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Arte moderna do anime e mangá japonês. Explodindo Kawaii: Como entender a arte japonesa contemporânea

Uma exposição interessante está acontecendo no Hermitage - Arte Moderna Japão "MONO-NO AWARE. Charme das coisas".

Dizer que sou fã de arte contemporânea - não posso. Eu gosto mais quando há algo para olhar (gráficos ocupados, ou artes e ofícios, etnia é tudo para mim). Admirar a beleza de um conceito puro nem sempre é divertido para mim. (Malevich, desculpe! Eu não gosto de Black Square!)

Mas hoje cheguei a esta exposição!

Precioso, se você está em São Petersburgo, interessado em arte e ainda não esteve lá, a exposição será até 9 de fevereiro! Vá, porque é interessante!

Os conceitos me convencem um pouco, como escrevi acima. De alguma forma, pensei que em um ano visitando exposições modernas, um ou dois objetos me parecem engraçados no máximo. E muitas coisas não me tocam tanto que sinto pena do tempo que passei. Mas é em qualquer gênero, em qualquer arte, a porcentagem da proporção de talento e mediocridade, é bom que seja um em dez! Mas eu gostei desse show.

As criações japonesas foram colocadas nas salas de exposição do Estado-Maior. A primeira instalação que recebe os visitantes é um incrível labirinto cheio de sal no chão. Piso cinza, sal branco, espaço incrivelmente bem marcado, entrelaçado em um campo. Grande showroom, e um ornamento branco espalhado pelo chão como uma incrível bolacha. E você entende como essa arte é temporária. A exposição vai fechar, o labirinto será varrido com uma vassoura. Certa vez, assisti ao filme "Pequeno Buda". E lá, no início, um monge budista colocou um ornamento complexo de areia colorida. E no final do filme, o monge fez um movimento brusco com seu pincel e o trabalho titânico se dissipou ao vento. Isso foi, então pule e não. E diz, aprecie a beleza aqui e agora, tudo é passageiro. Então esse labirinto de sal entra em diálogo com você, você começa a responder as perguntas que ele te coloca. O artista é Motoi Yamamoto.

Sim Sim! Este é um labirinto tão grande, você sentiu a escala?

O segundo objeto que cativa é a enorme cúpula feita de polietileno e resina preta por Yasuaki Onishi. Espaço invulgarmente decidido. Nos fios irregulares de resina mais finos e pretos pende, ligeiramente em movimento, uma cúpula ... ou uma montanha com um relevo complexo. Quando você entra, vê um padrão heterogêneo de pontos - lugares onde a resina gruda. É engraçado, como se a chuva negra caísse silenciosamente e você estivesse sob o dossel.

Como surgiu esta técnica? Engraçado, certo? Mas ao vivo parece mais "vivo", a cúpula balança levemente com a brisa criada pelos visitantes que passam. E há uma sensação de sua interação com o objeto. Você pode entrar na "caverna", veja por dentro como é!

Mas para não ficar com a impressão de que tudo era só preto e branco, vou postar aqui mais algumas fotos da composição, feitas de aros conectados entre si. Esses cachos de plástico engraçados e coloridos! E também, você pode passar por esta sala, dentro dos aros, ou pode ver tudo de fora.

Esses itens são meus favoritos. Claro, em breve a arte conceitual contemporânea se tornará diferente, em consonância com os novos tempos. Não retornará ao antigo e não permanecerá como está agora. Vai mudar. Mas, para entender o que era, onde o riacho estava correndo e o que e de onde vem, você precisa saber o que está acontecendo agora. E não fuja disso nããão, o conceito não é para mim, mas tente vê-lo e avaliá-lo. São poucos os talentos, como sempre, mas existem. E se as exibições ressoarem, nem tudo está perdido!!!

Arte e Design

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01.02.18 09:02

A cena artística japonesa atual é muito diversa e provocativa: olhar para o trabalho dos mestres do país sol Nascente Você vai pensar que pousou em outro planeta! É o lar de inovadores que mudaram o cenário da indústria em escala global. Aqui está uma lista de 10 artistas japoneses contemporâneos e suas criações, desde as incríveis criaturas de Takashi Murakami (que faz aniversário hoje) até o colorido universo de Kusama.

Dos mundos futuristas às constelações pontilhadas: artistas japoneses contemporâneos

Takashi Murakami: tradicionalista e clássico

Vamos começar com o herói da ocasião! Takashi Murakami é um dos artistas contemporâneos mais emblemáticos do Japão, trabalhando em pinturas, esculturas em grande escala e moda. O estilo de Murakami é influenciado por mangá e anime. Ele é o fundador do movimento Superflat, que apoia os japoneses tradições artísticas e cultura do pós-guerra. Murakami promoveu muitos de seus contemporâneos, também conheceremos alguns deles hoje. Obras "subculturais" de Takashi Murakami são apresentadas nos mercados de moda e arte. Seu provocador My Lonesome Cowboy (1998) foi vendido em Nova York na Sotheby's em 2008 por um recorde de $ 15,2 milhões. Murakami colaborou com marcas mundialmente famosas como Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.

Tycho Asima e seu universo surreal

Membro da produtora de arte Kaikai Kiki e do movimento Superflat (ambos fundados por Takashi Murakami), Chiho Ashima é conhecida por suas paisagens urbanas fantásticas e estranhas criaturas pop. O artista cria sonhos surrealistas habitados por demônios, fantasmas, jovens belezas retratadas no cenário de uma natureza estranha. Seus trabalhos são geralmente em grande escala e impressos em papel, couro, plástico. Em 2006, a artista contemporânea japonesa participou do Art on the Underground em Londres. Ela criou 17 arcos sucessivos para a plataforma - a paisagem mágica mudou gradualmente do dia para a noite, do urbano para o rural. Esse milagre floresceu na estação de metrô Gloucester Road.

Chiharu Shima e Fios Infinitos

Outro artista, Chiharu Shiota, está trabalhando em instalações visuais de grande escala para marcos específicos. Ela nasceu em Osaka, mas agora mora na Alemanha - em Berlim. temas centrais o seu trabalho é esquecimento e memória, sonho e realidade, passado e presente, e também um confronto com a ansiedade. As obras mais famosas de Chiharu Shiota são as teias impenetráveis de fio preto que envolvem muitos itens pessoais e cotidianos, como cadeiras velhas, um vestido de noiva, um piano queimado. No verão de 2014, Shiota conectou mais de 300 sapatos e botas doados a ela com fios de lã vermelha e os pendurou em ganchos. A primeira exposição de Chiharu na capital alemã foi realizada durante a Semana de Arte de Berlim em 2016 e causou sensação.

Hey Arakawa: em todos os lugares, não em qualquer lugar

Ei Arakawa é inspirado por estados de mudança, períodos de instabilidade, elementos de risco, e suas instalações muitas vezes simbolizam os temas de amizade e trabalho em equipe. O credo do artista japonês contemporâneo é definido pelo indefinido performativo "em todo lugar, menos em lugar nenhum". Suas criações surgem em lugares inesperados. Em 2013, o trabalho de Arakawa foi exposto na Bienal de Veneza e na exposição de arte contemporânea japonesa no Mori Art Museum (Tóquio). A instalação Hawaiian Presence (2014) foi uma colaboração com a artista nova-iorquina Carissa Rodriguez e apresentada na Whitney Biennale. Também em 2014, Arakawa e seu irmão Tomu, realizando um dueto chamado United Brothers, ofereceram aos visitantes da Frieze London seu "trabalho" "The This Soup Taste Ambivalent" com raízes "radioativas" de daikon de Fukushima.

Koki Tanaka: Relacionamento e Repetição

Em 2015, Koki Tanaka foi nomeado Artista do Ano. Tanaka explora a experiência compartilhada de criatividade e imaginação, incentiva o intercâmbio entre os participantes do projeto e defende novas regras de colaboração. Sua instalação no pavilhão japonês da Bienal de Veneza de 2013 consistia em vídeos de objetos que transformavam o espaço em uma plataforma para troca de arte. As instalações de Koki Tanaka (não confundir com seu ator homônimo) ilustram a relação entre objetos e ações, como a gravação em vídeo de gestos simples executados com objetos comuns (faca cortando legumes, cerveja sendo despejada em um copo, abrindo um guarda-chuva) . Nada significativo acontece, mas a repetição obsessiva e a atenção ao os menores detalhes fazer o espectador apreciar o mundano.

Mariko Mori e formas aerodinâmicas

Outra artista contemporânea japonesa, Mariko Mori, "conjura" objetos multimídia, combinando vídeos, fotos, objetos. Ela tem uma visão futurista minimalista e formas elegantes e surreais. Um tema recorrente na obra de Mori é a justaposição da lenda ocidental com cultura ocidental. Em 2010, Mariko fundou a Fundação Fau, uma entidade educacional e cultural organização sem fins lucrativos, para o qual produziu uma série de suas instalações artísticas em homenagem aos seis continentes habitados. Mais recentemente, a instalação permanente da Fundação, The Ring: One with Nature, foi suspensa sobre uma pitoresca cachoeira em Resende, perto do Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: Síntese de Som e Vídeo

Ryoji Ikeda é um artista e compositor de novas mídias cujo trabalho está relacionado principalmente ao som em diferentes estados "brutos", desde sons senoidais até ruídos usando frequências no limite da audição humana. Suas instalações de tirar o fôlego incluem sons gerados por computador que são visualmente transformados em projeções de vídeo ou modelos digitais. Os objetos de arte audiovisual de Ikeda usam escala, luz, sombra, volume, sons eletrônicos e ritmo. O famoso objeto de teste do artista consiste em cinco projetores que iluminam uma área de 28 metros de comprimento e 8 metros de largura. A unidade converte dados (texto, sons, fotos e filmes) em um código de barras e padrões binários de zeros e uns.

Tatsuo Miyajima e contadores LED

O escultor e artista de instalação japonês contemporâneo Tatsuo Miyajima usa em sua arte circuitos elétricos, vídeo, computadores e outros gadgets. Os principais conceitos de Miyajima são inspirados em ideias humanísticas e ensinamentos budistas. Os contadores de LED em sua configuração piscam continuamente em uma repetição de 1 a 9, simbolizando a jornada da vida à morte, mas evitando a finalidade que é representada pelo 0 (o zero nunca aparece na obra de Tatsuo). Os números onipresentes em grades, torres e diagramas expressam o interesse de Miyajima pelas ideias de continuidade, eternidade, conexão e fluxo de tempo e espaço. Não muito tempo atrás, o objeto Arrow of Time de Miyajima foi mostrado na exposição inaugural "Incomplete Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto e as Crianças Malvadas

Nara Yoshimoto cria pinturas, esculturas e desenhos de crianças e cães, temas que refletem o sentimento infantil de tédio e frustração e a feroz independência que vem naturalmente para crianças pequenas. A estética do trabalho de Yoshimoto lembra as ilustrações de livros tradicionais, uma mistura de tensão inquieta e o amor do artista pelo punk rock. Em 2011, o Asian Society Museum em Nova York sediou a primeira exposição individual de Yoshitomo intitulada "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", cobrindo a carreira de 20 anos de um artista japonês contemporâneo. .

Yayoi Kusama e o espaço que cresce com formas bizarras

Impressionante biografia criativa Yayoi Kusama dura sete décadas. Durante esse tempo, uma incrível japonesa conseguiu estudar os campos da pintura, gráficos, colagem, escultura, cinema, gravura, arte ambiental, instalação, além de literatura, moda e design de roupas. Kusama desenvolveu um estilo altamente distinto de dot art que se tornou sua marca registrada. As visões ilusórias apresentadas nas obras de Kusama, de 88 anos - quando o mundo parece coberto por formas bizarras que proliferam - são resultado de alucinações que ela experimenta desde a infância. Salas com pontos coloridos e espelhos "infinitos" refletindo suas acumulações são reconhecíveis, não podem ser confundidas com mais nada.

Os japoneses descobriram a beleza escondida nas coisas nos séculos IX-XII, na era Heian (794-1185) e até a designaram com o conceito especial de “mono no awareness” (物の哀れ (もののあわれ)), que significa “ triste encanto das coisas. “O encanto das coisas” é uma das primeiras definições de beleza na literatura japonesa, está associada à crença xintoísta de que cada coisa tem sua própria divindade - kami - e seu próprio charme único. Avaré é a essência interior das coisas, aquilo que causa deleite, emoção.

- Washi (wasi) ou wagami (wagami).
Fabricação manual de papel. Os japoneses medievais valorizavam o washi não apenas por suas qualidades práticas, mas também por sua beleza. Ela era famosa por sua sutileza, quase transparência, que, no entanto, não a privou de força. Washi é feito da casca da árvore kozo (amoreira) e algumas outras árvores.
O papel Washi foi preservado por séculos, prova disso são os álbuns e volumes da antiga caligrafia japonesa, pinturas, telas, gravuras que chegaram ao longo dos séculos até os dias atuais.
O papel de Vasya é fibroso, se você olhar através de um microscópio, verá rachaduras por onde penetram o ar e a luz do sol. Essa qualidade é utilizada na fabricação de biombos e lanternas tradicionais japonesas.
As lembranças Washi são muito populares entre os europeus. Muitos itens pequenos e úteis são feitos desse papel: carteiras, envelopes, ventiladores. Eles são bastante duráveis, mas leves.

- Gohei.
Mascote de tiras de papel. Gohei - um bastão ritual de um sacerdote xintoísta, ao qual são anexadas tiras de papel em zigue-zague. As mesmas tiras de papel são penduradas na entrada de um santuário xintoísta. O papel do papel no Xintoísmo tem sido tradicionalmente muito grande, e os produtos de papel sempre receberam significado esotérico. E a crença de que cada coisa, cada fenômeno, até mesmo as palavras, contêm um kami - uma divindade - explica o aparecimento desse tipo Artes Aplicadas como Gohei. O xintoísmo é um pouco semelhante ao nosso paganismo. Para os xintoístas, o kami está especialmente disposto a residir em qualquer coisa fora do comum. Por exemplo, no papel. E ainda mais em um gohei torcido em um intrincado zigue-zague, que hoje paira em frente à entrada dos santuários xintoístas e indica a presença de uma divindade no templo. Existem 20 maneiras de dobrar o gohei, e aquelas que são dobradas de maneira incomum atraem o kami. Gohei é predominantemente branco, mas ouro, prata e muitos outros tons também são encontrados. Desde o século IX, existe o costume no Japão de fortalecer o gohei nos cinturões dos lutadores de sumô antes do início da luta.

-Anesama.
Esta é a fabricação de bonecas de papel. No século 19, as esposas dos samurais faziam bonecas de papel com as quais as crianças brincavam, vestindo-as com roupas diferentes. Nos tempos em que não havia brinquedos, a anesama era a única interlocutora das crianças, “desempenhando” o papel de mãe, irmã mais velha, criança e amiga.
A boneca é dobrada em papel washi japonês, o cabelo é feito de papel amassado, tingido com tinta e coberto com cola, que dá brilho. Uma característica distintiva é um narizinho bonito em um rosto alongado. Hoje, este brinquedo simples, que não requer nada além de mãos hábeis, de forma tradicional, continua a ser feito da mesma forma que antes.

- Origami.
A antiga arte de dobrar papel (折り紙, lit.: "papel dobrado"). A arte do origami tem suas raízes na China antiga onde o papel foi inventado. Inicialmente, o origami foi usado em cerimônias religiosas. Por muito tempo esse tipo de arte estava disponível apenas para representantes das classes altas, onde sinal de bom gosto era a posse de técnicas de dobragem de papel. Somente após a Segunda Guerra Mundial, o origami foi além do Oriente e chegou à América e à Europa, onde imediatamente encontrou seus fãs. O origami clássico é dobrado de uma folha quadrada de papel.
Existe um certo conjunto de símbolos convencionais necessários para esboçar o esquema de dobragem até mesmo do produto mais complexo. A maioria dos sinais convencionais foram colocados em prática em meados do século XX pelo famoso mestre japonês Akira Yoshizawa.
O origami clássico prescreve o uso de uma folha de papel quadrada uniformemente colorida sem cola e tesoura. As formas de arte contemporânea às vezes se desviam desse cânone.

-Kirigami.
Kirigami é a arte de cortar várias formas de uma folha de papel dobrada várias vezes com a ajuda de uma tesoura. Um tipo de origami que permite o uso de tesoura e recorte de papel no processo de confecção do modelo. Esta é a principal diferença entre kirigami e outras técnicas de dobragem de papel, que é enfatizada no nome: 切る (kiru) - corte, 紙 (gami) - papel. Todos nós adoramos cortar flocos de neve na infância - uma variante do kirigami, você pode cortar não apenas flocos de neve, mas também várias figuras, flores, guirlandas e outras coisas fofas de papel usando essa técnica. Esses produtos podem ser usados como estênceis para impressões, decorações de álbuns, cartões postais, porta-retratos, design de moda, design de interiores e outras decorações diversas.

-Ikebana.
Ikebana, (Jap 生け花 ou いけばな) traduzido do idioma japonês- ike” - vida, “bana” - flores, ou “flores que vivem”. A arte japonesa de arranjos florais é uma das mais belas tradições do povo japonês. Ao compilar o ikebana, junto com as flores, são utilizados galhos, folhas e brotos cortados. O princípio fundamental é a simplicidade requintada, para alcançar o que eles tentam enfatizar beleza natural plantas. Ikebana é a criação de uma nova forma natural, na qual a beleza de uma flor e a beleza da alma do mestre que cria a composição se combinam harmoniosamente.
Hoje no Japão existem 4 grandes escolas de ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Além deles, existem cerca de mil direções e tendências diferentes que aderem a uma dessas escolas.

- Oribana.
Em meados do século XVII, duas escolas de ohara (a forma principal de ikebana - oribana) e koryu (a forma principal - sek) partiram de ikenobo. A propósito, a escola ohara ainda estuda apenas oribanu. Como dizem os japoneses, é muito importante que o origami não se transforme em origami. Gomi significa lixo em japonês. Afinal, acontece que você dobrou um pedaço de papel e o que fazer com ele? Oribana oferece muitas ideias de buquês para decorar o interior. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Erro.
Um tipo de arte nascida da floricultura. A floricultura surgiu em nosso país há oito anos, embora exista no Japão há mais de seiscentos anos. Em algum momento da Idade Média, o samurai compreendeu o caminho de um guerreiro. E oshibana fazia parte desse caminho, assim como escrever hieróglifos e empunhar uma espada. O significado do erro foi que no estado de presença total no momento (satori), o mestre criou uma imagem de flores secas (flores prensadas). Então esta imagem poderia servir como uma chave, um guia para aqueles que estavam prontos para entrar no silêncio e experimentar o mesmo satori.
A essência da arte de "oshibana" é que, ao recolher e secar flores, ervas, folhas, cascas sob pressão e colá-las na base, o autor cria com a ajuda das plantas uma verdadeira obra de "pintura". Ou seja, errado é pintar com plantas.
A criatividade artística dos floristas baseia-se na preservação da forma, cor e textura do material vegetal seco. Os japoneses desenvolveram uma técnica para proteger as pinturas "oshibana" do desbotamento e escurecimento. A sua essência é que o ar é bombeado entre o vidro e a imagem e é criado um vácuo que evita que as plantas estraguem.
Atrai não só o não convencional desta arte, mas também a oportunidade de mostrar imaginação, bom gosto, conhecimento das propriedades das plantas. Os floristas criam ornamentos, paisagens, naturezas-mortas, retratos e pinturas de histórias.

- Bonsais.
O bonsai, como fenômeno, surgiu na China há mais de mil anos, mas essa cultura atingiu seu auge de desenvolvimento apenas no Japão. (bonsai - japonês 盆栽 lit. "planta em vaso") - a arte de cultivar cópia exataárvore real em miniatura. Estas plantas foram cultivadas por monges budistas vários séculos antes da nossa era e, posteriormente, tornaram-se uma das atividades da nobreza local.
Bonsai adornava casas e jardins japoneses. Na era Tokugawa, o design do parque recebeu um novo impulso: o cultivo de azáleas e bordos tornou-se um passatempo para os ricos. A produção de culturas anãs (hachi-no-ki - "árvore em uma panela") também se desenvolveu, mas os bonsai da época eram muito grandes.
Agora, as árvores comuns são usadas para bonsai, elas se tornam pequenas devido à poda constante e a vários outros métodos. Ao mesmo tempo, a proporção dos tamanhos do sistema radicular, limitado pelo volume da tigela, e a parte moída do bonsai corresponde às proporções de uma árvore adulta na natureza.

-Mizuhiki.
Analógico macramê. Esta é uma antiga arte aplicada japonesa de amarrar vários nós de cordas especiais e criar padrões a partir deles. Essas obras de arte tinham um escopo extremamente amplo - de cartões-presente e cartas a penteados e bolsas. Atualmente, o mizuhiki é amplamente utilizado na indústria de presentes - para cada evento na vida, um presente deve ser embrulhado e amarrado de uma maneira muito específica. Existem muitos nós e composições na arte do mizuhiki, e nem todo japonês os conhece de cor. Claro, existem os nós mais comuns e simples que são usados \u200b\u200bcom mais frequência: para parabéns pelo nascimento de um filho, por um casamento ou comemoração, aniversário ou admissão na universidade.

-Kumihimo.
Kumihimo é um cordão trançado japonês. Ao tecer fios, são obtidas fitas e rendas. Esses cadarços são tecidos em máquinas especiais - Marudai e Takadai. A máquina Marudai é usada para tecer rendas redondas e a Takadai para rendas planas. Kumihimo em japonês significa "tecer cordas" (kumi - tecer, dobrar, himo - corda, renda). Apesar de os historiadores teimosamente insistirem que tecelagem semelhante pode ser encontrada entre os escandinavos e os habitantes dos Andes, a arte japonesa do kumihimo é de fato um dos tipos mais antigos de tecelagem. A primeira menção a ele remonta a 550, quando o budismo se espalhou por todo o Japão e as cerimônias especiais exigiam decorações especiais. Mais tarde, os cadarços de kumihimo começaram a ser usados \u200b\u200bcomo fixador do cinto obi em um quimono feminino, como cordas para "empacotar" todo o arsenal de armas samurai (os samurais usavam o kumihimo para fins decorativos e funcionais para amarrar suas armaduras e armaduras de cavalo) e também para amarrar objetos pesados.
Uma variedade de padrões de kumihimo modernos são tecidos com muita facilidade em teares de papelão feitos em casa.

- Komono.
O que resta de um quimono depois de cumprir sua pena? Você acha que está sendo jogado fora? Nada como isto! Os japoneses nunca farão isso. Quimonos são caros. É impensável e impossível simplesmente jogá-lo fora assim... Junto com outros tipos de reciclagem de quimonos, as artesãs faziam pequenas lembrancinhas com pequenos retalhos. São brinquedinhos para crianças, bonecas, broches, guirlandas, bijuterias femininas e outros produtos, o velho quimono é utilizado na fabricação de pequenas coisinhas fofas, que são coletivamente chamadas de "komono". Pequenas coisas que viverão própria vida, continuando o caminho do quimono. Isso é o que a palavra "komono" significa.

- Kanzashi.
A arte de decorar grampos de cabelo (na maioria das vezes decorados com flores (borboletas, etc.) feitos de tecido (principalmente seda). Kanzashi japonês (kanzashi) é um grampo longo para um penteado feminino japonês tradicional. Eles eram feitos de madeira, laca, prata, carapaça de tartaruga usada em penteados tradicionais chineses e japoneses. Cerca de 400 anos atrás, no Japão, o estilo dos penteados femininos mudou: as mulheres pararam de pentear o cabelo da forma tradicional - taregami (cabelo longo e liso) e começaram a estilizá-lo de forma intrincada e formas bizarras - nihongami. Usava vários itens - grampos de cabelo, bastões, pentes. Foi então que até mesmo um simples pente-pente kushi se transforma em um acessório elegante de beleza extraordinária, que se torna uma verdadeira obra de arte. permitem jóias de pulso e colares, então os penteados foram beleza principal e um campo de autoexpressão - além de demonstrar o gosto e a espessura da carteira do dono. Nas gravuras, você pode ver - se olhar de perto - como as mulheres japonesas penduram facilmente até vinte kanzashi caros em seus penteados.
Agora há um ressurgimento da tradição de usar kanzashi entre as jovens japonesas que desejam adicionar sofisticação e elegância aos seus penteados, presilhas modernas podem ser adornadas com apenas uma ou duas delicadas flores artesanais.

-Kinusaiga.
Um incrível tipo de bordado do Japão. Kinusaiga (絹彩画) é um cruzamento entre batik e patchwork. A ideia principal é que novas pinturas sejam montadas a partir de antigos quimonos de seda - verdadeiras obras de arte.
Primeiro, o artista faz um esboço no papel. Então este desenho é transferido para uma placa de madeira. O contorno do padrão é recortado com sulcos, ou sulcos, e então pequenos retalhos, combinando em cor e tom, são cortados do velho quimono de seda, e as bordas desses retalhos preenchem os sulcos. Quando você olha para uma foto dessas, tem a sensação de estar olhando uma fotografia, ou mesmo apenas observando a paisagem pela janela, de tão realistas.

-Temari.
Estas são as tradicionais bolas geométricas japonesas bordadas feitas com pontos simples que já foram um brinquedo infantil e agora se tornaram uma forma de arte com muitos fãs não apenas no Japão, mas em todo o mundo. Acredita-se que há muito tempo esses produtos eram feitos por esposas de samurais para entretenimento. No início, eles eram realmente usados como uma bola para um jogo de bola, mas aos poucos foram adquirindo elementos artísticos, transformando-se posteriormente em ornamentos decorativos. A beleza delicada dessas bolas é conhecida em todo o Japão. E hoje, produtos coloridos e cuidadosamente elaborados são um dos tipos de artesanato popular no Japão.

- Yubinuki.
Dedais japoneses, ao costurar ou bordar à mão, são colocados na falange média do dedo médio da mão ativa, com a ajuda das pontas dos dedos a agulha recebe a direção desejada e a agulha é empurrada através do anel no meio dedo no trabalho. Inicialmente, os dedais yubinuki japoneses eram feitos de forma bastante simples - uma tira de tecido denso ou couro com cerca de 1 cm de largura em várias camadas era bem enrolada no dedo e presa com alguns pontos decorativos simples. Como os yubinuks eram assunto necessário em todas as casas, passaram a ser decorados com bordados geométricos com fios de seda. A partir do entrelaçamento dos pontos, foram criados padrões coloridos e complexos. Yubinuki de um simples item doméstico também se transformou em um objeto para "admirar", decoração da vida cotidiana.
Yubinuki ainda são usados em costura e bordado, mas também podem ser encontrados simplesmente usados nas mãos em qualquer dedo, como anéis decorativos. O bordado estilo Yubinuki é usado para decorar vários objetos em forma de anel - argolas de guardanapo, pulseiras, suportes temari, decorados com bordados yubinuki, e também existem camas de agulhas bordadas no mesmo estilo. Os padrões Yubinuki podem ser uma grande inspiração para o bordado temari obi.

- Suibokuga ou sumie.
Pintura a tinta japonesa. Este estilo chinês de pintura foi adotado por artistas japoneses no século XIV e no final do século XV. tornou-se o mainstream da pintura no Japão. Suibokuga é monocromático. Caracteriza-se pelo uso de tinta preta (sumi), uma forma sólida carvão ou feito da fuligem da tinta chinesa, que é moída em um tinteiro, diluída em água e aplicada com pincel sobre papel ou seda. O monocromático oferece ao mestre uma escolha infinita de opções tonais, que os chineses há muito reconheceram como as “cores” da tinta. Suibokuga às vezes permite o uso de cores reais, mas limita-o a traços finos e transparentes que sempre permanecem subordinados à linha de tinta. A pintura a tinta compartilha com a arte da caligrafia características essenciais como expressão rigidamente controlada e domínio técnico da forma. A qualidade da pintura a tinta se resume, como na caligrafia, à integridade e resistência ao rasgo da linha desenhada a tinta, que, por assim dizer, mantém a obra de arte sobre si mesma, assim como os ossos mantêm os tecidos sobre si mesmos.

-Etegami.
Postais desenhados (e - imagem, marcado - carta). A confecção de cartões postais faça você mesmo é geralmente uma atividade muito popular no Japão e, antes do feriado, sua popularidade aumenta ainda mais. Os japoneses adoram enviar cartões postais para os amigos e também adoram recebê-los. Este é um tipo de carta rápida em espaços em branco especiais, pode ser enviada pelo correio sem envelope. Não há regras ou técnicas especiais no etegami, qualquer um pode fazê-lo sem treinamento especial. O Etagami ajuda a expressar com precisão o humor, as impressões, é um cartão postal feito à mão composto por uma foto e uma carta curta, transmitindo as emoções do remetente, como calor, paixão, cuidado, amor, etc. Eles enviam esses cartões postais para as férias e assim, retratando as estações do ano, atividades, vegetais e frutas, pessoas e animais. Quanto mais simples esta imagem for desenhada, mais interessante ela parecerá.

- Furoshiki.
Técnica de embrulho japonesa ou a arte de dobrar tecidos. Furoshiki entrou na vida dos japoneses por muito tempo. Antigos pergaminhos do período Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) foram preservados com imagens de mulheres carregando fardos de roupas enroladas em panos na cabeça. Esta técnica interessante se originou em 710 - 794 DC no Japão. A palavra "furoshiki" se traduz literalmente como "tapete de banho" e é um pedaço quadrado de tecido usado para embrulhar e carregar objetos de todas as formas e tamanhos.
Antigamente, era costume andar nos banhos japoneses (furo) em quimonos leves de algodão, que os visitantes traziam de casa. O banhista também trazia um tapete especial (shiki) sobre o qual ficava em pé enquanto se despia. Depois de vestir um quimono de "banho", o visitante enrolou suas roupas em um tapete e, após o banho, enrolou um quimono molhado em um tapete para trazê-lo para casa. Assim, o tapete de banho se tornou uma bolsa multifuncional.
O Furoshiki é muito fácil de usar: o tecido assume a forma do objeto que você embrulha e as alças facilitam o transporte da carga. Além disso, um presente embrulhado não em papel duro, mas em um tecido macio de várias camadas, adquire uma expressividade especial. Existem muitos esquemas para dobrar furoshiki para qualquer ocasião, cotidiana ou festiva.

- Amigurumis.
A arte japonesa de tricotar ou fazer crochê pequenos bichos de pelúcia e criaturas humanóides. Amigurumi (編み包み, lit.: “embrulhado em malha”) são na maioria das vezes animais fofos (como ursos, coelhos, gatos, cachorros, etc.), homenzinhos, mas também podem ser objetos inanimados dotados de propriedades humanas. Por exemplo, cupcakes, chapéus, bolsas e outros. Amigurumi é tricotado ou tricotado ou tricotado. EM Ultimamente O amigurumi de crochê se tornou mais popular e comum.
tricotado a partir de fios em um método simples de tricô - em espiral e, ao contrário do método europeu de tricô, os círculos geralmente não são conectados. Eles também são tricotados em um tamanho menor em relação à espessura do fio para criar um tecido muito denso, sem lacunas para a saída do enchimento. Os amigurumis costumam ser feitos de partes e depois montados, com exceção de alguns amigurumi, que não possuem membros, mas apenas cabeça e tronco, que são um todo. Os membros às vezes são preenchidos com pedaços de plástico para lhes dar peso vivo, enquanto o resto do corpo é preenchido com fibra.
A difusão da estética amigurumi é facilitada por sua fofura (“kawaii”).

O mundo de hoje é frequentemente acusado de crise espiritual, na destruição dos laços com as tradições, na globalização, absorvendo inevitavelmente os fundamentos nacionais. Tudo é personalizado e despersonalizado ao mesmo tempo. Se o chamado arte clássica nós poderíamos dividir em escolas nacionais e imaginar que há arte italiana o que é arte alemã e o que é francês; então podemos dividir a arte contemporânea nas mesmas “escolas”?

Em resposta a esta pergunta, gostaria de apresentar a arte contemporânea japonesa à sua atenção. Em uma conferência no Mori Art Museum sobre o tema do internacionalismo na arte contemporânea no ano passado, o professor da Universidade de Tóquio, Michio Hayashi, sugeriu que a percepção popular de “japonesidade” no Ocidente foi cimentada na década de 1980 pela trindade do “kitsch”, “naturalidade” e “sofisticação tecnológica”. Hoje, a arte contemporânea popular e, especialmente, comercialmente popular do Japão ainda pode ser colocada neste triângulo. Para o espectador ocidental, permanece misterioso e original devido às características específicas inerentes apenas à arte da Terra do Sol Nascente. Em agosto, o Ocidente e o Oriente se encontraram em três locais de arte ao mesmo tempo: até 8 de agosto, a exposição “Duality of Existence – Post-Fukushima” foi realizada em Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), a exposição “teamLab: Ultra Subjective Space” durou até 15 de agosto está praticamente próximo (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); e o “Ciclo Arhat” de Takashi Murakami no Palazzo Reale, em Milão, continua a conquistar e surpreender os visitantes.

Todas as obras de arte mostradas foram criadas após 11 de março de 2011, quando o tsunami atingiu o Japão. O desastre nuclear na usina nuclear de Fukushima reanimou a nação, tornou necessário reconsiderar prioridades e valores e retornar a tradições há muito esquecidas. A arte não poderia ficar de lado e apresentada ao mundo novo tipo um artista focado nas necessidades do espectador moderno e, ao mesmo tempo, honrando os fundamentos e valores históricos.

Takashi Murakami - comercial artista de sucesso, que popularizou o techno kitsch e criou uma nova linguagem visual superflat, baseada nas tradições da pintura nihonga japonesa e nas especificidades dos animes e mangás. A ideologia de suas esculturas replicadas e instalações ultrajantes era demonstrar a mudança no Japão após a guerra, quando o consumismo se tornou predominante. Mas 11 de março de 2011 dividiu a vida do Japão em "antes" e "depois", como dois dias terríveis em agosto de 1945, quando bombas nucleares foram lançadas sobre Hiroshima e Nagasaki. Depois daquele forte terremoto, que levou a terríveis consequências, Murakami embarcou no caminho de repensar o budismo e a estética japonesa, deu um passo em direção ao retorno às origens e à espiritualidade. A primeira obra que iniciou o ciclo Arhats é 500 Arhats, apresentada na exposição individual de Takashi Murakami em Doha, Qatar, em 2012. O regresso aos temas budistas é explicado pelo autor como uma tentativa de perceber que neste mundo não somos só nós, que existem forças que independem de nós, e que devemos melhorar cada vez para deixarmos de depender de nós. próprios desejos e afeta. Uma densa parede de arhats, como se protegesse o público dos elementos furiosos ao longo de todos os 100 metros da tela, incutiu paz e tranquilidade na alma de todos. Mas Murakami não se limitou a apenas um trabalho e continuou o ciclo de pinturas, complementando e expandindo a narrativa, como se usasse uma técnica de mangá e contasse uma história em design visual. A segunda parte do ciclo foi apresentada na galeria Blum & Poe ( Los Angeles) em 2013. Hoje, em Milão, os arhats viajam pela terceira vez pelo mundo, difundindo a ideia de retorno à espiritualidade e renúncia às paixões. Apesar da instrutividade e profundidade de significado, as pinturas são facilmente percebidas por causa da decisão de cor ousada e brilhante, o próprio linguagem artística. Os elementos do mangá trouxeram a eles aquela parcela necessária de popularização para que as idéias transmitidas do budismo fossem facilmente lidas e aceitas até mesmo pelo público não iniciado.

O próximo representante da pintura japonesa moderna pode ser chamado de Kazuki Umezawa, aluno de Murakami, o que nos traz de volta à questão da escola e da continuidade. Ele cria renderizações digitais de personagens de anime desenhando-os em cima de adesivos para criar profundidade extra e caos visual. A partir de imagens aleatórias e espalhadas pela internet, ele constrói colagens, quebra fundos, cria mandalas que refletem a estrutura e o conteúdo da imaginação dos otaku (fãs de anime e mangá). O apelo ao símbolo budista reforça o valor semântico das obras do jovem artista, ligando, por um lado, o sagrado e o estabelecido na cultura, por outro, questões modernas, mas novamente com a inclusão de um fenómeno específico japonês - anime.

Takashi Murakami e Kazuki Umezawa equilibram habilmente relevância e tradição, kitsch e estilo.

Surpreendentemente, após o terremoto de 11 de março de 2011 no Japão, um jovem de 16 anos que ficou nove dias preso sob os escombros de sua casa e foi resgatado, ao ser questionado por um jornalista sobre seus sonhos futuros, respondeu: “Eu quer se tornar um artista.”

postado por: chernov_vlad em

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Vídeo (8 min. 18 seg.)

Dupla Perspectiva: Arte Contemporânea Japonesa
Curadores Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka

Parte um: "Realidade/mundo comum". Museu de Arte Moderna de Moscou, montanhas. Moscou, pista Ermolaevsky, 17
Parte dois: "Mundo Imaginário/Fantasia". Museu de Arte Moderna de Moscou, montanhas. Moscou, Boulevard Gogolevsky, 10

O Museu de Arte Moderna de Moscou, juntamente com a Fundação Japão, apresenta a exposição "Double Perspective: Japanese Contemporary Art", destinada a familiarizar o público em geral com artistas japoneses contemporâneos.
Dupla perspectiva são dois curadores de países diferentes, dois locais do museu e uma estrutura de duas partes do projeto. Com curadoria de Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka, a exposição reúne as obras de mais de 30 artistas de diversos estilos que trabalharam desde a década de 1970 até o presente. O projeto consiste em duas partes - "O Mundo Real / Vida Cotidiana" e "Mundo Imaginário / Fantasias" - que estão localizadas no terreno do museu em 17 Ermolaevsky Lane e 10 Gogolevsky Boulevard.

Hiraki Sawa. "Dwelling", 2002. Vídeo de canal único (som estéreo), 9 min. 20 seg.
Cortesia: Ota Fine Arts, Tóquio

Parte Um: "Realidade/Mundo Comum"

A primeira parte da exposição "O Mundo Real/Cotidiano" apresenta o olhar dos artistas japoneses sobre o mundo que nos rodeia através de um apelo à história mundial do século XX (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa e Yuken Teruya), reflexões sobre a dispositivo sociedade moderna(Dumb Type e Tadasu Takamine), a interação com o espaço urbano (contato com Gonzo e ChimPom) e a busca da poesia no cotidiano (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi e Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura na série de trabalhos em vídeo "Requiem" reencarna em vários personagens históricos: Chaplin, o escritor Yukio Mishima e até Lenin - e recria episódios de suas vidas. Outro participante do projeto, Tetsuya Umeda, cria instalações a partir de meios improvisados, coisas comuns - assim, o cotidiano mais banal se torna arte. A exposição contará com obras de Yoko Ono - a famosa "Cut Piece" na versão de 1965 e 2003 e a instalação sonora "Cough Piece" (1961). A exposição apresentará as obras de Kishio Suga, um dos principais representantes do movimento Mono-Ha (Mono-Ha, traduzido como "Escola das coisas"), que ofereceu uma alternativa japonesa ao modernismo ocidental. A seção de fotos apresentará o trabalho de Toshio Shibata, Takashi Homma e Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Estou aqui, mas em lugar nenhum", 2000. Mídia mista. Instalação na Maison de la culture du Japon, Paris.
coleção do autor

As obras que compõem a segunda parte do projeto apresentarão ao público um mundo imaginário livre, onde está tudo o que não conseguimos ver na vida real, tudo o que está além de suas fronteiras. As obras dos artistas desta parte da exposição remetem à cultura pop japonesa, ao mundo da fantasia, ingenuidade, mitos e reflexões sobre a estrutura cosmogônica do mundo. Cada participante da exposição dá seu próprio significado ao conceito de "imaginação". Assim, o artista Tadanori Yokoo, em sua relação com o mundo imaginário, faz tema principal do desaparecimento de suas obras, ou melhor, do "auto-desaparecimento". Um motivo semelhante pode ser encontrado na obra de Yayoi Kusama: ao projetar suas fantasias na realidade, ela cria um mundo cheio de padrões bizarros. A escultura gigante "Child of the Sun" (2011) de Kenji Yanobe foi criada em um momento terrível quando houve uma explosão na usina nuclear de Fukushima-1. Seu objeto monumental torna-se um ponto de intersecção de imaginações. A artista entende que a experiência vivida na fronteira do real se tornará um impulso para a criação de um novo mundo. A parte Imaginary World/Fantasy também apresenta obras de Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa e muitos mais.
Algumas das obras foram criadas especificamente para a exposição. O artista Yoshinori Niva veio a Moscou para seu projeto “Vladimir Lenin é procurado nos apartamentos de Moscou” (2012) com o objetivo de encontrar artefatos relacionados à personalidade do revolucionário nos apartamentos dos moscovitas. Seu trabalho é uma documentação em vídeo de suas buscas e viagens por Moscou. O artista Tetsuya Umeda, cujo trabalho será apresentado simultaneamente em dois locais, virá a Moscou para realizar suas instalações no local.
Estas duas partes, à primeira vista, incomparáveis da exposição, destinam-se a mostrar os dois pólos da arte japonesa, que na realidade se revelam indissociáveis.
No âmbito da exposição, está também prevista a realização de master classes abertas e reuniões criativas com os participantes do projeto. Haverá palestras do curador japonês Kenjiro Hosaka e do artista Kenji Yanobe. Para a Rússia, esta exposição apresenta pela primeira vez a arte japonesa contemporânea em tal escala.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166,5 x 100 cm Acrílico sobre tela
Foto: Yoshitaka Uchida