ภาพในวรรณคดีคืออะไร. ภาพวาดแบบแยกส่วนในการตกแต่งภายใน

จิตรกรรม- งานจิตรกรรมที่มีตัวละครสมบูรณ์ (ต่างกับภาพร่างและภาพร่าง) และเป็นอิสระต่อกัน คุณค่าทางศิลปะ. ประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ กระดานไม้หรือโลหะ กระดาษแข็ง กระดาษ หิน ผ้าไหม ฯลฯ) สีรองพื้น และชั้นสี ภาพวาดเป็นหนึ่งในประเภทของศิลปะขาตั้ง รูปภาพมีหลายประเภท การสร้างภาพศิลปินอาศัยธรรมชาติ แต่จินตนาการที่สร้างสรรค์มีบทบาทสำคัญในกระบวนการนี้ จุดสิ้นสุดของศตวรรษที่ 19 ถูกทำเครื่องหมายไปทั่วยุโรปด้วยมุมมองใหม่ของโลกที่ไม่หยุดนิ่ง ศิลปินแห่งศตวรรษต้องสอดคล้องกับชีวิตที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา: ไม่มากนักที่จะแสดงโลกรอบตัวเขา (ตอนนี้การถ่ายภาพและภาพยนตร์กำลังทำเช่นนี้) แต่เพื่อให้สามารถแสดงความเป็นตัวตนของเขาได้ โลกภายในวิสัยทัศน์ของตัวเอง ถึงจุดสุดยอดของศิลปะในภาพวาดของจิตรกรที่โดดเด่น ในกระแสที่หลากหลายของความทันสมัย ​​มีการสูญเสียของพล็อตและการปฏิเสธของอุปมาอุปไมย ดังนั้นแนวคิดของภาพจึงได้รับการแก้ไขอย่างมีนัยสำคัญ ศิลปินบางคนที่อยู่ในสำนักจิตรกรรมต่างๆ ได้เลิกวาดภาพโลก (คน สัตว์ ธรรมชาติ) อย่างที่เราเห็น บนภาพวาดของพวกเขา โลกดูเหมือนบิดเบี้ยว บางครั้งไม่สามารถจดจำได้ทั้งหมด เนื่องจากศิลปินถูกชักนำโดยจินตนาการมากกว่าการรับรู้ทางสายตาของปรากฏการณ์รอบตัวเรา

จิตรกรรมมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาจิตรกรรม

การทำสำเนาสามารถเรียกว่าภาพวาดได้หากในบริบทที่เกี่ยวข้องไม่สำคัญว่าจะเป็นสำเนาหรือ งานเดิม.

รูปภาพเป็นรูปเป็นร่างหรือมากกว่านั้น ความหมายทั่วไป- งานศิลปะใด ๆ ที่สมบูรณ์และสมบูรณ์ รวมถึงการใช้ชีวิตและ คำอธิบายที่ชัดเจน, ปากหรือลายลักษณ์อักษร.

จิตรกรรมเป็นศิลปะของระนาบและมุมมองเดียว ซึ่งพื้นที่และปริมาตรมีอยู่ในภาพลวงตาเท่านั้น จิตรกรรมผ่านความซับซ้อน หมายถึงการมองเห็นสามารถสร้างความลึกของพื้นที่ลวงตาและหลายมิติบนระนาบได้ ความเป็นจริงทางศิลปะซึ่งไม่อยู่ภายใต้บังคับของวิธีการอื่นในการเป็นตัวแทน แต่ละภาพทำหน้าที่สองอย่าง - รูปภาพและการตกแต่งที่แสดงออก ภาษาของจิตรกรนั้นค่อนข้างเข้าใจได้เฉพาะผู้ที่ตระหนักถึงฟังก์ชั่นการตกแต่งตามจังหวะของระนาบของภาพ

ในการรับรู้ทางสุนทรียะ การทำงานทั้งหมดของภาพ (ทั้งการตกแต่ง ระนาบ และภาพ เชิงพื้นที่) จะต้องมีส่วนร่วมพร้อมกัน การรับรู้และเข้าใจภาพอย่างถูกต้องหมายถึงการมองเห็นพื้นผิว ความลึก รูปแบบ จังหวะ และภาพไปพร้อม ๆ กันโดยแยกไม่ออก

การรับรู้เกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของภาพวาดจะดีขึ้นอย่างมากเมื่ออยู่ในกรอบที่เหมาะสมซึ่งแยกภาพวาดออกจากโลกรอบข้าง จิตรกรรมประเภทตะวันออกยังคงรักษารูปแบบดั้งเดิมของม้วนกระดาษที่กางออกแบบแขวนอิสระ (แนวนอนหรือแนวตั้ง) รูปภาพซึ่งแตกต่างจากภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ไม่ได้เชื่อมโยงกับการตกแต่งภายในอย่างแน่นหนา สามารถถอดออกจากผนังและแขวนได้หลายแบบ

ความลึกของพื้นที่ลวงตาของภาพวาด

ศาสตราจารย์ Richard Gregory อธิบายถึง "คุณสมบัติที่แปลกประหลาดของภาพเขียน" ว่า "ภาพเขียนเป็นวัตถุประเภทหนึ่งที่มีลักษณะเฉพาะ เนื่องจากทั้งสองภาพสามารถมองเห็นได้ในตัวมันเองและเป็นสิ่งที่ค่อนข้างแตกต่างจากกระดาษที่ใช้วาด รูปภาพมีความขัดแย้ง ไม่มีวัตถุใดที่สามารถอยู่ในสองที่ในเวลาเดียวกันได้ ไม่มีวัตถุใดที่สามารถเป็นได้ทั้งสองมิติและสามมิติในเวลาเดียวกัน และนั่นคือวิธีที่เราเห็นรูปภาพ รูปภาพมีขนาดที่กำหนดไว้อย่างสมบูรณ์ และในขณะเดียวกันก็แสดงขนาดที่แท้จริง ใบหน้าของมนุษย์, อาคารหรือเรือ. รูปภาพเป็นวัตถุที่เป็นไปไม่ได้

ความสามารถของบุคคลในการตอบสนองต่อสถานการณ์ในจินตนาการที่ขาดหายไปซึ่งนำเสนอในภาพคือ เหตุการณ์สำคัญในการพัฒนาความคิดเชิงนามธรรม

วิธีการทำภาพวาด

รูปเป็น โลกวิญญาณศิลปิน ประสบการณ์และความรู้สึกที่แสดงออกมาบนผืนผ้าใบหรือกระดาษ เป็นการยากที่จะอธิบายว่าภาพวาดถูกสร้างขึ้นอย่างไร - เป็นการดีกว่าที่จะดูด้วยตัวคุณเอง เป็นไปไม่ได้ที่จะถ่ายทอดเป็นคำพูดว่าศิลปินวาดภาพบนผืนผ้าใบด้วยพู่กันที่เขาแตะผืนผ้าใบด้วยสีอะไรที่เขาเลือก ในระหว่างการทำงาน ทุกสิ่งจะกลายเป็นหนึ่งเดียว: ศิลปิน พู่กัน และผืนผ้าใบ และหลังจากจังหวะแปรงครั้งแรกในเวิร์กช็อป ความมหัศจรรย์พิเศษของการวาดภาพก็เริ่มทำงาน

รูปภาพไม่ได้เป็นเพียงผืนผ้าใบที่ทาสี แต่ส่งผลต่อความรู้สึกและความคิด ทิ้งร่องรอยไว้บนจิตวิญญาณ ปลุกลางสังหรณ์ให้ตื่นขึ้น

ภาพวาดถูกสร้างขึ้นอย่างไร?

ดูเหมือนว่าจะทาสีพู่กันบนผืนผ้าใบ อาจมีคำตอบที่เป็นสากลอื่น: ในรูปแบบต่างๆ

วิธีการทำงานเกี่ยวกับการวาดภาพมีการเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาตลอดประวัติศาสตร์ศิลปะ ศิลปิน ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีพวกเขาทำงานในลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงกับ Rembrandt หรือ "Little Dutch" ในศตวรรษที่ 17 ซึ่งเป็นแนวโรแมนติก - แตกต่างจากแนวอิมเพรสชันนิสต์, นามธรรม, ศิลปินแนวสัจนิยมร่วมสมัย ใช่ และในยุคเดียวกันหรือแม้แต่ทิศทางเดียว คุณจะพบความหลากหลายมากมาย

ศิลปินแนวสัจนิยมทั้งในอดีตและปัจจุบัน (หากเราเข้าใจสัจนิยมในความหมายกว้างๆ ของคำนี้) จะรวมกันเป็นหนึ่งดังต่อไปนี้:

สร้างสรรค์ผลงานให้สมบูรณ์ กรณีนี้ภาพวาดภาพบุคคลหรือทิวทัศน์เป็นไปไม่ได้หากไม่มีการศึกษาชีวิตอย่างลึกซึ้งทัศนคติที่กระตือรือร้นของผู้เขียน สื่อความรู้ทางศิลปะของชีวิต ได้แก่ งานจากธรรมชาติ ภาพประทับใจ การวิเคราะห์และสังเคราะห์ปรากฏการณ์ของชีวิต

การสร้างภาพวาดนั้นซับซ้อนและใช้เวลานาน กระบวนการสร้างสรรค์ซึ่งผลลัพธ์ไม่ได้ถูกกำหนดโดยเวลาที่ใช้ แต่โดยการวัดความสามารถ ทักษะของศิลปิน ความแข็งแกร่งและประสิทธิผลของโซลูชันเชิงเปรียบเทียบที่เป็นต้นฉบับ เหตุการณ์สำคัญกระบวนการนี้เป็นจุดกำเนิดและการทำให้เป็นรูปธรรมของความคิด, การสังเกตโดยตรง, ภาพร่าง, ภาพร่างจากธรรมชาติ, การวาดภาพจริงของภาพที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่จำเป็น, การประมวลผลวัสดุชีวิตที่ใช้งานอยู่

และเมื่อผู้ชมเข้าใกล้ภาพวาดในพิพิธภัณฑ์หรือในนิทรรศการ ก่อนที่จะตัดสินใจเกี่ยวกับมันเอง เขาต้องจำไว้ว่าเบื้องหลังนั้นยังมีบุคคลที่มีชีวิตอยู่เสมอ ศิลปินที่ทุ่มเททั้งชีวิต หัวใจ เส้นประสาท ความสามารถและทักษะในการทำงาน อาจกล่าวได้ว่าภาพวาดคือความฝันของศิลปินที่เป็นจริง

G. S. OSTROVSKII

ความสมบูรณ์ของภาพ

ในชีวิตมีหลายสิ่งหลายอย่างเกิดขึ้นโดยบังเอิญ - ในภาพจะไม่มีอุบัติเหตุดังกล่าวทุกอย่างจะต้องเสร็จสมบูรณ์อย่างมีเหตุผล ภาพวาดจะถือว่าสมบูรณ์ ณ จุดใด?

ฝีมือการแสดงของแรมแบรนดท์ผู้เก่งกาจซึ่งมีมูลค่าสูงในภายหลังและในยุคของเรา สร้างความงุนงงในหมู่ผู้ร่วมสมัยของแรมแบรนดท์และก่อให้เกิดการเยาะเย้ยและตำหนิโดยค่าใช้จ่ายของเขา แรมแบรนดท์โต้แย้งความถูกต้องของความเข้าใจของพวกเขาเกี่ยวกับความสมบูรณ์ของภาพวาดโดยคัดค้านพวกเขาด้วยความเข้าใจของเขาเองซึ่งเขากำหนดในลักษณะนี้: รูปภาพควรถือว่าสมบูรณ์เมื่อศิลปินพูดทุกสิ่งที่เขาต้องการในนั้น . เพื่อไม่ให้ได้ยินคำถามที่กวนใจเขาเกี่ยวกับ "ความไม่สมบูรณ์" ของภาพวาดของเขา Rembrandt หยุดปล่อยให้ผู้เยี่ยมชมสตูดิโอของเขาที่ไร้เดียงสาเข้าใกล้พวกเขา ซึ่งมองด้วยความอยากรู้อยากเห็นอย่างมากกับลายเส้นอันกล้าหาญของภาพวาดของเขา ทำให้พวกเขาหวาดกลัวด้วย ความจริงที่ว่าภาพวาดไม่ควรเข้าใกล้เกินไปเนื่องจากการดมกลิ่นของสีนั้นไม่ดีต่อสุขภาพ

Matisse ในภาพวาดของเขา:

"ฉันแค่ลองใส่สีที่แสดงความรู้สึกของฉันลงบนผืนผ้าใบ สัดส่วนของโทนสีที่จำเป็นสามารถทำให้ฉันเปลี่ยนรูปร่างของตัวเลขหรือเปลี่ยนองค์ประกอบได้ จนกว่าฉันจะได้สัดส่วนนี้ในทุกส่วนของภาพ ฉันจึงดู สำหรับมันและทำงานต่อไป จากนั้น เวลาก็มาถึง เมื่อทุกส่วนได้สัดส่วนสุดท้าย

เริ่มตั้งแต่ยุคอิมเพรสชันนิสต์ ประเภทของการวาดภาพ รูปทรงและสีเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิด เติบโตไปด้วยกัน ดูเหมือนจะเป็นกระบวนการต่อเนื่อง: การวาดและสี การสร้างแบบจำลองและการจัดองค์ประกอบ โทนสีและเส้นปรากฏขึ้นและพัฒนาราวกับว่าในเวลาเดียวกัน กระบวนการของการวาดภาพสามารถพูดต่อไปได้เรื่อย ๆ ช่วงเวลาของการทำงานให้เสร็จนั้นค่อนข้างไม่มีกฎเกณฑ์: ที่ใดก็ได้บนผืนผ้าใบศิลปินสามารถดำเนินการต่อได้โดยใช้จังหวะใหม่กับภาพที่คล้ายกัน แต่อยู่ด้านล่าง ตัวแทนที่โดดเด่นและคงเส้นคงวาที่สุดของระบบนี้คือ Cezanne ในจดหมายและบทสนทนาที่บันทึกไว้ เขาได้กำหนดวิธีการวาดภาพแบบผสมหรือแบบไม่มีความแตกต่างนี้ซ้ำแล้วซ้ำเล่า การทำงานกับภาพวาดสามารถถูกขัดจังหวะได้ตลอดเวลา แต่งานจะไม่สูญเสียคุณค่าทางสุนทรียะ ในช่วงเวลาใด ๆ รูปภาพก็พร้อม

การเชื่อมต่อของพื้นที่ว่างของรูปภาพกับพื้นที่จริง

ศิลปินและนักทฤษฎีศิลปะ V. A. Favorsky ในระหว่างทฤษฎีการจัดองค์ประกอบเน้นว่างานศิลปะที่แท้จริงนั้นมีอยู่สองอย่างตั้งแต่แรกเกิด: เป็นวัตถุในอวกาศโดยรอบและเป็นโลกที่ค่อนข้างปิดด้วยความสัมพันธ์เชิงพื้นที่และเวลา . ในการวาดภาพ เป้าหมายนี้ทำได้โดยการประสานโครงสร้างภายในของภาพกับกรอบ ในประติมากรรม - กับพื้นที่โดยรอบ (ตัวอย่างคลาสสิก: รูปปั้นในช่อง)

ในการเชื่อมต่อพื้นที่ภาพกับพื้นที่จริงซึ่งผู้ชมตั้งอยู่ จะใช้กรอบรูป ศิลปินยังเล่นกับ "การสร้างภาพซ้ำของเฟรม" หลายแบบในตัวภาพ ภาพสัมผัส การซ้ำกันของแนวตั้งและแนวนอน หนึ่งในเทคนิคลักษณะเฉพาะที่ช่วยให้คุณ "เสริม" ภาพภายในขอบเขตของรูปแบบสี่เหลี่ยมผืนผ้าคือ "มุมเอียง" การแยกภาพวาดออกจากสถาปัตยกรรมทำให้เกิดระบบการรับรู้ของภาพวาดขาตั้ง เนื้อหาหลักของภาพคือการแสดงออกถึงมุมมองแบบองค์รวมของอวกาศ องค์ประกอบถูกแปลงเป็นการแสดงที่ผู้ชมเผชิญกับโลกแห่งการเปลี่ยนแปลงของความสัมพันธ์เชิงพื้นที่และเวลาและมองเห็นตัวเองในนั้นเหมือนในกระจก ดังนั้นกระจกใสของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจึงกลายเป็นกระจกของยุคคลาสสิกและยุคบาโรก ศิลปะของยุคหลังเรอเนซองส์มีลักษณะเด่นคือการเล่นกับภาพสะท้อนในกระจก การนำบุคคลภายนอกเข้ามาเป็นส่วนหนึ่งของภาพ บุคคลที่จ้องมองหรือแสดงท่าทางมือโดยตำแหน่ง บ่งบอกถึงการกระทำที่เกิดขึ้นใน ความลึกของภาพราวกับเชิญชวนให้เข้าไป นอกเหนือจากกรอบแล้วองค์ประกอบดังกล่าวยังมี proskenium - ส่วนหน้าของเวที, หลังเวที, จากนั้นพื้นตรงกลางซึ่งดำเนินการหลักและพื้นหลัง - "ฉากหลัง"

ศิลปินมักจะวางตัวเลขหลักในระนาบกลางของภาพโดยวางบนเส้นแนวนอนเหมือนบนฐาน จากตำแหน่งของการอ้างอิงนี้ เส้นแนวนอนความลึกของ "ชั้นเชิงพื้นที่" ขึ้นอยู่กับ (ในแง่ planimetric - ด้านบนหรือด้านล่างของขอบล่างของกรอบรูป) จิตรกรสร้างจังหวะการเคลื่อนไหวบางอย่างในความลึกของพื้นที่จินตนาการ ด้วยเหตุนี้ แม้บนผืนผ้าใบขนาดเล็ก คุณก็สามารถพรรณนาพื้นที่ความยาวเท่าใดก็ได้ด้วยตัวเลขและวัตถุจำนวนเท่าใดก็ได้ ในการจัดนิทรรศการดังกล่าว เราจะต้องดึงความสนใจของผู้ชมให้สนใจข้อเท็จจริงที่ว่าวัตถุบางอย่างอยู่ใกล้กว่า ในขณะที่วัตถุบางอย่างอยู่ไกลออกไป ในการทำเช่นนี้จะใช้ "ตัวชี้": การลดเปอร์สเป็คทีฟ, การแนะนำจุดสังเกตขนาดใหญ่ (บุคคลขนาดเล็กในพื้นหลัง), แผนผังที่ทับซ้อนกัน, คอนทราสต์ของโทนสี, เงาที่ตกลงมาจากแหล่งกำเนิดแสงภายในหรือภายนอกภาพ จุดอ้างอิงอีกจุดหนึ่งสำหรับการเคลื่อนไหวทางจิตของผู้ชมในพื้นที่ของภาพคือเส้นทแยงมุม จุดหลักคือ "เส้นทแยงมุมทางเข้า" (โดยปกติจะเป็นจากซ้ายไปขวา)

รูปภาพในภาพ

รูปภาพในภาพ

สามารถใช้ Picture in Picture ในฟังก์ชั่นการจัดองค์ประกอบพิเศษได้ มีการนำเสนอองค์กรแบบลำดับชั้นที่คล้ายกันในกรณีของการวาดภาพภายในภาพ (เช่นเดียวกับจิตรกรรมฝาผนังในจิตรกรรมฝาผนัง ฯลฯ )

"ภาพซ้อนภาพ"— เทคนิคการแต่งเพลงพบในศิลปะการวาดภาพคลาสสิกของศตวรรษที่ XVI-XVII รูปภาพภายในรูปภาพสามารถมีความหมายพิเศษที่ซ่อนอยู่

เทคนิคการจัดองค์ประกอบภาพ "ภาพซ้อนภาพ" สามารถทำงานได้หลายอย่าง:

• แสดงความคิด
• อธิบายเนื้อเรื่อง
• เพื่อต่อต้านหรือสร้างความปรองดอง
• เป็นรายละเอียดของสถานการณ์ (ภายใน)

บ่อยครั้งที่ภาพพื้นหลังในภาพวาดสามารถเข้าใจได้ว่าเป็นรูปภาพชนิดหนึ่งในรูปภาพนั่นคือรูปภาพอิสระที่สร้างขึ้นตามกฎหมายพิเศษของมันเอง ในขณะเดียวกันภาพพื้นหลังในระดับที่มากกว่าภาพของตัวเลขบนระนาบหลักนั้นขึ้นอยู่กับงานตกแต่งล้วน ๆ เราสามารถพูดได้ว่าบ่อยครั้งไม่ใช่โลกที่ปรากฎที่นี่ แต่ ทิวทัศน์ของโลกนี้ กล่าวคือ ไม่ใช่ภาพที่ถูกนำเสนอ แต่เป็นภาพของภาพนี้

ชาวดัตช์มีแผนที่ พรม ภาพวาด เปิดหน้าต่างภาพที่รวมอยู่ในภาพขยายขอบเขตของโลกหรือทำหน้าที่ในการพัฒนาความหมายเชิงเปรียบเทียบของโครงเรื่องหลักอย่างไร Vermeer เปิดม่านของการประชุมเชิงปฏิบัติการกลายเป็นแนวทางผ่านสามระดับของความเป็นจริง: พื้นที่ของผู้ชม, พื้นที่ของการประชุมเชิงปฏิบัติการของเขา, พื้นที่ของงานศิลปะ (ผืนผ้าใบที่ตั้งอยู่บนขาตั้ง) เปรียบเสมือนการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ ว่ายน้ำบนมหาสมุทรทาสี แผนที่ทางภูมิศาสตร์หรือบินเหนือดินแดนแผนที่

นอกจากนี้ยังสามารถสังเกตเห็นความเป็นจริง - ศิลปะ - ตำนานที่ล้นเหลือใน Velazquez ซึ่งเต็มใจที่จะหันไปใช้เทคนิค "ภาพซ้อนภาพ" ตัวอย่างของ Meninas และ Spinners

“Picture in picture” อยู่ใน “Venus in front of a mirror” โดย Velasquez เช่นกัน แต่กระจกหมอกสะท้อนเพียงเงาของเทพีแห่งความรักเท่านั้น

ภาพวาดและกรอบ

ภาพใด ๆ ที่สร้างโดยศิลปินยกเว้นภาพโบราณ ภาพวาดหิน,มีกรอบ. การใส่กรอบเป็นสิ่งจำเป็นและ เป็นส่วนสำคัญองค์ประกอบมันทำให้สมบูรณ์ทำให้เกิดความสามัคคี เฟรมอาจอยู่ในระนาบเดียวกันกับองค์ประกอบภาพหรือกราฟิก นอกจากนี้ยังสามารถสร้างขึ้นโดยเฉพาะในรูปแบบของการบรรเทาทุกข์ด้วยความช่วยเหลือขององค์ประกอบตกแต่ง ประติมากรรม และสถาปัตยกรรม ส่วนใหญ่มักจะมีกรอบรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าค่อนข้างน้อย - กลมและวงรี

กรอบช่วยเน้นภาพวาดจาก สิ่งแวดล้อมเป็นสิ่งที่พิเศษและควรค่าแก่ความสนใจ แต่ในขณะเดียวกันก็เชื่อมโยงกับสิ่งแวดล้อม ดังนั้น หากสไตล์ของกรอบนั้นสอดคล้องกับรูปลักษณ์ทางศิลปะ โครงสร้าง และลักษณะเฉพาะของการตกแต่งภายในซึ่งเป็นที่ตั้งของรูปภาพ สิ่งนี้จะส่งผลต่อความสมบูรณ์ของทั้งมวล ขึ้นอยู่กับสี ความอิ่มตัวของรายละเอียดการตกแต่งและประติมากรรม เฟรมมีผลอย่างมากต่อความประทับใจโดยรวมของภาพ ทั้งหมดนี้ช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับความสามัคคีของภาพและเฟรมซึ่งแน่นอนว่าการจัดเฟรมไม่ใช่หน้าที่หลัก แต่เป็นหน้าที่ที่จำเป็นมาก

พัฒนาการของการวาดภาพบนขาตั้งนั้นซับซ้อน ก้าวที่สดใสในประวัติศาสตร์คือการเปลี่ยนแปลงจากยุคกลางสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา! สิ่งสำคัญที่สุดในนั้นคือความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความแข็งกระด้างและนามธรรมของภาพไอคอนที่ครอบงำยุคกลาง ประมาณในศตวรรษที่สิบสี่ภาพวาดในความหมายสมัยใหม่ของคำถือกำเนิดขึ้นและมีกรอบปรากฏขึ้นโดยยังคงสวมชุดลูกไม้ของทิวทัศน์แบบกอธิค

เฟรมแรกไม่ได้ตรงข้ามกับภาพรวมทั้งหมดและไม่ได้แยกออกจากเฟรม วัสดุของทั้งสองมีความคล้ายคลึงกัน การปิดทองตามเงื่อนไขของพื้นหลัง เช่น ไอคอนของรัสเซียหรือไบแซนไทน์โบราณถูกส่งไปยังเฟรม และตัวภาพเองมักจะ "สาด" ลงไป จากนั้นขอบเขตระหว่างภาพและเฟรมก็ชัดเจนขึ้นเรื่อยๆ อย่างไรก็ตาม ในฐานะที่เป็นความทรงจำของศตวรรษก่อน กรอบยังคงสีทองไว้ เมื่อพื้นหลังสีทองซึ่งแสดงถึงโลกแห่งสวรรค์หายไปจากภาพวาดการปิดทองของกรอบเริ่มรับรู้ตามเงื่อนไขกล่าวอีกนัยหนึ่งว่าเป็นคุณลักษณะที่จำเป็นของกรอบซึ่งช่วยเน้นภาพในห้อง ดึงดูดสายตาของผู้ดู

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาความคิดในการวาดภาพเพื่อมองโลกผ่านหน้าต่างครอบงำกรอบที่มีรูปแบบของมันได้พาดพิงถึงแนวคิดที่แพร่หลายอย่างชัดเจนและตอบสนองต่อมัน กรอบที่สวยงามและเคร่งขรึมเหล่านี้สร้างขึ้นตามภาพวาดของศิลปินในเวิร์กช็อปพิเศษหรือโดยผู้ช่วยของศิลปินที่ทำงานในเวิร์กช็อปของเขา

ในช่วงยุคเรอเนสซองส์ ภาพวาดมักถูกเปรียบเทียบกับกระจกเงาที่สะท้อนความเป็นจริง และกรอบที่สร้างขึ้นเหมือนกรอบกระจกประดับ เน้นการเปรียบเทียบนี้ให้เด่นชัดยิ่งขึ้น กรอบนี้ไม่เพียงแต่ทำจากแผ่นไม้และปูนปลาสเตอร์เท่านั้น แต่ยังทำจากวัสดุมีค่า เช่น เงิน งาช้าง หอยมุก ฯลฯ ความล้ำค่าของวัสดุดูเหมือนจะเข้ากับความล้ำค่าของภาพวาด

ช่างฝีมือเก่าให้ความสำคัญกับกรอบโดยคำนึงถึงผลกระทบในกระบวนการทำงานบางครั้งพวกเขาก็ทาสีในกรอบสำเร็จรูปโดยคำนึงถึงโทนสีและจังหวะการตกแต่งของกรอบ ดังนั้น การจัดองค์ประกอบภาพโดยปรมาจารย์รุ่นเก่ามักจะได้รับประโยชน์อย่างมากในเฟรมต้นฉบับ

การสังเกตเฟรมของปรมาจารย์เก่าทำให้เราสามารถสร้างหลักการอื่นได้ นั่นคือความสอดคล้องระหว่างโปรไฟล์กับความกว้างของเฟรมและขนาดของรูปภาพ ตัวอย่างเช่น จิตรกรชาวดัตช์เคยใส่ ภาพวาดขนาดเล็กลงในเฟรมขนาดใหญ่ที่มีความลึกและโปรไฟล์ที่ชัดเจน ซึ่งนำสายตาไปยังจุดกึ่งกลางของภาพและแยกออกจากอิทธิพลของสภาพแวดล้อม

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เริ่มได้ยินเสียงเรียกร้องให้ละทิ้งเฟรมทั้งหมด เนื่องจากเป็นสิ่งที่เป็นวัตถุมากเกินไป "เป็นพื้นฐาน" ของจิตวิญญาณของศิลปะ ศิลปินแนวหน้าหลายคนเริ่มแสดงผลงานโดยไม่มีกรอบ อย่างไรก็ตาม ด้วยนวัตกรรมนี้ ผลงานของพวกเขาจึงกลายเป็นภาพวาดในความหมายแคบๆ ของคำนี้ สิ่งเหล่านี้เป็น "วัตถุ" "จุด" บางประเภทซึ่งมักไม่มีความหมายที่ชัดเจน

แม้ว่าตอนนี้จะไม่มีรูปแบบเดียวในการออกแบบเฟรมอย่างที่เคยเป็นมา แต่ความสอดคล้องของเฟรมกับสไตล์ส่วนบุคคลของศิลปินมีมากกว่าเมื่อก่อน

ใน ครั้งล่าสุดบน นิทรรศการศิลปะจะเห็นได้ว่าความเฉื่อยที่เกี่ยวข้องกับการออกแบบเฟรม (ปล่อยให้มันเป็นไปและอะไรที่ไม่สำคัญนัก) ซึ่งศิลปินของเราแสดงให้เห็นในอดีตเริ่มที่จะเอาชนะได้ เฟรมถูกทาสีด้วยสีต่าง ๆ รูปภาพและจารึกเพิ่มเติมขนาดเล็กมักจะถูกวางไว้บนนั้นประติมากรช่วยจิตรกร - เฟรมที่มีลวดลายพลาสติกมากมายปรากฏขึ้น

รูปแบบรูปภาพ

อย่างไรก็ตาม มีองค์ประกอบเฉพาะสองอย่างของภาพซึ่งดูเหมือนจะสร้างการเปลี่ยนแปลงจากระนาบไปสู่ภาพในขณะเดียวกันก็เป็นของความเป็นจริงของภาพและเรื่องแต่ง นั่นคือรูปแบบและกรอบ อาจดูเหมือนว่ารูปแบบของรูปภาพเป็นเพียงเครื่องมือของศิลปินเท่านั้น แต่ไม่ใช่การแสดงออกถึงแนวคิดสร้างสรรค์ของเขาโดยตรง ท้ายที่สุด ศิลปินจะเลือกรูปแบบเท่านั้น ในขณะเดียวกัน ลักษณะของรูปแบบจะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับโครงสร้างภายในทั้งหมดของงานศิลปะ และมักจะชี้ให้เห็นถึงแนวทางที่ถูกต้องในการทำความเข้าใจความตั้งใจของศิลปิน ตามกฎแล้วรูปแบบจะถูกเลือกก่อนเริ่มงานของจิตรกร แต่ทราบว่ามีศิลปินจำนวนหนึ่งที่ชอบเปลี่ยนรูปแบบของภาพในขณะทำงาน ไม่ว่าจะตัดชิ้นส่วนออกหรือเพิ่มใหม่ (Velasquez ทำด้วยความเต็มใจเป็นพิเศษ)

รูปแบบที่พบมากที่สุดสำหรับรูปภาพคือรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัส โดยรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสบริสุทธิ์จะหายากกว่ารูปสี่เหลี่ยมด้านขนานที่ยาวขึ้นหรือมีความกว้างน้อยกว่ามาก บางยุคชื่นชมรูปแบบกลม (tondo) หรือวงรี ตัวเลือกของรูปแบบไม่ได้สุ่ม รูปแบบมักจะตรวจพบความลึก การเชื่อมต่ออินทรีย์ทั้งด้วยเนื้อหาของงานศิลปะ น้ำเสียง อารมณ์ และองค์ประกอบของภาพก็สะท้อนอารมณ์และรสนิยมของศิลปินแต่ละยุคสมัยได้อย่างชัดเจนไม่แพ้กัน เรารู้สึกถึงความสัมพันธ์เชิงสาเหตุที่ซ่อนอยู่ระหว่างรูปแบบและความตั้งใจของศิลปินก่อนที่ภาพแต่ละภาพจะนำมาซึ่งเสน่ห์ของงานศิลปะที่แท้จริง มีภาพวาดหลายภาพที่มีเนื้อหาผสมผสานกับธรรมชาติของรูปแบบมากจนดูเหมือนว่าสัดส่วนที่เปลี่ยนไปเพียงเล็กน้อยน่าจะทำให้สมดุลทางโวหารและอุดมการณ์ของภาพเสียไป

โดยทั่วไปแล้ว รูปแบบยาวในแนวนอนนั้นเหมาะสมกว่าสำหรับการจัดองค์ประกอบการเล่าเรื่องอย่างแน่นอน สำหรับการเปิดเผยการเคลื่อนไหวตามลำดับผ่านผู้ชม ดังนั้นศิลปินที่มีอารมณ์มหากาพย์มุ่งมั่นในการจัดองค์ประกอบที่กระตือรือร้นเพื่อการกระทำจึงเต็มใจหันมาใช้รูปแบบนี้เช่นจิตรกรชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 14 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 (โดยเฉพาะในการประพันธ์ปูนเปียก) ในทางตรงกันข้ามรูปแบบสี่เหลี่ยมจัตุรัสหรือรูปแบบที่ความสูงค่อนข้างเหนือกว่าความกว้างราวกับว่าหยุดการเปลี่ยนแปลงของการกระทำทันทีและทำให้องค์ประกอบมีลักษณะของการแสดงที่เคร่งขรึม - เป็นรูปแบบประเภทนี้ที่ผู้เชี่ยวชาญต้องการ ภาพวาดบนแท่นบูชาของพวกเขา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ("ซิสทีน มาดอนน่า") ในทางกลับกันด้วยความสูงเหนือความกว้างองค์ประกอบได้รับไดนามิกการยึดเกาะที่แข็งแกร่งอีกครั้ง แต่คราวนี้ขึ้นหรือลง รูปแบบแคบ ๆ ดังกล่าวเป็นที่ชื่นชอบของศิลปินผู้ดีตกแต่ง (Crivelli) หรือลึกลับ (มารยาท, Greco ) พยายามที่จะรวบรวมอารมณ์อารมณ์บางอย่าง

ความเชื่อมโยงของรูปแบบกับอารมณ์ส่วนบุคคลของศิลปินก็ไม่ต้องสงสัยเช่นกัน: จินตนาการที่เย้ายวนและมีพลังของรูเบนส์ต้องการรูปแบบที่ใหญ่กว่าจินตนาการของเรมแบรนดท์ที่ถูกยับยั้งและมีจิตวิญญาณ ในที่สุดรูปแบบจะขึ้นอยู่กับโดยตรง เทคนิคการวาดภาพ. ยิ่งฝีแปรงของศิลปินกว้างและอิสระมากเท่าไหร่ ความปรารถนาของเขาในรูปแบบขนาดใหญ่ก็จะเป็นธรรมชาติมากขึ้นเท่านั้น

ภาพ, สีน้ำ, แผง, สีพาสเทล, ภูมิทัศน์, ผ้าใบ, ภาพร่าง, ศึกษา, หัว, มอร์ตธรรมชาติ; โมเสก. พุธ . .. ดูภาพ... พจนานุกรมคำพ้องความหมายภาษารัสเซียและสำนวนที่คล้ายกัน ภายใต้. เอ็ด N. Abramova, M.: พจนานุกรมรัสเซีย, 2542 รูปภาพ ... พจนานุกรมคำพ้อง

รูปภาพ, ภาพวาด, หญิง. 1. งานเขียนสี บทสนทนา. ภาพวาดสีน้ำ. 2. ภาพยนตร์ภาพยนตร์ 3. รูปภาพจำนวนหนึ่งที่มีความชัดเจนแตกต่างกันและรวมกันเป็นหนึ่งเดียว รูปภาพของธรรมชาติ ภาพในอดีตอันไกลโพ้น นี้… … พจนานุกรมอูชาคอฟ

งานจิตรกรรมที่มีคุณค่าทางศิลปะอย่างเป็นอิสระและมีคุณสมบัติครบถ้วน ตามกฎแล้วรูปภาพไม่ได้เชื่อมต่อเหมือนปูนเปียกหรือหนังสือจิ๋วที่มีการตกแต่งภายใน ... ... สารานุกรมศิลปะ

- (insk.) ลักษณะสวยงาม. พุธ "ดูภาพแล้วคุณจะเห็นสัตว์ร้าย" พุธ ฟันเหมือนอัลมอนด์ ดวงตาเหมือนอบเชย เสียงเหมือนนกไนติงเกล และรูปภาพ เบเกอร์. (com.) พ. บิลด์เชิน … พจนานุกรมวลีเชิงอธิบายขนาดใหญ่ของ Michelson (ตัวสะกดดั้งเดิม)

PICTURE, s, หญิง. 1. งานจิตรกรรม รูปภาพของศิลปินรัสเซีย วางรูปภาพ 2. เหมือนกับฟิล์ม (เป็น 2 ค่า) (ภาษาปาก) 3. รูปอะไรน. วี งานศิลปะ. พ.ชีวิต. 4. สิ่งที่เห็น สำรวจ หรือ ... ... พจนานุกรมอธิบายของ Ozhegov

หญิง ภาพ กลางคืน · เบี่ยงเบน. รูปภาพ รูปภาพที่ดูถูก · นำไป จิตรกรรมโดยเฉพาะ ในสี | ภาพที่มีชีวิตชีวาและสดใสด้วยวาจาหรือลายลักษณ์อักษร | มุมมองที่สวยงามของธรรมชาติ | ที่หลังคา: แผ่นเหล็กสองแผ่นตอกหมุดเข้าด้วยกัน ... ... พจนานุกรมอธิบายของ Dahl

เรพิน "Pripyli" โถ พวกเขาพูด รถรับส่ง เหล็ก. 1. เกี่ยวกับความหวังที่ไม่ได้ผล ความล้มเหลว ความล้มเหลว 2. อะไรล. ไร้สาระ, ไม่เข้าใจ, สับสน. BSRG, 245; Vakhitov 2003, 74. ภาพที่น้ำตาไหล พี่ ที่มันน่าสมเพชมาก ถึงขั้นน้ำตาไหล สงสารใครซักคน สวพ.91 โดย ... ... พจนานุกรมขนาดใหญ่คำพูดของรัสเซีย

จิตรกรรม- รูปภาพ, พาโนรามา, ผ้าใบ, ผ้าใบ, เปิด, ดูถูก แต้ม, พูด, ดูหมิ่น สกปรก ... พจนานุกรมอรรถาภิธานของคำพ้องความหมายของคำพูดภาษารัสเซีย

- "ภาพ", สหภาพโซเวียต, 2532, สี, 40 นาที โศกนาฏกรรม, รายการทีวี. โดย เล่นชื่อเดียวกันวี. สลาฟคิน. วิศวกรที่อาศัยอยู่ในห้องพักในโรงแรมได้รับการเยี่ยมชมจากศิลปินท้องถิ่น ผู้แพ้ ผู้เขียนภาพวาดที่แขวนอยู่บนผนังห้องนี้เป็นเวลาหลายปี บางครั้ง…… สารานุกรมภาพยนตร์

จิตรกรรม- รูปภาพ, s, f. ใบหน้า. ให้ภาพเขา ภาพในแอ่งน้ำ ครอบครอง การโต้แย้งในศตวรรษที่ 19; พบเช่นใน A.P. Chekhov ... พจนานุกรม Argo ของรัสเซีย

จิตรกรรม- (เช่น ปรากฏการณ์) [อ. Goldberg. พจนานุกรมพลังงานภาษาอังกฤษของรัสเซีย 2549] หัวข้อ พลังงานโดยทั่วไป ภาพ EN … คู่มือนักแปลทางเทคนิค

หนังสือ

• ภาพ Granin Daniil Alexandrovich Daniil Granin ผู้ได้รับรางวัล State Prize of Russia และผู้ได้รับรางวัล State Prize of the USSR สองครั้งในนวนิยายเรื่อง "The Picture" กล่าวถึงปัญหาของเสียงสะท้อนสาธารณะอีกครั้ง หนังสือตั้งอยู่ใน…

เราคุ้นเคยกับการเห็นภาพเขียนในพิพิธภัณฑ์ด้วยสีต่างๆ: อุบาทว์, น้ำมัน, สีน้ำ แต่บ่อยครั้งที่เรานึกถึงว่าพวกมันปรากฏตัวได้อย่างไร และใครคือผู้สร้างพวกมัน? เป็นครั้งแรกที่สีซึ่งทำหน้าที่เป็นดินเหนียวถูกนำมาใช้โดย ดั้งเดิม. จากนั้นเขาก็เริ่มผสมดินเหนียว ถ่านหิน และสีย้อมธรรมชาติอื่นๆ กับไขมัน ซึ่งถือได้ว่าเป็นสีจริงชิ้นแรก เวลาผ่านไปนับพันปีก่อนที่จะมีการถือกำเนิดของสีซึ่งศิลปินเริ่มใช้ทุกที่

อุณหภูมิไข่

สีนี้เป็นอุบาทว์ไข่ มันได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเมื่อปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เช่น Raphael, Leonardo da Vinci และ Michelangelo ทำงานร่วมกับมัน เทมเพอราประกอบด้วย ไข่แดงเม็ดสีน้ำและแห้ง ในสมัยนั้นศิลปินถูกบังคับให้ทำสีเอง พวกเขาบดดินเหนียว แร่ธาตุจากพืช ผลเบอร์รี่ และแม้แต่แมลงให้เป็นผงละเอียด จากนั้นผสมกับน้ำและไข่แดง Tempera ต้องการทักษะพิเศษจากศิลปิน สีแดงที่เป็นน้ำนี้แห้งเร็วอย่างน่าประหลาดใจ สิ่งนี้บังคับให้ผู้เชี่ยวชาญทำงานด้วยความเร็วสูงมากเพื่อรักษาเอกภาพของรูปแบบ

สีน้ำมัน

การปฏิวัติการวาดภาพที่แท้จริงเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 15 โดยการประดิษฐ์สีน้ำมันโดย Jan van Eyck เขาใช้น้ำมันลินสีดแทนไข่แดงตามปกติ พูดอย่างเคร่งครัดพวกเขารู้จักก่อนยุคของเรา สิ่งนี้ได้รับการยืนยันจากซากของสีที่พบหลังจากการถูกทำลายของพระพุทธรูป Bamiyan เป็นที่ทราบกันดีว่าจิตรกรโบราณยังใช้น้ำมันพืชในการแต่งแต้มสีสัน บทความต่างๆ จากศตวรรษที่ 8 ถึง 12 กล่าวถึงการใช้น้ำมันลินสีด อย่างไรก็ตามไม่มีหลักฐานทางวัตถุใดรอดไปได้ สีน้ำมันดีกว่าอุบาทว์ไข่ในหลายๆ ด้าน ประการแรกศิลปินถูกติดสินบนด้วยความปั้นของเธอ สีน้ำมันผสมง่าย ทำให้สามารถสร้างสีใหม่ได้อย่างสมบูรณ์ เริ่มทาสีในชั้นบาง ๆ เทคนิคนี้ถ่ายทอดพื้นที่ ปริมาณ และความลึกของสีได้ดีที่สุด

สีน้ำ

แม้จะมีข้อเท็จจริงที่ว่ารูปลักษณ์ของมันมาจากศตวรรษที่ 2 แต่ก็ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 เท่านั้น ประกอบด้วยเม็ดสีที่บดละเอียดและกาวจากพืชที่ละลายได้ง่ายในน้ำ สีนี้เจือจางด้วยน้ำและทาลงบนกระดาษ ความเฉพาะเจาะจง เทคนิคสีน้ำอยู่ในความโปร่งใส สีน้ำสร้างแสงละเอียดอ่อนราวกับภาพวาดที่เต็มไปด้วยอากาศ แต่มีสิ่งที่จับได้: ทำซ้ำการวาดหรือบันทึกเลเยอร์ดังใน ภาพวาดสีน้ำมันตัวอย่างเช่น เป็นไปไม่ได้ เมื่อผสมสีมากกว่าสองหรือสามสี สีจะสูญเสียความสว่างและความบริสุทธิ์ และเมื่อชั้นสีถูกชะล้างออกไป กระดาษจะเสียรูปซึ่งนำไปสู่สิ่งสกปรก

ตั้งแต่อดีตอันไกลโพ้นนั้น สีได้ถูกสร้างขึ้นจากส่วนผสมจากธรรมชาติ ได้แก่ น้ำมันพืช ยางไม้ และสีย้อมธรรมชาติ แต่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 นักเคมีที่ทำงานให้กับผู้ผลิตสีรายใหญ่ได้เริ่มคิดค้นสูตรสีใหม่ ในศตวรรษที่ 20 ประวัติศาสตร์ของสีที่สามารถเห็นได้ในร้านค้าในปัจจุบันเริ่มต้นขึ้น หลายคนมีส่วนประกอบสังเคราะห์ แต่ก็ไม่ด้อยกว่าส่วนประกอบจากธรรมชาติ

• ภาพในจิตรกรรมเป็นผลงานศิลปะที่มีลักษณะสมบูรณ์ (ตรงข้ามกับภาพร่างและภาพร่าง) และมีคุณค่าทางศิลปะที่เป็นอิสระ ไม่เหมือนปูนเปียกหรือหนังสือขนาดจิ๋ว ภาพวาดไม่จำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับการตกแต่งภายในเฉพาะหรือระบบการตกแต่งเฉพาะ ภาพวาดเป็นหนึ่งในศิลปะขาตั้งแบบทั่วไปที่สุดประเภทหนึ่ง การสร้างผืนผ้าใบศิลปินอาศัยธรรมชาติ แต่จินตนาการที่สร้างสรรค์มีบทบาทสำคัญในกระบวนการนี้ จิตรกรรมมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาจิตรกรรม

  ประกอบด้วยฐานพ่นสี (ผืนผ้าใบ กระดานไม้หรือโลหะ กระดาษแข็ง กระดาษ หิน ผ้าไหม ฯลฯ) สีรองพื้น และชั้นสี

  ภาพในละคร โอเปร่า บัลเลต์ ศิลปะภาพยนตร์คือส่วนที่สมบูรณ์ของการแสดงหรืองาน ซึ่งถูกจำกัดโดยพื้นที่ของการกระทำที่ไม่เปลี่ยนแปลง ตามกฎแล้วจะแสดงโดยไม่มีการเปลี่ยนฉาก

  รูปภาพในความหมายเชิงอุปมาอุปไมยหรือความหมายโดยทั่วไปคืองานศิลปะที่สมบูรณ์และสมบูรณ์ รวมถึงคำอธิบายที่มีชีวิตชีวาและสดใส ทั้งทางวาจาหรือลายลักษณ์อักษรของธรรมชาติ

  การผลิตซ้ำหรือสำเนาของต้นฉบับอาจเรียกว่าภาพวาดได้หากไม่สำคัญในบริบทที่เกี่ยวข้องว่าเป็นสำเนาหรืองานต้นฉบับ ตัวอย่างเช่น "มีภาพวาดหลายภาพแขวนอยู่ที่ทางเดิน" หากคุณไม่ได้ใช้ แสงที่ทันสมัย(ไฟฟ้า, เทียน, ฯลฯ) ก่อนเริ่มทำงานเกี่ยวกับรูปภาพ (จิตรกรรม) ขอแนะนำให้ทำเครื่องหมายเวลาโดยใช้นาฬิกาแดดในวันเดียวกันของปี เช่น หากคุณเริ่มวาดภาพเวลา 13.00 น. และไปต่อ ในหนึ่งชั่วโมงก่อนเวลา 14.00 น. ของวันที่ 25 กรกฎาคม 1979 จากนั้นเซสชันการเขียนครั้งต่อไปของคุณจะเป็นช่วงเวลา 13.00 น. ถึง 14.00 น. ของวันที่ 25 กรกฎาคม 1980 ข้อกำหนดนี้เชื่อมโยงกับตำแหน่งทางดาราศาสตร์ของโลกของเราเมื่อเทียบกับดวงอาทิตย์ จำเป็นต้องทราบด้วยว่า มีภาพวาด (โดยเฉพาะปรมาจารย์เก่า) ที่เต็มไปด้วยยาพิษ เนื่องจากมีพืชมีพิษ ของเหลว และแร่ธาตุที่ใช้ในการเขียนภาพเหล่านั้น

  ศาสตราจารย์ริชาร์ด เกรกอรี อธิบายถึง "คุณสมบัติที่แปลกประหลาดของภาพเขียน" ว่า "ภาพเขียนเป็นวัตถุประเภทหนึ่งที่มีลักษณะเฉพาะ เนื่องจากมองเห็นได้ทั้งในตัวมันเองและเป็นสิ่งที่แตกต่างอย่างมากไม่ใช่แค่แผ่นกระดาษที่ใช้วาด รูปภาพมีความขัดแย้ง ไม่มีวัตถุใดที่สามารถอยู่ในสองที่ในเวลาเดียวกันได้ ไม่มีวัตถุใดที่สามารถเป็นได้ทั้งสองมิติและสามมิติในเวลาเดียวกัน และนี่คือวิธีที่เราเห็นภาพ รูปภาพมีขนาดที่ชัดเจนมากและในขณะเดียวกันก็แสดงขนาดที่แท้จริงของใบหน้ามนุษย์ อาคาร หรือเรือ รูปภาพเป็นวัตถุที่เป็นไปไม่ได้ รูปภาพมีความสำคัญเนื่องจากดวงตามองเห็นวัตถุที่ขาดหายไปในนั้น ในทางชีววิทยา มันแปลกมาก”

  ความสามารถของบุคคลในการตอบสนองต่อสถานการณ์ในจินตนาการที่ขาดหายไปในรูปภาพเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาความคิดเชิงนามธรรม

  Johann Wolfgang Goethe เขียนว่า: "รูปภาพไม่ใช่แค่ผืนผ้าใบที่ทาสี แต่มันส่งผลต่อความรู้สึกและความคิด ทิ้งร่องรอยไว้บนจิตวิญญาณ ปลุกลางสังหรณ์ให้ตื่นขึ้น"