Hem › Salong › Klassisk musik: Kvinnliga kompositörer. Kvinnliga kompositörer: Från Clara Schumann till Valentina Serova Mest populära kvinnliga kompositör

Klassisk musik: Kvinnliga kompositörer. Kvinnliga kompositörer: Från Clara Schumann till Valentina Serova Mest populära kvinnliga kompositör

”Det är mer sannolikt att en man föder ett barn än att en kvinna skriver bra musik", sade en gång tysk kompositör Johannes Brahms. Ett och ett halvt sekel senare samlar kvinnliga tonsättare världens största konserthus, skriver musik till filmer och kommer med viktiga sociala initiativ.

1. Cassia av Konstantinopel

Den grekiska nunnan Cassia föddes i en rik konstantinopolitisk familj 804 eller 805. Idag är hon inte bara känd som grundaren kloster i Konstantinopel, men också som en av de första kvinnliga hymnograferna och kompositörerna.

Cassia var mycket vacker och, enligt vissa källor, deltog hon 821 till och med i en brudshow för kejsar Theophilus. Flickan var inte avsedd att bli kejsarens hustru, och snart tog Cassia slöjan som nunna för att tillbringa hela sitt liv i klostret hon grundade. Där komponerade Cassia kyrkliga hymner och kanoner, och en analys av hennes verk, som innehåller referenser till skrifter från antika författare, gör att vi kan dra slutsatsen att flickan hade en bra sekulär utbildning.

Cassia av Konstantinopel är en av de första kompositörerna vars verk kan framföras av samtida musiker.

2. Hildegard av Bingen

Den tyska nunnan Hildegard av Bingen var en extraordinär person, inte bara när det gäller att skriva musik - hon arbetade också med verk inom naturvetenskap och medicin, skrev mystiska visionsböcker, såväl som andliga dikter.

Hildegard föddes i slutet av 1000-talet och var det tionde barnet i en adlig familj. Från åtta års ålder uppfostrades flickan av en nunna, och vid 14 började hon bo i ett kloster, där hon studerade konst och liturgi.

Flickan började komponera musik på sina egna dikter som barn, och redan i vuxen ålder samlade hon sina verk i en samling som heter "Harmonic Symphony of Heavenly Revelations". Samlingen innehåller sånger, kombinerade i flera delar på liturgiska teman.

3. Barbara Strozzi

Den italienska kompositören Barbara Strozzi, som senare kallades "den mest virtuosa", var oäkta dotter poeten Giulio Strozzi, som senare adopterade henne. Barbara hade själv fyra oäkta barn av olika män. Flickan föddes 1619 i Venedig och studerade hos kompositören Francesco Cavalli.

Strozzi skrev kantater, ariettor, madrigaler, och texterna till hennes dotters verk skrevs av hennes far Giulio. Barbara blev den första kompositören som släppte sina verk inte i samlingar, utan ett i taget. Musiken av Barbara Strozzi framförs och återutges idag.

4. Clara Schumann

Född Clara Wieck 1819 i Leipzig, son till Friedrich Wieck, en välkänd pianolärare i staden och landet. MED tidig ålder flickan lärde sig att spela piano av sin far, och vid 10 års ålder började hon framgångsrikt uppträda offentligt.

Tillsammans med sin pappa åkte Clara på turné i Tyskland och gav sedan flera konserter i Paris. Ungefär vid denna tid började unga Clara skriva musik - hennes första verk publicerades 1829. Samtidigt blev den unge Robert Schumann en student av Friedrich Wieck, vars beundran för lärarens begåvade dotter växte till kärlek.

1940 gifte sig Clara och Robert. Sedan dess började flickan framföra musik skriven av sin man, ofta var hon den första som presenterade de nya kompositionerna av Robert Schumann för allmänheten. Dessutom anförtrodde tonsättaren Johannes Brahms debutframförandet av sina verk åt Clara, nära vän familjer.

Clara Schumanns egna kompositioner utmärkte sig genom sin modernitet och ansågs vara ett av de bästa exemplen romantisk skola. Robert Schumann uppskattade också mycket sin hustrus skrifter, som dock insisterade på att hans fru skulle fokusera på familjeliv och deras åtta barn.
Efter Robert Schumanns död fortsatte Clara att framföra sina verk och intresset för henne egen kreativitet bröt ut med förnyad kraft 1970, när inspelningar av Claras kompositioner först dök upp

5. Amy Beach

Amerikanska Amy Marcy Cheney Beach är den enda kvinnan i den så kallade "Boston Six" av kompositörer, som förutom henne inkluderade musikerna John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell och Horatio Parker. Kompositörerna av "sexan" anses ha haft ett avgörande inflytande på bildningen av amerikansk akademisk musik.

Amy föddes den 5 september 1867 i en rik familj i New Hampshire. MED tidiga år flickan studerade musik under ledning av sin mamma, och efter att familjen flyttade till Boston började hon också studera komposition. Först solokonsert Amy Beach ägde rum 1883 och var en stor framgång. Två år senare gifte sig flickan och på hennes mans insisterande slutade hon praktiskt taget uppträda och koncentrerade sig på att skriva musik.

Med sina egna verk uppträdde hon senare på turné i Europa och Amerika, och idag anses Amy Beach vara den första kvinnan som lyckades göra framgångsrik karriär i hög musik.

6. Valentina Serova

Den första ryska kvinnliga kompositören, född Valentina Semyonovna Bergman, föddes 1846 i Moskva. Flickan lyckades inte ta examen från St. Petersburgs konservatorium på grund av en konflikt med direktören, varefter Valentina började ta lektioner från musikkritiker och kompositören Alexander Serov.

1863 gifte sig Valentina och Alexander, två år senare fick paret en son, den framtida konstnären Valentin Serov. 1867 började Serovs publicera tidningen "Musik och teater". Makar stöds vänskapliga relationer med Ivan Turgenev och Pauline Viardot, Leo Tolstoy, Ilya Repin.

Valentina Serova var ganska vördnadsfull om sin mans arbete, och efter hans död publicerade hon fyra volymer artiklar om sin man och avslutade också hans opera The Enemy Force.

Serova är författare till operorna Uriel Acosta, Maria D'Orval, Miroed, Ilya Muromets. Förutom musik skrev hon även artiklar om att komponera, publicerade memoarer om möten med Leo Tolstoy och minnen av sin man och son.

7. Sofia Gubaidulina

Idag bor och arbetar den ryska kompositören Sofia Gubaidulina i Tyskland, men hennes hemland Tatarstan är värd för en årlig musiktävlingar och festivaler tillägnad den berömda infödingen i republiken.

Sofia Gubaidulina föddes i Chistopol 1931. Som flicka tog hon examen från Kazan musikalisk gymnastiksal, och gick sedan in på Kazans konservatorium, där hon studerade komposition. Efter att ha flyttat till Moskva fortsatte Gubaidulina sina studier vid Moskvakonservatoriet, och efter examen fick hon ett viktigt avskedsord från kompositören Dmitry Shostakovich: "Jag önskar att du går din egen "fel" väg."

Tillsammans med Alfred Schnittke och Edison Denisov var Sofia Gubaidulina en av treenigheten av avantgardekompositörer i Moskva. Gubaidulina arbetade mycket för film och skrev musik till filmer som "Vertical", "Man and His Bird", "Mowgli", "Scarecrow".

1991 fick Sofia Gubaidulina ett tyskt stipendium och har sedan dess bott i Tyskland och regelbundet besökt Ryssland med konserter, festivaler och olika sociala initiativ.

"I Antikens Grekland alla harpister var män, och nu är det ett "kvinnligt" instrument. Tiderna förändras, och Brahms ord om att "det är mer sannolikt att en man kommer att föda ett barn än att en kvinna kommer att skriva bra musik" låter oseriöst", sa Sofia Asgatovna i en intervju.

Som i alla andra områden klassisk konst Västvärlden, i den akademiska musikens historia finns det otaliga bortglömda kvinnor som förtjänar att bli berättade om sig själva.

I synnerhet - i historien om kompositörens konst.

Även nu, när antalet anmärkningsvärda kvinnliga tonsättare växer för varje år, säsongsscheman för de mest kända orkestrarna och konsertprogram mest kända artister Sällan är verk skrivna av kvinnor.

När en kvinnlig kompositörs verk ändå blir föremål för åskådare eller journalistisk uppmärksamhet, åtföljs nyheterna om detta med nödvändighet av en del sorglig statistik.

Här är ett färskt exempel: Metropolitan Opera gav den här säsongen den briljanta "Love from far" av Caia Saariaho - som det visade sig, den första operan skriven av en kvinna som visats på denna teater sedan 1903. Det är tröstande att kompositionerna av Saariaho - som till exempel Sofia Gubaidulinas eller Julia Wolfs musik - framförs ganska ofta även utan sådana nyhetsvärde tillfällen.

Någon enbart på grund av sitt eget beteende, som förstörde kulturella grunder, och någon - genom sin musik, som det inte finns någon analog till.

Louise Farranc (1804–1875)

Hon innehade denna post under de kommande trettio åren och lyckades, trots den pedagogiska arbetsbelastningen, bevisa sig själv som kompositör. Dock snarare än "lyckades visa", men "kunde inte visa".

Farranc kom från en känd dynasti av skulptörer och växte upp bland de bästa människorna Parisisk konst, så handlingen kreativa uttryck Det var väldigt naturligt för henne.

I Frankrike klottrade varje första lovande författare många timmars opera, och parisarens lakoniska och klassiskt inspirerade verk stred verkligen mot dåtidens mode.

Förgäves: hennes bästa verk - som den tredje symfonin i g-moll - för att uttrycka det milt, går inte förlorade mot bakgrund av dåtidens mastodonter som Mendelssohn eller Schumann. Ja, och Brahms, med sina försök att översätta klassicismen till den romantiska erans språk, gick Farranc förbi tio eller till och med tjugo år.

Dora Pejacevic (1885–1923)

Flickan växte upp under strikt övervakning av engelska guvernanter, kommunicerade nästan inte med sina kamrater och i allmänhet uppfostrades av sina föräldrar med ett öga på ett ytterligare framgångsrikt äktenskap för familjen, snarare än på lycklig barndom.

Detta gynnade dock bara hennes andra passion: även i början av första världskriget etablerade sig den upproriska adelskvinnan som den mest betydelsefulla figuren inom kroatisk musik.

Men om vi abstraherar från historiska sammanhang och lyssna på Pejacevics musik som en uppriktig kärleksförklaring till de tyska romantikerna, kommer det att vara lätt att lägga märke till hennes uttrycksfulla melodi, gjord på hög nivå orkestrering och noggrant strukturarbete.

Amy Beach (1867–1944)

Mest kända avsnitt biografier om Amy Beach kan omformuleras så här. 1885, när hon var 18, gifte Amys föräldrar henne med en 42-årig kirurg från Boston. Flickan var redan vid den tiden en pianovirtuos och hoppades kunna fortsätta sina musikstudier och uppträdandekarriär, men hennes man beslutade annorlunda.

Dr Henry Harris Audrey Beach, oroad över sin familjs status och vägledd av dåtidens idéer om kvinnors roll i det sekulära New England-samhället, förbjöd sin fru att studera musik och begränsade hennes framträdanden som pianist till en konsert om året.

För Amy som drömde om konserthallar och utsålda recitals, visade det sig vara liktydigt med tragedi. Men, som ofta händer, gav tragedin vika för triumf: även om Beach offrade sin artistkarriär började hon ägna sig mer och mer åt skrivandet och är nu otvetydigt identifierad av de flesta forskare som den bästa amerikanska kompositören under den sena romantiken.

Hennes två huvudverk - den gaeliska symfonin som publicerades 1896 och pianokonserten som följde tre år senare - är verkligen vackra, även om de enligt de årens mått är helt utan originalitet. Det viktigaste är att i Beachs musik, som man kan anta, finns det absolut ingen plats för provinsialism och parochialism.

Ruth Crawford Seeger (1901–1953)

Ruth Crawford Seeger är mycket mer känd i kretsarna av seriösa fans, forskare och bara älskare av amerikansk folkmusik än i den akademiska musikens värld. Varför?

Det finns två viktiga skäl: för det första var hon hustru till musikforskaren Charles Seeger, och därför stamfadern till Seeger-klanen, en familj av musiker och sångare som gjorde mer för att popularisera amerikansk folkmusik än någon annan.

För det andra, hon senare år tio år av sitt liv arbetade hon nära med att katalogisera och arrangera låtar inspelade på många resor av John och Alan Lomax, de största amerikanska folkloristerna och samlare av folkmusik.

Överraskande, ända fram till början livet tillsammans både Ruth och Charles Seeger var kompositörer av en högst modernistisk inriktning, vars musik knappast kunde kallas "folklore". I synnerhet kan Ruth Crawfords skrifter från det tidiga 1930-talet endast jämföras med Anton Weberns verk - och även då endast i termer av skickligt byggd dramaturgi och kortfattat koncentrerad musikaliskt material.

Men om Weberns traditioner lyser igenom varje ton - det spelar ingen roll, österrikisk eller renässansmusik - så existerar Seegers verk som utanför traditionen, utanför det förflutna och utanför framtiden, utanför Amerika och utanför resten av värld.

Varför ingår inte en tonsättare med en så individuell stil fortfarande i den kanoniska modernistiska repertoaren? Mysterium.

Lily Boulanger (1893–1918)

Det verkar, vilken typ av musik kunde en evigt sjuk, djupt religiös och patologiskt blygsam fransyska från det höga samhället komponera i början av förra seklet? Just det - en som skulle kunna fungera som ett bra soundtrack till domedag.

Bästa essäer Lily Boulanger är skrivna i religiösa texter som psalmer eller buddhistiska böner, de framförs oftast som av en felaktigt inställd kör till en sönderriven, omeloditisk och högljudd musikaliskt ackompanjemang. Du kan inte plocka upp en analog till den här musiken direkt - ja, den är lite lik Stravinskys tidiga verk och Honeggers särskilt eldiga kompositioner, men varken den ena eller den andra nådde så djup förtvivlan och gick inte till så extrema fatalism.

När en vän till familjen Boulanger, kompositören Gabriel Fauré, upptäckte den där treåriga Lily absolut gehör, föräldrar och äldre syster kunde knappt föreställa sig att denna gåva skulle förkroppsligas i något så unangelic.

Kanske kunde hon ha blivit en lika betydelsefull kompositör som hon visade sig vara lärare. Hon började i alla fall som kompositör – men som hon själv erkänner, efter Lilys död, gick något sönder inom Nadia. Efter att ha levt i 92 år nådde den äldre systern aldrig höjden av de få kompositionerna av sin yngre syster, som brände ut från Crohns sjukdom vid 24 års ålder.

Elizabeth Maconki (1907–1994)

Ralph Vaughan Williams, den största brittisk kompositör förra århundradet, var en passionerad mästare av nationella musikaliska traditioner. Så han bearbetade entusiastiskt folkvisor, skrev misstänkt liknande anglikanska psalmer körverk och med varierande framgång tänkte om kreativiteten engelska tonsättare renässansen.

Han undervisade också i komposition vid Londons Royal College of Music, där hans favoritstudent på 1920-talet var en ung irländsk flicka vid namn Elizabeth Maconki.

Decennier senare kommer hon att berätta att det var Vaughan Williams, för ingenting att han var en traditionalist, som rådde henne att aldrig lyssna på någon och i att komponera musik enbart fokusera på hennes intressen, smaker och tankar.

belysande exempel originalitet och utveckling av Maconchis kompositörs fantasi - hennes tretton stråkkvartetter, skriven från 1933 till 1984 och tillsammans bildar en cirkel av kvartettlitteratur, på intet sätt sämre än Shostakovichs eller samma Bartoks.

Vitezslava Kapralova (1915–1940)

Några år före första världskriget, en oansenlig tjeckisk kompositör och konsertpianisten Vaclav Kapral grundade i sitt hemland Brno en privat musikskola för nybörjare pianister. Skolan fortsatte att existera efter kriget och fick snart ett rykte som nästan den bästa i landet.

Flödet av de som ville studera, och att lära sig specifikt av korpralen själv, fick till och med kort kompositören att tänka på att stoppa all annan verksamhet till förmån för undervisning.

Korpralen utvecklade en plan, överraskande när det gäller graden av arrogans, dumhet och kommersialism: att odla ett riktigt monster av musik från Vitezslava, som kan ersätta honom som huvudlärare i familjeskolan.

Och att samtidigt dirigera och komponera – det var generellt sett otänkbart. Det var just att komponera musik i första hand som den nyskrivna studenten började – dessutom av sådan kvalitet, sådan stilistisk mångfald och i sådana volymer att det egentligen inte finns någon att jämföra med.

Det är tydligt varför det i tv-serien "Mozart i djungeln" är Kapralova som blir förebilden för hjältinnan vid namn Lizzy som inte kan luta sig tillbaka: Vitezslava dog i tuberkulos vid 25 års ålder - men samtidigt numret av kompositioner skrivna av henne överträffar katalogerna för väldigt, väldigt många författare.

Det är dock logiskt att anta att denna fenomenala tjej inte levde för att se sin sista triumf som kompositör.

Trots all sin formella kvalitet är Kapralovas kompositioner stilmässigt mycket lika musiken av den ledande tjeckiske kompositören under dessa år, Bohuslav Martinu, som också var en stor vän till familjen Kapral, som kände Vitezslav från barndomen och till och med lyckades bli kär. med henne strax före flickans död.

TEXT: Oleg Sobolev

SOM I ALLA ANNAT OMRÅDE AV KLASSISK KONST Västvärlden, i den akademiska musikens historia finns det otaliga bortglömda kvinnor som förtjänar att bli berättade om sig själva. I synnerhet - i historien om kompositörens konst. Även nu, när antalet anmärkningsvärda kvinnliga kompositörer växer för varje år, innehåller säsongsscheman för de mest kända orkestrarna och konsertprogrammen för de mest kända artisterna sällan verk skrivna av kvinnor.

När en kvinnlig kompositörs verk ändå blir föremål för åskådare eller journalistisk uppmärksamhet, åtföljs nyheterna om detta med nödvändighet av en del sorglig statistik. Här är ett färskt exempel: Metropolitan Opera gav den här säsongen den briljanta "Love from far" av Caia Saariaho - som det visade sig, den första operan skriven av en kvinna som visats på denna teater sedan 1903. Det är tröstande att kompositionerna av Saariaho - som till exempel Sofia Gubaidulinas eller Julia Wolfs musik - framförs ganska ofta även utan sådana nyhetsvärde tillfällen.

Att välja ut några få föga kända musikaliska hjältinnor från en stor lista med kvinnliga namn är en svår uppgift. De sju kvinnorna som vi nu ska prata om har en sak gemensamt – de passade i en eller annan grad inte in i omvärlden. Någon enbart på grund av sitt eget beteende, som förstörde kulturella grunder, och någon - genom sin musik, som det inte finns någon analog till.

Louise Farranc

Född Jeanne-Louise Dumont, blev hon känd i den europeiska musikvärlden på 1830- och 1840-talen som pianist. Dessutom var flickans prestandarykte så högt att Farranc 1842 utnämndes till professor i piano vid Pariskonservatoriet. Hon innehade denna post under de kommande trettio åren och lyckades, trots den pedagogiska arbetsbelastningen, bevisa sig själv som kompositör. Dock snarare än "lyckades visa", men "kunde inte visa". Farranc kom från den mest kända dynastin av skulptörer och växte upp bland de bästa människorna inom parisisk konst, så handlingen att skapa självuttryck var extremt naturlig för henne.

Efter att ha publicerat ett femtiotal kompositioner under sin livstid, mestadels instrumentala, fick Madame Professor strålande recensioner om sin musik från Berlioz och Liszt, men i hemlandet uppfattades Farranc som alltför icke-fransk kompositör. I Frankrike klottrade varje första lovande författare många timmars opera, och parisarens lakoniska och klassiskt inspirerade verk stred verkligen mot dåtidens mode. Förgäves: hennes bästa verk - som den tredje symfonin i g-moll - för att uttrycka det milt, går inte förlorade mot bakgrund av dåtidens mastodonter som Mendelssohn eller Schumann. Ja, och Brahms, med sina försök att översätta klassicismen till den romantiska erans språk, gick Farranc förbi tio eller till och med tjugo år.

Dora Pejacevic

En representant för en av Balkans ädlaste adelsfamiljer, barnbarn till en av förbuden (läs - guvernörer) i Kroatien och dotter till en annan, tillbringade Dora Pejacevic sin barndom och ungdom precis som vanligt i den världs popkultur de gillar att skildra livet för unga och noggrant bevakade av familjen av unga aristokrater. Flickan växte upp under strikt övervakning av engelska guvernanter, kommunicerade nästan inte med sina kamrater och i allmänhet uppfostrades av sina föräldrar med ett öga på ett ytterligare framgångsrikt äktenskap för familjen, snarare än en lycklig barndom.

Men något gick fel: som tonåring tog Dora eld med socialismens idéer, började ständigt komma i konflikt med sin familj, och som ett resultat, vid en ålder av mer än tjugo, blev hon avskuren från resten av Pejacevics för resten av hennes liv. Detta gynnade dock bara hennes andra passion: även i början av första världskriget etablerade sig den upproriska adelskvinnan som den mest betydelsefulla figuren inom kroatisk musik.

Doras kompositioner, jämnt inspirerade av Brahms, Schumann och Strauss, lät extremt naiva med omvärldens mått mätt – till exempel vid uruppförandet av hennes gammaldags pianokonsert i Berlin och Paris lyssnade de redan med makt och främst till Lunar Pierrot och The Rite of Spring. Men om vi bortser från det historiska sammanhanget och lyssnar på Pejacevics musik som en uppriktig kärleksförklaring till de tyska romantikerna, då kan man lätt lägga märke till hennes uttrycksfulla melodi, orkestrering på hög nivå och noggranna strukturella arbete.

Amy Beach

Det mest kända avsnittet av Amy Beachs biografi kan återberättas enligt följande. 1885, när hon var 18, gifte Amys föräldrar henne med en 42-årig kirurg från Boston. Flickan var redan vid den tiden en pianovirtuos och hoppades kunna fortsätta sina musikstudier och uppträdandekarriär, men hennes man beslutade annorlunda. Dr Henry Harris Audrey Beach, oroad över sin familjs status och vägledd av dåtidens idéer om kvinnors roll i det sekulära New England-samhället, förbjöd sin fru att studera musik och begränsade hennes framträdanden som pianist till en konsert om året.

För Amy, som drömde om konserthus och utsålda konserter, visade sig detta vara liktydigt med tragedi. Men, som ofta händer, gav tragedin vika för triumf: även om Beach offrade sin artistkarriär började hon ägna sig mer och mer åt skrivandet och är nu otvetydigt identifierad av de flesta forskare som den bästa amerikanska kompositören under den sena romantiken. Hennes två huvudverk - den gaeliska symfonin som publicerades 1896 och pianokonserten som följde tre år senare - är verkligen vackra, även om de enligt de årens mått är helt utan originalitet. Det viktigaste är att i Beachs musik, som man kan anta, finns det absolut ingen plats för provinsialism och parochialism.

Ruth Crawford Seeger

Ruth Crawford Seeger är mycket mer känd i kretsarna av seriösa fans, forskare och bara älskare av amerikansk folkmusik än i den akademiska musikens värld. Varför? Det finns två viktiga skäl: för det första var hon hustru till musikforskaren Charles Seeger, och därför stamfadern till Seeger-klanen, en familj av musiker och sångare som gjorde mer för att popularisera amerikansk folkmusik än någon annan. För det andra, under de sista tio åren av sitt liv, arbetade hon nära med att katalogisera och arrangera låtar inspelade på många resor av John och Alan Lomax, de största amerikanska folkloristerna och samlare av folkmusik.

Överraskande nog, fram till början av deras liv tillsammans, både Ruth och Charles Seeger var kompositörer av en extremt modernistisk övertygelse, var det med stora svårigheter att tillämpa ordet "folklore" på deras musik. Särskilt Ruth Crawfords kompositioner från det tidiga 30-talet kan bara jämföras med Anton Weberns verk – och även då bara när det gäller skickligt byggd dramaturgi och lakoniskt koncentrerat musikmaterial. Men om Weberns traditioner lyser igenom varje ton - det spelar ingen roll, österrikisk eller renässansmusik - så existerar Seegers verk som utanför traditionen, utanför det förflutna och utanför framtiden, utanför Amerika och utanför resten av värld. Varför ingår inte en tonsättare med en så individuell stil fortfarande i den kanoniska modernistiska repertoaren? Mysterium.

Lily Boulanger

Det verkar, vilken typ av musik kunde en evigt sjuk, djupt religiös och patologiskt blygsam fransyska från det höga samhället komponera i början av förra seklet? Just det – ett som skulle kunna fungera som ett bra soundtrack för Judgment Day. De bästa kompositionerna av Lily Boulanger är skrivna på religiösa texter som psalmer eller buddhistiska böner, oftast framförs de som av en felaktigt inställd kör till ett trasigt, icke-melodiöst och högljutt musikackompanjemang. Du kan inte plocka upp en analog till den här musiken direkt - ja, den är lite lik Stravinskys tidiga verk och Honeggers särskilt eldiga kompositioner, men varken den ena eller den andra nådde så djup förtvivlan och gick inte till så extrema fatalism. När en vän till familjen Boulanger, kompositören Gabriel Fauré, upptäckte att treåriga Lily hade absolut tonhöjd, kunde hennes föräldrar och storasyster knappast föreställa sig att denna gåva skulle översättas till något så oängellikt.

Förresten, om min syster. Nadia Boulanger visade sig vara en figur i musikhistorien, till skillnad från någon mer betydande. I nästan ett halvt sekel - från 20- till 60-talet - ansågs Nadia vara en av de bästa musiklärarna på planeten. Med mycket specifika synpunkter både på ny musik på den tiden och på musik i ordets bokstavliga bemärkelse, klassisk, tuff, kompromisslös och utmattande av sina elever med de svåraste uppgifterna, förblev Nadya, även för sina ideologiska motståndare, ett exempel på musikalisk intelligens av oöverträffat minne och kraft. Kanske kunde hon ha blivit en lika betydelsefull kompositör som hon visade sig vara lärare. Hon började i alla fall som kompositör – men som hon själv erkänner, efter Lilys död, gick något sönder inom Nadia. Efter att ha levt i 92 år nådde den äldre systern aldrig höjden av de få kompositionerna av sin yngre syster, som brände ut från Crohns sjukdom vid 24 års ålder.

Elizabeth Maconki

Ralph Vaughan Williams, den största brittiska kompositören under förra seklet, var en passionerad förkämpe för nationella musiktraditioner. Så han omarbetade entusiastiskt folksånger, skrev körverk som misstänkt liknar anglikanska psalmer och, med varierande grad av framgång, omarbetade han arbetet av engelska kompositörer från renässansen. Han undervisade också i komposition vid Londons Royal College of Music, där hans favoritstudent på 1920-talet var en ung irländsk flicka vid namn Elizabeth Maconki. Decennier senare kommer hon att berätta att det var Vaughan Williams, för ingenting att han var en traditionalist, som rådde henne att aldrig lyssna på någon och i att komponera musik enbart fokusera på hennes intressen, smaker och tankar.

Råden visade sig vara avgörande för Maconki. Hennes musik har alltid varit orörd av både de globala trenderna inom akademins avantgarde och den urgamla anglokeltiska kärleken till folklore på landsbygden. Det var under studentåren som hon upptäckte Bela Bartók (en kompositör, förresten, som också arbetade utanför alla uppenbara trender), Makonki i sina kompositioner stötte naturligtvis bort den stora ungrarens mogna musik, men samtidigt var hon konsekvent utvecklat sin egen stil, mycket mer intim och inåtvänd. Livliga exempel på originaliteten och utvecklingen av Makonkas kompositörs fantasi är hennes tretton stråkkvartetter, skrivna från 1933 till 1984 och tillsammans bildar en cykel av kvartettlitteratur, på intet sätt sämre än Shostakovichs eller samma Bartoks.

Vitezslava Kapralova

Några år före första världskriget grundade en oansenlig tjeckisk kompositör och konsertpianist Vaclav Kapral en privat musikskola för blivande pianister i hemlandet Brno. Skolan fortsatte att existera efter kriget och fick snart ett rykte som nästan den bästa i landet. Flödet av de som ville studera, och att lära sig specifikt av korpralen själv, fick till och med kort kompositören att tänka på att stoppa all annan verksamhet till förmån för undervisning.

Lyckligtvis började hans dotter Witezslava, som vid den tiden ännu inte hade firat sin tionde födelsedag, plötsligt visa extraordinära musikaliska förmågor. Flickan spelade piano bättre än många vuxna proffs, memorerade hela den klassiska sångrepertoaren och började till och med skriva små stycken. Korpralen utvecklade en plan, överraskande när det gäller graden av arrogans, dumhet och kommersialism: att odla ett riktigt monster av musik från Vitezslava, som kan ersätta honom som huvudlärare i familjeskolan.

Naturligtvis hände inget av detta. Den ambitiösa Witezslava, som ville bli tonsättare och dirigent, gick vid femton års ålder in på två motsvarande fakulteter vid det lokala konservatoriet på en gång. Så att en kvinna vill utföra - detta sågs inte i Tjeckien på 30-talet före Kapralova. Och att samtidigt dirigera och komponera – det var generellt sett otänkbart. Det var just att komponera musik i första hand som den nyskrivna studenten började – dessutom av sådan kvalitet, sådan stilistisk mångfald och i sådana volymer att det egentligen inte finns någon att jämföra med.

Stora kvinnor i Ryssland

Anastasia Moreva

Voronezh Composers' Organisation tillägnade vårens musikaliska och pedagogiska frågesport till de stora kvinnorna i Ryssland. Hennes hjältinnor var Katarina den stora, Natalia Goncharova, poetinnorna Anna Akhmatova och Marina Tsvetaeva, och den kvinnliga kosmonauten Valentina Tereshkova. Vuxna och unga deltagare i frågesporten lärde sig med intresse föga kända fakta från biografier framstående kvinnor, lyssnade på föreställningen av den hedrade konstnären från Ryska federationen Lyubov Kontsova, solisten på Voronezh-operan Elena Petrichenko.

Till exempel initierade den ryska kejsarinnan Katarina II kvinnors utbildning i Ryssland. På hennes initiativ öppnades Smolny-institutet för ädla jungfrur, en skola vid Konsthögskolan och ett sällskap med tvåhundra ädla jungfrur. Catherine var förlovad litterär verksamhet, och lämnar efter sig en stor samling verk - anteckningar, översättningar, fabler, sagor, komedier, essäer, samt libretton för flera operor. Medverkade i veckosatirtidningen "Allt".

Natalya Goncharova - fru och musa till A.S. Pushkin dedikerade till poetens rader "Jag är gift och lycklig ... Det här tillståndet är så nytt för mig att det verkar som om jag har blivit återfödd." Gift med den store poeten födde hon fyra barn. På programmet stod bland annat kompositioner av M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, såväl som Voronezh-kompositören Vladimir Naumov till verserna av A.S. Pusjkin.

För första gången hörde många namnet på en lysande kvinna, poet och författare Evdokia Rostopchina. Hon kände A.S. Pushkin, M.I. Lermontov, V.A. Zhukovsky, N.V. Gogol, möten med vilken fungerade som en drivkraft för att skriva sina egna dikter. Hon komponerade lyriska pjäser, romaner i prosa, dramatiska pjäser för teatern. I St Petersburg, i Rostopchins hus, gav de ofta musikaliska kvällar, som besöktes av F. List, M.I. Glinka, Prins V.F. Odoevsky, författarna A.N. Ostrovsky och L.A. maj, samt konstnärerna M.S. Shchepkin, I.V. Samarin och andra. Vi är intresserade av det faktum att grevinnan tillbringade två år i Voronezh-godset som tillhörde hennes man - staden Anna. Invigningen av kvällen var framförandet av E. Krylatovs romanser "Du kommer ihåg mig", A. Rubinsteins "Morgon" till verserna av E. Rostopchina.

Lyssnarnas uppmärksamhet presenterades för romanserna från Voronezh-kompositören Alexander Ukrainsky baserat på Anna Akhmatovas dikter "Kärlek", "Låt orgelns röster spricka igen", förhärligande av konstens, vårens, kärlekens, riktiga poesins triumf. Dikternas text förmedlas i kompositörens musik med fantastisk gripande och penetration.

Marina Tsvetaeva – en poetess som sjunger om naturlig skönhet och glada känslor av kärlek. Svår livsväg Tsvetaeva återspeglas i hennes arbete, som är mättat med motiv romantisk kärlek, avslag och ensamhet. På verserna av M. Tsvetaeva skrevs verk av en annan Voronezh-kompositör A. Mozalevsky, vilket avslutade kvällens program.

Den 1 oktober var det internationella musikdagen. Naturligtvis är detta i första hand en helgdag för tonsättare. Men av någon anledning ställer folk sällan frågan – varför finns det så få kvinnliga tonsättare? Du kan genomföra ett experiment och intervjua, säg, 100 personer om ämnet "vem är din favoritkompositör." Och säkert kommer alla 100 respondenter att namnge en manlig författare. Till exempel Mozart, Tjajkovskij, Bach, Rachmaninov, Strauss, Beethoven eller Prokofiev... Och det kommer inte att finnas en enda kvinna på den här listan.

Men under de senaste två århundradena har det funnits (och finns) kompositörer som representerar det vackra könet, vars namn dundrade i Europa eller är kända nu.

Och idag kan vi prata om de ljusaste kvinnliga kompositörerna.

Det vackra könet kom till musik på allvar först i början av 1900-talet. Visst kan man säga om 1800-talets hjältinnor – Louise Farranc eller Joanna Kinkel. Men de var inte särskilt välkända för den allmänna musikaliska gemenskapen.

Därför kan vi kanske börja med fransyskan Lily Boulanger. Tyvärr är det få som minns henne nu, men i början av 1900-talet dånade namnet Lily i hela Europa. Det var hon, för att uttrycka det modernt språk, superpopulär, även om Gud har låtit henne gå ganska många år.

Lily växte upp i en musikalisk familj, hennes far var kompositör och hade även en position som sånglärare vid konservatoriet i Paris. Intressant nog föddes hennes mamma, sångerskan Raisa Myshetskaya i St Petersburg.

Lily lärde sig att läsa noter vid sex års ålder - då kunde hon inte ens bokstäverna och kunde inte läsa. Av hennes tidiga kompositioner finns bara E-durvalsen kvar. Men 1909 kom hon in på konservatoriet i Paris, och redan 1913 blev hon den första kvinnan som fick Roms stora pris för kantaten Faust och Helena. 1914, som pristagare av Rompriset, tillbringade hon fyra månader i " evig stad". Men hennes resa avbröts av första världskrigets utbrott. Hon dog alltför tidigt i tuberkulos i mars 1915, när hon ännu inte var 25 år gammal ... Hon begravdes på Montmartre-kyrkogården, men väldigt få vet var hennes grav är.

På 1900-talet var den engelska Ruth Jeeps extremt populär. Sedan barnsben har hon uppträtt som pianist. Men redan vid åtta års ålder framförde hon sin första originalkomposition. Varför inte Mozart i kjol? 1936 började hon på Royal College of Music, där hon studerade piano, oboe och komposition, och efter examen uppträdde hon igen som pianist och oboist. Då fick Ruth en allvarlig handskada. och fokuserad på att skriva egna kompositioner och manual musikaliska grupper. Så 1953 grundade och ledde Gyps Portia Wind Ensemble, en kammarensemble av blåsinstrument. Det speciella med detta lag var att det uteslutande bestod av kvinnliga musiker. 1955, under ledning av Gyps, skapades London Repertory Orchestra, som huvudsakligen bestod av unga musiker, och 1961, Chanticleer Orchestra. När det gäller kompositionerna av Gips skrev hon fem symfonier. Specialister uppskattar särskilt den andra symfonin, där Ruth, enligt proffs, överträffade sig själv. Ruth Jeeps dog 1999 vid 78 års ålder.

klar stjärna klassisk musik ring Sophia Gubaidulina. Hon gick in på konservatoriet 1954, avslutade framgångsrikt inte bara henne utan också forskarskolan. Som Gubaidullina själv säger var det avskedsord som Dmitrij Sjostakovitj talade viktigt för henne på den tiden: "Jag önskar att du följer din "fel" väg."

Gubaidulina skapade inte bara "seriös" musik, hon skrev också kompositioner för 25 filmer, inklusive "Mowgli" och "Scarecrow". Men 1979, på VI-kongressen för kompositörer, i rapporten från Tikhon Khrennikov, kritiserades hennes musik. I allmänhet hamnade Sofia på den "svarta listan" över inhemska kompositörer. 1991 fick Gubaidulina ett tyskt stipendium och sedan 1992 bor hon nära Hamburg, där hon skapar sina verk. Och han kommer sällan till Ryssland.

Tja, och naturligtvis kan man inte annat än säga om Alexander Pakhmutova. Hon är kanske den mest framgångsrika kvinnliga kompositören senaste decennier. Hon från början tidig barndom Hon var exceptionellt begåvad i musik. Och hon skrev sina första melodier när hon bara var tre år gammal. Dessutom, vid fyra års ålder, komponerade lilla Sasha pjäsen "The Roosters Sing".

Det är inte förvånande att hon sedan antogs till Central Music School vid Moskvas statskonservatorium utan problem. Förresten tog hon examen från konservatoriet 1953 och avslutade sedan framgångsrikt sina forskarstudier. Och även när hon studerade skrev hon musik och blev en av de mest populära och krävde kompositörer av Sovjetunionen.

Pakhmutovas huvudsakliga hobby är sånger. Låtarna, musiken som Alexandra Nikolaevna skrev för, framfördes och framfördes av många framstående artister från den sovjetiska och ryska scenen: Sergey Lemeshev och Lyudmila Zykina, Muslim Magomayev och Tamara Sinyavskaya, Anna German och Alexander Gradsky, Iosif Kobzon och Valentina Tolkunova, Lev Leshchenko och Maya Kristalinskaya, Eduard Khil och Sofia Rotaru, Valery Leontiev och Lyudmila Senchina.

Generellt sett, trots att det finns färre kvinnliga kompositörer än män, satte de också en ljus prägel på världsmusiken.

När allt kommer omkring, förutom alla de listade ovan, fanns och finns det talanger som Barbara Strozzi, Rebecca Saunders, Malvina Reynolds, Adriana Helzky och Karen Tanaka, och bidraget från den vackra halvan av mänskligheten till världsarvet är också mycket bra.

Populär i kategorin: