Hem › Recensioner › Överlagringen av ett färgskikt på ett annat kallas. Ritningssekvens från största till minsta, från allmänt till särskilt

Överlagringen av ett färgskikt på ett annat kallas. Ritningssekvens från största till minsta, från allmänt till särskilt

|| Kapitel 3 || Kapitel 4 || Kapitel 5 || Kapitel 6 || Kapitel 7 || Kapitel 8 || Kapitel 9 || Kapitel 10 || Kapitel 11 || Kapitel 12

När du utför en målning måste du följa en viss sekvens. Vanligtvis börjar en konstnär arbetet med en målning eller väggmålning genom att göra flera små skisser, där han konkretiserar sin idé. I samma syfte kan han utföra skisser från naturen.

Sedan ritar konstnären framtidsbilden. Han kan använda en penna, kol eller flytande utspädd färg och en tunn pensel för detta. Det är möjligt att tillverka det så kallade "spårpappret" eller "kartongen" i det fall ritningen behöver överföras till någon yta. Ibland hoppar konstnärer över detta skede av arbetet och börjar omedelbart måla med färger utan en preliminär ritning.

Det finns många sätt att applicera färg på ett plan. Vissa konstnärer föredrar att använda glaseringstekniken: applicera tunna transparenta lager över det torkade färglagret. Andra uppnår önskad färglösning i ett lager, medan andra använder separata streck.

En konstnär kan samtidigt arbeta med att rita, komposition, skulptera former, överföra rymd och färglägga. Så P. Cezanne tyckte om att arbeta, särskilt när han målade sina landskap eller stilleben från naturen.

Denna väg är dock inte tillgänglig för alla. Du måste ha ett utmärkt visuellt minne, korrekt ritning, kompositionstänkande, en oklanderlig känsla för färg.

De flesta konstnärer föredrar att arbeta från det allmänna till det särskilda, gradvis applicera huvudfärgen på föremålen och följa modelleringen av volymen. Sedan förfinar de nyanserna av färg, färgreflektioner, bildens övergripande färg. På sista steget tillbaka till generalisering. För att uppnå arbetets integritet kan du ta bort onödiga detaljer, försvaga kontraster, markera det viktigaste. Det var så den underbara konstnären A. A. Ivanov älskade att arbeta. Han tillbringade mycket förberedande arbete innan han skapade målningen "Kristi utseende för folket." Flera bildstudier ställdes ut bredvid denna målning i Tretjakovgalleriet, hjälpa till att spåra författarens kreativa sökning.

För utbildningsändamål är det bättre att arbeta med en bildkomposition i följd. För att lära dig några av målningens hemligheter och mysterier, kommer mästarnas uttalanden i slutet av den här boken att hjälpa dig.

Konstnärer-målare förmedlar skönheten i världen runt dem med hjälp av färger. Du kan välja vilken bas som helst: duk, papper, kartong, kartong, vägg etc. Basen grundas vanligtvis med speciella föreningar. Målare använder en mängd olika färger: gouache, akvarell, oljetempera, etc. Appliceras färgerna på baserna? runda och platta borstar olika tjocklek. Ibland används en palettkniv, en trasa för detta, de applicerar till och med färg med ett finger, men det är fortfarande bättre att skapa målningar med hjälp av specialverktyg och inte med improviserade medel. Tekniken att skriva, dess egenskaper beror till stor del på egenskaperna hos färger, lösningsmedel, verktyg.

Var ska man börja rita? Denna fråga ställs ofta av nybörjare när de börjar arbeta. Men erfarna ritare har länge vetat svaret på det, för i det klassiska konstskola det finns en underbar princip att utföra arbete. Du bör rita eller skriva från det allmänna till det särskilda, från det största till det minsta.

För att förstå detta tydligt räcker det att komma ihåg hur små barn ritar. Ofta fokuserar barnet på detaljerad ritning vilket föremål som helst, utan att tänka på dess storlek och hur det passar in i miljön. Barn kan rita en liten figur på stort ark. Det händer att det ritade objektet är någonstans i hörnet av arket, och det finns tomt utrymme runtom. Barn, på grund av sin ålder, uppfattar inte hela arket som en helhet, så de ritar allt separat.

Något liknande händer när blivande konstnärer börjar rita eller måla. Jag skulle vilja förmedla all skönheten i en enda detalj, rita den i detalj, utan att tänka på bildens enhet, på hur denna detalj ska underordnas miljön. Men när du tittar på det "samvetet" utarbetade fragmentet på långt håll, som rör sig bort från staffliet, ser du att allt inte är så bra som det verkade på nära håll. Själva detaljen kan ha blivit en succé, dock passade den inte in i resten av teckningen, så i allmänhet blev allt snett. Låt oss titta på detta med ett exempel.

Anta att en konstnär målar ett porträtt. Och han börjar arbeta omedelbart med att dra ögat, glömmer allt annat. Därefter ritar du näsan, läpparna, hela ansiktet och huvudets konturer. Sedan avslutar han hela porträttet. Det vill säga, jag började ritningen med ögat, och avslutade med hela siluetten av huvudet (se illustration). Som ett resultat visade sig själva ögat, men skiftade åt sidan. Samma sak hände med näsan och läpparna. Därför blev porträttet inte bara olikt, utan också snett.

Men varför hände detta? Eftersom konstnären först började rita små föremål, och sedan avslutade med stora former. Det vill säga, han arbetade från minsta till största. Men om han hade börjat arbeta med huvudets konturer, ansiktets ovala (dvs från en stor) och sedan gått vidare till näsan, läpparna, ögonen (mindre) - skulle ovanstående fel inte ha hänt ( mer exakt, sannolikheten för detta skulle ha varit mindre). När allt kommer omkring efter att ha skisserat grunden stora former, det är mycket lättare att få in små detaljer i den. Det är lättare att jämföra avstånd och proportioner. Och om du börjar med små saker, utan att definiera stora silhuetter, kommer det senare att bli mycket svårt att passa den ena till den andra. Därför använder konstnärer ritsekvensen från största till minsta. Och även om denna metod i sig inte garanterar framgång, hjälper den mycket i arbetet. Men går det inte att rita som man vill? I vilken ordning som helst? Stora mästare med stor erfarenhet kan börja rita från punkt "A" och avsluta vid punkt "B" utan att tänka på sekvensen. Allt fungerar redan för dem på en intuitiv nivå, eftersom de har stor erfarenhet bakom sig. Men i de flesta fall rekommenderas det att börja arbeta inte med bagateller, utan med allmänna, stora massor, titta på hela bilden. När allt kommer omkring, stora mästare, även om de bryter mot klassiska scener teckning, i sinnet ser de fortfarande hela bilden, inte fragmentarisk.

Se helheten små delar mycket viktigt av flera skäl. En av dem är förmågan att generalisera. Utan generalisering är det omöjligt att föreställa sig att rita eller måla. Generalisering är inte bara ett sätt att göra saker lättare. Genom generalisering skapar konstnärer en illusion av att en målning eller teckning kan få liv. Ta till exempel en bukett blommor. Om du börjar skriva det från separata kronblad och fortsätter att arbeta med en så detaljerad bokstav till slutet, kan målningen inte bara innehålla fel utan också vara mindre uttrycksfull, "torr". Men om konstnären börjar arbeta med stora massor, generalisera och kombinera blommor i grupper och sedan målar enskilda blommor i detalj, kommer en sådan sekvens att hjälpa till att inte bli förvirrad i nyanser, för att se det viktigaste, för att liva upp målningen. Liva upp med effekten av urval, när konstnären generaliserar det sekundära och lyfter fram det viktigaste. Närheten mellan det detaljerade och det generaliserade skapar en illusion där den avbildade åsikten tycks komma till liv.

Ett sådant urval kräver av en person förmågan att se helheten, förmågan att uppmärksamma det viktigaste, att inte fokusera på bagateller. När en konstnär har ett öga i detta avseende, kommer han att bättre kunna avgöra vad som behöver generaliseras och hur man gör det. Om man tittar på bilden från denna vinkel kommer konstnären att kunna bestämma proportionerna mer exakt, bättre se färg- och tonförhållandena.

När du skapar en målning är det nödvändigt att följa en viss sekvens. Vanligtvis börjar konstnären arbetet med en målning eller väggmålning med flera små kompositionsskisser, där han konkretiserar sin idé. I samma syfte kan han utföra skisser från naturen.

För att skapa en intressant målning måste du lära dig att se in omgivande liv intressanta händelser, karaktärer, motiv, vinklar och tillstånd. Det ständiga utförandet av skisser, skisser och skisser från naturen utvecklar inte bara ögat och handen, utan också kompositionstänkandet.

Det är inte så lätt att se ett intressant kompositionsmotiv i livet. En sökarram, som är enkel att göra själv, kan hjälpa till med detta. Huvudsaken är att dess motsatta sidor förblir rörliga, då blir det lätt att ändra formatet, öka eller minska cirkeln av objekt som kommer in i synfältet. Om det inte finns någon ram kan du helt enkelt vika handflatorna så här, som visas i bilden.

Att välja den mest uttrycksfulla handlingen för kompositionen är inte heller en lätt uppgift. Hundratals människor uppfattar och tolkar samma handling på olika sätt, det vill säga de skapar sin egen version. Handlingen ska förstås som det som konstnären direkt avbildar på duken, och innehållet eller temat kan vara mycket bredare, det vill säga verk med olika handlingar kan skapas om samma ämne.

Det är viktigt att redan innan bildens början försöka föreställa sig framtidsbilden. Som regel utför konstnären först flera små skisser för att hitta den mest uttrycksfulla kompositionen. I detta skede bestäms bildens format (förlängd vertikalt, rektangulär, kvadratisk, långsträckt horisontellt, etc.) och dess storlek.

Det långsträckta formatet ger bilden en känsla av harmoni och höghet. Formatet i form av en rektangel placerad horisontellt är bekvämt för att skildra episk action. Vi har redan sagt att formatet baserat på det gyllene snittet är väl lämpat för att skildra ett brett landskapsmotiv. Formatet, som erhålls genom att förstora en kvadrat med en hel diagonal, är lika praktiskt för att skildra ett landskap, stilleben och tematisk komposition.

En överdriven ökning av det vertikala formatet förvandlar bilden till en rullning, och en överdriven ökning av det horisontella formatet dikterar användningen av en panorama- eller friskomposition. När man väljer ett format bör man ta hänsyn till platsen för kompositionens huvudobjekt - horisontellt eller vertikalt, utvecklingen av handlingen - från vänster till höger, i bildens djup, etc.

Det kvadratiska formatet används bäst för att skapa balanserade, statiska kompositioner eftersom de är mentalt relaterade till lika centrala axlar och lika sidor av bildkanterna.

Kompositionen i en oval och en cirkel är byggd i förhållande till imaginära ömsesidigt vinkelräta centralaxlar. Den övre och nedre delen av bilden bör vara tydligt definierade här. Ovalen används ofta som ett porträttformat eftersom denna konfiguration lätt kan korreleras med ovalen. mänskligt ansikte eller konturerna av bröstbilden.

Artister använder också komplexa konfigurationsformat, bestående av en kombination av två geometriska former, såsom halvcirkel och rektangel.

I skissen ritas ett allmänt kompositionsschema, platsen för TT är förhållandet mellan huvudet skådespelare utan detaljritning. Kanske skissens ton och färgschema. Därefter går de vidare till ritningen av kompositionen, sedan till dess bildmässiga utformning.

En av intressanta etapper verk - samling av naturmaterial: observationer av det omgivande livet, skisser och skisser hemma och på gatan, beroende på den valda tomten. Du kan samla naturligt material omedelbart efter att du har valt en tomt, eller gör det efter den första skissen av kompositionen.

Sedan ritar konstnären den framtida bilden med en penna, kol eller flytande utspädd färg och en tunn pensel. Det är möjligt att tillverka det så kallade spårpappret eller kartongen, om ritningen behöver överföras till någon yta. Om något inte fungerar i ritningen kan du återigen gå till skisserna, räkna ut detaljerna som orsakade svårigheter och sedan förfina ritningen med det insamlade naturmaterialet. Du kan till och med göra en ny kompositionsdom.”, med hänsyn till de färdiga skisserna och skisserna från livet, för att förtydliga idén.

Efter det går de vidare till dukens pittoreska lösning. Först utförs undermålning med flytande utspädda färger, där föremålens allmänna färg- och tonförhållanden, deras lokala färg bestäms. Sedan fortsätter de till huvudscenen - den faktiska bildlösningen av duken. Det är bättre att göra allt från det allmänna till det särskilda, gradvis applicera huvudfärgen på föremål och olja för volymmodellering. Det är nödvändigt att klargöra kontrasterna och nyanserna av färg, färgreflektioner, bildens övergripande färg. I det sista skedet fortsätter de igen till generalisering. För att uppnå arbetets integritet är det nödvändigt att ta bort onödiga flygblad, försvaga kontraster, markera det viktigaste.

De listade stadierna i utförandet av en målning är mycket viktiga, särskilt för utbildningsändamål. Det händer dock att artister vägrar någon scen. Alla fungerar olika. Vissa utför en detaljerad skiss, medan andra skriver direkt, utan en preliminär blyertsteckning. Någon letar ihärdigt efter allt i naturen för en bild, gör skisser i olika naturtillstånd, ritar sittare i lämpliga kostymer och poser, studerar det nödvändiga historiska eller konsthistoriska materialet. En annan konstnär litar mer på sitt visuella minne och fantasi och vägrar i allmänhet att studera naturen.

En konstnär kan samtidigt arbeta med en teckning, komposition, skulpterande form, återgivning av rum och färg. Det var så P. Cezanne tyckte om att arbeta, särskilt när han målade sina landskap eller stilleben från naturen. Denna väg är dock inte tillgänglig för alla. Du måste ha ett utmärkt visuellt minne, korrekt ritning, kompositionstänkande, en oklanderlig känsla för färg.

De flesta konstnärer föredrar att följa alla nödvändiga steg för att skapa en målning. Det var så L.A. Ivanov älskade att arbeta. Han gjorde ett stort förarbete till målningen "Kristi framträdande för folket". Många bildskisser som ställs ut i State Tretyakov Gallery hjälper till att spåra författarens kreativa sökning.

Allt som har sagts om arbetet med en målning ska inte förstås som en permanent, obligatorisk och oföränderlig ordning. Men att följa reglerna hjälper till att uppnå bra resultat, behärska färdigheten.

Skicka ditt goda arbete i kunskapsbasen är enkelt. Använd formuläret nedan

Studenter, doktorander, unga forskare som använder kunskapsbasen i sina studier och arbete kommer att vara er mycket tacksamma.

Regel för rörelseöverföring. Ett föremål i en målning ser ut att röra sig under följande förhållanden:

* om en eller flera diagonala linjer används rörelseriktningar på cardin; *om du lämnar ledigt utrymme framför ett rörligt föremål;

*om du väljer ett visst ögonblick av rörelsen, som tydligast återspeglar dess karaktär, är dess kulmen.

Dessutom kommer bilden att verka röra sig om den inte återskapar ett ögonblick av rörelse, utan dess på varandra följande faser. Till exempel på den antika egyptiska reliefen. Var och en av figurerna frös i en viss position, men med tanke på kompositionen i en cirkel kan man se sekvensen i rörelse.

Rörelse är förståelig endast när man betraktar verket som helhet, och inte enskilda rörelsemoment. Fritt utrymme framför ett rörligt föremål gör det möjligt att mentalt fortsätta rörelsen, som om vi bjuder in oss att röra oss med den.

I ett annat fall, när föremålet visas för nära kanten av arket, verkar det som om rörelsen inte kan fortsätta.

Du kan framhäva rörelsen med hjälp av riktningen på bildens linjer. Till exempel om alla linjer är riktade djupt in i arket. Rörelsens uttrycksfullhet uppnås om du avbildar hjälten för tillfället högsta spänningen hans styrka. Dessutom ger en suddig bakgrund en känsla av rörelse. otydliga, otydliga konturer av föremål. Ett stort antal vertikala eller horisontella linjer bakgrunden kan sakta ner rörelsen.

Att ändra riktning gör det ibland snabbare eller långsammare. Det speciella med vår vision är att vi läser texten från vänster till höger, och rörelsen från vänster till höger är lättare att uppfatta, det verkar snabbare.

Statisk överföringsregel. En komposition anses statisk under följande förhållanden;

*om det inte finns några diagonala riktningar i bilden;

om föremålen är avbildade i lugn (statisk) enligt sax, finns det ingen klimax av handlingen;

om kompositionen är symmetrisk, balanserad eller byggd på basis av enkla geometriska mönster (triangel, cirkel, oval, kvadrat, rektangel).

En känsla av frid kan uppstå i ett konstverk under andra förhållanden.

Till exempel, i K. Korovins målning "I Winter", trots närvaron av diagonala riktningar, står hästen med släden lugnt, det finns ingen känsla av rörelse av följande skäl: målningens geometriska och kompositionella centra sammanfaller, kompositionen är balanserad och det fria utrymmet framför hästen blockeras av ett träd.

Val av plot-kompositionscentrum: När du skapar en komposition är det nödvändigt att bestämma vad som kommer att vara det viktigaste i bilden, och ta hand om hur man lyfter fram denna huvudsak, det vill säga handlingen och kompositionscentrumet, som ofta kallas det "semantiska centret" eller bildens "visuella centrum".

Naturligtvis är inte allt i handlingen lika viktigt, och de sekundära delarna är underordnade den huvudsakliga. I mitten av kompositionen ingår handlingen, huvudhandlingen och huvudkaraktärerna.

Kompositionscentret bör först och främst väcka uppmärksamhet. Centrum kännetecknas av belysning, färg, förstoring av bilden, kontraster och andra medel.

Inte bara i målningar, utan också i grafik, skulptur, dekorativ konst, tilldelas arkitekturen ett kompositionscentrum. Till exempel föredrog renässansens mästare att kompositionscentrumet sammanföll med dukens mitt.

Genom att placera huvudpersonerna på detta sätt ville artisterna framhålla sin viktiga roll, sin betydelse för handlingen.

Konstnärer har kommit på många alternativ för att bygga en bild när de placerar mitten av kompositionen var som helst på duken. Denna teknik användes framgångsrikt för att förmedla rörelse, händelsernas dynamik, den snabba utvecklingen av handlingen i V. Surikovs målning "Boyar Morozova".

Rembrandts målning "Återkomsten förlorade son"- ett klassiskt exempel på en komposition där det huvudsakliga är starkt förskjutet från centrum för den mest exakta avslöjandet av verkets huvudidé.

Handlingen i den här bilden är inspirerad av evangeliets liknelse. På tröskeln till deras hem möttes en far och son, som återvände efter att ha vandrat runt i världen. Målar vandrarens trasor. Rembrandt tycks förmedla en berättelse om den svåra väg hans son reste.

Du kan se tillbaka på det här länge och sympatisera med de förlorades lidande. Djupet av rymden uppstår på grund av den konsekventa försvagningen av ljus och skugga och färgkontraster, med början från förgrunden. I själva verket är det byggt av figurerna från vittnen från petitionens siena, som gradvis upplöses i skymningen.

Den blinde fadern lade sina händer på sin sons axlar som ett tecken på förlåtelse. I denna gest - visdom, smärta och längtan, ackumulerad under åren levde i ångest och förlåtelse. Rembrandt lyfter fram det viktigaste i bilden med ljus och fokuserar vår uppmärksamhet på det.

Kompositionscentrumet ligger nästan i kanten av bilden. Konstnären balanserar kompositionen med figuren av den äldste sonen som står till höger. Placeringen av det huvudsakliga semantiska centret på en tredjedel av avståndet i höjd motsvarar lagen för det gyllene snittet.

Sedan urminnes tider har det använts av konstnärer för att uppnå den största uttrycksfullheten i sina skapelser.

Regeln för det gyllene snittet i kompositionen(en tredjedel). För att identifiera kompositionscentrumet placeras det viktigaste elementet i bilden i enlighet med proportionen av det gyllene snittet, det vill säga ungefär på ett avstånd av "Prick av helheten. De proportionella förhållandena mellan sidorna av de avbildade objekten och själva duken måste, för att uppnå harmoni, byggas utifrån det gyllene snittet.

Bilder med två eller flera kompositionscentra låter dig visa flera händelser som inträffar samtidigt och är lika i sin betydelse.

Tänk på bilden av Velasquez "Las Meninas" och dess schema. Ett kompositionscentrum i bilden är den unga infantan. Kvinnorna lutade sig mot henne från båda sidor. I dukens geometriska mitt finns två kontrasterande fläckar av samma form och samma storlek. De är motsatta, som dag och natt, den ena är vit, den andra är svart - det här är två utgångar in yttre världen- ytterligare ett kompositionscentrum i bilden.

En utgång är en dörr som är upplyst av solen. Den andra är en spegel där kungaparet reflekteras. Den andra utgången kan uppfattas som en utgång till ett sekulärt samhälle. Kontrasten mellan ljus och mörk början i bilden kan förstås som en tvist mellan konstnären och härskaren.

Karaktärerna som avbildas av konstnären är tillräckligt många för att den fantasifulla betraktaren ska kunna teckna porträtt som är relaterade eller kontrasterande med varandra (konstnär och kung, hovmän och elit, skönhet och fulhet, barn och föräldrar, människor och djur).

På en bild kan du använda flera metoder samtidigt för att markera det viktigaste.

Till exempel kan tekniken "isolering" (bilden av det viktigaste isolerat från andra föremål) användas genom att markera det viktigaste i storlek och färg.

Det är viktigt att använda metoderna för att lyfta fram det plot-komponerande centrumet inte formellt, utan på detta sätt. till det bästa sättet avslöja syftet och innehållet i arbetet.

Överföringen av symmetri och asymmetri i kompositionen. Konstnärer olika epoker använde en symmetrisk konstruktion av bilden. Många forntida mosaiker var symmetriska. Renässansmålare byggde ofta sina kompositioner enligt symmetrins lagar. Denna konstruktion låter dig uppnå intrycket av fred, majestät, speciell högtidlighet och händelsernas betydelse. I en symmetrisk komposition är människor eller föremål nästan speglade i förhållande till bildens centrala axel.

Symmetri i konsten bygger på verkligheten, fylld av symmetriska former.

Till exempel är en mänsklig figur, en fjäril, en snöflinga, etc. symmetriska. Symmetriska kompositioner är statiska (stabila), vänster och höger halva är balanserade.

I en asymmetrisk komposition kan arrangemanget av föremål vara det mest olika, beroende på handlingens handling och syfte, är vänster och höger halvor inte balanserade.

Överföringen av balans i sammansättningen. I en symmetrisk komposition är alla delar balanserade, en asymmetrisk komposition kan vara balanserad och obalanserad. En stor ljus fläck balanseras av en liten mörk.

Många små fläckar kan balanseras av en stor. Det finns många alternativ: delar är balanserade efter vikt, spår och färg. Jämvikt gäller både själva figurerna och klyftorna mellan dem.

Specialövningar utvecklar en känsla av balans i kompositionen. Det är nödvändigt att lära sig att balansera stora och små värden, ljusa och mörka, olika silhuetter och färgfläckar. Här kommer det att vara användbart att komma ihåg din upplevelse av att hitta balans på en gunga.

Alla kan lätt räkna ut att en tonåring kan balanseras om två barn sätts i andra änden av gungan. Och barnet kan gunga även med en vuxen som inte sitter på kanten av gungan, utan närmare mitten.

Samma experiment kan göras med vikter. Sådana jämförelser hjälper till att balansera olika delar av bilden i storlek, ton och färg för att uppnå harmoni, det vill säga att hitta balans i kompositionen.

I en asymmetrisk komposition är balans ibland helt frånvarande om det semantiska centrumet är närmare bildens kant. Intrycket av bilden förändras om man tittar på dess spegelbild. Denna egenskap hos vår vision måste också beaktas i processen att hitta balans i sammansättningen.

Kompositionsregler, tekniker och medel är baserade på den rika kreativa erfarenheten av konstnärer från många generationer, men kompositionstekniken står inte stilla, den utvecklas ständigt, berikad av nya mästares kreativa praktik. Vissa kompositionsmetoder blir klassiska, men nya dyker upp, eftersom livet ställer andra uppgifter för konsten.

3 . Gouache som ett av målningsmaterial och tekniker

3.1 Måla konstmaterial och arbetsteknik

Målare förmedlar skönheten i världen runt dem med hjälp av färger: gouache, akvarell, tempera, olja etc. Du kan välja vilken bas som helst: duk, papper, kartong, kartong, vägg etc. Basen grundmålas vanligtvis med speciella föreningar. Färger appliceras på basen med runda och platta penslar av olika tjocklek. Ibland används en palettkniv för detta. kniv. en trasa, till och med ett finger, men det är bättre att använda specialverktyg snarare än improviserade medel.

Färger läggs ut på en palett och blandas för att få önskad färgnyans. En palett är en liten tunn skiva av rektangulär, oval eller annan form. oljepalett målningär gjorda huvudsakligen av trä, och för arbete akvarell och gouache- av vit plast, ibland med urtag för färger. Jag använder den ibland som en palett! vitt fat, kakel eller papper. Listan över färger som används av en konstnär kallas också en palett. I denna mening ligger termen "palett" nära begreppet "färg".

Tekniken att skriva, dess egenskaper beror till stor del på egenskaperna hos färger, lösningsmedel, verktyg. Innan sena XVII- tidigt 1700-tal konstnärer och lärlingar förberedde färger på egen hand, det anförtroddes vanligtvis eleverna. De malde stenarna till ett pulver och blandade det med lim, olja eller ett ägg. Industriell produktion av tillverkade färger färgpalett mer varierande.

Färger för målning har speciella namn. Mycket ofta är dessa namn associerade med kemiska eller naturliga element (mineraler, växter) som de är gjorda av. Grunden för alla färger - pigment - dessa är olika färgämnen eller färgämnen. Dom är mineral, kemisk, organisk(djur eller växt) ursprung. För beredning av färger finmals pigment till pulver och blandas med bindemedel (olja, lim, etc.). Organiska pigment är sämre i styrka än mineraliska. Nu används främst konstgjorda pigment, som de mest ihållande.

Ofta kommer namnet på färger från bindemedlet som används för att göra dem. Till exempel basen oljemålningar- linfrö eller annan olja. Limfärger är akvarell, gouache, tempera. Vi kommer att berätta mer om limfärger, eftersom de oftast används i praktiken att undervisa i konst i lärarskolor och i grundskolan.

Gouache- ogenomskinlig (fodral, täckande) färg, som späds ut med vatten. Ett konstverk gjort med sådana färger kallas också "gouache". Gouachefärger är gjorda av pigment och lim med tillägg av vitt. Till skillnad från akvarell är färgskiktet som appliceras på papper inte genomskinligt, utan matt, tätt, med en sammetslen yta, som ges av en blandning av vitt. Vid torkning är gouachefärgerna något bleka (ljusade), vilket konstnären måste ta hänsyn till i ritningen. Gouachefärger är ljusa, korrigeringar är möjliga under arbete, sviter kan bara läggas ovanpå en misslyckad plats i en annan färg. Mörka toner kan täckas med ljusa. Vitt tillsätts i gouache för att få en ljusare ton.

3. 2 Sekvensen för utförandet av en målning

För att skapa en intressant bildduk är det nödvändigt att lära sig att se intressanta händelser, karaktärer, motiv, vinklar och tillstånd i det omgivande livet. Det ständiga utförandet av skisser, skisser och skisser från naturen utvecklar inte bara ögat och handen, utan också kompositionstänkandet.

Det kvadratiska formatet används bäst för att skapa balanserade, statiska kompositioner eftersom de är mentalt relaterade till lika centrala axlar och lika sidor av bildkanterna.

Kompositionen i en oval och en cirkel är byggd i förhållande till imaginära ömsesidigt vinkelräta centralaxlar. Den övre och nedre delen av bilden bör vara tydligt definierade här. Ovalen används ofta som ett format för porträtt, eftersom denna konfiguration lätt kan korreleras med ovalen av ett mänskligt ansikte eller konturerna av en byst.

Konstnärer använder också komplexa konfigurationsformat, bestående av en kombination av två geometriska former, som en halvcirkel och en rektangel.

I skissen ritas ett allmänt kompositionsschema, platsen och förhållandet mellan huvudaktörerna utan en detaljerad ritning. Kanske skissens ton och färgschema. Därefter går de vidare till ritningen av kompositionen, sedan till dess bildmässiga utformning.

En av de intressanta stadierna i arbetet är insamlingen av naturmaterial: observationer av det omgivande livet, skisser och skisser av huset och på gatan, beroende på den valda tomten. Du kan samla naturligt material omedelbart efter att du har valt en tomt, eller gör det efter den första skissen av kompositionen.

3. 3 Målningsteknik för stilleben

målning gouache färgkomposition

Stillebensmålning är grundläggande för inlärningsprocessen. Detta är ett nödvändigt steg i inställningen av handen, ögat, utvecklingen av en känsla av färg, synens integritet. Känd genom stilleben verkliga världen i all sin mångfald. Stilleben är inte en slumpmässig samling av föremål. En aktiv inställning till naturen, en känsla av skönhet bör manifesteras i varje skede

Sekvensen av bilder av ett stilleben från hushållsartiklar: Första stadiet. Att utföra en detaljerad ritning av ett stilleben med tunna linjer, identifiera de huvudsakliga proportionella förhållandena och designen av föremål.

Andra fasen. Utförande av undermålning. Den första läggningen av lokala färger på föremål och draperier. Färgen på föremål sammanställs på en palett med vit silt.

Tredje etappen. Identifiering av färg- och tonförhållanden. Bearbetning och förfining av detaljer ljus på mörker och mörker på ljus. Gouache låter dig göra ändringar i arbetet; om något inte fungerar, överlappa en färg med en annan. Generalisering och slutförande av arbetet.

Landskapsbild Sekvens Gouache: Första stadiet. Att göra en teckning av en landskapskomposition. Penselteckningen är lätt och fri, med varm eller kall färg, beroende på bildens färg.

Andra fasen. Att lägga himlens huvudfärg, trädkronor, vatten. Överföring av sanna ton- och färgförhållanden.

Tredje etappen. Rita detaljer, sammanfatta och slutföra arbetet. Att uppnå landskapets färgenhet.

3. 4 Teknik för att arbeta på en pittoresk bild av ett mänskligt huvud

Målningen av det mänskliga huvudet är byggd på gemensam grund skapa pittoreska bilder. Låt oss uppehålla oss vid några metodologiska egenskaper utföra huvudstudier. Uppgifterna med att avbilda huvudet reduceras till att förmedla dess struktur, skulptera formen med färg och avslöja naturens individuella kvaliteter. Det är nödvändigt att förmedla färgrikedomen hos de levande människokropp, koppling av det mänskliga huvudet med miljön.

Ritning för målning kan göras med en penna, kol, men du kan rita omedelbart med en pensel. Det är nödvändigt att med tunna linjer förmedla huvudets konstruktiva struktur, dess position i rymden, för att skissera gränserna för chiaroscuro.

Arbetet utförs, som alltid, från det allmänna till det särskilda: först, i undermålningen, bestäms de allmänna ton- och färgförhållandena för stora plan, sedan formas formen i små drag, detaljerna ritas, och kl. det sista steget är allt generaliserat för att uppnå integritet.

Det är bättre att börja arbeta från den mörkaste platsen i naturen. Skuggorna i ansiktet är mycket transparenta Oni. döljer nästan inte den levande hyn. Genom att jämföra dynans upplysta delar med dem blir det lättare att hitta mellantonerna. Den vita färgen på papperet ersätter tillfälligt de upplysta ytorna. Skynda dig inte att skriva ut varje ögonfrans om andra delar av ansiktet ännu inte har lösts åtminstone generellt. Arbeta genom alla delar av naturen samtidigt, arbeta med metoden relationer. Håll ett öga på det i processen att överföra huvudets volym. så att slagen lägger sig i formen. Subtil färgvariation beror på många reflektioner. Färgen på ansiktet och kläderna får alltid en nyans som kompletterar bakgrundens färg.

I det sista skedet av arbetet, ägna stor uppmärksamhet åt uttrycksförmågan hos huvudets silhuett, dess kontakt med ([ung. Någonstans är det nödvändigt att lösa upp konturlinjerna, och på andra ställen, tvärtom, göra dem tydligare. Om målaren har en helhetssyn på naturen kommer han att slutföra arbetet korrekt.

Sekvens av att utföra en bildstudie av huvudet på en levande modell: Första stadiet. Rita med en pensel. Beskriv huvudets allmänna form och dess position i rymden. Rita delar av linden, frisyrens form utan onödiga detaljer.

Andra fasen. Lägga huvudfärgen i ansiktet, håret, bakgrunden, observera de korrekta ton- och färgförhållandena.

Tredje etappen. Förskriva detaljer, sammanfatta och slutföra arbetet, uppnå en porträttlikhet, förmedla modellens karaktär och bild.

3. 5 Metoder för att arbeta på en pittoresk bild av en mänsklig figur

Figuren av en man för utbildningsändamål är avbildad men bältet och in full längd. Att måla en figur kräver kunskap om plastisk anatomi, perspektiv och färgvetenskapens lagar. Innan du arbetar med en bild av en mänsklig figur är det användbart att utföra flera studier av detta objekt med en färg (grisaille).

I början av arbetet är det viktigt att inte bara plantera eller sätta naturen i en viss position, utan att studera den. egenskaper och rörelse, fundera över valet av kostym. Därför rekommenderas det att utföra pittoreska skisser av naturen. I processen att söka efter den mest framgångsrika kompositionslösningen i skisserna bör man bestämma plastplaceringen av figuren i det valda formatet, den övergripande färgen. Modellens natur avgör hela konstruktionen av kompositionen.

I undermålningen bestäms grunderna för ton- och färglösningar. Vidare, för att förmedla modellens volymetriska, materiella och rumsliga kvaliteter, är det nödvändigt att skulptera formen med drag och arbeta med relationer.

När man avbildar en mänsklig figur är det absolut nödvändigt att hitta färgförhållanden i samband med omgivande föremål och bakgrunden. Samma draperi bredvid den upplysta delen av naturen kommer att se något mörkare ut, och i närheten av dess mörka platser - något ljusare.

I det sista skedet bör uppmärksamhet ägnas åt material- och texturegenskaperna i ansiktet, håret, kläderna. Ansiktet och händerna är alltid utarbetade mer noggrant än tillbehören och bakgrunden. Det är viktigt att slutföra arbetet i tid, för att undvika fragmentering, överdriven bearbetning av detaljer och ofullständighet i skisser. Olika kreativa tillvägagångssätt till bilden av den mänskliga figuren är möjliga.

Sekvens av att utföra en bildstudie av en mänsklig figur: Första stadiet. Rita med en pensel. Beskriv figurens allmänna rörelse, dess proportioner och position i rymden. Rita huvudet, nacken. rev, armar, ben utan onödiga detaljer.

Andra fasen. Lägga huvudfärgen på kroppen, hår, kläder, bakgrund, överföra de korrekta ton- och färgförhållandena.

Tredje etappen. Rita detaljer, sammanfatta och slutföra arbetet, överföra karaktären och bilden av modellen.

Hosted på Allbest.ru

Liknande dokument

Metoder för att skapa en komposition på ett plan med hjälp av en dator. Egenskaper och bildliga medel kompositioner. Formvärde för amplifiering känslomässig påverkan Arbetar. Grundläggande principer för dess konstruktion, medel för att uppnå harmoni.

test, tillagt 2011-02-14

Grafisk komposition som en strukturell princip för arbetet, de viktigaste visuella medlen, organisationsdrag. Klassificering och typer, samt funktionalitet fläckar, principer och huvudstadier för att bygga en komposition med dess hjälp.

terminsuppsats, tillagd 2015-06-16

Värdet av färg i dekorativ komposition som en bild- och uttrycksmedel. Färgernas huvudsakliga egenskaper, deras psykologiska uppfattning. Historisk utveckling färgtrender, drag av harmoniska färgkombinationer i en kostym.

terminsuppsats, tillagd 2011-03-05

Funktioner för att bygga en komposition i dekorativ målning. De viktigaste stadierna av arbetet med den tematiska produktionen "Fashion". Metoder och tekniker för att utföra konstverk. Kunskap om målarteknik och material, dess användning i utformningen av miljön.

terminsuppsats, tillagd 2014-01-03

Analys historiska aspekter uppkomst och utveckling av lack miniatyrmålning i Ryssland. Jaktgenrens huvudteman. Stadier av arbetet med att skapa en komposition på temat " ankjakt". Utveckling av en teknisk sekvens för att måla en låda.

avhandling, tillagd 2012-07-29

Problem med komposition, dess mönster, tekniker, uttrycksmedel och harmonisering. Exempel på asymmetrisk sammansättningskonstruktion. Asymmetri som ett sätt att uppnå balans. Underordningen av delar är ett sätt att kombinera en asymmetrisk komposition.

abstrakt, tillagt 2014-10-14

Abstrakt expressionism från andra hälften av 1900-talet. Verk av Jean-Michel Basquiat, G. Baselitz, N. Olivier. Möjligheter till mixed media i bildkomposition: collage, målning med akryl och oljefärger med grafiska material.

avhandling, tillagd 2015-10-07

Formella tecken på kompositionen av bilden. Integritet, underordning av det sekundära till det huvudsakliga. Balans (statisk och dynamisk). Typer och former, tekniker och kompositionssätt och deras egenskaper. Estetisk aspekt av formell komposition.

abstrakt, tillagt 2012-11-20

Värdet av rytm som den organiserande principen för kompositionen, funktionerna i dess konstruktion i konsten att olika historiska perioder. Rumsliga effekter och typer av kontrasterande manifestationer av färg. begrepp konstnärlig bild, dess skapelse inom grafisk design.

terminsuppsats, tillagd 2012-04-16

Uttrycksförmåga i landskapets bildsammansättning. Metodiska grunder för att organisera tematisk ritning på ämnet "Landskapsstämning" i klassrummet visuella konsterna V allmänbildande skola. Från erfarenheten av att arbeta med kompositionen av bilden.

Sedan ritar konstnären framtidsbilden. Han kan använda en penna, kol eller flytande utspädd färg och en tunn pensel för detta. Det är möjligt att göra det så kallade "spårpappret" eller "kartongen" i fallet när ritningen behöver överföras till någon yta. Ibland hoppar konstnärer över detta skede av arbetet och börjar omedelbart måla med färger utan en preliminär ritning.

104. P. CESANNE. I skogen

Denna väg är dock inte tillgänglig för alla. Du måste ha ett utmärkt visuellt minne, korrekt ritning, kompositionstänkande, en oklanderlig känsla för färg.

De flesta konstnärer föredrar att arbeta från det allmänna till det särskilda, gradvis applicera huvudfärgen på föremålen och följa modelleringen av volymen. Sedan förfinar de nyanserna av färg, färgreflektioner, bildens övergripande färg. I det sista skedet fortsätter de igen till generalisering. För att uppnå arbetets integritet kan du ta bort onödiga detaljer, försvaga kontraster, markera det viktigaste. Det var så den underbara konstnären A. A. Ivanov älskade att arbeta. Han gjorde en hel del förberedande arbete innan han skapade målningen "Kristi framträdande för folket". Många bildskisser som visas bredvid denna målning i Tretjakovgalleriet hjälper till att spåra författarens kreativa sökande.

105. A. A. IVANOV Kristi framträdande för folket

106. A. A. IVANOV Chef för Johannes Döparen. Studera för målningen "Kristi framträdande för folket"

Konstnärer-målare förmedlar skönheten i världen runt dem med hjälp av färger. Du kan välja vilken bas som helst: duk, papper, kartong, kartong, vägg etc. Basen grundas vanligtvis med speciella föreningar. Målare använder en mängd olika färger: gouache, akvarell, tempera, olja, etc. Färger appliceras på basen med runda och platta penslar av olika tjocklek. Ibland används en palettkniv, en kniv, en trasa för detta, de applicerar till och med färg med ett finger, men det är fortfarande bättre att skapa målningar med hjälp av specialverktyg och inte med improviserade medel. Tekniken att skriva, dess egenskaper beror till stor del på egenskaperna hos färger, lösningsmedel, verktyg.

107. Akvarell, gouache och oljefärger

108 a. akvarell b. gouache c. Olja

Fram till slutet av 1600-talet - början av 1700-talet förberedde konstnärer och lärlingar färger på egen hand, vanligtvis anförtrodda till studenter, som krossade stenar till pulver och blandade det med lim, olja eller ett ägg. Med industriell produktion av färger har färgpaletten blivit mer mångsidig.

Färger för målning har speciella namn. Mycket ofta berättar dessa namn för oss vilka kemiska eller naturliga grundämnen (mineraler, växter) de är gjorda av. Grunden för alla färger är pigment (finmalt färgat pulver). Ofta kommer namnet på färger från vilken typ av bindemedel som används för att förbereda dem. Oljefärger är till exempel baserade på linfrö eller någon annan olja. Självhäftande färger är akvarell, gouache, tempera. Förr i tiden gjordes äggtempera av äggulan från ett kycklingägg.

Populär i kategorin: