Jean-Christophe Maillot: ”I förhållandet mellan en man och en kvinna är det värsta tristess. Biografi Jean Christophe Maillot koreograf
Allt som händer på Monte-Carlo Ballet Theatre verkar viktigt och nära oss – trots allt är det regisserat av Jean-Christophe Maillot, koreografen som vi blev kära i vid första ögonkastet när vi såg hans balett Daphnis and Chloe tillbaka i 2012. Sedan satte han upp The Taming of the Shrew på Bolsjojteatern, och den här säsongen visade han oss Askungen (i St. Petersburg) och Skönhet (i Moskva). Jean-Christophe - intressant personlighet och charmig person. I en intervju med Olga Rusanova berättade han om sitt intresse för handlingslösa baletter, Marius Petipa och hur det är att vara koreograf i lilla Monaco.
Abstraktion är livet?
Allmänheten känner väl till mina ämnesbaletter, och detta, verkligen, en viktig del min kreativitet. Men jag får också stor glädje av att skapa rena rörelser som är relaterade till musik. Ja, den här konsten verkar vara abstrakt, men jag tror inte att det finns något helt abstrakt, eftersom allt som en person gör bär på någon form av känsla, känsla. Jag älskar också att utforska detta mycket specifika förhållande mellan rörelse och musik. Och när jag inte behöver hålla mig till historien kan jag vara mer vågad, till och med ta risker i att forska i koreografin. Det här är ett slags laboratorium som fängslar mig. Och detta är också en viktig del av mitt arbete, kanske mindre känt, men det innehåller, om man så vill, essensen av balett, rörelse som sådan.
Min sista balett, Abstraction/Life, skapades till helt ny musik - en cellokonsert fransk kompositör Bruno Mantovani med titeln "Abstraktion". Det är ett mycket stort partitur - nästan 50 minuter - och jag är inspirerad av idén att arbeta med en kompositör.
Jag gillade förstås också att arbeta med Sjostakovitjs musik – jag menar baletten "The Taming of the Shrew", när jag från hans verk liksom skapade ett nytt partitur till en balett som inte fanns i verkligheten. Men ändå, när en kompositör komponerar speciellt för mig är det en helt annan sak. Dessutom består denna balettkväll av två delar - i den första delen finns George Balanchines balett till musiken av Stravinskys violinkonsert. Låt mig påminna dig om Balanchines fras: "Jag försöker lyssna på dansen och se musiken." Så jag, efter Balanchine, vill få musiken att synas. Ofta samtida musik svårt att förstå på egen hand. Och dans, rörelse gör det så att säga möjligt att "återuppliva" det, att göra det mer naturligt för uppfattningen. tiya. Vid det här laget händer det verkligen något. ett mirakel... I allmänhet, som koreograf, komponerar jag alltid en dans tillsammans med musik, jag kan inte föreställa mig ett enda steg, en enda rörelse utan det, för enligt min mening är musik en konst av högsta klass , alltid riktad till känslor, även om det är komplext, obegripligt. Och det är dansen, kroppens rörelse som kan förmedla denna känsla, hur man berättar det, och det här, ser du, berör.
Och vidare. Konstnären ska vara ett vittne till den tid han lever i, att ge information om verkliga världen. Jag pratade om detta med författaren till konserten, Bruno Mantovani. Hans musik är ibland för komplicerad, tuff, som man hörde. Han sa: "På 1900-talet, och ännu mer idag, finns grymhet överallt. Världen växer, det blir fler och fler människor. Många rädslor, frågor, förvirring... Jag kan inte skriva mjuk, öm musik, jag måste spegla verkligheten."
Petipa, Diaghilev och Instagram
Petipa är något exceptionellt, speciellt, unikt. Då fanns det inga andra koreografer som han. Jag tror att han är en av de första som fått begreppet dans som ett självförsörjande språk, till vilket inget behöver tänkas ut, tillagt. Egentligen räcker balett i hans fall för att bygga en föreställning.
Varför pratar vi fortfarande om Petipa? ”För att det är kärnan i allt som är balett. Ingen skulle vara där han är idag om inte för det Petipa gjorde. Det är utgångspunkten, starten på den kunskap om balett som vi har idag. Och eftersom han steg över år, århundraden, generationer, betyder det att han var något mycket viktigt, och detta är uppenbart.
Och idag, när vi skapar en stor handlingsbalett, tänker vi fortfarande på Svansjön, eftersom detta är grunden för klassisk balett, som varje koreograf förlitar sig på. Det var den första sådan bas att bygga vidare på ett nytt koncept, en ny stil tänkande, nya idéer. På den tiden fanns det ingen video, film, vi hade bara dansens mycket specifika förmåga att överföra denna kunskap genom tiden, genom generationer.
Jo, Petipas fenomen är också intressant som exempel på kulturers inträngning. Hans baletter har under många år visat att dans är en utmärkt bas för kommunikation i internationell skala, eftersom den är vår ömsesidigt språk. När jag kom till Bolsjojteatern och arbetade med truppens solister kunde jag inte låta bli att tänka på Petipa, på hur den här franske killen kom från Marseille till Ryssland och efter att ha träffat den ryska kulturen försökte ryska dansare att kombinera båda kulturer.
Detta är mycket viktigt att komma ihåg, särskilt idag, eftersom kulturella skillnader sakta försvinner. Vi smälter mer och mer in i varandra, blandas. Det verkar som om vi ganska nyligen, om vi inte såg våra kollegor på 5–6 år, inte visste vad de gjorde, och nu, tack vare sociala nätverk och Instagram, flödar information ständigt. Allt verkar hända överallt på samma gång. Detta är både bra och dåligt.
Jag tänker: vad skulle hända med Grigorovich om Facebook och allt det där fanns då, om han visste vad Trisha Brown gjorde i New York samtidigt? Skulle allt i hans baletter vara sig likt? Inte troligt, och vi kunde nog bara ångra det.
Ryska dansares sätt var ursprungligen helt annorlunda än franska och amerikanska, men tiden går, och du förstår att det som var annorlunda för 20 år sedan nu alltmer utplånas, upplöses, dras närmare. Och det ser jag i mitt sällskap, där representanter för olika nationaliteter dansar.
Allmänheten i tänkande, stil, estetik – ja, på något sätt är det jättebra, men gradvis kommer vi att förlora vår identitet. Omedvetet kopierar vi varandra mer och mer. Och kanske var det Petipa som var en av de första som provocerade fram denna process. Det var han som, efter att ha lämnat Frankrike, förde sin kultur till ett annat land, till Ryssland. Och kanske var det därför hon blev så extraordinär...
Generellt sett tror jag att varje konstnärs uppgift är att referera till det som gjordes före dig, att känna till arvet, att behandla det med respekt och nyfikenhet. Att kunna historia är väldigt viktigt, men samtidigt måste man någon gång "glömma" denna kunskap för att kunna gå vidare. Jag får ofta frågan om truppen Russian Seasons av Sergei Diaghilev, som arbetade i Monte Carlo, där vår teater är verksam. Naturligtvis var det ett högst intressant fenomen när kompaniet samlade kompositörer, artister, koreografer, gav två eller tre baletter per kväll. Idag gör många detta, men då var de först. För mig är Diaghilevs Ryska årstider inte mindre viktig än Petipas.
Bezharovsky dansare
Jag växte upp i en teaterfamilj. Min pappa var scenograf på Opera- och Balettteatern. Hemma, i Touren, samlades sångare, dansare, regissörer, man kan säga att jag är född och uppvuxen på teatern. Jag hängde där i timmar. Det är därför jag inte gillar opera tidiga år sett henne för mycket. Samtidigt skulle jag inte säga att jag växte upp i dansens värld, snarare i en konstnärlig miljö. Under lång tid kunde jag inte riktigt betrakta mig själv som en specialist inom dansområdet - förrän vid 32 års ålder.
Jag var dansare - jag studerade på konservatoriet i Tours, sedan i Cannes. Jag kunde inte mycket om dans, jag undrade alltid mer över livet än om koreografins historia. Jag minns hur jag som barn blev imponerad av Maurice Béjart, särskilt av hans pjäs Nijinsky, Guds clown. Och när jag var på gården (och jag växte inte upp i mitt mest respektabla område hemstad Tura) frågade pojkarna: "Vad är du för slags dansare? Klassiskt eller Bezharovsky?”, svarade jag: ”Bezharovsky”. Annars hade de förmodligen inte förstått mig, och kanske hade de slagit mig. Vi växte upp i en kultur av det populära snarare än klassisk dans.
Sedan började jag lära mig något viktigt om balett, främst genom dansarna: Jag pratar om Baryshnikov i Giselle, Makarova i Svansjön. Jag upptäckte Balanchine och vi satte upp nitton av hans baletter i vårt sällskap.
Huvudsaken är dansarna
Jag upptäckte verkligen Yuri Grigorovich 2012 när jag såg hans balett Ivan the Terrible. Jag blev slagen, fängslad. Det som imponerade mest på mig var inte ens koreografin – väldigt intressant i sig, utan dansarna, deras engagemang, tro på det de gör. Det berörde mig. Och jag insåg igen att dansarna är det viktigaste inom balett. Ja, visst, de behöver en koreograf, men en koreograf utan dansare är ingen. Vi får inte glömma det. Om du vill är det här min besatthet. Mitt jobb är att vara i studion med människor – speciella människor: sköra, sårbara och väldigt ärliga, även när de ljuger. Jag är alltid intresserad av artisterna som jag delar musik med, dansspråket genom vilket de kan uttrycka vad vi känner tillsammans. Och vi hoppas alltid att denna uppsjö av känslor ska överföras från scenen till salen och förena oss alla tillsammans.
Glad i isolering
Jag känner mig inte särskilt kopplad till balettvärlden: här i Monaco är jag typ "isolerad". Men jag gillar det här stället för att det ser ut som jag. Det här landet är speciellt - väldigt litet, två kvadratkilometer totalt, men alla vet om det. Monaco är en mycket förförisk plats: det finns inga strejker, sociala och ekonomiska problem, inga konflikter, inga fattiga, arbetslösa. Prinsessan Caroline av Monaco har gett mig den underbara möjligheten att arbeta här i 25 år. Jag är inte en del av mäktiga institutioner som Kunglig balett, Stor teater, Paris Opera, en del av internationella företag. Jag är ensam, men jag kan ta hit hela världen.
Och att vara här "i isolering", jag är glad. Och om balettvärlden i morgon tillkännager en bojkott av mig är det okej, jag kommer att jobba här. Varken prinsen eller prinsessan säger någonsin till mig: "Du måste göra det och det." Jag har en underbar möjlighet att vara ärlig, oberoende, fri. Jag kan göra vad jag vill: sätta upp föreställningar, hålla festivaler.
Det finns ingen annan teater i Monaco. Och jag strävar efter att ge den lokala allmänheten så mycket som möjligt, inte att begränsa det till repertoaren på Monte-Carlo Balett Theatre. Om de alla dessa år bara såg våra baletter skulle det betyda att jag lurar allmänheten om vad som händer i balettvärlden. Min uppgift är att ta hit klassiska, moderna kompanier och andra koreografer. Jag vill att människorna som bor här ska ha samma möjligheter som parisare och moskoviter. Så jag måste göra allt på en gång: att vara engagerad i att iscensätta baletter, såväl som turnéer, festivaler och även Balettakademin. Men min uppgift var att hitta en professionell regissör, inte att göra jobbet åt honom, utan att stödja honom.
I allmänhet, desto mer begåvade människor omkring dig - desto mer intressant och lättare är det för dig att utföra ditt jobb. jag gillar smarta människor i närheten - de gör dig smartare.
Jag hatar tanken på att regissören måste vara ett monster, visa styrka, göra folk rädda om sig själva. Det är inte svårt att utöva makt över människor som är praktiskt taget nakna framför dig varje dag. Men det här är väldigt utsatta, osäkra människor. Och du kan inte missbruka din makt. Och jag älskar dansare, jag sympatiserar även med de svaga, för det har de specialarbete. Du ber en artist att mogna vid tjugo, men vanligt folk det kommer först vid fyrtio, och det visar sig att när verklig mognad kommer till dansaren, "går" kroppen.
Vårt företag - jag kommer inte att säga "familj", eftersom artisterna inte är mina barn - det här är ett företag av likasinnade. Jag har aldrig haft ett förhållande med en trupp där rädsla, ilska, konflikter skulle leva. Det är inte mitt.
Att vara koreograf innebär att koppla samman människor med olika skolor, olika mentaliteter, så att de skapar en föreställning, och samtidigt vet man, i processen att skapa, aldrig exakt vem som kommer att visa sig vara den viktigaste länken i resultatet. . Det är alltid en laginsats.
Denna trupp har historiska, gamla förbindelser med Ryssland. En gång i furstendömet Monaco placerade Sergei Diaghilev basen för sitt stjärnföretag. Efter impresariots död föll truppen ibland isär, förenades sedan igen, men som ett resultat dök den ryska baletten av Monte Carlo upp, där Leonid Myasin arbetade, som behöll Diaghilevs rariteter och skapade hans berömda föreställningar. Efter spelhus och bilracing vann, och baletten gick i skymundan, även om truppen formellt existerade fram till början av 60-talet. 1985 togs "Terpsichores barn" under beskydd av det styrande huset i Monaco. Ordet "ryska" uteslöts från namnet, personalen rekryterades, och resultatet blev den officiella truppen i Furstendömet Monaco "Ballet de Monte Carlo". I början av 90-talet bjöd prinsessan Caroline av Hannover in Jean-Christophe Maillot att gå med i laget som art director, som redan hade erfarenhet som solist med Hamburgbaletten och teaterchef i Tours. Idag är en av de rikaste europeiska trupperna här. I två decennier har Mayo, skaparen av sin egen teater och en vän till prinsessan Caroline, satt upp föreställningar endast med likasinnade artister, och de förstår honom perfekt. Koreografens internationella debut kommer att äga rum på Bolsjojteatern, och vi frågade Jean-Christophe Maillot själv om hans förberedelser.
kultur: Hur lyckades Bolsjojteatern övertala dig - en hemmakropp - att sätta upp?
Mayo: Jag är inte så hemsk, vi turnerar mycket. Men jag komponerar baletter bara på min inhemska teater, här har du rätt. Och med Bolsjoj - Sergej Filin övertalade tålmodigt. Han talade till mig som jag talar till koreografer när jag vill att de ska scena i Monaco. Han erbjöd sig att komma till Moskva för att bekanta sig med truppen. Konstnärer Bolsjojteatern visade fragment av Svansjön i Monte Carlo: Jag såg dem, de tittade på hur jag arbetar. Vid något tillfälle tänkte jag att det kanske verkligen var dags att chansa och försöka iscensätta något utanför Monaco. Erbjud något Bolsjojteatern - fantastiskt! Dessutom mår jag bra i Ryssland, och de ålägger mig ingenting - satsa vad du vill.
kultur: Varför önskade de sig "The Taming of the Shrew"?
Mayo: För mig är balett erotisk konst, och The Taming är Shakespeares sexigaste pjäs, skriven med ironi, humor och en hälsosam dos cynism. Samtalet om förhållandet mellan en man och en kvinna ligger mig nära.
kultur: Du upprepade flera gånger att kvinnor starkare än män. Tror du verkligen det?
Mayo: Ja, även om damerna fortfarande behöver oss.
kultur: I denna Shakespeare-berättelse lyfter regissörer ofta fram temat kvinnors frigörelse.
Mayo: Kvinnans ställning har lyckligtvis förändrats mycket. Men ändå existerar machismo och det maskulinas dominans i samhället. Jag ville visa att män ändå inte kan leva utan kvinnor. De springer efter damerna, inte tvärtom. Vad är förhållandet mellan Petruchio och Katarina? Detta är förhållandet mellan två personer som inte kan kontrollera passionen och begäret som har gripit dem. De har lärt känna kärleken som blåser huvudet och trotsar förnuftet. I The Shrew är frågan inte hur en kvinna blir lydig, utan hur en man i slutändan är redo att acceptera allt från en kvinna om han är kär. Då kan hon verkligen göra allt - en man blir svag under inflytande av kvinnliga charm.
kultur: På repetitionen citerade du en vän till dig som beklagade: "Vi drömmer alltid om att gifta oss med en älskarinna, men det visar sig att vi gifte oss med vår fru." Skulle det inte vara samma sak för Petruchio och Katarina?
Mayo: Jag tror inte att de kommer att ingå i hushållens tuggummi. Det är flera par i pjäsen. Bianca och Lucentio älskar också varandra, de dansar vackert, vi ser deras ömsesidiga ömhet. I finalen finns det en liten scen med tedrickande: Lucentio ger Bianca en kopp, och hon kastar den i ansiktet på honom, eftersom det verkar för henne att teet är dåligt. Det är här vi förstår att Lucentio redan är med sin fru, och inte med sin älskare. Och Petruchio och Katarina, som lämnar scenen, höjer samtidigt sina händer för att ge varandra en lekfull pendel. Och det verkar för mig att i en sådan underbar relation kommer de att tillbringa hela sitt liv.
kultur: Dina baletter innehåller ofta självbiografiska motiv. Är de med i "Taming ..."?
Mayo: Det här är lite av min historia - jag är kär i den envisa och har bott med henne i tio år nu. Hon tämjde mig. Vi bråkar aldrig eller ens bråkar, men vi provocerar hela tiden varandra. Ett sådant spel med katt och råtta, och det låter dig inte bli uttråkad. Tristess är det värsta i livet för en man och en kvinna. Man kan reta varandra, missköta sig, vara i eufori, vara inbilska, argumentera, men bara inte bli uttråkad.
kultur: Bernice Coppieters, din favoritballerina, fru och musa, arbetar med dig idag på Bolshoi...
Mayo: Jag behöver en assistent som kan mitt sätt att arbeta. Mina artister förstår direkt vad som måste göras. Det fanns ett sådant fall. En solist, som jag repeterade för första gången, dansade fruktansvärt. Jag frågade: "Kan du inte lyfta benet högre?" Han svarade: "Självklart kan jag, men jag upprepar det du visade." Mina ben reser sig inte längre lika högt som de gjorde för ett par decennier sedan. Kan du föreställa dig hur en föreställning på Bolsjojteatern skulle ha blivit om artisterna hade kopierat mig? Vid repetitioner improviserar jag med artister, och när Moskva-dansarna ser hur jag komponerar rörelser med Bernice och hur hon förmedlar nyanser (det här är det svåraste) blir allt klart för dem. Det vill säga, jag bemyndigade Bernice att visa vad jag vill och vad jag inte kunde göra för henne tidigare. När jag började jobba med Bernice var hon 23 och jag ville regissera The Taming of the Shrew, men det gick inte.
kultur: Varför valde du musiken av Dmitri Sjostakovitj?
Mayo:Åh, nu ska jag säga något originellt: Shostakovich - stor kompositör. Hans musik är universum: rik och färgstark. Den innehåller inte bara dramatik och passion, utan grotesk, satir och en ironisk blick på omgivningen. Jag är musiker av utbildning, och för mig drar bara musik alla känslor och känslor. Musik är makt, den dikterar staten. Jag ger ofta ett sådant exempel - enkelt, men begripligt och begripligt. Om din älskade lämnar dig, och du lyssnar på Adagietto från Mahlers "Femte" i ett tomt hus, då finns det risk att begå självmord. Men om du sätter på dig en Elvis Presley-skiva, kommer du troligen att vilja erövra någon annan kvinna så snart som möjligt. I vilket fall som helst kommer det att finnas en önskan att upptäcka något nytt för dig själv.
På Bolsjojteatern är de vana vid att hålla inledande repetitioner till pianot. Jag krävde att de omedelbart skulle sätta på skivor - ett orkesterfonogram. Artister måste höra hela orkestern, hela ljudet av musiken. Då föds känslor.
Sjostakovitj valdes också för att jag kom till Ryssland och måste ta ett steg mot ditt land. Ryssar känner musikvärlden Shostakovich, som också står mig nära. Jag tog fragment från olika verk, men jag vill att tittaren ska glömma det och uppfatta musiken som ett enda partitur. Du behöver inte gissa: den är från Hamlet, King Lear, den nionde symfonin. Jag byggde upp dramaturgin, såg till att musiken lät som en helhet, som om kompositören själv hade skrivit den till vårt framförande.
kultur: Din son är kostymdesignern. Vilka kläder letade du efter?
Mayo: Jag vill att folk inte ska tänka på dans, utan på sina liv efter föreställningen. Därför bör kostymerna likna de som du kan bära idag och gå ut. Men samtidigt ska de känna teatralitet och lätthet, vilket ger kroppen frihet. När allt kommer omkring kan dans inte säga allt, bara vad kroppen kan förmedla. Som Balanchine sa – jag kan visa att den här kvinnan älskar den här mannen, men jag kan inte förklara att hon är hans svärmor.
kultur: Bolsjojbalettsällskapets vänner anordnade ett möte med dig på Bakhrushin-museet. Din assistents fras: "Innan du gör" Taming ... "i Bolshoi måste du tämja själva Bolshoi", mötte publiken applåder. I samförstånd skådespelare, enligt min mening gick det inte att tämja?
Mayo: Jag blev omedelbart ombedd att bestämma den andra och till och med den tredje kompositionen. Jag höll emot länge. Jag gör aldrig två kompositioner. För mig är koreografi en konstnär, inte en uppsättning rörelser. Katarina är Katya Krysanova, inte en roll som en annan artist kan upprepa. Jag kommer att förstå att jag har uppnått ett resultat om jag gör en sådan balett som jag inte ens kan reproducera i min trupp för min publik.
kultur: Vem är din tittare?
Mayo: Jag gillar att skapa föreställningar för en man som kom in på teatern för att han måste följa med sin fru, och hon kom bara för att hennes dotter är engagerad i balett. Och om makarna blir intresserade av balett, då har jag uppnått ett resultat. Det jag gör är roligt och spelar för mig.
kultur: Den andra line-upen har kommit...
Mayo: Det var mot ull. Det är nödvändigt att ta hänsyn till särdragen på platsen där du hamnade - Bolshoi behöver flera par artister. När mina vänner bjuder mig på middag där de serverar fisk, och jag inte vill ha det, provar jag det fortfarande. Jag hoppas att den andra skådespelaren också blir intressant, men för mig och för resten av mitt liv är The Taming of the Shrew at the Bolshoi Katya Krysanova, Vladislav Lantratov, Olya Smirnova, Semyon Chudin. Vi byggde den här baletten med dem. Tillsammans åkte vi på en resa på 11 veckor, och den går mot sitt slut. Den färdiga föreställningen går, den tillhör inte mig längre.
kultur: Varför kan de uppställda rollerna trots allt inte dansas av andra?
Mayo: Den underbara Katya Krysanova (det är till och med konstigt att jag först inte såg Katarina i henne, hon erövrade mig) i en av scenerna kysser hon Lantratov-Petruchio och det kommer ut så att jag vill gråta - hon är så skör och försvarslös. Och efter två sekunder börjar hon kämpa. Och i denna övergång är hon verklig och naturlig, eftersom vi utgick från hennes, Katya Krysanova, reaktioner och bedömningar. En annan ballerina har en annan karaktär, disposition, organiska egenskaper. Och hon måste bygga saker annorlunda. Dans är inte en uppsättning steg, för mig är utseendet och beröringen av lillfingrarna en viktig del av koreografin.
kultur: Har bolsjojkonstnärerna överraskat dig på något sätt?
Mayo: Jag är förvånad över kvaliteten på deras dans, entusiasm, nyfikenhet, arbetslust. De dansar så många – och olika – baletter! I Monaco vägrar jag att ha mer än 80 föreställningar om året, men de uppträder tre gånger så många. Jag kan inte föreställa mig hur de gör det.
Född 1960 i Tours (Frankrike). Han studerade dans och piano vid National Conservatory of Tours (Indre-et-Loire) under Alain Daven, sedan (fram till 1977) med Roselle Hightower i Internationell skola dans i Cannes. Samma år tilldelades han priset för den internationella ungdomstävlingen i Lausanne, varefter han gick med i truppen för Hamburgbaletten John Neumeier, där han var solist under de kommande fem åren, och framförde huvuddelarna.
En olycka tvingade honom att lämna sin karriär som dansare. 1983 återvände han till Tours, där han blev koreograf och chef för Bolshoi Ballet Theatre of Tours, senare förvandlad till nationellt centrum koreografi. Han har satt upp över tjugo baletter för denna trupp. 1985 grundade han festivalen Le Chorégraphique.
1986 fick han en inbjudan att återuppta sin balett " avskedssymfoni”till musik av J. Haydn, till vilken han 1984 sa ”den sista förlåtelsen” till J. Neumeier, för den då återupplivade truppen av Monte Carlo-baletten. 1987 satte han för denna trupp upp B. Bartoks The Wonderful Mandarin – en balett som förväntades bli en exceptionell framgång. Samma år satte han upp baletten "The Child and the Magic" till musiken av operan med samma namn av M. Ravel.
Säsongen 1992-93. blir konstnärlig rådgivare till Monte-Carlo-baletten, och 1993 utser Hennes Kungliga Höghet Prinsessan av Hannover honom till konstnärlig ledare. Truppen på femtio personer under hans ledning har snabbt gått framåt i sin utveckling och har nu ett välförtjänt rykte som ett mycket professionellt, kreativt moget team.
Mayo är alltid i färd med att skapa ett nytt koreografiskt språk, eftersom han vill "läsa om" de stora berättelsebaletterna på ett nytt sätt och visa sitt eget sätt att abstrakt koreografiskt tänkande. Detta tillvägagångssätt gjorde honom känd i världspressen. Han är besatt av utvecklingen av sin trupp. Alltid öppen för samarbete med andra kreatörer och bjuder in dig årligen till Monaco intressanta koreografer, samtidigt som de ger möjlighet att uttrycka sig på denna scen och unga koreografer.
En utmärkt impuls till kreativitet ges till honom av ljusa personligheter, som han samlar och vårdar i sin trupp, som vill ge dem möjligheten att öppna sig ännu ljusare och visa ännu mer mogen skicklighet. Denna önskan ledde till skapandet år 2000 av Monaco Dance Forum, en festival som snart blev allmänt känd internationellt.
Monte Carlo-baletten tillbringar sex månader om året på turné, vilket också är en konsekvens av Mayos genomtänkta policy. Truppen har rest nästan hela världen (uppträtt i London, Paris, New York, Madrid, Lissabon, Seoul, Hong Kong, Kairo, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Bryssel, Tokyo, Mexico City, Peking, Shanghai) och överallt och hon och hennes ledare fick det högsta erkännandet.
Jean-Christophe Maillot är en välkommen gäst i alla baletttrupp fred. Håller fullständigt med senaste åren han satte upp ett antal av sina berömda föreställningar (inklusive baletterna "Romeo och Julia" och "Askungen") - i Stor balett Kanada (Montreal), Royal Swedish Ballet (Stockholm), Essen Ballet (Tyskland), Pacific Northwest Ballet (USA, Seattle), Nationalbalett Korea (Seoul), Stuttgart-balett (Tyskland), Kungliga danska balett (Köpenhamn), Genève Bolshoi-balett, American Ballet Theatre (ABT), Béjart-baletten i Lausanne.
2007 satte han in Statsteater Wiesbaden-operan "Faust" av C. Gounod, 2009 - "Norma" av V. Bellini på Monte Carlo-operan. 2007 regisserade han sin första filmbalett "Askungen", sedan, hösten 2008, filmbaletten "Dröm".
År 2011, en mycket en viktig händelse. Truppen, festivalen och läroanstalt, nämligen: Monte Carlo-baletten, Monacos dansforum och Dansakademin. Prinsessan Grace. Under beskydd av Hennes Höghet Prinsessan av Hannover och under ledning av Jean-Christophe Maillot, som därmed fick ännu fler möjligheter att uppfylla sina strävanden.
saga, absolut frihet leta och experimentera med klassikerna. Anlände till festivalen Dans inversion Monte-Carlo-baletten kom med en av sina mest kända föreställningar, La Belle. Den berömda koreografen Jean-Christophe Maillot tänkte om Charles Perots handling till Tjajkovskijs musik och presenterade sin "Skönhet" för allmänheten och betonade att detta är ett oberoende verk. Och av recensionerna att döma lyckades han överraska publiken. Kritiker förklarar enhälligt: "Detta är ett mästerverk!"
Baletten har inte börjat än, men salen har redan en magisk atmosfär. Jean-Christophe Maillot har som en historieberättare samlat sin internationella trupp runt sig och berättar hur man skapar magi i rörelse.
Sista instruktionerna innan premiären på Bolshoi. Jean-Christophe Maillot är inte bara intresserad av koreografins finesser, utan också av karaktärernas karaktärer. Alla hans baletter är riktiga dramatiska föreställningar.
Och den här är inget undantag. "Törnrosa" som aldrig sett förut. Inte en barnberättelse - en psykologisk analys av originalkällan - gammal saga Charles Perrault, där den räddande kyssen inte är ett lyckligt slut, utan bara början.
"Det finns två världar här - prinsen och skönheten. Hennes föräldrar älskade och skyddade henne för mycket. Hon är inte redo för verkligheten. Och prinsens mor, tvärtom, älskade inte alls, och han är också sårbar och försvarslös inför livet. Ett överskott av kärlek är lika farligt för en person som dess brist”, säger koreografen, chef för Monte Carlo-baletten Jean-Christophe Maillot.
Den efterlängtade kungliga dottern lever i en genomskinlig boll av illusioner, stängd från omvärlden. Och om skönheten i en saga faller in i en dröm, efter att ha stuckit sig själv på en spindel, får hon här ett andligt trauma, efter att ha kommit ut ur sin kokong och ställts inför grym verklighet.
En kyss på två och en halv minut är inte alls balett - en dramatisk anordning: en kvinna föds i en tjej. För att spela detta svårvunna sätt att växa upp bjöd koreografen in Bolshoi primaballerina Olga Smirnova, en ballerina av klassisk S:t Petersburg-träning. Och återigen visade han hur virtuos han kan kombinera tradition och avantgarde, duetten Skönheten och Prinsen kallades av kritikerna mästarens mästerverk.
"Han ger mig en sådan känsla av sin kropp, hitta plasticitet; det är en känsla av sanningsenlighet på scenen när man inte är begränsad av den klassiska dansens ramar”, säger Olga Smirnova, primaballerina vid Bolsjojteatern i Ryssland.
Mayos framträdanden är en blandning av stilar och genrer: "Nötknäpparen" - på cirkusarenan, " Svansjön"- ett drama i vår tids bästa traditioner av film noir och "The Taming of the Shrew". 80 verk, och var och en av oss idag. Därför har den nuvarande produktionen till och med ett annat namn: La Belle - "Beauty". Förväxla inte med klassisk balett. Endast Tjajkovskijs musik återstod från honom.
"För att förstärka spänningen och dramatiken i föreställningen, för att visa de mörkare, djupare sidorna av denna berättelse, använde jag fragment av Tjajkovskijs musik från Romeo och Julia-ouvertyren", säger Jean-Christophe Maillot.
Denna icke-klassiska "Sleeping Beauty" presenteras av Monte-Carlo Ballet som en del av Dance Inversion-festivalen - "Dance Inversion", som visar alla prestationer samtida koreografi. Syntes av balettformer, musik och drama.
"Dessa två utrymmen med klassisk dans och samtida för 25 år sedan bråkade mycket, de var väldigt aktiva, ibland aggressivt diskuterande, och i dag går dessa två utrymmen samman", förklarar konstnärlig ledare Festival Dans Inversion Irina Chernomurova.
Balettfans kommer att se Swan Lake från Irland med folkmusik istället för Tjajkovskij. Den oväntade "Nötknäpparen" från Schweiz. All skönhet i "Body of the Ballet" - detta är namnet på produktionen av Marseille-truppen. Under de kommande två månaderna kommer koreografer från åtta länder att visa hur mångsidigt och kraftfullt dansspråket kan vara.
Titel: Dream (Dröm in midsommarnatt, Dream) (Jean Christophe Maillot)
Originaltitel: Le Songe (Jean Christophe Maillot)
Utgivningsår: 2009
Genre: Balett, modern, komedi
Utgiven av: Monaco, Frankrike, Japan, Les Ballets de Monte-Carlo, Europe Images/M, NHK
Regi: Jean Christophe Maillot
Artist: Bernice Coppieters (Titania), Jeroen Verbruggen (Puck), Jerome Marchand (Oberon), Gaetan Marlotti (Weaver), Chris Roeland (Tinsmith)
Info: Furstendömet Monaco, 20-årsdagen av skapandet av baletter, produktionen av Jean-Christophe Maillot och den sanna franska andan: bortskämd, sensualitet, erotik - allt för själens charm! (kommentar till baletten av kinozal.tv tracker användare - "aneta21")
Premiären av baletten "Dröm (En midsommarnattsdröm, dröm)" ägde rum i Monte Carlo (Grimaldi Forum) den 27 december 2005, baserad på handlingen i W. Shakespeares komedi "En midsommarnattsdröm". Föreställningen, som spelades upp för 26 dansare, markerade 20-årsdagen av skapandet av baletter i Furstendömet Monte Carlo.
Jean-Christophe Maillot har varit chef för Monte Carlo Ballet Company sedan 1986. Denna föreställning är mest karakteristisk för Jean-Christophe Maillots verk: baletten bär på den aktuella fantasin, kombinerad med detaljerna i serier och poesi. Scenografi och kostymer spelar en viktig roll i föreställningen, som betonar det fantastiska, balanserar på gränsen till en dröm under ett spöklikt ljus. fullmåne. Den komiska handlingen i tvåaktersbaletten utspelar sig på en mörk, fri scen, där huvudelementet i sceneriet är en gigantisk abstrakt komposition gjord av vit slöja: som ett fantastiskt moln svävar den mystiskt över scenen och ändrar nyckfullt sin form och ljus färg. Handlingen utvecklas parallellt på två nivåer - på scenen och ovanför den, i dess mörka djup, där endast karaktärernas figurer framhävs, vilket resulterar i att de verkar sväva i rymden, ibland till och med inuti "slöjamolnet" ". En multi-genre föreställning skickligt vävd av dansminiatyrer, teatraliska sketcher, uttrycksfull pantomim och cirkusclowneri, berättar en fascinerande och övertygande historia. magisk historia med deltagande av sago- och mytologiska karaktärer. Man kunde förvänta sig att koreografen skulle citera rikligt ur balett med samma namn av John Neumeier, i vars trupp Jean-Christophe arbetade i många år. Han gick dock sin egen väg.
Som J.-C. Maillot sa, "balett behöver nytt blod", därför låter inte bara F. Mendelssohns musik i "Drömmen" utan också den elektroakustiska kompositionen av argentinaren Daniel Terugia och musiken av Bernard Maillot, bror till koreografen. Pointe-dans här är ett sällsynt privilegium som bara ges till ett fåtal utvalda ballerinor. Huvuddelen av karaktärerna är inblandade i en stökig, akrobatisk burlesk, som består av roliga skämt, ren självöverseende, passionerad sensualitet, oseriös erotik. Koreografen kände och reflekterade subtilt i sin balett karaktärernas lekfulla glädje, naiva oskuld och omedvetna strävanden. Baletten är på samma gång träffsäker, seriös, saftig. Han är levande, gnistrande och så uppfinningsrik att betraktaren inte kan bli uttråkad en enda sekund.
Musik: Felix Mendelssohn, Daniel Teruggi, Bernard Maillot
Assisterande regissör: Nicolas Lormeau
Dirigent: Nicolas Brochot
Orkester: Filharmoniska orkestern Monte-Carlo (Monte-Carlo Philharmonic Orchestra)
Koreograf: Jean Christophe Maillot
Scenografi: Ernest Pignon-Ernest
Kostymer: Philippe Decoufle (anställd - Cirque du Soleil)
Ljus: Dominique Drillot
