Ev › Motor › "Romeo ve Juliet" balesinin yaratılış tarihi. Sergei Prokofiev'in "Romeo ve Juliet" balesi

"Romeo ve Juliet" balesinin yaratılış tarihi. Sergei Prokofiev'in "Romeo ve Juliet" balesi

Escalus, Verona Dükü
Paris, genç soylu, Juliet'in nişanlısı
kapulet
Capulet'in karısı
Juliet, kızları
Tybalt, Capulet'in yeğeni
Juliet'in Hemşiresi
Montecchi
Romeo, oğlu
Mercutio, Romeo'nun arkadaşı
Benvolio, Romeo'nun arkadaşı
Lorenzo, keşiş
Paris sayfası
Sayfa Romeo
Ozan
Verona vatandaşları, Montagues ve Capulet'lerin hizmetkarları, Juliet'in arkadaşları, taverna sahibi, misafirler, dükün maiyeti, maskeler

Eylem, Rönesans'ın başında Verona'da gerçekleşir.

önsöz. Uvertürün ortasında perde açılır. Romeo'nun hareketsiz figürleri, elinde bir kitapla Peder Lorenzo ve Juliet bir triptik oluşturur.

1. Verona'da sabahın erken saatleri. Romeo, zalim Rosamund için iç geçirerek şehirde dolaşır. İlk yoldan geçenler göründüğünde ortadan kaybolur. Şehir canlanıyor: tüccarlar atışıyor, dilenciler ok atıyor, gece eğlenceleri yürüyor. Gregorio'nun hizmetkarları Samson ve Pierrot, Capulet evinden çıkar. Meyhanenin hizmetlileriyle flört ederler, sahibi onlara bira ısmarlar. Montecchi evinin hizmetkarları Abram ve Balthazar da dışarı çıkar. Capulet'lerin hizmetkarları onlarla tartışmaya başlar. Abram yaralandığında, Montague'nin yeğeni Benvolio kılıcını çekerek kurtarmaya gelir ve herkese silahlarını indirmelerini emreder. Hoşnutsuz hizmetkarlar farklı yönlere dağılır. Capulet'in yeğeni Tybalt aniden belirir ve eve sarhoş döner. Barışsever Benvolio'yu azarladıktan sonra onunla savaşa girer. Hizmetçi savaşı devam ediyor. Capulet'nin kendisi pencereden uzlaşmaz evlerin savaşını izliyor. Genç asilzade Paris, uşaklarıyla birlikte Capulet'lerin evine gelir, Capulet'in kızı Juliet'le evlenmek istemeye gelir. Damadı görmezden gelen Capulet, sabahlık ve kılıçla evden dışarı koşar. Montague hanedanının reisi de kavgaya katılır. Şehir endişe verici bir alarmla uyanır, kasaba halkı meydana akın eder. Verona Dükü muhafızlarla birlikte ortaya çıkar, halk ondan bu çekişmeden korunması için yalvarır. Dük kılıçların ve kılıçların indirilmesini emreder. Gardiyan, dükün elinde silahla Verona sokaklarında yürüyen herkesi cezalandırma emrini çiviler. Herkes yavaş yavaş dağılıyor. Baloya davet edilenlerin listesini kontrol eden Capulet, onu şakacıya iade eder ve Paris'le birlikte ayrılır. Soytarı, ortaya çıkan Romeo ve Benvolio'dan listeyi kendisine okumalarını ister, listede Rosamund'un adını gören Romeo, topun yerini sorar.

Juliet'in odası. Juliet, Hemşiresine şakalar yapar. Katı bir anne girer ve kızına değerli Paris'in elini istediğini bildirir. Juliet şaşırır, henüz evliliği düşünmemiştir. Anne kızını aynaya götürür ve ona artık küçük bir kız olmadığını, tam gelişmiş bir kız olduğunu gösterir. Juliet'in kafası karıştı.

Yemyeşil giyinen konuklar yürüyüşe geçti Capulet Sarayı'ndaki bir baloya. Juliet'in akranlarına ozanlar eşlik eder. Sayfasıyla Paris'i geçer. Mercutio, arkadaşları Romeo ve Benvolio'yu aceleyle koşan son kişidir. Arkadaşlar şaka yapar ama Romeo kötü önsezilerden rahatsız olur. Davetsiz misafirler tanınmamak için maske takıyorlar.

Capulet'lerin odalarında top. Misafirler masalara önemli bir şekilde otururlar. Juliet, Paris'in yanında arkadaşlarıyla çevrilidir. Ozanlar genç kızları eğlendirir. Dans başlar. Erkekler ciddiyetle ped dansını açar, ardından bayanlar gelir. Ciddi ve ağır bir alaydan sonra, Juliet'in dansı hafif ve havadar görünüyor. Herkes zevkten bunalmıştır ve Romeo gözlerini yabancı kızdan alamamaktadır. Rosamund bir anda unutulur. Görkemli atmosfer, komik Mercutio tarafından boşaltılır. Zıplıyor, misafirlere komik bir şekilde eğiliyor. Herkes arkadaşının şakalarıyla meşgulken Romeo, Juliet'e yaklaşır ve bir madrigalde Juliet'e olan sevincini ifade eder. Beklenmedik bir şekilde düşen maske yüzünü ortaya çıkarır ve Juliet, aşık olabileceği genç adamın güzelliğinden etkilenir. İlk görüşmeleri Tybalt tarafından kesintiye uğrar, Romeo'yu tanır ve amcasını uyarmak için acele eder. Misafirlerin ayrılışı. Hemşire Juliet'e onu yakalayan genç adamın evlerinin düşmanı Montecchi'nin oğlu olduğunu açıklar.

Capulet balkonunun altında mehtaplı bir gecede Romeo gelir. Balkonda Juliet'i görür. Hayalini kurduğu kişiyi öğrenen kız bahçeye iner. Aşıklar mutluluk doludur.

2. Verona meydanında gürültülü ve eğlenceli. Kabağın tam sahibi herkese davranır ama özellikle Alman turistlerin önünde kıskançtır. Benvolio ve Mercutio kızlarla şakalaşıyor. Gençler dans ediyor, dilenciler koşuşturuyor, satıcılar ısrarla portakal ikram ediyor. Neşeli bir sokak alayı geçer. Çiçekler ve yeşilliklerle süslenmiş Madonna heykelinin etrafında kostümcüler ve şakacılar dans ediyor. Biralarını çabucak bitiren Mercutio ve Benvolio, alaydan sonra koşarlar. Kızlar onları bırakmamaya çalışır. Hemşire, Pierrot ile birlikte içeri girer. Romeo'ya Juliet'ten bir not verir. Okuduktan sonra Romeo, hayatını sevgilisinin hayatıyla ilişkilendirmek için acele eder.

Pater Lorenzo'nun hücresi. Gösterişsiz mobilyalar: basit bir masanın üzerinde açık bir kitap yatıyor, yanında bir kafatası var - kaçınılmaz ölümün sembolü. Lorenzo şöyle düşünür: Bir elinde çiçekler, diğerinde bir kafatası olduğu için, bir insanda yakınlarda iyilik ve kötülük vardır. Romeo girer. Yaşlı adamın elini öperek çok sevdiği düğünü ile evliliğini mühürlemesi için yalvarır. Lorenzo, klanların düşmanlığını bu evlilikle uzlaştırmayı umarak yardım sözü verir. Romeo, Juliet için bir buket hazırlar. İşte burada! Romeo ona elini verir ve töreni Lorenzo gerçekleştirir.

Ön sahnede - bir ara. Madonna ile neşeli bir geçit töreninde dilenciler, Alman turistlerden sadaka dileniyor. Portakal satıcısı, beceriksizce bir fahişenin - Tybalt'ın arkadaşının - ayağına basar. Af dilemesi ve bu bacağı öpmesi için onu dizlerinin üzerine çökertir. Mercutio ve Benvolio, gücenmiş bir satıcıdan bir sepet portakal alır ve kızlarına cömertçe davranır.

Aynı alan. Benvolio ve Mercutio meyhanede, gençler etraflarında dans ediyor. Tybalt köprüde belirir. Düşmanlarını görünce kılıcını çeker ve Mercutio'ya koşar. Düğünden sonra meydana giren Romeo onları barıştırmaya çalışır ama Tybalt onunla alay eder. Tybalt ve Mercutio arasındaki düello. Dövüşçüleri ayırmaya çalışan Romeo, arkadaşının kılıcını kenara çeker. Bundan yararlanan Tybalt, Mercutio'ya sinsice ölümcül bir darbe indirir. Mercutio hala şaka yapmaya çalışıyor ama ölüm onu yakalıyor ve cansız kalıyor. Romeo, arkadaşı onun hatası yüzünden öldüğü için acı içinde Tybalt'a koşar. Şiddetli bir mücadele Tybalt'ın ölümüyle sona erer. Benvolio, Dük'ün fermanına işaret eder ve Romeo'yu zorla uzaklaştırır. Capulet'ler, Tybalt'ın cesedi üzerinden Montecchi ailesinden intikam almaya yemin eder. Ölü adam bir sedyeye kaldırılır ve kasvetli bir alay şehrin içinden geçer.

3. Juliet'in odası. Sabahın erken saatleri. Romeo, ilk gizli düğün gecesinden sonra sevgilisine şefkatle veda eder, dükün emriyle Verona'dan kovulur. Güneşin ilk ışıkları aşıkları ayırır. Hemşire ve Juliet'in annesi kapıda belirir, ardından babaları ve Paris gelir. Anne, Paris ile düğünün Peter Kilisesi'nde planlandığını bildirir. Paris şefkatli duygularını ifade eder, ancak Juliet evlenmeyi reddeder. Anne korkar ve Paris'ten onları terk etmesini ister. Ayrıldıktan sonra, ebeveynler kızlarına sitemler ve azarlamalarla eziyet ediyor. Yalnız kalan Juliet, babasına danışmaya karar verir.

Lorenzo'nun hücresinde Juliet koşar. Ondan yardım için yalvarır. Rahip düşünürken Juliet bir bıçak alır. Ölüm tek çıkış yolu! Lorenzo bıçağı alır ve ona merhum gibi olacağı bir iksir sunar. Açık bir tabutta mahzene götürülecek ve bilgilendirilecek olan Romeo onun için gelip onu Mantua'ya götürecek.

Evde, Juliet evliliği kabul eder. Korku içinde iksiri içer ve bayılarak yatağın perdesinin arkasına düşer. sabah geliyor Paris'ten kız arkadaşlar ve müzisyenler gelir. Juliet'i uyandırmak için neşeli bir oyun oynarlar. düğün müziği. Hemşire perdenin arkasına geçti ve dehşet içinde geri çekildi - Juliet ölmüştü.

Mantua'da sonbahar gecesi. Romeo yağmurda yalnız kalır. Hizmetçisi Balthasar ortaya çıkar ve ona Juliet'in öldüğünü bildirir. Romeo şok olur, ancak daha sonra zehri yanına alarak Verona'ya dönmeye karar verir. Verona'daki mezarlığa bir cenaze alayı taşınır. Juliet'in cesedini kalbi kırık ebeveynleri, Paris, Hemşire, akrabaları ve arkadaşları takip eder. Tabut mahzene yerleştirilir. Işık söner. Romeo koşar. Ölü sevgiliye sarılır zehri içer. Juliet uzun bir "uykudan" uyandı. Dudakları hala sıcakken ölü Romeo'yu görünce ona bir hançer saplıyor.

sonsöz. Romeo ve Juliet'in ebeveynleri mezarlarını ziyaret eder. Çocukların ölümü, ruhlarını kin ve düşmanlıktan kurtarır ve birbirlerine ellerini uzatırlar.

Şimdi, birçok kişi Sergei Prokofiev'in Romeo ve Juliet balesinin müziğini tam anlamıyla iki ölçüyle tanıdığında, bu müziğin sahneye çıkmasının ne kadar zor olduğuna şaşırabilirsiniz. Besteci şunları ifade etti: “1934'ün sonunda Leningrad Kirov Tiyatrosu ile bale hakkında görüşmeler yapıldı. Lirik arsa ile ilgileniyordum. Romeo ve Juliet ile karşılaştık.” Ünlü tiyatro figürü Adrian Piotrovsky ilk senarist oldu.

Prokofiev, Shakespeare'in trajedisini müzikal olarak tasvir etmeye çalışmadı. Başlangıçta bestecinin kahramanlarının hayatını kurtarmak bile istediği biliniyor. Muhtemelen, tabuttaki kahramanların bir partnerin cansız bedeni ile kaçınılmaz manipülasyonlarından utanmıştı. Yapısal olarak, yeni bale bir dizi koreografik süit (düşmanlık süiti, karnaval süiti) olarak tasarlandı. Zıt sayıların, bölümlerin, karakterlerin iyi niyetli özelliklerinin montajı, önde gelen kompozisyon ilkesi haline geldi. Böyle bir bale yapısının alışılmadıklığı, müziğin melodik yeniliği, o zamanın koreografik tiyatrosu için alışılmadıktı.

"Romeo ve Juliet" in sonraki tüm (ve çok farklı!) yerli koreografik çözümlerinin ayırt edici bir özelliği, bestecinin niyetine daha fazla nüfuz etmesi, dansın rolünde bir artış ve yönetmenin bulgularının keskinliğiydi.

Burada Nikolai Boyarchikov (1972, Perm), Yuri Grigorovich (1979, Bolşoy Tiyatrosu), Natalia Kasatkina ve Vladimir Vasilev (1981, Klasik Bale Tiyatrosu), Vladimir Vasilyev'in (1991, Moskova Müzik Tiyatrosu) en ünlü performanslarını not ediyoruz.

Prokofiev'in balesinin çok sayıda prodüksiyonu yurtdışında sahnelendi. Yerli koreograflar Lavrovsky'nin performansıyla aktif bir şekilde "çelişirken", John Cranko (1958) ve Kenneth MacMillan'ın (1965) Rusya dışındaki en ünlü performanslarının hala tanınmış Batılı topluluklar tarafından icra edilmesi ilginçtir. orijinal koreodram. St. Petersburg'daki Mariinsky Tiyatrosu'nda (200'den fazla gösteriden sonra), bugün hala 1940'ın performansını görebilirsiniz.

A. Degen, I. Stupnikov

"Romeo ve Juliet"in en iyi tanımı müzikolog G. Ordzhonikidze tarafından yapılmıştır:

Prokofiev'in Romeo ve Juliet'i reformist bir eserdir. Bir senfoni-bale olarak adlandırılabilir, çünkü sonat döngüsünün biçim oluşturucu unsurlarını, tabiri caizse "saf biçimi" içinde içermese de, tamamına saf senfonik bir nefesle nüfuz eder ... Her Müziğin ölçüsünde, ana dramatik fikrin titreyen nefesi hissedilebilir. Resimsel ilkenin tüm cömertliğine rağmen, aktif olarak dramatik bir içerikle doyurularak hiçbir yerde kendi kendine yeterli bir karakter üstlenmez. En anlamlı araçlar, aşırılıklar müzik dili burada zamanında uygulandı ve içsel olarak haklı çıkarıldı ... Prokofiev'in balesi, derin bir müzik özgünlüğü ile ayırt edilir. Prokofiev'in bale stilinin özelliği olan, öncelikle dans başlangıcının bireyselliğinde kendini gösterir. Klasik bale için bu ilke tipik değildir ve genellikle kendini yalnızca ruhsal yükseliş anlarında - lirik adagiolarda - gösterir. Prokofiev, adagio'nun belirtilen dramatik rolünü tüm lirik dramaya genişletir.

Balenin ayrı, en parlak sayıları, hem senfonik süitlerin bir parçası olarak hem de piyano transkripsiyonunda konser sahnesinde çok sık ses çıkarır. Bunlar "Kız Juliet", "Montagues ve Capuletler", "Ayrılmadan Önce Romeo ve Juliet", "Antil Kızlarının Dansı" vb.

Fotoğrafta: Mariinsky Tiyatrosu / N. Razina'daki "Romeo ve Juliet"

1. "Romeo ve Juliet" balesinin yaratılış tarihi. 4

2. Ana karakterler, resimler, özellikleri. 7

3. Juliet'in teması (biçim analizi, araçlar müzikal ifade, bir görüntü oluşturmak için müzik materyali sunma teknikleri) 12

Çözüm. 15

Referanslar.. 16

giriiş

Sergei Prokofiev, yenilikçi bir müzikal tiyatro yaratan 20. yüzyılın en büyük yaratıcılarından biriydi. Opera ve balelerinin olay örgüsü çarpıcı biçimde zıttır. Prokofiev'in mirası, hem türlerin çeşitliliği hem de yarattığı eserlerin sayısı açısından etkileyicidir. 1909'dan 1952'ye kadar olan dönemde besteci tarafından 130'dan fazla eser yazılmıştır. Prokofiev'in ender yaratıcı üretkenliği, yalnızca fanatik bir beste yapma arzusuyla değil, aynı zamanda çocukluktan getirilen disiplin ve çalışkanlıkla da açıklanıyor. Eserlerinin hemen hepsi müzik türleri Anahtar kelimeler: opera ve bale, enstrümantal konçerto, senfoni, sonat ve piyano eseri, şarkı, romans, kantat, tiyatro ve film müziği, çocuk müziği. Prokofiev'in yaratıcı ilgi alanlarının genişliği, bir olay örgüsünden diğerine geçme konusundaki inanılmaz yeteneği, büyük şiirsel eserlerin dünyasına sanatsal olarak maruz kalması inanılmaz. Prokofiev'in hayal gücü, Roerich, Blok, Stravinsky ("Ala ve Lolly"), Rus folkloru ("Soytarı"), Dostoyevski ("Kumarbaz") ve Shakespeare ("Romeo ve Juliet") tarafından geliştirilen İskitçilik imgeleriyle büyüleniyor. "). Andersen, Perrault, Bazhov'un masallarının bilgeliğine ve ebedi nezaketine dönüyor ve Rus tarihinin trajik ama şanlı sayfalarının ("Alexander Nevsky", "Savaş ve Barış") olaylarına kapılmış özverili bir şekilde çalışıyor. Neşeyle, bulaşıcı bir şekilde gülmeyi biliyor ("duenna", "Üç portakal sevgisi"). Ekim Devrimi zamanını yansıtan modern konuları seçer ("Ekim'in 20. yıldönümünde" kantatı), iç savaş("Semyon Kotko"), Büyük Vatanseverlik Savaşı ("Gerçek Bir Adamın Hikayesi"). Ve bu besteler, zamana bir övgü, olaylarla "oynama" arzusu haline gelmiyor. Hepsi yükseklere tanıklık ediyor vatandaşlık Prokofiev.

Prokofiev'in çalışmalarının çok özel bir alanı çocuklara yönelik çalışmalardı. Önce Son günler Prokofiev, genç ve taze dünya algısını korudu. Çocuklara olan büyük sevgiden, onlarla iletişimden, yaramaz şarkılar "Chatterbox" (A. Barto'nun dizelerine) ve "Piglets" (L. Kvitka'nın dizelerine) ortaya çıktı, büyüleyici senfonik masal"Peter ve Kurt", bir piyano minyatürleri döngüsü "Çocuk Müziği", savaşın götürdüğü çocukluk hakkında dramatik bir şiir "Kalan Bir Çocuğun Bilinmeyen Baladı" (metin P. Antokolsky).

Prokofiev genellikle kendi müzikal temalarını kullandı. Ancak temaların kompozisyondan kompozisyona aktarılmasına her zaman yaratıcı revizyonlar eşlik etti. Bu, bestecinin eserinde özel bir rol oynayan eskizleri ve taslaklarıyla kanıtlanmaktadır. Yaratıcı süreç. Beste yapma süreci genellikle Prokofiev'in yönetmenler, oyuncular ve şeflerle olan canlı iletişiminden doğrudan etkilendi. "Romeo ve Juliet" balesinin ilk icracılarının eleştirisi, bazı sahnelerde orkestrasyonun hareketlenmesine yol açtı. Bununla birlikte, tavsiye Prokofiev tarafından yalnızca ikna edici olduklarında ve kendi çalışma vizyonuna ters düşmediklerinde kabul edildi.

Aynı zamanda, Prokofiev incelikli bir psikologdu ve besteci, imgelemenin dış tarafı kadar psikolojik eylemle meşguldü. Aynı zamanda, bir tanesinde olduğu gibi, onu inanılmaz bir incelik ve hassasiyetle somutlaştırdı. en iyi bale XX yüzyıl - "Romeo ve Juliet" balesi.

1. "Romeo ve Juliet" balesinin yaratılış tarihi

İlk büyük eser olan "Romeo ve Juliet" balesi gerçek bir şaheser haline geldi. Sahne hayatına başlamak zordu. 1935-1936'da yazılmıştır. Libretto, besteci tarafından yönetmen S. Radlov ve koreograf L. Lavrovsky ile birlikte geliştirildi (L. Lavrovsky balenin ilk prodüksiyonunu 1940 yılında S. M. Kirov Leningrad Opera ve Bale Tiyatrosu'nda sahneledi). Ancak Prokofiev'in alışılmadık müziğine yavaş yavaş alışmak yine de başarı ile taçlandırıldı. "Romeo ve Juliet" balesi 1936'da tamamlandı, ancak daha önce tasarlandı. Balenin kaderi zor gelişmeye devam etti. İlk başta balenin tamamlanmasında zorluklar yaşandı. Prokofiev, senaryoyu geliştirirken S. Radlov ile birlikte mutlu bir son düşünüyordu ve bu, Shakespeare akademisyenleri arasında bir öfke fırtınasına neden oldu. Büyük oyun yazarına yönelik bariz saygısızlık basitçe açıklandı: "Bizi bu barbarlığa iten nedenler tamamen koreografikti: yaşayan insanlar dans edebilir, ölen insanlar yatarak dans etmez." Baleyi Shakespeare'inki gibi trajik bir şekilde bitirme kararı, en çok müziğin kendisinde, son bölümlerinde saf neşe olmamasından etkilendi. Koreograflarla yapılan görüşmelerden sonra sorun, "bale sonunu bale ile çözmenin mümkün olduğu" ortaya çıkınca çözüldü. ölümcül". Ancak Bolşoy Tiyatrosu, müziği dans dışı müzik olarak değerlendirerek anlaşmayı ihlal etti. Leningrad Koreografi Okulu ikinci kez anlaşmayı reddetti. Sonuç olarak, Romeo ve Juliet'in ilk prodüksiyonu 1938'de gerçekleşti. Çekoslovakya, Brno şehrinde ünlü koreograf L. Lavrovsky balenin yönetmeni oldu Ünlü G. Ulanova Juliet rolünü oynadı.

Geçmişte Shakespeare'i bale sahnesinde temsil etme girişimleri olmasına rağmen (örneğin, 1926'da Diaghilev, İngiliz besteci C. Lambert'in müziğiyle Romeo ve Juliet balesini sahneledi), ancak hiçbiri başarılı sayılmaz. Bellini, Gounod, Verdi tarafından yapıldığı gibi Shakespeare'in imgeleri bir operada somutlaştırılabilseydi ya da senfonik müzik, Çaykovski'de olduğu gibi, o zaman balede, tür özellikleri nedeniyle imkansızdır. Bu bağlamda, Prokofiev'in Shakespeare'in olay örgüsüne başvurması cesur bir adımdı. Ancak Rus ve Sovyet bale gelenekleri bu adımı hazırladı.

"Romeo ve Juliet" balesinin ortaya çıkışı, Sergei Prokofiev'in çalışmalarında önemli bir dönüm noktasıdır. "Romeo ve Juliet" balesi, yeni bir koreografik performans arayışındaki en önemli başarılardan biri haline geldi. Prokofiev, yaşayan insan duygularının somutlaştırılması, gerçekçiliğin kurulması için çabalıyor. Prokofiev'in müziği, Shakespeare'in trajedisinin ana çatışmasını canlı bir şekilde ortaya koyuyor - ortaçağ yaşam tarzının vahşetini karakterize eden eski neslin aile kan davasıyla parlak aşkın çatışması. Besteci balede bir sentez yarattı - drama ve müziğin bir birleşimi, tıpkı zamanında Shakespeare'in Romeo ve Juliet'te şiiri dramatik aksiyonla birleştirmesi gibi. Prokofiev'in müziği, insan ruhunun en ince psikolojik hareketlerini, Shakespeare'in düşüncesinin zenginliğini, en mükemmel trajedilerinden ilkinin tutkusunu ve dramını aktarır. Prokofiev, Shakespeare'in baledeki karakterlerini çeşitlilikleri ve eksiksizlikleri, derin şiirleri ve canlılıkları ile yeniden yaratmayı başardı. Romeo ve Juliet'in aşk şiiri, Mercutio'nun mizahı ve haylazlığı, Hemşire'nin masumiyeti, Pater Lorenzo'nun bilgeliği, Tybalt'ın öfkesi ve zulmü, İtalyan sokaklarının şenlikli ve şiddetli rengi, sabah şafağının şefkati ve ölüm sahnelerinin draması - tüm bunlar Prokofiev tarafından beceri ve büyük bir ifade gücü ile somutlaştırılmıştır.

özgüllük bale türü eylemin genişletilmesini, yoğunlaşmasını talep etti. Trajedide ikincil veya ikincil olan her şeyi kesen Prokofiev, dikkatini merkezi anlamsal anlara odakladı: aşk ve ölüm; Verona soylularının iki ailesi - Montagues ve Capuletler arasında aşıkların ölümüne yol açan ölümcül düşmanlık. Prokofiev'in yazdığı Romeo ve Juliet, psikolojik durumların karmaşık bir motivasyonu, çok sayıda net müzikal portre özelliği ile zengin bir şekilde geliştirilmiş bir koreografik dramadır. Libretto, Shakespeare'in trajedisinin temelini özlü ve ikna edici bir şekilde gösteriyor. Ana sahne sırasını korur (yalnızca birkaç sahne azaltılır - trajedinin 5 perdesi 3 büyük perdeye gruplanır).

Romeo ve Juliet son derece yenilikçi bir baledir. Yeniliği, senfonik gelişim ilkelerinde de kendini gösteriyor. Balenin senfonik dramaturjisi üç farklı türü içinde barındırır.

Birincisi, iyi ve kötü temalarının çelişkili karşıtlığıdır. Tüm kahramanlar - iyilik taşıyıcıları, çeşitli ve çok yönlü şekillerde gösterilir. Besteci, düşmanlık temalarını 19. yüzyılın rock temalarına ve 20. yüzyılın bazı kötülük temalarına yaklaştırarak kötülüğü daha genel olarak sunar. Kötülük temaları, sonsöz dışındaki tüm eylemlerde görünür. Kahramanların dünyasını işgal ederler ve gelişmezler.

İkinci tür senfonik gelişim, görüntülerin kademeli dönüşümü ile ilişkilidir - Mercutio ve Juliet, karakterlerin psikolojik durumlarının ifşa edilmesi ve görüntülerin içsel büyümesinin gösterilmesi.

Üçüncü tip, bir bütün olarak Prokofiev'in senfonizminin özelliği olan varyasyon, varyans özelliklerini ortaya çıkarır, özellikle lirik temaları etkiler.

Bu türlerin üçü de balede film montajı ilkelerine, çekimlerin özel ritmine, yakın çekim tekniklerine, orta ve uzun mesafeli çekimlere, "akım" tekniklerine, keskin zıt karşıtlıklara tabidir. sahnelerin özel bir anlamı vardır.

2. Ana karakterler, resimler, özellikleri

Balenin üç perdesi (dördüncü perde bir sonsözdür), iki sayısı ve dokuz sahnesi vardır.

Rol yapıyorum - görüntülerin sergilenmesi, baloda Romeo ve Juliet ile tanışma.

II perde 4 resim - aşkın parlak dünyası, düğün 5 resim - korkunç bir düşmanlık ve ölüm sahnesi.

III action.6 resim - veda.7, 8 resim - Juliet'in uyku iksiri alma kararı.

Sonsöz 9 resim - Romeo ve Juliet'in ölümü.

1. resim, Verona'nın bir gece uykusundan sonra yavaş yavaş hareketle dolan pitoresk meydanları ve sokakları arasında ortaya çıkıyor. Kahramanın sahnesi - Romeo, yalnızlık arayan "aşk özlemiyle zayıflıyor", yerini iki savaşan ailenin temsilcileri arasındaki bir tartışma ve savaşa bırakıyor. Öfkeli rakipler, Dük'ün müthiş emriyle durdurulur: "Ölüm acısı altında, dağılın! "

İlk büyük eser - "Romeo ve Juliet" balesi - gerçek bir başyapıt oldu. Sahne hayatına başlamak zordu. 1935-1936'da yazılmıştır. Libretto, besteci tarafından yönetmen S. Radlov ve koreograf L. Lavrovsky ile birlikte geliştirildi (L. Lavrovsky balenin ilk prodüksiyonunu 1940 yılında S. M. Kirov Leningrad Opera ve Bale Tiyatrosu'nda sahneledi). Ancak Prokofiev'in alışılmadık müziğine yavaş yavaş alışmak yine de başarı ile taçlandırıldı. "Romeo ve Juliet" balesi 1936'da tamamlandı, ancak daha önce tasarlandı. Balenin kaderi zor gelişmeye devam etti. İlk başta balenin tamamlanmasında zorluklar yaşandı. Prokofiev, senaryoyu geliştirirken S. Radlov ile birlikte mutlu bir son düşünüyordu ve bu, Shakespeare akademisyenleri arasında bir öfke fırtınasına neden oldu. Büyük oyun yazarına yönelik bariz saygısızlık basitçe açıklandı: "Bizi bu barbarlığa iten nedenler tamamen koreografikti: yaşayan insanlar dans edebilir, ölen insanlar yatarak dans etmez." Baleyi Shakespeare'inki gibi trajik bir şekilde bitirme kararı, en çok müziğin kendisinde, son bölümlerinde saf neşe olmamasından etkilendi. Koreograflarla yapılan görüşmelerden sonra sorun, "ölümcül baleyi çözmenin mümkün olduğu" ortaya çıktığında çözüldü. Ancak Bolşoy Tiyatrosu, müziğin dans olmadığını düşünerek anlaşmayı ihlal etti. Leningrad Koreografi Okulu ikinci kez sözleşmeyi reddetti. Sonuç olarak, "Romeo ve Juliet" in ilk üretimi 1938'de Çekoslovakya'nın Brno şehrinde gerçekleşti. Balenin yönetmenliğini ünlü koreograf L. Lavrovsky üstlendi. Juliet'in rolü ünlü G. Ulanova tarafından oynandı.

Geçmişte Shakespeare'i bale sahnesinde temsil etme girişimleri olmasına rağmen (örneğin, 1926'da Diaghilev, İngiliz besteci C. Lambert'in müziğiyle Romeo ve Juliet balesini sahneledi), ancak hiçbiri başarılı sayılmaz. Görünüşe göre Shakespeare'in görüntüleri Bellini, Gounod, Verdi'nin yaptığı gibi operada veya Çaykovski'de olduğu gibi senfonik müzikte, o zaman tür özgüllüğü nedeniyle balede somutlaştırılabiliyorsa, bu imkansızdı. Bu bağlamda, Prokofiev'in Shakespeare'in olay örgüsüne başvurması cesur bir adımdı. Ancak Rus ve Sovyet bale gelenekleri bu adımı hazırladı.

Bale türünün özgüllüğü, eylemin genişletilmesini, yoğunlaşmasını gerektiriyordu. Trajedide ikincil veya ikincil olan her şeyi kesen Prokofiev, dikkatini merkezi anlamsal anlara odakladı: aşk ve ölüm; Veronese asaletinin iki ailesi - Montagues ve Capuletler arasında aşıkların ölümüne yol açan ölümcül düşmanlık. Prokofiev'in yazdığı Romeo ve Juliet, psikolojik durumların karmaşık bir motivasyonu, çok sayıda net müzikal portre özelliği ile zengin bir şekilde geliştirilmiş bir koreografik dramadır. Libretto, Shakespeare'in trajedisinin temelini özlü ve ikna edici bir şekilde gösteriyor. Ana sahne sırasını korur (yalnızca birkaç sahne azaltılır - trajedinin 5 perdesi 3 büyük perdeye gruplanır).

Romeo ve Juliet son derece yenilikçi bir baledir. Yeniliği, senfonik gelişim ilkelerinde de kendini gösteriyor. Balenin senfonik dramaturjisi üç farklı türü içinde barındırır.

İkinci tür senfonik gelişim, görüntülerin kademeli dönüşümü ile ilişkilidir - Mercutio ve Juliet, karakterlerin psikolojik durumlarının ifşası ve görüntülerin içsel büyümesinin gösterilmesi.

Üçüncü tip, bir bütün olarak Prokofiev'in senfonizminin özelliği olan varyasyon, varyans özelliklerini ortaya çıkarır, özellikle lirik temaları etkiler.

Prokofiev S. Bale "Romeo ve Juliet"

BALE "ROMEO VE JULIET"

"Romeo ve Juliet" balesi Prokofiev tarafından 1935-1936'da yazılmıştır. Libretto, besteci tarafından yönetmen S. Radlov ve koreograf L. Lavrovsky ile birlikte geliştirildi (L. Lavrovsky balenin ilk prodüksiyonunu 1940 yılında S. M. Kirov'un adını taşıyan Leningrad Opera ve Bale Tiyatrosu'nda sahneledi).

Prokofiev'in çalışmaları, Rus balesinin klasik geleneklerini sürdürdü. Bu, bale performansının gelişmiş senfonik dramaturjisinde, derin insan duygularının yansımasında, seçilen temanın büyük etik öneminde ifade edildi. Aynı zamanda, Romeo ve Juliet'in bale müziği o kadar sıra dışıydı ki, alışması zaman aldı. Hatta ironik bir söz vardı: "Dünyada Prokofiev'in bale müziğinden daha üzücü bir hikaye yoktur." Ancak yavaş yavaş tüm bunların yerini sanatçıların ve ardından halkın müziğe karşı coşkulu bir tavrı aldı 35 .

35 G. Ulanova, anılarında Prokofiev'in bale müziğinin dansçılar için ne kadar sıra dışı olduğunu anlatıyor: anlaşılmaz ve rahatsız görünüyordu. Ama biz onu dinledikçe, çalıştıkça, araştırdıkça, denedikçe, müzikten doğan görüntüler bir o kadar parlak yükseldi önümüze. Ve yavaş yavaş anlayışı geldi, yavaş yavaş dans için rahat, koreografik ve psikolojik olarak net hale geldi ”(Ulanova G. Favori balelerin yazarı. Cit. ed., s. 434).

Her şeyden önce, olay örgüsü alışılmadıktı. Shakespeare'e dönüş, Sovyet koreografisinde cesur bir adımdı, çünkü genel kabul görmüş görüşe göre, bu tür karmaşık felsefi ve dramatik temaların bale kullanılarak somutlaştırılmasının imkansız olduğuna inanılıyordu 36 . Shakespeare teması, bestecinin dramatik ve psikolojik sahnelere odaklanarak karakterlerin ve yaşam ortamlarının çok yönlü gerçekçi bir karakterizasyonunu vermesini gerektirir.

Prokofiev'in müziği ve Lavrovsky'nin performansı, Shakespeare'in ruhuyla doludur. Bale performansını edebi kaynağına olabildiğince yaklaştırma çabasıyla libretto yazarları, Shakespeare'in trajedisinin ana olaylarını ve sırasını korudular. Sadece birkaç sahne kesilmiş. Trajedinin beş perdesi, üç ana perdede gruplandırılmıştır. Bununla birlikte, balenin dramaturjisinin özelliklerine dayanarak, yazarlar, eylemin atmosferini ve eylemin kendisini dansta, hareket halinde aktarmayı mümkün kılan bazı yeni sahneler tanıttı - II. Perde'de bir halk festivali, bir cenaze töreni Tybalt ve diğerlerinin cesediyle alay.

Prokofiev'in müziği, trajedinin ana çatışmasını açıkça ortaya koyuyor - genç kahramanların parlak sevgisinin, ortaçağ yaşam tarzının vahşetini karakterize eden eski neslin aile düşmanlığıyla çarpışması (Romeo ve Juliet'in eski bale performansları ve ünlü opera Gounod, esas olarak trajedinin aşk çizgisinin tasviriyle sınırlıdır). Prokofiev, Shakespeare'in trajik ve komik, yüce ve soytarı arasındaki karşıtlıklarını da müzikte somutlaştırabildi.

Önünde Berlioz senfonisi ve Çaykovski'nin uvertür-fantezisi gibi Romeo ve Juliet'in senfonik düzenlemesinin bu kadar yüce örnekleri olan Prokofiev, tamamen orijinal bir eser yarattı. Balenin sözleri ölçülü ve saf, bazen rafine. Besteci, uzun lirik taşkınlıklardan kaçınır, ancak gerektiğinde, şarkı sözlerinin doğasında tutku ve gerilim vardır. Prokofiev'in mecazi doğruluğu, müziğin görünürlüğü ve özelliklerin özlülüğü özel bir güçle ortaya çıktı.

Müzik ve aksiyon arasındaki en yakın bağlantı, özünde parlak bir teatral olan eserin müzikal dramaturjisini ayırt eder. Pandomim ve dansın organik birleşimi için tasarlanmış sahnelere dayanıyor: bunlar solo portre sahneleri"

36 Çaykovski ve Glazunov döneminde, balede en yaygın olan peri masalı romantik olay örgüleriydi. Çaykovski, genelleştirilmiş fikirleri, derin insani duyguları ifade etmek için "Kuğu Gölü", "Uyuyan Güzel", "Fındıkkıran" ın şiirsel olay örgüsünü kullanarak bale için en uygun olanları düşündü.

Sovyet balesi, peri masalı romantik olay örgüleriyle birlikte, gerçekçi temalara - dünya edebiyatından alınmış tarihsel-devrimci, modern - çekicilikle karakterize edilir. Bunlar balelerdir: Gliere'den Kırmızı Çiçek ve Bronz Süvari, Asafiev'den Paris'in Alevleri ve Bakhchisarai Çeşmesi, Khachaturian'dan Gayane ve Spartacus, Shchedrin'den Anna Karenina ve Martı.

(“Kız Juliet”, “Mercutio”, “Pater Lorenzo”) ve diyalog sahneleri (“Balkonda”. Roma ve Juliet ayrılıyor”) ve dramatik kalabalık sahneleri (“Kavga”, “Kavga”).

Burada kesinlikle hiçbir sapma yoktur, yani tamamen dans "konser" sayıları (varyasyon döngüleri ve karakteristik danslar) eklenir. Danslar ya karakteristiktir (“Şövalyelerin Dansı”, aksi takdirde “Montagues ve Capuleti” olarak adlandırılır) ya da aksiyonun atmosferini yeniden yaratır (aristokratik zarif balo salonu dansları, neşeli halk oyunları), renklilikleri ve dinamikleriyle büyüleyici.

"Romeo ve Juliet"teki en önemli dramatik araçlardan biri leitmotiflerdir. Prokofiev, bale ve operalarında kendine özgü bir leitmotif geliştirme tekniği geliştirdi. Genellikle müzikal portreler kahramanları, görüntünün farklı taraflarını karakterize eden birkaç temayla iç içe geçmiş durumda. Tekrarlanabilirler, gelecekte değişebilirler, ancak görüntünün yeni niteliklerinin ortaya çıkması çoğu zaman, aynı zamanda önceki tonlama temalarıyla yakından bağlantılı olan yeni bir temanın ortaya çıkmasına neden olur.

En açık örnek, duyguların gelişiminde üç aşamaya işaret eden üç aşk temasıdır: başlangıcı (örnek 177'ye bakın), çiçek açması (örnek 178) ve trajik yoğunluğu (örnek 186).

Prokofiev, Romeo ve Juliet'in çok yönlü ve karmaşık bir şekilde geliştirilmiş görüntülerini, bale boyunca neredeyse değişmeyen, kasvetli, aptal bir düşmanlığın, kahramanların ölümüne neden olan kötülüğün görüntüsüyle karşılaştırır.

Keskin zıt karşılaştırmalar yöntemi, bu balenin en güçlü dramatik araçlarından biridir. Örneğin, Peder Lorenzo'daki düğün sahnesi, şenlikli halk eğlencesi sahneleriyle çerçevelenir (şehir yaşamının olağan resmi, kahramanların kaderinin münhasırlığını ve trajedisini başlatır); son perdede, Juliet'in en yoğun ruhsal mücadelesinin görüntüleri, "Sabah Serenatı"nın parlak, şeffaf sesleriyle yanıtlanıyor.

Besteci, baleyi nispeten küçük ve çok net bir şekilde tasarlanmış müzikal sayıların değişimi üzerine kurar. Bu nihai bütünlükte, biçimlerin "yönlülüğü" - Kofiev yanlısı tarzın özlülüğü. Ancak tematik bağlantılar, genellikle birkaç sayıyı birleştiren ortak dinamik çizgiler, kompozisyonun görünen mozaiğine karşı çıkıyor ve harika bir senfonik nefesin inşasını yaratıyor. Ve tüm bale boyunca leitmotif özelliklerinin sürekli gelişimi, tüm esere bütünlük verir, onu dramaturjik olarak birleştirir.

Prokofiev hangi araçlarla bir zaman ve eylem yeri duygusu yaratıyor? "Alexander Nevsky" kantatı ile bağlantılı olarak daha önce bahsedildiği gibi, geçmişe giden gerçek müzik örneklerine dönmesi onun için tipik değildir. Modern bir antik çağ fikrinin aktarımını buna tercih ediyor. 18. yüzyıl Fransız kökenli dansları olan minuet ve gavotte, 15. yüzyıl İtalyan müziğine karşılık gelmez, ancak dinleyiciler tarafından eski Avrupa dansları olarak iyi bilinirler ve geniş tarihsel ve belirli figüratif çağrışımları çağrıştırırlar. Minuet ve gavotte 37, Capuleti'deki top sahnesinde belirli bir sertliği ve koşullu derecelendirmeyi karakterize eder. Aynı zamanda içlerinde hafif bir ironi de var. çağdaş besteci, "tören" döneminin görüntülerini yeniden yaratıyor.

Halk festivalinin müziği, Rönesans İtalya'sının kaynayan, güneşe doymuş ve canlı duygu atmosferini tasvir eden orijinaldir. Prokofiev burada İtalyan halk dansı tarantellasının ritmik özelliklerini kullanıyor (bkz. "Halk Dansları" Perde II).

İtalyan yaşamında yaygın bir enstrüman olan mandolinin notasına giriş ("Mandolinlerle Dans", "Sabah Serenatı" bölümüne bakın) renklidir. Ancak, çoğu tür olan diğer birçok bölümde, bestecinin doku ve tını rengini bu enstrümanın kendine özgü, iddiasız "koparılmış" sesine yaklaştırması daha ilginçtir (bkz. "Sokak Uyanıyor", "Maskeler", " Baloya Hazırlık”, “Mercutio ").

rol yapıyorum Bale kısa bir "Giriş" ile açılır. Bir kitabe gibi özlü, aynı zamanda hafif ve hüzünlü aşk temasıyla başlar:

İlk sahne, Romeo'nun sabahın erken saatlerinde şehirde dolaştığını tasvir ediyor 38 . Düşünceli bir melodi, aşk hayali kuran genç bir adamı karakterize eder:

87 Gavotun müziği Prokofiev tarafından Klasik Senfonisinden alınmıştır.

88 Shakespeare'in böyle bir sahnesi yoktur. Ancak bu, Romeo'nun bir arkadaşı olan Benvolio tarafından anlatılıyor. Hikayeyi eyleme dönüştüren libretto yazarları, bale dramaturjisinin özelliklerinden yola çıkıyor.

Bu, Romeo'nun iki ana temasından biridir (diğeri "Giriş"te verilmiştir).

Resimler hızla birbiri ardına değişiyor, sabahı tasvir ediyor, yavaş yavaş şehrin sokaklarını canlandırıyor, neşeli bir koşuşturma, Montague ve Capuleti'nin hizmetkarları arasındaki bir tartışma ve son olarak - bir savaş ve dükün dağılması için zorlu bir emir.

1. resmin önemli bir kısmı, bir dikkatsizlik, eğlence havasıyla doludur. Odaklanmış gibi, bir dans deposu melodisine dayanan, hatta "koparılmış" bir eşlikle, en iddiasız görünen uyumla "Sokak Uyanıyor" adlı küçük bir eskizde toplanmış gibi.

Birkaç nazik dokunuş: çifte saniye, nadir senkoplar, beklenmedik ton yan yana gelmeler müziğe özel bir dokunaklılık ve yaramazlık verir. Orkestrasyon esprili, fagot dönüşümlü olarak keman, obua, flüt ve klarnet ile diyalog kuruyor:

Bu melodiye özgü veya ona yakın tonlamalar ve ritimler, resmin birkaç sayısını birleştirir. "Sabah Dansı"nda, kavga sahnesindeler.

Canlı teatrallik için çabalayan besteci, resimsel kullanır müzikal araçlar. Böylece, dükün öfkeli düzeni, keskin ahenksiz sesler ve keskin dinamik kontrastlar üzerinde tehditkar, yavaş bir "adım" a neden oldu. Sürekli hareket halinde, silahların çarpma ve tıkırtılarını taklit ederek, savaşın bir resmi oluşturulur. Ancak burada ifade edici anlamı genelleştirme teması da geçer - düşmanlık teması. "Sakarlık", melodik hareketin açıklığı, düşük ritmik hareketlilik, armonik sertlik ve yüksek, "esnek olmayan" bakır sesi - tüm araçlar, ilkel ve çok kasvetli bir görüntü yaratmayı amaçlamaktadır:

zarif, nazik

Görüntünün farklı yönleri keskin ve beklenmedik bir şekilde birbirini değiştirerek görünür (bir kız, bir genç için tipik olduğu gibi). İlk temanın hafifliği, canlılığı, orkestranın farklı gruplarına ve enstrümanlarına karşı adeta parçalanan, gam benzeri basit bir "koşan" melodiyle ifade ediliyor. Akorların renkli harmonik "atışları" - büyük üçlüler (VI azaltılmış, III ve I adımlarında) ritmik keskinliğini ve hareketliliğini vurgular. İkinci temanın zarafeti, Prokofiev'in en sevdiği dans ritmi (gavotte), klarnetin plastik melodisi ile aktarılıyor.

İnce, saf lirizm, Juliet imajının en önemli "yönüdür". Bu nedenle, Juliet'in müzikal portresinin üçüncü temasının görünümü, genel bağlamdan tempodaki bir değişiklikle, dokudaki keskin bir değişiklikle, o kadar şeffaf ki melodinin ifade gücünü yalnızca ışık yankılarının başlattığı, bir değişiklikle ayırt edilir. tınıda (yalnız flüt).

Juliet'in temalarının üçü de gelecekte geçer ve ardından onlara yeni temalar katılır.

Trajedinin konusu, Capuleti'deki balo sahnesidir. Romeo ve Juliet arasındaki aşk duygusu burada doğdu. Burada Capuleti ailesinin bir temsilcisi olan Tybalt, evlerinin eşiğini geçmeye cesaret eden Romeo'dan intikam almaya karar verir. Bu olaylar, topun parlak, şenlikli arka planında gerçekleşir.

Dansların her birinin kendi dramatik işlevi vardır. Resmi bir ciddiyet havası yaratan minuet sesleriyle konuklar toplanır:

"Şövalyelerin dansı"- bu bir grup portresi, "babaların" genelleştirilmiş bir özelliği. Basların ölçülü ağır yürüyüşüyle birleşen zıplayan noktalamalı ritim, bir tür ihtişamla birleşen bir militanlık ve aptallık görüntüsü yaratır. "Şövalyelerin Dansı" nın mecazi ifadesi, dinleyicinin zaten aşina olduğu düşmanlık teması basa girdiğinde yoğunlaşır. "Şövalyelerin Dansı" teması gelecekte Capuleti ailesinin bir özelliği olarak kullanılacaktır:

"Şövalyelerin Dansı" içinde keskin bir tezat oluşturan bir bölüm olarak, Juliet'in Paris ile kırılgan, zarif bir dansı tanıtılır:

Balo sahnesi ilk kez Romeo'nun neşeli, esprili arkadaşı Mercutio'yu gösteriyor. Müziğinde (bkz. No. 12, "Maskeler"), tuhaf marşın yerini alaycı, şakacı bir serenat alır:

Dokusal, uyumlu ritmik sürprizlerle dolu sceriotic hareketi, Mercutio'nun parlaklığını, zekasını ve ironisini bünyesinde barındırır (bkz. No. 15, Mercutio):

Balo sahnesinde (14 numaralı varyasyonun sonunda), Romeo'nun ilk olarak balenin girişinde verilen ateşli teması duyulur (Romeo, Juliet'i fark eder). Romeo'nun Juliet'e hitap ettiği Madrigal'de, balenin en önemli lirik melodilerinden biri olan aşk teması ortaya çıkıyor. Majör ve minör oyunu bu hafif hüzünlü temaya özel bir çekicilik katıyor:

Aşk temaları, I. Perde'yi sonlandıran büyük kahraman düetinde ("Balkondaki Sahne", No. 19-21) geniş ölçüde geliştirilmiştir. Daha önce sadece hafifçe ana hatları çizilen (Romeo, No. 1, son ölçüler) düşünceli bir melodiyle başlar. Biraz daha ileride, yeni bir tarzda, açıkça, duygusal olarak yoğun, çellolar ve İngiliz kornası, ilk olarak Madrigal'de ortaya çıkan aşk temasını çalar. Bütün bu büyük sahne, sanki ayrı sayılardan oluşuyormuş gibi, tek bir müzikal gelişime tabidir. Burada birkaç leitem birbiriyle iç içe geçer; aynı konunun sonraki her tutulması bir öncekinden daha yoğun, her yeni konu daha dinamiktir. Tüm sahnenin doruk noktasında ("Aşk Dansı") kendinden geçmiş ve ciddi bir melodi yükselir:

Kahramanları saran dinginlik, kendinden geçme duygusu başka bir temada ifade ediliyor. Hafifçe sallanan bir ritimle pürüzsüz şarkı söylemek, balenin aşk temaları arasında en dans edilebilir olanıdır:

Aşk Dansı kodasında, Romeo'nun "Giriş"teki teması görünür:

Balenin ikinci perdesi güçlü kontrastlarla doludur. Parlak halk dansları, derin, odaklanmış lirizmle dolu düğün sahnesini çerçeveliyor. Aksiyonun ikinci yarısında festivalin ışıltılı atmosferi yerini Mercutio ile Tybalt arasındaki düello ve Mercutio'nun ölümünün trajik tablosuna bırakıyor. Tybalt'ın cesediyle cenaze alayı, olay örgüsünde trajik bir dönüşe işaret eden II. Perde'nin doruk noktasıdır.

Buradaki danslar muhteşem: tarantella ruhunda coşkulu, neşeli "Halk Dansları" (No. 22), beş çiftin kaba sokak dansı, mandolinlerle dans. Dans hareketlerinin unsurlarını taşıyan melodilerin esnekliğine, esnekliğine dikkat edilmelidir.

Düğün sahnesinde bilge, hayırsever Peder Lorenzo'nun bir portresi verilmiştir (No. 28). Tonlamaların yumuşaklığı ve sıcaklığı ile ayırt edilen koro deposunun müziği ile karakterizedir:

Juliet'in görünümüne flütteki yeni melodisi eşlik ediyor (bu, balenin kahramanının bir dizi temasının leittimbre'sidir):

Flütün şeffaf sesi daha sonra bir çello ve keman düeti ile değiştirilir - ifade açısından insan sesine yakın enstrümanlar. Parlak, "konuşan" tonlamalarla dolu tutkulu bir melodi belirir:

Bu "müzikal an" diyaloğu olduğu gibi yeniden üretir! Shakespeare'deki benzer bir sahnede Romeo ve Juliet:

romeo

Ah, eğer mutluluğumun ölçüsüyse

Seninkine eşit, benim Juliet'im,

Ama sende daha çok var sanat,

"Onu ifade etmek, sonra zevk

Nazik konuşmalarla çevreleyen hava.

Juliet

Sözlerinin melodisi canlansın

Tarifsiz mutluluğu anlat.

Sadece bir dilenci malını sayabilir,

Aşkım çok büyüdü

Onun yarısını sayamadığım 39 .

Düğün törenine eşlik eden koro müziği sahneyi tamamlıyor.

Temaların senfonik dönüşüm tekniğinde ustaca ustalaşan Prokofiev, II. Perde'de balenin en neşeli temalarından birine ("Sokak Uyanıyor", No. 3) kasvetli ve uğursuz özellikler veriyor. Tybalt'ın Mercutio ile buluşma sahnesinde (No. 32), tanıdık melodi bozulur, bütünlüğü bozulur. Küçük renklendirme, melodiyi kesen keskin kromatik alt tonlar, saksafonun "uluyan" tınısı - tüm bunlar karakterini önemli ölçüde değiştirir:

Shakespeare'de. Poli. koleksiyon cit., cilt 3, s. 65.

Prokofiev'in büyük bir psikolojik derinlikle yazdığı Mercutio'nun ölüm sahnesinde de aynı tema, bir ıstırap imgesi olarak işliyor. Sahne, yinelenen acı temasına dayanmaktadır. Acı ifadesinin yanı sıra, zayıflayan bir kişinin hareketlerinin ve jestlerinin gerçekçi ve güçlü bir resmini verir. Mercutio, büyük bir irade çabasıyla kendini gülümsemeye zorluyor - eski temalarının parçaları orkestrada zar zor duyuluyor, ancak ahşap enstrümanların - obua ve flüt - "uzak" üst sicilinde geliyorlar.

Geri dönen ana tema bir duraklama ile kesintiye uğrar. Ardından gelen sessizliğin olağandışılığı, ana anahtar için "yabancı" olan son akorlarla vurgulanır (D minörden sonra - B minör ve E-bemol minördeki üçlüler).

Romeo, Mercutio'nun intikamını almaya karar verir. Bir düelloda Tybalt'ı öldürür. Perde II, Tybalt'ın cesediyle görkemli bir cenaze alayı ile sona erer. Bakırın delici kükreyen sesi, dokunun yoğunluğu, ısrarcı ve monoton ritim - tüm bunlar, alayın müziğini düşmanlık temasına yaklaştırıyor. Başka bir cenaze alayı - balenin sonsözündeki "Juliet'in Cenazesi" - kederin maneviyatı ile ayırt edilir.

III.Perde'de her şey, düşman güçler karşısında aşklarını kahramanca savunan Romeo ve Juliet'in imgelerinin geliştirilmesine odaklanır. Prokofiev burada Juliet'in imajına özel önem verdi.

III. Perde boyunca, "portresinden" (birinci ve özellikle üçüncü) temalar ve dramatik ya da kederli bir görünüm alan aşk temaları gelişir. Trajik yoğunluk ve güçle işaretlenmiş yeni melodiler ortaya çıkıyor.

Perde III, ilk ikisinden daha fazla süreklilik ile farklılık gösterir. eylem yoluyla, sahneleri tek bir müzikal bütün halinde birbirine bağlamak (bkz. Juliet'in sahneleri, No. 41-47). Sahnenin çerçevesine "uymayan" senfonik gelişme, iki arayla sonuçlanır (No. 43 ve 45).

Perde III'e kısa giriş, müthiş "Dük Tarikatı" nın (Perde I'den) müziğini yeniden üretir.

Sahnede Juliet'in odası var (No. 38). Orkestra en ince hilelerle sessizlik hissini, gecenin çınlayan, gizemli atmosferini, Romeo ve Juliet'in vedasını yeniden yaratır: düğün sahnesinden gelen tema flüt ve celestadan tellerin hışırtı seslerine geçer.

Küçük düet, ölçülü trajediyle doludur. Yeni melodisi veda temasına dayanmaktadır (bkz. örnek 185).

İçerdiği görüntü karmaşık ve içsel olarak zıttır. Burada ve ölümcül kıyamet ve yaşayan bir dürtü. Melodinin zorlukla yukarı çıkması ve aşağı inmesi de bir o kadar zor görünüyor. Ancak temanın ikinci yarısında aktif bir protesto tonlaması duyulur (bkz. 5-8. çubuklar). Orkestrasyon bunu vurguluyor: yaylıların canlı sesi, kornanın "ölümcül" çağrısının ve başlangıçta çalan klarnetin tınısının yerini alıyor.

Melodinin bu bölümünün (ikinci yarısı) daha sonraki sahnelerde bağımsız bir aşk teması olarak gelişmesi ilginçtir (bkz. No. 42, 45). Ayrıca "Giriş" bölümünde balenin tamamına bir kitabe olarak verilmiştir.

Interlude'da (No. 43) veda teması tamamen farklıdır. Burada tutkulu bir dürtü, trajik bir kararlılık karakteri kazanır (Juliet aşk adına ölmeye hazırdır). Artık emanet edilen temanın dokusu ve tını rengi bakır aletler:

Juliet ve Lorenzo arasındaki diyalog sahnesinde, keşişin Juliet'e uyku hapı verdiği anda, Ölüm teması ilk kez duyulur (“Yalnız Juliet”, No. 47) - müzikal görüntü, tam olarak Shakespeare'inkine karşılık geliyor:

Soğuk, baygın bir korku damarlarıma işliyor. Yaşam ısısını dondurur 40 .

Sekizde birliklerin otomatik olarak titreşen hareketi bir uyuşukluk taşır; boğuk yükselen baslar - artan "durgun korku":

III.Perde'de, aksiyonun kurgusunu karakterize eden tür unsurları eskisinden çok daha az kullanıldı. İki zarif minyatür - "Sabah Serenatı" ve "L, L ve I ile Kızların Dansı" - en ince dramatik kontrastı yaratmak için balenin dokusuna dahil edildi. Her iki sayı da doku olarak şeffaftır: hafif eşlik ve solo enstrümanlara emanet edilen bir melodi. "Sabah Serenatı", Juliet'in öldüğünü bilmeden arkadaşları tarafından penceresinin altında yapılır.

40 Fil Juliet.

41 Hala hayali bir ölüm iken.

tellerin net çınlaması, bir kiriş gibi kayan hafif bir melodi gibi geliyor (enstrümanlar: sahne arkasına yerleştirilmiş mandolinler, flüt pikolo, solo keman):

Zambaklı kızların dansı, gelini tebrik etmek, içi boş kırılgan zarafet:

Ama sonra 42. balede üçüncü kez ortaya çıkan kısa bir ölümcül tema duyulur ("Jula etta'nın başucunda", No. 50):

Anne ve Dadı Juliet'i uyandırmaya gittikleri anda, teması hüzünlü ve ağırlıksız bir şekilde kemanların en yüksek sicilinde geçer. Juliet öldü.

Sonsöz, "Juliet'in Cenazesi" sahnesiyle açılır. Kemanların aktardığı ölüm teması, melodik olarak geliştirilmiş, etrafı sarılmış

42 Ayrıca "Kız Juliet", "Romeo Peder Lorenzo'da" sahnelerinin sonlarına bakın.

Parıldayan gizemli piyanodan çarpıcı fortissimo'ya - bu cenaze yürüyüşünün dinamik ölçeği işte böyle.

Kesin vuruşlar, Romeo'nun (aşk teması) ortaya çıkışını ve ölümünü işaret eder. Juliet'in uyanışı, ölümü, Montague'lerin ve Capuleti'lerin barışması son sahnenin içeriğini oluşturuyor.

Balenin finali, ölüme karşı zafer kazanan parlak bir aşk marşıdır. Juliet'in temasının (yine bir majörde verilen üçüncü tema) giderek artan göz kamaştırıcı sesine dayanmaktadır. Bale sessiz, "uzlaştırıcı" armonilerle sona erer.

3 numaralı bilet

Romantizm

Romantizmin sosyo-tarihsel arka planı. İdeolojik içeriğin ve sanatsal yöntemin özellikleri. Müzikte romantizmin karakteristik tezahürleri

19. yüzyılda Aydınlanma sanatına hakim olan klasisizm, yüzyılın ilk yarısının müzikal yaratıcılığının da bayrağı altında geliştiği romantizme yol açar.

Sanatsal eğilimlerdeki değişim, iki yüzyılın başında Avrupa'nın sosyal yaşamına damgasını vuran muazzam sosyal değişimlerin bir sonucuydu.

Avrupa ülkelerinin sanatındaki bu olgunun en önemli önkoşulu, Büyük Fransız Devrimi'nin* uyandırdığı kitle hareketiydi.

* “1648 ve 1789 devrimleri, İngiliz ve Fransız devrimleri değildi; bunlar Avrupa ölçeğinde devrimlerdi ... yeni Avrupa toplumunun siyasi sistemini ilan ettiler ... Bu devrimler, o zamanın tüm dünyasının ihtiyaçlarını, dünyanın şu bölgelerinin ihtiyaçlarından çok daha fazla ifade etti: gerçekleşti, yani İngiltere ve Fransa ”(Marx K. ve Engels F. Works, 2. baskı, v.6, s. 115).

İnsanlık tarihinde yeni bir çağ açan devrim, Avrupa halklarının manevi güçlerinde muazzam bir yükselişe yol açtı. Demokratik ideallerin zaferi için verilen mücadele, Avrupa tarihi incelenen dönem.

Halkın kurtuluş hareketiyle ayrılmaz bir şekilde bağlantılı olarak, yeni bir sanatçı türü ortaya çıktı - insanın ruhani güçlerinin tamamen özgürleşmesi, en yüksek adalet yasaları için çabalayan ileri bir halk figürü. Yalnızca Shelley, Heine veya Hugo gibi yazarlar değil, müzisyenler de inançlarını sık sık ellerine bir kalem alarak savundular. Yüksek entelektüel gelişim, geniş ideolojik bakış açısı, yurttaşlık bilinci Weber, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner, Liszt ve diğerlerini karakterize eder. XIX bestecileri yüzyıl *.

* Beethoven'ın sanatı farklı bir döneme ait olduğu için bu listede Beethoven'ın adı geçmiyor.

Aynı zamanda, yeni zamanın sanatçılarının ideolojisinin oluşumundaki belirleyici faktör, halkın Büyük Fransız Devrimi'nin sonuçlarından duyduğu derin hayal kırıklığıydı. Aydınlanma ideallerinin yanıltıcı doğası ortaya çıktı. "Özgürlük, eşitlik ve kardeşlik" ilkeleri ütopik bir hayal olarak kaldı. Feodal-mutlakiyetçi rejimin yerini alan burjuva sistemi, kitlelerin acımasız sömürü biçimleriyle ayırt edildi.

"Aklın durumu tam bir çöküş yaşadı." Devrimden sonra ortaya çıkan kamu ve devlet kurumları "... Aydınlanmanın parlak vaatlerinin kötü, acı bir şekilde hayal kırıklığı yaratan bir karikatürü olduğu ortaya çıktı" *.

* Marx K. ve Engels F. Works, ed. 2. cilt 19, s. 192 ve 193.

En iyi umutlarla aldatılan, gerçeklikle yüzleşemeyen yeni zamanın sanatçıları, yeni düzene karşı protestolarını dile getirdiler.

Böylece yeni bir sanatsal yön ortaya çıktı ve gelişti - romantizm.

Burjuva dar görüşlülüğünün, atıl darkafalılığının, hamkafalığının kınanması, romantizmin ideolojik platformunun temelini oluşturur. Esas olarak o zamanın sanatsal klasiklerinin içeriğini belirledi. Ama tam da kapitalist gerçekliğe yönelik eleştirel tutumun doğasında var olan fark, iki ana akışı; bunun veya sanatın nesnel olarak hangi sosyal çevrelerin çıkarlarına yansıdığına bağlı olarak ortaya çıkar.

Giden sınıfın ideolojisiyle ilişkilendirilen sanatçılar, "eski güzel günlerden" pişmanlık duyarak, mevcut düzene duydukları nefretle, çevredeki gerçeklikten yüz çevirdiler. "Pasif" olarak adlandırılan bu tür romantizm, Orta Çağ'ın idealleştirilmesi, mistisizme çekim, kapitalist medeniyetten uzak kurgusal bir dünyanın yüceltilmesi ile karakterize edilir.

Bu eğilimler aynı zamanda Chateaubriand'ın Fransız romanlarının ve "göl okulu"nun İngiliz şairlerinin şiirlerinin ve Novalis ve Wackenroder'in Alman kısa öykülerinin ve Almanya'daki Nazarene sanatçılarının ve Pre-Raphaelite sanatçılarının da karakteristik özelliğidir. İngiltere. "Pasif" romantiklerin felsefi ve estetik incelemeleri (Chateaubriand'ın "Hıristiyanlığın Dehası", Novalis'in "Hıristiyanlık veya Avrupa", Ruskin'in estetiği üzerine makaleler) sanatın hayattan ayrılmasını destekledi, tasavvufu yüceltti.

Romantizmin başka bir yönü - "etkili" - gerçeklikle olan uyumsuzluğu farklı bir şekilde yansıtıyordu. Bu türden sanatçılar, moderniteye karşı tutumlarını tutkulu bir protesto biçiminde ifade ettiler. Fransız Devrimi döneminin ortaya çıkardığı adalet ve özgürlük ideallerini savunan yeni toplumsal duruma karşı isyan - bu motif, çeşitli yorumlarla çoğu Avrupa ülkesinde yeni çağa hakimdir. Byron, Hugo, Shelley, Heine, Schumann, Berlioz, Wagner ve devrim sonrası kuşağın diğer birçok yazar ve bestecisinin eserlerine nüfuz etmiştir.

Bir bütün olarak sanatta romantizm, karmaşık ve heterojen bir olgudur. Yukarıda belirtilen iki ana akımın her birinin kendi çeşitleri ve nüansları vardı. Her ulusal kültürde, ülkenin sosyo-politik gelişimine, tarihine, insanların psikolojik yapısına, sanatsal geleneklerine, romantizmin üslup özelliklerine bağlı olarak kendine özgü biçimler aldı. Bu nedenle karakteristik ulusal dallarının çokluğu. Ve bireysel romantik sanatçıların çalışmalarında bile, farklı, bazen çelişkili romantizm akımları bazen kesişti, iç içe geçti.

Romantizmin edebiyat, görsel sanatlar, tiyatro ve müzikteki tezahürleri önemli ölçüde farklılık göstermiştir. Ancak, geliştirme aşamasında çeşitli sanatlar XIX yüzyılda birçok önemli temas noktası var. Özelliklerini anlamadan, "romantik çağın" müzikal yaratıcılığında yeni yolların doğasını anlamak zordur.

Her şeyden önce romantizm, sanatı önceki yüzyılların sanatsal çalışmalarında bilinmeyen veya daha önce çok daha az ideolojik ve duygusal derinlikle değinilen birçok yeni temayla zenginleştirdi.

Bireyin feodal toplum psikolojisinden kurtulması, yüksek bir değerin yerleşmesine yol açmıştır. ruhsal dünya kişi. Derinlik ve çeşitlilik duygusal deneyimler sanatçıların büyük ilgisini çekiyor. ince detaylandırma lirik-psikolojik görüntüler- XIX yüzyılın sanatının önde gelen başarılarından biri. İnsanların karmaşık iç yaşamını doğru bir şekilde yansıtan romantizm, sanatta yeni bir duygu alanı açtı.

Bir hedefin görüntüsünde bile dış dünya sanatçılar kişisel algı tarafından itildi. Yukarıda hümanizm ve kendi görüşlerini savunmadaki mücadele şevkinin dönemin toplumsal hareketlerindeki yerini belirlediği söylendi. Ve aynı zamanda, Romantiklerin sanat yapıtları, toplumsal sorunları ele alanlar da dahil olmak üzere, çoğu zaman samimi bir taşkınlık karakterine sahiptir. O dönemin en seçkin ve önemli edebi eserlerinden birinin adı gösterge niteliğindedir - "Yüzyılın Oğlunun İtirafı" (Musset). 19. yüzyıl yazarlarının eserlerinde lirik şiirin lider konumda olması tesadüf değildir. Lirik türlerin gelişmesi, şarkı sözlerinin tematik yelpazesinin genişlemesi, alışılmadık bir şekilde o dönemin sanatının karakteristik özelliğidir.

Ve müzikal yaratıcılıkta, "lirik itiraf" teması, özellikle "kahramanın" iç dünyasını en iyi şekilde ortaya koyan aşk sözleri baskın bir önem kazanıyor. Bu tema, Schubert'in oda romanslarından Berlioz'un anıtsal senfonilerine, Wagner'in görkemli müzikal dramalarına kadar tüm romantizm sanatında kırmızı bir iplik gibi işliyor. Klasik bestecilerin hiçbiri müzikte romantikler kadar çeşitli ve incelikle tanımlanmış doğa resimleri, bu kadar inandırıcı bir şekilde geliştirilmiş bitkinlik ve rüya, ıstırap ve ruhsal patlama imgeleri yaratmadı. Hiçbirinde 19. yüzyıl bestecilerinin son derece karakteristik özelliği olan samimi günlük sayfaları bulamıyoruz.

Kahraman ve çevresi arasındaki trajik çatışma- romantizm edebiyatına hakim olan bir tema. Yalnızlığın nedeni, Byron'dan Heine'ye, Stendhal'den Chamisso'ya kadar o dönemin birçok yazarının çalışmalarına nüfuz etti ... Ve müzik sanatı gerçeklikle uyumsuzluk imgeleri, hem erişilemeyecek kadar güzel bir dünyaya duyulan özlemin bir nedeni hem de bir sanatçının doğanın temel yaşamına duyduğu hayranlık olarak kırılarak oldukça karakteristik bir başlangıç haline gelir. Bu uyumsuzluk teması, hem gerçek dünyanın kusurluluğu hem de rüyalar üzerine acı bir ironiye ve tutkulu bir protesto tonuna yol açar.

Kahraman-devrimci tema, "gluco-Beethoven döneminin" müzik eserinin ana temalarından biri olan romantiklerin eserlerinde yeni bir şekilde sesleniyor. Sanatçının kişisel ruh halinden yansıyarak, karakteristik acıklı bir görünüm kazanır. Aynı zamanda, klasik geleneklerin aksine, romantikler arasında kahramanlık teması evrensel değil, kesin olarak vatansever bir ulusal tarzda yorumlanır.

Burada, bir bütün olarak "romantik çağın" sanatsal yaratımının temelde önemli olan bir başka özelliğine değiniyoruz.

Romantik sanatın genel eğilimi de artıyor. ulusal kültüre ilgi. Ağırlaştırılmış müebbet çağrıldı Ulusal kimlik, Napolyon istilasına karşı ulusal kurtuluş savaşlarını beraberinde getirdi. Halk-ulusal geleneklerinin çeşitli tezahürleri, yeni zamanın sanatçılarını cezbeder. 19. yüzyılın başlarında folklor, tarih ve eski edebiyat üzerine temel çalışmalar ortaya çıktı. Orta Çağ efsaneleri, gotik sanat, unutulmaya yüz tutmuş Rönesans kültürü yeniden diriliyor. Dante, Shakespeare, Cervantes yeni neslin düşüncelerinin hükümdarı olurlar. Tarih, romanlarda ve şiirlerde, dramatik ve müzikal tiyatro imgelerinde (Walter Scott, Hugo, Dumas, Wagner, Meyerbeer) hayat buluyor. Ulusal folklorun derinlemesine incelenmesi ve geliştirilmesi, sanatsal imgelerin yelpazesini genişletti ve sanatı, sahadan daha önce az bilinen konularla doldurdu. kahramanca destan, eski efsaneler, masal kurgu görüntüleri, pagan şiiri, doğa.

Aynı zamanda, diğer ülke halklarının yaşam, yaşam ve sanatının özgünlüğüne büyük bir ilgi uyanır.

Örneğin, Fransız yazarın XIV. Klasik oyun yazarı, kahramanının İspanyol kökenini görmezden gelirken, romantik şairde o, İspanya, Küçük Asya ve Kafkasya'nın özel durumunda hareket eden yaşayan bir İber'lidir. Dolayısıyla, 18. yüzyılda yaygın olan egzotik operalarda (örneğin, Rameau'nun "Cesur Hindistan"ı veya Mozart'ın "Saraydan Kız Kaçırma") Türkler, Persler, Amerikan yerlileri veya "Kızılderililer" esasen medeni Parisliler veya aynı ırktan Viyanalılar gibi hareket ettiler. 18. yüzyılda, o zamanlar "Oberon" un doğu sahnelerinde Weber, harem muhafızlarını tasvir etmek için otantik bir doğu ilahisi kullanıyor ve "Preciosa" İspanyol halk motifleriyle doyuruldu.

Yeni çağın müzik sanatı için ulusal kültüre duyulan ilginin çok önemli sonuçları oldu.

19. yüzyıl, halk sanatı geleneklerine dayanan ulusal müzik okullarının gelişmesiyle karakterize edilir. Bu sadece önceki iki yüzyılda dünya çapında önemli besteciler yetiştirmiş olan ülkeler (İtalya, Fransa, Avusturya, Almanya gibi) için geçerli değildir. O zamana kadar gölgede kalan bir dizi ulusal kültür (Rusya, Polonya, Çek Cumhuriyeti, Norveç ve diğerleri), kendi bağımsız kültürleriyle dünya sahnesine çıktı. ulusal okullar, birçoğu pan-Avrupa müziğinin gelişiminde önemli ve bazen lider bir rol oynamaya başladı.

Elbette "romantizm öncesi dönemde" bile İtalyan, Fransız, Alman müziği, ulusal yapılarından kaynaklanan özellikler açısından birbirinden farklıydı. Bununla birlikte, müzik dilinin belirli bir evrenselliğine * yönelik eğilimler, bu ulusal başlangıca açıkça galip geldi.

* Dolayısıyla, örneğin, Rönesans'ta, profesyonel müziğin Batı Avrupa'daki gelişimi, Fransız-Flaman gelenekler. 17. ve kısmen 18. yüzyıllarda melodik tarz her yere hakim oldu. İtalyan operalar. Başlangıçta İtalya'da ulusal kültürün bir ifadesi olarak şekillendi, daha sonra farklı ülkelerdeki ulusal sanatçıların savaştığı vs. bir pan-Avrupa saray estetiğinin taşıyıcısı oldu.

Modern zamanlarda, güven yerel, "yerel", ulusal müzik sanatının belirleyici anı olur. Pan-Avrupa başarıları artık birçok farklı ulusal okulun katkılarından oluşuyor.

Sanatın yeni ideolojik içeriğinin bir sonucu olarak, romantizmin tüm farklı dallarının özelliği olan yeni anlatım teknikleri ortaya çıktı. Bu ortaklık, birlik hakkında konuşmamızı sağlar. romantizmin sanatsal yöntemi genel olarak, onu hem Aydınlanma klasisizminden hem de 19. yüzyılın eleştirel gerçekçiliğinden eşit şekilde ayıran. Hugo'nun dramlarının, Byron'ın şiirlerinin ve Liszt'in senfonik şiirlerinin eşit derecede karakteristik özelliğidir.

denilebilir ki ana özellik bu yöntem artan duygusal ifade. Romantik sanatçı, sanatında, aydınlanma estetiğinin olağan şemalarına uymayan canlı bir tutku kaynaması aktardı. Duygunun mantığa önceliği, romantizm teorisinin bir aksiyomudur. Heyecan, tutku, sanatsal parlaklığın derecesinde XIX eserleri yüzyılda, her şeyden önce, romantik ifadenin özgünlüğü kendini gösterir. Duyguların romantik yapısına en çok karşılık gelen ifade özgüllüğü olan müziğin, romantikler tarafından ideal bir sanat biçimi ilan edilmesi tesadüf değildir.

Romantik yöntemin eşit derecede önemli bir özelliği de şudur: fantastik kurgu. Hayali dünya, adeta sanatçıyı çekici olmayan gerçekliğin üzerine çıkarır. Belinsky'ye göre romantizm alanı, "fantazinin yarattığı ideallerde tatmin bulmaya çalışan, daha iyiye ve yüceye yönelik tüm belirsiz özlemlerin yükseldiği, ruhun ve kalbin toprağı" idi.

Romantik sanatçıların bu derin ihtiyacı, folklordan, eski ortaçağ efsanelerinden ödünç alınan yeni, fevkalade panteistik imgeler alanı tarafından mükemmel bir şekilde karşılandı. İçin müzikal yaratıcılık 19. yüzyıl bizi sevdi sonra göreceğiz, her şeyden önce.

Klasik sahneye kıyasla sanatsal ifadeyi önemli ölçüde zenginleştiren romantik sanatın yeni fetihleri olguların çelişkileri ve diyalektik birliktelikleri içinde sergilenmesini içerir. 19. yüzyılın sanatçıları, klasisizmin doğasında var olan yüce ve günlük yaşam arasındaki koşullu ayrımların üstesinden gelerek, yalnızca zıtlıklarını değil, aynı zamanda iç bağlantılarını da vurgulayarak, kasıtlı olarak hayatın çatışmalarını bir araya getirdiler. Beğenmek "drama antitezi" ilkesi o dönemin birçok eserinin temelini oluşturur. için tipiktir romantik tiyatro Hugo, Meyerbeer'in operaları için, Schumann'ın enstrümantal döngüleri, Berlioz. Yaşamdaki tüm geniş zıtlıklarıyla Shakespeare'in gerçekçi dramaturjisini yeniden keşfedenin "romantik çağ" olması tesadüf değildir. Yeni romantik müziğin oluşumunda Shakespeare'in çalışmalarının ne kadar önemli ve verimli bir rol oynadığını daha sonra göreceğiz.

XIX yüzyılın yeni sanatının yönteminin karakteristik özellikleri de şunları içermelidir: mecazi somutluğun çekiciliği, karakteristik detayların tasviri ile vurgulanır. detaylandırma- romantik olmayan figürlerin çalışmaları için bile, modern zamanların sanatında tipik bir fenomen. Müzikte bu eğilim, klasisizm sanatına kıyasla müzik dilinin önemli bir farklılaşması için görüntünün maksimum rafine edilmesi arzusunda kendini gösterir.

Romantik sanatın yeni fikirleri ve imgeleri, Aydınlanma'nın özelliği olan klasisizm estetiği temelinde geliştirilen sanatsal araçlarla karşılaştırılamazdı. Teorik yazılarında (örneğin, Hugo'nun Cromwell dramasının önsözüne bakın, 1827), sınırsız yaratıcılık özgürlüğünü savunan romantikler, klasisizmin rasyonalist kanonlarına karşı acımasız bir mücadele ilan ettiler. Sanatın her alanını, çalışmalarının yeni içeriğine karşılık gelen türler, biçimler ve anlatım teknikleri ile zenginleştirdiler.

Bu yenilenme sürecinin müzik sanatı çerçevesinde nasıl ifade edildiğini takip edelim.

Romantizm - ideolojik ve sanatsal yön sonunda Avrupa ve Amerikan kültüründe XVIII- 1. Yarı 19. V.
Müzikte, romantizm oluştu 1820'ler. ve başlangıcına kadar anlamını korudu XX V. Romantizmin önde gelen ilkesi, günlük hayat ile rüyalar, gündelik varoluş ve daha yüksek arasındaki keskin karşıtlıktır. ideal dünya sanatçının yaratıcı hayal gücü tarafından yaratılmıştır.

1789-1794 Fransız Devrimi'nin sonuçlarında, Aydınlanma ideolojisinde ve burjuva ilerlemesinde en geniş çevrelerin hayal kırıklığını yansıttı. Bu nedenle, eleştirel bir yönelimle, insanların yalnızca kâr peşinde koşmakla ilgilendikleri bir toplumda darkafalı yaşamın reddiyle karakterize edilir. İnsan ilişkilerine kadar her şeyin satış yasasına tabi olduğu reddedilen dünya, romantikler farklı bir gerçeğe - duyguların gerçeğine, yaratıcı bir kişinin özgür iradesine - karşı çıktı. dolayısıyla onların

yakın ilgi bir kişinin iç dünyasına, karmaşık ruhsal hareketlerinin ince bir analizi. Romantizm, sanatçının kendini lirik bir şekilde ifade etmesi olarak sanatın kurulmasına belirleyici bir katkı yaptı.

Başlangıçta romantizm bir ilke olarak hareket etti.

klasisizm karşıtı. Eski ideale, uzak egzotik ülkeler olan Orta Çağ sanatı karşı çıktı. Romantizm, halk sanatının hazinelerini keşfetti - şarkılar, masallar, efsaneler. Bununla birlikte, romantikler klasiklerin başarılarını kabul edip daha da geliştirdikleri için, romantizmin klasisizme karşıtlığı hala görecelidir. Birçok besteci, son Viyana klasiğinin çalışmalarından büyük ölçüde etkilenmiştir -
Beethoven.

Romantizmin ilkeleri, farklı ülkelerden seçkin besteciler tarafından onaylandı. Bunlar K. M. Weber, G. Berlioz, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin,

F. Schubert F. Liste, R. Wagner. G. Verdi.

Tüm bu besteciler, müzikal düşüncenin tutarlı dönüşümüne dayanan ve kendi içinde karşıtını üreten senfonik müzik geliştirme yöntemini benimsediler. Ancak romantikler, müzikal fikirlerin daha somut olması, edebiyat imgeleri ve diğer sanat biçimleriyle daha yakın bağları için çabaladılar. Bu da onları yazılım çalışmaları yapmaya yöneltti.

Ancak romantik müziğin asıl fethi, hassas, incelikli ve derin bir ifadeyle kendini gösterdi. iç huzur insan, duygusal deneyimlerinin diyalektiği. Romantizm klasiklerinden farklı olarak, inatçı bir mücadelede elde edilen insan özlemlerinin nihai hedefini pek doğrulamadılar, ancak sürekli uzaklaşan, uzaklaşan bir hedefe doğru sonsuz bir hareket başlattılar. Bu nedenle romantiklerin eserlerinde geçişlerin, yumuşak ruh hali değişimlerinin rolü çok büyüktür.
Romantik bir müzisyen için sonuçtan çok süreç, başarıdan daha önemlidir. Bir yandan, kural olarak çeşitli oyunların döngüsüne sıklıkla dahil ettikleri minyatüre yönelirler; öte yandan, romantik şiirler ruhuyla özgür besteleri onaylarlar. Romantikler geliştirdi yeni tür- senfonik bir şiir. Romantik bestecilerin senfoni, opera ve balenin gelişimine katkısı da son derece büyüktür.
19. yüzyılın 2. yarısının - 20. yüzyılın başlarının bestecileri arasında: eserlerinde romantik gelenekler hümanist fikirlerin oluşmasına katkıda bulunan, - I. Brahms, A. Bruckner, Mahler, R.Strauss, E. Grieg, Ekşi krema, A. Dvorak ve diğerleri

Rus sanatının neredeyse tüm büyük ustaları, Rusya'daki romantizme saygılarını sundular. klasik müzik. Rus müzik klasiklerinin kurucusunun eserlerinde romantik dünya görüşünün rolü büyüktür. MI Glinka, özellikle "Ruslan ve Lyudmila" operasında.

Büyük haleflerinin çalışmalarında, genel gerçekçi bir yönelimle, romantik motiflerin rolü önemliydi. Bir dizi muhteşem-fantastik operada etkilendiler N. A. Rimsky-Korsakov, senfonik şiirlerde PI. Çaykovski ve besteciler güçlü avuç».
Romantik başlangıç, A. N. Scriabin ve S. V. Rachmaninov'un eserlerine nüfuz eder.

2. R.-Korsakov

Benzer bilgiler.

“Sanatçı hayattan ayrı durabilir mi?.. Ben buna bağlıyım.
şair, heykeltıraş, ressam gibi besteciye de
insana ve halka hizmet... O, her şeyden önce Türkiye'de vatandaş olmakla yükümlüdür.
sanatı, insan yaşamının şarkısını söyler ve insanı
parlak bir gelecek…"

Parlak besteci Sergei Sergeevich Prokofiev'in bu sözleriyle
yaptığı işin, tüm yaşamının anlam ve anlamını ortaya koyar,
arayışın sürekli cüretkarlığına, her zaman yeni zirvelerin fethine tabidir.
insanların düşüncelerini ifade eden müzik yaratmanın yolları.

Sergei Sergeevich Prokofiev, 23 Nisan 1891'de Sontsovka köyünde doğdu.
Ukrayna'da. Babası mülkte yönetici olarak görev yaptı. çok İlk yıllar
Seryozha, iyi olan annesi sayesinde ciddi müziğe aşık oldu.
piyano çaldı. çocuklukta yetenekli çocuk zaten müzik besteledi.
Prokofiev iyi bir eğitim aldı ve üçünü biliyordu yabancı Diller.
Çok erken yaşlarda müzik hakkında yargı bağımsızlığı ve katı bir yargı geliştirdi.
işinize karşı tutum. 1904 yılında 13 yaşındaki Prokofiev,
Petersburg Konservatuarı. Duvarları içinde on yıl geçirdi. İtibar
Petersburg Konservatuarı'nda Prokofiev'in orada öğrenim gördüğü yıllarda çok
yüksek. Profesörleri arasında birinci sınıf müzisyenler vardı.
Nasıl oluyor. Rimsky-Korsakov, A.K. Glazunov, A.K. Lyadov ve içinde
performans dersleri - A.N. Esipova ve L.S. Auer. 1908 yılına gelindiğinde
Prokofiev'in kendi eserlerini icra ettiği ilk halka açık performans
partide çağdaş müzik. Birinci Piyano Konçertosunun Performansı
Moskova'da bir orkestra ile (1912) Sergei Prokofiev'e büyük bir başarı getirdi.
görkem. Müzik, olağanüstü enerjisi ve cesaretiyle beni etkiledi. Gerçek
gençlerin asi cüretkarlığında cesur ve neşeli bir ses duyulur.
Prokofiev. Asafiev şunları yazdı: “İşte harika bir yetenek! ateşli,
hayat veren, güç saçan, canlı, cesur iradeli ve büyüleyici
yaratıcılığın aciliyeti. Prokofiev bazen zalimdir, bazen
dengesiz ama her zaman ilginç ve inandırıcı.”

Prokofiev'in dinamik, göz kamaştırıcı hafif müziğinin yeni görüntüleri
yeni bir dünya görüşünden, modernite çağından, yirminci yüzyıldan doğdu. Sonrasında
konservatuardan mezun olan genç besteci yurtdışına gitti - Londra'ya,
tarafından düzenlenen Rus bale grubunun turunun yapıldığı yer
S. Diaghilev.

"Romeo ve Juliet" balesinin ortaya çıkışı önemli bir dönüm noktasıdır.
Sergei Prokofiev'in eseri. 1935-1936'da yazılmıştır. Libretto
besteci tarafından yönetmen S. Radlov ile birlikte geliştirildi ve
koreograf L. Lavrovsky (L. Lavrovsky ve ilkini gerçekleştirdi)
balenin 1940 yılında Leningrad Opera ve Bale Tiyatrosu'nda sahnelenmesi
S. M. Kirov'un adını almıştır). Resmin boşuna olduğuna ikna olmuş
deney, Prokofiev yaşayan insanı somutlaştırmaya çalışıyor
duygular, gerçekçiliğin olumlanması. Prokofiev'in müziği ana şeyi açıkça ortaya koyuyor
Shakespeare'in trajedisinin çatışması - parlak aşkın jenerikle çatışması
ortaçağın vahşetini karakterize eden eski neslin düşmanlığı
hayatın yolu. Müzik, Shakespeare'in kahramanlarının canlı görüntülerini yeniden üretir.
tutkular, dürtüler, bunların dramatik çarpışmaları. Formları taze ve
kendini unutan, dramatik ve müzikal-biçemsel görüntüler
içeriğe tabidir.

"Romeo ve Juliet" konusuna sıklıkla değinildi: "Romeo ve Juliet" -
Çaykovski'den uvertür-fantezi, Berlioz korosuyla dramatik senfoni,
ve ayrıca - 14 opera.

Prokofiev'in Romeo ve Juliet'i, zengin bir şekilde geliştirilmiş bir koreografidir.
psikolojik durumların karmaşık bir motivasyonu, bol miktarda netlik içeren drama
müzikal portreler-özellikleri. libretto özlü ve ikna edici
Shakespeare trajedisinin temelini gösterir. Ana şeyi korur
sahne dizisi (sadece birkaç sahne kesildi - 5 perde
trajediler 3 büyük eylemde gruplandırılmıştır).

Müzikte Prokofiev, antik çağ hakkında modern fikirler vermeye çalışır.
(anlatılan olayların dönemi 15. yüzyıldır). Minuet ve gavotte karakterize eder
sahnede biraz katılık ve koşullu zarafet (dönemin "töreni")
Capulet'te top. Prokofiev canlı bir şekilde Shakespeare'in somutlaşmış halidir.
trajik ve komik, yüce ve soytarı arasındaki karşıtlıklar. Yakın
dramatik sahneler - Mercutio'nun neşeli eksantriklikleri. kaba şakalar
sütnine. Resimlerdeki scherzone çizgisi kulağa parlak geliyor ???????????
Verona caddesi, "Maskelerin Dansı" soytarısında, Juliet'in şakalarında, içinde
komik yaşlı kadın teması Hemşire. Tipik bir mizah kişileştirmesi -
komik Mercutio.

"Romeo ve Juliet" balesindeki en önemli dramatik araçlardan biri
ana motiftir - bunlar kısa motifler değil, ayrıntılı bölümlerdir
(örneğin, ölüm teması, kıyamet teması). Genellikle müzikal portreler
Prokofiev'deki kahramanlar, farklı özellikleri karakterize eden birkaç temadan iç içe geçmiştir.
görüntünün kenarları - görüntünün yeni niteliklerinin ortaya çıkması da görünüme neden olur
yeni Konu. 3 gelişim aşaması olarak 3 aşk temasının en parlak örneği
duygular:

1 tema - kökeni;

2 tema - gelişen;

3 tema - trajik yoğunluğu.

Müzikteki merkezi yer, lirik bir akım tarafından işgal edilir - aşk teması,
ölümü fethetmek.

Besteci, olağanüstü bir cömertlikle zihinsel durumlar dünyasının ana hatlarını çizdi.
Romeo ve Juliet (10'dan fazla tema) özellikle çok yönlü bir şekilde karakterize edilir.
Juliet, tasasız bir kızdan güçlü bir sevgi dolu kıza dönüşüyor
kadın. Shakespeare'in niyetine uygun olarak, Romeo imgesi verilir: ilk başta o
romantik bitkinliği yakalar, ardından ateşli şevk gösterir
bir dövüşçünün sevgilisi ve cesareti.

Aşk duygusunun ortaya çıkışının ana hatlarını çizen müzikal temalar şeffaf,
sunmak; Aşıkların olgun duygularını karakterize eden sulu,
uyumlu renkler, keskin kromatlı. Aşk dünyasıyla keskin bir tezat
ve gençlik şakaları ikinci satırla temsil edilir - "düşmanlık çizgisi" - unsur
kör nefret ve ortaçağ ???????? Romeo'nun ölüm nedeni
Juliet. Düşmanlığın keskin leitmotifindeki çekişme teması müthiş bir birlikteliktir.
"Şövalyelerin Dansı"nda ve Tybalt'ın sahne portresindeki baslar -
savaş bölümlerinde kötülük, kibir ve sınıf kibrinin kişileştirilmesi
dükün temasının müthiş sesiyle savaşır. Pater'in ince bir şekilde ortaya çıkan görüntüsü
Lorenzo - hümanist bilim adamı, aşıkların hamisi,
aşk ve evlilik savaşan aileleri uzlaştıracaktır. Onun müziği değil
kilise kutsallığı, ayrılma. Bilgeliği, büyüklüğü vurgular
ruh, nezaket, insan sevgisi.

bale analizi

Balede üç perde vardır (dördüncü perde bir sonsözdür), iki sayı ve dokuz
resimler

Rol yapıyorum - görüntülerin sergilenmesi, baloda Romeo ve Juliet ile tanışma.

eylem. 4 resim - aşkın parlak dünyası, düğün. 5 resim -
korkunç bir düşmanlık ve ölüm sahnesi.

eylem III. 6 resim - veda. 7, 8 fotoğraf - Juliet'in kararı
uyku ilacı al.

sonsöz. 9 resim - Romeo ve Juliet'in ölümü.

1 numara Giriş 3 aşk temasıyla başlar - hafif ve kederli; tanıdık
temel görüntülerle:

2 tema - iffetli bir kız Juliet imajıyla - zarif ve
kurnaz;

3 tema - ateşli bir Romeo görüntüsü ile (eşlik, yaylı bir
genç adamın yürüyüşü).

1 resim

2 numaralı "Romeo" (Romeo, şafak öncesi şehirde dolaşıyor) - ile başlar
genç bir adamın hafif yürüyüşünü gösteriyor - düşünceli bir tema onu karakterize ediyor
romantik bakış

3 numara "Sokak uyanıyor" - scherzo - bir dans deposunun melodisine,
ikinci senkoplar, çeşitli ton sıralamaları dokunaklılık katıyor,
sağlığın sembolü olarak yaramazlık, iyimserlik - tema farklı geliyor
anahtarlar.

4 numara “Sabah dansı” - uyanan sokağı, sabahı karakterize eder
koşuşturma, şakaların keskinliği, canlı sözlü kavgalar - müzik scherzona,
eğlenceli, melodi esnek, dans ediyor ve yarışıyor -
hareket türünü açıklar.

5 ve 6 "Montagues ve Capulet'lerin hizmetkarları arasındaki kavga", "Kavga" - henüz öfkeli değil
kötülük, temalar kulağa ukala geliyor ama kışkırtıcı bir şekilde ruh halini devam ettiriyor
"Sabah Dansı" "Dövüş" - "etüd" gibi - motor hareket, tıkırtı
silahlar, top sesleri. Burada ilk kez düşmanlık teması ortaya çıkıyor, geçiyor
polifonik olarak.

7 numaralı "Dük Nişanı" - parlak görsel araçlar (teatral
etkileri) - tehditkar bir şekilde yavaş "yürüyüş", keskin ahenksiz ses (ff)
ve tersi boşaldığında, boş tonik triadlar (pp) keskindir
dinamik kontrastlar.

No.8 Interlude - bir tartışmanın gergin atmosferini yatıştırmak.

2 resim

Merkezde, hareketli, eğlenceli bir kız olan Juliet'in 2 “portresi” var.

9 numara "Balo için Hazırlıklar" (Juliet ve Hemşire) teması sokak ve
onun ayaklarını sürüyerek yürüyüşünü yansıtan Hemşire teması.

10 numara "Juliet-Kız". Görüntünün farklı yönleri keskin bir şekilde görünür ve
Birden. Müzik Rondo formunda yazılmıştır:

1 tema - Temanın hafifliği ve canlılığı basit bir gama şeklinde ifade edilir
ritmini, keskinliğini ve hareketliliğini vurgulayan “koşu” melodisi,
ilgili tarafından ifade edilen parlak bir kadans T-S-D-T ile biter
tonik triadlar - As, E, C üçte bir aşağı hareket ediyor;

2. tema - Grace 2. tema bir gavotun ritmiyle aktarılır (nazik bir görüntü
Juliet Girls) - klarnet kulağa eğlenceli ve alaycı geliyor;

3 tema - ince, saf lirizmi yansıtır - en önemli tema olarak
imajının “kenarı” (tempo değişikliği, doku, tını - flüt,
çello) - çok şeffaf geliyor;

4 tema (coda) - en sonunda (50 numaradaki sesler - Juliet içecekleri
içki) kızın trajik kaderini yansıtır. dramatik aksiyon
Capulet evindeki bir topun şenlikli zemininde gelişir - her dans
dramatik bir işlevi vardır.

№11 Konuklar resmen ve ciddiyetle Minuet'in sesleriyle toplanırlar. İÇİNDE
orta kısım, melodik ve zarif, genç kız arkadaşlar ortaya çıkıyor
Juliet.

12 Numaralı "Maskeler" - Romeo, Mercutio, Benvolio maskeli - baloda eğleniyor -
neşeli adam Mercutio karakterine yakın bir melodi: tuhaf bir marş
yerini alaycı, komik bir serenata bırakır.

No. 13 "Şövalyelerin Dansı" - Rondo şeklinde yazılmış genişletilmiş bir sahne,
grup portresi - feodal beylerin genelleştirici bir özelliği (olduğu gibi
Capulet ailesinin ve Tybalt'ın özellikleri).

Refren - arpejde zıplayan noktalı ritim, ölçülü ritimle birleştirilir
basın ağır basması kin, aptallık, kibir imajı yaratır
- görüntü acımasız ve acımasız;

1 bölüm - düşmanlık teması;

Bölüm 2 - Juliet'in arkadaşları dans ediyor;

Bölüm 3 - Juliet, Paris ile dans ediyor - kırılgan, narin bir melodi, ama
donmuş, Juliet'in utancını ve hayranlığını karakterize ediyor. Ortada
Juliet-Girl'in 2 teması geliyor.

14 numara "Juliet'in Varyasyonu". 1 tema - damat sesiyle dansın yankıları -
utanma, utanma. 2 tema - Juliet-girl teması - sesler
zarif, şiirsel. 2. yarıda ilk kez kim olan Romeo'nun teması duyulur.
Juliet'i görür (girişten itibaren) - Minuet'in ritminde (onun dans ettiğini görür) ve
ikinci kez Romeo'nun eşlik etme özelliğiyle (yaylı yürüyüş).

15 numara "Mercutio" - neşeli bir zekanın portresi - scherzo hareketi
doku, uyum ve ritmik sürprizlerle dolu, somutlaşan
Mercutio'nun parlaklığı, zekası, ironisi (sanki atlıyormuş gibi).

16 numara "Madrigal". Romeo, Juliet'e hitap ediyor - 1 tema sesi
Dansın geleneksel törensel hareketlerini yansıtan "Madrigala" ve
karşılıklı beklenti 2 temayı kırar - yaramaz tema
Juliet Girls (canlı, eğlenceli geliyor), ilk önce 1 aşk teması beliriyor
- doğum.

17 numara "Tybalt Romeo'yu tanıyor" - düşmanlık temaları ve şövalyeler teması kulağa uğursuz geliyor.

18 numara "Gavot" - misafirlerin ayrılışı - geleneksel dans.

Kahramanların büyük düeti “Balkon Sahnesi”nde aşk temaları geniş çapta geliştirilmiştir.
19-21, I. Perde'yi sonlandırır.

19 numara. Romeo'nun temasıyla başlar, ardından Madrigal'in teması, 2 Juliet'in teması. 1
aşk teması (Madrigal'den) - kulağa duygusal olarak heyecanlı geliyor (en
çello ve İngiliz kornası). Bütün bu büyük sahne (#19 “Sahne
Balkon”, No. 29 “Romeo Varyasyonu”, No. 21 “Aşk Dansı”) bir tekliye tabidir.
müzikal gelişim - kademeli olarak birkaç leitem iç içe geçmiştir
gittikçe daha yoğun hale geliyor - 21 numarada "Aşk Dansı", sesler
coşkulu, kendinden geçmiş ve ciddi 2 aşk teması (sınırsız
aralık) - melodik ve pürüzsüz. Kod No. 21'de tema “Romeo ilk kez görüyor” şeklindedir.
Jülyet."

3 resim

Perde II zıtlıklarla doludur - halk oyunları düğün sahnesini çerçeveler,
2. yarıda (5. resim) festival havası yerini trajik bir havaya bırakıyor.
Mercutio ve Tybalt arasındaki düellonun ve Mercutio'nun ölümünün bir resmi. yas
Tybalt'ın cesediyle alay, II. Perde'nin doruk noktasıdır.

4 resim

No.28 “Peder Lorenzo'da Romeo” - düğün sahnesi - Peder Lorenzo'nun portresi
- bilge, asil, karakteristik bir koro deposuna sahip bir adam
tonlamanın yumuşaklığı ve sıcaklığı ile karakterize edilen tema.

29 "Peder Lorenzo'da Juliet" - yeni bir temanın ortaya çıkışı
flüt (Juliet'in geç tınısı) - çello ve keman düeti - tutkulu
konuşma tonlamalarıyla dolu bir melodi insan sesine yakındır, çünkü
Romeo ve Juliet arasındaki diyaloğu yeniden canlandıracaktı. koro müziği,
düğün törenine eşlik ederek sahneyi tamamlar.

5 resim

5. bölümde trajik bir olay örgüsü var. Prokofiev ustalıkla
en komik temayı yeniden canlandırıyor - 5 yaşında olan “Sokak Uyanıyor”
resim kasvetli, uğursuz geliyor.

No.32 "Tybalt ve Mercutio'nun buluşması" - sokağın teması bozuk, bütünlüğü
yok edildi - küçük, keskin kromatik alt tonlar, "uluyan" tını
saksafon.

33 numaralı "Tybalt, Mercutio ile savaşır" temaları Mercutio'yu karakterize eder.
atılgan, neşeyle, kendini beğenmiş ama kötü niyet olmadan atıyor.

No. 34 "Mercutio ölür" - Prokofiev tarafından yazılmış bir sahne
sürekli yükselen bir temaya dayalı psikolojik derinlik
ıstırap (sokak temasının küçük versiyonunda kendini gösterir) - ile birlikte
ağrının ifadesi, zayıflayan bir kişinin hareket modelini gösterir - çabayla
Mercutio kendini gülümsemeye zorluyor (orkestrada, önceki temalardan parçalar
ama tahta olanların uzak üst sicilinde - obua ve flüt -
konuların dönüşü duraklamalarla kesintiye uğrar, alışılmadıklık yabancılar tarafından vurgulanır
son akorlar: d moll - h ve es moll'dan sonra).

35 numara "Romeo, Mercutio'nun ölümünün intikamını almaya karar veriyor" - 1 fotoğraftan savaşın teması -
Romeo, Tybalt'ı öldürür.

36 "Final" - görkemli kükreyen bakır, doku yoğunluğu, monoton
ritim - düşmanlık temasına yaklaşıyor.

Perde III, Romeo ve Juliet'in kahramanca imgelerinin geliştirilmesine dayanmaktadır.
aşklarını savunmak - Juliet'in imajına özel dikkat (derin
Romeo'nun karakterizasyonu, Romeo'nun sürgüne gönderildiği “Mantua'da” sahnesinde verilmiştir - bu
sahne balenin sahnelenmesi sırasında tanıtıldı, içinde aşk sahnelerinin temaları seslendirildi).
Üçüncü perde boyunca, Juliet'in portresinin temaları, aşk temaları,
dramatik ve kederli bir görünüm ve kulağa trajik gelen yeni bir görünüm kazanmak
melodiler. Perde III, öncekilerden daha fazla süreklilik ile farklılık gösterir.
eylem yoluyla.

6 resim

No. 37 "Giriş", müthiş "Dük Düzeni" nin müziğini çalıyor.

No. 38 Juliet'in odası - en ince numaralar atmosferi yeniden yaratır
sessizlik, geceler - Romeo ve Juliet'in vedası (flüt ve celesta geçişlerinde)
düğün sahnesinden tema)

No. 39 "Elveda" - ölçülü trajediyle dolu küçük bir düet - yeni
melodi. Hem ölümcül kıyameti hem de yaşamayı ifade eden veda sesleri teması
dürtü.

40 numara "Hemşire" - Hemşire teması, Minuet teması, Juliet'in arkadaşlarının teması -
Capulet evini karakterize eder.

41 "Juliet, Paris ile evlenmeyi reddediyor" - 1 Juliet kızı teması
- kulağa dramatik geliyor, korkmuş. Juliet tema 3 - kulağa kederli geliyor,
dondu, cevap Capulet konuşmasıdır - şövalyelerin teması ve düşmanlık teması.

42 "Juliet yalnız" - kararsızlık içinde - aşk sesinin 3. ve 2. teması.

No. 43 "Interlude" - veda teması tutkulu bir karaktere bürünüyor
çağrı, trajik kararlılık - Juliet aşk adına ölmeye hazır.

7 resim

No. 44 "Lorenzo'da" - Lorenzo ve Juliet'in temaları karşılaştırılıyor ve şu anda,
keşiş Juliet'e uyku hapı verdiğinde ölüm teması ilk kez duyulur -
müzikal görüntü, tam olarak Shakespeare'inkine karşılık gelen: “Soğuk
uyuşuk korku damarlarıma işliyor. Hayatın sıcaklığını dondurur,

otomatik titreşimli hareket ???? uyuşukluk, donukluk iletir
dalgalanan baslar - büyüyen "durgun korku".

No. 45 "Interlude" - Juliet'in karmaşık iç mücadelesini anlatıyor - sesler
3 aşk teması ve buna karşılık olarak şövalyeler teması ve düşmanlık teması.

8 resim

46 "Juliet'e Dönüş" - sahnenin devamı - Juliet'in korkusu ve kafa karışıklığı
Juliet'in dondurulmuş temasında varyasyonlardan ve 3 temadan ifade edilir.
Juliet kızlar.

47 "Juliet yalnız (karar verdi)" - içeceğin teması ve 3. tema alternatifi
Juliet, onun ölümcül kaderi.

48 "Sabah Serenatı". III. perdede, tür unsurları karakterize eder
eylem ortamı ve çok idareli kullanılır. İki güzel minyatür -
“Sabah Serenatı” ve “Zambaklı Kızların Dansı” yaratılmak üzere tanıtıldı.
ince dramatik kontrast.

No. 50 "By Juliet's bed" - Juliet'in 4. temasıyla başlar
(trajik). Anne ve Hemşire Juliet'i uyandırmaya giderler ama o ölmüştür.
kemanların en yüksek kaydı ne yazık ki ve ağırlıksız bir şekilde 3 temayı geçiyor
Juliet.

IV perde - Sonsöz

9 resim

51 "Juliet'in Cenazesi" - bu sahne Sonsöz'ü açar -
harika cenaze alayı müziği. Ölüm teması (kemanlar için)
kederli olur. Romeo'nun görünümü 3 temasına eşlik ediyor
Aşk. Romeo'nun ölümü.

52 "Juliet'in Ölümü". Juliet'in uyanışı, ölümü, barışması
Montague'ler ve Capulet'ler.

Balenin finali, kademeli olarak temel alınan parlak bir aşk marşıdır.
Juliet'in 3 temasının yükselen, göz kamaştıran sesi.

Prokofiev'in çalışmaları, Rus kültürünün klasik geleneklerini sürdürdü.
bale. Bu, seçilen konunun büyük etik öneminde ifade edildi.
derin insan duygularının gelişmiş bir senfoniğe yansıması
dramaturji bale performansı. Ve aynı zamanda bale notası
"Romeo ve Juliet" o kadar sıra dışıydı ki, ortaya çıkması zaman aldı.
"alışmak. Hatta ironik bir söz bile vardı: “Hikâye yok.
dünyada Prokofiev'in bale müziğinden daha üzücü." Sadece yavaş yavaş
bunun yerini sanatçıların ve ardından halkın coşkulu tavrı aldı.
müzik. Her şeyden önce, olay örgüsü alışılmadıktı. Shakespeare'e itiraz şuydu:
genel olarak inanıldığı için Sovyet koreografisinde cesur bir adım
böylesine karmaşık felsefi ve dramatik temaların somutlaştırılmasının imkansız olduğu
bale aracı. Prokofiev'in müziği ve Lavrovsky'nin performansı
Shakespeare'den esinlenilmiştir.

Kaynakça.

Sovyet müzik literatürü, M.S. Pekeliler;

I. Maryanov "Sergei Prokofiev hayatı ve çalışması";

L. Dalko "Sergei Prokofiev popüler monografisi";

Sovyet müzik ansiklopedisi I. A. Prokhorova ve G.S.
Skudina.

Kategoride popüler: