Definition av stilleben i målning. Stilleben i måleriet: typer och beskrivning
stilleben stilleben
(fransk natur morte, italiensk natura morta, bokstavligen - död natur; holländska stilleven, tyska Stilleben, engelska stilleben, bokstavligen - tyst eller orörligt liv), genre visuella konsterna(huvudsakligen stafflimålning), som är tillägnad bilden av sakerna som omger en person, placerade som regel i en riktig hushållsmiljö och sammansatt i en enda grupp. Den speciella organisationen av motivet (den så kallade iscensättningen) är en av huvudkomponenterna bildligt system stilleben genre. Förutom livlösa föremål (till exempel hushållsartiklar), skildrar stilleben föremål av vilda djur, isolerade från naturliga kopplingar och därmed förvandlade till en sak - fisk på bordet, blommor i en bukett, etc. Som komplement till huvudmotivet, stillbilden livet kan innehålla bilder av människor, djur, fåglar, insekter. Bilden av saker i ett stilleben har sin egen konstnärligt värde, även om det i utvecklingsprocessen ofta tjänade till att uttrycka symboliskt innehåll, lösa dekorativa problem eller exakt fixa den objektiva världen inom naturvetenskap, etc. Samtidigt kan stilleben känneteckna inte bara saker i sig själva, utan också den sociala statusen , innehåll och livsstil av dem ägare, genererar många föreningar och sociala analogier.
Stillebensmotiv som detaljer i kompositioner finns redan i konsten i den antika östern och antiken, vissa fenomen i den medeltida konsten i Fjärran Östern är delvis jämförbara med stilleben (till exempel den så kallade "blommor-fåglar"-genren ), men födelsen av stilleben som oberoende genre utspelar sig i modern tid, då i renässansens italienska och framför allt holländska mästares verk uppmärksammas på den materiella världen, på dess konkret-sensuella bild. Stillebens historia som en genre av stafflimålning, och i synnerhet dess typ "trompe l" oeil (den så kallade snag), öppnas av "Still Life" av italienaren Jacopo de Barbari (1504), som illusionistiskt sett återskapar objekt exakt. hälften av XVI- början av 1600-talet, vilket underlättades av de naturvetenskapliga böjelserna för denna tid, konstens intresse för vardagslivet och Integritet människan, liksom själva utvecklingen av metoder för världens konstnärliga utveckling (holländaren P. Aartsens verk, Fleming J. Brueghel Velvet, etc.).
Stillebens storhetstid - XVII-talet. Mångfalden av dess typer och former på den tiden är förknippad med utvecklingen av nationella realistiska målarskolor. I Italien och Spanien underlättades uppkomsten av stilleben avsevärt av Caravaggios och hans anhängares arbete ( centimeter. karavaggism). Favoritteman för stilleben var blommor, grönsaker och frukter, skaldjur, köksredskap etc. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, etc.). Det spanska stilleben kännetecknas av sublim stränghet och speciell betydelse av bilden av saker (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, etc.). Intresset för sakers vardagliga natur, intimitet, ofta bilddemokratism manifesterades tydligt i det holländska stillebenet. Den kännetecknas av särskild uppmärksamhet på överföringen av ljusmiljön, den mångsidiga texturen av material, subtiliteten i tonala relationer och färgschema - från den utsökt blygsamma färgsättningen av "monokroma frukostar" av V. Kheda och P. Klas till intensivt kontrasterande, koloristiskt spektakulära kompositioner av V. Kalf ("efterrätter"). Det holländska stilleben kännetecknas av överflöd av olika typer av denna genre: "fisk" (A. Beyeren), "blommor och frukter" (J. D. de Hem), "slagna vilt" (J. Venike, M. Hondekuter), allegoriska stilleben "vanitas "("fåfängas fåfänga") etc. Det flamländska stillebenet (främst "marknader", "butiker", "blommor och frukter") utmärker sig för sin omfattning och samtidigt dekorativa kompositioner: dessa är hymner till fertilitet och överflöd (F. Snyders, J. Feit) , På XVII-talet. Tyska (G. Flegel, K. Paudis) och franska (L. Bozhen) stilleben utvecklas också. MED sena XVII V. i det franska stillebenet triumferade hovkonstens dekorativa trender (blommor av J. B. Monnoyer och hans skola, jaktstilleben av A. F. Deport och J. B. Oudry). Mot denna bakgrund utmärker sig verken av en av de mest betydelsefulla mästarna i det franska stillebenet - J. B. S. Chardin, präglat av rigor och sammansättningsfrihet, subtila färglösningar, med äkta mänsklighet och demokrati. I mitten av XVIII-talet. under den slutliga bildningen av den akademiska hierarkin av genrer uppstod termen "nature morte", vilket återspeglade den föraktfulla inställningen till denna genre av anhängare av akademiker, som föredrog genrer vars område var "levande natur" ( historisk genre, porträtt, etc.).
På 1800-talet stillebens öde bestämdes av måleriets ledande mästare, som arbetade i många genrer och involverade stillebenet i kampen estetiska synpunkter Och konstnärliga idéer(F. Goya i Spanien, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet i Frankrike). Bland 1800-talets mästare som specialiserat sig på denna genre sticker även A. Fantin-Latour (Frankrike) och W. Harnet (USA) ut. Den nya uppkomsten av stilleben förknippades med prestationerna av postimpressionismens mästare, för vilka tingens värld blir ett av huvudteman (P. Cezanne, V. van Gogh). Sedan början av XX-talet. stilleben är ett slags kreativt laboratorium för måleri. I Frankrike följer fauvismens mästare (A. Matisse och andra) vägen för ökad identifiering av färgens och texturens emotionella och dekorativa uttrycksmöjligheter, och kubismens representanter (J. Braque, P. Picasso, X. Gris och andra), med hjälp av särdragen i stillebens konstnärliga och analytiska möjligheter, försöker etablera nya sätt att förmedla rum och form. Stilleben lockar också mästare i andra trender (A. Kanoldt i Tyskland, G. Morandi i Italien, S. Lukyan i Rumänien, B. Kubista och E. Filla i Tjeckien, etc.). Sociala trender i stilleben på 1900-talet representeras av verk av D. Rivera och D. Siqueiros i Mexiko, R. Guttuso i Italien.
Stilleben dök upp i rysk konst på 1700-talet. tillsammans med bekräftelsen av sekulär målning, som återspeglar tidens kognitiva patos och önskan att sanningsenligt och korrekt förmedla den objektiva världen ("tricks" av G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). Den fortsatta utvecklingen av det ryska stillebenet under en lång tid var episodiskt. Dess en viss ökning under första hälften av XIX-talet. (F. P. Tolstoy, skola för A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) förknippas med önskan att se skönhet i det lilla och vanliga. Under andra hälften av XIX-talet. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan vände sig endast ibland till stilleben av skissartad karaktär; hjälpvärdet av stilleben i konstsystem Wanderers följde från sin idé om den dominerande rollen för den plottematiska bilden. Stillebenstudiens oberoende värde ökar med tur XIX och XX århundraden. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Det ryska stillebenets storhetstid infaller i början av 1900-talet. Hans bästa exempel inkluderar impressionistiska verk av K. A. Korovin, I. E. Grabar; verk av konstnärerna i "Konstens värld" (A. Ya. Golovin och andra) som subtilt leker med tingens historiska och vardagliga karaktär; skarpt dekorativa bilder av P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan och andra målare av Blue Rose-cirkeln; ljusa stilleben genomsyrade av tillvaronets fullhet av mästarna av "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sovjetiskt stilleben, utvecklas i linje med konsten socialistisk realism berikad med nytt innehåll. På 20-30-talet. det inkluderar och filosofisk reflektion modernitet i verk vässade i komposition (K. S. Petrov-Vodkin), och tematiska "revolutionära" stilleben (F. S. Bogorodsky och andra), och försök att påtagligt återta "saken" som förkastats av de så kallade icke-objektiven genom experiment på fältet av färg och textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), och en fullblods återskapande av den färgstarka rikedomen och mångfalden i den objektiva världen (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin och andra. ), som såväl som sökandet efter subtil färgharmoni, poetiseringen av tingens värld (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa, etc.). På 40-50-talet. P.V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich arbetar aktivt i stilleben. Bland stillebens herrar i unionsrepublikerna utmärker sig A. Akopyan i Armenien, T. F. Narimanbekov i Azerbajdzjan, L. Svemp och L. Endzelina i Lettland, N. I. Kormashov i Estland. Attraktionen till bildens ökade "objektivitet", estetiseringen av världen av saker som omger en person bestämde intresset för stilleben hos unga konstnärer från 70-talet och början av 80-talet. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, etc.).
V. Kheda. "Frukost med björnbärspaj." 1631. Konstgalleri. Dresden.
P. Cezanne. "Persikor och päron" Sent 1880-tal Museum of Fine Arts uppkallat efter A. S. Pushkin. Moskva.
K. S. Petrov-Vodkin. "Morgonstilleben". 1918. Ryska museet. Leningrad.
I. I. Mashkov. "Sned Moskva: bröd". 1924. Tretjakovgalleriet. Moskva.
Källa: Populär konstuppslagsverk." Ed. Fält V.M.; M.: Förlag " Sovjetiskt uppslagsverk", 1986.)
fortfarande liv(Fransk natur morte - död natur), en av måleriens genrer. Stilleben skildrar naturens gåvor (frukter, blommor, fiskar, vilt), såväl som saker gjorda av människohänder (servis, vaser, klockor, etc.). Ibland samsas livlösa föremål med levande varelser - insekter, fåglar, djur och människor.
Stilleben ingår i plotkompositioner, som redan finns i målning antika världen(väggmålningar i Pompeji). Det finns en legend att den antika grekiska konstnären Apelles avbildade druvor så skickligt att fåglarna trodde att han var en riktig och började picka. Som en självständig genre utvecklades stilleben på 1600-talet. och upplevde sedan sin ljusa storhetstid i de holländska, flamländska och spanska mästarnas verk.
I Holland fanns det flera varianter av stilleben. Konstnärerna målade "frukostar" och "efterrätter" på ett sådant sätt att det verkade som om en person var någonstans i närheten och snart skulle återvända. En pipa ryker på bordet, en servett är skrynklig, vin i ett glas är inte färdigt, en citron skärs, bröd är brutet (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Också populära var bilder av köksredskap, vaser med blommor och slutligen "Vanitas" ("fåfängas fåfänga"), stilleben på temat livets svaghet och dess kortsiktiga glädjeämnen, som uppmanar till att minnas verkliga värden och ta hand om själens frälsning. Favoritattribut för "Vanitas" är en skalle och en klocka (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Holländska stilleben, såväl som stilleben från 1600-talet i allmänhet, kännetecknas av närvaron av dolda filosofiska övertoner, komplex kristen eller kärlekssymbolik (citronen var en symbol för måttlighet, hunden var trohet, etc.) Samtidigt tiden återskapade konstnärer i stilleben med kärlek och entusiasm världens mångfald (spel av siden och sammet, tunga mattor, skimrande silver, saftiga bär och ädelt vin). Sammansättningen av stilleben är enkel och stabil, beroende av diagonalen eller formen av en pyramid. Den huvudsakliga "hjälten" är alltid markerad i den, till exempel ett glas, en kanna. Mästare bygger subtilt relationer mellan objekt, motstående eller omvänt matchande deras färg, form, ytstruktur. De minsta detaljerna är noggrant utskrivna. Dessa målningar är små i storlek och är designade för närmare granskning, lång kontemplation och förståelse av deras dolda betydelse.
Flemingerna, tvärtom, målade stora, ibland enorma dukar avsedda att dekorera palatshallarna. De kännetecknas av en festlig flerfärg, ett överflöd av föremål och komplexiteten i kompositionen. Sådana stilleben kallades "butiker" (J. Feit, F. Snyders). De avbildade bord fyllda med vilt, skaldjur, bröd, och bredvid dem stod ägarna och bjöd på sina varor. Riklig mat, som om den inte passade på borden, hängde ner, föll ut direkt på publiken.
spanska konstnärer föredrog att begränsa sig till en liten uppsättning föremål och arbetade på ett diskret sätt färgschema. Rätter, frukter eller skal i målningarna av F. Zurbarana och A. Fronterna är lugnt placerade på bordet. Deras former är enkla och ädla; de är noggrant gjutna med chiaroscuro, nästan påtagliga, kompositionen är strikt balanserad (F. Zurbaran. "Stilleben med apelsiner och citroner", 1633; A. Pereda. "Stilleben med en klocka").
På 1700-talet den franske mästaren J.-B. MED. Chardin. Hans målningar, föreställande enkla, solida bruksföremål (skålar, en koppartank), grönsaker, enkel mat, är fyllda av livsfed, värms upp av härdens poesi och bekräftar vardagens skönhet. Chardin målade också allegoriska stilleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
I Ryssland dök de första stillebenen upp på 1700-talet. i dekorativa målningar på väggarna i palats och "dummy" målningar, där föremål återgavs så noggrant att de verkade verkliga (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). På 1800-talet tricktraditioner har tänkts om. Stilleben upplever en ökning på första våningen. 1800-talet i F.P. Tolstoj, som omtänkte traditionerna för "trick" ("Bär av röda och vita vinbär", 1818), konstnärer Venetiansk skola, I.T. Khrutsky. I vardagliga föremål sökte konstnärer se skönhet och perfektion.
En ny storhetstid för genren kommer i slutet. 19 - tigg. 1900-talet, när stilleben blir ett laboratorium för kreativa experiment, ett sätt att uttrycka konstnärens individualitet. Stilleben intar en betydande plats i postimpressionisternas arbete - V. van Gogh, P. Gauguin och framför allt P. Cezanne. Kompositionens monumentalitet, snåla linjer, elementära, stela former i Cezannes målningar är utformade för att avslöja strukturen, grunden för saken och påminna om världsordningens orubbliga lagar. Konstnären skulpterar formen med färg och framhäver dess materialitet. Samtidigt ger svårfångade färgspel, särskilt kallt blått, hans stilleben en känsla av luft och rymd. Linjen av Cezanne-stilleben fortsatte i Ryssland av mästarna " Jack of Diamonds"(I.I. Mashkov, P.P. Konchalovsky etc.), kombinera det med de ryska traditionerna folkkonst. Konstnärer "Blå ros"(N.N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) skapade nostalgiska kompositioner i antik stil. Filosofiska generaliseringar genomsyrar stillebenen av K. S. Petrova-Vodkina. På 1900-talet i genren stilleben, P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi. I Ryssland var de största mästarna i denna genre M.S. Saryan, P.V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov och andra.
Roger Fenton. Frukter. 1860 Graham Clarke. Fotografen. Oxford, 1997
Fred och Gloria McDurrs fotografiska uppslagsverk definierar ordet "stilleben" enligt följande: Allmän term för fotografier av livlösa föremål, produkter och varor, ofta för användning i reklam. När små föremål placeras på ytan av ett bord kallas stillebenfotografering ibland som "bordsskiva". Med undantag för det sista klargörandet, denna definition helt överensstämmer med det som används i förhållande till måleri. Intressant nog dök själva termen upp mycket senare än bilden, och hänvisar till början av 1800-talet. Den franska kombinationen nature morte (död eller dödad natur) skiljer sig från engelska stilleben och tyska stilleben (lugn, lugnt liv) inte bara i stavning, utan också i betydelse. I Holland fanns det ingen enskild term alls: varje specialisering (frukost, blombuketter, fiskstilleben) hade sitt eget namn.
Livlösa föremål har funnits i konstverk sedan den paleolitiska eran. Vid olika tillfällen ges de sin egen roll och betydelse. Hans Holbeins, Caravaggios eller Jan Vermeers verk är inga stilleben, men i deras verk ges han en speciell plats både konstnärligt och meningsmässigt. Stilleben uppstod som en självständig genre först på 1600-talet.
Fotografi, som lånade nästan alla genrer från måleriet, gjorde inget undantag för stilleben. Som fotografiets historia visar var det stilleben som visade sig vara minst representerat inom fotokonsten, även om den här historien faktiskt började med det. Bland de tidiga heliografiska experimenten från Nicephore Niepce fanns ett stilleben, bestående av en flaska, en kniv, en sked, en skål och en limpa bröd som låg på ett bord. Hippolyte Bayard gjorde 1839 en komposition av gipsavgjutningar, Jacques-Louis Daguerre gjorde flera stilleben med gipsavgjutningar, små skulpturer, målningar och fragment av antika friser, Henry Fox Talbot - med snäckor och fossiler. Det är värt att notera att stilleben med konstattribut också hittades i målningen av Jean Baptiste Chardin.
Fotografer upprepade ofta kompositionen och använde samma motiv som konstnärerna. Henry Fox Talbots uttalande att "den holländska målarskolan tjänar som vår auktoritativa källa för skildringen av föremål från vardagens vardagsliv" verkar inte ha gått obemärkt förbi, vilket till exempel framgår av verk av Roger Fenton, William Lake Price och Drew Diamond. Huvudobjekten för sådana stilleben var blommor, frukter eller dött vilt. I Frankrike liknade Adolphe Brauns verk den fotografiska versionen av Jean-Baptiste Oudrys verk, en populär hovmålare från 1800-talet av den kungliga jakten på Ludvig XV.
Stilleben sköts vanligtvis inomhus, men det fanns undantag. På grund av den dåliga ljuskänsligheten hos tidiga fotografiska material föredrog ett antal fotografer att arbeta i trädgården eller trädgården. Alla improviserade material (stegar, krattor, skottkärror, hinkar etc.) användes, som ofta blandades med medtagna husgeråd, färska blommor, träd sida vid sida med livlösa föremål. Sådana är till exempel stilleben av Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard och Richard Jones.
Fotografiska stilleben om ämnet Vanitas (lat. "spöke", "fåfänga"), vars integrerade attribut är skallen, dyker upp i mitten av 1800-talet, till exempel av Louis Jules Duboc-Soleil, och från tid till annan dyker upp på 1900-talet - Alfred Stieglitz, Irvin Penn, Robert Mapplethorpe och andra.
I början av 1900-talet letade fotografiet efter nya sätt och föremål för att förkroppsliga stillebensgenren. Det räcker inte längre att bara fånga föremålen som är arrangerade tillsammans. Komplicerade vinklar, närbilder, fotogram, passion för föremålets form och struktur – allt detta ger den gamla genren ett nytt utseende. Utbudet av föremål växer: tillsammans med så banala vardagliga saker som en gaffel eller glasögon dyker det upp industriella föremål (verktyg, delar av maskiner och verktygsmaskiner). Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus-fotografer, Edward Weston, William Underhill och andra var engagerade i liknande sökningar.
De vanliga tingens värld blommar ut igen i mitten av seklet med Josef Sudeks stilleben. Mjukt diffust ljus ger en vanlig blomma i glas en lyrisk-melankolisk stämning.
Under andra hälften av förra seklet efterfrågades stilleben alltmer i reklambranschen. Den lyckliga föreningen av handel och konst är förkroppsligad i Irwin Penas stilleben. Klassiskt, stilrent, ironiskt, men alltid enkelt och sofistikerat. Tack vare denna mästare dekorerades omslaget till en modetidning för första gången 1944 med ett fotografiskt stilleben.
Bland ryska fotografer från andra hälften av 1900-talet som arbetade i denna genre, tillhör en speciell plats Boris Smelov. Hans klassiska stilleben från det gamla vardagen i S:t Petersburg utmärktes av sin perfekta komposition och oklanderliga teknik. Joel-Peter Witkin är en oöverträffad mästare i det "chockerande" stillebenet. Översättning från franska "död natur" på det här fallet exakt återspeglar författarens passioner - olika delar människokropp på egen hand ("Torso") eller inramade av blommor och frukter ("Head of a Woman", "Feast of Fools", etc.).
I kvantitativa termer är fotografiskt stilleben mycket sämre än andra genrer och förekommer bara ibland i en eller annan författares verk. Bläddra i fotohistoriska böcker och samlingskataloger stora museer, chansen att hitta en separat avdelning dedikerad till stilleben är nästan noll.
examensarbete
1. Historien om stillebens utveckling
Inom bildkonsten kallas ett stilleben (från franskans natur morte - "död natur") vanligtvis bilden av livlösa föremål kombinerade till en enda sammansättningsgrupp. För många tyska eller engelsk version beteckningar stilleben och stilla leben (tyst liv). På nederländska låter beteckningen för denna genre som stilleven, det vill säga "tyst liv", enligt många konstnärer och konsthistorikers åsikt är detta det mest exakta uttrycket för genrens väsen, men sådan är styrkan i traditionen att ”stilleben” är ett välkänt och rotat namn. Ett stilleben kan både ha en självständig mening och vara integrerad del kompositioner genremåleri. Stilleben uttrycker människans förhållande till omvärlden. Det avslöjar förståelsen för det vackra, som är inneboende i konstnären som en man av sin tid.
Stilleben, som en självständig genre, uppstod i Flandern och Holland i början av 1500- och 1600-talet, och nådde snabbt extraordinär perfektion när det gäller att förmedla mångfalden av föremål i den materiella världen. Processen att bli ett stilleben gick ungefär på samma sätt i många länder. Västeuropa. Men om vi tar konsthistorien tillsammans, så avser det första steget i utvecklingen av stilleben den paleolitiska perioden. Det finns två huvudtekniker som används av antika konstnärer: naturalism och ornamentalitet. Sedan börjar dessa två strömmar att konvergera mer och mer, och ett "halvmedvetet" stilleben dyker upp, en bild av enskilda delar av ett objekt. Ett äkta helt föremål kan bara hittas under bronsåldern. Detta andra steg i utvecklingen av stilleben får sin storhetstid i Egyptens konst. Objekt avbildas alltid isolerade från varandra. För första gången introduceras motivet av en blomma, temat snittväxter. Korrelation av proportioner visas i verk av egeisk konst. Föremål avbildas i tre fjärdedelar ordnade i grupper. Traditionerna för det egeiska måleriet fann sin fortsättning i den grekiska kulturen. Vi kan bedöma denna genre av konst efter vaserna. Föremål hänger inte längre i luften, utan har sina egna " verklig plats"i rymden: en sköld lutad mot ett träd, en mantel kastad över en gren - det så kallade "hängande" stillebenet. Också i skolscener ett "musikaliskt" stilleben skildras ofta. Ytterligare en typ av grekiskt stilleben kan urskiljas - "antik". Konstnärer skapar bilder av verkstäder: bitar av statyer, en såg, en hammare, skissplattor. Det är nästan omöjligt att hitta bilder av blommor och djur på grekiska vaser.
Inom medeltida konst, som ett resultat av fragmenteringen av kompositionen, uppdelningen av bildduken i säregna register, blir subjektet ett attribut och inte ett objekt i bilden. Ornament fortsätter också att spela en viktig roll, särskilt aktivt används i målade glasfönster i katolska katedraler. Den stränga, intensivt asketiska konsten i Bysans, som skapade odödliga, monumentalt-generaliserade, sublimt heroiska bilder, använde bilder av enskilda föremål med extraordinär uttrycksfullhet.
I forntida rysk ikonmålning spelade de få föremål som konstnären introducerade i sina strikt kanoniska verk också en viktig roll. De gav spontanitet, vitalitet, verkade ibland vara ett öppet uttryck för känslor i ett verk dedikerat till en abstrakt mytologisk handling.
Stilleben spelade en ännu större roll i målningarna av konstnärer från 1400- och 1500-talen under renässansen. Målaren som först ritade extra uppmärksamhet på världen omkring honom, försökte ange platsen, för att bestämma värdet av varje sak som tjänar en person. Husgeråd fick sin ägares ädla och stolta betydelse, den de tjänade. På stora dukar upptog stilleben vanligtvis en mycket blygsam plats: ett glaskärl med vatten, en elegant silvervas eller ömtåliga vita liljor på tunna stjälkar ofta hopkrupen i hörnet av bilden. Men i skildringen av dessa saker fanns det så mycket poetisk kärlek till naturen, deras betydelse är så starkt spiritualiserad att här kan du redan se alla de drag som senare bestämde självständig utveckling hela genren.
Föremål, ett materiellt element, fick en ny betydelse i målningarna på 1600-talet - i den utvecklade stillebensgenrens tid. I komplexa kompositioner med en litterär handling tog de sin plats tillsammans med andra hjältar i arbetet. Genom att analysera den här tidens verk kan man se vilken viktig roll stillebenet började spela i bilden. Saker och ting började dyka upp i dessa verk som huvudkaraktärerna, som visar vad en konstnär kan åstadkomma genom att ägna sin skicklighet åt denna typ av konst.
Föremål gjorda av skickliga, flitiga, kloka händer bär avtryck av en persons tankar, önskningar och böjelser. De tjänar honom, gläder honom, inspirerar till en legitim känsla av stolthet. Inte konstigt att vi lär oss om epoker som länge har försvunnit från jordens yta från de skärvor av disk, husgeråd och rituella föremål som för arkeologer blir spridda sidor av mänsklighetens historia.
kikar in i världen, som med ett nyfiket sinne tränger in i dess lagar, avslöjar livets fascinerande mysterier, konstnären återspeglar det mer och mer fullständigt och multilateralt i sin konst. Han skildrar inte bara världen omkring sig, utan förmedlar också sin förståelse, sin inställning till verkligheten.
Historien om bildandet och utvecklingen av olika genrer av målning är ett levande bevis på outtröttligt arbete mänskligt medvetande strävar efter att omfatta den oändliga mångfalden av aktiviteter, att förstå det estetiskt. Genren stilleben var särskilt uttalad i holländsk målning proto-renässans. Det är fortfarande en del av interiören, men samtidigt skapar konstnärernas kärlek till detaljer fantastiska små stilleben: fat, ett arbetsbord, skor som står på golvet. Allt detta skildras med samma kärlek som människors och helgonfigurer. I Italien dyker stilleben upp ur landskapet. I framtiden får föremålet en slags självständig aktivitet, blir en deltagare i handlingen. Sedan proto-renässansen har den objektiva världen blivit mer och mer realistisk, ibland till och med nästan påtaglig. Det upphör att vara en bluff, men blir vardag. På 1500-talet började konstnärerna från den norra renässansen att exponera föremål, riva av deras omslag (till exempel huden från djur).
Stilleben är en relativt ung genre. Den fick självständig betydelse i Europa först på 1600-talet. Historien om stillebens utveckling är intressant och lärorik. Stillebenet blomstrade särskilt fullt och levande i Flandern och Nederländerna. Stilleben tar äntligen form som en självständig genre av måleri. Dess uppkomst är förknippad med dessa revolutionära historiska händelser, som ett resultat av vilka dessa länder, efter att ha vunnit självständighet, i början av 1600-talet, gick in på den borgerliga utvecklingens väg. För Europa på den tiden var detta ett viktigt och progressivt fenomen. Nya horisonter öppnade sig inför konsten. Historiska förhållanden, nya sociala relationer riktade och bestämda kreativa krav, förändringar i lösningen av de problem som målaren står inför. utan att direkt avbilda historiska händelser, konstnärer tog en ny titt på världen, hittade nya värderingar hos människan. Livet dök rutinmässigt upp framför dem med hittills okänd betydelse och fyllighet. De lockades av det nationella livets egenheter, inhemsk natur, saker som behåller prägeln av arbete och dagar vanligt folk. Det var härifrån, från ett medvetet, djupgående, väckt intresse för människornas liv av systemet självt, som separata och oberoende genrer föddes. hushållsmålning, landskap, framväxt och stilleben.
Konsten att stilleben, som utvecklades på 1600-talet, bestämde huvudkvaliteterna för denna genre. Målning, tillägnad världen saker, talade om de grundläggande egenskaperna som är inneboende i föremål som omger en person, avslöjade konstnärens och samtidens inställning till det som avbildas, uttryckte karaktären och fullständigheten av kunskapen om verkligheten. Målaren förmedlade sakers materiella existens, deras volym, vikt, textur, färg, funktionella värde på hushållsartiklar, deras levande koppling till mänsklig aktivitet. Skönheten och perfektionen hos husgeråd bestämdes inte bara av deras nödvändighet, utan också av deras skapares skicklighet. Stilleben från den segerrika bourgeoisins revolutionära era återspeglade konstnärens respekt för nya former det nationella livet landsmän, respekt för arbete.
Formulerades på 1600-talet, genrens uppgifter i generellt funnits i Europaskolan fram till mitten av nittondeårhundrade. Detta betyder dock inte att konstnärerna inte satte sig nya uppgifter och mekaniskt upprepade färdiga lösningar.
Under epokerna förändrades inte bara metoderna och sätten att måla ett stilleben, utan konstnärlig erfarenhet ackumulerades, i bildningsprocessen utvecklades en mer komplex och ständigt berikande syn på världen.
Skapande av kreativa ljusa accenter i barnrummet, gjorda i batikteknik
Batik är ett mönster som appliceras på ett speciellt sätt. Det handlar om om den ursprungliga metoden att dekorera tyg genom att applicera mönster med smält vax, följt av att färga de delar av tyget som förblev oförtäckta ...
Tekniska egenskaper hos stilleben i grafik
Grafikkonstens historia som konstform sträcker sig flera tusen år tillbaka i tiden. Grafik är den äldsta av alla sköna konster...
Traditioner och innovationer inom impressionistiska konstnärers konst
Till mitten 1800-talet franska målare var en del av systemet och upplevde inflytandet från en komplex professionell institution som hade avdelningar inom alla större konster ...
Konstkultur Frankrike av den klassiska eran
För att förstå varför denna trend inom konst uppstod och fick sådan popularitet i Frankrike, låt oss vända oss till historien om denna stat i början av 1600-talet. Efter mordet på kung Henrik IV 1610, officiellt fram till 1614...
japansk tecknad film
Tillkomsten av anime De första japanska animerade filmerna dök upp 1917. Det här var små filmer från en till fem minuter långa, och de gjordes av enskilda artister...
Japansk minimalistisk design
De första rudimenten av minimalism i Europa finns redan på 1700-talet: 1777 reste den största tyska poeten, filosofen och konstnären Johann Wolfgang Goethe en sorts skulptur i trädgården till sitt sommarhus i Weimar...
Instruktion
Stilleben som genre stack inte ut direkt, under en lång tid målningar som föreställer blommor och husgeråd användes som ett inramningstillägg till andra dukar, samt dekoration på möbeldörrar. De första självständiga målningarna dök upp runt 1600-talet. Sedan började bilderna av föremål användas som allegorier, och varje föremål hade ytterligare en symbolisk betydelse. Senare blev stilleben populär bland artister, men ansågs vara en underlägsen genre.
Det finns flera typer av stilleben, en av de tidigaste och vanligaste är blomsterstilleben, den näst populäraste är stilleben på det serverade bordet. Det symboliska stillebenet fortsätter att existera. en annan syn som har dykt upp relativt nyligen är ett abstrakt stilleben, i denna stil skildras inte objekt realistiskt, formerna är skissartade och färgerna saknar mjuka övergångar.
Om du är förtjust i att teckna har du säkert gjort en hel del teckningar och målningar i denna genre. För att rita ett stilleben behöver du inte lägga tid och ansträngning på att leta efter intressanta objekt att rita, du kan alltid rita bra komposition saker som alltid finns till hands. Använd draperi som bakgrund, en liten bit tyg är bra. Ordna föremålen så att du får flera planer, kom ihåg att föremålen stor storlek ska vara i bakgrunden och vara de som är mindre. Lägg till en extra sidofärgkälla, detta kommer att lägga till volym till objekten. Regelbundna övningar med sådana produktioner gör att du kan finslipa dina ritfärdigheter.
Relaterade videoklipp
Källor:
- Komposition i stilleben
- Vad är stilleben
Bra fortfarande liv föds långt innan man plockar upp färg och pensel. Framgång beror på hur du väljer objekten du ska rita och hur du arrangerar dem i rymden.
Instruktion
Tänk på ett stilleben-tema. Naturligtvis kan du lägga alla föremål på bordet på en gång, men komponenterna förenade av en berättelse, gissade av ägarens personlighet, eller åtminstone stilistiskt, kommer att se mycket mer logiska ut.
Sortera alla komponenter efter form. Det är önskvärt att det är varierat - hitta föremål högt och lågt, brett och smalt. Annars kommer monotonin av former i bilden att leda till att allt kommer att blandas till en massa och föremålen kommer helt enkelt att "falla ut" ur synfältet.
Se till att den inte består av produkter och saker som inte stämmer överens i färg. Om du tycker att det är svårt att avgöra detta med ögat, använd färghjulet. Skriv in en liksidig triangel i den. Dess vinklar kommer att indikera tre primära färger som går bra med varandra. Som ytterligare färger kan du ta nyanser som finns på sidorna av de viktigaste.
Välj rätt bakgrund. Du kan lägga ut ett stilleben på ett draperi eller en oövertäckt yta. Det är viktigt att det är neutralt i färgen (om nyanserna av föremål är mättade) eller kombineras med hela kompositionen. Bakgrunden ska i alla fall inte ta lejonparten av tittarens uppmärksamhet.
Vad är stilleben?
Stilleben är en genre av målning som skildrar den livlösa naturen. Genren har sitt ursprung på 1600-talet.
Stilleben är främst överraskande och intressant eftersom det får människor att se skönhet och harmoni i vardagliga, tråkiga saker som omger oss hela tiden, men som inte drar vår uppmärksamhet till sig själva.
Genren är inte så enkel som den verkar vid första anblicken: i de flesta av dessa målningar använder konstnärer allegori - de försöker berätta för människor något viktigt genom en viss uppsättning objekt, deras arrangemang, valda färger, den övergripande kompositionen, för att förmedla vad oroar dem, att berätta om sina känslor och tankar.
Trots den dystra översättningen "död natur", dukar är ofta fulla av ljusa färger, gläder betraktaren med sin originalitet och egenhet, väcker lusten att leva och beundra världen runt dem, att se skönheten i den.
Det finns många typer och underarter av stilleben, till exempel plottematisk, kreativ, pedagogisk och kreativ, pedagogisk. De är också uppdelade efter de använda färgerna, belysning, färg, prestationstid, plats, etc.
Grundarna av stilleben som en självständig genre var holländarna och flamländska konstnärer. Till en början dök målningarna upp i religiöst bruk. Också i en tid präglad av genrens ursprung blev målningar av dyster natur med en djup filosofisk betydelse och mörka toner, i mitten av kompositionen, som var dödskallar, ljus och några andra attribut, utbredd. Sedan, gradvis utvecklande, tog genren upp fler och fler nya riktningar och blev om och om igen mer och mer utbredd i alla kretsar av samhället. Blommor, böcker, grönsaker och frukter, skaldjur, rätter och andra hushållsartiklar - allt återspeglas i konsten. Några av de mest kända stillebenmålarna var Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Briese.
Cezanne, Paul. Stilleben med granatäpple och päron. 1885-1890 
Cezanne, Paul. Stilleben med äpplen och apelsiner. 1895-1900
I Ryssland uppstod genren i början av 1700-talet, men ingen var seriöst engagerad i detta, det ansågs vara en "lägre" genre. I början av 1900-talet nådde stillebenmåleriet sin höjdpunkt; konstnärer skapade sina mästerverk, satte sig nya uppgifter och nådde outsägliga höjder i mästerskap, använde ovanliga tekniker, valde ut nya bilder. Ryskt stilleben, till skillnad från det västerländska, utvecklades inte gradvis, utan i en accelererad takt. Att skapa i denna genre, sådana ryska artister som K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov och många andra.
I. Levitan 
I. Levitan
Inom det moderna måleriet genomgår stilleben ett nytt uppsving och intar nu stadigt en fullvärdig plats bland andra konstgenrer. Nu är det en av de mest eftertraktade riktningarna inom måleri. Med ett stort antal möjligheter till självförverkligande i kreativitet, målar konstnärer en mängd olika stilleben. Och tittare köper i sin tur tavlor, dekorerar sina interiörer med dem, livar upp sitt hem och ger det komfort och glädje. Museer fylls ständigt på med stilleben, fler och fler nya utställningar öppnar i olika städer och länder dit skaror av konstintresserade åskådare kommer. Flera århundraden senare, efter att ha passerat en lång fullfjädrad utvecklingsväg, är stilleben fortfarande relevant och har inte förlorat sin betydelse i världsmålning.
