Enstrümantal ve senfonik müzik icra eden orkestra türleri. senfoni orkestrası hakkında senfoni orkestrası hakkında

Uzaktan gök gürültüsü sesleri duyulur. Burada gittikçe daha güçlü bir şekilde gürlüyor, şimşekler çakıyor, sağanak yağmur başlıyor, yağmurun sesi yoğunlaşıyor. Ancak kasırga yavaş yavaş azaldı, güneş çıktı ve yağmur damlaları ışınlarının altında parladı.
Beethoven'ın Altıncı Senfonisi geliyor.
Dinlemek! Gök gürültüsü timpani ile temsil edilir. Yağmur sesi kontrbas ve çello ile iletilir. Kemanlar ve flütler öyle bir çalıyor ki, sanki rüzgar şiddetle uğulduyor.
Orkestra senfoniyi seslendiriyor.

Senfoni Orkestrası. O aradı ses mucizesi: Seslerin çeşitli tonlarını iletebilir.
Bir senfoni orkestrasında, kural olarak yüzden fazla enstrüman vardır. Müzisyenler sıkı oturuyor kesin emir. Bu, şefin orkestrayı kontrol etmesini kolaylaştırır.
Ön planda telli çalgılar vardır. Flütler, obualar, klarnetler, fagotlar, trompetler, kornalar, trombonlar ve perküsyon - davullar, timpani, ziller.
Senfoni orkestrasının ana enstrümanlarını resimlerde görebilirsiniz. Bazen besteci, normalde bir senfoni orkestrasının parçası olmayan enstrümanlar sunar. Bir org, piyano, çanlar, tefler, kastanyetler olabilir.
Aram Khachaturian'ın "Gayane" balesinden "Kılıç Dansı"nı duymuşsunuzdur. Bu danstaki ana melodilerden biri saksafon tarafından icra edilir. Saksafon ilk kez senfoni orkestrasına ancak 19. yüzyılda girdi ve o zamandan beri senfonik eserlerde sıklıkla duyuldu.

Müzik aletleri yüzyıllar önce ortaya çıktı. Bunların en eskileri perküsyon - davullar, tom-tomlar, timpani - zaten ilkel insanlar arasındaydı. Elbette araçlar zamanla değişir. Yani modern timpaniler atalarından çok farklı. Daha önce bir hayvanın derisiyle kaplı demir bir kazan olsaydı, şimdi timpani bakırdan yapılır, plastikle sıkılır ve ince ayar yapmalarına izin veren vidalar yapılır.
Bir senfoni orkestrasında perküsyon temeldir. müzikal ritim. Ayrıca gök gürültüsünü, yağmuru, top atışlarını, bir geçit törenindeki birliklerin ciddi yürüyüşünü vb. tasvir etmek için kullanılırlar. Orkestranın sesine güç ve güç verirler.
Bazı insanlar vurmalı çalgıları çalmanın hiç de zor olmadığını düşünür. Diyelim ki, gerektiğinde zillere basın - hepsi bu. Aslında bu kadar basit görünen bir enstrümanı çalmak büyük bir beceri gerektiriyor. Ziller farklı ses çıkarır. Onlara ne kadar sert vurduğunuza bağlı. Sesleri hem delici derecede yüksek hem de yaprakların hışırtısına benzer olabilir. Bazı eserlerde ziller solo bölümleri icra etmektedir. Örneğin, Çaykovski'nin uvertür fantezisi "Romeo ve Juliet" de, iki ailenin - Montague'ler ve Capulet'ler - düşmanlığını aktaran bir melodiyi yönetirler.

Ziller genellikle timpani ile karıştırılır. Ancak timpani tamamen farklı bir şekilde oynanır ve onlara keçe kaplı sopalarla vurulur.
Belki de en çok üflemeli çalgılara aşinasınızdır. Birçoğunu muhtemelen nasıl ses çıkardıklarını görmüş ve duymuşsunuzdur.
Peri masallarından ve efsanelerden bazen enstrümanların kökeninin tarihini öğreniriz. Bu nedenle, eski bir Yunan efsanesinde, ormanların ve tarlaların tanrısı, çobanların koruyucu azizi Pan'ın perisi Syrinx'e aşık olduğu söylenir. Pan çok korkutucuydu - yünle kaplı toynakları ve boynuzları vardı. Ondan kaçan güzel su perisi, yardım için nehir tanrısına döndü. Ve Syrinx'i bir kamışa çevirdi. Pan ondan kulağa hoş gelen bir flüt yaptı.
Çoban kavalı ilk üflemeli çalgıdır. Bu borunun torunlarının torunları flüt, fagot, klarnet ve obuadır. Bu enstrümanlar görünüş olarak birbirinden farklıdır ve farklı ses çıkarırlar.
Genellikle arka planda orkestrada pirinç enstrümanlar bulunur.
Uzun zaman önce insanlar, hayvanların kabuklarına veya boynuzlarına üflerseniz müzikal sesler çıkarabileceklerini fark ettiler. Daha sonra metalden boynuz ve mermiye benzer aletler yapmaya başladılar. Resimde gördüğünüz gibi olmaları uzun yıllar aldı.
Orkestrada ayrıca çok sayıda nefesli çalgı vardır. Bunlar tubalar, boynuzlar ve trombonlardır. Bunların en büyüğü tubadır. Bu bas enstrümanı gerçek bir dev.
Şimdi boruya bak. Boynuza çok benziyor. Bir zamanlar trompet savaşçıları savaşa çağırdı, bayramları açtı. Ve orkestrada ilk önce basit sinyal parçaları ona emanet edildi. Ancak daha sonra ağızlıklar gelişti ve trompet solo bir enstrüman olarak giderek daha sık kullanılmaya başlandı. P. I. Çaykovski'nin "Kuğu Gölü" balesinde bir "Napoli dansı" vardır. Trompet solosunun ne kadar parlak olduğuna dikkat edin.

Ve tüm nefesli çalgılar birlikte ses çıkarırsa, güçlü ve görkemli bir melodi elde edersiniz.
Ama en çok orkestrada telli çalgılar. Yalnızca birkaç düzine keman vardır ve ayrıca ikinci kemanlar, çellolar ve kontrbaslar da vardır.
Yaylı çalgılar en önemlisidir. Ana melodiyi seslendirerek orkestrayı yönetirler.
Kemana orkestranın kraliçesi denir. Keman için birçok özel konçerto yazılmıştır. Büyük kemancı Paganini'yi elbette duymuşsunuzdur. Bu sihirbaz-müzisyenin ellerinde, küçük, zarif keman bütün bir orkestra gibi ses çıkardı.
Keman İtalya'da Cremona şehrinde doğdu. En iyi İtalyan ustalar Amati, Guarneli, Stradivari ve Ruslar I. Batov, A. Leman'ın kemanları bugüne kadar eşsiz kabul ediliyor.
Artık bir senfoni orkestrasının müzik aletleri hakkında biraz bilgi sahibi oldunuz. Müzik dinlediğinizde enstrümanları "sesle" ayırt etmeye çalışın.
Tabii ki, bunu hemen yapmak zor olabilir. Ama okumayı nasıl öğrendiğinizi, küçük, basit kitaplarla nasıl başladığınızı ve sonra büyüyüp, giderek daha fazla şey öğrendiğinizi ve ciddi, zekice kitaplar okumaya başladığınızı hatırlayın.
Müziğin de anlaşılması gerekir. Kendiniz çalmıyorsanız, daha sık dinlemeye çalışın ve müzik size sırlarını, büyülü ve muhteşem dünyasını açacaktır.

Marina Razeva
NOD "Senfonik Orkestra"nın Özeti

ders özeti

« Senfoni Orkestrası»

5-6 yaş arası çocuklar için

Tedarikli: müzik yönetmeni

Razheva Marina Anatolievna

Teykovo 2015

Hedef: okul öncesi çocukları klasik müzikle tanıştırmak

Görevler. Çocuklarda çevrelerindeki dünyaya dair estetik bir algı oluşturmak.

Müzik kültürüyle meşgul olun.

Müzik algısı ihtiyacını oluşturmak.

Bilişsel ve yaratıcı yetenekler geliştirin.

Kelime hazinesini zenginleştirin.

Eğitim alanı - "Sanatsal ve estetik eğitim"

Organizasyon şekli - Takım çalışmasıçocuklu öğretmen.

Çocukların aktivite türü: bilişsel, iletişimsel, müzikal ve sanatsal.

Materyaller ve ekipman: müzik Merkezi müzik dinlemek için, çocuk müzik aletleri, sunum.

ön çalışma: müzik derslerinde çocuklar temel enstrümanlarla tanışmalı Senfoni Orkestrası, gerçek sesleri, tını rengi. Alet gruplarını ayırt edin: yaylılar, rüzgar, perküsyon, tekler.

Yazılım içeriği.

1. Çocukların müzik aletlerinin sesinin özellikleri hakkındaki bilgilerini genişletin.

2. İlgi geliştirin, enstrümanların sesini dinleme arzusu.

3. DMI becerilerini geliştirmeye devam edin (çocuk müzik aletleri)

4. Çocukların tını işitme duyusunu geliştirin.

Planlanan sonuç

hakkında fikir oluşumu Senfoni Orkestrası.

Enstrümanların sesini ayırt etme yeteneğinin güçlendirilmesi Senfoni Orkestrası.

DMI'da oyunda aktif bir rol alın.

İcrada müziği algılama ihtiyacı hissedin Senfoni Orkestrası.

Kurs ilerlemesi.

Çocuklar salona girerler ve olağan müzikal ve ritmik hareketler kompleksini gerçekleştirirler, ardından sakince sandalyelere giderler.

Bay. çocukları ilahilerle selamlayın "Merhaba!", yazar…

Bay. Çocukların büyük bir müzisyen grubu gördüğü ekrana çocukların dikkatini çekiyor.

Bay. Arkadaşlar bu fotoğrafta ne görüyorsunuz?

Çocukların cevapları.

Bay. Evet orkestra - bir grup müzisyen aynı müzik parçasını birlikte çalan. Her müzisyen, nota adı verilen notalara göre kendi rolünü oynar. Skorlar özel stantlarda - konsollarda duruyor.

Şimdi size bir bilmece vermek istiyorum. Tahmin etmeye çalış.

O orkestrayı yönetir,

İnsanlara neşe getirir.

Sadece asayı salla

Müzik çalmaya başlayacak.

O bir doktor ya da sürücü değil.

Bu kim? (Kondüktör)

Çocuklar. Kondüktör.

Bay. İle orkestra uyumlu ve uyumlu bir şekilde geliyordu - iletken tarafından kontrol ediliyor. Müzisyenlerin karşısında duruyor. İletken yapabilir orkestra çalma ve hızlı ve yavaşça, sessizce ve yüksek sesle - istediğiniz gibi! Ama tek kelime etmiyor. O sadece sihirli orkestra şefinin sopasını kullanır. Şefin önünde tüm müzisyenlerin parçalarının boyandığı kalın, kalın notalar var. Bu tür notlara clavier denir.

Keman, 4 telli yaylı bir çalgıdır, ailesindeki en yüksek sese sahip ve müzikte en önemli olanıdır. orkestra.

çello - büyük keman, otururken oynanır. Çello zengin, alçak bir sese sahiptir.

Kontrbas - en düşük ses ve en büyük boyut (2 metreye kadar) dize ailesi arasında yaylı aletler. Ayakta veya özel bir sandalyede oynanır. Bu bas temelidir (esas, baz, temel) Toplam orkestra.

Flüt, nefesli çalgılar grubuna aittir. Ancak modern yivler çok nadiren ahşaptan, daha sıklıkla metalden, bazen plastik ve camdan yapılır. Rüzgar ailesindeki en virtüöz ve teknik olarak mobil enstrüman. Flüt genellikle emanet edilir orkestra solosu.

Bay. Beyler, çalgılara neden üflemeli çalgılar denir?

Çocukların cevapları.

Bay. Evet, gerçekten patlıyorlar. Üflemeli çalgıların içine hava üflendiğinde ses çıkardığını söylemek daha doğru olur.

Ve şimdi pirinç bir trompet görüyor ve duyuyorsunuz. Trompet, tantana için çok uygun, yüksek netlikte bir sese sahiptir. Fanfarlar, şenlikli kutlamalarda, askeri geçit törenlerinde ciddi veya savaşçı sinyaller vermek için kullanılır.

Önünüzde bir trombon var. Trombon, melodik bir sesten çok bir bas dizesi çalar. Müzisyenin ileri geri hareket ettirerek enstrümanın sesini değiştirdiği hareketli bir sahne arkasının varlığıyla diğer pirinç enstrümanlardan farklıdır.

Fransız kornosu - korna. Başlangıçta bir av borusundan türemiştir. Boynuz yumuşak ve anlamlı veya sert ve cızırtılı olabilir.

Bay. Vurmalı çalgıları adlandırın.

Çocuklar. Davul, tef, marakas, üçgen, metalofon, kastanyetler, çanlar, çıngıraklar, çanlar.

Bay. Bu doğru çocuklar. Çok fazla vurmalı çalgı var ama hepsi aynı anda hizmet edemiyor. Senfoni Orkestrası.

Slaytta gördüğünüz araçları adlandırın.

Davul, zil, ksilofon.

14.15'i kaydırın.

Ayrıca çocuklar, orkestra tek enstrümanlar kullanılır. Ve bilmeli ve adlandırmalısın

onları doğru şekilde

Çocuklar. Piyano. arp.

Bay. Sağ. Bu bir konser kuyruklu piyano ve en eski enstrüman - arp.

Ve sizler büyük bir grubun müzisyenleri gibi hissetmek istiyorsunuz. orkestra? O zaman enstrümanlarınızı alıp çok güzel bir müzik parçası çalmanızı öneririm.

performans "Türk usulü rondo"- W. Mozart veya

"Yaramaz Polka"- A. Filippenko.

Bay. Teşekkürler beyler. Beğendim.

Balalayka ya da saksafon gibi enstrümanlar sizce nasıl çalabilir? orkestra. Ve ne içinde? Gerçek şu ki, bu araçlar diğer orkestralar.

Bu çizimlere yakından bakın. Hariç Senfoni Orkestrası başka türler de var orkestralar: pirinç, folk, pop, caz. Enstrümanların bileşiminde ve müzisyen sayısında farklılık gösterirler. İÇİNDE Senfoni Orkestrası, ortalama olarak yaklaşık 60-70 kişi, ancak bazen - 100 veya daha fazla. Müzisyenler belli bir sıraya göre dizilmişlerdir. Tınıya benzer enstrüman gruplarında birleştirilirler.:

yaylı, nefesli, pirinç ve perküsyon. Aynı grubun müzisyenleri birbirlerini daha iyi duyabilmek için yan yana otururlar. Ve bu tutarlı bir ses yaratır.

Ve şimdi, sizi oyunu oynamaya davet etmek istiyorum.

Aracı tanıyın.

Slayt 17, 18, 19.

Bay. Seninle harika zaman geçirdik. Hoşuna gitti mi? adı ne orkestra bugün kiminle buluştuk? Hangi enstrümanı beğendin? (Çocuklar teker teker cevaplar). Sizin için anne veya babanızla çözmeye çalışacağınız ve tahminde bulunacağınız bilmeceli kartlar hazırladım. (silüetin arkasında - noktalar).

Lütfen bana gel, teşekkür etmek ve veda etmek istiyorum (çocuklar gözlerini kapatır, müzik direktörü başlarını okşar)

• arka plan
• orkestra türleri ve formlar
• Mannheim Şapeli
• mahkeme müzisyenleri

arka plan

Eski zamanlardan beri insanlar, müzik aletlerinin sesinin insan ruh hali üzerindeki etkisini biliyorlardı: arp, lir, cithara, kemençe veya ney sesinin yumuşak ama melodik sesi neşe, sevgi veya barış duygularını uyandırdı ve ses hayvan boynuzları (örneğin, İbranice shofars ) veya metal borular, ciddi ve dini duyguların ortaya çıkmasına katkıda bulundu. Borulara ve trompetlere eklenen davullar ve diğer vurmalı çalgılar, korkuyla başa çıkmaya yardımcı oldu ve saldırganlık ve militanlığı uyandırdı. Birkaç benzer enstrümanın birlikte çalınmasının yalnızca sesin parlaklığını değil, aynı zamanda dinleyici üzerindeki psikolojik etkiyi de artırdığı uzun zamandır fark edildi - çok sayıda insan aynı melodiyi birlikte söylediğinde ortaya çıkan etkinin aynısı. Bu nedenle, insanların yerleştiği her yerde, çalmalarıyla savaşlara veya halka açık ciddi olaylara eşlik eden müzisyen dernekleri yavaş yavaş ortaya çıkmaya başladı: tapınaktaki ritüeller, evlilikler, cenaze törenleri, taç giyme törenleri, askeri geçit törenleri, saraylardaki eğlenceler.

Bu tür derneklere ilk yazılı referanslar, Musa'nın Pentateuch'unda ve Davut'un Mezmurlarında bulunabilir: bazı mezmurların başında, eşlik etmek için hangi enstrümanların kullanılması gerektiğini açıklayan koro liderine bir çağrı vardır. bu veya bu metin. Mezopotamya'da ve Mısır firavunlarında, eski Çin ve Hindistan'da, Yunanistan ve Roma'da müzisyen grupları vardı. Antik Yunan trajedi icra etme geleneğinde, müzisyenlerin oturduğu, aktörlerin ve dansçıların performanslarına enstrüman çalarak eşlik ettiği özel platformlar vardı. Bu tür platform yükseltilerine "orkestra" adı verildi. Bu nedenle, "orkestra" kelimesinin icadının patenti, aslında orkestralar çok daha önce var olmasına rağmen, eski Yunanlılarda kalır.

Boscoreal'daki bir Roma villasından fresk. MÖ 50-40'lar e. Metropolitan Sanat Müzesi

İÇİNDE Batı Avrupa kültürü Müzisyenlerin orkestra tarafından derneği hemen çağrılmaya başlamadı. İlk başta, Orta Çağ'da ve Rönesans'ta buna şapel deniyordu. Bu isim, müziğin icra edildiği belirli bir yere ait olmakla ilişkilendirildi. Bu tür şapeller önce kilisede, sonra mahkemedeydi. Bir de amatör müzisyenlerden oluşan köy şapelleri vardı. Bu şapeller pratik olarak kitlesel bir fenomendi. Ve köy icracılarının ve enstrümanlarının seviyesi, profesyonel saray ve tapınak şapelleriyle karşılaştırılamayacak olsa da, köy geleneğinin ve daha sonra kentsel halk enstrümantal müziğinin büyük besteciler ve Avrupa müziği üzerindeki etkisi küçümsenmemelidir. müzik kültürü genel olarak. Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti'nin müziği, kelimenin tam anlamıyla halk enstrümantal müzik yapma gelenekleriyle beslenir.

Daha eski kültürlerde olduğu gibi, Avrupa'da da başlangıçta vokal ve enstrümantal müzik olarak bir ayrım yoktu. Orta Çağ'ın başlarından beri, her şeye hakim olmuştur. Hristiyan Kilisesi, A enstrümantal müzik kilisede bir eşlik olarak gelişti, her zaman hakim olan müjde sözüne destek - sonuçta, "başlangıçta Söz vardı." Bu nedenle, erken şapeller hem şarkı söyleyen insanlar hem de şarkıcılara eşlik eden kişilerdir.

Bir noktada "orkestra" kelimesi belirir. Her yerde aynı anda olmasa da. Örneğin Almanya'da, bu kelime Roman ülkelerinden çok daha sonra yerleşmiştir. İtalya'da orkestra her zaman müziğin vokal kısmından ziyade enstrümantal kısmı anlamına gelmiştir. Orkestra kelimesi doğrudan Yunan geleneğinden ödünç alınmıştır. İtalyan orkestraları, opera türünün ortaya çıkışıyla birlikte 16.-17. yüzyılların başında ortaya çıktı. Ve bu türün olağanüstü popülaritesi nedeniyle, bu kelime hızla tüm dünyayı fethetti. Bu nedenle, çağdaş orkestra müziğinin iki kaynağı olduğunu söylemek güvenlidir: tapınak ve tiyatro.

Noel kitlesi. Limburg kardeşlerin Berry Dükü'nün Muhteşem Saatler Kitabından minyatür. 15. yüzyıl Hanım. 65/1284, fol. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

Ve Almanya'da uzun zamandır ortaçağ-canlanma adı olan "şapel" üzerinde tutuldu. 20. yüzyıla kadar birçok Alman saray orkestrasına şapel adı verildi. Bugün dünyanın en eski orkestralarından biri, Dresden'deki Sakson Eyaleti (ve geçmişte - Sakson Mahkemesi) Şapelidir. Tarihi 400 yılı aşkın bir geçmişe dayanmaktadır. Güzeli her zaman takdir eden ve bu konuda tüm komşularının önünde olan Sakson Seçmenlerinin mahkemesine çıktı. Hala Berlin ve Weimar Eyalet Şapelleri ile Richard Strauss'un bando şefi (şu anda orkestra şefi) olarak başladığı ünlü Meiningen Court Şapeli var. Bu arada, Almanca "kapellmeister" (şapel ustası) kelimesi bugün hala bazen müzisyenler tarafından "şef" kelimesinin eşdeğeri olarak kullanılmaktadır, ancak daha çok ironik, hatta bazen olumsuz anlamda (bir zanaatkar anlamında, sanatçı değil). Ve o günlerde bu kelime, karmaşık bir mesleğin adı olarak saygıyla telaffuz edilirdi: "müzik besteleyen bir koro veya orkestra şefi." Doğru, bazı Alman orkestralarında bu kelime pozisyonun bir tanımı olarak korunmuştur - örneğin, Leipzig Gewandhaus Orkestrası'nda baş şefe hala Gewandhaus Kapellmeister adı verilmektedir.

XVII-XVIII yüzyıllar: mahkeme dekorasyonu olarak orkestra

Jean Baptiste Lully'nin Kraliyet Gece Balesi'nde Louis XIV. Henri de Gisset'in çizimi. 1653 Yapımda kral, yükselen güneş rolünü oynadı. Wikimedia Commons

Rönesans orkestraları ve daha sonra Barok orkestraları çoğunlukla saray veya kiliseye aitti. Amaçları, ibadete eşlik etmek veya iktidardakileri yatıştırmak ve eğlendirmekti. Bununla birlikte, birçok feodal hükümdar oldukça gelişmiş bir estetik anlayışa sahipti ve ayrıca birbirlerine gösteriş yapmaktan hoşlanıyorlardı. Biri orduyla övündü, biri tuhaf mimariye sahip, biri bahçeler düzenledi ve biri mahkeme tiyatrosu veya orkestrası tuttu.

Örneğin, Fransız kralı XIV. ünlü besteci Moliere ile de işbirliği yapan ve yaratıcısı olarak tarihe geçen Jean Baptiste Lully Fransız operası ve ilk profesyonel şef. Daha sonra, 1660'ta monarşinin Restorasyonu sırasında Fransa'dan dönen İngiliz Kralı II. Charles (idam edilen I. Charles'ın oğlu), Fransız modeline göre Kraliyet Şapeli'nde "24 Kral Kemanını" da yarattı. Kraliyet Şapeli'nin kendisi 14. yüzyıldan beri var olmuştur ve Elizabeth I döneminde zirveye ulaşmıştır - mahkeme organizatörleri William Bird ve Thomas Tallis idi. Ve parlak İngiliz besteci Henry Purcell, Charles II mahkemesinde, Westminster Abbey ve Kraliyet Şapeli'ndeki orgcu konumunu birleştirerek görev yaptı. 16.-17. yüzyıllarda İngiltere'de bir orkestra için başka, özel bir isim vardı, genellikle küçük bir isim - "eş". Daha sonraki Barok dönemde "eş" kelimesi kullanımdan kalktı ve onun yerine oda kavramı, yani "oda" müziği ortaya çıktı.

Savaşçı kostümü " Kraliyet Balesi gece." Henri de Gisset'in çizimi. 1653 Wikimedia Commons

Barok eğlence biçimleri giderek geç XVII- 18. yüzyılın başı, giderek daha lüks. Ve artık az sayıda araçla yönetmek mümkün değildi - müşteriler "daha büyük ve daha pahalı" istiyordu. Tabii ki, her şey "şanlı patronun" cömertliğine bağlıydı. Bach, ustalarına mektuplar yazmaya ve onları enstrümantal bölüm başına en az iki veya üç keman ayırmaya ikna etmeye zorlandıysa, o zaman Handel'de aynı anda 24 obuacı, 12 fagotcu, 9 kornocu ilk performansta yer aldı. "Music for the Royal Fireworks" , 9 trompetçi ve 3 timpani çalıcı (yani, 13 belirlenmiş bölüm için 57 müzisyen). Handel'in 1784'te Londra'daki "Mesih" performansına 525 kişi katıldı (bu etkinlik daha çok kişiye ait olmasına rağmen). geç dönem müziğin yazarı artık hayatta değilken). Barok yazarların çoğu operalar yazdı ve tiyatro opera orkestrası her zaman besteciler için bir tür yaratıcı laboratuvar olmuştur - alışılmadık enstrümanlar da dahil olmak üzere her türlü deney için bir yer. Yani, örneğin, Monteverdi hala erken XVII yüzyılda, tarihteki ilk operalardan biri olan Orpheus operasının orkestrasına cehennem öfkelerini temsil eden bir trombon parçası getirdi.

Florentine Camerata'nın zamanından (16-17. Yüzyılların dönüşü) beri, herhangi bir orkestrada, bütün bir müzisyen grubu tarafından çalınan ve bas nota anahtarında bir satıra kaydedilen bir sürekli bas bölümü vardı. Bas hattının altındaki sayılar, belirli armonik dizileri gösteriyordu - ve icracıların tüm müzikal dokuyu ve süslemeleri doğaçlama yapması, yani her performansta yeniden yaratması gerekiyordu. Evet ve kompozisyon, belirli bir şapelin emrinde olan enstrümanlara bağlı olarak değişiyordu. Çoğu zaman klavsen olmak üzere bir klavye enstrümanının varlığı zorunluydu. kilise müziği bu enstrüman çoğunlukla orgdu; bir telli yay - çello, viyola da gamba veya viyolon (modern kontrbasın öncüsü); bir telli koparılmış ud veya theorbo. Ancak sürekli bas grubunda, birkaç klavsen de dahil olmak üzere altı veya yedi kişinin aynı anda çaldığı oldu (Purcell ve Rameau'da üç veya dört tane vardı). 19. yüzyılda orkestralardan klavyeler ve enstrümanlar kayboldu, ancak 20. yüzyılda yeniden ortaya çıktı. Ve 1960'lardan bu yana, dünyadaki hemen hemen her enstrümanı bir senfoni orkestrasında kullanmak mümkün hale geldi - enstrümantasyona yaklaşımda neredeyse barok esneklik. Böylece Barok'un modern orkestrayı doğurduğunu düşünebiliriz.

Enstrümantasyon, yapı, notasyon

San Millan de la Cogoglia manastırı listesinde Lieban'ın Kıyameti Üzerine Yorum'dan minyatür. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderon y de San Millán de la Cogolla

Modern dinleyici için "orkestra" kelimesi büyük olasılıkla Beethoven, Tchaikovsky veya Shostakovich'in müziğinden alıntılarla ilişkilendirilir; modern orkestraları canlı ve kayıtlarda dinlemekten hafızamızda biriken o devasa anıtsal ve aynı zamanda yumuşatılmış sesle. Ancak orkestralar her zaman böyle ses çıkarmadı. Eski orkestralar ile modern orkestralar arasındaki birçok fark arasında en önemlisi müzisyenlerin kullandığı enstrümanlardır. Özellikle, müziğin çalındığı odalar (genellikle) modern konser salonlarından çok daha küçük olduğundan, tüm enstrümanlar modern olanlardan çok daha sessiz geliyordu. Ve fabrika kornaları, nükleer türbinler, içten yanmalı motorlar, süpersonik uçaklar yoktu - insan yaşamının genel sesi bugün olduğundan birkaç kat daha sessizdi. Ses yüksekliği hala doğal fenomenlerle ölçülüyordu: vahşi hayvanların kükremesi, gök gürültülü fırtınalar sırasında gök gürültüsü, şelalelerin gürültüsü, düşen ağaçların çıtırtısı veya düşen bir dağın gürültüsü ve panayırda şehir meydanındaki kalabalığın kükremesi gün. Bu nedenle müzik, parlaklıkta yalnızca doğanın kendisiyle rekabet edebilirdi.

Yaylı çalgılara gerilmiş teller öküz sinirinden yapılmıştır (bugünkü metalden yapılmıştır), yaylar daha küçük, daha hafif ve şekil olarak biraz farklıydı. Bu nedenle, tellerin sesi "daha sıcak", ancak bugünkünden daha az "yumuşak" idi. Nefesli çalgılar, daha güvenli ve doğru çalmalarına izin veren tüm modern valflere ve diğer teknik cihazlara sahip değildi. O zamanın nefesli rüzgarları, tınılar açısından daha bireysel geliyordu, bazen biraz uyumsuzdu (hepsi icracının becerisine bağlıydı) ve modern olanlardan birkaç kat daha sessizdi. Pirinç üflemeli çalgıların tümü tamamen doğaldı, yani yalnızca doğal ölçekte sesler üretebiliyorlardı; Hayvan derisi davulların ve timpanilerin üzerine gerildi (bu uygulama bugün hala var, ancak plastik zarlı vurmalı çalgılar uzun süredir ortaya çıkıyor).

Orkestranın düzeni genellikle bugünden daha düşüktü - ortalama olarak yarım ton ve bazen tam ton. Ancak burada bile tek bir kural yoktu: Louis XIV mahkemesindeki ilk oktav için (orkestranın geleneksel olarak ayarlandığı) ton sistemi Hertz ölçeğinde 392 idi. Charles II'nin sarayında A'yı 400'den 408 hertz'e ayarladılar. Aynı zamanda, tapınaklardaki organlar genellikle saray odalarında duran klavsenlerden daha yüksek bir tona ayarlandı (belki de bu ısınmadan kaynaklanıyordu, çünkü telli çalgılar kuru ısıdan akortlu olarak yükseliyor ve tam tersine azalıyor. soğuktan; üflemeli çalgılar genellikle ters eğilime sahiptir). Bu nedenle, Bach zamanında iki ana sistem vardı: sözde kammer-ton (modern "ayar çatalı" - ondan türetilen bir kelime), yani "oda sistemi" ve orgel-ton, yani , "organ sistemi" (namı diğer "koro tonu"). Ve A için oda ayarı 415 hertz iken, organ ayarı her zaman daha yüksekti ve bazen 465 hertz'e ulaşıyordu. Ve bunları modern konser akortuyla (440 hertz) karşılaştırırsak, o zaman ilki modern olandan yarım ton daha düşük, ikincisi ise yarım ton daha yüksek. Bu nedenle, Bach'ın org sistemi dikkate alınarak yazılan bazı kantatlarında yazar, üflemeli çalgıların bölümlerini anında transpozisyonla, yani koro ve bassoContinuo bölümünden yarım adım daha yüksekte yazmıştır. Bunun nedeni, esas olarak mahkeme oda müziğinde kullanılan üflemeli çalgıların, orgun daha yüksek akortuna uyarlanmamasından kaynaklanıyordu (flütler ve obualar, kamertondan biraz daha alçakta olabilirdi ve bu nedenle üçüncü bir tane daha vardı. - düşük kamerton). ton). Ve bugün bunu bilmeden notalardan böyle bir kantata çalmaya çalışırsanız, yazarın amaçlamadığı bir kakofoni elde edersiniz.

"Yüzer" sistemlerle ilgili bu durum, dünyada İkinci Dünya Savaşı'na kadar devam etti, yani sadece Türkiye'de değil. Farklı ülkeler, ancak aynı ülkenin farklı şehirlerinde sistemler birbirinden önemli ölçüde farklı olabilir. 1859'da Fransız hükümeti, A - 435 hertz'in ayarlanmasını onaylayan bir yasa çıkararak ayarlamayı standartlaştırmaya yönelik ilk girişimi yaptı, ancak diğer ülkelerde ayarlamalar son derece farklı olmaya devam etti. Ve sadece 1955'te Uluslararası organizasyon Standardizasyon konusunda, 440 hertz'lik konser akordu yasası bugüne kadar kabul edildi.

Heinrich Ignaz Biber. 1681'den gravür Wikimedia Commons

Barok ve klasik yazarlar, yaylı çalgılar için müzikle ilgili olarak akort alanında başka işlemler de yaptılar. Hakkında"scordatura", yani "telleri akort etmek" adı verilen bir teknik hakkında. Aynı zamanda, keman veya viyola gibi bazı teller, enstrüman için farklı, alışılmadık bir aralığa akort edildi. Bu sayede besteci, bestenin anahtarına bağlı olarak daha fazla sayıda açık tel kullanma fırsatı buldu ve bu da enstrümanın daha iyi rezonansına yol açtı. Ancak bu skordatura genellikle gerçek sesle değil, transpozisyonla kaydedildi. Bu nedenle, enstrümanın (ve icracının) ön hazırlığı olmadan böyle bir bestenin düzgün bir şekilde icra edilmesi imkansızdır. Scordatura'nın ünlü bir örneği, Heinrich Ignaz Bieber'ın keman sonatları Rosary (Gizemler) (1676) döngüsüdür.

Rönesans'ta ve Barok'un ilk aşamasında, bestecilerin beste yapabilecekleri makamların ve daha sonra anahtarların aralığı doğal bir engelle sınırlandırılmıştı. Bu engelin adı Pisagor virgülüdür. Büyük Yunan bilim adamı Pisagor, doğal ölçeğin ilk aralıklarından biri olan saf bir beşinciye göre akort aletleri öneren ilk kişiydi. Ancak telli enstrümanları bu şekilde akort ederseniz, tam bir beşli çemberi (dört oktav) geçtikten sonra, C diyez notanın C'de çok daha yüksek ses çıkardığı ortaya çıktı. Ve eski zamanlardan beri, müzisyenler ve bilim adamları, doğal ölçeğin bu doğal kusurunun - eşitsizliğinin - üstesinden gelinebileceği ve tüm tonalitelerin eşit kullanımına izin verecek ideal bir enstrüman akort sistemi bulmaya çalıştılar.

Her dönemin kendi düzen sistemleri vardı. Ve sistemlerin her birinin, modern piyanoların sesine alışmış kulaklarımıza yanlış görünen kendi özellikleri vardı. 19. yüzyılın başından beri, tüm klavye enstrümanları, bir oktavı mükemmel şekilde eşit 12 yarı tona bölen tek tip bir ölçekte akort edildi. Üniforma bir yapı çok yakın modern ruh Pisagor virgül sorununu kesin olarak çözmeyi mümkün kılan, ancak saf üçte ve beşlilerin sesinin doğal güzelliğini feda eden bir uzlaşma. Yani, modern bir piyano tarafından çalınan aralıkların hiçbiri (oktav hariç) doğal skalaya karşılık gelmez. Ve o zamandan beri var olan tüm sayısız düzen sisteminde Geç Orta Çağ, tüm tuşların keskin bir şekilde bireysel bir ses alması nedeniyle belirli sayıda saf aralık korunmuştur. Klavsen veya org üzerindeki tüm tuşların kullanılmasını mümkün kılan iyi mizacın icadından sonra bile (bkz. Dolayısıyla, tüm müzikal ifade araçlarının - melodi, uyum, ritim, tempo, doku ve tonalite seçiminin kendisi - ayrılmaz bir şekilde belirli duygusal durumlarla bağlantılı olduğu barok müzik için temel duygulanım teorisinin ortaya çıkışı. Dahası, aynı tonlama, o anda kullanılan sisteme bağlı olarak pastoral, masum veya şehvetli, ciddiyetle kederli veya şeytani bir şekilde korkutucu gelebilir.

Besteci için, bir anahtarın veya diğerinin seçimi, 18-19. Yüzyılların başına kadar belirli bir dizi duyguyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı. Dahası, Haydn D majör için "görkemli şükran günü, militanlık" gibi geldiyse, Beethoven için "acı, ıstırap veya yürüyüş" gibi geliyordu. Haydn, E majörünü "ölüm düşünceleri" ile ilişkilendirdi ve Mozart için "ciddi, yüce aşkınlık" anlamına geliyordu (tüm bu lakaplar bestecilerin kendilerinden alıntılardır). Bu nedenle, erken dönem müziği icra eden müzisyenlerin zorunlu erdemleri arasında, çeşitli yazarların çeşitli bestelerinin duygusal yapısını ve “kodlarını” tanımayı ve aynı zamanda yeteneği mümkün kılan çok boyutlu bir müzikal ve genel kültürel bilgi sistemi vardır. teknik olarak bunu oyunda uygulayın.

Ek olarak, notasyonla ilgili sorunlar da var: 17.-18. yüzyıl bestecileri, eserin yaklaşan performansıyla ilgili bilgilerin yalnızca bir kısmını kasıtlı olarak kaydettiler; ifade, nüans, artikülasyon ve özellikle zarif dekorasyon - Barok estetiğin ayrılmaz bir parçası - tüm bunlar, böylece bestecinin ortak yaratıcıları haline gelen ve sadece iradesinin itaatkar uygulayıcıları olmayan müzisyenlerin özgür seçimine bırakıldı. Bu nedenle, barok ve erken klasik müziğin antik enstrümanlar üzerinde gerçekten ustaca icra edilmesi, daha sonraki müziğin modern enstrümanlar üzerinde virtüöz olarak ustalaşmasından daha az (hatta daha fazla) zor bir görevdir. 60 yılı aşkın bir süre önce, eski enstrümanları çalmanın ilk meraklıları ("otantikçiler") ortaya çıktığında, meslektaşları arasında genellikle düşmanlıkla karşılandılar. Bu kısmen geleneksel ekolün müzisyenlerinin ataletinden ve kısmen de müzikal özgünlüğün öncülerinin yetersiz becerisinden kaynaklanıyordu. Müzik çevrelerinde, kendilerine "solmuş ahşap" (üflemeli çalgılar) veya "paslı hurda metal" (pirinç rüzgârları) üzerine hüzünlü sahte melemeler yayınlamaktan daha iyi bir kullanım bulamayan kaybedenler olarak onlara karşı bir tür küçümseyici ironik tavır vardı. Ve bu (kesinlikle talihsiz) tutum, yakın zamana kadar devam etti, ta ki eski enstrümanları çalma seviyesinin son on yıllarda o kadar arttığı ve en azından barok ve erken dönem klasikleri alanında otantikçilerin uzun süredir yakaladığı ve yakaladığı netleşene kadar. daha monoton ve hantal tınlayan modern orkestraları geride bıraktı.

Orkestra türleri ve formları

Ailesiyle birlikte Pierre Moucheron'un bir portresinin parçası. Yazar bilinmiyor. 1563 Rijksmuseum Amsterdam

Tıpkı "orkestra" kelimesinin her zaman bugün onunla kastettiğimiz şeyi kastetmediği gibi, "senfoni" ve "konser" kelimeleri de başlangıçta biraz farklı anlamlara sahipti ve ancak yavaş yavaş, zaman içinde modern anlamlarını kazandılar.

Konser

"Konser" kelimesinin birkaç olası kaynağı vardır. Modern etimoloji, İtalyan konserinden "bir anlaşmaya varmak" veya Latince concinere, concino'dan "birlikte şarkı söylemek, övgü" anlamına gelir. Başka bir olası çeviri, Latince konserden "tartışma, rekabet" dir: bireysel sanatçılar (solistler veya bir grup solist) bir ekiple (orkestra) müzikte yarışırlar. Erken Barok döneminde, vokal-enstrümantal bir esere genellikle konçerto denirdi, daha sonra cantata olarak bilinmeye başlandı - Latince kantodan, cantare ("şarkı söylemek"). Zamanla, konçertolar tamamen enstrümantal bir tür haline geldi (yine de 20. yüzyılın eserleri arasında Reinhold Gliere'nin Ses ve Orkestra için Konçertosu gibi bir nadirlik de bulunabilir). barok dönem solo konçerto (bir enstrüman ve eşlik eden bir orkestra) ve " büyük konser” (concerto grosso), müziğin küçük bir solist grubu (konçertino) ile daha fazla enstrümana sahip bir grup (ripieno, yani “doldurma”, “doldurma”) arasında aktarıldığı yer. Ripieno grubunun müzisyenlerine ripienistler deniyordu. Modern orkestra oyuncularının öncüleri haline gelenler bu olgunlukçulardı. Ripieno olarak, sadece yaylı çalgılar ve sürekli basso dahil edildi. Ve solistler çok farklı olabilir: keman, çello, obua, kaydedici, fagot, viyola d'amour, lavta, mandolin, vb.

İki tür konçerto grosso vardı: konçerto da chiesa ("kilise konseri") ve konçerto da camera ("oda konseri"). Her ikisi de esas olarak 12 konçertoluk bir döngü (1714) besteleyen Arcangelo Corelli sayesinde kullanıma girdi. Bu döngü, bize bu türün başyapıtları olarak kabul edilen iki konçerto grosso döngüsü bırakan Handel üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Bach'ın Brandenburg konçertoları da bir konçerto grosso'nun belirgin özelliklerini taşır.

Barok solo konçertonun en parlak dönemi, hayatı boyunca yaylılar ve sürekli basso eşliğinde çeşitli enstrümanlar için 500'den fazla konçerto besteleyen Antonio Vivaldi'nin adıyla ilişkilendirilir (ayrıca 40'tan fazla opera, çok sayıda kilise eseri yazmasına rağmen). koro müziği ve enstrümantal senfoniler). Resitaller, kural olarak, değişen tempolarla üç bölümden oluşuyordu: hızlı - yavaş - hızlı; bu yapı saz konçertosunun daha sonraki örneklerinde baskın hale geldi. erken XXI yüzyıl. Vivaldi'nin en ünlü yaratımı, keman ve yaylı çalgılar orkestrası için her konçertodan önce bir şiirin (belki de Vivaldi'nin kendisi tarafından yazılmış) geldiği "Mevsimler" (1725) döngüsüydü. Şiirler, belirli bir mevsimin ana ruh hallerini ve olaylarını anlatır ve bunlar daha sonra müziğin kendisinde somutlaşır. Uyum ve Buluş Yarışması adlı 12 konçertodan oluşan daha büyük bir döngünün parçası olan bu dört konçerto, bugün program müziğinin ilk örneklerinden biri olarak kabul ediliyor.

Bu gelenek Handel ve Bach tarafından sürdürüldü ve geliştirildi. Ayrıca Handel, diğer şeylerin yanı sıra 16 org konçertosu besteledi ve Bach, o zamanlar geleneksel olan bir ve iki keman için konçertolara ek olarak, o zamana kadar yalnızca basso sürekli grubun bir enstrümanı olan klavsen için de konçertolar yazdı. . Dolayısıyla Bach, modern piyano konçertosunun atası olarak kabul edilebilir.

Senfoni

Yunanca senfoni "ünsüz", "ortak ses" anlamına gelir. Eski Yunan ve ortaçağ geleneklerinde, senfoniye uyumun öfonisi (günümüzün müzik dilinde - ünsüz) adı verildi ve daha yakın zamanlarda, çeşitli müzik aletleri senfoni olarak adlandırılmaya başlandı, örneğin: dulcimer, hurdy gurdy, spinet veya bakire Ve ancak XVI-XVII yüzyılların başında "senfoni" kelimesi, sesler ve enstrümanlar için bir bestenin adı olarak kullanılmaya başlandı. Bu tür senfonilerin en eski örnekleri nasıl adlandırılmalıdır? müzikal senfoniler Lodovico Grossi da Viadana (1610), Giovanni Gabrieli'nin Kutsal Senfonileri (1615) ve Heinrich Schutz'un Kutsal Senfonileri (op. 6, 1629 ve op. 10, 1649). Genel olarak, tüm Barok dönemi boyunca, hem dini hem de laik çeşitli bestelere senfoni adı verildi. Çoğu zaman, senfoniler daha büyük bir döngünün parçasıydı. Öncelikle Scarlatti adıyla ilişkilendirilen İtalyan opera seria ("ciddi opera") türünün ortaya çıkmasıyla, uvertür olarak da adlandırılan operanın enstrümantal tanıtımına genellikle üç bölümden oluşan senfoni adı verildi: hızlı - yavaş hızlı. Yani uzun süredir "senfoni" ve "uvertür" aynı anlama geliyordu. bu arada, içinde İtalyan operası Uvertürü bir senfoni olarak adlandırma geleneği 19. yüzyılın ortalarına kadar devam etti (bkz. Verdi'nin Nebuchadnezzar gibi erken dönem operaları).

18. yüzyıldan beri, tüm Avrupa'da enstrümantal çok parçalı senfoniler için bir moda ortaya çıktı. Her ikisinde de önemli rol oynadılar. kamusal yaşam kilise hizmetlerinde olduğu gibi. Bununla birlikte, senfonilerin asıl menşe yeri ve performansı aristokratların mülkleriydi. 18. yüzyılın ortalarında (ilk Haydn senfonilerinin ortaya çıktığı zaman), Avrupa'da senfoni bestelemek için üç ana merkez vardı - Milano, Viyana ve Mannheim. Bu üç merkezin faaliyetleri, ama özellikle Mannheim Court Şapeli ve bestecilerinin yanı sıra Joseph Haydn'ın çalışmaları sayesinde senfoni türü o dönemde Avrupa'da ilk çiçeklenmesini yaşadı.

Mannheim Şapeli

Jan Stamitz Wikimedia Commons

Heidelberg'de Seçmen Charles III Philip altında ortaya çıkan ve 1720'den sonra Mannheim'da varlığını sürdüren şapel, modern orkestranın ilk prototipi olarak kabul edilebilir. Mannheim'a taşınmadan önce bile, şapelin sayısı çevredeki diğer prensliklerin hepsinden daha fazlaydı. Mannheim'da daha da büyüdü ve işbirliğini çekerek yetenekli müzisyenler O zaman, performansın kalitesi de önemli ölçüde arttı. 1741'den beri koroya Çek kemancı ve besteci Jan Stamitz başkanlık ediyor. O zamandan beri Mannheim okulunun yaratılması hakkında konuşabiliriz. Orkestrada 30 telli çalgı, eşleştirilmiş üflemeli çalgılar vardı: iki flüt, iki obua, iki klarnet (o zamanlar orkestralarda hala nadir bulunan konuklar), iki fagot, iki ila dört korno, iki trompet ve timpani - o zamanlar için çok büyük bir beste. Örneğin, Haydn'ın yaklaşık 30 yıl grup şefi olarak görev yaptığı Prens Esterhazy şapelinde, faaliyetinin başlangıcında, Haydn'ın Esterhazy'den birkaç yıl önce birlikte görev yaptığı Count Morzin'de müzisyen sayısı 13-16 kişiyi geçmedi. ve ilk senfonilerini yazdı, hatta daha fazla müzisyen vardı, daha az - o yıllarda Haydn'ın notalarına bakılırsa orada flüt bile yoktu. 1760'ların sonlarında, Esterhazy Şapeli 16-18 müzisyene ulaştı ve 1780'lerin ortalarında maksimum 24 müzisyen sayısına ulaştı. Ve Mannheim'da sadece 30 ipli insan vardı.

Ancak Mannheim virtüözlerinin asıl erdemi, sayıları değil, o zamanki kolektif performansın inanılmaz kalitesi ve tutarlılığıydı. Jan Stamitz ve ondan sonra bu orkestra için müzik yazan diğer besteciler, o zamandan beri Mannheim Şapeli'nin adıyla ilişkilendirilen, giderek daha sofistike, şimdiye kadar duyulmamış etkiler buldular: seste ortak bir artış (kreşendo), sesin solması. (diminuendo), oyunun aniden kesilmesi (genel duraklama) ve çeşitli müzikal figürler, örneğin: Mannheim roketi (ayrıştırılmış bir akorun seslerine göre melodinin hızlı yükselişi), Mannheim kuşları ( solo pasajlarda cıvıldayan kuşların taklitleri) veya Mannheim doruk noktası (kreşendo için hazırlık ve ardından belirleyici an, tüm üflemeli çalgıların ve bazı tellerin aktif-enerjik çalınmasının durdurulmasıdır). Bu etkilerin çoğu, ikinci yaşamlarını Mannheim'ın genç çağdaşları Mozart ve Beethoven'ın eserlerinde buldu ve bazıları bugün hala var.

Buna ek olarak, Stamitz ve meslektaşları yavaş yavaş kilise sonatının ve oda sonatının barok prototiplerinden ve İtalyan opera uvertüründen türetilen ideal dört bölümlü senfoni tipini buldular. Haydn, uzun yıllar süren deneylerinin bir sonucu olarak aynı dört parçalı döngüye geldi. Genç Mozart, 1777'de Mannheim'ı ziyaret etti ve orada duyduğu müzik ve orkestra icrasından derinden etkilendi. Stamitz'in ölümünden sonra orkestrayı yöneten Christian Cannabih ile Mozart, Mannheim'ı ziyaretinden bu yana kişisel bir dostluğa sahipti.

mahkeme müzisyenleri

Maaş ödenen saray müzisyenlerinin durumu o dönemde çok avantajlıydı ama elbette çok şey yükledi. Çok çalıştılar ve ustalarının herhangi bir müzikal hevesini yerine getirmek zorunda kaldılar. Sabah üçte veya dörtte alınabilirler ve sahibinin bir tür serenat dinlemek için eğlence müziği istediğini söyleyebilirler. Zavallı müzisyenler salona gitmek, lambaları koymak ve oynamak zorunda kaldı. Çoğu zaman müzisyenler haftanın yedi günü çalışıyorlardı - üretim hızı veya 8 saatlik çalışma günü gibi kavramlar elbette onlar için mevcut değildi (modern standartlara göre, bir orkestra müzisyeni günde 6 saatten fazla çalışamaz, bir konser için provalar söz konusu olduğunda veya tiyatro performansı). Bütün gün oynamak zorundaydık, bu yüzden bütün gün oynadık. Ancak, sahipleri müzik severler, çoğu zaman bir müzisyenin birkaç saat ara vermeden çalamayacağını anladı - hem yemeğe hem de dinlenmeye ihtiyacı var.

Nicola Maria Rossi'nin bir tablosundan detay. 1732 Bridgeman Görseller/Fotodom

Haydn ve Prens Esterhazy Şapeli

Efsaneye göre, ünlü Elveda Senfonisini yazan Haydn, ustası Esterhazy'ye vaat edilen ama unutulan dinlenme hakkında ipucu verdi. Finalinde, müzisyenlerin hepsi sırayla ayağa kalktı, mumları söndürdü ve ayrıldı - ipucu oldukça anlaşılır. Ve sahibi onları anladı ve tatile gitmelerine izin verdi - bu da ondan içgörü ve mizah anlayışı olan bir kişi olarak bahsediyor. Kurgu olsa bile, o dönemin ruhunu dikkate değer bir şekilde aktarıyor - diğer zamanlarda, yetkililerin hatalarına ilişkin bu tür ipuçları besteciye oldukça pahalıya mal olabilirdi.

Haydn'ın müdavimleri oldukça eğitimli ve müziğe duyarlı insanlar olduğundan, ister altı veya yedi bölümlük bir senfoni, ister sözde gelişimsel bölümde bazı inanılmaz ton komplikasyonları olsun, deneylerinden herhangi birinin olmayacağına güvenebilirdi. kınama ile karşılandı. Hatta tam tersi görünüyor: biçim ne kadar karmaşık ve sıra dışıysa, onu o kadar çok seviyorlardı.
Yine de Haydn, kendisini saray mensubunun bu görünüşte rahat ama genel olarak kölece varoluşundan kurtaran ilk seçkin besteci oldu. Nikolaus Esterházy öldüğünde, varisi orkestrayı dağıttı, ancak Haydn'ın unvanını ve bando şefinin (azaltılmış) maaşını elinde tuttu. Böylece Haydn, istemeden süresiz izin aldı ve izlenimci Johann Peter Salomon'un davetinden yararlanarak oldukça ileri bir yaşta Londra'ya gitti. Orada aslında yeni bir orkestra stili yarattı. Müziği daha sağlam ve basit hale geldi. Deneyler iptal edildi. Bunun nedeni ticari gereklilikti: Genel İngiliz halkının Esterhazy malikanesindeki sofistike dinleyicilerden çok daha az eğitimli olduğunu gördü - onun için daha kısa, daha net ve daha özlü yazmanız gerekiyor. Esterhazy'nin yazdığı her senfoni benzersiz olsa da, Londra senfonileri aynı türdendir. Hepsi yalnızca dört bölüm halinde yazılmıştır (o zamanlar, Mannheim okulu ve Mozart bestecileri tarafından zaten tam olarak kullanılan en yaygın senfoni biçimiydi): ilk bölümdeki zorunlu sonat allegro, daha fazlası veya daha az yavaş ikinci bölüm, minuet ve hızlı final. Haydn'ın son senfonilerinde kullanılan temaların teknik gelişimi kadar orkestra türü ve müzik formu da Beethoven için bir model haline geldi.

18. yüzyılın sonları - 19. yüzyıl: Viyana Okulu ve Beethoven

Viyana'daki Theatre an der Wien'in içi. Oymak. 19. yüzyıl Brigeman Görseller/Fotodom

Öyle oldu ki Haydn, kendisinden 24 yaş küçük olan Mozart'ı geride bıraktı ve Beethoven'ın kariyerinin başlangıcını buldu. Haydn hayatının büyük bir bölümünde günümüz Macaristan'ında çalıştı ve hayatının sonlarına doğru Londra'da fırtınalı bir başarı elde etti, Mozart Salzburg'luydu ve Beethoven Bonn'da doğmuş bir Fleming'di. Ancak üç müzik devinin de yaratıcı yolları, İmparatoriçe Maria Theresa ve ardından oğlu İmparator II. Joseph döneminde dünyanın müzik başkenti konumunu alan şehirle bağlantılıydı - Viyana ile. Böylece Haydn, Mozart ve Beethoven'ın eserleri tarihe "Viyana klasik üslubu" olarak geçmiştir. Doğru, yazarların kendilerini hiç "klasik" olarak görmedikleri ve Beethoven'ın kendisini bir devrimci, bir öncü ve hatta gelenekleri alt üst eden biri olarak gördüğü belirtilmelidir. "Klasik tarz" kavramı, çok daha sonraki bir zamanın (19. yüzyılın ortaları) bir icadıdır. Bu tarzın ana özellikleri, biçim ve içeriğin uyumlu birliği, barok aşırılıkların yokluğunda ses dengesi ve müzikal arkitektoniğin eski uyumudur.

Viyana tacı klasik tarz bölgede orkestra müziği Haydn'ın Londra senfonileri, Mozart'ın son senfonileri ve Beethoven'ın tüm senfonileri genel olarak kabul edilir. Haydn ve Mozart'ın geç senfonilerinde, klasik tarzın müzikal sözlüğü ve sözdizimi ve ayrıca Mannheim okulunda zaten kristalleşen ve hala klasik olarak kabul edilen orkestranın kompozisyonu oluşturuldu: bir yaylı grup (bölünmüş) birinci ve ikinci kemanlar, viyolalar, çellolar ve kontrbas), nefesli çalgıların bir çift bileşimi - genellikle iki flüt, iki obua, iki fagot. Ancak, başlayarak son eserler Mozart, klarnet de orkestraya sağlam bir şekilde girmiş ve kendisini kurmuştur. Mozart'ın klarnet tutkusu, bu enstrümanın orkestranın üflemeli grubunun bir parçası olarak yaygınlaşmasına büyük ölçüde katkıda bulundu. Mozart, 1778'de Mannheim'da Stamitz'in senfonilerinde klarnet duydu ve babasına yazdığı bir mektupta hayranlıkla şöyle yazdı: "Ah, keşke klarnetimiz olsaydı!" - "biz" derken, klarneti yalnızca 1804'te tanıtan Salzburg Court Şapeli anlamına geliyor. Bununla birlikte, 1769 gibi erken bir tarihte klarnetlerin düzenli olarak prens-başpiskoposluk askeri bandolarında kullanıldığına dikkat edilmelidir.

Daha önce bahsedilen nefesli çalgılara genellikle iki korna ve bazen de gelen iki trompet ve timpani eklenirdi. senfonik müzik ordudan. Ancak bu enstrümanlar yalnızca, anahtarları yalnızca birkaç akortta, genellikle D veya C majörde bulunan doğal boruların kullanımına izin veren senfonilerde kullanılıyordu; bazen sol majör senfonilerde trompet de kullanılırdı ama timpani asla kullanılmazdı. Trompetli ancak timpanisiz böyle bir senfoniye örnek Mozart'ın 32. Senfonisi'dir. Timpani kısmı daha sonra kimliği belirsiz bir kişi tarafından partisyona eklendi ve gerçek dışı kabul edildi. 18. yüzyıl yazarlarının timpani ile bağlantılı olarak G majör için bu hoşnutsuzluğunun, Barok timpani için (uygun modern pedallarla değil, manuel gerdirme vidalarıyla ayarlanmış) geleneksel olarak açıklandığı varsayılabilir. sadece iki notadan oluşan müzik yazdı - tonik (1. tonalite derecesi) ve baskınlar (5. tonalite derecesi), bu notaları çalan boruları desteklemek için çağrıldı, ancak G majör anahtarının ana notası timpani üzerindeki üst oktav çok keskin ve alttaki oktav çok boğuk geliyordu. Bu nedenle, sol majördeki timpani uyumsuzluklarından dolayı kaçınıldı.

Diğer tüm enstrümanlar yalnızca opera ve balede kabul edilebilir olarak kabul edildi ve bazıları kilisede bile ses çıkardı (örneğin, Requiem'deki trombonlar ve basset kornalar, trombonlar, basset kornalar ve pikolo " sihirli flüt”, “Saraydan Kız Kaçırma”da “Yeniçeri” müziğinin davulları veya Mozart'ın “Don Giovanni”sinde mandolin, Beethoven'ın “Prometheus'un Eserleri” balesinde basset borusu ve arp).

Basso sürekliliği yavaş yavaş kullanılmaz hale geldi, önce orkestra müziğinden kayboldu, ancak bir süre operada anlatımlara eşlik etmek için kaldı (bkz. Figaro'nun Evliliği, Tüm Kadınlar Do It ve Mozart'ın Don Giovanni'si, ancak daha sonra - V erken XIX yüzyılda, bazı komik operalar Rossini ve Donizetti).

Haydn tarihe senfonik müziğin en büyük mucidi olarak geçtiyse, o zaman Mozart operalarında senfonilerinden çok orkestra ile deneyler yaptı. İkincisi, o zamanın normlarına uyma konusunda kıyaslanamayacak kadar katıdır. Elbette istisnalar olsa da: örneğin Prag veya Paris senfonilerinde minuet yoktur, yani sadece üç bölümden oluşurlar. G majörde 32 numaralı tek hareketlik bir senfoni bile var (ancak, hızlı - yavaş - hızlı, yani daha eski, Haydnian öncesi normlara karşılık geliyor) . Ancak öte yandan, bu senfonide dört korna yer almaktadır (bu arada, G minör 25. Senfoni ve Idomeneo operasında olduğu gibi). 39. Senfoniye klarnetler eklenir (Mozart'ın bu enstrümanlara olan sevgisinden daha önce bahsedilmiştir), ancak geleneksel obua yoktur. Hatta Symphony No. 40'ın klarnetli ve klarnetsiz olmak üzere iki versiyonu mevcuttur.

Biçimsel parametreler açısından Mozart, senfonilerinin çoğunda Mannheim ve Haydnian şemalarına göre hareket ediyor - elbette onları dehasının gücüyle derinleştiriyor ve rafine ediyor, ancak yapılar veya kompozisyonlar düzeyinde önemli hiçbir şeyi değiştirmeden. Ancak Mozart, hayatının son yıllarında geçmişin büyük polifonistleri Handel ve Bach'ın çalışmalarını ayrıntılı ve derinlemesine incelemeye başladı. Bu sayede müziğinin dokusu çeşitli polifonik hilelerle giderek zenginleşiyor. 18. yüzyılın sonlarına ait bir senfoniye özgü homofonik bir depo ile Bach tipi bir füg kombinasyonunun parlak bir örneği, Mozart'ın son 41. senfonisi "Jüpiter" dir. Senfonik türdeki en önemli gelişim yöntemi olarak çoksesliliğin yeniden canlanmasını başlatır. Doğru, Mozart başkaları tarafından kendisinden önce gidilen yolu izledi: şüphesiz Mozart tarafından bilinen Michael Haydn'ın iki senfonisinin finalleri, No. 39 (1788) ve 41 (1789), ayrıca bir füg şeklinde yazılmıştı.

Ludwig van Beethoven'ın portresi. Joseph Karl Stiller. 1820 Wikimedia Commons

Beethoven'ın orkestranın gelişimindeki rolü özeldir. Müziği, iki dönemin muazzam bir birleşimidir: klasik ve romantik. Birinci Senfonide (1800) Beethoven, Haydn'ın sadık bir öğrencisi ve takipçisiyse ve The Works of Prometheus (1801) balesinde Gluck geleneklerinin halefiyse, o zaman Üçüncü Kahramanlık Senfonisinde (1804) orada Haydn-Mozart geleneğinin daha modern bir tonda nihai ve geri alınamaz bir şekilde yeniden düşünülmesidir. İkinci Senfoni (1802) görünüşte hala klasik kalıpları takip ediyor, ancak birçok yeniliği var ve bunlardan en önemlisi, geleneksel minuet'in kaba köylü scherzo (İtalyanca'da "şaka") ile değiştirilmesidir. O zamandan beri, dakikalar içinde Beethoven'ın senfonileri Sekizinci Senfoni'nin üçüncü bölümü olan "Minuet'in hızında" (Sekizinci bestelendiğinde - 1812 -) başlığındaki "minet" kelimesinin ironik bir şekilde nostaljik kullanımı dışında artık bulunmuyor. dakikalar zaten her yerde kullanım dışı kalmıştı ve Beethoven burada türe yapılan bu göndermeyi "tatlı ama uzak bir geçmişin" işareti olarak açıkça kullanıyor. Ama aynı zamanda dinamik kontrastların bolluğu ve ilk hareketin ana temasının bilinçli olarak çello ve kontrbasa aktarılması, kemanlar eşlikçi olarak onlar için alışılmadık bir rol oynar ve çello ve kontrbasın işlevlerinin sık sık ayrılması (yani, kontrbasın bağımsız bir ses olarak özgürleşmesi) ve uç kısımlarda kodaların genişletilmesi (pratik olarak ikinci gelişmelere dönüşmesi), çarpıcı gelişimini bir sonrakinde bulan yeni tarzın izleridir. Üçüncü Senfoni.

Aynı zamanda İkinci Senfoni, Beethoven'ın sonraki tüm senfonilerinin, özellikle Üçüncü ve Altıncı ile Dokuzuncu senfonilerinin başlangıcını taşır. İkincinin birinci bölümünün girişinde, Dokuzuncu bölümün birinci bölümünün ana temasına benzer iki damla D minör motifi vardır ve İkinci bölümün finalindeki bağlantı bölümü adeta bir eskizdir. Aynı Dokuzuncu filmin finalinden "Ode to Joy", aynı enstrümantasyonla bile.

Üçüncü Senfoni, şimdiye kadar yazılmış tüm senfonilerin hem en uzun hem de en karmaşık olanıdır ve müzik dili ve malzemenin en yoğun çalışmasında. O zamanlar için eşi görülmemiş dinamik kontrastlar (üç piyanodan üç forte!) ve Mozart'la karşılaştırıldığında bile eşit derecede eşi görülmemiş, orijinal motiflerin "hücresel dönüşümü" üzerinde yalnızca her bir harekette mevcut olmayan bir çalışma içerir. ancak, adeta, tek ve bölünmez bir anlatı duygusu yaratarak, dört bölümlük döngünün tamamına nüfuz eder. Kahramanca senfoni artık enstrümantal döngünün zıt bölümlerinin uyumlu bir dizisi değil, tamamen yeni tür, aslında - müzik tarihindeki ilk senfoni romanı!

Beethoven'ın orkestra kullanımı sadece bir virtüöz değil, enstrüman çalanların sınırlarını zorluyor ve çoğu zaman her enstrümanın akla gelebilecek teknik sınırlamalarının ötesine geçiyor. Beethoven'ın, birçok Beethoven dörtlüsünün ilk icracısı olan Count Lichnowsky Quartet'in lideri ve kemancı Ignaz Schuppanzig'e, Beethoven'ın bir pasajının "imkansızlığı" hakkındaki eleştirel yorumuna yanıt olarak hitaben yazdığı ünlü cümle, bestecinin teknik sorunlara karşı tutumunu dikkat çekici bir şekilde karakterize ediyor. müzikte: "Ruh benimle konuştuğunda, onun talihsiz kemanına ne umurumda?!" Müzik fikri her zaman önce gelir ve ancak ondan sonra onu uygulamanın yolları olmalıdır. Ama aynı zamanda Beethoven, zamanının orkestrasının olanaklarının da farkındaydı. Bu arada, hakkında yaygın olarak kabul edilen görüş Olumsuz sonuçlar Beethoven'ın daha sonraki bestelerine yansıdığı ve bu nedenle notalarına daha sonra her türden rötuş biçiminde müdahale edilmesini haklı çıkardığı iddia edilen sağırlığı, sadece bir efsanedir. dinlemen yeterli iyi performans geç dönem senfonileri veya dörtlüleri, hiçbir kusurları olmadığından emin olmak için, ancak zamanlarının enstrümanları ve yetenekleri hakkında ayrıntılı bilgiye dayanan, sanatlarına karşı oldukça idealist, tavizsiz bir tutum. Beethoven, modern teknik yeteneklere sahip modern bir orkestraya sahip olsaydı, kesinlikle tamamen farklı bir şekilde yazardı.

Enstrümantasyon açısından, Beethoven ilk dört senfonisinde Haydn ve Mozart'ın sonraki senfonilerinin standartlarına sadık kalır. Her ne kadar Kahramanlık Senfonisi geleneksel iki veya nadir fakat geleneksel olarak kabul edilebilir dört boynuz yerine üç korna kullanıyor olsa da. Yani Beethoven, herhangi bir geleneği takip etmenin çok kutsal ilkesini sorguluyor: Orkestrada üçüncü bir korna sesine ihtiyacı var ve onu tanıtıyor.

Ve zaten Beşinci Senfonide (1808), Beethoven finalde bir askeri (veya tiyatro) orkestranın enstrümanlarını - bir pikolo flüt, kontrfagot ve trombonları tanıtıyor. Bu arada, Beethoven'dan bir yıl önce, İsveçli besteci Joachim Nicholas Eggert, Beethoven'ın yaptığı gibi sadece finalde değil, Mi bemol majör Senfonisinde (1807) ve üç bölümün hepsinde trombon kullandı. Yani trombonlar söz konusu olduğunda, avuç içi büyük besteci için değil, çok daha az ünlü meslektaşı içindir.

Altıncı Senfoni (Pastoral), senfoni tarihindeki ilk program döngüsüdür; burada yalnızca senfoninin kendisi değil, aynı zamanda her bölümün önünde bir tür iç programın açıklaması - duyguların açıklaması gelir. kendini doğada bulan şehirli. Aslında müzikte doğa betimlemeleri Barok döneminden beri yeni değil. Ancak Vivaldi'nin The Seasons ve diğer barok program müziği örneklerinden farklı olarak Beethoven ses yazısını kendi başına bir amaç olarak ele almaz.Altıncı Senfoni kendi deyimiyle "bir resimden çok duyguların bir ifadesidir." Pastoral senfoni, Beethoven'ın çalışmasında dört bölümlük senfonik döngünün ihlal edildiği tek senfonidir: scherzo'yu kesintisiz olarak The Thunderstorm adlı formda serbest dördüncü hareket ve ondan sonra da kesintisiz olarak final izler. takip eder. Böylece bu senfonide beş bölüm vardır.

Beethoven'ın bu senfoninin orkestrasyonuna yaklaşımı son derece ilginç: Birinci ve ikinci bölümlerde kesinlikle sadece yaylılar, nefesli çalgılar ve iki korna kullanıyor. Scherzo'da iki trompet onlara bağlanır, The Thunderstorm'da timpani, bir pikolo flüt ve iki trombon birleşir ve finalde timpani ve pikolo tekrar susar ve trompet ve trombonlar geleneksel tantana işlevlerini yerine getirmeyi bırakır ve panteistik doksolojinin genel rüzgar korosuna karışın.

Beethoven'ın orkestrasyon alanındaki deneyinin doruk noktası Dokuzuncu Senfoniydi: finalinde sadece daha önce bahsedilen trombonlar, pikolo flüt ve kontrfagot değil, aynı zamanda bir dizi "Türk" perküsyonu da kullanılıyor - büyük davul, tabak ve üçgen ve en önemlisi - koro ve solistler! Bu arada, Ninth'in finalindeki trombonlar çoğunlukla koro bölümünün bir amplifikasyonu olarak kullanılır ve bu, özellikle Haydnian-Mozart kırılmasında kilise ve laik oratoryo müziği geleneğine bir göndermedir (bkz. " Dünyanın Yaratılışı" ya da Haydn'ın "Mevsimler"i, Minörden Önce Ayin ya da Mozart'ın Requiem'i), yani bu senfoni senfoni türünün ve ruhani oratoryonun bir birleşimidir, yalnızca Schiller'in şiirsel, dünyevi bir metni üzerine yazılmıştır. Dokuzuncu Senfoni'nin bir diğer büyük biçimsel yeniliği, yavaş hareketin ve scherzo'nun yeniden düzenlenmesiydi. İkinci sırada yer alan dokuzuncu scherzo, artık finali başlatan neşeli bir zıtlık rolünü oynamıyor, trajik ilk bölümün sert ve tamamen "militarist" bir devamına dönüşüyor. Ve yavaş üçüncü hareket, senfoninin felsefi merkezi haline gelir ve tam olarak altın bölümün bölgesine düşer - senfonik müzik tarihindeki ilk, ancak hiçbir şekilde son durum değildir.

Dokuzuncu Senfoni (1824) ile Beethoven yeni bir çağa adım atıyor. Bu, en ciddi sosyal dönüşümlerin olduğu döneme denk geliyor - Aydınlanma'dan yeni, endüstriyel bir çağa son geçişle, ilk olayı bir önceki yüzyılın sonundan 11 yıl önce gerçekleşti; Viyana klasik okulunun üç temsilcisinin de tanık olduğu bir olay. Elbette Fransız Devrimi'nden bahsediyoruz.

, çello , kontrbas . Deneyimli müzisyenlerin ellerinde, orkestra şefinin isteğine bağlı olarak bir araya getirilerek, her türlü sesi ifade edebilen ve iletebilen bir müzik aleti oluştururlar. müzikal içerik, herhangi bir görüntü, herhangi bir düşünce. Orkestranın birçok enstrüman kombinasyonu, neredeyse tükenmez bir dizi farklı ses verir - gök gürültülü, sağır ediciden zar zor duyulana, keskin bir şekilde keskin kulaktan okşayıcı yumuşaklığa kadar. Ve herhangi bir karmaşıklığa sahip çok katlı akorlar ve heterojen melodik süslemelerin desenli ve kıvrımlı pleksusu ve örümcek ağı inceliğinde kumaş, küçük ses "parçaları", figüratif ifade S. S. Prokofiev, "sanki orkestranın tozunu alıyorlarmış gibi" ve aynı anda aynı sesleri çalan birçok enstrümanın güçlü akortları - tüm bunlar orkestraya tabidir. Orkestra gruplarından herhangi biri - yaylı, üflemeli, vurmalı, mızraplı, klavyeli - diğerlerinden ayrılarak diğerleri sessizken kendi müzikal anlatımını yönetebilir; ancak hepsi tamamen, kısmen veya bireysel temsilciler olarak, başka bir grupla veya onun bir kısmıyla birleşerek karmaşık bir tını alaşımı oluşturur. İki yüzyıldan fazla bir süredir, bestecilerin en değerli düşünceleri, ses sanatı tarihindeki en parlak kilometre taşları, bir senfoni orkestrası için tasarlanan, yazılan ve hatta bazen düzenlenen müzikle bağlantılıdır.

Bir senfoni orkestrasının müzik aletlerinin aranjmanı.

Müziği seven herkes J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi'nin isimlerini bilir ve hatırlar. , P. I. Çaykovski, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok ve senfonileri, süitleri, uvertürleri, senfonik şiirleri olan diğer ustalar , resimler, fanteziler, enstrümantal konserler bir orkestra eşliğinde, son olarak kantatlar, oratoryolar, operalar ve baleler bir senfoni orkestrası için yazılır veya katılımını içerir. Onun için yazma yeteneği, derin özel bilgi gerektiren müzik besteleme sanatının en yüksek ve en karmaşık alanıdır, harika bir deneyim, uygulama ve en önemlisi - özel müzik yetenekleri, yetenek, yetenek.

Bir senfoni orkestrasının ortaya çıkışının ve gelişiminin tarihi, eski enstrümanların kademeli olarak yeniden yapılandırılmasının ve yeni enstrümanların icadının, kompozisyonundaki artışın, enstrüman kombinasyonlarının kullanılma biçimlerini geliştirmenin tarihidir. orkestrasyon veya enstrümantasyon olarak adlandırılan müzik bilimi alanının tarihi ve son olarak senfoni, opera, oratoryo müziğinin tarihi. "Senfoni orkestrası" kavramının dört yüzü olan bu dört terimin tümü birbiriyle yakından ilişkilidir. Birbirleri üzerindeki etkileri çeşitliydi ve hala da öyledir.

Antik Yunanistan'da "orkestra" kelimesi, Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes döneminde dramatik performansların vazgeçilmez bir katılımcısı olan koronun bulunduğu tiyatro sahnesinin önünde yarım daire biçimli bir alan anlamına geliyordu. 1702 civarında, bu kelime ilk olarak operaya eşlik eden bir enstrümantalist topluluğu için tasarlanmış küçük bir alanı ifade ediyordu. Oda müziğinde sözde saz grupları. XVIII yüzyılın ortalarında. orkestra tarihi için belirleyici bir ayrım getirdi - büyük bir orkestra, küçük oda müziğine karşıydı - bir topluluk. O zamana kadar oda müziği ile orkestra müziği arasında net bir çizgi çizilmemişti.

"Senfoni orkestrası" kavramı, K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart'ın yaşadığı ve çalıştığı klasisizm çağında ortaya çıktı. Besteciler, şu veya bu sesi, şu veya bu müzikal çizgiyi çalan her enstrümanın adlarını notalara doğru bir şekilde yazmaya başladıktan sonra ortaya çıktı. 17. yüzyılın başlarında. K. Monteverdi, "Orpheus" ta her numaradan önce sadece onu icra edebilecek enstrümanları listeledi. Kimin hangi çizgide oynaması gerektiği sorusu açık kaldı. Bu nedenle, memleketi Venedik'teki 40 opera binasının herhangi birinde Orpheus'un bir performansı diğerinden farklı olabilir. J. B. Lully, besteci, kemancı, orkestra şefi, muhtemelen belirli bir enstrüman seti için, sözde "Kralın 24 Kemanı" için yazan ilk kişiydi - XIV. . Yaylı çalgılar grubunun üst sesini obualarla, alt sesi fagotlarla desteklemişti. İpsiz obua ve fagotlar ile zıtlık tam güçle, bestelerinin orta bölümlerinde yer aldı.

17. yüzyıl boyunca ve 18. yüzyılın ilk yarısı. orkestranın ilk temeli oluşturulur - yaylı grup. Yavaş yavaş, rüzgar ailesinin temsilcileri eklenir - flütler, obualar ve fagotlar ve ardından kornalar. Klarnet, o sırada aşırı derecede kusurlu olması nedeniyle orkestraya çok sonra girdi. M. I. Glinka, "Enstrümantasyon Üzerine Notlar" adlı eserinde klarnetin sesini "kaz" olarak adlandırır. Yine de flüt, obua, klarnet ve borulardan oluşan bir üfleme grubu (toplamda iki tane) Mozart'ın Prag Senfonisinde ve ondan önce Fransız çağdaşı F. Gossec'te yer alır. Haydn'ın Londra Senfonileri'nde ve L. Beethoven'ın ilk senfonilerinde timpani'nin yanı sıra iki trompet görünür. 19. yüzyılda orkestradaki rüzgar grubu daha da geliştirilmiştir. Orkestra müziği tarihinde ilk kez bir pikolo flüt, bir kontrfagot ve daha önce sadece operalarda kullanılan üç trombon, Beethoven'ın 5. senfonisinin finalinde yer alıyor. R. Wagner bir tuba daha ekler ve boru sayısını dörde çıkarır. Wagner öncelikle bir opera bestecisidir, ancak aynı zamanda haklı olarak seçkin bir senfonist ve senfoni orkestrasının reformcusu olarak kabul edilir.

XIX-XX yüzyıl bestecilerinin arzusu. Ses paletini zenginleştirmek, özel teknik ve tını özelliklerine sahip bir dizi enstrümanın orkestraya girmesine yol açtı.

XIX yüzyılın sonunda. orkestranın kompozisyonu etkileyici ve bazen devasa oranlara getirildi. Bu nedenle Mahler'in 8. senfonisine yanlışlıkla "bin katılımcının senfonisi" denmesi gerekmez. R. Strauss'un senfonik tuvallerinde ve operalarında çok sayıda üflemeli çalgı türü görünür: alto ve bas flütler, bariton obua (haeckelphone), küçük klarnet, kontrbas klarnet, alto ve bas borular, vb.

XX yüzyılda. orkestra ağırlıklı olarak vurmalı çalgılarla doldurulur. Bundan önce, orkestranın olağan üyeleri 2-3 timpani, ziller, bas ve trampet, bir üçgen, daha az sıklıkla tef ve tamtomlar, ziller, bir ksilofondu. Şimdi besteciler, celesta adlı kromatik bir ölçek veren bir dizi orkestra çanı kullanıyor. Orkestraya fleksaton, çanlar, İspanyol kastanyetleri, takırdayan bir tahta kutu, bir çıngırak, bir kırbaç (üflemesi bir atış gibidir), bir siren, rüzgar ve gök gürültüsü makineleri, hatta bir bülbülün şakıması gibi enstrümanları sokarlar. özel bir kayda kaydedildi (İtalyan besteci O. Respighi'nin "The Pines of Rome" adlı senfonik şiirinde kullanıldı).

XX yüzyılın ikinci yarısında. cazdan senfoni orkestrasına vibrafon, tomtom, bongo gibi vurmalı çalgılar gelir. bateri seti- "Charleston" ("hi-hat") ile, marakas.

İp ve rüzgar gruplarına gelince, bunların oluşumu 1920'de temelde tamamlandı. Orkestrada bazen saksafon grubunun bireysel temsilcileri (Wiese, Ravel, Prokofiev'in eserlerinde), bir bando (Çaykovski ve Stravinsky'nin kornetleri), klavsen, domra ve balalayka, gitar, mandolin vb. bir senfoni orkestrasının kısmi besteleri için: sadece teller için, teller ve üflemeliler için, yaylı ve perküsyonsuz bir üflemeli grup için, perküsyonlu teller için.

20. yüzyılın bestecileri oda orkestrası için çokça beste yaz. 15-20 telli, bir nefesli, bir veya iki korna, bir icracı ile vurmalı grup, bir arp (bunun yerine bir piyano veya klavsen olabilir) oluşur. Bunların yanı sıra, her türden (veya bazılarından) bir temsilcinin bulunduğu bir solist topluluğu için eserler ortaya çıkıyor. Bunlar oda senfonileri ve A. Schoenberg, A. Webern'in oyunları, Stravinsky'nin "Bir Askerin Hikayesi" süiti, besteler Sovyet bestecileri- çağdaşlarımız M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov ve diğerleri. Yazarlar, alışılmadık veya dedikleri gibi acil durum kompozisyonlarına giderek daha fazla yöneliyor. Tınının modern müzikteki rolü her zamankinden daha fazla arttığından, alışılmadık, nadir seslere ihtiyaçları var.

Bununla birlikte, hem eski hem de yeni ve en son müziği her zaman icra etme fırsatına sahip olmak için senfoni orkestrasının kompozisyonu sabit kalır. Modern senfoni orkestrası, büyük bir senfoni orkestrası (yaklaşık 100 müzisyen), orta (70-75), küçük (50-60) olarak alt bölümlere ayrılmıştır. Büyük bir senfoni orkestrası temelinde, her eser için icrası için gerekli kompozisyonu seçmek mümkündür: “Sekiz Rus” için bir tane. halk şarkıları” A. K. Lyadov veya Tchaikovsky'nin “String Serenade”, diğeri Berlioz, Scriabin, Shostakovich'in görkemli tuvalleri için, Stravinsky'nin “Petrushka” ya da Ravel'in ateşli “Bolerosu” için.

Müzisyenler sahnede nasıl? XVIII-XIX yüzyıllarda. ilk kemanlar orkestra şefinin soluna, ikincisi sağına, kemanlar birinci kemanların arkasına, çellolar ikincinin arkasına oturdu. Arka dize grubu sıralar halinde oturdular: nefesli grubun önünde ve onun arkasında pirinç grubu. Arka planda sağda veya solda kontrbaslar yer alıyordu. Alanın geri kalanı arp, celesta, piyano ve perküsyona ayrılmıştı. Ülkemizde müzisyenler, 1945'te Amerikalı şef L. Stokowski tarafından tanıtılan şemaya göre oturuyor. Bu şemaya göre kondüktörün sağında ikinci kemanlar yerine ön planda çellolar yer alıyor; eski yerleri şimdi ikinci kemanlar tarafından işgal edildi.

Bir senfoni orkestrası bir şef tarafından yönetilir. Orkestranın müzisyenlerini bir araya getirir ve tüm çabalarını provalarda ve konserde performans planını gerçekleştirmeye yönlendirir. Yürütme, özel olarak tasarlanmış bir el hareket sistemine dayanmaktadır. Kondüktör genellikle sağ elinde bir cop tutar. En önemli rolü yüzü, bakışı, yüz ifadeleri oynar. Kondüktör yüksek eğitimli bir kişi olmalıdır. Çeşitli dönemlere ve tarzlara ait müzik bilgisine, orkestra enstrümanlarına ve yeteneklerine, keskin bir kulağa, bestecinin niyetine derinlemesine nüfuz etme yeteneğine ihtiyacı var. Oyuncunun yeteneği, organizasyonel ve pedagojik yetenekleriyle birleştirilmelidir.

senfoni orkestrası hakkında ilginç gerçekler

Sizi ilginç ve büyüleyici gerçekler asırlık tarihi boyunca oldukça fazla şey toplamış olan senfoni orkestrası ile ilişkilendirilmiştir. Umarız bu kadar ilginç bilgilerle sadece bale sanatı severleri şaşırtmayız, aynı zamanda bu alandaki gerçek profesyoneller için bile yeni bir şeyler keşfederiz.

• Bir senfoni orkestrasının oluşumu, küçük topluluklardan birkaç yüzyıl boyunca gerçekleşti ve 16-17. Tamamen küçük kompozisyon sadece XVIII.Yüzyılda belirlendi.
• Müzisyen sayısı, icra edilen işe veya yerine göre 50 ila 110 kişi arasında değişebiliyor. Şimdiye kadar kaydedilen en fazla sanatçı sayısı, 1964'te Oslo şehrinde Yllevaal stadyumunda 20.100 kişinin katıldığı bir performansa atıfta bulunuyor.
• Bazen ikili, üçlü senfoni orkestrasının adını duyabilirsiniz, içinde sunulan üflemeli çalgıların sayısına göre verilir ve büyüklüğünü gösterir.
• Orkestranın gelişimine büyük katkı sağladı. L. Beethoven , böylece eserinde nihayet bir klasik veya küçük senfoni orkestrası kuruldu ve daha sonraki bir dönemde büyük bir bestenin özellikleri ana hatlarıyla belirlendi.
• Senfoni orkestrası, müzisyenler için Alman ve Amerikan oturma düzenlerini kullanır. Yani Rusça'da - Amerikan kullanılır.
• Dünyadaki tüm orkestralar arasında kendi şefini seçen ve bu durumda bunu her an yapabilen tek bir orkestra var - bu Viyana Filarmoni Orkestrası.
• Hiç şefi olmayan gruplar var. İlk kez 1922'de Rusya'da Persimfans tarafından böyle bir fikir kabul edildi. Bu, ekip çalışmasına değer veren zamanın ideolojisinden kaynaklanıyordu. Daha sonra başka orkestralar da bu örneği izledi, bugün bile Prag ve Avustralya'da şefsiz orkestralar var.

• Orkestra, obua veya akort çatalına göre akort edilir, ikincisi sırayla zamanla daha yüksek ve daha yüksek ses çıkarır. Gerçek şu ki, başlangıçta farklı ülkelerde kulağa farklı geliyordu. 18. yüzyılda Almanya'da sesi İtalyancadan daha alçak, Fransızcadan daha yüksekti. Ayar ne kadar yüksek olursa sesin o kadar parlak olacağına inanılıyordu ve her grup bunun için çabalıyor. Bu yüzden zamanımızda tonunu 380 Hz'den (Barok) 442 Hz'ye yükselttiler. Üstelik bu rakam bir kontrol figürü haline geldi ama onlar da Viyana'da olduğu gibi 445 Hz'e kadar bunu aşmayı başarıyorlar.
• 19. yüzyıla kadar bir orkestra şefinin görevleri arasında orkestra şefliği de vardı. klavsen veya keman . Ayrıca bir orkestra şefinin sopası yoktu, besteci veya müzisyen ritmi bir enstrüman yardımıyla veya başını sallayarak dövdü.
• Klasik müzik alanında yetkili bir yayın olarak tanınan prestijli İngiliz dergisi Gramophone, dünyanın en iyi orkestralarının bir listesini yayınladı, Rus grupları listede 14., 15. ve 16. sıraları aldı.