Plastikte Ruh: Çağdaş Japon Sanatını Yorumlamak. Japon Çağdaş Sanatı

Japonlar, 9.-12. yüzyıllarda, Heian döneminde (794-1185) şeylerde saklı olan güzelliği keşfettiler ve hatta “mono no aware” (物の哀れ (もののあわれ)) özel konseptiyle tanımladılar. şeylerin hüzünlü çekiciliği. The Charm of Things en eskilerden biridir. Japon edebiyatı Güzelliğin tanımları, her şeyin kendi tanrısı - kami - ve kendine özgü çekiciliği olduğu şeklindeki Şinto inancıyla ilişkilendirilir. Avare, zevke, heyecana neden olan şeylerin içsel özüdür.

- Washi (wasi) veya wagami (wagami).
Manuel kağıt yapımı. Ortaçağ Japonları, washi'ye yalnızca pratik nitelikleri nedeniyle değil, aynı zamanda güzelliği için de değer veriyordu. İnceliğiyle, neredeyse şeffaflığıyla ünlüydü, ancak bu onu gücünden mahrum bırakmadı. Washi, kozo (dut) ağacının ve diğer bazı ağaçların kabuğundan yapılır.
Washi kağıdı yüzyıllardır korunmuştur, bunun kanıtı, yüzyıllar boyunca günümüze gelen eski Japon hat sanatının albümleri ve ciltleri, resimler, ekranlar, gravürlerdir.
Vasya'nın kağıdı liflidir, mikroskoptan bakarsanız havanın ve güneş ışığının girdiği çatlakları görürsünüz. Bu kalite, ekranların ve geleneksel Japon fenerlerinin imalatında kullanılır.
Washi hediyelik eşyaları Avrupalılar arasında çok popüler. Bu kağıttan birçok küçük ve kullanışlı eşya yapılır: cüzdanlar, zarflar, yelpazeler. Oldukça dayanıklı ancak hafiftirler.

- Gohei.
gelen maskot kağıt şeritler. Gohei - kağıt zikzak şeritlerin tutturulduğu bir Şinto rahibinin ritüel personeli. Aynı kağıt şeritleri bir Şinto tapınağının girişine asılır. Şinto'da kağıdın rolü geleneksel olarak çok büyük olmuştur ve kağıttan yapılan ürünlere her zaman ezoterik bir anlam yüklenmiştir. Ve her şeyin, her fenomenin, hatta kelimelerin bile bir kami - bir tanrı - içerdiği inancı, gohei gibi uygulamalı sanatın ortaya çıkışını açıklar. Şintoizm, bizim putperestliğimize biraz benziyor. Şintoistler için kami, sıra dışı olan herhangi bir şeyde ikamet etmeye özellikle isteklidir. Örneğin, kağıt üzerinde. Ve daha da fazlası, bugün Şinto tapınaklarının girişinin önünde asılı duran ve tapınakta bir tanrının varlığını gösteren karmaşık bir zikzak şeklinde bükülmüş bir gohei'de. Gohei'yi katlamanın 20 yolu vardır ve özellikle alışılmadık şekilde katlanmış olanlar kami'yi çeker. Gohei ağırlıklı olarak beyaz renktedir, ancak altın, gümüş ve diğer birçok ton da bulunur. 9. yüzyıldan beri Japonya'da, dövüş başlamadan önce sumo güreşçilerinin kemerlerindeki gohei'yi güçlendirme geleneği vardır.

- Anesama.
Bu, kağıt bebek üretimidir. 19. yüzyılda samuray eşleri, çocukların oynadıkları kağıt bebekler yaptılar ve onlara farklı kıyafetler giydirdiler. Oyuncakların olmadığı zamanlarda, anne, abla, çocuk ve arkadaş rollerini “icra eden” çocukların tek muhatabı annesama idi.
Bebek Japon washi kağıdından katlanır, saç buruşuk kağıttan yapılır, mürekkeple boyanır ve ona parlaklık veren yapıştırıcı ile kaplanır. Ayırt edici bir özellik, uzun bir yüzdeki hoş bir küçük burundur. Usta ellerden başka bir şey gerektirmeyen bu basit, geleneksel biçimli oyuncak bugün de aynı şekilde yapılmaya devam ediyor.

