Du trenger ikke å lese definisjoner fra ordbøker. Les diktet, sitatet, men hovedteksten, fortell gjerne med dine egne ord.
2. Lytt til «The Organ Grinder Sings» av Pyotr Tchaikovsky. Minn barna på at dette stykket er fra "Barnealbumet", som du allerede har møtt i tidligere leksjoner. Prøv å plukke opp så mange adjektiver som mulig for å beskrive musikken, karakteren og stemningen.
3. Lytt til Dmitri Shostakovichs Barrel Organ. Dette er en ny komponist for oss. Spør barna om stemningen i musikken. Sammenlign med "Orgelkvernen synger", diskuter forskjellene og hvorfor.
4. Dans til musikken, flytt under "orgelkvernen synger" og "orgelkvernen". Beveg deg fritt. Snurr dreieskiven, dans på gatene i byen, drøm ved vinduet på orgelkvernens sørgmodige sang.
5. Tegne blyanter, maling, fargestifter, penner, tusj. Uansett hva dine små lyttere ønsker. Diskuter bildene du har tegnet mens du beskriver musikken på nytt. Spør hvilket stykke du likte mest og hvorfor, hvilket du vil høre på igjen.

Afanasy Afanasyevich Fet

Orgelkvern

Jeg klamret meg til vinduet i mørket -
Vel, riktig, det kan ikke være mer upassende:
Igjen i banen den gamle mannen
Med din ustanselige sang!

De lydene plystrer og synger
Greit-kjedelig-klosset...
Stå opp foran meg, reis deg
Bak rammen er det to lyse hoder.

Over dem glassflaten
I løpet av måneden er det lyskrystall.
Man er så sprekt blid
Den andre er så sløvt trist.

Og det er en gammel sang! - med tristhet
Vi verner forsiktig om fortiden
Og jeg beklager begge deler
Og jeg er glad i dem begge.

Mellom dem er synlig
Fortsatt et ungt hode
Og alt han er bra, som en,
Og alt han er trist, som en annen.

Han er for alltid viet til en
Og tristhet plages av agn ...
Vil du gå, gråhåret gaer,
Med din iherdige dreieskiver? ..

Last ned musikk og illustrasjoner for klassisk musikktimer med barn "Under eiken - 365" i vår Vkontakte-gruppe på lenken -