Vad är skillnaden mellan en konstnär och en vetenskapsman? En begåvad person är begåvad i allt. En konstnär och en författare rullade ihop sig.
Den föregående visade att konst och vetenskap har något att presentera för varandra, än att behaga och intrigera. Det är därför breda transportartärer läggs mellan dem, längs vilka det sker ett ständigt utbyte av vad som har uppnåtts. Precis som en vetenskapsman matar konstens mästare med förstklassig vetenskaplig information, kastar han sig själv in i konstens värld och tillgodogör sig dess värderingar. Det är bara tack vare ett sådant ömsesidigt stöd som de kan motivera sin vistelse på jorden på högsta sätt.
Naturligtvis upptar vetenskap och konst motpoler i kulturen, sätter upp specifika mål och tjänar olika mänskliga behov. Men just för att de är olika har de all anledning att enas för ömsesidigt stöd. För det som konstnären saknar kan han lära sig av vetenskapen, och vice versa: forskaren kompenserar för bristen på kommunikation med konsten. De har ingen anledning att leva inkonsekvent. Inte konstigt att L. Tolstoy liknade sambandet mellan vetenskap och konst med det som finns mellan lungorna och hjärtat: om det ena organet är sjukt är det dåligt för det andra.
Verkligen. Kan vetenskapen utvecklas bortsett från konsten, utan att röra dess livgivande nycklar? Hon riskerar då att bli själlös, vinglös. Men även konst utan att förlita sig på vetenskap kommer att sakna djup av innehåll, ihålig. De är så nära besläktade att deras framgångar praktiskt taget är vanliga, och framsteg på ett område påverkar alltid situationen på ett annat. Därför, för att förstå de händelser som har ägt rum, till exempel inom konsten, måste man vända sig till vetenskapen, och för att reda ut vändningarna i det vetenskapliga och tekniska tänkandet är det värt att titta närmare på vad som händer i närheten , i konst.
Jag skulle vilja rita orden av Ch. Snow. Trots att vetenskap och konst ofta är skilda, ibland till och med i konfrontation, sammanstrålar de ofta, och då kan "sammandrabbningen mellan två discipliner, två galaxer - om du inte är rädd för att gå så långt! - inte annat än slå en kreativ gnista. "
Och rätt. I mänsklighetens historia blossade gnistor från sådana möten upp då och då och värmdes till verklig kreativ inspiration. Vetenskapen hjälper konstmänniskor att se världen genom sanningens ögon, renad från surrogat och gissningar. I sin tur berikar konst, som återspeglar världen figurativt, vetenskapsmannen med förmågan att se på sin uppgift från andra höjder, fängsla med sökningens skönhet. Detta bekräftar en nära, om än inte alltid tydlig, förening av det vetenskapliga och det konstnärliga.
Deras samvälde blossar upp mest livligt vid de punkter där vetenskapsmannens och konstnärens talanger möts i en person. Och om sådana människor ger världen lika enastående resultat på båda områdena, kan framgången också förklaras av det faktum (eller främst av det faktum) att vi har framför oss en framgångsrik kombination av böjelserna hos dessa två typer av kreativitet på en gång.
Så vår uppmärksamhet fångades av historien om mänskligt tänkande, som generöst demonstrerade talangerna i två dimensioner: den ena bestämmer måttet på en persons konstnärskap, den andra - djupet av hans forskningsförmåga. Att skapa, skapa en sådan person, att vara en vetenskapsman, hjälper sig själv genom att han också är en konstnär, och som en konstnär stärker han sin gåva med en vetenskapsmans förmågor. Och även om dessa sammanbindande trådar inte är så synliga utåt, finns det fortfarande ett internt utbyte av talanger, metoder för att bemästra världen, sätt att närma sig den reflekterade och upplevda verkligheten.
Låt oss först prata om de enastående konstskaparna som lämnade ett märkbart, men kanske inte så ljust, märke även inom vetenskapen.
En av de första i denna konstellation är den store persiske och tadzjikiske poeten och vetenskapsmannen från 1000-talet Omar Khayyam. Han började som matematiker och astronom, grävde sedan ner sig i andra delar av naturkunskapen efter att ha behärskat många vetenskaper. Han ansågs vara en elev och efterträdare till den lysande naturutforskaren Ibn Sina. Och bara fritiden kunde ägna sig åt poesi. Det var dock i poesin som han med största sannolikhet förevigade sig själv.
Under lång tid, fram till 1800-talet, kände världen två Khayyams: poeten Omar Khayyam och matematikern Al-Qayyami. Antingen gissade de inte, eller så kunde de helt enkelt inte tro att detta var en person som hette: Giyas ad-Din Abu-l-Fath Omar ibn Ibrazhm al-Khayyam an-Naysubarn. Så ovanligt långt namn avkoda så här. "Ghiyath ad-Din" - den traditionella titeln på en vetenskapsman, bokstavligen "trons hjälp." Därefter skrivs hans eget namn, sedan namnet på hans far och yrke (Khayyam, som betyder "tältmästare"). Slutligen anges bostadsorten - Naysubarn eller Nishapur (nu en stad söder om Ashgabat).
En av anledningarna till att det fanns två O. Khayyams kanske är att han skrev poesi på det litterära språket farsi, och vetenskapliga arbeten- på "vetenskaplig" arabiska, Men huvudrollen spelades, förmodligen, bara av en ovanlig kombination av matematiska och poetiska talanger. På samma sätt trodde Europa vid ett tillfälle på två M. Lomonosovs. Men mer om det senare.
Poeten O. Khayyam lämnade omkring fyrahundra (och för att vara exakt trehundraåttiotvå) rubai. Det är kvaträn där briljanta filosofiska aforismer, sociala reflektioner kombineras med ett djupt personligt, lyriskt tema.
Som vetenskapsman är han känd för att ha sammanställt en kalender med otrolig noggrannhet som konkurrerar med den gregorianska kalendern som nu används. Om i det senare ett fel på en dag ackumuleras över 3300 år, då i O. Khayyams kalender i 4500 år! Tyvärr har den andra olägenheter och är därför svår att använda.
O. Khayyam kände till egenskapen hos den så kallade aritmetiska triangeln, upptäckt i Europa bara 16 århundraden senare. Vilket antal som helst i en sådan triangel visar sig vara lika med summan av talen som står ovanför den. O. Khayyam ägde också en systematisk genomgång av lösningen av ekvationer upp till tredje graden inklusive, han uttryckte många geometriska idéer som ekade Euklids sanningar, etc. Kort sagt, vi har en man med stora vetenskapliga och konstnärliga talanger som glatt samexisterade i en person.
Låt oss snabbt gå igenom medeltiden, då vetenskapliga och konstnärlig praktik förenad allmänt begrepp"sju liberal konst". Dessa inkluderade: musik, retorik (tala), pedagogik, som personifierade själva konsten, samt aritmetik, geometri, astronomi och grammatik, som utgjorde ett avsnitt av vetenskapen. Ganska ofta gjorde samma människor framsteg i dem.
Och nu kommer vi genast att befinna oss i 1700-talet, där skapelserna av det tyska folkets geni, W. Goethe, väntar på oss.
Han är förstås i första hand poet och författare. Och denna härlighet överskuggade hans andra ära - en stor vetenskapsman. Så stor att, även om W. Goethe inte vore så enastående personlighet på konstens himmel skulle han fortfarande gå till kulturhistorien som naturforskare.
De lämnade 14 volymer (!) vetenskaplig forskning. Dessutom 45 volymer brev, dagböcker, uppsatser, där det finns många sidor med reflektioner kring naturvetenskapliga ämnen. Inte konstigt att K. Timiryazev ansåg att W. Goethe var det enda exemplet i historien om mänsklig tanke på att kombinera en stor poet, tänkare och en enastående vetenskapsman i en person. Uppenbarligen presenterade K. Timiryazev överskattade kriterier. I världshistorien är W. Goethe inte ensam, men han är verkligen en enastående personlighet.
Särskilt värdefulla var hans investeringar i biologi. På 1800-talet blev morfologi (studiet av kroppens former och struktur) den ledande delen av vetenskapen om de levande, dess grund och älskarinna. W. Goethe var en av dem som stod, kan man säga, i början av denna disciplin, som med rätta anses vara dess teoretiker. Det var han som lyckades identifiera ett antal ledande lagar i växtvärldens struktur.
I allmänhet började W. Goethe studera naturvetenskap relativt sent, vid trettio års ålder, då han var minister för det "dvärg" Weimarfurstendömet, där staden Jena låg med sitt berömda universitet. Men snart publicerade han redan verket "Erfarenhet av att förklara växternas metamorfos", där, kanske för första gången, idén om växtrikets enhet och dess utveckling från en viss gemensam grund. "Erfarenhet" kallas inte av misstag för föregångaren till det evolutionära förhållningssättet till växter.
W. Goethe uttryckte själv huvudslutsatsen av sitt arbete på detta sätt: "Olika delar av en växt uppstår från ett identiskt organ, som, förblir i grunden detsamma, modifieras och förändras genom progressiv utveckling." Således har bladen en gemensam natur, även om de skiljer sig åt i sin placering på stjälken, i form och funktion. Blomman, visar det sig, är också ett löv, bara kraftigt modifierad. Poeten Goethe missade inte möjligheten att översätta dessa naturvetenskapliga resultat till en poetisk text. Så här uppträdde "Växternas metamorfoser", där vi hittar magnifika linjer:
I varje blomma finns en likhet med andra, men det finns också en skillnad: Det är tydligt att i det hela döljer sig en förunderlig, mäktig lag, En förunderlig gåta är gömd.
W. Goethe förstods varken av vetenskapsmän eller av konstmän och vänner. Hans åsikter var för djärva för dem som var vana vid den gamla preformistiska dogmen. Enligt dess postulat innehåller embryot redan alla organ som en vuxen individ har, bara de är försumbara. Så i embryot på en åsna finns öron och hovar och allt annat. I framtiden sker endast en enkel kvantitativ ökning. Med ett sådant tillvägagångssätt kunde det inte vara fråga om någon kvalitativ utveckling av organismen, särskilt djurets evolution.
W. Goethe förstods inte på annat sätt. Det är känt att han äger upptäckten av det så kallade intermaxillära benet hos människor, vars närvaro forskare enhälligt förnekade, och trodde att det är detta som skiljer människor från djur. När man jämförde bådas skallar fann W. Goethe suturer hos en person, som, även om de var svaga, tydde på spår av premaxillärbenet. Han studerade också ben på brutna skallar, studerade skallar av barn och till och med foster, med ett ord, han arbetade som en riktig naturforskare. Och han bevisade sin poäng.
Ack! W. Goethes artikel publicerades inte. Den framstående anatomen P. Camper motiverade till exempel sitt avslag på följande sätt: "Jag är ändå något kränkt av vår ras (det vill säga människans) närmande till boskapsrasen." Och först 1820, det vill säga nästan 40 år från skrivandet, publicerades artikeln, och då i en knapp form: utan figurer och tabeller. Den dök upp i sin helhet först 1831. Men vid den tiden hade den mänskliga premaxillan redan beskrivits av andra.
Poeten sysslade även med andra naturvetenskapliga frågor. Ja, upptäckte han ny form moln - kam, fyll på med den mångfalden av arter av detta intressanta naturfenomen. Himlen lockade honom också med djupare avstånd: den vinkade med hemligheten bakom sin blåhet. Jag ville reda ut det, och W. Goethe blev intresserad av läran om färg - kromatik. Så definierade han färgproblemet. Jag har forskat i det i ungefär tjugo år. Resultatet blev hans egen teori om frågan. Det presenteras i ett tvådelat verk (mer än 1400 sidor) med en tabellatlas, en beskrivning av experiment etc. Sedan lämnade han inte detta arbete förrän i slutet av sitt liv, kompletterade det med artiklar och kommentarer.
Slutsatserna baserades på den felaktiga idén att I. Newtons optiska koncept är falskt, och resultaten av hans erfarenhet av att bryta ner vitt ljus till regnbågsfärger och deras syntes till vitt ljus är ohållbara. Teorin om I. Newton, sa W. Goethe, är ett gammalt slott fullt av råttor och ugglor, ett slott som har förlorat sin militära betydelse och måste jämnas med marken.
Vad föreslog han istället? Enligt honom kommer färger inte till ögat i form av strålar, utan uppstår i ögat, skapas av det. Intressant nog satte W. Goethe sin egen teori ganska högt över sina konstnärliga skapelser. Strax före sin död dikterade han till exempel till sin personliga sekreterare I. Eckerman: "Jag har inga illusioner om vad jag skapade som poet, utmärkta poeter levde med mig, ännu bättre levde före mig och kommer också att leva efter mig. att jag i mitt århundrade är den enda som känner sanningen i den svåra färgläran, jag kan vara lite stolt över detta, och därför har jag en känsla av överlägsenhet över många ... "
Det bör noteras att W. Goethe, enligt experter, tydligt såg ett antal oklarheter i det då dominerande korpuskulära begreppet I. Newton. Han var den första som uppmärksammade till exempel att hon inte kunde förklara många optiska effekter och skakade tron på sin ofelbarhet.
Och ändå är huvudsaken inte detta. Ett antal vetenskapsmän stödde då och senare W. Goethes idéer, inte bara i den kritiska, utan också i den positiva delen. För att bara nämna några: G. Helmholtz, V. Ostwald, K. Timiryazev, A. Stoletov, V. Vernadsky, V. Heisenberg, M. Born ... håller med om att alla är en auktoritet, alla är en av de första stjärnorna magnitud.
Vad är problemet? W. Goethe lade grunden till en ny lära - den psykofysiologiska teorin om färg. Redan på 20-talet av 1800-talet förklarade framstående fysiologer, tjecken J. Purkine (med smeknamnet "uppvaknande") och tysken I. Müller, sig som anhängare och elever till W. Goethe och fortsatte hans arbete.
I. Müller, till exempel, tror att W. Goethe har rätt, precis som I. Newton har rätt. Men de undersökte olika färgplan: den första - dess psykofysiologi (mekanismen för nervbildning av sensation), den andra - fysiken för yttre stimuli som orsakar en optisk känsla av färg. De är inte oense, utan kompletterar varandra.
Som vi kan se är W. Goethe inte heller någon främling inom naturvetenskapen. De har mycket kvar här. Således kombinerade han framgångsrikt en poet och en vetenskapsman, vilket uppenbarligen visade sig på det mest gynnsamma sättet både i hans litterära och vetenskapliga angelägenheter.
Fortsätter berättelsen om stora artister, som banade märket i vetenskapen, skulle jag vilja notera JI. Carroll, författare till högprofilerade litterära mästerverk. Förutom Alice i Underlandets äventyr, som vi skrev om, lämnade han en annan bok, Through the Looking-Glass and what Alice såg där, eller Alice Through the Looking-Glass.
Men få människor visste under hans livstid (och även senare) att personen som skapade de storslagna barnsagorna som vuxna läser upp för att läsa är en matematiker som också har nått seriösa framgångar inom naturvetenskapen. I 26 år var han professor vid det berömda Oxford University. De säger att när drottning Victoria, efter att ha kommit till glädje för "Alice", ville läsa allt som skrevs av JI. Carroll, de lägger framför henne... en bunt avhandlingar om geometri. Men låt oss höra vad experterna har att säga. Den välkända sovjetiska geometern I. Yaglom noterar att L. Carroll har "en extraordinär litterär talang och anmärkningsvärd logisk sofistikering." Den senare tillät honom att erhålla ett antal intressanta matematiska resultat, dock av lägre rang än hans konstnärliga upptäckter.
Nu återstår det för oss att meddela att det riktiga namnet på detta intressant person- Charles Dodgson. Och Lewis Carroll är en pseudonym. Han kom på det på ett ganska roligt sätt. Först översatte han från engelska till latin sitt förnamn Charles - "Carolus". Sedan översatte han Lutwidges mellannamn - "Ludvikus". (Observera att europeiska nationer vid födseln får ett barn vanligtvis flera namn - för att hedra släktingar, vänner, bekanta. Till exempel har Hegel tre namn: Georg, Friedrich, Wilhelm.) Så blev det "Carolus Ludvikus". Ordna om dessa latinska namn platser och översätta dem igen till engelska, fick Lewis Carroll sin pseudonym. Det förmörkade snart hans sanna namn, namnet på en lärare i geometri, tvingad att hålla torra föreläsningar och göra melankoli med praktiska övningar. De säger att några år senare sa en av hans elever: "Tänk bara! På den tiden komponerade han" Alice "..."
Den österrikiske författaren R. Musil, en klassiker inom tyskspråkig litteratur från 1900-talet, har ett antal utmärkta verk i Peru. Särskilt känd är hans tredelade satiriska roman "En man utan egenskaper", som kombinerar den traditionella figurativa framställningen med en djup filosofisk analys. Läsaren vecklar ut en storskalig duk av den österrikisk-ungerska statens kollaps som ett slags "modell" av det borgerliga Europas allmänna kris.
Men till skillnad från många av hans andra romanförfattare var R. Musil en representant för exakt kunskap. Han fick en militärteknisk utbildning och studerade grundligt matematik, fysik och experimentell psykologi. Och även om han här också råkade få något, föll ändå den största framgången på honom i litterärt arbete.
Bland de människor som hade en konstnärlig gåva bredvid talangen hos en vetenskapsman, är vi glada att kunna namnge namnet på en landsman, en underbar författare I. Efremov. Han är inte bara en kvalificerad gruvingenjör, en bra geolog, utan också en doktor i biologiska vetenskaper och en utmärkt kunnig i historia. Förmodligen tillät detta mångsidiga stipendium, denna kombination av en geolog, biolog, historiker i en person att säga ett ganska tungt ord inom vetenskapen. I. Efremov är listad som skaparen av en ny disciplin - tafonomi. Detta är en del av historisk geologi som studerar mönstren för förekomsten av rester av forntida organismer i lager jordskorpan. Här behövdes en biologisk-historisk-geologisk syn. 1952 tilldelades han Statens pris för sin bok "Tafonomi och den geologiska krönikan".
Dessutom var I. Efremov ledare för ett antal expeditioner. I en av dem, i Gobiöknen, upptäckte han världens största "graveyard of dragons" (ansamling av dinosaurieben). Med ett ord, vi har att göra med en enastående naturforskare. Denna kombination av talanger ytterligare stärkte, ömsesidigt stärkte hans böjelser både som författare och som vetenskapsman.
Ju mer tid som skiljer oss från livet för stora människor som Platon, Perikles, Pythagoras, desto mer betydelsefulla och högre visas bilderna av dessa ande- och tanketitaner framför oss. Bland dem finns utan tvekan den store konstnären, lysande vetenskapsmannen, den största humanisten i sin tid, Leonardo da Vinci.
Hans samtida kallade honom "den universella mannen". Redan då var det tydligt att allt han gjorde i tidens andliga och sociala liv var unikt och ovanligt. Den här mannen kombinerade många talanger och fantastiska talanger. Han var inte bara en stor konstnär, en stor matematiker, mekaniker och ingenjör, till vilken de mest skilda grenarna av vetenskapen står i tacksamhetsskuld för upptäckter. Han var också en lika framstående astronom och kosmograf, geolog och botaniker, anatom och lingvist, lexikograf och poet, romanförfattare och realistisk författare, en framsynt tänkare som introducerade humanistiska kriterier i allt som utgjorde utrymmet för hans verk.
Det vore en hopplös uppgift att med några få ord försöka sammanfatta allt som förhärligade namnet på denne oöverträffade skapare av hans tid, gjorde honom evigt levande i eftervärldens ögon. Låt oss bara peka ut det viktigaste, enligt vår åsikt, som låg till grund för hans världsberömmelse - vetenskap och konst. I konstnärens ögon var vetenskap och konst bara olika sidor av en enda kreativ process. Det ena hjälpte det andra: konsten kunde inte nå perfektion utan vetenskap, konstens andedräkt måste finnas i vetenskapen.
Och idag är Leonardo da Vincis verk för oss den ännu ouppnåeliga modellen, där egenskaperna hos en vetenskapsman-skapare och en konstnär-tänkare har smält samman. Tanken på en vetenskapsman, i kombination med individens högsta andliga potential, gav upphov till briljanta idéer, skapade ovärderliga konstverk gjort oväntade och lysande upptäckter.
George Vasari, den första konsthistorikern i ordets rätta bemärkelse, var inte rädd för att kalla Leonardo da Vinci "himmelsk" och "gudomlig". I dag, efter mer än femhundra år, kan vi med ännu större anledning ansluta oss till hans ord. Eftersom det är idag som insikten om den där verkliga planetariska betydelsen, som alla stora personligheter personifierar, kommer till oss. Först idag börjar vi förstå allt framstående personer, alla stora talanger är fokus för högre energier, där drivkraft Evolution. Det är de som skapar glansen och livskraften i sina länder. Det är genom dem och genom dem som evolutionära förändringar i planetens liv förverkligas.
Århundraden går, en era avlöser en annan, krönta personer ockuperar troner och lämnar dem ... Men de finns inte kvar i mänsklighetens minne, utan de som skapar med konstens kraft, kraften i deras geni, storheten i deras ande sann historia. Leonardo da Vinci tillhör utan tvekan dessa stora arkitekter av planeten.
Historien listar de olika, fantastiska verken av Leonardo da Vinci på alla områden av livet. Han lämnade fantastiska matematiska register, utforskade flygteknikens natur, kastade sig in i medicinska överväganden. Han uppfann musikinstrument, studerade färgernas kemi, älskade naturhistoriens underverk. Han dekorerade städerna med magnifika byggnader, palats, skolor, bokförråd; byggde omfattande baracker för trupper; grävde en hamn, den bästa på hela Adriatiska havets västra kust, och byggde stora kanaler; anlade mäktiga fästningar; byggda stridsfordon; målade militärbilder ... Stor variation!
Men efter allt anmärkningsvärt förblev Leonardo en konstnär i världsbilden, en stor konstnär. Är inte detta en seger för kreativiteten?!
Att svara på denna fråga är lika svårt som att till exempel säga hur en delfin skiljer sig från en gasell. Men svaret är inte utan betydelse: ur biologisk synvinkel är en delfin en närmare släkting till en gasell än, säg, en häst som ser mycket mer ut som den. Bara för att denna likhet ska bli uppenbar behöver du gå mycket djupt in i problemets kärna, tillämpa evolutionsteorin och lära dig hur man jämför till synes indirekta, men faktiskt nyckelegenskaper. För att svara fullt ut skulle man därför behöva en bok, kanske mer än en, men här kan man bara ge några skisser.
Först och främst måste vi ta hänsyn till det medium på vilket skapelsen blir tillgänglig för andra - ett slags "habitat". För en konstnär är detta en duk, ett fotografi, en fil med en bild ... någon broderar till och med fotografiskt korrekta porträtt med trådar. För en vetenskapsman, i första hand en teoretiker, är ett medium inte någon sorts knepig anordning eller substans, som det avbildas i tecknade serier. Huvudprincip vetenskap - reproducerbarheten av experimenten och de erhållna resultaten. Således är frukten av en vetenskapsmans verksamhet först och främst en artikel i vetenskaplig Journal eller i det offentliga området. Dessutom, ju högre grad av naturvetenskap (läs: matematik), desto mindre möjlighet kvarstår att ge några synliga illustrationer. Och om bilden, åtminstone utåt, kan uppfattas av mer eller mindre alla, så för att förstå artikeln är kvalifikationen för ytlig bekantskap mycket högre.
Av denna anledning, till skillnad från en konstnär, kan en modern vetenskapsman inte förse sitt verk med några dolda betydelser, symboler, som i slutändan ett konstverk består av. Även om det är svårt för specialister att hantera arbete med liknande ämnen, bör detta arbete presenteras så tydligt och tydligt som möjligt, i allmänt erkända termer.
Men det är här det roliga börjar – likheterna börjar. Låt bilden agera främst på känslor, den måste liksom artikeln förstås. Inte nödvändigtvis av alla, om än bara av målgruppen, även om denna publik består av en och en halv undergroundvänner – men förstådd. Det vill säga att bildens "språk" i slutändan ska finnas tillgänglig, liksom terminologin för en vetenskaplig artikel.
För att få rätt effekt måste bilden ha komposition - men det gäller även för artiklar. Hur man ordnar materialet i artikeln, vad man ska vara uppmärksam på, vilka beräkningar och slutsatser man ska utelämna eftersom de är begripliga för publiken, och vilket material som ska inkluderas eftersom det vanligtvis är okänt för publiken - detta måste ständigt mötas. Elegans är ett ord som är långt ifrån främmande för vetenskap, och många framstående vetenskapsmän påpekar att enkelhet, skönhet och sanning vanligtvis går hand i hand.
Den sista jämförelsen hänvisar snarare till den mest abstrakta delen av vetenskapen - teoretisk fysik och matematik. Poängen är att vad mindre vetenskap knuten till verkliga världen- där fysiken går bortom gränserna för svarta hål och under Planck-radien, och ännu tidigare för matematik - desto mer frihet för kreativitet uppstår. Kreativitet ligger i valet av axiom och tillvägagångssätt som används för att utveckla teorin. Ändå bör det överensstämma med observationer och tidigare resultat. Och här vill jag ofrivilligt dra en analogi inte bara med konst, utan med holländsk måleri.
Vad är egenheten i Rembrandts målning, vad gör honom unik i jämförelse med sin samtid. Faktum är att i den holländska målningen på den tiden strävade de efter hyperrealism - när de arbetade med en pensel i ett hårstrå, återgav konstnären varje ludd på mattan, alla reflektioner och brytningar av en komplex gyllene dekoration i ett ännu mer komplext glaskärl ... Och så kommer Rembrandt och skriver mänskligt öga i tre drag. Representerar håret, repar det mörka lagret med borstens baksida och avslöjar det tidigare ljusa lagret. Han ritar kläder och lägger så mycket färg att en lättnad erhålls. Föreställ dig de argument han hade med andra konstnärer om berättigandet av hans teknik.
Och jag minns en tvist som jag en gång hade med min vän och kollega, Rembrandts landsman. Tvisten handlade om vad man – i det generaliserade fall som vi arbetade med då – skulle ta för de så kallade smidiga funktionerna. Brahm - det är namnet på hans kollega - ansåg att detta borde bestämmas av redan existerande objekt för vilka en annan metod redan har uppfunnits, I - att denna definition i allmänhet kan sugas ur fingret, och teorin kan anpassas till val som redan gjorts. Då blev vi nästan bråkade. Men även om vår tvist handlade om ett mycket abstrakt område av vetenskapen, var våra argument inte av vetenskaplig karaktär - de var uteslutande estetiska. Till slut hade vi bara olika stilar att arbeta med honom. På samma sätt är det önskvärt att varje artist utvecklar sin egen stil.
Denna stil - konstnärens stil - kan vara vad som helst: från hyperrealism och imitation av klassikerna - till dadaismen och Malevichs torg. Men på samma sätt skiljer sig stilar inom matematiken – från metamatematik, bevisteori – och upp till ganska tillämpade discipliner som är direkt relaterade till hastigheten och noggrannheten i beräkningar av fysiska processer i tekniska problem. Alla väljer själv tillvägagångssätt och verktyg, ibland finns det om inte oförenliga motsättningar, så åtminstone allvarliga missförstånd mellan människor som utvecklar olika riktningar - precis som i olika stilar konst.
Och på denna djupa nivå utplånas skillnaden mellan konstnären och vetenskapsmannen, precis som skillnaden mellan en delfin, en gasell och en infusoria raderas - trots allt är de alla, i slutändan, eukaryoter.
Leonardo da Vinci (1452-1519) - den största figuren, renässansens mångfacetterade geni, grundaren av Högrenässans. Känd som konstnär, vetenskapsman, ingenjör, uppfinnare.
Leonardo da Vinci föddes den 15 april 1452 i staden Anchiano nära staden Vinci, som ligger nära Florens. Hans far var Piero da Vinci, en notarie som kom från en framstående familj i staden Vinci. Enligt en version var modern en bondekvinna, enligt en annan - ägaren till krogen, känd som Katerina.
Vid ungefär 4,5 års ålder fördes Leonardo till sin fars hus, och i den tidens dokument kallas han Pieros oäkta son.
1469 kom han in i verkstaden känd konstnär, skulptör och juvelerare Andrea del Verrocchio (1435/36–1488). Här gick Leonardo genom hela lärlingsvägen: från att gnida färger till att arbeta som lärling. Enligt samtidens berättelser målade han den vänstra figuren av en ängel i Verrocchios målning "Baptism" (cirka 1476, Uffizierna, Florens), vilket omedelbart väckte uppmärksamhet. Rörelsens naturlighet, linjernas mjukhet, chiaroscuros mjukhet - skiljer figuren av en ängel från den mer stela skriften av Verrocchio. Leonardo bodde i mästarens hus, och efter att han blivit antagen till St Lukas skrå 1472, målarskrået.
En av få daterade teckningar av Leonardo skapades i augusti 1473. Utsikten över Arnodalen från en höjd gjordes med en penna med snabba drag, som överför vibrationer av ljus och luft, vilket indikerar att teckningen gjordes från naturen (Uffizi Gallery, Florens).
Den första målningen som tillskrivs Leonardo, även om dess författarskap ifrågasätts av vissa experter, är The Annunciation (ca 1472, Uffizi Gallery, Florens). Tyvärr, okänd författare gjorde senare korrigeringar, vilket avsevärt försämrade kvaliteten på arbetet.
"Porträtt av Ginevra de Benci" (1473-1474, Nationalgalleriet, Washington) genomsyras av en melankolisk stämning. En del av bilden nedan är avskuren: förmodligen var modellens händer avbildade där. Figurens konturer mjukas upp med hjälp av sfumato-effekten, skapad före Leonardo, men det var han som blev geniet med denna teknik. Sfumato (it. sfumato - dimmigt, rökigt) - en teknik som utvecklades under renässansen inom måleri och grafik, som låter dig förmedla mjukheten i modellering, det svårfångade i objektkonturer, känslan av luftmiljön.
Mellan 1476 och 1478 Leonardo öppnar sin verkstad. Denna period inkluderar "Madonna med en blomma", den så kallade. Benois Madonna (cirka 1478, Statens Eremitage, Sankt Petersburg). Den leende Madonnan tilltalar Jesusbarnet som sitter i hennes knä, figurernas rörelser är naturliga och plastiska. I den här bilden finns ett karaktäristiskt intresse för Leonardos konst för att visa den inre världen.
Även den ofullbordade målningen The Adoration of the Magi (1481–1482, Uffizierna, Florens) tillhör tidiga verk. Den centrala platsen upptas av förgrund grupp - Madonna and Child and Magi.
1482 reste Leonardo till Milano, den tidens rikaste stad, under beskydd av Lodovico Sforza (1452–1508), som stödde armén, spenderade enorma summor pengar på överdådiga festligheter och köp av konstverk. Leonardo presenterar sig själv för sin framtida beskyddare och talar om sig själv som en musiker, militärexpert, uppfinnare av vapen, krigsvagnar, maskiner, och först då talar han om sig själv som en konstnär. Leonardo bodde i Milano fram till 1498, och denna period av hans liv var den mest fruktbara.
Det första uppdraget som Leonardo fick var skapandet av en ryttarstaty för att hedra Francesco Sforza (1401–1466), far till Lodovico Sforza. Leonardo arbetade med det i 16 år och skapade många ritningar, såväl som en åtta meter lång lermodell. I ett försök att överträffa alla existerande ryttarstatyer ville Leonardo göra en storslagen skulptur i storlek, för att visa en uppfödande häst. Men inför tekniska svårigheter ändrade Leonardo idén och bestämde sig för att avbilda en vandrande häst.
I november 1493 visades modellen av den ryttarelösa hästen upp för allmänheten, och det var denna händelse som gjorde Leonardo da Vinci känd.
Det krävdes cirka 90 ton brons för att gjuta skulpturen. Metallinsamlingen som hade börjat avbröts, och ryttarstaty fick aldrig kast.
År 1499 intogs Milano av fransmännen, som använde skulpturen som mål. Efter ett tag rasade den. Hästen - ett grandiost men aldrig avslutat projekt - är ett av 1500-talets betydelsefulla verk inom monumental plastkonst och enligt Vasari, "de som har sett en enorm lermodell ... hävdar att de aldrig har sett en vackrare och majestätiska verk", kallade monumentet "stor koloss".
Vid hovet i Sforza arbetade Leonardo också som dekoratör för många festligheter, skapade hittills osynliga scenerier och mekanismer, och gjorde kostymer för allegoriska figurer.
Leonardos oavslutade målning "Saint Hieronymus" (1481, Vatikanmuseet, Rom) visar helgonet i omvändelsens ögonblick i en komplex vändning med ett lejon vid sina fötter. Bilden målades i svartvitt. Men efter att ha lackat den på 1800-talet förvandlades färgerna till oliv och gyllene.
"Madonna in the Rocks" (1483-1484, Louvren, Paris) - berömd målning Leonardo, målad av honom i Milano. Bilden av Madonnan, Jesusbarnet, lille Johannes Döparen och en ängel i ett landskap är ett nytt motiv i Italiensk målning den gången. I bergets öppning syns ett landskap, som ges sublimt idealiska drag och där prestationerna av linjärt och flygperspektiv visas. Även om grottan är svagt upplyst är bilden inte mörk, ansikten och figurer kommer försiktigt fram ur skuggorna. Den tunnaste chiaroscuro (sfumato) skapar intrycket av ett svagt diffust ljus, modellerar ansikten och händer. Leonardo förbinder figurerna inte bara med ett gemensamt humör, utan också med rummets enhet.
"Damen med en hermelin" (1484, Czartoryski-museet, Krakow) är ett av de första verken av Leonardo som hovporträttmålare. Målningen föreställer Lodovik Cecilia Galleranis älskarinna med familjen Sforzas emblem, en hermelin. Den komplexa vändningen av huvudet och den utsökta böjningen av damens hand, djurets krökta ställning - allt talar om författarskapet till Leonardo. Bakgrunden målades om av en annan konstnär.
"Porträtt av en musiker" (1484, Pinacoteca Ambrosiana, Milano). Endast ansiktet på den unge mannen är färdigställt, resten av bilden är inte stavad. Typen av ansikte är nära Leonardos änglars ansikten, bara utförd mer modigt.
En till unikt arbete skapades av Leonardo i en av salarna i Sforza-palatset, som kallas "Åsnan". På denna sals valv och väggar målade han pilkronor, vars grenar är intrikat sammanflätade, bundna med dekorativa rep. Därefter föll en del av färgskiktet sönder, men en betydande del bevarades och restaurerades.
1495 började Leonardo arbetet med Nattvarden (yta 4,5 × 8,6 m). Fresken är placerad på väggen i matsalen i Dominikanerklostret Santa Maria delle Grazie i Milano på en höjd av 3 m från golvet och upptar hela ändväggen i rummet. Leonardo orienterade freskens perspektiv till betraktaren, så att den organiskt kom in i det inre av matsalen: perspektivminskningen av sidoväggarna som avbildas i fresken fortsätter matsalens verkliga utrymme. Tretton personer sitter vid ett bord parallellt med väggen. I centrum står Jesus Kristus, till vänster och till höger om honom finns hans lärjungar. Det dramatiska ögonblicket av exponering och fördömande av förräderi visas, ögonblicket då Kristus precis yttrade orden: "En av er kommer att förråda mig", och apostlarnas olika känslomässiga reaktioner på dessa ord. Kompositionen är byggd på en strikt verifierad matematisk beräkning: i mitten är Kristus, avbildad mot bakgrunden av den mittersta, största öppningen av bakväggen, perspektivets försvinnande punkt sammanfaller med hans huvud. De tolv apostlarna är indelade i fyra grupper om vardera tre gestalter. Var och en ges en levande karaktär genom uttrycksfulla gester och rörelser. Huvuduppgiften var att visa Judas, att skilja honom från resten av apostlarna. Genom att placera honom på samma rad av bordet som alla apostlarna skilde Leonardo honom psykologiskt åt genom ensamhet.
Skapandet av Nattvarden var en anmärkningsvärd händelse i det konstnärliga livet i Italien på den tiden. Som en sann innovatör och experimenterare övergav Leonardo fresktekniken. Han täckte väggen med en speciell sammansättning av harts och mastix och målade i tempera. Dessa experiment ledde till största tragedi: matsalen, som hastigt reparerades på order av Sforza, Leonardos pittoreska innovationer, låglandet där matsalen låg - allt detta tjänade en sorglig tjänst för bevarandet av den sista måltiden. Färgen började lossna, som redan nämndes av Vasari 1556.
Nattvarden restaurerades upprepade gånger under 1600- och 1700-talen, men restaureringarna var okvalificerade (färgskikten applicerades helt enkelt igen).
I mitten av 1900-talet, när målningen föll i ett bedrövligt tillstånd, började de vetenskaplig restaurering: allt fixades först färgskikt, sedan togs senare lager bort, Leonardos temperamålning öppnades. Och även om verket var svårt skadat, gjorde dessa restaureringsarbeten det möjligt att säga att detta renässansmästerverk räddades. Leonardo arbetade på fresken i tre år och skapade renässansens största skapelse.
Efter Sforzas maktfall 1499 reser Leonardo till Florens och stannar till vid Mantua och Venedig på vägen. I Mantua skapar han en kartong med ett Porträtt av Isabella d "Este (1500, Louvren, Paris), gjord i svart krita, kol och pastell.
På våren 1500 anlände Leonardo till Florens, där han snart fick order om att måla en altarmålning i bebådelsens kloster. Beställningen slutfördes aldrig, men ett av alternativen är den sk. Burlington House Cardboard (1499, National Gallery, London).
En av de betydande uppdrag som Leonardo fick 1502 för att dekorera väggen i Signorias rådssal i Florens var "Slaget vid Anghiari" (ej bevarad). En annan vägg för dekoration gavs till Michelangelo Buonarroti (1475-1564), som målade målningen "Slaget vid Cascine" där.
Skisser av Leonardo, nu förlorade, visade panoramat av slaget, i vars centrum striden om fanan ägde rum. Teckningarna av Leonardo och Michelangelo, som visades 1505, var en rungande framgång. Som i fallet med Nattvarden experimenterade Leonardo med färger, vilket resulterade i att färgskiktet gradvis smulades sönder. Dock, förberedande ritningar, kopior som delvis ger en uppfattning om omfattningen av detta arbete. I synnerhet har en teckning av Peter Paul Rubens (1577–1640) bevarats, som visar kompositionens centrala scen (cirka 1615, Louvren, Paris).
För första gången i stridsmåleriets historia visade Leonardo stridens dramatik och raseri.
"Mona Lisa" - Leonardo da Vincis mest kända verk (1503-1506, Louvren, Paris). Mona Lisa (förkortning av Madonna Lisa) var den florentinska köpmannen Francesco di Bartolomeo del Giocondos tredje fru. Nu är bilden något ändrad: kolumner ritades ursprungligen till vänster och höger, nu avskurna. Liten till storleken gör bilden ett monumentalt intryck: Mona Lisa visas mot bakgrund av ett landskap, där rymdens djup, luftdiset förmedlas med största perfektion. Leonardos berömda sfumatoteknik förs hit till oöverträffade höjder: det tunnaste, som om det smälter, dis av chiaroscuro, omsluter figuren, mjukar upp konturerna och skuggorna. Det finns något svårfångat, förtrollande och attraktivt i ett lätt leende, i ansiktsuttryckets livliga, i det ståtliga lugnet i ställningen, i stillheten i händernas släta linjer.
1506 fick Leonardo en inbjudan till Milano från Ludvig XII av Frankrike (1462-1515).
Efter att ha gett Leonardo fullständig handlingsfrihet och regelbundet betalat honom, krävde de nya mecenaten inte vissa jobb från honom. Leonardo är förtjust i vetenskaplig forskning och vänder sig ibland till måleri. Sedan skrevs den andra versionen av Madonna in the Rocks (1506–1508, British National Gallery, London).
"Sankt Anna med Maria och Kristusbarnet" (1500–1510, Louvren, Paris) är ett av teman i Leonardos verk, som han upprepade gånger vänt sig till. Den sista utvecklingen av detta tema förblev oavslutad.
1513 reser Leonardo till Rom, till Vatikanen, till påven Leo X:s hov (1513-1521), men förlorar snart påvens gunst. Han studerar växter botanisk trädgård, utarbetar planer för dränering av de pontinska myrarna, skriver anteckningar till en avhandling om strukturen hos den mänskliga rösten. Vid den här tiden skapade han det enda "Självporträttet" (1514, Reale Library, Turin), fyllt med sangvin, som visar en gråhårig gammal man med långt skägg och en blick.
Leonardos sista målning målades också i Rom - "Saint Johannes Döparen" (1515, Louvren, Paris).
Återigen får Leonardo ett erbjudande från den franske kungen, denna gång från Francis I (1494-1547), Ludvig XII:s efterträdare: att flytta till Frankrike, till en egendom nära det kungliga slottet Amboise.
1516 eller 1517 anländer Leonardo till Frankrike, där han tilldelas lägenheter i Cloux-gården. Omgiven av kungens respektfulla beundran får han titeln "Kungens första konstnär, ingenjör och arkitekt." Leonardo, trots sin ålder och sjukdom, är engagerad i att rita kanaler i Loiredalen, deltar i förberedelserna av hovfestligheter.
Leonardo da Vinci dog den 2 maj 1519 och testamenterade sina teckningar och papper till Francesco Melzi, en lärling som behöll dem hela sitt liv. Men efter hans död distribuerades alla otaliga papper runt om i världen, en del gick förlorade, en del lagras i olika städer, på museer runt om i världen.
Leonardo är en vetenskapsman till sitt yrke och imponerar redan nu med bredden och mångfalden av sina vetenskapliga intressen. Hans forskning inom flygplansdesign är unik. Han studerade flygningen, planering av fåglar, strukturen på deras vingar, och skapade den så kallade. ornithopter, ett flygplan med flaxande vingar, och ett orealiserat projekt.
Leonardo skapade en pyramidformad fallskärm, en modell av en spiralpropeller (en variant av den moderna propellern). Genom att observera naturen blev han en expert inom botaniken: han var den första som beskrev phyllotaxis lagar (lagarna som styr arrangemanget av löv på en stjälk), heliotropism och geotropism (lagarna för solens och gravitationens inflytande). på växter), upptäckte ett sätt att bestämma trädens ålder med årsringar.
Han var expert inom området anatomi: han var den förste som beskrev ventilen i hjärtats högra ventrikel, visade anatomi, etc. Han skapade ett system med ritningar som fortfarande hjälper eleverna att förstå strukturen människokropp: visade ett föremål i fyra vyer för att undersöka det från alla håll, skapade ett system för att avbilda organ och kroppar i ett tvärsnitt.
Hans forskning inom geologiområdet är intressant: han gav beskrivningar av sedimentära bergarter, förklaringar av marina avlagringar i bergen i Italien.
Som optisk forskare visste han att visuella bilder på ögats hornhinna projiceras upp och ner. Han var förmodligen den förste som använde en camera obscura för att skissa landskap (av latin camera - room, obscurus - dark) - en sluten låda med ett litet hål i en av väggarna; ljusstrålar reflekteras på det frostade glaset på andra sidan av lådan och skapar en inverterad färgbild, som användes av landskapsmålare från 1700-talet för att exakt återge vyer).
I ritningarna av Leonardo finns ett projekt för ett instrument för att mäta ljusets intensitet, en fotometer, väckt till liv bara tre århundraden senare. Han designade kanaler, slussar, dammar. Bland hans idéer kan ses: lätta skor för att gå på vattnet, en livboj, simhandskar för simning, en undervattensrörelseanordning som liknar en modern rymddräkt, maskiner för tillverkning av rep, slipmaskiner och mycket mer.
När han kommunicerade med matematikern Luca Pacioli, som skrev läroboken "On Divine Proportion", blev Leonardo intresserad av denna vetenskap och skapade illustrationer till denna lärobok.
Leonardo agerade också som arkitekt, men inget av hans projekt väcktes någonsin till liv. Han deltog i tävlingen om utformningen av den centrala kupolen i katedralen i Milano, designade mausoleet för medlemmar av kungafamiljen i egyptisk stil, ett projekt som han föreslog till den turkiska sultanen att bygga en enorm bro över Bosporen, under vilken fartyg kunde passera.
Ett stort antal av Leonardos teckningar fanns kvar, gjorda med sangvinska, färgade kritor, pasteller (det är Leonardo som är krediterad för uppfinningen av pasteller), silverpenna och krita.
I Milano börjar Leonardo skriva en "Treatise on Painting", som fortsatte under hela hans liv, men som aldrig blev färdig. I den här guiden med flera volymer skrev Leonardo om hur man återskapar på duk världen, om linjär och flygperspektiv, proportioner, anatomi, geometri, mekanik, optik, samspelet mellan färger, reflexer.
Leonardo da Vincis liv och verk lämnade ett kolossalt spår inte bara inom konsten utan också inom vetenskap och teknik. Målare, skulptör, arkitekt - han var naturforskare, mekaniker, ingenjör, matematiker, gjorde många upptäckter för framtida generationer.
Leonardo da Vinci är renässansens största personlighet.
Genom litterär kreativitet skulle de inte ha gjort sina upptäckter inom vetenskapen. Kanske är det det känslomässiga uppsvinget konstnärlig verksamhet förberett och drivit dem till ett kreativt genombrott inom vetenskapen.
För att upptäcka proportionslagarna för det gyllene snittet för både vetenskap och konst, var de antika grekiska forskarna tvungna att vara konstnärer i sina själar. Och det är det verkligen. Pythagoras var intresserad av musikaliska proportioner och förhållanden. Musiken var dessutom grunden för hela den pythagoras doktrin om tal. Det är känt att A. Einstein, i det tjugonde århundradet. störta många etablerade vetenskapliga idéer, musik hjälpte i hans arbete. Att spela fiol gav honom lika mycket nöje som att arbeta.
Många upptäckter av forskare har gjort konsten en ovärderlig tjänst.
1800-talets franska fysiker Pierre Curie forskade om kristallers symmetri. Han upptäckte något intressant och viktigt för vetenskap och konst: en partiell frånvaro av symmetri ger upphov till utvecklingen av ett objekt, medan fullständig symmetri stabiliserar dess utseende och tillstånd. Detta fenomen har kallats dissymmetri (inte symmetri). Curies lag säger: dissymmetri skapar ett fenomen.
I mitten av nittonhundratalet. inom vetenskapen dök också begreppet ”antisymmetri” upp, det vill säga mot (motsatt) symmetri. Om det allmänt accepterade begreppet "asymmetri" för både vetenskap och konst betyder "inte helt exakt symmetri", så är antisymmetri en viss egenskap och dess negation, d.v.s. opposition. I livet och i konsten är dessa eviga motsatser: gott - ont, liv - död, vänster - höger, upp - ner osv.
"De glömde att vetenskapen utvecklades från poesin: de tog inte hänsyn till att båda med tiden perfekt kan mötas igen på en högre nivå för ömsesidig nytta." I.-V. Goethe
Idag går denna profetia i uppfyllelse. Syntes av vetenskapliga och konstnärlig kunskap leder till uppkomsten av nya vetenskaper (synergetik, fraktal geometri, etc.), bildar en ny konstnärligt språk konst.
Den holländska konstnären och geometern Maurits Escher (1898-1972) byggde sina dekorativa verk utifrån antisymmetri. Han var, precis som Bach inom musiken, en mycket stark matematiker inom grafik. Bilden av staden i gravyren "Dag och natt" är spegelsymmetrisk, men på vänster sida är det dag, till höger - natt. Bilderna av vita fåglar som flyger in i natten bildar silhuetter av svarta fåglar som rusar in i dagen. Det är särskilt intressant att observera hur figurer gradvis framträder från bakgrundens oregelbundna asymmetriska former.
Hitta i referenslitteraturen begreppen "synergetik", "fraktal", "fraktal geometri". Tänk på hur dessa nya vetenskaper relaterar till konst.
Kom ihåg fenomenet färgmusik, bekant för dig, som blev utbrett tack vare kompositörens arbete från 1900-talet. A. N. Skrjabin.
Hur förstår du innebörden av A. Einsteins uttalande: "Det sanna värdet är i huvudsak bara intuition."
namn litterära verk med antisymmetriska namn (exempel "Prinsen och fattigen"). Kom ihåg folksagorna, vars handling var baserad på antisymmetriska händelser.
Konstnärlig och kreativ uppgift
Lyssna på smakprov av klassisk, elektronisk och populärmusik på din dator genom att aktivera visualiseringsfunktionen. Välj en bild som är i samklang med musiken: dans av bisarra cirklar, rymdfärd, försoning, blixt, etc.
Under inflytande av upptäckterna av radioaktivitet och ultravioletta strålar inom vetenskapen grundade den ryske konstnären Mikhail Fedorovich Larionov (1881-1964) 1912 en av de första abstrakta rörelserna i Ryssland - rayonism. Han trodde att det var nödvändigt att inte avbilda objekten själva, utan energiflödena som kommer från dem, presenterade i form av strålar.
Studiet av problemen med optisk perception fick den franske målaren Robert Delaunay (1885-1941) i början av 1900-talet. på idén om bildandet av karakteristiska cirkulära ytor och plan, som skapade en flerfärgad storm, dynamiskt tog utrymmet i bilden i besittning. Den abstrakta färgrytmen väckte känslor hos publiken. Interpenetrationen av spektrumets huvudfärger och skärningen av krökta ytor i Delaunays verk skapar dynamik och verkligen musikalisk utveckling rytm.
Ett av hans första verk var en färgad skiva, formad som ett mål, men färgövergångarna för dess närliggande element har ytterligare färger, vilket ger skivan en extraordinär energi.
Den ryske konstnären Pavel Nikolajevitj Filonov (1882-1941) avslutade på 20-talet. 1900-talet grafisk komposition - en av "universums formler". I den förutspådde han rörelsen av subatomära partiklar, med hjälp av vilken moderna fysiker försöker hitta
universums formel.
Titta på de mest kända gravyrerna av M. Escher "Dag och natt", "Sol och måne". Vilka känslotillstånd förmedlar de? Förklara varför. Ge en tolkning av gravyrernas handling.
Lyssna på ett utdrag symfonisk dikt A. Skrjabin "Prometheus". Rita ett färgpoäng för denna pjäs.
Konstnärliga och kreativa uppgifter
> Skissa ett vapen, varumärke eller emblem (penna, penna, bläck;collage ellerapplikation ;
Datorgrafik ) använder sig av olika typer symmetri.
> Föreställ dig vilket föremål eller fenomen som helst i form av energiflöden som härrör från det, liksom de strålande konstnärerna. Utför en komposition i vilken teknik som helst. Välj den musik som är kopplad till den här kompositionen.
> Utför dekorativt arbete med antisymmetri som principen för att erhålla en bild (liknande M. Eschers gravyrer).
