Edouard Manet bar folies bergere beskrivning. Impressionistiska målningar

"... På salongen 1881 fick Manet ett efterlängtat pris - en andra medalj för porträttet av Pertuise, lejonjägaren. Nu blir Manet konstnär "utanför konkurrens" och har rätt att ställa ut sina verk utan samtycke från Salongsjuryn.

Manet hoppas kunna göra "något" för 1882 års salong - för den första salongen, där hans målningar kommer att dyka upp med märket "V.K." ("utanför konkurrens"). Han kommer inte att missa detta!

Men nu, när berömmelsen, vunnen med sådan svårighet, äntligen har kommit till honom, kommer dess gåvor verkligen att falla i maktlösa händer? Är det verkligen bara när han äntligen kommer att belönas för sitt arbete och sina svårigheter? kommer det hela att vara över?.. Manets sjukdom fortskrider obönhörligt; han vet detta, och sorgen gnager i honom, och hans ögon grumlas av tårar. Leva! Leva! Man gör motstånd. Kommer hans vilja verkligen inte att kunna övervinna sjukdomen?

Mane samlar all sin vilja. De vill begrava honom för tidigt. Och nu kan du träffa honom på kaféet "New Athens", på Tortoni's, på kaféet Bad, i Folies Bergere; med vänner ska jag ge dem halva världen. Och han skämtar, ironiserar och har alltid roligt om sitt ömma ben, sina "svagheter". Manet vill implementera en ny plan: ny scen Parisiska livet, utsikt över baren Folies Bergère - den vackra Suzon vid disken kantad av vinflaskor; Suzon, som är välkänd för alla vanliga besökare på denna plats.

"Bar at the Folies Bergere" är ett verk av pittoresk subtilitet och extraordinärt mod: den blonda Suzon i baren; bakom finns en stor spegel, som reflekterar salen och publiken som fyller den. Runt hennes hals ligger samma svarta sammet som Olympia hade, hon är också förtrollande orörlig, hennes blick är kall, den hetsar med sin likgiltighet för omgivningen.

Detta det mest komplexa arbetet gå vidare med svårighet. Mane slåss om det och gör om det många gånger. I maj 1882 känner han lycka, begrundande i Salongen "Spring" och "Bar at the Folies Bergere", åtföljd av en skylt "V.K." Folk skrattar inte längre åt hans målningar. Om vissa människor fortfarande tillåter sig att kritisera dem, om till exempel konstruktionen av "Bar" med dess spegel och reflektionsspel anses vara för komplex och kallas en "rebus", så är MAnets målningar ändå seriöst, noggrant, argumenteras de om som konstverk, att ta hänsyn till. Skylten "V.K." inger respekt från allmänheten. Genom dessa två brevs vilja blir Manet en erkänd konstnär; Dessa brev uppmanar till eftertanke, uppmuntrar sympatier (tidigare vågade de inte uttrycka dem högt), tystar fientliga munnar..."

"I sitt sista stora verk, "The Bar at the Folies Bergere", verkade konstnären säga adjö till det liv som han värderade så mycket, som han tänkte så mycket på och som han aldrig tröttnat på att beundra. Kanske aldrig tidigare har mästarens världsbild uttryckte sig i ett separat verk med sådan fullständighet. Den innehåller kärlek till människan, för hennes andliga och bildliga poesi, och uppmärksamhet på hennes komplexa relationer med andra som är omärkliga för en ytlig blick, och en känsla av tillvarons bräcklighet, och en känsla av ljus glädje när han är i kontakt med världen, och ironin som uppstår när man observerar den." Baren på Folies Bergere" absorberade allt som Manet, med sådan envishet och övertygelse, sökte, fann och bekräftade i ett omärkligt liv . Bästa bilderna, som ingår i hans verk, sammanflätade för att förkroppsligas i denna unga flicka som står bakom disken på en bullrig parisisk krog. Här, där människor söker glädje i kontakt med sin egen sort, där skenbar glädje råder, återupptäcker den känsliga mästaren bilden ungt liv nedsänkt i sorglig ensamhet. Världen kring flickan är hektisk och mångfacetterad. Manet förstår detta och för att bara lyssna på en röst, särskilt nära honom, får den denna värld att låta igen "stum" - att bli en ostadig reflektion i spegeln, förvandlas till ett oklart, suddigt dis av silhuetter, ansikten, fläckar och ljus. Den illusoriska dubbelheten av vision som avslöjas för konstnären fysiskt, så att säga, introducerar flickan till tinselatmosfären i baren, men inte för länge. Mane tillåter henne inte att smälta samman med denna värld, att lösas upp i den. Han tvingar henne att internt stänga av även från en konversation med en slumpmässig besökare, vars prosaiska framtoning också tas in av spegeln som sitter precis bakom disken, där barfrun själv ses bakifrån i en vinkel. Som om man utgick från den reflektionen återvänder Manet oss till den enda sanna verkligheten i hela detta spöklika skådespel av världen. Den smala figuren insvept i svart sammet är omgiven av det lätta skenet från speglar, en marmordisk, blommor, frukter, gnistrande flaskor. Bara hon, i detta färg-ljus-luft-flimmer, förblir det mest påtagligt verkliga, det vackraste och obestridliga värdet. Konstnärens pensel saktar ner och vilar tätare på duken, färgen tjocknar och konturerna definieras. Men känslan av fysisk stabilitet hos hjältinnan på duken som äntligen har uppstått är inte ändlig: flickans sorgliga, lätt frånvarande och förvirrade blick, nedsänkt i drömmar och fristående från allt runt omkring, väcker återigen en känsla av bräcklighet och svårfånga hennes tillstånd. Värdet av hennes konkreta givenhet tycktes vara förenat med dualiteten i världen som omgav henne. Men nej, den långt ifrån helt uttömda strukturen i hennes bild fortsätter att väcka fantasin, framkalla poetiska associationer där sorg blandas med glädje.

Det är svårt att tro att "Bar" skapades av en döende man, för vilken varje rörelse orsakade svårt lidande. Men det är så. Redan före sin död förblev Edouard Manet en kämpe, precis som han i livet var en kämpe mot borgerlig vulgaritet, känslomässig lättja i tankar och känslor, en man med sällsynt själ och intelligens. Han gick igenom en svår resa innan han upptäckte den sanna skönheten han letade efter i modernt liv: han ville öppna den och upptäckte den hos enkla, oansenliga människor och fann i dem den inre rikedom som han gav sitt hjärta till."

Baserat på material från boken "Edouard Manet" av A. Perryucho och efterordet av M. Prokofieva. - M.: TERRA - Bokklubb. 2000. - 400 s., 16 s. sjuk.

Jacques Louis Davids målning "The Oath of the Horatii" är en vändpunkt i historien Europeisk målning. Stilmässigt hör det fortfarande till klassicismen; Detta är en stil orienterad mot antiken, och vid första anblicken behåller David denna orientering. "The Oath of the Horatii" är baserad på berättelsen om hur de romerska patrioterna tre bröder Horace valdes ut för att bekämpa representanterna för den fientliga staden Alba Longa, bröderna Curiatii. Titus Livy och Diodorus Siculus har den här historien; Pierre Corneille skrev en tragedi baserad på dess handling.

”Men det är den horatianska eden som saknas i dessa klassiska texter.<...>Det är David som förvandlar eden till tragedins centrala avsnitt. Den gamle mannen håller tre svärd. Han står i mitten, han representerar bildens axel. Till vänster om honom finns tre söner som smälter samman till en figur, till höger om honom finns tre kvinnor. Den här bilden är fantastiskt enkel. Före David kunde klassicismen, med all sin orientering mot Rafael och Grekland, inte hitta en så hård, enkel manlig tunga att uttrycka medborgerliga värderingar. David verkade höra vad Diderot sa, som inte hade tid att se den här duken: "Du måste måla som de sa i Sparta."

Ilya Doronchenkov

På Davids tid blev antiken först påtaglig tack vare arkeologiska upptäckt Pompeji. Före honom var antiken summan av forntida författares texter - Homeros, Vergilius och andra - och flera dussin eller hundratals ofullständigt bevarade skulpturer. Nu har det blivit påtagligt, ända ner till möbler och pärlor.

"Men det finns inget av detta på Davids bild. I den är antiken häpnadsväckande reducerad inte så mycket till omgivningen (hjälmar, oregelbundna svärd, togor, kolonner), utan till andan av primitiv, rasande enkelhet.”

Ilya Doronchenkov

David orkestrerade noggrant utseendet på sitt mästerverk. Han målade och ställde ut den i Rom, fick entusiastisk kritik där, och skickade sedan ett brev till sin franska beskyddare. I den rapporterade konstnären att han vid något tillfälle slutade måla en bild för kungen och började måla den för sig själv, och i synnerhet bestämde han sig för att göra den inte fyrkantig, som krävdes för Parissalongen, utan rektangulär. Som konstnären hade hoppats underblåste ryktena och brevet allmänhetens spänning, och tavlan bokades en utmärkt plats på den redan öppnade salongen.

"Och så sent, sätts bilden tillbaka på plats och sticker ut som den enda. Hade den varit fyrkantig hade den hängts i linje med de andra. Och genom att ändra storleken gjorde David den till en unik. Det var en mycket kraftfull konstnärlig gest. Å ena sidan förklarade han sig vara den främste i att skapa duken. Å andra sidan drog han till sig allas uppmärksamhet på den här bilden."

Ilya Doronchenkov

Bilden har en till viktig betydelse, vilket gör det till ett genom tiderna mästerverk:

”Den här målningen vänder sig inte till individen – den vänder sig till personen som står i kö. Det här är ett lag. Och detta är ett kommando till en person som först handlar och sedan tänker. David visade mycket riktigt två icke-överlappande, absolut tragiskt åtskilda världar - världen av aktiva män och världen av lidande kvinnor. Och denna sammanställning - mycket energisk och vacker - visar den fasa som faktiskt ligger bakom historien om Horatii och bakom denna bild. Och eftersom denna fasa är universell, kommer "The Oath of the Horatii" inte att lämna oss någonstans."

Ilya Doronchenkov 

Abstrakt

1816 förliste den franska fregatten Medusa utanför Senegals kust. 140 passagerare lämnade briggen på en flotte, men endast 15 räddades; för att överleva den 12 dagar långa vandringen på vågorna var de tvungna att ta till kannibalism. En skandal bröt ut i det franska samhället; Den inkompetente kaptenen, en rojalist av övertygelse, befanns skyldig till katastrofen.

"För det liberala franska samhället blev katastrofen med fregatten "Medusa", skeppets död, som för en kristen person symboliserar gemenskapen (först kyrkan och nu nationen), en symbol, ett mycket dåligt tecken på en ny regim för restaureringen."

Ilya Doronchenkov

År 1818 läste den unge konstnären Theodore Gericault, på jakt efter ett värdigt ämne, boken om överlevande och började arbeta på sin målning. 1819 ställdes målningen ut på Parissalongen och blev en hit, en symbol för romantiken i måleriet. Géricault övergav snabbt sin avsikt att skildra det mest förföriska - en scen av kannibalism; han visade inte knivhuggandet, förtvivlan eller själva frälsningsögonblicket.

"Småningom valde han det enda rätta ögonblicket. Detta är ögonblicket för maximalt hopp och maximal osäkerhet. Det här är ögonblicket då människorna som överlevde på flotten först ser briggen Argus vid horisonten, som först passerade flotten (han märkte det inte).
Och först då, när jag gick på en motbana, stötte jag på honom. I skissen, där idén redan har hittats, är "Argus" märkbar, men på bilden förvandlas den till en liten prick vid horisonten, försvinner, vilket lockar ögat, men inte verkar existera."

Ilya Doronchenkov

Géricault vägrar naturalism: istället för utmärglade kroppar har han vackra, modiga idrottare i sina målningar. Men detta är inte idealisering, det här är universalisering: filmen handlar inte om specifika passagerare på Medusa, den handlar om alla.

"Gericault sprider sig förgrund döda människor. Det var inte han som kom på det här: fransk ungdom gormade om de döda och sårade kropparna. Det upphetsade, slog på nerverna, förstörde konventioner: en klassiker kan inte visa det fula och hemska, men vi kommer att göra det. Men dessa lik har en annan betydelse. Titta vad som händer i mitten av bilden: det är en storm, det finns en tratt som ögat dras in i. Och längs kropparna kliver betraktaren, som står precis framför bilden, upp på denna flotte. Vi är alla där."

Ilya Doronchenkov

Gericaults målning fungerar på ett nytt sätt: den riktar sig inte till en armé av åskådare, utan till varje person, alla är inbjudna till flotten. Och havet är inte bara havet av förlorade hopp från 1816. Detta är mänskligt öde.

Abstrakt

År 1814 var Frankrike trött på Napoleon, och Bourbonernas ankomst hälsades med lättnad. Men många politiska friheter avskaffades, restaureringen började och i slutet av 1820-talet började den yngre generationen inse maktens ontologiska medelmåttighet.

"Eugene Delacroix tillhörde det skikt av den franska eliten som reste sig under Napoleon och trängdes undan av bourbonerna. Men likväl blev han vänligt bemött: han tog emot guldmedalj för sin första målning på salongen, "Dantes båt", 1822. Och 1824 producerade han målningen "The Massaker of Chios", som föreställer etnisk rensning när den grekiska befolkningen på ön Chios deporterades och utrotades under det grekiska frihetskriget. Detta är det första tecknet på politisk liberalism i måleriet, som berörde fortfarande mycket avlägsna länder.”

Ilya Doronchenkov

I juli 1830 utfärdade Karl X flera lagar som allvarligt begränsade politiska friheter och skickade trupper för att förstöra tryckeriet för en oppositionstidning. Men parisarna svarade med eld, staden täcktes av barrikader, och under de "tre härliga dagarna" föll Bourbonregimen.

På berömd målning Delacroix, tillägnad de revolutionära händelserna 1830, presenterar olika sociala skikt: en dandy i hög hatt, en luffare pojke, en arbetare i en skjorta. Men den främsta är förstås ung en vacker kvinna med bar bröst och axel.

”Delacroix lyckas här med något som nästan aldrig lyckas med konstnärer från XIXårhundradet, allt mer realistiskt tänkande. Han lyckas i en bild – väldigt patetisk, väldigt romantisk, väldigt klangfull – kombinera verklighet, fysiskt påtaglig och brutal (titta på liken älskade av romantiker i förgrunden) och symboler. För den här fullblodiga kvinnan är förstås Friheten själv. Den politiska utvecklingen sedan 1700-talet har ställt konstnärer inför behovet av att visualisera det som inte kan ses. Hur kan du se frihet? Kristna värderingar förmedlas till en person på ett mycket mänskligt sätt - genom Kristi liv och hans lidande. Men sådana politiska abstraktioner som frihet, jämlikhet, broderskap har inget utseende. Och Delacroix är kanske den första och inte den enda som i allmänhet lyckades klara denna uppgift: vi vet nu hur frihet ser ut."

Ilya Doronchenkov

En av de politiska symbolerna i målningen är den frygiska mössan på flickans huvud, en permanent heraldisk symbol för demokrati. Ett annat talande motiv är nakenhet.

”Nakenhet har länge förknippats med naturlighet och med natur, och på 1700-talet tvingades denna association fram. Historien om den franska revolutionen känner till och med en unik föreställning när man är i katedralen Notre Dame i Paris naken fransk teater avbildat naturen. Och naturen är frihet, det är naturlighet. Och det är vad det visar sig, detta påtagliga, sensuella, attraktiv kvinna betecknar. Det betecknar naturlig frihet."

Ilya Doronchenkov

Även om denna målning gjorde Delacroix känd, togs den snart bort från synen under en lång tid, och det är tydligt varför. Åskådaren som står framför henne befinner sig i positionen som de som attackeras av Freedom, som attackeras av revolutionen. Den okontrollerbara rörelsen som kommer att krossa dig är väldigt obekväm att se.

Abstrakt

Den 2 maj 1808 bröt ett anti-napoleoniskt uppror ut i Madrid, staden var i händerna på demonstranter, men på kvällen den 3 pågick massavrättningar av rebeller i närheten av den spanska huvudstaden. Dessa händelser ledde snart till gerillakrigsföring, som varade i sex år. När det tar slut kommer målaren Francisco Goya att få två målningar i uppdrag för att föreviga upproret. Den första är "Upproret den 2 maj 1808 i Madrid."

"Goya skildrar verkligen ögonblicket då attacken började - det första slaget från Navajo som startade kriget. Det är denna komprimering av ögonblicket som är oerhört viktig här. Han verkar föra kameran närmare, från ett panorama han flyttar till ett exklusivt närbild, som inte heller fanns i sådan omfattning tidigare. Det finns en annan spännande sak: känslan av kaos och knivhugg är oerhört viktig här. Det finns ingen person här som du tycker synd om. Det finns offer och det finns mördare. Och dessa mördare med blodsprängda ögon, spanska patrioter, i allmänhet, är engagerade i slaktarens verksamhet."

Ilya Doronchenkov

På den andra bilden byter karaktärerna plats: de som är klippta på den första bilden, på den andra skjuter de de som klipper dem. Och gatustridens moraliska ambivalens ger vika för moralisk klarhet: Goya står på sidan av dem som gjorde uppror och dör.

"Fienderna är nu åtskilda. Till höger finns de som ska leva. Det här är en serie människor i uniform med vapen, absolut identiska, till och med mer identiska än Davids Horace-bröder. Deras ansikten är osynliga, och deras shakos får dem att se ut som maskiner, som robotar. Det här är inte mänskliga gestalter. De sticker ut i svart siluett i nattens mörker mot bakgrund av en lykta som svämmar över en liten glänta.

Till vänster finns de som kommer att dö. De rör sig, snurrar, gestikulerar och av någon anledning verkar det som att de är längre än sina bödlar. Även om den huvudsakliga central karaktär– en Madridman i orange byxor och vit skjorta står på knä. Han är fortfarande högre, han är en liten bit på backen."

Ilya Doronchenkov

Den döende rebellen står i Kristi ställning, och för större övertygelse skildrar Goya stigmata på sina handflator. Dessutom får konstnären honom att ständigt återuppleva den svåra upplevelsen av att se i sista stund innan avrättningen. Slutligen ändrar Goya förståelse historisk händelse. Före honom skildrades en händelse med dess rituella, retoriska sida, för Goya är en händelse ett ögonblick, en passion, ett icke-litterärt rop.

På den första bilden av diptyken är det tydligt att spanjorerna inte slaktar fransmännen: ryttarna som faller under hästarnas fötter är klädda i muslimska dräkter.
Faktum är att Napoleons trupper inkluderade en avdelning av Mamelukes, egyptiska kavallerimän.

”Det verkar konstigt att konstnären gör muslimska krigare till en symbol för den franska ockupationen. Men detta gör att Goya kan förvandla ett modernt evenemang till en länk i Spaniens historia. För varje nation som skapade sin identitet under Napoleonkrigen var det oerhört viktigt att inse att detta krig är en del av ett evigt krig för sina värderingar. Och ett sådant mytologiskt krig för det spanska folket var Reconquista, återerövringen av den iberiska halvön från de muslimska kungadömena. Även om Goya förblir trogen dokumentären, moderniteten, sätter han denna händelse i samband med den nationella myten, vilket får oss att inse kampen 1808 som evig kamp Spanjorer för det nationella och kristna."

Ilya Doronchenkov

Konstnären lyckades skapa en ikonografisk formel för utförande. Varje gång hans kollegor - vare sig det är Manet, Dix eller Picasso - tog upp ämnet avrättning, följde de efter Goya.

Abstrakt

1800-talets bildrevolution utspelade sig i landskapet ännu mer påtagligt än på händelsebilden.

”Landskapet förändrar optiken totalt. En person ändrar sin skala, en person upplever sig själv annorlunda i världen. Landskap är en realistisk representation av vad som finns omkring oss, med en känsla av den fuktbelastade luften och vardagliga detaljer som vi är nedsänkta i. Eller det kan vara en projektion av våra upplevelser, och sedan i solnedgångens skimmer eller i glädje solig dag vi ser vår själs tillstånd. Men det finns slående landskap som hör till båda lägena. Och det är faktiskt väldigt svårt att veta vilken som är dominerande."

Ilya Doronchenkov

Denna dualitet manifesteras tydligt i tysk konstnär Caspar David Friedrich: hans landskap berättar om Östersjöns natur och representerar samtidigt ett filosofiskt uttalande. Det finns en trög känsla av melankoli i Fredriks landskap; personen i dem tränger sällan längre än till bakgrunden och har vanligtvis ryggen vänd mot betraktaren.

Hans senaste målning, Ages of Life, visar en familj i förgrunden: barn, föräldrar, en gammal man. Och vidare, bakom det rumsliga gapet - solnedgångshimlen, havet och segelbåtar.

"Om vi ​​tittar på hur den här duken är byggd kommer vi att se ett slående eko mellan rytmen mänskliga gestalter i förgrunden och segelbåtarnas rytm till havs. Här är höga figurer, här är låga figurer, här är stora segelbåtar, här är båtar under segel. Naturen och segelbåtarna är det som kallas sfärernas musik, den är evig och oberoende av människan. Mannen i förgrunden är hans yttersta väsen. Friedrichs hav är ofta en metafor för annat, döden. Men döden för honom, en troende, är ett löfte evigt liv, som vi inte känner till. Dessa människor i förgrunden - små, klumpiga, inte särskilt tilltalande skrivna - upprepar med sin rytm rytmen från en segelbåt, som en pianist upprepar sfärernas musik. Det här är vårt mänsklig musik, men det hela rimmar med just den musik som naturen är fylld av för Friedrich. Därför förefaller det mig som om Friedrich i denna målning inte lovar ett paradis efter detta, utan att vår ändliga existens fortfarande är i harmoni med universum.”

Ilya Doronchenkov 

Abstrakt

Efter den stora franska revolutionen folk insåg att de hade ett förflutet. 1800-talet, genom ansträngningar av romantiska esteter och positivistiska historiker, skapade modern idé berättelser.

”1800-talet skapade det historiska måleriet som vi känner det. Inte abstrakta grekiska och romerska hjältar, som agerar i en ideal miljö, styrd av idealiska motiv. Historia XIXårhundradet blir teatraliskt melodramatiskt, det kommer närmare människan, och vi kan nu känna empati inte med stordåd, utan med olyckor och tragedier. Varje europeisk nation skapade sin egen historia på 1800-talet, och när den konstruerade historien skapade den i allmänhet sina egna porträtt och planer för framtiden. I denna mening är europeiskt historiskt måleri från 1800-talet fruktansvärt intressant att studera, även om det enligt min mening inte lämnade, nästan inga, verkligt stora verk. Och bland dessa stora verk ser jag ett undantag, som vi ryssar med rätta kan vara stolta över. Det här är "The Morning of the Streltsy Execution" av Vasily Surikov.

Ilya Doronchenkov

1800-talets historiemålning, fokuserad på ytlig sanning, följer vanligtvis en enda hjälte som vägleder historien eller lider nederlag. Surikovs målning här är ett slående undantag. Dess hjälte är en folkmassa i färgglada kläder, som upptar nästan fyra femtedelar av bilden; Detta gör att målningen framstår som påfallande oorganiserad. Bakom den levande, virvlande folkmassan, av vilka några snart kommer att dö, står den brokiga, böljande St. Basil's Cathedral. Bakom den frusna Peter, en rad av soldater, en rad av galgar - en rad av pansar av Kremlmuren. Bilden cementeras av duellen av blickar mellan Peter och den rödskäggige bågskytten.

”Mycket kan sägas om konflikten mellan samhället och staten, folket och imperiet. Men jag tror att det finns några andra betydelser av det här stycket som gör det unikt. Vladimir Stasov, en promotor för Peredvizhnikis arbete och en försvarare av rysk realism, som skrev många onödiga saker om dem, sa mycket bra om Surikov. Han kallade målningar av detta slag för "kör". De saknar faktiskt en hjälte - de saknar en motor. Människorna blir motorn. Men i den här bilden syns folkets roll väldigt tydligt. Joseph Brodsky sa vackert i sin Nobelföreläsning att den verkliga tragedin inte är när en hjälte dör, utan när en kör dör.”

Ilya Doronchenkov

Händelser äger rum i Surikovs målningar som mot deras karaktärers vilja - och i detta ligger konstnärens historieuppfattning uppenbarligen nära Tolstojs.

"Samhället, folket, nationen i den här bilden verkar splittrat. Peters soldater i uniformer som ser ut att vara svarta och bågskyttarna i vitt kontrasteras som gott och ont. Vad förbinder dessa två ojämlika delar av kompositionen? Det här är en bågskytt i vit skjorta som går till avrättning, och en soldat i uniform som stöttar honom vid axeln. Om vi ​​mentalt tar bort allt som omger dem kommer vi aldrig i våra liv att kunna föreställa oss att denna person leds till avrättning. Det här är två vänner som återvänder hem, och den ena stöder den andra med vänskap och värme. När Petrusha Grinev i „ Kaptenens dotter"Pugacheviterna hängde på dem, de sa: "Oroa dig inte, oroa dig inte," som om de verkligen ville muntra upp dig. Denna känsla av att ett folk som är splittrat av historiens vilja samtidigt är broderligt och enat är en fantastisk egenskap hos Surikovs duk, som jag inte heller känner någon annanstans.”

Ilya Doronchenkov 

Abstrakt

Inom måleriet spelar storleken roll, men alla motiv kan inte avbildas på en stor duk. Olika målartraditioner avbildade bybor, men oftast - inte i stora målningar, men det är precis vad "Begravning på Ornans" av Gustave Courbet är. Ornans är en rik provinsstad där konstnären själv kommer ifrån.

”Courbet flyttade till Paris, men blev inte en del av det konstnärliga etablissemanget. Han fick ingen akademisk utbildning, men han hade en kraftfull hand, ett mycket segt öga och stor ambition. Han kände sig alltid som en provinsial och han var bäst hemma i Ornans. Men han levde nästan hela sitt liv i Paris, kämpade med konsten som redan höll på att dö, kämpade med konsten som idealiserar och talar om det allmänna, om det förflutna, om det vackra, utan att lägga märke till nuet. Sådan konst, som snarare berömmer, som snarare gläder, finner i regel en mycket stor efterfrågan. Courbet var verkligen en revolutionär inom måleriet, även om denna revolutionära karaktär av honom nu inte är särskilt tydlig för oss, eftersom han skriver livet, han skriver prosa. Det viktigaste som var revolutionerande med honom var att han slutade idealisera sin natur och började måla den precis som han såg den, eller som han trodde att han såg den.”

Ilya Doronchenkov

I den gigantiska målningen, nästan full längd ett femtiotal personer är avbildade. De är alla riktiga människor, och experter har identifierat nästan alla begravningsdeltagare. Courbet målade sina landsmän, och de var glada över att ses på bilden precis som de var.

”Men när den här målningen ställdes ut 1851 i Paris skapade den en skandal. Hon gick emot allt som den parisiska allmänheten var van vid i det ögonblicket. Hon förolämpade konstnärer med bristen på en tydlig komposition och grov, tät impastomålning, som förmedlar sakers materialitet, men inte vill vara vacker. Hon skrämde den vanliga människan av att han inte riktigt kunde förstå vem det var. Uppbrottet i kommunikationen mellan åskådarna i provinsen Frankrike och parisarna var slående. Parisare uppfattade bilden av denna respektabla, rika skara som en bild av de fattiga. En av kritikerna sa: "Ja, det här är en skam, men det här är provinsens skam, och Paris har sin egen skam." Fullighet betydde faktiskt den största sanningshalten.”

Ilya Doronchenkov

Courbet vägrade att idealisera, vilket gjorde honom till en sann avantgarde av 1800-talet. Han fokuserar på franska populära tryck och holländska gruppporträtt, och för forntida högtidlighet. Courbet lär oss att uppfatta moderniteten i dess unikhet, i dess tragedi och i dess skönhet.

”Franska salonger kände till bilder av hårt bondearbete, fattiga bönder. Men skildringssättet var allmänt accepterat. Bönderna behövde få medlidande, bönderna behövde sympatiseras med. Det var en lite uppifrån och ner vy. En person som sympatiserar är per definition i en prioriterad position. Och Courbet berövade sin tittare möjligheten till sådan nedlåtande empati. Hans karaktärer är majestätiska, monumentala, de ignorerar sina tittare, och de tillåter inte en sådan kontakt med dem, vilket gör dem till en del av den välbekanta världen, de bryter mycket kraftfullt stereotyper."

Ilya Doronchenkov 

Abstrakt

1800-talet älskade inte sig självt, föredrar att leta efter skönhet i något annat, vare sig det var antiken, medeltiden eller östern. Charles Baudelaire var den förste som lärde sig att se modernitetens skönhet, och det förkroppsligades i målning av konstnärer som Baudelaire inte var avsedd att se: till exempel Edgar Degas och Edouard Manet.

"Manet är en provokatör. Manet är samtidigt en lysande målare, vars färger charm, färger paradoxalt nog kombinerade, tvingar betraktaren att inte fråga sig själv uppenbara frågor. Om vi ​​tittar noga på hans målningar kommer vi ofta att tvingas erkänna att vi inte förstår vad som förde dessa människor hit, vad de gör bredvid varandra, varför dessa föremål hänger ihop på bordet. Det enklaste svaret: Manet är först och främst en målare, Manet är först och främst ett öga. Han är intresserad av kombinationen av färger och texturer, och den logiska sammankopplingen av föremål och människor är det tionde. Sådana bilder förvirrar ofta tittaren som letar efter innehåll, som letar efter berättelser. Manet berättar inga historier. Han kunde ha förblivit en så otroligt noggrann och utsökt optisk apparat om han inte hade skapat sitt sista mästerverk redan under de åren då han var i greppet av en dödlig sjukdom.”

Ilya Doronchenkov

Målningen "Bar at the Folies Bergere" ställdes ut 1882, fick först förlöjligande av kritiker och blev sedan snabbt erkänd som ett mästerverk. Dess tema är en café-konsert, ett slående fenomen i det parisiska livet under andra hälften av seklet. Det verkar som att Manet levande och autentiskt fångade Folies Bergeres liv.

"Men när vi börjar titta närmare på vad Manet gjorde i sin målning kommer vi att förstå att det finns ett stort antal inkonsekvenser som är omedvetet störande och som i allmänhet inte får en tydlig lösning. Tjejen vi ser är en försäljare, hon måste använda sin fysiska attraktionskraft för att få kunderna att sluta, flirta med henne och beställa mer drinkar. Under tiden flirtar hon inte med oss, utan tittar igenom oss. Det står fyra flaskor champagne på bordet, varma – men varför inte i is? I spegelbild dessa flaskor är inte på samma kant av bordet som de är i förgrunden. Glaset med rosor ses från en annan vinkel än alla andra föremål på bordet. Och flickan i spegeln ser inte precis ut som flickan som tittar på oss: hon är tjockare, hon har mer rundade former, hon lutar sig mot besökaren. I allmänhet beter hon sig som den vi tittar på ska bete sig.”

Ilya Doronchenkov

Feministisk kritik uppmärksammade det faktum att flickans kontur liknar en flaska champagne som står på disken. Detta är en träffande observation, men knappast uttömmande: bildens melankoli och hjältinnans psykologiska isolering står emot en rak tolkning.

"Dessa optiska plotter och psykologiska mysterier målningarna, som inte verkar ha något definitivt svar, tvingar oss att närma oss det igen varje gång och ställa dessa frågor, undermedvetet genomsyrade av den där känslan av det vackra, sorgliga, tragiska, vardagliga moderna liv som Baudelaire drömde om och som Manet lämnade framför oss. evigt."

Ilya Doronchenkov 

Edouard Manet - Bar på Folies-Berge 1882

Bar i Folies-Berge
1882 96x130cm duk/olja
Courtauld Institute of Art, London, Storbritannien

Från boken av John Rewald. "Impressionismens historia" På salongen 1882 ställde Manet, nu utanför konkurrens, ut hela bilden"Bar at the Folies Bergere", en imponerande komposition skriven med extraordinär virtuositet. Han visade återigen kraften i sin pensel, subtiliteten i sina observationer och modet att inte följa mallen. Liksom Degas fortsatte han att visa ett bestående intresse för samtida teman (han planerade till och med att måla en lokförare), men närmade sig dem inte som en kall observatör, utan med den ivriga entusiasmen hos en utforskare av nya livsfenomen. Förresten, Degas gillade honom inte sista bilden och kallade det "tråkigt och sofistikerat". "The Bar at the Folies Bergere" kostade Manet en hel del möda, då han började lida svårt av ataxi. Han blev besviken när allmänheten återigen vägrade att förstå hans bild och uppfattade bara handlingen och inte skickligheten att avrätta.
I ett brev till Albert Wolff kunde han inte motstå att deklarera, halvt på skämt och halvt allvar: "Jag skulle trots allt inte ha något emot att läsa, medan jag fortfarande lever, den magnifika artikel som du kommer att skriva efter min död."

Efter stängningen av salongen, förklarades Manet slutligen officiellt som Chevalier of the Legion of Honor. Hur stor hans glädje än var, så blandades en del bitterhet med den. När kritikern Chesnault gratulerade honom och också gav honom vänliga hälsningar Greve Ryuwerkerke, svarade Manet skarpt: "När du skriver till greve Ryuwerkerke kan du säga till honom att jag uppskattar hans ömma uppmärksamhet, men att han själv hade möjlighet att ge mig denna belöning. Han kunde ha gjort mig lycklig, och nu är det för sent att kompensera för tjugo års misslyckande..."

Det efterlängtade andra priset för porträttet av en lejonjägare delas ut. Pertuise. Därefter står Manet utanför konkurrensen och kan ställa ut sina målningar utan något tillstånd från Salongens jury.
Manne bestämmer sig för att göra något helt ovanligt för Konstsalongen i början av 1882, där hans målningar kommer att dyka upp med ett speciellt märke ”V. TILL".
Tror du på astrologi och stjärnspådom? Miljontals människor litar på prognoserna från olika astrologer. Gurun bland sådana prediktorer är Pavel Globa. Ingen vet mer om vad stjärnorna lovar oss än Globa.
Den efterlängtade berömmelsen kommer äntligen till honom, men hans sjukdom fortskrider obönhörligt och han vet om det och därför gnags han av melankoli. Mane försöker stå emot en allvarlig sjukdom. Kommer han verkligen inte att kunna övervinna sjukdomen?
Mane bestämmer sig för att samla all sin kraft och vilja, de försöker fortfarande att begrava honom. Han kan ses på New Athens Café, på Bud Café, på Tortoni's, på Folies Bergere och hos sina flickvänner. Han försöker alltid skämta och vara ironisk, har roligt om sina "svagheter" och skämtar om benet. Manet bestämmer sig för att genomföra sin nya idé: att måla en scen från vardagen i Paris och skildra utsikten över den berömda baren Folies Bergere, där den underbara flickan Suzon står bakom disken, framför många flaskor. Flickan är känd för många vanliga besökare i baren.
Målning "Baren på Folies Bergere"är ett verk av extraordinärt mod och pittoresk subtilitet: en blond tjej står bakom baren, bakom henne finns en stor spegel som reflekteras i Stor hall anläggningar med en offentlig plats i dem. Hon bär en svart sammetsdekoration på halsen, blicken är kall, hon är förtrollande orörlig, hon ser likgiltigt på omgivningen.
Denna komplexa handling av duken går framåt med stor svårighet. Konstnären kämpar med den och gör om den många gånger. I början av maj 1882 färdigställde Manet målningen och blev glad när han betraktade den i Salongen. Ingen skrattar längre åt hans målningar, i själva verket ses hans målningar med stort allvar och folk börjar argumentera om dem som verkliga konstverk.
Din sista biten"The Bar at the Folies Bergere" skapades som om han tog farväl av livet som han värderade så mycket, som han beundrade så mycket och som han tänkte mycket på. Verket absorberade allt som konstnären letat efter och hittat så länge i ett omärkligt liv. De bästa bilderna vävs samman för att förkroppsligas i denna unga flicka som står i en bullrig parisisk krog. I denna anläggning söker människor glädje genom att kontakta sin egen snälla, skenbara nöje och skratt härskar här, en ung och känslig mästare avslöjar bilden av ett ungt liv som är nedsänkt i sorg och ensamhet.
Det är svårt att tro att detta verk skrevs av en döende konstnär, till vilken varje rörelse av hans hand orsakade smärta och lidande. Men redan före sin död förblir Edouard Manet en riktig fighter. Han fick gå igenom en svår livsväg innan han upptäckte den sanna skönheten som han hade letat efter hela sitt liv och fann den i vanligt folk, fann i deras själ en inre rikedom som han gav sitt hjärta till.

Komplott

Större delen av duken är upptagen av en spegel. Det är inte bara ett inredningsobjekt som ger djup till bilden, utan deltar aktivt i handlingen. I dess reflektion ser vi vad som händer med huvudkaraktären i verkligheten: buller, ljusspel, en man som tilltalar henne. Det Manet visar som verklighet är Suzons drömvärld: hon är nedsänkt i sina tankar, fristående från kabaréns liv - som om den omgivande hålan inte berör henne alls. Verkligheten och drömmen bytte plats.

Skiss av en målning

Barmaids reflektion skiljer sig från hennes verkliga kropp. I spegeln verkar flickan mättare, hon lutade sig mot mannen och lyssnade på honom. Kunden betraktar som en produkt inte bara det som visas på disken, utan också flickan själv. Champagneflaskorna antyder detta: de hör hemma i en hink med is, men Manet lämnade dem så att vi kan se hur deras form liknar figuren av en tjej. Du kan köpa en flaska, du kan köpa ett glas eller så kan du köpa någon som tar upp den här flaskan åt dig.

Bardisken påminner om stilleben i vanitas-genren, som utmärkte sig genom en moraliserande stämning och påminde om att allt världsligt är övergående och förgängligt. Frukter är en symbol för hösten, en ros är en symbol för köttsliga nöjen, flaskor är en symbol för nedgång och svaghet, blekande blommor är en symbol för död och blekande skönhet. Ölflaskor med Bass-etiketter indikerar att britterna var frekventa gäster på denna anläggning.

Bar på Folies Bergere, 1881

Elektrisk belysning, så ljust och tydligt avbildad på bilden, är kanske den första sådana bilden. Sådana lampor blev bara en del av vardagen på den tiden.

Sammanhang

Folies Bergere är en plats som återspeglade tidsandan, andan i det nya Paris. Det var cafékonserter, anständigt klädda män och oanständigt klädda kvinnor strömmade hit. I sällskap med damer av demimonde drack och åt herrarna. Under tiden pågick ett framträdande på scenen, nummer avlöste varandra. Anständiga kvinnor kunde inte förekomma i sådana anläggningar.

Förresten, Folies Bergere öppnade under namnet Folies Trevize - detta antydde för kunderna att "i Trevizes lövverk" (som namnet översätts) kan man gömma sig från påträngande blickar och njuta av nöje och nöje. Guy de Maupassant kallade de lokala barpigorna "försäljare av drinkar och kärlek."

Folies Bergere, 1880

Manet var stammis på Folies Bergere, men han målade bilden inte på själva kafékonserten utan i studion. I kabarén gjorde han flera sketcher, Suzon (hon jobbade förresten faktiskt på en bar) och hans vän, krigskonstnären Henri Dupre, poserade i ateljén. Resten rekonstruerades från minnet.

"Bar at the Folies Bergere" var den sista hela bilden konstnären, som dog ett år efter dess färdigställande. Behöver jag säga att allmänheten bara såg inkonsekvenser och brister, anklagade Manet för amatörism och ansåg att hans målning åtminstone var märklig?

Konstnärens öde

Manet, som tillhörde det höga samhället, var ett enfant terrible. Han ville inte lära sig någonting, hans framgång var medioker i allt. Fadern var besviken över sin sons beteende. Och efter att ha lärt sig om sin passion för måleri och sina ambitioner som konstnär, befann han sig på gränsen till katastrof.

En kompromiss hittades: Edward gav sig ut på en resa, som var tänkt att hjälpa den unge mannen att förbereda sig för att gå in i sjöfartsskola(där, måste jag säga, han inte kunde komma dit första gången). Emellertid återvände Manet från sin resa till Brasilien inte med en sjömans skapelser, utan med skisser och skisser. Den här gången stödde fadern, som gillade dessa verk, sin sons hobby och välsignade honom med livet som konstnär.

, 1863

Tidiga verk talade om Manet som lovande, men han saknade sin egen stil och ämnen. Snart fokuserade Edward på det han kände och älskade mest – livet i Paris. Medan han gick skissade Manet scener från livet. Samtiden uppfattade inte sådana skisser som seriös målning, eftersom de trodde att sådana teckningar endast var lämpliga för illustrationer i tidningar och rapporter. Senare skulle detta kallas impressionism. Under tiden bevisar Manet, tillsammans med likasinnade – Pissarro, Cézanne, Monet, Renoir, Degas – sin rätt till fri kreativitet inom ramen för den Batignolles-skola de skapade.

, 1863

Något sken av Manets erkännande dök upp på 1890-talet. Hans målningar började förvärvas i privata och offentliga samlingar. Men vid den tiden var konstnären inte längre vid liv.