- Japon kağıt katlama sanatı.
Eski kağıt katlama sanatı (折り紙, yanıyor: "katlanmış kağıt"). Origami sanatının kökleri Antik Çin kağıdın icat edildiği yer. Başlangıçta, origami dini törenlerde kullanıldı. Uzun bir süre boyunca, bu tür sanatlar yalnızca, kağıt katlama tekniklerine sahip olmanın iyi bir zevk işareti olduğu üst sınıfların temsilcileri tarafından mevcuttu. Ancak İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra origami Doğu'nun ötesine geçerek Amerika ve Avrupa'ya geldi ve burada hayranlarını hemen buldu. Klasik origami, kare bir kağıttan katlanır.
En karmaşık ürünün bile katlama şemasını çizmek için gerekli olan belirli bir dizi geleneksel sembol vardır. Geleneksel işaretlerin çoğu, 20. yüzyılın ortalarında ünlü Japon usta Akira Yoshizawa tarafından uygulamaya konulmuştur.
Klasik origami, yapıştırıcı ve makas olmadan tek bir kare eşit renkli kağıt yaprağının kullanılmasını öngörür. Çağdaş sanat formları bazen bu kanondan sapar.

- Kirigami.
Kirigami, makas yardımıyla birkaç kez katlanmış bir kağıt yaprağından çeşitli şekiller kesme sanatıdır. Model yapma sürecinde makas ve kağıt kesme kullanımına olanak sağlayan bir origami türü. Adında vurgulanan kirigami ile diğer kağıt katlama teknikleri arasındaki temel fark budur: 切る (kiru) - kes, 紙 (gami) - kağıt. Hepimiz çocuklukta kar taneleri kesmeyi severdik - kirigami'nin bir çeşidi, bu tekniği kullanarak sadece kar taneleri değil, çeşitli figürler, çiçekler, çelenkler ve diğer sevimli kağıt şeyleri de kesebilirsiniz. Bu ürünler, baskılar, albüm süslemeleri, kartpostallar, fotoğraf çerçeveleri, moda tasarımı, iç tasarım ve diğer çeşitli dekorasyonlar için şablon olarak kullanılabilir.

- İkebana.
Ikebana, (jap 生け花 veya いけばな) Japonca'dan çevrilmiştir - "ike" - hayat, "bana" - çiçekler veya "yaşayan çiçekler". Japon çiçek düzenleme sanatı, Japon halkının en güzel geleneklerinden biridir. İkebana derlenirken çiçeklerle birlikte kesilmiş dallar, yapraklar ve sürgünler kullanılır.Temel ilke, bitkilerin doğal güzelliğini vurgulamaya çalıştıkları zarif sadeliktir. İkebana, bir çiçeğin güzelliği ile kompozisyonu yaratan ustanın ruhunun güzelliğinin uyumlu bir şekilde birleştirildiği yeni bir doğal formun yaratılmasıdır.
Bugün Japonya'da 4 büyük ikebana okulu vardır: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Bunlara ek olarak, bu ekollerden birine bağlı yaklaşık bin farklı yön ve eğilim vardır.

-Oribana.
17. yüzyılın ortalarında, iki ohara okulu (ikebana'nın ana formu - oribana) ve koryu (ana form - sek) ikenobo'dan ayrıldı. Bu arada, ohara okulu hala sadece oribanu okuyor. Japonların dediği gibi origaminin origamiye dönüşmemesi çok önemlidir. Gomi, Japonca'da çöp anlamına gelir. Sonuçta, olduğu gibi, bir kağıt parçasını katladınız ve sonra onunla ne yapacaksınız? Oribana, iç mekanı dekore etmek için buketler için birçok fikir sunar. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Hata.
Görüş görsel Sanatlar, doğmuş çiçekçilik. Çiçekçilik, Japonya'da altı yüz yıldan fazla bir süredir var olmasına rağmen, ülkemizde sekiz yıl önce ortaya çıktı. Orta Çağ'da bir zamanlar samuray, bir savaşçının yolunu kavradı. Ve oshibana, tıpkı hiyeroglif yazmak ve kılıç kullanmak gibi, bu yolun bir parçasıydı. Hatanın anlamı, ustanın anda tam mevcudiyet (satori) durumundayken, kuru çiçeklerin (preslenmiş çiçekler) bir resmini yaratmasıydı. O zaman bu resim, sessizliğe girmeye ve aynı satoriyi deneyimlemeye hazır olanlar için bir anahtar, bir rehber görevi görebilir.
"Oshibana" sanatının özü, yazarın çiçekleri, bitkileri, yaprakları, kabukları baskı altında toplayıp kurutarak ve bunları tabana yapıştırarak, bitkilerin yardımıyla gerçek bir "resim" çalışması yaratmasıdır. Yani bitkilerle resim yapmak yanlıştır.
Artistik yaratıcılıkçiçekçiler kurutulmuş bitki materyalinin şeklinin, renginin ve dokusunun korunmasına dayanır. Japonlar, "oshibana" resimlerini solmaya ve kararmaya karşı korumak için bir teknik geliştirdiler. Özü, cam ile resim arasına hava pompalanması ve bitkilerin bozulmasını önleyen bir vakum yaratılmasıdır.
Sadece bu sanatın alışılmadıklığı değil, aynı zamanda hayal gücü, tat ve bitkilerin özellikleri hakkında bilgi gösterme fırsatı da çekiyor. Çiçekçiler süs eşyaları, manzaralar, natürmortlar, portreler ve hikaye resimleri yaratır.

- Bonzai.
Bonsai, bir fenomen olarak Çin'de bin yıldan fazla bir süre önce ortaya çıktı, ancak bu kültür gelişiminin zirvesine yalnızca Japonya'da ulaştı. (bonsai - Japonca 盆栽 lit. "saksıya bitki") - yetiştirme sanatı Tam kopya minyatür gerçek ağaç. Bu bitkiler, çağımızdan birkaç yüzyıl önce Budist rahipler tarafından yetiştirildi ve daha sonra yerel soyluların faaliyetlerinden biri haline geldi.
Bonsai, Japon evlerini ve bahçelerini süsledi. Tokugawa döneminde park tasarımı yeni bir ivme kazandı: açelya ve akçaağaç yetiştirmek zenginler için bir eğlence haline geldi. Cüce mahsul üretimi (hachi-no-ki - "saksıdaki ağaç") da gelişti, ancak o zamanın bonsaileri çok büyüktü.
Artık bonsai için sıradan ağaçlar kullanılıyor, sürekli budama ve diğer çeşitli yöntemler nedeniyle küçülüyorlar. Aynı zamanda, kasenin hacmi ile sınırlı olan kök sisteminin boyutlarının ve bonsai'nin toprak kısmının oranı, doğadaki yetişkin bir ağacın oranlarına karşılık gelir.

- Mizuhiki.
Makrome analogu. Bu, özel iplerden çeşitli düğümler atmaya ve bunlardan desenler oluşturmaya yönelik eski bir Japon uygulamalı sanatıdır. Bu tür sanat eserleri, hediye kartları ve mektuplardan saç stilleri ve el çantalarına kadar son derece geniş bir alana sahipti. Şu anda mizuhiki, hediyelik eşya endüstrisinde son derece yaygın bir şekilde kullanılmaktadır - hayattaki her olay için, bir hediyenin çok özel bir şekilde paketlenmesi ve bağlanması gerekir. Mizuhiki sanatında son derece fazla düğüm ve kompozisyon vardır ve her Japon hepsini ezbere bilmez. Tabii ki, en sık kullanılan en yaygın ve basit düğümler vardır: bir çocuğun doğumunu kutlamak, bir düğün veya anma töreni, bir doğum günü veya üniversiteye kabul için.

- Kumihimo.
Kumihimo, Japon örgülü bir kordondur. İplik dokurken kurdeleler ve danteller elde edilir. Bu bağcıklar özel makinelerde dokunuyor - Marudai ve Takadai. Marudai makinesi yuvarlak dantel dokumak için, Takadai ise düz olanlar için kullanılır. Japonca'da Kumihimo, "ip dokuma" anlamına gelir (kumi - dokuma, birlikte katlama, himo - ip, dantel). Tarihçilerin inatla bu tür dokumaların İskandinavlar ve And Dağları sakinleri arasında bulunabileceği konusunda ısrar etmelerine rağmen, japon sanatı Kumihimo gerçekten de en eski dokuma türlerinden biridir. İlk sözü, Budizm'in Japonya'nın her yerine yayıldığı ve özel törenlerin özel süslemeler gerektirdiği 550 yılına kadar uzanıyor. Daha sonra kumihimo bağcıkları, bir kadın kimonosundaki obi kemeri için bir sabitleyici olarak, tüm samuray silah cephaneliğini "paketlemek" için halatlar olarak kullanılmaya başlandı (samuray, kumihimo'yu zırhlarını ve at zırhlarını bağlamak için dekoratif ve işlevsel amaçlar için kullandı) ve ayrıca ağır nesneleri bağlamak için.
Modern kumihimo'nun çeşitli desenleri ev yapımı karton tezgahlarda çok kolay dokunuyor.

- Komono.
Zamanını doldurduktan sonra bir kimonodan geriye ne kalır? Sizce atılır mı? Hiçbir şey böyle değil! Japonlar bunu asla yapmaz. Kimonolar pahalıdır. Öylece çöpe atmak düşünülemez ve imkansız... Diğer kimono geri dönüşüm türlerinin yanı sıra, zanaatkar kadınlar küçük parçalardan küçük hediyelik eşyalar yaptılar. Bunlar çocuklar için küçük oyuncaklar, oyuncak bebekler, broşlar, çelenkler, kadın takıları ve diğer ürünlerdir, eski kimono topluca "komono" adı verilen küçük sevimli şeylerin yapımında kullanılır. Kendi başlarına bir hayat sürecek olan küçük şeyler, kimononun yolunu devam ettiriyor. "Komono" kelimesinin anlamı budur.

- Kanzaşi.
Kumaştan (çoğunlukla ipek) yapılmış saç tokalarını süsleme sanatı (çoğunlukla çiçeklerle (kelebekler vb.) Süslenir). Japon kanzashi (kanzashi), geleneksel Japon kadın saç modeli için uzun bir saç tokasıdır. gümüş, kaplumbağa kabuğu geleneksel Çin ve Japon saç modellerinde kullanılır. Yaklaşık 400 yıl önce, Japonya'da kadınların saç stili değişti: kadınlar saçlarını geleneksel biçimde taramayı bıraktılar - taregami (uzun düz saç) ve karmaşık ve karmaşık şekiller vermeye başladılar. tuhaf formlar - nihongami. kullanılmış çesitli malzemeler- saç tokaları, çubuklar, taraklar. O zaman basit bir kushi tarağı bile gerçek bir sanat eserine dönüşen olağanüstü güzellikte zarif bir aksesuara dönüştü. Japon kadınlarının geleneksel kıyafetleri, bilek takılarına ve kolyelere izin vermiyordu, bu nedenle saç süsleri kullanılıyordu. ana güzellik ve sahibinin cüzdanının tadını ve kalınlığını göstermenin yanı sıra kendini ifade etmek için bir alan. Gravürlerde - yakından bakarsanız - Japon kadınlarının saç stillerine yirmi kadar pahalı kanzaşiyi nasıl kolayca astığını görebilirsiniz.
Saç stillerine incelik ve zarafet katmak isteyen genç Japon kadınları arasında kanzashi kullanma geleneğinde artık bir canlanma var, modern saç tokaları sadece bir veya iki zarif el yapımı çiçeklerle süslenebilir.

- Kinuşaiga.
Japonya'dan inanılmaz bir iğne işi türü. Kinusaiga (絹彩画), batik ve patchwork karışımıdır. Ana fikir, yeni resimlerin eski ipek kimonolardan parça parça toplanmasıdır - gerçek işler sanat.
İlk olarak, sanatçı kağıt üzerinde bir eskiz yapar. Daha sonra bu çizim bir tahtaya aktarılır. Desenin konturu oluklar veya oluklar ile kesilir ve ardından eski ipek kimonodan renk ve ton olarak uyumlu küçük parçalar kesilir ve bu parçaların kenarları oyukları doldurur. Böyle bir resme baktığınızda sanki bir fotoğrafa bakıyormuşsunuz hissine kapılıyorsunuz, hatta sadece pencereden dışarıdaki manzarayı seyrediyorsunuz, o kadar gerçekçiler ki.

- Temari.
Bunlar, bir zamanlar bir çocuk oyuncağı olan ve şimdi sadece Japonya'da değil, tüm dünyada pek çok hayranı olan bir sanat formu haline gelen basit dikişlerle yapılmış geleneksel Japon geometrik işlemeli toplardır. Uzun zaman önce bu ürünlerin samuray eşleri tarafından eğlence için yapıldığına inanılıyor. Başlangıçta gerçekten bir top oyunu için top olarak kullanılıyorlardı, ancak yavaş yavaş sanatsal unsurlar kazanmaya başladılar ve daha sonra dekoratif süslemelere dönüştüler. Bu topların narin güzelliği tüm Japonya'da bilinir. Ve bugün, renkli, özenle hazırlanmış ürünler, Japonya'daki halk el sanatları türlerinden biridir.

- Yubinuki.
Japon yüksükleri, elle dikilirken veya nakış yapılırken, çalışan elin orta parmağının orta falanksına konur, parmak uçları yardımıyla iğneye istenilen yön verilir ve iğne ortadaki halkanın içinden itilir. parmak işte Başlangıçta, Japon yubinuki yüksükleri oldukça basit bir şekilde yapıldı - birkaç katman halinde yaklaşık 1 cm genişliğinde yoğun bir kumaş veya deri şeridi parmağın etrafına sıkıca sarıldı ve birkaç basit dekoratif dikişle birbirine bağlandı. Yubinuklar olduğundan beri gerekli konu her evde ipek ipliklerle geometrik işlemelerle süslenmeye başlandı. İlmeklerin birbirine geçmesinden, rengarenk ve karmaşık desenler. Basit bir ev eşyasından Yubinuki, aynı zamanda "hayranlık uyandıran" bir dekorasyon nesnesine dönüştü. Gündelik Yaşam.
Yubinuki hala dikiş ve nakışta kullanılmaktadır, ancak dekoratif yüzükler gibi ellerde herhangi bir parmağa takılmış olarak da bulunabilirler. Yubinuki tarzı işlemeler, yüzük şeklinde çeşitli nesneleri süslemek için kullanılır - peçete halkaları, bilezikler, temari standları, yubinuki işlemeleri ile süslenmiş ve aynı tarzda işlemeli iğne yatakları da vardır. Yubinuki desenleri, temari obi nakışı için harika bir ilham kaynağı olabilir.

- Suibokuga veya sumi.
Japon mürekkep boyama. Bu Çin stili resim 14. yüzyılda ve 15. yüzyılın sonunda Japon sanatçılar tarafından ödünç alındı. Japonya'da resmin ana akımı haline geldi. Suibokuga tek renklidir. Siyah mürekkebin (sumi), sert bir kömür formu veya isten üretilen Çin mürekkebinin kullanılmasıyla karakterize edilir, mürekkep kabında öğütülür, suyla seyreltilir ve kağıt veya ipek üzerine fırçalanır. Tek renkli, ustaya Çinlilerin uzun zaman önce mürekkebin "renkleri" olarak tanıdığı sonsuz bir ton seçeneği sunar. Suibokuga bazen gerçek renklerin kullanılmasına izin verir, ancak bunu her zaman mürekkep çizgisine bağlı kalan ince, şeffaf vuruşlarla sınırlar. Mürekkep resmi, sıkı bir şekilde kontrol edilen ifade ve formun teknik ustalığı gibi hat sanatıyla aynı temel özellikleri paylaşır. Mürekkeple resmin kalitesi, kaligrafide olduğu gibi, tıpkı kemiklerin dokuları kendi üzerinde tutması gibi, adeta sanat eserini kendi üzerinde tutan mürekkeple çizilen çizginin bütünlüğüne ve yırtılmaya karşı direncine bağlıdır.

- Etegami.
Çizilmiş kartpostallar (e - resim, etiketli - mektup). Kendin yap kartpostal yapımı genellikle Japonya'da çok popüler bir aktivitedir ve tatilden önce popülaritesi daha da artar. Japonlar arkadaşlarına kartpostal göndermeyi severler ve onları almayı da severler. Bu, özel boşluklar üzerinde bir tür hızlı mektuptur, zarfsız posta ile gönderilebilir. Etegami'de özel kurallar veya teknikler yoktur, özel eğitim almadan herkes yapabilir. Etagami, ruh halini, izlenimleri doğru bir şekilde ifade etmeye yardımcı olur, bu, gönderenin sıcaklık, tutku, ilgi, aşk vb. Mevsimleri, etkinlikleri, sebze ve meyveleri, insanları ve hayvanları tasvir eden bu kartpostalları bayram ve bunun gibi gönderirler. Bu resim ne kadar basit çizilirse o kadar ilginç görünür.

- Furoshiki.
Japon sarma tekniği veya kumaş katlama sanatı. Furoshiki, Japonların hayatına uzun süre girdi. Kamakura-Muromachi dönemine (1185 - 1573) ait eski parşömenler, başlarında kumaşa sarılı giysi demetleri taşıyan kadınların resimleriyle korunmuştur. Bu ilginç teknik, Japonya'da MS 710 - 794 gibi erken bir tarihte ortaya çıktı. "Furoshiki" kelimesi kelimenin tam anlamıyla "banyo halısı" anlamına gelir ve her şekil ve büyüklükteki nesneleri sarmak ve taşımak için kullanılan kare bir kumaş parçasıdır.
Eskiden ziyaretçilerin evden getirdikleri hafif pamuklu kimonolarla Japon hamamlarında (furo) yürümek adettendi. Banyo yapan kişi, soyunurken üzerinde durduğu özel bir kilim (shiki) de getirdi. "Yıkanan" bir kimonoya dönüşen ziyaretçi, kıyafetlerini bir halıya sardı ve banyodan sonra ıslak bir kimonoyu eve getirmek için bir kimonoya sardı. Böylece banyo paspası çok işlevli bir çanta haline geldi.
Furoshiki'nin kullanımı çok kolaydır: Kumaş, sardığınız nesnenin şeklini alır ve kulplar yükü taşımayı kolaylaştırır. Ayrıca sert kağıda değil, yumuşak, çok katmanlı bir kumaşa sarılmış bir hediye özel bir ifade kazanır. Furoshiki'yi her gün, her gün veya bayram için katlamak için birçok plan var.

- Amigurumi.
Küçük doldurulmuş hayvanları ve insansı yaratıkları örme veya tığ işi yapma Japon sanatı. Amigurumi (編み包み, lafzen: “örülmüş-sarılmış”) genellikle sevimli hayvanlardır (ayılar, tavşanlar, kediler, köpekler vb.), küçük adamlar ama insani özelliklerle donatılmış cansız nesneler de olabilirler. Örneğin, kekler, şapkalar, el çantaları ve diğerleri. Amigurumi örülür veya örülür veya tığ işi yapılır. Son zamanlarda tığ işi amigurumi daha popüler ve yaygın hale geldi.
iplikten örülmüş basit bir şekildeörgü - spiral şeklinde ve Avrupa örgü yönteminin aksine, daireler genellikle birbirine bağlı değildir. Ayrıca iplik kalınlığına göre daha küçük bir bedene örülerek çok yoğun bir kumaş elde edilir ve dolgunun dışarı çıkması için boşluk kalmaz. Amigurumi genellikle parçalardan yapılır ve daha sonra bir araya getirilir, uzuvları olmayan, sadece bir bütün olan bir baş ve gövdeye sahip bazı amigurumiler hariç. Uzuvlar bazen canlı ağırlık vermek için plastik parçalarla doldurulurken, vücudun geri kalanı elyaf dolgu ile doldurulur.
Amigurumi estetiğinin yayılması, sevimlilikleri (“kawaii”) ile kolaylaştırılır.

Hangi birçok teknik ve stili kapsar. Tarihi boyunca çok sayıda değişikliğe uğramıştır. Yeni gelenekler ve türler eklendi ve orijinal Japon ilkeleri aynı kaldı. İle birlikte Muhteşem hikaye Japon resmi de birçok benzersiz ve ilginç gerçeği sunmaya hazır.

antik japonya

İlk stiller, ülkenin en eski tarihi döneminde, hatta Milattan önce ortaya çıkıyor. e. O zamanlar sanat oldukça ilkeldi. İlk olarak, MÖ 300'de. örneğin, çömlek üzerine çubuklarla yapılmış çeşitli geometrik figürler ortaya çıktı. Arkeologlar tarafından bronz çanlar üzerinde bir süs olarak böyle bir buluntu daha sonraki bir zamana aittir.

Biraz sonra, zaten MS 300'de. e., çok daha çeşitli olan mağara resimleri ortaya çıkıyor geometrik süsleme. Bunlar zaten resimlerle tam teşekküllü resimler. Mahzenlerin içinde bulundular ve muhtemelen üzerlerine boyanmış insanlar bu mezarlıklara gömüldü.

MS 7. yüzyılda e. Japonya, Çin'den gelen senaryoyu benimsiyor. Aynı sıralarda ilk resimler oradan gelir. O zaman resim ayrı bir sanat alanı olarak karşımıza çıkar.

edo

Edo ilk ve son tablodan çok uzak ama kültüre pek çok yeni şey getiren oydu. Birincisi, siyah ve gri tonlarda yapılan olağan tekniğe eklenen parlaklık ve parlaklıktır. En seçkin sanatçı Bu tarz Sotasu olarak kabul edilir. Klasik resimler yarattı ama karakterleri çok renkliydi. Daha sonra doğaya geçti ve manzaraların çoğu yaldızlı bir arka plana karşı yapıldı.

İkincisi, Edo döneminde egzotik, namban türü ortaya çıktı. Geleneksel Japon stilleriyle iç içe geçmiş modern Avrupa ve Çin tekniklerini kullandı.

Üçüncüsü, Nang okulu ortaya çıkıyor. İçinde sanatçılar önce Çinli ustaların eserlerini tamamen taklit ediyor, hatta kopyalıyor. Ardından bunjing adı verilen yeni bir dal belirir.

Modernizasyon dönemi

Edo dönemi Meiji'nin yerini alır ve artık Japon resmi Meiji'ye girmek zorunda kalır. yeni aşama gelişim. Bu dönemde, western ve benzeri türler tüm dünyada popüler hale geliyordu, bu nedenle sanatın modernleşmesi ortak bir durum haline geldi. Bununla birlikte, tüm insanların geleneklere saygı duyduğu bir ülke olan Japonya'da, verilen zaman işler diğer ülkelerde olanlardan çok farklıydı. Burada Avrupalı ​​ve yerel teknisyenler arasındaki rekabet keskin bir şekilde alevleniyor.

Hükümet bu aşamada tercihini Batı üsluplarında becerilerini geliştirme konusunda büyük umut vaat eden genç sanatçılara veriyor. Bu nedenle Avrupa ve Amerika'daki okullara gönderiyorlar.

Ancak bu sadece dönemin başındaydı. Gerçek şu ki önemli eleştirmenler Batı sanatını oldukça eleştirdi. Bu konuda büyük bir kargaşayı önlemek için, Avrupa stilleri ve teknikleri sergilerden men edilmeye başlandı, bunların sergilenmesi ve popülaritesi durduruldu.

Avrupa stillerinin ortaya çıkışı

Ardından Taisho dönemi gelir. Bu sırada yabancı okullarda okumak için ayrılan genç sanatçılar anavatanlarına geri dönerler. Doğal olarak yeni tarzları da beraberinde getiriyorlar. Japon resmi Avrupa'dakilere çok benzeyen. Empresyonizm ve post-empresyonizm ortaya çıkıyor.

Bu aşamada, eski Japon stillerinin yeniden canlandırıldığı birçok okul oluşur. Ancak Batılı eğilimlerden tamamen kurtulmak mümkün değil. Bu nedenle, hem klasikleri sevenleri hem de modern Avrupa resminin hayranlarını memnun etmek için birkaç tekniği birleştirmek gerekiyor.

Bazı okullar, birçok ulusal geleneğin korunması sayesinde devlet tarafından finanse edilmektedir. Özel tüccarlar ise yeni bir şey isteyen tüketicilerin liderliğini takip etmek zorunda kalıyorlar, klasiklerden bıkmış durumdalar.

İkinci Dünya Savaşı tablosu

Savaş zamanının başlamasından sonra, Japon resmi bir süre olaylardan uzak kaldı. Ayrı ve bağımsız olarak gelişti. Ama sonsuza kadar böyle devam edemezdi.

Zamanla, ülkedeki siyasi durum kötüleştiğinde, yüksek ve saygın figürler birçok sanatçıyı cezbeder. Bazıları, savaşın başında bile vatansever tarzlarda yaratmaya başlar. Geri kalanlar bu süreci yalnızca yetkililerin emriyle başlatır.

Buna göre, İkinci Dünya Savaşı sırasında Japon güzel sanatları özellikle gelişememiştir. Bu nedenle resim için durgun denilebilir.

Ebedi Suibokuga

Japon sumi-e resmi veya suibokuga, "mürekkep çizimi" anlamına gelir. Bu stil ve tekniği tanımlar bu sanat. Çin'den geldi ama Japonlar ona kendi adını vermeye karar verdiler. Ve başlangıçta tekniğin herhangi bir estetik yönü yoktu. Zen çalışırken keşişler tarafından kişisel gelişim için kullanıldı. Ayrıca, ilk başta resimler çizdiler ve daha sonra onları izlerken konsantrasyonlarını geliştirdiler. Rahipler, katı çizgilerin, belirsiz tonların ve gölgelerin gelişmeye yardımcı olduğuna inanıyorlardı - bunlara tek renkli denir.

Japon mürekkep resmi, çok çeşitli resim ve tekniklere rağmen, ilk bakışta göründüğü kadar karmaşık değildir. Sadece 4 araziye dayanmaktadır:

1. Krizantem.
2. Orkide.
3. Erik dalı.
4. Bambu.

Az sayıda arsa, teknolojinin gelişimini hızlı yapmaz. Bazı ustalar, öğrenmenin bir ömür boyu sürdüğüne inanır.

Sumi-e'nin uzun zaman önce ortaya çıkmasına rağmen, her zaman talep görmektedir. Üstelik bugün sadece Japonya'da değil, sınırlarının çok ötesinde yaygın olan bu okulun ustalarıyla tanışabilirsiniz.

Modern dönem

İkinci Dünya Savaşı'nın sonunda Japonya'da sanat yalnızca büyük şehirlerde gelişti, köylüler ve köylüler yeterince endişelendi. Sanatçılar, çoğunlukla savaşın kayıplarına sırtlarını dönmeye ve modern kent yaşamını tüm süslemeleri ve özellikleriyle tuvale yansıtmaya çalıştılar. Avrupa ve Amerika fikirleri başarıyla benimsendi, ancak bu durum uzun sürmedi. Pek çok usta yavaş yavaş onlardan Japon okullarına doğru uzaklaşmaya başladı.

Her zaman moda kalmıştır. Bu nedenle, modern Japon resmi yalnızca uygulama tekniğinde veya süreçte kullanılan malzemelerde farklılık gösterebilir. Ancak çoğu sanatçı çeşitli yenilikleri iyi algılamaz.

moda deyip geçmeyin modern alt kültürler anime ve benzeri stiller gibi. Birçok sanatçı, klasikler ile bugün talep edilenler arasındaki çizgiyi bulanıklaştırmaya çalışıyor. Bu durumun büyük bir kısmı ticaretten kaynaklanmaktadır. Klasikler ve geleneksel türler aslında satın alınmaz, bu nedenle en sevdiğiniz türde bir sanatçı olarak çalışmak kârsızdır, modaya uyum sağlamanız gerekir.

Çözüm

Kuşkusuz, Japon resmi bir güzel sanatlar hazinesidir. Belki de söz konusu ülke, Batı trendlerini takip etmeyen, modaya uyum sağlamayan tek ülke olarak kaldı. Yeni tekniklerin ortaya çıktığı dönemdeki birçok darbeye rağmen, Japon sanatçılar hala birçok türde ulusal gelenekleri savunmayı başardılar. