Mesafeye bakma Japon sanatı. El SanatlarıKız

Himeji, Japonya'daki en eski kalelerden biridir.

Antik Dönem Japon Sanatı
Japon kültürü, özel doğal ve tarihi koşullarda şekillendi ve gelişti. Japonya, denizlerle yıkanan dört büyük ve çok sayıda küçük adada yer almaktadır. Doğunun en ucunda olduğu için, Çin ve Kore gibi anakara kültürlerinin periyodik olarak artan, sonra tekrar kaybolan etkisini yaşadı. Japon tarihinde dış dünyayla etkileşim dönemlerinin yerini uzun yüzyıllar süren kültürel izolasyon aldı (10. yüzyıldan 14. yüzyıla ve 17. yüzyıldan 19. yüzyılın ortalarına kadar olan dönemler). İkinci durum, birçok benzersiz özelliğin geliştirilmesine ve sağlamlaştırılmasına katkıda bulunmuştur. Japon Kültürü genel olarak ve özel olarak sanat. Batı kültürüyle tanışma, orijinal Japon medeniyetinin ana özelliklerinin zaten oluştuğu 16. yüzyılda gerçekleşti. 1854 yılına kadar Japonya, Çin ve Hollanda ile tek bir liman üzerinden ticaret yapıyordu.

Japon adalarının eski sakinlerinden - avcılar ve balıkçılar - arkeolojik kazılar sonucunda keşfedilen taş baltalar, zıpkınlar, ok uçları ve el yapımı seramik kaplar geldi ve üzerlerine basılmış "Jomon" deseni nedeniyle adını aldı. "halatın izi" anlamına gelir. Bu nedenle Japonya'daki Neolitik kültüre Jomon da denir. Sibirya, Polinezya ve daha sonra Kore ve Çin'den gelen yerleşimciler farklı seviyelerde duruyorlardı. kültürel gelişme. Bu, hem Neolitik çağa hem de Tunç Çağı'na ait anıtların bazı kültürel katmanlarda bulunmasını açıklar. Japonca, Altay grubunun dillerine yakındır. ile temasların bir sonucu olarak ne zaman Çin kültürleri oh, Japonlar Çin hiyeroglif yazısıyla tanıştı, Çin hiyerogliflerini sözlü Japonca konuşmayı iletmek için uyarlamanın çok zor olduğu ortaya çıktı.

Japon kültürünün, hakkında güvenilir verilerin korunduğu ilk dönemine, kofunlar (höyükler) çağı denir - zemin kısmı karakteristik bir şekle sahip toprak bir höyük olan mezarlar - bir daire ve bir yamuk kombinasyonu, toprak ve suyun birliğini simgeleyen bir anahtar deliğine benziyordu. Oldukça büyüktüler, suyla dolu bir çift hendekle çevriliydiler, höyüğün üzerinde otlar büyümüştü ve höyüğün iç çevresi boyunca 30 cm'den bire kadar insan, hayvan, tekne ve ev modellerinin içi boş kil figürleri vardı. ve bir buçuk metre yüksekliğinde. Onlara "haniwa" deniyordu. Mezar odasının içinde, ritüel nesnelerin yerleştirildiği soyluların ölü temsilcilerinin bulunduğu tabutlar vardı: sesinin kötü ruhları korkutması ve tanrıları - yekelerin patronları - çekmesi gereken bir ayna, bir dotaku çanı. Yamato krallarının cenazelerinde her zaman yeşim kolyeler ve kılıçlar gibi güç ritüel sembolleri bulunurdu. Yamato klanının krallarını yüceltmek için tarihin başlangıcı kuruldu, tanrıların hiyerarşisi belirlendi, tanrı Amaterasu ("Gökten parlayan") seçildi, bu da gücü onlara devretti. Japon adaları Yamato klanının kralları. "Yükselen güneşin ülkesi" anlamına gelen "Nippon" veya "Nihon" adı 7. yüzyılda ortaya çıktı. 608'de, iki yüzyıldan fazla süren Çin'de eğitim gezileri başladı.

Dotaku - ritüel bronz çanlar - duvarları grafik görüntülerle dolu karelere bölünmüş, kıvrık çıkıntılı geniş halkalarla tepeye daraltılmış silindirler

İlkel animizm ve fetişizmin birçok özelliğini taşıyan Japonların heterojen inançları Şinto'ya da yansımıştır. Şinto ("tanrıların yolu") özünde, doğanın evrensel maneviyatı hakkındaki Japon fikirlerini yansıtır. Hem Biwa Gölü ve Fuji Dağı gibi mucizevi manzara nesnelerinde hem de insanlar tarafından yaratılan nesnelerde - kılıçlar, aynalar, bu sayede bahşedilen sayısız "kami" (ruh) vardır. büyülü özellikler. Şinto tapınağı, ahşap yapısının sadeliği ile ayırt edildi: her tarafı bir veranda ile çevrili, sütunlar üzerine tek salonlu bir oda yerleştirildi. Şinto tapınağının içi loş ve boştu. İnananlar tapınağa girmediler.

Para dönemi (MS 645-794)

Nara, o dönemde Japonya'nın ilk başkentinin ve tek şehrinin adıdır. Bu, Japon devletinin kurulduğu, Budizm'in tanıtıldığı ve Budist sanatının anıtlarının - tapınaklar, pagodalar, çeşitli Budist tanrı heykelleri - yaratıldığı zamandı. Bu dönemde Budizm, mahkeme politikasının bir devamı olarak halkın inancı değildi. Budizm'in çeşitli mezhepleri mahkemede çok önemli bir rol oynadı, Budist manastırlarının arazileri büyüdü, rahiplerin mahkemede büyük etkisi oldu. Dikdörtgen duvarlı bir alanda yer alan ahşap bina grupları olan Budist manastırları ortaya çıkıyor. Ön kapıya giden geniş sokak, tapınağın önündeki meydan ve uzaktan görülebilen çok katmanlı pagoda özellikle önemliydi. Ahşap tapınaklar kırmızı lake ile boyanmış, taş temeller üzerine yükseltilmiş ve geniş kavisli çift çatılara - irimoya - sahipti.

İlk Budist tapınakları arasında Asukadera, Horyuji vardır, ikincisinin inşasına 607'de o zamanki Veliaht Prens Shotoku Taishi'nin emriyle başlandı. Manastır, 90 bin metrekarelik bir alan üzerine kurulu 53 binadan oluşuyordu. Tapınağın cephesi güneye bakıyor, ana binalar kuzey-güney ekseninde, kutsal bölge kuzeyde, vaazlar için bir salon vardı - kodo, kondo ve beş katmanlı bir pagoda. Horyuji'de 265 heykel vardı, ana heykel görüntüsü, iki bodhisattva eşliğinde inancın kurucusunun bir heykeliyle temsil edilen Shakyamuni'nin üçlüsüydü. 8. yüzyılda büyük manastırlarda zaten heykeltıraş atölyeleri vardı. Adı Sanskritçe Avalokiteshvara (dünyanın seslerine dikkat) adının bir çevirisi olan bodhisattva Kannon kültü yayıldı. Canlı varlıklara karşı şefkatle dolu olan bir bodhisattva, nerede olurlarsa olsunlar acı çekenlerin seslerini duyabilir. Avalokiteshvara kültü kuzeybatı Hindistan'da ortaya çıktı ve Çin'e yayıldı. Lotus Sutra'sında bodhisattva'nın kendisini çağıran varlıkların şeklini aldığı söylendi. Japonya'da Kannon kültünün yayılması, çok sayıda görüntüsünün ortaya çıkmasına neden oldu - aziz Kannon cehennemde yardım ediyor, at başlı Kannon sığırlara merhamet yayar, kötü ruhlar - asuralar bin kişi tarafından kurtarılır -silahlı Kannon, Kannon ile bir balıkçı ormanı ile insanları kurtarır.

Heian dönemi (794-1185)

794'te eyaletin başkenti Heian şehrine (şimdiki Kyoto) taşındı. Heian döneminde, sofistike bir saray kültürü gelişti. Bir Japon hecesi oluşturuldu - kana (jap. - ödünç alınmış bir hiyeroglif). İlk başta sadece kadınlar bu yazıyı kullanırken, resmi yazı Çince olmaya devam etti. X yüzyılda. kadınların yazıları özel muayenehanelerde kullanılmaya başlandı. XI yüzyılda. Japon klasik edebiyatının altın çağı başladı, bunun parlak bir örneği saray hanımı Murasaki Shikibu tarafından yaratılan "Genji Monogatari" romanıdır.

Heian sanatında asıl yer, o dönemde Çin'den gelen ve tüm canlıların Buda'nın özüne sahip olduğunu öğreten ezoterik mezhepler Tendai ve Shingon'un Budist imgeleri tarafından işgal edilir. Ruhu ve bedeni eğiterek, yeminleri yerine getirerek, herkes birkaç yeniden doğuş sürecinde Buda'nın özünü elde edebilir. Bu tarikatların tapınakları dağların tepelerine ve kayalık çıkıntılara inşa edilmiş, içlerindeki şapeller iki kısma ayrılmıştı. Kutsal görüntünün bulunduğu yere sıradan inananların girmesine izin verilmedi.

Heian dönemi, yönetici çevreler için bir lüks zamanıdır. Şu anda, shinden konut tipi oluştu. Duvarlar ve sıcak bir iklimin koşulları sermaye değildi ve bir referans değeri yoktu. Çok kolay bir şekilde birbirinden ayrılabilir, soğuk havalar için daha dayanıklı olanlarla değiştirilebilir veya sıcak havalarda tamamen çıkarılabilirler. Pencere de yoktu. Kafes çerçevenin üzerine cam yerine beyaz kağıt gerilmiş ve odaya loş, dağınık bir ışık girmesine izin verilmişti. Çatının geniş kornişi duvarları rutubetten ve güneş ışığından koruyordu. iç mekan, kalıcı mobilyalardan yoksun, sürgülü bölme duvarlara sahipti, bu sayede isteğe bağlı olarak bir salon veya birkaç küçük izole oda yaratmanın mümkün olduğu, zemin aynı boyutta (180 x 90) hasır paspaslar - tatami ile kaplandı santimetre).

Heian döneminde Çin'den Konfüçyüsçü ve Budist metinler getirildi. Genellikle resimlerle süslenirlerdi. Başlangıçta, Japon sanatçılar Çin'in "ünlü yerlerini" kopyaladılar, ancak 10. yüzyıldan itibaren. manzara ve geleneklerin imajına dönün Anavatan. Çin resminden farklı olarak Japon şiiri, kısa öyküleri, romanları veya halk efsaneleri. Resim adını, Japonya devletinin kurulduğu Honshu adasının güneybatı kısmı olan Yamato bölgesinin adından almıştır.
Görüntü genellikle, elle alınan ve sağdan sola döndürülen ilgili metinle birlikte bir resim parşömenini temsil ediyordu, ilgili bölüm okunurken, onu takip eden resim dikkate alındı.

Yamato-e resmi geç Heian döneminde zirve yaptı. Şu anda, ekranlarda, kayan bölmelerde (shoji) ve parşömenlerde - emakimono'da laik konularda resimler yapan profesyonel sanatçılar ortaya çıktı. Parşömenlerin en eskisi Genji Monogatari'dir. Emakimano parşömenleri resimli masallardı. Murasaki Shikibu'nun ünlü romanı "Genji-monogatari-emaki"nin parşömeni, aristokrasinin aylak yaşamını canlı renklerle betimleyen, kaligrafi, edebiyat ve resmin bir sentezidir ve günümüze kadar ulaşmıştır. Romanın 54 bölümden günümüze ulaşan 19'unda, çizimlerde tek bir olay örgüsü ve aksiyon yoktur. Tasvir edilen sahnelerin çoğu iç mekanlarda geçiyor, görünen her şey yukarıdan gösteriliyor, çizgilerin tek bir kaçış noktası yok, figürlerin ve mimarinin büyük ölçekli yazışmaları var, tüm karakterlerin yüzleri aynı, sadece saç stilleri ve kıyafetleri farklı . Sanatçının asıl ilgilendiği konu, romanda geçen ve herkes tarafından iyi bilinen olayların duygusal içerikli bir şekilde aktarılmasıdır. Ana teknikler, mekanın inşası ve renk olasılıklarının kullanılmasıdır. Karakterlerin iç durumunu ve her sahnenin atmosferini iletmek için, sanatçı için, yapıların kirişlerini veya kornişleri gösteren çapraz çizgilerin parşömenin alt kenarına göre hangi açıda yönlendirildiği önemlidir. perdelerden veya verandanın kenarından. Duygusal gerginliğin derecesine göre bu açı 30 ile 54 derece arasında değişir.

Bodhisattva - Kannon, Çin, Kore ve Japonya'da çoğunlukla kadın formunda, elinde bir sürahi, bir söğüt dalı ve bir kementle görünür.

Aristokratların evlerinde bölmeler, perdeler ve perdeler yoktu. en iyi sanatçılar yamato-e'nin boyalı resimleri. Yamato-e resimleri, Edebi çalışmalar ekranlara ve perdelere de yerleştirildi. X-XIII yüzyılların şiir antolojilerinde. 9.-10. yüzyılların ekranlarında yazılan ayetler nadir değildir. Bu tür şiirlerin en büyük sayısı "Sui-shu" antolojisinde yer almaktadır. Nasıl şiir dört mevsim hakkındaysa, resim de ekranlar için öyleydi. Halk şarkılarına uygun olarak, belirli bir şiirsel formüller sistemi gelişti ve ardından Japon klasik poetikasının temeli oldu. Yani, baharın işareti puslu bir pus, bir söğüt ağacı, yazın bir işaretiydi - guguk kuşu, ağustosböcekleri, sonbahar - kırmızı akçaağaç yaprakları, bir geyik, bir ay, kışlar - kar ve erik çiçekleri.

Kyoto, Japonya'nın eski bir cevheridir.

Dilde eş anlamlıların çokluğu, ayetlere pek çok anlam verilmesini mümkün kılmıştır. Temalar ve olay örgüsü, bir ayrıntı veya ipucu aracılığıyla, son derece özlü bir şiirsel biçimde (tanka başına 31 hece) duygusal durumların tüm tonlarının çeşitliliğini ifade etmeyi mümkün kıldı. Yazılı ekranlardan yazısız ekranlara kademeli bir geçiş oldu. Gerçek resimsel tür alt bölümleri böyle gelişti - shiki-e ("dört mevsimin resimleri") ve mei-se-e(“ünlü yerlerin resimleri”).
Bu tür resimlerin kompozisyonu, Çin resim kategorilerinin hiçbirine uymuyordu. Doğanın ve insanın en büyük kaynaşması, Japon sanatının çeşitli türlerinin özelliği haline gelecektir.

Kamakura dönemi (1185-1333) ve Muromachi dönemi (1333-1568)

12. yüzyılın sonunda başkent yeniden taşındı, kanlı bir iç çekişme sonucu ülkedeki güç, başkenti başkenti Kamakura yerleşimine taşıyan Minamoto klanı tarafından ele geçirildi. Japonya tarihinde bir sonraki aşama. Samurayın askeri sınıfı, aralarından şogunların geldiği ülkede iktidara geldi - Japonya'nın gerçek askeri yöneticileri, Nara'da kalan imparator, yalnızca nominal güç niteliklerini elinde tuttu. Samurayın mahkeme kültürünün karmaşıklığı sadeliği tercih etti. Zen mezhebinin manastırları artık pagodaları içermiyordu, tapınaklar kırsal kulübeleri andırıyordu. XIII yüzyılın sonundan itibaren. Zen mezhebinin panteistik fikirlerinin etkisi altında manzara, herhangi bir peyzaj nesnesinde Budist tanrılarının varlığı fikrini somutlaştırmaya başladı. Kamakura manastırlarında, Minsk Patriğinin portrelerinin ikonografisi gelişti: yüzün vurgulanmış bir özelliği, bakışın hipnotik gücü ile oturmuş ve sakin bir poz. Zen mezhebinin etkisiyle heykel arka plana itilir, resim, özellikle manzara resmi, bu devir insanının tavrını ifade eder.

Muromachi dönemi, Honshu adasının güneydoğu bölgelerinin feodal beylerinin Kamakura'yı ele geçirip yakarak başkenti Heian'a geri verdiği 1333 olaylarıyla başlar. İç çekişmelerin ve feodal klanların savaşlarının olduğu bir dönemdi. Zen mezhebinin taraftarlarının, doğa ile birliği sağladıktan sonra, hayatın zorluklarıyla yüzleşebileceği ve dünya ile birliği sağlayabileceği öğretisi, sıkıntılı zamanlara öncülük ediyordu. ilk sırada Japon sanatı Buda'nın “bedeninin” doğa olduğunu söyleyen Zen öğretisinin de etkisiyle manzara resmi ön plana çıkar. XII.Yüzyılın ikinci yarısında. siyah mürekkeple boyama Çin'den Japonya'ya girdi. Ağırlıklı olarak bu tür tabloları uygulayan Japonlar, Zen mezhebinin üyeleriydi. Yeni inancı açıklayan yeni bir stil yarattılar (shigaku - resim ve şiirin birleşimi). 15. ve 16. yüzyıllar - önde gelen ustası Sesshu Toyo (1420-1506) olan mürekkep resminin maksimum gelişme zamanı. Bu stile paralel olarak yamato-e stili de vardı.

Askeri sınıfı ön plana çıkaran sosyo-politik ilişkilerdeki değişimler, 16. yüzyılda da ortaya çıkmasına neden oldu. mimari tarz"sein". Evin daha önce tek olan hacmi şimdi sürgülü kapılar (shoji), sürgülü bölmeler (fusuma) yardımıyla bölünmüştür. Odalarda sınıflar için özel bir yer belirdi - kitaplar için bir raf ve geniş bir pencere pervazına sahip bir pencere ve bir buketin veya tuhaf şekilli bir taşın yerleştirildiği ve dikey bir kaydırmanın asıldığı bir niş (tokonoma).

16. yüzyılda. Japon mimarisi tarihinde, çay seremonisinin doğru şekilde yürütülmesi ihtiyacı ile bağlantılı olarak çay pavyonları ortaya çıkar. Çay, Kamakura döneminde Budist rahipler tarafından iksir olarak Japonya'ya getirildi. Çay ritüeli (cha-no-yu), Zen keşişi Murata Shuko'nun girişimiyle tanıtıldı ve uygulanması için özel bir yöntem gerektirdi. öyle oldu yeni tip mimari yapı - chashitsu (çay seremonisi için köşk), yapıcı temelinde bir konut binasına ve işlevinde - bir Budist tapınağına yakındı. Çay köşkünün destekleri ahşaptı, tavanı bambu veya kamışla kaplanmıştı. Hasırlarla kaplı bir kulübenin içinde, kerpiç duvarlı 1,5 veya 2 tatami, farklı seviyelerde küçük pencereler, asılı tek renkli manzaraya sahip bir tokonoma nişi ve vazoda bir çiçek, bir ocak, mutfak eşyaları için bir raf vardı.

Muromachi döneminde bahçecilik sanatı gelişti. Japon bahçeleri farklıdır. Küçük bahçeler çoğunlukla tapınaklarda bulunur veya geleneksel bir evle ilişkilendirilir, görülmek üzere tasarlanırlar. Geniş peyzajlı bahçeler, içeriden algılanacak şekilde tasarlanmıştır.

Kondo - (jap. altın salon) - ana tapınak Simgeler, heykeller, duvar resimleri içeren Budist kompleksi

Zen tapınağı bahçesi, tek renkli bir manzara kaydırma ilkesine göre inşa edildi. Sanatçı, bir kağıt yaprağı yerine, kalın taşların, yosunların, ağaçların ve çalıların yapraklarının lekeleri ve yıkamaları yerine bir gölün genişliğini veya çakıl taşlarıyla kaplı bir platformu kullandı. Yavaş yavaş çiçekler bahçeden kayboldu, yerlerini yosun ve çalılar aldı, köprü yerine taş kullanılmaya başlandı. Bazı bahçeler peyzajlıydı, tepelikti (tsukiyama). Tsukiyama bahçeleri, kıyıda zorunlu bir köşk ile kayalar, yosunlar, ağaçlar, göletler gibi doğal unsurların bir kombinasyonuydu. En eski peyzaj bahçesi Kyoto'da bulunur ve Sohoji Manastırı'na aittir. Kuru bahçelere "hiraniva" denirdi, yani. düz. Hiraniva, izleyiciden gelişmiş bir hayal gücü talep ettiği için "felsefi" bir bahçedir. Hiraniwa bahçesi “taş, kum ve çakıllardan ibaretti. Üç tarafı etrafını çeviren bir duvarla kapatılan bahçe, sadece tefekkür amaçlıydı. XV yüzyılın sonunda. Ryoanji manastırındaki en ünlü kuru bahçelerden birini yarattı. Dikdörtgen bir çakıl alan üzerine yerleştirilmiş 15 taştan oluşmaktadır. Daitokuji Manastırı'nın 1509 yılında oluşturulan hiraniwa bahçesinde doğa, taş ve çakıl kompozisyonlarıyla temsil ediliyor. Bahçenin bir bölümü "boşluk okyanusu" olarak adlandırılır ve dikdörtgen bir alanın ortasında iki alçak çakıl tepeden oluşur. Bahçeler birbirini tamamlayabilir.

XV yüzyılın sonunda. Kano dekoratif resim mahkeme okulu kuruldu. Okulun kurucusu Kano Masanobu (1434-1530) askeri bir sınıftan geldi ve tanınmış bir mahkeme profesyonel sanatçısı oldu. Manzaraları sadece ön plana sahipti, geri kalan her şey sisli bir pusla kaplıydı. Görüntünün belirli bir konusuna yapılan vurgu, Kano okulunun özelliği haline gelecektir. Kano okulu sanatçılarının çalışmalarındaki ana yer, dekoratif duvar resimleri ve tür resimli ekranlar tarafından işgal edildi. Duvar resimleri, mimari formla sentezin ana bileşeni ve mimari mekanın figüratif anlamını etkileme aracı haline gelmiştir. Buna karşılık, mimari formun özellikleri, resimlerin belirli üslup niteliklerini gerektiriyordu, bu nedenle yavaş yavaş Japon resminde 19. yüzyıla kadar korunan yeni bir üslup kanonu oluştu.

Shinden bir tür konut binasıdır. Dikdörtgen planlı, tek salonlu, güney cepheli meydana bakan, doğu ve batıdan galerilerle çerçevelenmiş ana bina

Momoyama dönemi (1X73-1614)

Ve bu kez feodal savaşlar dönemi sona erdi, ülkedeki güç ardışık askeri diktatörlere geçti - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi ve Iyaesu Tokugawa. Kentsel büyümenin, kültürün laikleşmesinin ve demokratikleşmesinin, yeni değer yönelimlerinin nüfuz ettiği bir dönemdi. Kült mimarisi eski önemini yitirmiştir. Japonya'nın yeni yöneticileri, yapımına Japonya'da ateşli silahların ortaya çıkması ve buna karşılık gelen savaş ve savunma taktiklerindeki değişikliğin neden olduğu görkemli kaleler inşa ederek güçlerini ilan ettiler. Kale, temelde yeni bir Japon mimarisi türü haline geldi. Kalenin bir hendek ve koruma ve köşe kuleleri ile çevrili asimetrik olarak yerleştirilmiş bölgesi, merkezi bir meydan ve birçok avlu ve oda, yer altı sığınakları ve geçitleri içeriyordu. Yaşam alanları, sosyal hiyerarşiyi yansıtan katı bir iç mekan hiyerarşisi ile kale topraklarında bulunan ahşap bir binada bulunuyordu. Alacakaranlığa dalmış kalelerin iç mekanları, altın zemin üzerine parlak renklerle dolu, görkemli boyutlu dekoratif duvar resimleri için en uygun olanıdır.

Kano Eitoku (1543-1590). Askeri diktatörleri yüceltmek için tasarlanmış yeni bir duvar resmi stilinin yaratıcısı. Geniş yatay yüzeylerde tek bir kompozisyon ilkesini ilk geliştiren, formları genişleten, küçük parçalar sadece silüetleri değil, aynı zamanda formlarının dinamiklerini de aktarmak. Eitoku, dekoratif niteliklerini geliştirmek için resmin düzlüğünü artırma arzusuyla karakterize edilir. Yani boşluğu simgeleyen yerlerde altın tozu katkılı lekeler var. Kompozisyonun alanı derinlemesine değil, bakış boyunca açıldı.
1576'da Biwa Gölü kıyısında, diktatör Oda Nobunaga'nın gücünü göstermesi beklenen yedi katlı devasa bir kule ile şimdiye kadar bilinmeyen bir kale inşa edildi. Kalenin bir özelliği, sadece resmi değil, aynı zamanda özel odaların da varlığıydı. Odaların ana dekorasyonu, Kano Eitoku'nun yaptırdığı ve büyük bir asistan grubuyla üç yıl boyunca üzerlerinde çalıştığı duvar resimleriydi. Emrin yerine getirilmesiyle diktatör tarafından aceleye getirilen Kano Eitoku, pirinç samanından yapılmış kalın bir fırça kullanarak, özlü bir sanatsal dile başvurarak formları büyütmeye başladı. Ana yer ağaçların, çiçeklerin, kuşların ve hayvanların görüntüsü tarafından işgal edildi. Renk şeması parlaktı, renk nüansı yoktu.

Tokugawa şogunlarının iktidara gelmesinden sonra ülkedeki sosyal durumdaki değişiklik, kale inşaatlarının yasaklanmasına yol açtı.
XVII yüzyılın ilk üçte birinin sanatçılarının çalışmalarında. yeni özellikler devralmaya başlar. Resimde dengeli, sakin kompozisyonlar arzusu, dekoratif formların büyümesi, Heian dönemi kültürüne ve yamato-e çalışmalarına olan ilgi daha belirgin hale geldi. Bu zamanın Kano okulunun ayırt edici bir özelliği, süsleme ve artan dekoratifliktir. XVII yüzyılın ikinci çeyreğindeyken. kalelerin inşası yasaklandı, perde dekoratif resmin ana biçimi haline geldi. Kano Eitoku'nun anıtsallığı dekoratif resim bıraktı. Sanat, üslup niteliklerini etkileyen kişisel bir renk aldı. dekoratif boyama XVII V. çoğunlukla klasik edebiyatın kahramanlarından ve temalarından ilham alan, kabile aristokrasisinin ilgi alanlarını ve ortaya çıkan burjuva seçkinlerinin dachshund'unu yansıtan. Eski başkent Kyoto'da geliştirilen dekoratif boyama.

Ogata Korin, yeni sanat tüketicilerinin - şehir sakinleri, tüccarlar ve zanaatkarlar - beğenisinin sözcüsü oldu. yeni temsilci Kano okulları.

Emakimano, ucunda ahşap bir rulo bulunan brokar bordürle çerçevelenmiş bir taban üzerine yapıştırılmış kağıt veya ipekten yapılmış yatay bir kaydırmadır.

Ogata Korin (1658-1716), sürekli "eğlenceli mahalleleri" ziyaret ederek zengin bir tırmık gibi yaşadı. Ancak yıkımdan sonra, geçimini sağlamak için ciddi bir ihtiyaçla karşı karşıya kalınca, kumaş boyamaya ve resim yapmaya başladı. Ogata Korin hem seramik hem de lake eşya, boyalı kimonolar ve yelpazelerle uğraştı. Nasıl
usta tanımakla başladı geleneksel resim ve onun yöntemleri. Korin her zaman kompaktlık, form dengesi için çabaladı, göze çarpan özellik yaratıcı tarz - birkaç arsa motifinin gelişimine, bunların tekrarlanmasına ve varyasyonuna odaklanın. Ogata Korin'in çalışmasında ilk kez hayattan eser ortaya çıktı. Ekranın “Kırmızı Beyaz Erik Ağacı” adlı resminde Korin'in aldığı olay örgüsü motifi, erken ilkbahar ve uyanan doğa imgeleriyle klasik şiire kadar gider. Derenin her iki tarafında, altın bir arka plan üzerinde, çiçekli ağaçlar yazılmıştır: kalın, kavisli bir gövdeye ve neredeyse dikey olarak yükselen dallara sahip bir bodur, bir kırmızı erik ağacı ve yalnızca gövdenin dibinde gösterilen ve keskin bir şekilde kavisli başka bir erik ağacı, sanki suya düşüyormuş gibi ve bu nedenle aniden beyaz çiçeklerle dolu bir dal fırladı.

Bir çam ağacı üzerinde Kano Eitoku şahin. Ekran. 16. yüzyılın sonundan detay.

Ogata Kenzan (1663-1743), gençliğinden itibaren manevi değerlere yönelen ağabeyi Ogata Korin'in aksine Zen Budizminin takipçisiydi, Çince ve Japonca biliyordu. klasik edebiyat, tiyatro Noh, çay ritüeli. Ninnaji tapınağına ait topraklarda Kenzan, 13 yıl boyunca 1712'ye kadar ürün üreten kendi seramik fırınını inşa etme izni aldı. Kârlılık için çabalamadı, son derece sanatsal ürünler yaratma fikri ona rehberlik etti. . Hacimsel resimde ilk kez geleneksel mürekkeple boyama tekniklerini kullandı. Kenzan renk kullanmaya başladı, nemli bir parça üzerine yazdı, gözenekli kil, mürekkeple resimdeki kağıt gibi boyayı emdi. Ogata Kenzan, popüler haiku türünü bir vahye dönüştüren büyük çağdaş şairi Basho gibi, sıradan seramik tabakların, fincanların, vazoların hem faydacı nesneler hem de aynı zamanda şiirsel sanat başyapıtları olabileceğini gösterdi.

Edo dönemi (1614-1868)

1615'te samuraylar Kyoto'dan Edo'ya yerleştirildi. Mara, Kyoto ve Osaka'da yoğunlaşan tüccar, tüccar ve tefeciler sınıfının önemi arttı. Bunların temsilcileri için sosyal gruplar seküler bir yaşam algısı, kendilerini feodal ahlakın etkisinden kurtarma arzusu ile karakterize edildi. İlk kez sanat, sözde yaşam da dahil olmak üzere günlük yaşamın temalarını ele alıyor. eğlenceli mahalleler - çay evleri dünyası, Kabuki tiyatrosu, sumo güreşçileri. Gravürler dolaşım, ucuzluk ve erişilebilirlik ile karakterize edildiğinden, gravürlerin ortaya çıkışı kültürün demokratikleşmesiyle ilişkilendirildi. Sonrasında ev boyama gravür ukiyo-e (kelimenin tam anlamıyla - ölümlü değişebilir dünya) olarak bilinmeye başlandı.

Gravür üretimi geniş bir kapsam kazanmıştır. Ukiyo-e grafiklerinin geliştirilmesindeki erken dönem, çay evleri sakinlerinin, zanaatkarların yaşamlarından karmaşık olmayan sahneleri farklı zamanlarda birleştiren, birbiriyle ilgisiz olarak tasvir eden Hasikawa Moronobu'nun (1618-1694) adıyla ilişkilendirilir. diğer, bir gravür üzerinde. Gravürlerin arka planı beyaz kaldı, çizgiler netti. Yavaş yavaş, gravür konularının yelpazesi genişledi, karakterlerin sadece dış dünyasına değil, aynı zamanda iç dünyasına da ilgi derinleşti. 1780-1790'da Japon gravürü. altın çağına giriyor. Suzuki Haranobu (1725-1770) ilk olarak ortaya çıkmaya başladı iç dünya“Erik dalı koparan güzeller”, “Karla kaplı bahçede aşıklar” gibi gravürlerdeki kahramanlar. Çizgilerin kalınlığını ve dokusunu çeşitlendiren, koyudan açık tona bir geçiş yaratan kıvırma tekniğini ilk kullanan oydu. Gerçek renkleri hiç umursamadı, gravürlerinde deniz pembe, gökyüzü kum, çimen mavi, her şey genele bağlı. duygusal ruh hali sahneler. En iyi eserlerinden biri olan "Lovers Playing the Same Shamisen", Japon atasözü "Müzik aşkı teşvik ediyorsa, çalın"dan esinlenmiştir.

Tokonoma - bir çay evinin içindeki bir niş

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - olağanüstü bir ukiyo-e ustası. Çalışmaları "The Book of Insects", "Songs of Shells" albümleriyle başladı. Utamaro, yarım boy, göğüs boyunda kadın portrelerinde ilk kez mika tozu kullanıyor ve bu da parıldayan bir arka plan yaratıyor. Başın zarif şekli ve uyumu ile mükemmel güzellikteki Utamaro,
ince boyun, küçük ağız, kısa siyah kaşlar. "On" dizisinde kadın karakterler"ve" Kadınların günleri ve saatleri ", kadınların farklı görünüm ve karakter türlerini belirlemeye çalıştı. 90'ların sonunda. Utamaro'da “Anne Çocuklu Anne” ve “Top Oyunu” gibi gravürlerinde annelik temasını ele alırken, aynı zamanda üzerine triptik ve poliptikler de yapıyor. tarihsel temalar, dolaylı atamaya başvurmak (ülkenin kahramanları güzeller olarak tasvir edilir). Teshusai Shyaraku, kabuki tiyatro oyuncuları ve sumo güreşçilerinin bir dizi portresini yarattı. Grotesk'i ana tekniği haline getirerek genel kabul görmüş gelenekleri terk etti. Ukiyo-e baskılarının geliştirilmesindeki üçüncü dönem 1800-1868'e denk gelir. Bu sırada, Hollanda ve Alman gravürlerinin Japon sanatı üzerindeki etkisi arttı. Sanatsal hanedan Utagawa'nın yaratıcılığı için, bireysellik arayışının reddi, resmi zarafet arzusu karakterler haline geldi. Gravürde manzara türünün altın çağı, Katsushika Hokusai'nin (1760-1849) adıyla ilişkilendirilir. Hokusai, antik ve modern Japon sanatını inceledi, Çin sanatını biliyordu ve Avrupa gravürüyle tanıştı. Neredeyse 50 yaşına kadar Hokusai, ukiyo-e sanatçılarının geleneksel tarzında çalıştı. Hokusai, yalnızca ilk cildi 1812'de yayınlanan Manga albümlerinde (bir eskiz kitabı) sanat alanını buldu. Artık gündelik sahneleri, manzaraları, kalabalıkları resmediyordu.

japonya peyzaj bahçeleri

Hokusai, 70 yaşında, sanatçının Fuji Dağı'nı tasvir ettiği gravürlerin her birinde "Fuji Dağı'nın 36 Görünümü" serisini yarattı. Tür temasının manzara ile birleşimi Hokusai'nin bir özelliğidir. Antik manzara ressamlarının aksine, Hokusai dünyayı aşağıdan gösterir. Aynı zamanda "Ülkenin şelalelerinde yolculuk", "Köprüler", "Büyük Çiçekler", "Fuji'nin 100 Manzarası" dizisini yaratıyor. Hokusai olayları beklenmedik bir açıdan aktarabilirdi. Fuji'nin 100 Görünümü gravürlerinde dağlar ya gecenin karanlığından bir görüntü gibi çıkar ya da bambu saplarının arkasından görünür ya da göle yansır. Hokusai'nin takipçisi Ando Hiroshige (1797-1858) doğayı çok daha gerçekçi resmetti. Mesleği nehir ajanı olarak ülke çapında çok seyahat etti ve "53 Tokaido İstasyonu", "Omi Gölü'nün 8 Manzarası", "Kishikaido'nun 69 Manzarası" serisini yarattı. Hiroshige sanatı, ukiyo-e gravürünün iki yüz yıllık altın çağını tamamlayarak Avrupa resmine yaklaşıyor.

Artelino

Katsushika Hokusai'nin (1760-1849) Kanagawa'daki Büyük Dalgası, en ünlü baskılardan biri ve Otuz Altı Fuji Görünümü serisinin ilk sayfasıdır. 1830'ların başlarında, Eijudo yayınevi tarafından görevlendirilen Katsushika Hokusai, 46 sayfalık bir dizi (36 ana ve 10 ek) oluşturmaya başladı ve Kanagawa'daki Büyük Dalga, tüm seriyi açan bir gravürdü.

Bu tür gravür koleksiyonları, o zamanın kasaba halkı için bir tür "sanal seyahat" işlevi görüyordu, merakı gidermenin uygun ve ucuz bir yolu. Fuji benzeri baskılar yaklaşık 20 mon'a mal oluyor - o zamanın bir Japon lokantasındaki eriştelerin iki katı kadar. Bununla birlikte, başarı o kadar büyüktü ki, 1838'de Hokusai'nin sayfalarının maliyeti neredeyse 50 mon'a yükseldi ve ustanın ölümünden sonra, Wave yalnızca yeni panolardan 1000'den fazla kez yeniden basıldı.

Şaşırtıcı bir şekilde, tüm serinin belirtilen temasına rağmen, The Wave'deki Fuji ikincil bir rol oynuyor gibi görünüyor. Bu gravürdeki ana "karakter" bir dalgadır ve ön planda bir adamın elementlerle mücadelesinin dramatik bir sahnesi ortaya çıkar. Köpük armanın kenarları, fantastik bir öfkeli iblisin kıvrık parmakları gibi görünüyor ve teknelerdeki insan figürlerinin yüzsüzlüğü ve hareketsizliği, bu mücadelenin galibinin kim olacağına şüphe bırakmıyor. Ancak, gravürün olay örgüsünü yaratan çatışma bu yüzleşme değildir.
Hokusai, teknelerin çarptığı anı durdurarak, izleyicinin Fuji'yi bir an için gri gökyüzüne karşı ufka doğru karararak görmesini sağlar. Her ne kadar Japon gravürcüler Avrupa çizgisel ve hava perspektifi, bu resepsiyona ihtiyaç duymadılar. Karanlık arka planın yanı sıra, gözün dalganın hareketi yoluyla ön plandan teknelerle Fuji'ye yaptığı uzun yolculuk, gözü kutsal dağın bizden denizin genişliğiyle ayrıldığına ikna eder.

Fuji, fırtınalı unsurların aksine, istikrar ve sürekliliğin sembolü olarak kıyıdan uzakta yükselir. Karşıtların birliği ve birbirine bağımlılığı, Uzak Doğu'nun dünya görüşünde kozmik düzen ve mutlak uyum fikrinin temelini oluşturuyor ve seriyi açan "Kanagawa'daki Büyük Dalga" gravürünün ana teması haline gelenlerdi. Katsushika Hokusai.

Kitagawa Utamaro'nun "Güzel Nanivaya Okita", 1795-1796

Chicago Sanat Enstitüsü

Kitagawa Utamaro (1753-1806), Japon baskılarında haklı olarak kadın güzelliğinin şarkıcısı olarak adlandırılabilir. ukiyo-e: Japon güzelliklerinin bir dizi kanonik görüntüsünü yarattı ( bijinga) - çay evlerinin sakinleri ve Japonya'nın başkenti Edo'daki ünlü eğlence bölgesi Yoshiwara edo — Tokyo'nun adı 1868'e kadar..

Bijinga gravüründe her şey modern izleyiciye göründüğü gibi değildir. Zengin giyimli soylu hanımlar, kural olarak, utanç verici bir zanaatla uğraşıyorlardı ve alt sınıfa aitlerdi ve güzellik portrelerinin olduğu gravürlerin açıkça reklam işlevi vardı. Aynı zamanda gravür, kızın görünüşü hakkında bir fikir vermedi ve Asakusa tapınağının yakınındaki Nanivaya çay evinden Okita, Edo'nun ilk güzelliği olarak kabul edilmesine rağmen, gravürdeki yüzü bireysellikten tamamen yoksun.

10. yüzyıldan beri, Japon sanatında kadın imgeleri minimalizm kanonuna tabi olmuştur. "Çizgi göz, kanca burun" - teknik hikime kagihana sanatçının yalnızca belirli bir kadının tasvir edildiğini belirtmesine izin verildi: Japon geleneksel kültüründe fiziksel güzellik konusu genellikle göz ardı edildi. Soylu kadınlarda “kalp güzelliğine” ve eğitime çok daha fazla değer verilirdi ve neşeli mahalle sakinleri her şeyde en yüksek örnekleri taklit etmeye çalışırdı. Utamaro'ya göre Okita gerçekten güzeldi.

"Güzel Nanivaya Okita" sayfası 1795-1796'da 9. yüzyıl yazarlarından birinin her güzelliğe karşılık geldiği "Ünlü Güzeller Altı Ölümsüz Şaire Benzetildi" dizisinde basılmıştır. Sol üst köşede Okita'nın portresinin bulunduğu sayfada, geleneksel olarak Ise Monogatari romanının atfedildiği, Japonya'nın en saygın şairlerinden biri olan Arivara no Narihira'nın (825-880) bir resmi var. Bu asil soylu ve parlak şair, bazıları romanın temelini oluşturan aşk ilişkileriyle de ünlendi.

Bu sayfa, tekniğin özel bir kullanımıdır. mite(karşılaştırmalar) Japon gravüründe. Yetkili bir "prototipin" nitelikleri, tasvir edilen güzelliğe aktarılır ve konuğa bir fincan çay ikram eden sakin bir yüze sahip zarif fahişe, şiir ve aşk eylemlerinde yetenekli bir hanımefendi olarak izleyici tarafından şimdiden okunur. Arivara no Narihira ile karşılaştırma, gerçekten onun Edo güzelleri arasındaki üstünlüğünün tanınmasıydı.

Aynı zamanda, Utamaro şaşırtıcı derecede lirik bir imaj yaratıyor. Yaprak üzerindeki koyu ve açık noktaları dengeleyerek ve formu melodik, zarif çizgilerle çizerek, zarafet ve uyumun gerçekten mükemmel bir görüntüsünü yaratır. "Reklam" ortadan kalkar ve Utamaro'nun yakaladığı güzellik zamansız kalır.

Ekran "İrisler", Ogata Korin, 1710'lar

Wikimedia Commons / Nezu Müzesi, Tokyo

Ogata Korin (1658-1716) tarafından 1710 civarında Kyoto'daki Nishi Hongan-ji tapınağı için bir çift altı panelli iris ekranı - şimdi Japonya'nın ulusal bir hazinesi - yaratıldı.

16. yüzyıldan beri duvar panoları ve kağıt paravanlar üzerine boyama, Japonya'da önde gelen dekoratif sanat türlerinden biri haline geldi ve Rinpa sanat okulunun kurucusu Ogata Korin, en büyük ustalarından biriydi.

Japon iç mekanındaki ekranlar önemli bir rol oynadı. Geniş saray binaları yapısal olarak basit bir Japonun konutlarından farklı değildi: neredeyse hiç iç duvarları yoktu ve alan katlanır paravanlarla bölgelere ayrılmıştı. Bir buçuk metreden biraz daha yüksek olan ekranlar, tüm sınıfların ortak Japon geleneği olan yerde yaşamaları için tasarlandı. Japonya'da 19. yüzyıla kadar mama sandalyesi ve masa kullanılmadı ve ekranın yüksekliği ve resminin kompozisyonu dizlerinin üzerinde oturan bir kişinin görüşüne göre tasarlandı. Bu bakış açısıyla inanılmaz bir etki ortaya çıkıyor: irisler oturan kişiyi çevreliyor gibi görünüyor - ve bir kişi kendini çiçeklerle çevrili nehrin kıyısında hissedebiliyor.

Süsenler kontursuz bir şekilde boyanır - neredeyse izlenimci, geniş koyu mavi, leylak ve mor tempera vuruşları bu çiçeğin yemyeşil ihtişamını taşır. Pitoresk etki, süsenlerin resmedildiği donuk altın ışıltısıyla artırılır. Ekranlar çiçeklerden başka bir şey tasvir etmiyor, ancak açısal büyüme çizgileri, çiçeklerin nehrin dolambaçlı rotası veya ahşap köprülerin zikzakları etrafında büküldüğünü gösteriyor. Japonların ekranda bir köprünün eksik olduğunu, özel bir "sekiz tahtadan oluşan köprü" görmeleri doğal olacaktır ( yatsuhaşi dinle)), klasik Japon edebiyatında süsenlerle ilişkilendirilir. Ise Monogatari (9. yüzyıl) romanı, başkentten kovulan bir kahramanın hüzünlü yolculuğunu anlatır. Yatsuhashi köprüsünün yakınındaki nehir kıyısında dinlenmek için maiyetiyle birlikte yerleşen kahraman, süsenleri görünce sevgilisini hatırlar ve şiirler yazar:

elbiseli sevgilim
Orada zarif, başkentte,
Aşk kaldı...
Ve ne kadar özlemle düşünüyorum
ben ondan uzağım... NI Konrad'ın çevirisi.

Hikayenin yazarı ve söz kahramanı Arivara no Narihira, "Böylece katlandı ve herkes kuru pirincin üzerine gözyaşı döktü, böylece pirinç nemden şişti" diye ekliyor.

Eğitimli bir Japon için, köprünün yanındaki süsenlerle Ise monogatari, süsen ve ayrılmış aşk teması arasındaki bağlantı açıktı ve Ogata Korin, ayrıntıdan ve açıklayıcılıktan kaçınıyor. Dekoratif resim yardımıyla sadece ışık, renk ve edebi çağrışımlarla dolu ideal bir alan yaratır.

Kinkakuji Altın Köşkü, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Altın Tapınak, ironik bir şekilde, yapımından çok yıkımıyla yüceltilen Japonya'nın sembollerinden biridir. 1950 yılında, bu binanın ait olduğu Rokuonji Manastırı'nın akli dengesi yerinde olmayan bir keşişi, yüzeyde duran bir göleti ateşe verdi.
köşk 1950'deki bir yangın sırasında tapınak neredeyse yok edildi. Kinkaku-ji'deki restorasyon çalışmaları 1955'te başladı, 1987'de yeniden yapılanma bir bütün olarak tamamlandı, ancak tamamen kaybolan iç dekorasyonun restorasyonu 2003 yılına kadar devam etti.. Eyleminin gerçek nedenleri belirsizliğini koruyordu, ancak yazar Yukio Mishima'nın yorumuna göre, bu tapınağın ulaşılamaz, neredeyse mistik güzelliği suçlanacaktı. Gerçekten de, birkaç yüzyıl boyunca Kinkakuji, Japon güzelliğinin özü olarak kabul edildi.

1394 yılında, Japonya'nın neredeyse tamamını kendi iradesine tabi kılan Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), resmi olarak emekli oldu ve kuzey Kyoto'da amaca yönelik olarak inşa edilmiş bir villaya yerleşti. Yapay Kyokoti Gölü ("ayna gölü") üzerindeki üç katmanlı bina, bir tür inziva yeri, dinlenmek, okumak ve dua etmek için tenha bir köşk rolünü oynadı. Shogun'un tablolarından oluşan bir koleksiyon, bir kütüphane ve Budist emanetlerinden oluşan bir koleksiyon içeriyordu. Kıyıya yakın su üzerinde yer alan Kinkakuji'nin kıyıyla yalnızca tekne iletişimi vardı ve Kyokoti'nin etrafına dağılmış taşlar ve çam ağaçlarıyla yapay adalarla aynı adaydı. "Göksellerin adası" fikri, ölümsüzlerin adası olan Penglai adasının göksel meskenin görüntüsü olarak hizmet ettiği Çin mitolojisinden ödünç alınmıştır. Köşkün sudaki yansıması, Budist hakikat dünyasının ihtişamının yalnızca soluk bir yansıması olan ölümlü dünyanın yanıltıcı doğası hakkındaki fikirlerle Budist çağrışımlarını şimdiden çağrıştırıyor.

Tüm bu mitolojik imalar spekülatif olsa da, köşkün konumu ona inanılmaz bir uyum ve uyum sağlıyor. Yansıma, binanın bodurluğunu gizleyerek onu daha uzun ve daha ince yapar; aynı zamanda, göletin herhangi bir kıyısından, her zaman yeşilliklerin koyu bir arka planında görülmesini mümkün kılan, köşkün yüksekliğidir.

Bununla birlikte, bu pavyonun 2000'lerde ne kadar altın olduğu tam olarak belli değil. Orijinal form. Muhtemelen, Ashikaga Yoshimitsu'nun altında, gerçekten altın varakla kaplıydı ve koruyucu katman vernik. Ancak 19. - 20. yüzyılın başları ve Yukio Mishima'nın fotoğraflarına inanıyorsanız, o zaman 20. yüzyılın ortalarında yaldız neredeyse soyulmuştu ve kalıntıları yalnızca binanın üst katında görülebiliyordu. Bu sırada, ıssızlığın cazibesiyle, zamanın izleriyle, en güzel şeylere bile karşı konulmaz bir şekilde ruha daha çok dokundu. Bu melankolik çekicilik, estetik ilkeye tekabül ediyordu. sabi Japon kültüründe çok saygı görüyor.

Öyle ya da böyle, bu binanın ihtişamı hiç de altın değildi. Kinkakuji'nin formlarının zarif ciddiyeti ve manzarayla olan kusursuz uyumu, onu Japon mimarisinin başyapıtlarından biri yapıyor.

Karatsu tarzında "İris" kasesi, XVI-XVII yüzyıllar

Diane Martineau /pinterest.com/Metropolitan Sanat Müzesi, New York

Kelime meibutsu- adı olan bir şey. Ne yaratıldığı tam zaman ve yer ne de ustanın adı korunmadığından, bu bardağın yalnızca adı gerçekten hayatta kaldı. Bununla birlikte, Japonya'nın ulusal hazineleri arasında yer almaktadır ve ulusal tarzda seramiğin en parlak örneklerinden biridir.

16. yüzyılın sonlarında çay seremonisi cha-no-yu sofistike olanı terk etti Çin porseleni ve değerli malzemeleri anımsatan sırlı seramikler. Muhteşem güzellikleri, çay ustalarına fazla yapay ve açık sözlü göründü. Mükemmel ve pahalı eşyalar - kaseler, su kapları ve çay kutuları - çay seremonisinin ruhu içinde gelişen Zen Budizminin neredeyse münzevi ruhani kanunlarına karşılık gelmiyordu. Çay eyleminde gerçek bir devrim, Japon atölyelerinin kıta çanak çömlek teknolojilerinde ustalaşmaya yeni başladığı bir zamanda, çok daha basit ve sanatsız olan Japon seramiğine başvurmaktı.

İris kasesinin şekli basit ve düzensizdir. Duvarların hafif eğriliği, gövdenin her yerinde görülen çömlekçi ezikleri, çanağa neredeyse naif bir rahatlık veriyor. Kil parçası, bir çatlak ağı - küçük çatlak ile hafif sır ile kaplanmıştır. Çay seremonisi sırasında konuğa hitap eden ön tarafta sırın altına bir iris görüntüsü uygulanıyor: çizim naif ama enerjik bir fırçayla tam olarak sanki tek bir harekette Zen ruhuyla yapılmış gibi. kaligrafi. Görünüşe göre hem form hem de dekor kendiliğinden ve özel kuvvetler uygulanmadan yapılmış olabilir.

Bu kendiliğindenlik ideali yansıtır. wabi- manevi özgürlük ve uyum duygusuna yol açan sadelik ve sanatsızlık. Zen Budizminin Japon takipçilerinin görüşlerine göre herhangi bir kişi veya hatta cansız bir nesne, Buda'nın aydınlanmış doğasına sahiptir ve ustanın çabaları, bu doğayı kendi içinde ve çevresindeki dünyayı keşfetmeyi amaçlar. Çay töreninde kullanılan şeyler, tüm beceriksizliklerine rağmen, derin bir hakikat deneyimini, her anın alaka düzeyini uyandırmalı, en sıradan biçimlere bakmaya ve onlardaki gerçek güzelliği görmeye zorlanmalıydı.

Kasenin pürüzlü dokusuna ve sadeliğine zıtlık, küçük bir yontma altın cila ile restorasyondur (bu tekniğe denir. kintsugi). Restorasyon 18. yüzyılda gerçekleştirildi ve Japon çay ustalarının çay seremonisi için kaplara gösterdiği saygıyı gösteriyor. Böylece çay seremonisi, katılımcılara, İris kasesi gibi şeylerin gerçek güzelliğini keşfetmeleri için bir "yol" sağlar. Örtüklük, gizlilik, estetik wabi kavramının temeli ve Japon dünya görüşünün önemli bir parçası haline geldi.

Keşiş Gandzin'in Portresi, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

VIII.Yüzyılda heykel, Japon devletinin oluşumu ve Budizm'in güçlenmesiyle ilişkili dönemin, Nara döneminin (710-794) sanatsal ifadesinin ana biçimi haline geldi. Japon ustalar çıraklık aşamasını ve kıtasal tekniklerin ve imgelerin kör taklidini çoktan geçtiler ve zamanlarının ruhunu heykelde özgürce ve canlı bir şekilde ifade etmeye başladılar. Budizm'in otoritesinin yayılması ve büyümesi, bir Budist heykelsi portresinin ortaya çıkmasına neden oldu.

Bu türün başyapıtlarından biri, 763'te yaratılan Gandzin'in portresidir. Kuru cila tekniğiyle (kumaşla kaplı ahşap bir çerçeve üzerine cila katmanları oluşturarak) yapılmış, neredeyse gerçek boyutlu heykel gerçekçi bir şekilde boyanmış ve tapınağın alacakaranlığında Ganjin meditasyon pozunda oturuyordu. yaşıyorsa”. Bu gerçekçilik, bu tür portrelerin ana kült işleviydi: öğretmenin her zaman Nara kentindeki Todaiji manastırının duvarları içinde olması ve en önemli ilahi ayinlerde hazır bulunması gerekiyordu.

Daha sonra, 11.-13. yüzyıllarda, saygıdeğer öğretmenlerin bunak hallerini, çökük ağızlarını, sarkık yanaklarını ve derin kırışıklıklarını tasvir eden heykelsi portreler neredeyse acımasız bir illüzyonizme ulaştı. Bu portreler, Budizm taraftarlarına kaya kristali ve ahşapla işlenmiş canlı gözlerle bakıyor. Ancak Gandzin'in yüzü bulanık görünüyor, içinde net konturlar ve net şekiller yok. Yarı kapalı ve kabuk bağlamamış gözlerin göz kapakları şişmiş görünür; gergin ağız ve derin nazolabial kıvrımlar, meditasyon konsantrasyonundan çok alışılmış dikkati ifade eder.

Tüm bu özellikler, bu keşişin dramatik biyografisini, inanılmaz çilecilik ve trajedilerin hikayesini ortaya koyuyor. Çinli bir Budist keşiş olan Ganjin, Nara'nın en büyük manastırı olan Todaiji'nin kutsama töreni için Japonya'ya davet edildi. Gemi korsanlar tarafından ele geçirildi, uzaktaki bir Japon tapınağına yönelik paha biçilmez parşömenler ve Budist heykeller yangında kayboldu, Ganjin yüzünü yaktı ve görme yetisini kaybetti. Ancak vaaz verme arzusunu medeniyetin uzak kenar mahallelerinde, yani Japonya'nın o zamanlar kıta tarafından nasıl algılandığı konusunda bırakmadı.

Denizi geçmek için birkaç girişim daha aynı başarısızlıkla sonuçlandı ve yalnızca beşinci denemede, zaten orta yaşlı, kör ve hasta Ganjin, Japon başkenti Nara'ya ulaştı.

Japonya'da Ganjin, Budist hukuku uzun süre öğretmedi: hayatındaki dramatik olaylar sağlığını baltaladı. Ancak yetkisi o kadar yüksekti ki, muhtemelen ölümünden önce bile heykelinin yaratılmasına karar verildi. Kuşkusuz, sanatçı-rahipler heykele modele mümkün olduğu kadar çok benzerlik vermeye çalıştılar. Ama bu kurtarmak için yapılmadı. dış görünüş bir kişinin, ancak bireysel ruhsal deneyimini, Ganjin'in geçtiği ve Budist öğretisinin çağırdığı o zor yolu yakalamak için.

Daibutsu - Todaiji Tapınağı'nın Büyük Buda'sı, Nara, 8. yüzyılın ortaları

Todd/flickr.com

8. yüzyılın ortalarında Japonya, doğal afetler ve salgın hastalıklardan muzdaripti ve nüfuzlu Fujiwara ailesinin entrikaları ve yükselttikleri isyan, İmparator Shomu'yu başkent Nara şehrinden kaçmaya zorladı. Sürgündeyken, Budist öğretilerinin yolunu izleyeceğine yemin etti ve 743'te ülkenin ana tapınağının inşasına başlanmasını ve devasa bir tapınağın dökümünü emretti. bronz heykel Buddha Vairochana (Buda Büyük Güneşi veya Her Şeyi Aydınlatan Işık). Bu tanrı, Budist öğretilerin kurucusu Buddha Shakyamuni'nin evrensel enkarnasyonu olarak kabul edildi ve huzursuzluk ve isyan döneminde imparatorun ve tüm ülkenin korunmasının garantörü olması gerekiyordu.

Çalışmalar 745'te başladı ve Çin'in başkenti Luoyang yakınlarındaki Longmen mağara tapınaklarında bulunan dev Buda heykeli üzerinde modellendi. Nara'daki heykel, Buda'nın herhangi bir görüntüsü gibi, "Buda'nın büyük ve küçük işaretlerini" göstermesi gerekiyordu. Bu ikonografik kanon, Buddha Shakyamuni'nin asil bir aileden geldiğini ve çocukluğundan beri ağır küpeler taktığını, başının üstünde bir çıkıntı (ushnisha), alnında bir nokta (çömlek) olduğunu hatırlatan uzun kulak memelerini içeriyordu.

Heykelin yüksekliği 16 metre, yüzün genişliği 5 metre, uzatılmış avuç içi uzunluğu 3,7 metre ve vazo bir insan kafasından daha büyüktü. İnşaat, özellikle ülkenin kuzeyinde arama çalışmaları yapılan 444 ton bakır, 82 ton kalay ve çok miktarda altın aldı. Tapınağı korumak için heykelin etrafına Daibutsuden adlı bir salon inşa edildi. Küçük alanında, hafifçe eğilmiş oturan bir Buda figürü tüm alanı doldurur ve Budizm'in ana varsayımlarından birini - tanrının her yerde hazır ve her yeri kapladığı, her şeyi kucakladığı ve doldurduğu fikrini - gösterir. Yüzün aşkın sakinliği ve tanrının elinin hareketi (mudra, koruma sağlama hareketi), Buda'nın sakin ihtişamını ve gücünü tamamlar.

Bununla birlikte, bugün orijinal heykelin yalnızca birkaç parçası kalmıştır: yangınlar ve savaşlar, 12. ve 16. yüzyıllarda heykelde büyük hasara neden olmuştur ve modern heykel, esas olarak 18. yüzyıldan kalma bir dökümdür. 18. yüzyılın restorasyonu sırasında bronz figür artık altınla kaplı değildi. 8. yüzyılda İmparator Shomu'nun Budist şevki, hazineyi fiilen boşalttı ve zaten şokta olan ülkenin kanını akıttı ve daha sonraki yöneticiler artık bu kadar ölçüsüz harcamaları karşılayamazdı.

Bununla birlikte, Daibutsu'nun önemi altında ve hatta güvenilir özgünlüğünde yatmıyor - Budist öğretilerinin bu kadar görkemli bir düzenlemesi fikri, Japonların bir dönemin anıtı. anıtsal sanat gerçek bir çiçeklenme yaşadı, kıtasal modellerin körü körüne kopyalanmasından kurtuldu ve daha sonra kaybolan bütünlük ve ifadeye ulaştı.

Japonya? Nasıl gelişti? Bu ve diğer soruları makalede cevaplayacağız. Japon kültürü, Japonların anakaradan takımadalara taşınmasıyla başlayan tarihsel bir hareketin sonucu olarak oluşmuş ve Jomon dönemi uygarlığı doğmuştur.

Bu insanların mevcut aydınlanması Avrupa, Asya (özellikle Kore ve Çin) ve Kuzey Amerika. Japon kültürünün işaretlerinden biri, 19. yüzyılın ortalarına kadar süren Tokugawa Shogunate hükümdarlığı sırasında devletin diğer tüm ülkelerden tamamen izolasyonu (sakoku politikası) çağındaki uzun gelişimidir - 19. yüzyılın başlangıcı. Meiji dönemi.

Etkilemek

Japonya'nın sanatsal kültürü nasıl gelişti? Medeniyet, ülkenin izole bölgesel konumundan, iklimsel ve coğrafi özelliklerden ve ayrıca doğal olaylardan (tayfunlar ve sık depremler) önemli ölçüde etkilenmiştir. Bu, nüfusun canlı bir varlık olarak doğaya karşı olağanüstü tutumunda ifade edildi. özellik Ulusal karakter Japonca, küçük bir ülkede birçok sanat türünde ifadesini bulan, evrenin mevcut güzelliğine hayran olma yeteneğidir.

Japonya'nın sanat kültürü Budizm, Şintoizm ve Konfüçyüsçülüğün etkisi altında yaratılmıştır. Bu aynı eğilimler, daha da gelişmesini etkiledi.

eski Çağlar

Katılıyorum, Japonya'nın sanatsal kültürü muhteşem. Şintoizm'in kökleri eski çağlara dayanmaktadır. Budizm, çağımızdan önce ortaya çıkmasına rağmen, ancak beşinci yüzyıldan itibaren yayılmaya başladı. Heian dönemi (8.-12. yüzyıllar), Japonya'nın devletinin altın çağı olarak kabul edilir. Aynı dönemde bu ülkenin pitoresk kültürü en yüksek noktasına ulaştı.

Konfüçyüsçülük 13. yüzyılda ortaya çıktı. Bu aşamada Konfüçyüs felsefesi ile Budizm arasında bir ayrılık yaşandı.

hiyeroglifler

Japonya'nın sanatsal kültürünün görüntüsü, adı verilen benzersiz bir şiirde somutlaştırılmıştır. Bu ülkede, efsaneye göre göksel ilahi imgelerden ortaya çıkan kaligrafi sanatı da oldukça gelişmiştir. Yazıya can verenler onlardı, bu nedenle halk imladaki her işarete karşı nazik.

Söylentiye göre Japon kültürünü veren hiyerogliflerdi, çünkü yazıtları çevreleyen görüntüler onlardan çıktı. Biraz sonra, resim ve şiir unsurlarının tek bir eserde güçlü bir şekilde bir araya geldiği gözlemlenmeye başlandı.

Bir Japon parşömenini incelerseniz, eserin iki tür sembol içerdiğini göreceksiniz. Bunlar yazı işaretleridir - mühürler, şiirler, kolofen ve pitoresk. Aynı zamanda Kabuki tiyatrosu büyük bir popülerlik kazandı. Farklı bir tiyatro türü - Ama - ağırlıklı olarak askeri personel tarafından tercih edilir. ciddiyetleri ve gaddarlıkları No.1 üzerinde güçlü bir etkiye sahipti.

Tablo

Sanat kültürü birçok uzman tarafından incelenmiştir. Japonca'da çizim veya resim anlamına gelen kaiga resmi, oluşumunda büyük bir rol oynadı. Bu sanat, çok sayıda çözüm ve biçim tarafından belirlenen, devletin en eski resim türü olarak kabul edilir.

İçinde kutsal prensibi belirleyen doğa tarafından özel bir yer işgal edilmiştir. Resmin sumi-e ve yamato-e olarak bölünmesi onuncu yüzyıldan beri var olmuştur. İlk tarz on dördüncü yüzyıla yakın gelişti. Bir tür monokrom sulu boyadır. Yamato-e, edebiyat eserlerinin dekorasyonunda yaygın olarak kullanılan yatay olarak katlanmış parşömenlerdir.

Kısa bir süre sonra, 17. yüzyılda, ülkede tabletler üzerine baskı ortaya çıktı - ukiyo-e. Ustalar, Kabuki tiyatrosunun ünlü aktörleri olan manzaraları, geyşaları tasvir ettiler. 18. yüzyıldaki bu tür resim, Avrupa sanatı üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Ortaya çıkan eğilim "Japonizm" olarak adlandırıldı. Orta Çağ'da, Japonya kültürü ülke sınırlarının ötesine geçti - dünya çapında şık ve modaya uygun iç mekanların tasarımında kullanılmaya başlandı.

Kaligrafi

Ah, Japonya'nın sanatsal kültürü ne kadar güzel! Doğa ile uyum anlayışı her segmentinde kendini göstermektedir. Modern Japon kaligrafisi nedir? Buna shodo ("bildirim yolu") denir. Hat sanatı da yazı gibi zorunlu bir disiplindir. Bilim adamları, bu sanatın Çin yazısı ile aynı anda oraya geldiğini keşfettiler.

Bu arada, eski zamanlarda bir kişinin kültürü, onun kaligrafi düzeyine göre değerlendiriliyordu. Bugün çok sayıda yazı stili var ve bunları Budist rahipler geliştiriyor.

Heykel

Japon kültürü nasıl ortaya çıktı? İnsan yaşamının bu alanının gelişimini ve türlerini olabildiğince ayrıntılı olarak inceleyeceğiz. Heykel, Japonya'daki en eski sanat türüdür. Antik çağda, bu ülkenin insanları seramikten put figürinleri ve tabaklar yaptılar. Daha sonra insanlar pişmiş topraktan yapılmış haniv heykellerini mezarların üzerine yerleştirmeye başladılar.

Modern Japon kültüründe heykel sanatının gelişimi, Budizm'in eyalette yayılmasıyla ilişkilidir. Japon anıtlarının en eski temsilcilerinden biri, Zenko-ji tapınağına yerleştirilen ahşaptan yapılmış Buda Amitabha heykeli olarak kabul edilir.

Heykeller genellikle kirişlerden yapılmıştır, ancak çok zengin görünüyorlardı: zanaatkarlar onları vernik, altın ve parlak renklerle kapladılar.

Japon kağıt katlama sanatı

Japonya'nın sanatsal kültürünü seviyor musunuz? Doğa ile uyum anlayışı unutulmaz bir deneyim yaşatacaktır. Karakteristik özellik Japon kültürü, origaminin (“katlanmış kağıt”) harika ürünleri haline geldi. Bu beceri, kökenini aslında parşömenin icat edildiği Çin'e borçludur.

İlk başta dini törenlerde "katlanmış kağıt" kullanılıyordu. Bu sanat sadece üst sınıf tarafından çalışılabilirdi. Ancak İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra origami, soyluların evlerini terk etti ve dünyanın her yerinde hayranlarını buldu.

İkebana

Doğu ülkelerinin sanat kültürünün ne olduğunu herkes bilmeli. Japonya, gelişimine çok fazla yatırım yaptı. Bu kültürün diğer bir bileşeni harika ülke ikebana'dır ("yaşayan çiçekler", "çiçeklerin yeni yaşamı"). Japonlar estetik ve sadeliğin hayranlarıdır. İşlere yatırılan tam da bu iki niteliktir. Görüntülerin karmaşıklığı, bitki örtüsünün doğal güzelliğinin faydalı kullanımıyla elde edilir. Origami gibi ikebana da dini bir törenin parçası olarak hizmet etti.

Minyatürler

Muhtemelen çoğu kişi, Eski Çin ve Japonya'nın sanatsal kültürünün yakından iç içe geçmiş olduğunu anlamıştır. Ve bir bonsai nedir? Gerçek bir ağacın neredeyse birebir minyatür bir kopyasını yetiştirmek Japonlara özgü bir beceridir.

Japonya'da, bir tür anahtarlık olan küçük heykeller olan netsuke yapmak da yaygındır. Genellikle bu kapasitedeki bu tür figürinler, Japonların cepleri olmayan kıyafetlerine iliştirildi. Sadece dekore etmekle kalmadılar, aynı zamanda orijinal bir karşı ağırlık görevi gördüler. Anahtarlık, kese, hasır sepet şeklinde anahtarlıklar yapıldı.

resim tarihi

Antik Japonya'nın sanatsal kültürü birçok insanı ilgilendirir. Bu ülkedeki resim, Japon Paleolitik döneminde ortaya çıkmış ve şu şekilde gelişmiştir:

• Yamato dönemi. Asuka ve Kofun döneminde (4.-7. yüzyıllar), hiyerogliflerin tanıtılması, Çin tarzı bir devlet rejiminin oluşturulması ve Budizm'in yaygınlaşmasıyla birlikte Çin'den Japonya'ya birçok sanat eseri getirildi. Bundan sonra Yükselen Güneş Ülkesinde Çin tarzı resimler yeniden üretilmeye başlandı.
• Nar zamanı. VI ve VII yüzyıllarda. Budizm Japonya'da gelişmeye devam etti. Bu bağlamda, aristokrasi tarafından inşa edilen çok sayıda tapınağı süslemek için kullanılan dini resim gelişmeye başladı. Genel olarak Nara döneminde heykel ve sanatın gelişimine katkısı resimden daha fazlaydı. Bu döngüdeki ilk resimler, Shakyamuni Buddha'nın hayatını tasvir eden Nara Eyaletindeki Horyu-ji Tapınağı'nın iç duvarlarındaki duvar resimlerini içerir.
• Heian dönemi. Japon resminde, 10. yüzyıldan itibaren, yukarıda yazdığımız gibi, yamato-e eğilimi ayırt edilir. Bu tür resimler, kitapları tasvir etmek için kullanılan yatay kaydırmalardır.
• Muromachi dönemi. XIV.Yüzyılda Supi-e stili (tek renkli suluboya) ve XVII.Yüzyılın ilk yarısında ortaya çıktı. sanatçılar panolara gravürler basmaya başladı - ukiyo-e.
• Azuchi-Momoyama döneminin resmi, Muromachi döneminin resmiyle keskin bir tezat oluşturuyor. Gümüşün yoğun olarak kullanıldığı çok renkli bir stile sahiptir ve bu dönemde büyük prestij ve ün kazanmıştır. Eğitim kurumu Kano. Kurucusu, ayrı odalar için tavanları ve sürgülü kapıları boyayan Kano Eitoku'ydu. Bu tür çizimler, askeri soyluların kalelerini ve saraylarını süsledi.
• Maiji dönemi. ikinciden XIX'in yarısı yüzyılda sanat, rekabet eden geleneksel ve Avrupa stillerine ayrıldı. Maiji döneminde Japonya, yetkililer tarafından organize edilen modernleşme ve Avrupalılaşma süreciyle büyük sosyal ve politik değişimler geçirdi. Gelecek vaadeden genç sanatçılar yurt dışına okumaya gönderildi ve denizaşırı sanatçılar okul sanat programları oluşturmak için Japonya'ya geldi. Ne olursa olsun, Batı sanat tarzına yönelik ilk merak dalgasının ardından sarkaç geri döndü ve geleneksel Japon tarzı yeniden doğdu. 1880'de Batı sanatı pratikleri resmi sergilerden men edildi ve ağır bir şekilde eleştirildi.

Şiir

Antik Japonya'nın sanatsal kültürü hala incelenmektedir. Özelliği, farklı dinlerin etkisi altında oluştuğu için çok yönlülük, bazı sentetiklerdir. Japon klasik şiirinin günlük yaşamdan ortaya çıktığı, onun içinde hareket ettiği ve bu dünyeviliğinin günümüz şiirinin geleneksel biçimlerinde bir dereceye kadar korunduğu bilinmektedir - belirgin bir şekilde ayırt edilen üç satırlık haiku ve beş satırlık tanka. kitle karakteri. Bu arada, onları 20. yüzyılın başında Avrupa şiirinin etkisi altında Japonya'da ortaya çıkan seçkinciliğe yönelen "serbest nazım" dan ayıran da tam olarak bu niteliktir.

Japonya'nın sanatsal kültürünün gelişim aşamalarının çok yönlü olduğunu fark ettiniz mi? Bu ülkenin toplumunda şiir özel bir rol oynadı. En ünlü türlerden biri haiku'dur, onu ancak tarihini öğrenerek anlayabilirsiniz.

İlk olarak Heian döneminde ortaya çıktı, wah'ın düşünceli dizelerine ara vermek isteyen şairler için bir tür çıkış noktası olan renga stiline benziyordu. Haikai, 16. yüzyılda renga'nın çok ciddileşmesi ve haiku'nun güvendiği bir tür haline gelmesiyle başlı başına bir tür haline geldi. konuşma dili ve hala komikti.

Elbette birçok eserde Japonya'nın sanat kültürü kısaca anlatılıyor ama biz bundan daha detaylı bahsetmeye çalışacağız. Orta Çağ'da en ünlü edebi Japon türlerinden birinin tanka ("özlü şarkı") olduğu bilinmektedir. Çoğu durumda, bu, sabit sayıda heceye sahip bir çift kıtadan oluşan beş satırdır: ilk kıtanın üç satırında 5-7-5 hece ve ikinci kıtanın iki satırında 7-7. İçeriğe gelince, tanka aşağıdaki şemayı kullanır: ilk dörtlük belirli bir doğal görüntüyü temsil eder ve ikincisi, bir kişinin bu görüntüyü yansıtan hissini yansıtır:

• uzak dağlarda
  Uyuyan uzun kuyruklu sülün -
  Bu uzun, uzun gece
  Yalnız uyuyabilir miyim? ( Kakinomoto no Hitovaro, 8. yüzyılın başları, çeviren Sanovich.)

Japon dramaturjisi

Birçoğu, Çin ve Japonya'nın sanatsal kültürünün büyüleyici olduğunu iddia ediyor. Gösteri sanatlarını sever misin? Yükselen Güneş Ülkesi'nin geleneksel dramaturjisi joruri (kukla tiyatrosu), Noh tiyatrosu dramaturjisi (kyogen ve yokyoku), kabuki tiyatrosu ve shingeki'ye ayrılır. Bu sanatın gelenekleri beş temel tiyatro türünü içerir: kyogen no, bugaku, kabuki ve bunraku. Bu beş geleneğin tümü bugün hala mevcuttur. Muazzam farklılıklara rağmen, Japon sanatının temelini oluşturan ortak estetik ilkelerle bağlantılıdırlar. Bu arada, Japonya'nın dramaturjisi 1 No'lu sahnede ortaya çıktı.

Kabuki tiyatrosu 17. yüzyılda ortaya çıktı ve 18. yüzyılın sonlarına doğru zirveye ulaştı. Belirtilen dönemde gelişen performans biçimi, Kabuki'nin modern sahnesinde korunur. Bu tiyatronun prodüksiyonları, antik sanatın dar bir hayran kitlesine odaklanan No sahnelerinin aksine, kitlesel seyirci için tasarlanmıştır. Kabuki becerilerinin kökleri, komedyenlerin performanslarından kaynaklanır - küçük saçmalıkların sanatçıları, dans ve şarkı söylemeden oluşan sahneler. Kabuki'nin teatral becerisi, joruri ve no'nun unsurlarını özümsedi.

Kabuki tiyatrosunun görünümü, Kyoto'daki Budist tapınağı O-Kuni'nin işçisinin adıyla ilişkilendirilir (1603). O-Kuni, Nembutsu-odori halk oyunlarının hareketlerini içeren dini danslarla sahnede performans sergiledi. Performansları komik oyunlarla serpiştirildi. Bu aşamada yapımlara yujo-kabuki (fahişelerin kabuki), o-kuni-kabuki veya onna-kabuki (kadınların kabuki) adı verildi.

gravürler

Geçen yüzyılda Avrupalılar ve daha sonra Ruslar, Japon sanatı olgusuyla gravür yoluyla karşılaştılar. Bu arada, Yükselen Güneş Ülkesinde, bir ağaç üzerine çizim yapmak, kitle kültürünün tüm özelliklerine - ucuzluk, bulunabilirlik, dolaşım - sahip olmasına rağmen, ilk başta hiç bir beceri olarak görülmedi. Ukiyo-e uzmanları, hem olay örgüsünün düzenlenmesinde hem de seçimlerinde en yüksek anlaşılırlığı ve basitliği elde edebildiler.

Ukiyo-e özel bir sanat okuluydu, bu yüzden bir dizi seçkin usta ortaya çıkarabildi. Bu nedenle, Hisikawa Moronobu'nun (1618-1694) adı olay örgüsünün gelişiminin ilk aşamasıyla ilişkilendirilir. 18. yüzyılın ortalarında, çok renkli gravürün ilk uzmanı Suzuki Harunobu yarattı. Çalışmasının ana motifleri, eyleme değil, ruh hallerinin ve duyguların aktarımına dikkat edilen lirik sahnelerdi: aşk, hassasiyet, üzüntü. Heian döneminin enfes antik sanatı gibi, ukiyo-e virtüözleri de yenilenmiş bir kentsel ortamda kadınların enfes güzelliğine dair olağanüstü kültü yeniden canlandırdı.

Tek fark, baskıların gururlu Heian aristokratları yerine Edo'nun eğlence bölgelerinden gelen zarif geyşaları tasvir etmesiydi. Sanatçı Utamaro (1753-1806), yaratımını tamamen kadınları çeşitli yaşam koşullarında çeşitli pozlar ve elbiselerle tasvir etmeye adamış, resim tarihinde belki de benzersiz bir profesyonel örneğidir. En iyi eserlerinden biri, Moskova'da Puşkin Resim Müzesi'nde saklanan "Geisha Usame" gravürüdür. Sanatçı, jest ve ruh halinin, yüz ifadelerinin birliğini alışılmadık bir şekilde ince bir şekilde aktardı.

Manga ve anime

Birçok sanatçı Japonya resmini incelemeye çalışır. Anime (Japon animasyonu) nedir? Yetişkin bir izleyiciye daha fazla uyum sağlamasıyla diğer animasyon türlerinden farklıdır. Burada, kesin bir ifade için stillere yinelenen bir ayrım vardır. hedef kitle. Ezmenin ölçüsü sinemaseverin cinsiyeti, yaşı veya psikolojik portresidir. Çoğu zaman anime, aynı zamanda büyük ün kazanan Japon manga çizgi romanlarının bir film uyarlamasıdır.

Manganın temel kısmı yetişkin bir izleyici için tasarlanmıştır. 2002 verilerine göre, tüm Japon kitap pazarının yaklaşık %20'si manga çizgi romanları tarafından işgal edildi.

Japonya coğrafi olarak bize yakın, ancak buna rağmen uzun süre tüm dünya tarafından anlaşılmaz ve erişilemez kaldı. Bugün bu ülke hakkında çok şey biliyoruz. Uzun bir gönüllü izolasyon, kültürünün diğer devletlerin kültürlerinden tamamen farklı olmasına yol açmıştır.

Çok zengin bir tarihe sahiptir; Japonya'nın dünyadaki benzersiz konumu, Japon sanatçıların baskın tarzlarını ve tekniklerini büyük ölçüde etkiliyor. bilinen gerçek Japonya'nın yüzyıllardır oldukça tecrit edilmiş olması, yalnızca coğrafyadan değil, aynı zamanda ülkenin tarihine damgasını vuran Japonların baskın kültürel izolasyon eğiliminden de kaynaklanmaktadır. "Japon uygarlığı" diyebileceğimiz yüzyıllar boyunca, kültür ve sanat dünyanın geri kalanından ayrı gelişti. Ve bu, Japon resim pratiğinde bile fark edilir. Örneğin, Nihonga resimleri, Japon resim pratiğinin temelleri arasındadır. Bin yılı aşkın bir geleneğe dayanmaktadır ve resimler genellikle sizin (Japon kağıdı) veya egina (ipek) üzerine fırçalarla yapılır.

Bununla birlikte, Japon sanatı ve resmi, yabancı sanatsal uygulamalardan etkilenmiştir. İlk olarak, 16. yüzyılda Çin sanatı ve Çin resmi ve Çin sanatı geleneği birçok yönden özellikle etkili olmuştur. 17. yüzyıldan itibaren Japon resmi de Batı geleneklerinden etkilenmiştir. Özellikle 1868'den 1945'e kadar süren savaş öncesi dönemde Japon resmi, Empresyonizm ve Avrupa Romantizminden etkilenmiştir. Aynı zamanda, yeni Avrupa sanat akımları da Japonlardan önemli ölçüde etkilenmiştir. sanatsal teknikler. Sanat tarihinde "Japonizm" olarak adlandırılan bu etki, özellikle Empresyonistler, Kübistler ve modernizmle ilişkilendirilen sanatçılar için önemlidir.

Japon resminin uzun tarihi, tanınmış bir Japon estetiğinin parçalarını yaratan çeşitli geleneklerin bir sentezi olarak görülebilir. Her şeyden önce, Budist resim ve resim yöntemlerinin yanı sıra dini resim, Japon resimlerinin estetiğinde önemli bir iz bırakmış; Çin edebi resim geleneğinde manzaraların sulu mürekkeple resmedilmesi, birçok ünlü Japon resminde tanınan bir diğer önemli unsurdur; Hayvanların ve bitkilerin, özellikle kuşların ve çiçeklerin resmedilmesi, Japon kompozisyonlarıyla yaygın olarak ilişkilendirilen şeydir; Gündelik Yaşam. Son olarak, eski Japonya'nın felsefesi ve kültüründen gelen güzellik hakkındaki eski fikirlerin Japon resmi üzerinde büyük etkisi oldu. Geçici ve sert güzellik anlamına gelen Wabi, sabi (doğal patina ve yaşlanmanın güzelliği) ve yugen (derin zarafet ve incelik) hala Japon resim pratiğindeki idealleri etkiliyor.

Son olarak, en ünlü on Japon şaheserini seçmeye odaklanırsak, baskıresme ait olmasına rağmen Japonya'daki en popüler sanat türlerinden biri olan ukiyo-e'den bahsetmeliyiz. Bu türe ait sanatçıların güzel kızlar, kabuki aktörleri ve sumo güreşçileri gibi konuların yanı sıra tarihten sahneler ve halk hikayeleri, seyahat sahneleri ve manzaralar, bitki örtüsü ve fauna ve hatta erotik.

Liste yapmak her zaman zordur en iyi resimler itibaren sanatsal gelenekler. Pek çok harika eser hariç tutulacak; ancak, bu liste dünyadaki en tanınmış on Japon resmini içeriyor. Bu makale sadece 19. yüzyıldan günümüze kadar yapılmış tabloları sunacaktır.

Japon resminin son derece zengin bir tarihi vardır. Yüzyıllar boyunca Japon sanatçılar, Japonya'nın sanat dünyasına en değerli katkısı olan çok sayıda benzersiz teknik ve stil geliştirdiler. Bu tekniklerden biri sumi-e'dir. Sumi-e kelimenin tam anlamıyla "mürekkepli çizim" anlamına gelir ve kaligrafi ile mürekkeple boyamayı birleştirerek fırçayla boyanmış kompozisyonların ender güzelliğini yaratır. Bu güzellik paradoksaldır - eski ama modern, basit ama karmaşık, cesur ama bastırılmış, şüphesiz Zen Budizm'deki sanatın ruhani temelini yansıtıyor. Budist rahipler, altıncı yüzyılda Çin'den Japonya'ya sert mürekkep bloğu ve bambu fırça getirdiler ve son 14 yüzyıl boyunca Japonya, zengin bir mürekkeple boyama mirası geliştirdi.

Aşağı kaydırın ve 10 Japon Resim Başyapıtını görün

1. Katsushika Hokusai "Balıkçının Karısının Rüyası"

En tanınmış Japon resimlerinden biri Balıkçının Karısının Rüyası'dır. 1814 yılında ünlü ressam Hokusai tarafından yapılmıştır. Kesin tanımlarla, Hokusai'nin bu harika eseri, üç ciltlik bir shunga kitabı olan Young Pines'tan (Kinoe no Komatsu) bir ukiyo-e gravür olduğu için bir resim olarak kabul edilemez. Kompozisyon, bir çift ahtapotla cinsel ilişkiye girmiş genç bir ama dalgıcı tasvir ediyor. Bu imaj 19. ve 20. yüzyıllarda oldukça etkili olmuştur. Çalışma, Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf ve Pablo Picasso gibi sonraki sanatçıları etkiledi.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro ayı izlerken nostaljik bir şiir yazıyor"

Tessai Tomioka, ünlü bir Japon ressam ve hattatın takma adıdır. Bunjing geleneğindeki son büyük sanatçı ve Nihonga stilinin ilk büyük sanatçılarından biri olarak kabul edilir. Bunjinga, Edo döneminin sonlarında kendilerini edebiyatçı veya entelektüel olarak gören sanatçılar arasında gelişen bir Japon resim okuluydu. Tessaia da dahil olmak üzere bu sanatçıların her biri kendi stilini ve tekniğini geliştirdi, ancak hepsi Çin sanatının ve kültürünün büyük hayranlarıydı.

3. Fujishima Takeji "Doğu Denizi Üzerinde Gün Doğumu"

Fujishima Takeji, 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında Yoga (Batı tarzı) sanat hareketinde Romantizm ve İzlenimcilik geliştirme çalışmaları ile tanınan bir Japon sanatçıydı. 1905'te Fransa'ya gitti ve burada, 1932 tarihli Doğu Denizi Üzerinde Gün Doğumu tablosunda görülebileceği gibi, zamanın Fransız hareketlerinden, özellikle Empresyonizmden etkilendi.

4. Kitagawa Utamaro "On tip kadın yüzü, baskın güzelliklerden oluşan bir koleksiyon"

Kitagawa Utamaro, 1753'te doğup 1806'da ölen tanınmış bir Japon ressamdı. Açık ara en çok On Tür Kadın Yüzü adlı bir dizi ile tanınır. İktidar güzellikleri koleksiyonu, temalar Büyük aşk Klasik Şiir" (bazen "Aşık Kadınlar" olarak adlandırılır, "Çıplak Aşk" ve "Dalgın Aşk" ayrı gravürler içerir). Ukiyo-e gravür türünün en önemli sanatçılarından biridir.

5. Kawanabe Kyosai "Kaplan"

Kawanabe Kyosai, Edo döneminin en ünlü Japon sanatçılarından biriydi. Sanatı, 16. yüzyıldan kalma Kano ressamı Tohaku'dan etkilenmiştir ve dönemin tek ressamı, toz altının narin bir arka planına tamamen mürekkeple ekranlar çizmiştir. Kyosai bir karikatürist olarak bilinmesine rağmen, en çok karikatüristlerden bazılarını yazmıştır. ünlü tablolar Japon tarihinde Sanat XIX yüzyıl. "Kaplan", Kyosai'nin yaratmak için suluboya ve mürekkep kullandığı resimlerden biridir.

6. Kawaguchi Gölü'nden Hiroshi Yoshida Fuji

Hiroshi Yoshida, Shin-Hanga stilinin önemli figürlerinden biri olarak bilinir (Shin-Hanga, 20. yüzyılın başlarında Japonya'da Taisho ve Showa dönemlerinde yeniden canlanan bir sanat akımıdır. geleneksel sanat Edo ve Meiji döneminde (XVII - XIX yüzyıllar) kök salan ukiyo-e). Meiji döneminde Japonya'da benimsenen Batı yağlı boya resim geleneğinde eğitim aldı.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami, muhtemelen zamanımızın en popüler Japon sanatçısıdır. Çalışmaları büyük müzayedelerde astronomik fiyatlara satılıyor ve çalışmaları şimdiden sadece Japonya'da değil, ötesinde de yeni nesil sanatçılara ilham veriyor. Murakami'nin sanatı bir dizi ortam içerir ve genellikle süper düz olarak tanımlanır. Çalışmaları, Japon geleneksel ve popüler kültüründen motifler içeren renk kullanımıyla tanınır. Resimlerinin içeriği genellikle "sevimli", "psikedelik" veya "hicivli" olarak tanımlanır.

8. Yayoi Kusama "Kabak"

Yaoi Kusama aynı zamanda en ünlü Japon sanatçılardan biridir. Resim, kolaj, scat heykel, performans sanatı, çevre sanatı ve enstalasyon dahil olmak üzere çeşitli ortamlarda çalışıyor ve bunların çoğu saykedelik renklere, tekrara ve desene olan tematik ilgisini gösteriyor. Bu büyük sanatçının en ünlü dizilerinden biri de Balkabağı dizisidir. Bir ağa karşı parlak sarı benekli normal bir kabak gösterilir. Tüm bu öğeler bir arada, sanatçının stiliyle karıştırılmayacak bir görsel dil oluşturur ve onlarca yıllık özenli işçilik ve yeniden üretim sürecinde geliştirilmiş ve rafine edilmiştir.

9. Tenmyoya Hisashi "Japon Ruhu #14"

Tenmyoya Hisashi, neo-nihonga resimleriyle tanınan çağdaş bir Japon ressamdır. Modern Japon resminin tam tersi olan eski Japon resmi geleneğinin yeniden canlanmasına katıldı. 2000 yılında, resimleri aracılığıyla otoriter bir sanat sistemine karşı kararlı bir tavır sergileyen yeni stili butouha'yı da yarattı. "Japon Ruhu No. 14", Japon kültüründe Savaşan Devletler döneminde alt aristokrasinin isyankar davranışı olarak yorumlanan "BASARA" sanatsal planının bir parçası olarak, yetkilileri bir ideale ulaşma yeteneğinden mahrum etmek için yaratıldı. gösterişli ve gösterişli giysiler giyerek ve özgürce hareket ederek yaşam tarzlarını kendi sosyal sınıflarına uygun olmayan bir irade belirleyecekti.

10. Katsushika Hokusai "Kanagawa'daki Büyük Dalga"

Son olarak, Kanagawa'daki Büyük Dalga muhtemelen en tanınmış olanıdır. japon boyama hiç yazılmış Bu gerçekten en ünlü eser Japonya'da yapılan sanat. Kanagawa Eyaleti kıyılarında tekneleri tehdit eden devasa dalgaları tasvir ediyor. Bazen bir tsunami ile karıştırılsa da, resmin adından da anlaşılacağı gibi dalga, büyük olasılıkla anormal derecede yüksek bir yüksekliğe sahiptir. Resim ukiyo-e geleneğinde yapılmıştır.

Gönderen: ,  18346 görüntüleme

- Şimdi Katıl! Adınız:

Bir yorum:

Japonya, Uzak Doğu'daki en küçük ülkedir - 372 bin kilometrekare. Ancak Japonya'nın dünya kültür tarihine yaptığı katkı, büyük antik devletlerin katkısından daha az değildir.

Bu antik ülkenin sanatının kökenleri MÖ 8. binyıla kadar uzanıyor. Ancak sanat hayatının her alanında en önemli aşaması MS 6-7. yüzyıllarda başlayan dönemdir. ve 19. yüzyılın ortalarına kadar devam etti. Japon sanatının gelişimi düzensiz bir şekilde ilerledi, ancak çok keskin değişiklikler veya keskin düşüşler bilmiyordu.

Japon sanatı, özel doğal ve tarihi koşullarda gelişmiştir. Japonya dört büyük adada (Honshu, Hokkaido, Kyushu ve Shioku) ve birçok küçük adada yer almaktadır. Uzun süre zaptedilemezdi ve dış savaşları bilmiyordu. Japonya'nın anakaraya yakınlığı, eski çağlarda Çin ve Kore ile temasların kurulmasını etkilemiştir. Bu, Japon sanatının gelişimini hızlandırdı.

Japon ortaçağ sanatı, Kore ve Çin kültürlerinin etkisi altında gelişti. Japonya, Çin alfabesini ve Çin dünya görüşünün özelliklerini benimsedi. Budizm, Japonya'nın devlet dini haline geldi. Ancak Japonlar, Çin fikirlerini kendilerine göre kırıp kendi yaşam tarzlarına uyarladılar.

Japon evi, Japon iç mekanı
Japon evinin dışı kadar içi de açık ve basittir. Sürekli temiz tutuldu. Parlak bir şekilde parlatılan zemin, odayı eşit dikdörtgenlere bölen hafif hasır paspaslar - tatami ile kaplandı. Ayakkabılar kapı eşiğinde çıkarıldı, eşyalar dolaplarda tutuldu, mutfak yaşam alanlarından ayrıydı. Odalarda kural olarak kalıcı şeyler yoktu. Gerektiğinde getirildiler ve götürüldüler. Ancak boş bir odadaki her şey, vazodaki bir çiçek, bir resim veya bir lake masa olsun, dikkat çekti ve özel bir ifade kazandı.

Her tür sanat, ortaçağ Japonya'sında bir evin, tapınağın, sarayın veya kalenin mekanının tasarımıyla ilişkilendirilir. Her biri diğerinin tamamlayıcısı olarak hizmet etti. Örneğin, ustalıkla seçilmiş bir buket, manzara resminde aktarılan ruh halini tamamladı ve harekete geçirdi.

Bir Japon evinin dekorasyonunda olduğu gibi aynı kusursuz hassasiyet, aynı malzeme duygusu, dekoratif sanat ürünlerinde hissedildi. Çay törenlerinde en büyük mücevher olarak el yapımı kapların kullanılması boşuna değildir. Yumuşak ve pürüzlü çanak çömleği, ıslak kili şekillendiren parmakların izini koruyordu. Pembe-inci, turkuaz-leylak veya gri-mavi sırlar akılda kalıcı değildi, ancak Japon sanatının her nesnesinin ilişkilendirildiği yaşamla doğanın parlaklığını hissettiler.

Japon çömlek
Sırsız, elle kalıplanmış ve düşük sıcaklıkta pişirilmiş kil kaplar, diğer antik halkların seramiklerine benziyordu. Ancak zaten Japon kültürüne özgü özelliklere sahiptiler. Çeşitli şekillerdeki sürahi ve tabak desenleri, kasırgaların, denizlerin ve ateş püskürten dağların unsurları hakkındaki fikirleri yansıtıyordu. Bu ürünlerin fantezisi, doğanın kendisi tarafından harekete geçirilmiş gibiydi.

Yapışmış dışbükey kil demetleri desenine sahip, neredeyse bir metre yüksekliğe ulaşan devasa testiler, ya sarmal kabukları ya da dallanmış mercan resiflerini ya da yosun düğümlerini ya da volkanların pürüzlü kenarlarını andırır. Bu görkemli ve anıtsal vazolar ve kaseler sadece ev içi değil, aynı zamanda ritüel amaçlara da hizmet ediyordu. Ancak MÖ 1. binyılın ortasında. bronz eşyalar kullanıma girdi ve seramik kaplar ritüel amaçlarını yitirdi.

Seramiğin yanında, yeni sanatsal el sanatları ürünleri ortaya çıktı - silahlar, mücevherler, bronz çanlar ve aynalar.

Japon ev eşyaları
MS 9. ila 12. yüzyıllarda, Japon aristokrasisinin zevkleri dekoratif sanatlarda ortaya çıktı. Japon odalarının alacakaranlığını aydınlatıyormuşçasına altın ve gümüş tozu serpilmiş, hafif ve zarif, pürüzsüz, neme dayanıklı lake eşyalar ve çok çeşitli günlük eşyalardan oluşuyordu. Lake, kaseler ve tabutlar, sandıklar ve masalar, müzik aletleri oluşturmak için kullanıldı. Tapınağın ve günlük yaşamın her küçük şeyi - yemek için gümüş çatal bıçak takımı, çiçekler için vazolar, mektuplar için desenli kağıtlar, işlemeli kemerler - Japonların dünyaya karşı şiirsel ve duygusal tutumunu ortaya çıkardı.

Japonya boyama
Anıtsal saray mimarisinin gelişmesiyle birlikte saray mektebi ressamlarının faaliyeti çok daha hareketli hale geldi. Sanatçılar, yalnızca duvarların değil, aynı zamanda odadaki hem resimlerin hem de portatif bölmelerin rolünü oynayan çok katlı kağıt paravanların geniş yüzeylerini boyamak zorunda kaldılar. Yetenekli zanaatkarların yaratıcı tarzının bir özelliği, bir duvar panelinin veya ekranın geniş düzleminde büyük, çok renkli bir manzara detayının seçilmesiydi.

Kano Eitoku'nun kalın ve sulu beneklerle parıldayan altın renkli arka planlar üzerinde icra ettiği çiçek, bitki, ağaç ve kuş kompozisyonları, evrenin gücü ve ihtişamı hakkındaki fikirleri genelleştirdi. Kano ekolünün temsilcileri, doğal motiflerin yanı sıra, 16. yüzyıl Japon şehrinin yaşamını ve hayatını yansıtan resimlere ve yeni konulara yer verdi.

Saray ekranlarında da tek renkli manzaralar vardı. Ancak harika bir dekoratif etkiye sahipler. Sesshu'nun takipçisi Hasegawa Tohaku'nun (1539-1610) çizdiği tablo böyledir. Beyaz mat yüzeyi, ressam tarafından kalın bir sis perdesi olarak yorumlanır ve içinden yaşlı çamların silüetleri aniden fırlar. Tohaku, yalnızca birkaç kalın mürekkep damlasıyla bir sonbahar ormanının şiirsel bir resmini yaratıyor.

Tek renkli manzara parşömenleri, yumuşak güzellikleriyle saray odalarının tarzına uymuyordu. Ancak manevi konsantrasyon ve huzur için tasarlanmış chashitsu çay köşkünün vazgeçilmez bir parçası olarak önemini korudular.

Japon ustaların sanat eserleri, yalnızca eski tarzlara sadık kalmakla kalmaz, aynı zamanda içlerinde her zaman başka hiçbir sanat eserinde olmayan yeni bir şeyler taşır. Japon sanatında klişelere ve kalıplara yer yoktur. Doğada olduğu gibi onda da tamamen özdeş iki yaratım yoktur. Ve şimdi bile, Japon ustaların sanat eserleri diğer ülkelerden sanat eserleri ile karıştırılamaz. Japon sanatında zaman yavaşlamıştır ama durmamıştır. Japon sanatında eski zamanların gelenekleri günümüze kadar gelmiştir.