O que é uma imagem na literatura. Pinturas modulares no interior

Pintura- uma obra de pintura que tem um caráter completo (em oposição a um esboço e um esboço) e independente valor artístico. É composto por uma base (tela, placa de madeira ou metal, papelão, papel, pedra, seda, etc.), um primer e uma camada de tinta. A pintura é um dos tipos de arte de cavalete. As imagens vêm em vários gêneros. Ao criar uma imagem, o artista depende da natureza, mas a imaginação criativa desempenha um papel importante nesse processo. O final do século XIX foi marcado em toda a Europa por uma nova e dinâmica visão do mundo. O artista da virada do século tinha que corresponder à vida em constante mudança: não tanto para mostrar o mundo ao seu redor (a fotografia e o cinema estão fazendo isso agora), mas para ser capaz de expressar sua individualidade, seu mundo interior, visão própria. O auge da arte foi alcançado nas pinturas de pintores notáveis. Nas diversas correntes do modernismo, há uma perda de enredo e uma rejeição da figuratividade, com isso o conceito de imagem é significativamente revisto. Alguns artistas pertencentes a diferentes escolas de pintura deixaram de retratar o mundo (pessoas, animais, natureza) como o vemos. Em suas pinturas, o mundo aparece deformado, às vezes completamente irreconhecível, porque os artistas se guiam mais pela imaginação do que pela percepção visual dos fenômenos que nos cercam.

A pintura desempenha um papel importante no desenvolvimento da pintura.

Uma reprodução também pode ser chamada de pintura, se no contexto relevante não importa se é uma cópia ou trabalho original.

Imagem figurativa ou mais Significado geral- qualquer obra de arte completa e integral, incluindo vida e descrição vívida, oral ou escrito, espécie de natureza.

A pintura é a arte do plano e de um ponto de vista, onde o espaço e o volume existem apenas na ilusão. Pintando através da complexidade meios visuaisé capaz de criar no plano tal profundidade de espaço ilusório e multidimensionalidade realidade artística, que não está sujeita a outros métodos de representação. Cada imagem desempenha duas funções - pictórica e expressiva-decorativa. A linguagem do pintor é perfeitamente compreensível apenas para aqueles que estão cientes das funções rítmicas decorativas do plano do quadro.

Na percepção estética, todas as funções da imagem (tanto decorativas, planas e pictóricas, espaciais) devem participar simultaneamente. Perceber e compreender corretamente uma imagem significa ver simultânea e indivisivelmente a superfície, a profundidade, o padrão, o ritmo e a imagem.

A percepção estética de uma pintura é muito aprimorada quando ela é colocada em uma moldura apropriada que separa a pintura do mundo ao redor. O tipo oriental de pintura mantém a forma tradicional de um rolo desdobrado de suspensão livre (horizontal ou vertical). A imagem, ao contrário da pintura monumental, não está rigidamente ligada a um determinado interior. Pode ser retirado da parede e pendurado de forma diferente.

A profundidade do espaço ilusório das pinturas

O professor Richard Gregory descreveu as "estranhas propriedades das pinturas": "As pinturas são uma classe única de objetos, porque são visíveis em si mesmas e como algo bem diferente de apenas uma folha de papel na qual são desenhadas. As imagens são paradoxais. Nenhum objeto pode estar em dois lugares ao mesmo tempo; nenhum objeto pode ser bidimensional e tridimensional ao mesmo tempo. E é assim que vemos as fotos. A imagem tem um tamanho perfeitamente definido e, ao mesmo tempo, mostra o tamanho real rosto humano, edifício ou navio. Imagens são objetos impossíveis.

A capacidade de uma pessoa responder a situações ausentes e imaginárias apresentadas em imagens é marco no desenvolvimento do pensamento abstrato.

Como são feitas as pinturas

a foto é mundo espiritual o artista, suas experiências e sentimentos expressos na tela ou no papel. É difícil explicar como as pinturas são criadas - é melhor ver por si mesmo. É impossível expressar em palavras como o artista pinta sobre a tela, com que pincel ele toca a tela, que tintas ele escolhe. Durante o trabalho, tudo se torna um: o artista, o pincel e a tela. E já após a primeira pincelada na oficina, a magia especial da pintura começa a funcionar.

As imagens não são apenas uma tela pintada, elas afetam sentimentos e pensamentos, deixam uma marca na alma, despertam pressentimentos.

Como é criada uma pintura?

Parece, tintas, pincéis, na tela. Pode haver outra resposta universal: de maneiras diferentes.

Os métodos de trabalhar em uma pintura mudaram constantemente ao longo da história da arte. Artistas renascimento italiano eles trabalharam de uma maneira completamente diferente de Rembrandt ou dos "pequenos holandeses" do século XVII, os românticos - diferentemente dos impressionistas, abstracionistas, artistas realistas contemporâneos. Sim, e dentro de uma mesma época e até mesmo de uma direção, você pode encontrar uma grande variedade.

Os artistas realistas do passado e do presente (se entendermos o realismo no sentido amplo da palavra) estão unidos pelo seguinte:

Criação de uma obra completa este caso pinturas, retratos ou paisagens, é impossível sem um estudo profundo da vida, uma atitude ativa do autor para com ela. Os meios de conhecimento artístico da vida são o trabalho da natureza, as impressões visuais, a análise e a síntese dos fenômenos da vida.

Criar uma pintura é complexo, demorado processo criativo, cujos resultados são determinados não pelo tempo gasto, mas pela medida do talento, habilidade do artista, força e eficácia da solução figurativa original. Conquistas Este processo é a origem e a concretização da ideia, observações diretas, esboços, esboços da natureza, a pintura real da imagem com processamento necessariamente criativo e ativo do material da vida.

E quando um espectador se aproxima de uma pintura em um museu ou em uma exposição, antes de fazer seu próprio julgamento sobre ela, deve se lembrar que por trás dela há sempre uma pessoa viva, um artista que investiu um pedaço de sua vida, coração, nervos , talento e habilidade no trabalho. Pode-se dizer que a pintura é a realização de um sonho de artista.

G. S. OSTROVSKII

Integridade da imagem

Na vida, muita coisa acontece por acaso - na foto não pode haver tais acidentes, tudo nela deve ser concluído, logicamente. Em que ponto uma pintura é considerada completa?

O golpe pictórico empastado do virtuoso Rembrandt, tão valorizado mais tarde e em nosso tempo, causou apenas perplexidade entre os contemporâneos de Rembrandt e deu origem ao ridículo e aos gracejos às suas custas. Opondo-se aos seus críticos, Rembrandt contestou a correção de sua compreensão da completude de uma pintura, opondo-os à sua própria compreensão dela, que ele formulou desta forma: a pintura deve ser considerada completa quando o artista disse tudo o que queria nela . Para não ouvir as perguntas que o incomodavam sobre a “incompletude” de seus quadros, Rembrandt deixou de permitir que visitantes ingênuos de seu ateliê se aproximassem deles, que olhavam com muita curiosidade os traços de bravura de sua pintura, assustando-os com a fato de que as pinturas não devem ser abordadas muito de perto, pois cheirar suas tintas não é saudável.

Matisse em sua pintura:

"Eu apenas tento colocar na tela aquelas cores que expressam meu sentimento. A proporção necessária de tons pode me fazer mudar a forma da figura ou mudar a composição. Até atingir essa proporção em todas as partes da imagem, para isso e continuar a trabalhar.Então chega o momento, quando todas as partes tomam suas proporções finais, e então não posso tocar a imagem sem refazer tudo de novo.

Começando aproximadamente com os impressionistas, as categorias de desenho, forma e cor estão intimamente ligadas, crescem juntas, parecem ser um processo contínuo: desenho e cor, modelagem e composição, tom e linha aparecem e se desenvolvem ao mesmo tempo. O processo de pintar um quadro pode, por assim dizer, continuar indefinidamente, o momento da finalização da obra é um tanto arbitrário: em qualquer lugar da tela, o artista pode continuá-la, aplicando novos traços a outros semelhantes, mas ficando por baixo. O representante mais marcante e consistente desse sistema é Cézanne. Em cartas e conversas gravadas, ele repetidamente formulou esse método de pintura misto ou, mais corretamente, indiferenciado. A qualquer momento, o trabalho em uma pintura pode ser interrompido, mas a obra não perderá seu valor estético. A qualquer momento a imagem está pronta.

A conexão do espaço pictórico da imagem com o espaço real

O artista e teórico da arte V. A. Favorsky, no curso da teoria da composição, enfatizou que uma obra verdadeiramente artística tem uma existência dupla desde o nascimento: como um objeto no espaço circundante e como um mundo relativamente fechado com suas próprias relações espaço-temporais . Na pintura, esse objetivo é alcançado coordenando a estrutura interna do quadro com a moldura, na escultura - com o espaço circundante (um exemplo clássico: uma estátua em um nicho).

Para conectar o espaço pictórico com o espaço real no qual o espectador está localizado, um porta-retrato é usado. Os artistas também jogam com múltiplas “reproduções do quadro” na própria imagem, rimas visuais, repetições de verticais e horizontais. Uma das técnicas características que permite "reforçar" visualmente a imagem dentro dos limites de um formato retangular é o "canto chanfrado". A separação da pintura da arquitetura deu origem a um certo sistema de percepção da pintura de cavalete. O conteúdo principal da imagem é a expressão de uma visão holística do espaço. A composição se transforma em uma exposição na qual o espectador se depara com o mundo transformado das relações espaço-temporais e se vê nele como em um espelho. Assim, o vidro transparente do Renascimento se transformou em um espelho das épocas clássica e barroca. A arte da era pós-renascentista caracteriza-se pelo jogo com os reflexos no espelho, pela introdução de figuras-mediadoras na composição do quadro, pessoas que, pela sua posição, olhar ou gesto manual, indicam a ação que ocorre no profundidades da imagem, como se os convidasse a entrar nela. Além da moldura, nessas composições existe um proskenium - a parte da frente do palco, os bastidores, depois o meio termo, onde ocorre a ação principal, e o fundo - o "pano de fundo".

O artista geralmente coloca as figuras principais no plano central da imagem, colocando-as em uma linha horizontal mental como em um pedestal. A partir da posição desta referência linha horizontal a profundidade da "camada espacial" depende (em termos planimétricos - acima ou abaixo da borda inferior da moldura). Adiando a horizontal muitas vezes, o pintor cria um certo ritmo de movimento nas profundezas do espaço imaginário. Graças a isso, mesmo em uma tela pequena, você pode representar um espaço de qualquer comprimento com qualquer número de figuras e objetos. Em tal exposição, é preciso chamar especificamente a atenção do espectador para o fato de que alguns objetos estão mais próximos, enquanto outros estão mais distantes. Para fazer isso, são usados ​​​​"ponteiros": redução de perspectiva, introdução de marcos de grande escala (pequenas figuras de pessoas ao fundo), planos sobrepostos, contraste tonal, sombras caindo de uma fonte de luz dentro ou fora da imagem. Outro ponto de referência para o movimento mental do espectador no espaço da imagem são as diagonais, sendo a principal delas a "diagonal de entrada" (geralmente da esquerda para a direita).

imagem na imagem

imagem na imagem

Picture in Picture pode ser usado em uma função de composição especial. Uma organização hierárquica semelhante é apresentada no caso de representar uma imagem dentro de uma imagem (bem como afrescos em pinturas murais, etc.).

"Picture in Picture" - técnica de composição, encontrado na arte da pintura clássica dos séculos XVI-XVII. Uma imagem dentro de uma imagem pode ser dotada de um significado oculto especial.

A técnica de composição "picture in picture" pode realizar várias tarefas:

• expressar uma ideia
• explicar o enredo
• opor-se ou criar harmonia
• ser um detalhe da situação (interior)

Muitas vezes, a imagem de fundo em uma pintura pode ser entendida como uma espécie de quadro em um quadro, ou seja, uma imagem independente construída de acordo com suas próprias leis especiais. Ao mesmo tempo, a imagem do fundo, em maior medida do que a imagem das figuras no plano principal, está sujeita a tarefas puramente decorativas, podemos dizer que muitas vezes não é o próprio mundo que aqui é representado, mas a paisagem deste mundo, ou seja, não é apresentada a imagem em si, mas a imagem desta imagem.

Os holandeses têm um mapa, uma tapeçaria, uma pintura, janela aberta como a imagem incluída na imagem expande os limites do mundo ou serve para desenvolver o significado alegórico do enredo principal. Vermeer, abrindo o véu da oficina, torna-se um guia através de três níveis de realidade: o espaço do observador, o espaço de sua oficina, o espaço da obra de arte (a tela que fica no cavalete), comparando essas metamorfoses a nadar nos oceanos pintados mapa geográfico ou voando sobre a terra mapeada.

O transbordamento de realidade - arte - mito também pode ser observado em Velázquez, que recorre de bom grado à técnica do “picture in picture”, de que podem ser exemplo as Meninas e as Fiandeiras.

“Picture in picture” também está em “Venus in front of a mirror” de Velasquez, mas o espelho embaçado apenas reflete a sombra da deusa do amor.

pintura e moldura

Qualquer imagem criada por um artista, com exceção de imagens antigas pinturas rupestres, tem um quadro. O enquadramento é necessário e uma parte importante a composição, completa-a, dá-lhe unidade. A moldura pode estar no mesmo plano da própria composição pictórica ou gráfica. Também pode ser criado especificamente como uma espécie de forma de relevo com a ajuda de elementos decorativos, esculturais e arquitetônicos. Na maioria das vezes, há molduras de formato retangular, um pouco menos - redondas e ovais.

A moldura ajuda a destacar a pintura de ambiente como algo especial e digno de atenção, mas ao mesmo tempo conecta-o com o meio ambiente. Portanto, se o estilo da moldura coincide com a aparência artística, a estrutura e o caráter do interior onde a imagem está localizada, isso contribui para a integridade do conjunto. Dependendo da cor, saturação com detalhes decorativos e esculturais, o quadro afeta significativamente a impressão geral da imagem pictórica. Tudo isso nos permite falar sobre a unidade da imagem e do quadro, onde o enquadramento desempenha, é claro, não a função principal, mas muito necessária.

O desenvolvimento da pintura de cavalete foi complexo. Que marco brilhante em sua história foi a transição da Idade Média para o Renascimento! O mais significativo foi o desejo de fugir da rigidez e abstração da imagem do ícone que dominou a Idade Média. Aproximadamente no século XIV, nasceu uma pintura no sentido moderno da palavra, e com ela surgiu uma moldura, ainda vestida com rendas de cenário gótico.

Os primeiros fotogramas não se opunham totalmente à imagem total e dela não se separavam; os materiais de ambos eram semelhantes, o douramento condicional do fundo, por exemplo, de um antigo ícone russo ou bizantino, passado para a moldura, e a própria imagem frequentemente “espirrada” nela. Então, os limites entre a imagem e a moldura tornaram-se cada vez mais claramente reconhecidos. No entanto, como uma espécie de memória dos séculos anteriores, a moldura manteve a sua cor dourada. Quando o fundo dourado, denotando o mundo do divino, desapareceu da pintura, o dourado da moldura passou a ser percebido condicionalmente, ou seja, como um atributo necessário da moldura, que ajudava a destacar o quadro na sala, atrair o olhar do espectador para ele.

No Renascimento, dominava a ideia da pintura como olhar para o mundo através de uma janela, a moldura, com as suas formas, aludia de forma muito clara à ideia dominante e respondia a ela. Essas molduras magníficas e solenes foram feitas de acordo com os desenhos de artistas em oficinas especiais ou pelos assistentes do artista que trabalhavam em sua oficina.

Durante o Renascimento, a pintura foi constantemente comparada a um espelho que reflete a realidade, e a moldura, criada como uma moldura de espelho ornamental, enfatizou ainda mais essa comparação. Esta moldura poderia ser feita não apenas de ripas de madeira e gesso, mas também de materiais preciosos, incluindo prata, marfim, madrepérola, etc. A preciosidade dos materiais parecia corresponder à preciosidade da pintura, reforçando-a.

Os antigos mestres estavam muito atentos à moldura, tendo em conta o seu impacto no processo de trabalho, por vezes até pintavam numa moldura acabada, tendo em conta um determinado tom e ritmo decorativo da moldura. Portanto, as composições dos antigos mestres costumam se beneficiar muito nos quadros originais.

As observações sobre as molduras dos antigos mestres permitem estabelecer outro princípio - a correspondência entre o perfil e a largura da moldura e o tamanho da imagem: por exemplo, os pintores holandeses costumavam inserir seus pequenas pinturas em grandes molduras com perfis profundos e transparentes, que, por assim dizer, conduzem o olho para o centro da imagem e o isolam de qualquer influência do ambiente

No início do século XX, começaram a ouvir-se vozes que apelavam ao abandono total das molduras, como algo demasiado material, "fundamentando" a espiritualidade da arte. Vários artistas de vanguarda, atendendo a tais chamadas, começaram a expor suas obras sem molduras. No entanto, como resultado dessa inovação, suas próprias obras deixaram de ser pinturas no sentido estrito da palavra. Eram alguns "objetos", "pontos", muitas vezes desprovidos de um significado claro.

Embora agora não haja um estilo único no design de molduras, como antes, mas há mais do que antes, a correspondência da moldura com o estilo individual do artista.

EM recentemente sobre exibições de arte percebe-se que a inércia em relação ao desenho das molduras (que sejam, e o que não é tão importante), que se manifestava no passado por nossos artistas, começa a ser superada. As molduras são pintadas em várias cores, pequenas imagens e inscrições adicionais são frequentemente colocadas nelas, escultores ajudam os pintores - aparecem molduras com ricos motivos de plástico.

Formato de imagem

Existem, no entanto, dois elementos específicos do quadro, que parecem criar uma transição do plano para a imagem, pertencendo ao mesmo tempo à realidade do quadro e à sua ficção - o formato e a moldura. Pode parecer que o formato da imagem é apenas uma ferramenta do artista, mas não uma expressão direta de seu conceito criativo: afinal, o artista apenas escolhe o formato. Entretanto, a natureza do formato está mais intimamente ligada a toda a estrutura interna de uma obra de arte e muitas vezes até aponta o caminho certo para a compreensão da intenção do artista. Via de regra, o formato é escolhido antes do início da obra do pintor. Mas são conhecidos vários artistas que gostavam de mudar o formato da imagem enquanto trabalhavam, cortando pedaços dela ou acrescentando novos (Velasquez fazia isso de boa vontade).

O formato mais comum para uma imagem é quadrangular, sendo um quadrado puro muito mais raro do que um quadrilátero mais ou menos alongado para cima ou em largura. Algumas épocas apreciam o formato redondo (tondo) ou oval. A escolha do formato não é aleatória, o formato geralmente detecta profundidade, conexão orgânica tanto com o conteúdo da obra de arte, com seu tom emocional, quanto com a composição do quadro, reflete com igual clareza o temperamento individual do artista e o gosto de toda uma época. Sentimos a relação causal oculta entre o formato e a intenção do artista diante de cada quadro, de onde vem o encanto de uma verdadeira obra de arte. Há pinturas cujo conteúdo está tão fundido com a natureza do formato que a menor mudança de proporções, ao que parece, deveria perturbar o equilíbrio estilístico e ideológico do quadro.

O formato horizontal alongado, em geral, é certamente mais adequado para a composição narrativa, para o desenrolar sequencial do movimento pelo espectador. Portanto, artistas de humor épico, que buscam a composição ativa, a ação, recorrem de bom grado a esse formato, por exemplo, pintores italianos do século XIV e primeira metade do século XV (especialmente em composições a fresco). Ao contrário, um formato quadrado ou em que a altura predomine um pouco sobre a largura, como se interrompesse imediatamente a dinâmica da ação e conferisse à composição o caráter de representação solene - foi esse tipo de formato que os mestres preferiram para suas pinturas de altar. Alta Renascença ("Madona Sistina"). Por sua vez, com uma significativa predominância da altura sobre a largura, a composição volta a adquirir dinâmica, forte tracção, mas desta vez para cima ou para baixo; tal formato estreito agradou sobretudo a artistas aristocráticos, decorativos (Crivelli) ou místicos (maneiristas, Greco ), procurando encarnar certas emoções, estados de espírito.

A conexão do formato com o temperamento individual do artista também é inquestionável: a fantasia sensual e dinâmica de Rubens requer um formato maior do que a fantasia contida e espiritualizada de Rembrandt. Por fim, o formato depende diretamente técnica de pintura. Quanto mais larga e livre for a pincelada do artista, mais natural será seu desejo por um grande formato.

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pintura- (por exemplo, fenômenos) [A.S. Goldberg. Inglês Russo Dicionário de Energia. 2006] Tópicos energia em geral EN picture … Manual do Tradutor Técnico

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Estamos acostumados a ver pinturas em museus pintadas em várias cores: têmpera, óleo, aquarela. Mas com que frequência pensamos em como eles apareceram e quem foi seu criador? Pela primeira vez, a tinta, que na verdade servia como argila, foi utilizada por primitivo. A partir daí, passou a misturar argila, carvão e outros corantes naturais com gordura, o que pode ser considerado a primeira tinta de verdade. Milênios inteiros se passaram antes do advento da tinta, que os artistas começaram a usar em todos os lugares.

têmpera de ovo

Essa tinta foi têmpera de ovo. Tornou-se especialmente popular durante o Renascimento, quando grandes mestres como Rafael, Leonardo da Vinci e Michelangelo trabalharam com ele. A têmpera consistia em gema de ovo, água e pigmentos secos. Naquela época, os artistas eram obrigados a fazer suas próprias tintas. Eles moeram argila, minerais vegetais, bagas e até insetos em um pó fino, depois o misturaram com água e gema de ovo. A têmpera exigia habilidades especiais dos artistas. Este vermelho aguado secou surpreendentemente rápido. Isso obrigou os mestres a trabalhar em uma velocidade muito alta para manter a unidade do padrão.

Pinturas à óleo

Uma verdadeira revolução na pintura foi feita no século 15 com a invenção das tintas a óleo por Jan van Eyck.Como aglutinante, ele usou óleo de linhaça, em vez da habitual gema de ovo. A rigor, eles eram conhecidos antes de nossa era. Isso é confirmado pelos restos de tintas encontrados após a destruição das estátuas do Buda de Bamiyan. Sabe-se que os pintores antigos também usavam óleos vegetais para composições coloridas. Vários tratados dos séculos VIII a XII falam do uso do óleo de linhaça. No entanto, nenhuma evidência material sobreviveu. Pinturas à óleo em muitos aspectos superior à têmpera de ovo. Em primeiro lugar, os artistas foram subornados por sua plasticidade. As tintas a óleo eram fáceis de misturar, permitindo a criação de cores completamente novas. A tinta começou a ser aplicada em camadas finas. Essa técnica transmitia melhor espaço, volume e profundidade de cor.

Aquarela

Apesar de sua aparência ser atribuída ao século II dC, ela ganhou grande popularidade apenas na virada dos séculos XVIII para XIX. É composto por um pigmento finamente moído e colas de origem vegetal facilmente solúveis em água. Esta tinta é diluída em água e aplicada no papel. Especificidade técnica de aquarela reside na sua transparência. As aquarelas criam pinturas leves, delicadas, como se estivessem cheias de ar. Mas tem um porém: refaça o desenho ou grave a camada, como no pintura a óleo, por exemplo, é impossível. Ao misturar mais de duas ou três cores, a tinta perde o brilho e a pureza, e quando a camada de tinta é lavada, o papel fica deformado, o que leva à sujeira.

Desde aqueles tempos distantes, as tintas são criadas com base em ingredientes naturais: óleos vegetais, resina de madeira e corantes naturais. Mas no início do século 20, os químicos que trabalhavam para os principais fabricantes de tintas começaram a inventar novas fórmulas de tintas. É no século 20 que começa a história das tintas que hoje podem ser vistas nas lojas. Muitos deles contêm componentes sintéticos, mas não são inferiores aos naturais.

• Uma imagem na pintura é uma obra de arte que possui um caráter completo (em oposição a um esboço e esboço) e um valor artístico independente. Ao contrário de um afresco ou miniatura de livro, uma pintura não está necessariamente associada a um interior específico ou a um sistema de decoração específico. A pintura é um dos tipos mais típicos de arte de cavalete. Ao criar uma tela, o artista conta com a natureza, mas a imaginação criativa desempenha um papel importante nesse processo. A pintura desempenha um papel de liderança no desenvolvimento da pintura.

  É composto por uma base de pintura (tela, placa de madeira ou metal, papelão, papel, pedra, seda, etc.), um primer e uma camada de tinta.

  Uma imagem em drama, ópera, balé, arte cinematográfica é uma parte completa de um ato ou obra, limitada por um espaço invariável de ação. Quando encenada, via de regra, é apresentada sem alterar o cenário.

  Uma imagem em um sentido figurado ou mais geral é qualquer obra de arte completa e integral, incluindo uma descrição viva e vívida, oral ou escrita, da natureza.

  Uma reprodução ou cópia de um original também pode ser referida como uma pintura se não importa no contexto relevante se é uma cópia ou um trabalho original. Por exemplo, "havia várias pinturas penduradas no corredor". Se você não estiver usando iluminação moderna(eletricidade, velas, etc.), antes de começar a trabalhar em um quadro (pintura), é aconselhável marcar o tempo usando um relógio de sol no mesmo dia do ano, por exemplo, se você começou a pintar um quadro às 13h e continuou pintá-lo durante uma hora antes das 14h00 do dia 25 de julho de 1979, sua próxima sessão de redação será das 13h00 às 14h00 do dia 25 de julho de 1980. Este requisito está relacionado com a posição astronômica do nosso planeta em relação ao sol. Também é preciso estar ciente de que existem pinturas (principalmente de antigos mestres) saturadas de venenos, pois existem plantas venenosas, líquidos e minerais que foram usados ​​para escrevê-los.

  O professor Richard Gregory descreveu as "estranhas propriedades das pinturas": "As pinturas são uma classe única de objetos porque são visíveis em si mesmas e como algo muito diferente do que apenas a folha de papel na qual são desenhadas. As imagens são paradoxais. Nenhum objeto pode estar em dois lugares ao mesmo tempo; nenhum objeto pode ser bidimensional e tridimensional ao mesmo tempo, e é assim que vemos as imagens. A imagem tem um tamanho muito definido e, ao mesmo tempo, mostra o tamanho real de um rosto humano, edifício ou navio. Imagens são objetos impossíveis. As imagens são importantes porque o olho vê objetos ausentes nelas. Biologicamente, é extremamente estranho."

  A capacidade de uma pessoa responder a situações imaginárias ausentes apresentadas em imagens é um estágio importante no desenvolvimento do pensamento abstrato.

  Johann Wolfgang Goethe escreveu: "As imagens não são apenas uma tela pintada, elas afetam sentimentos e pensamentos, deixam uma marca na alma, despertam pressentimentos."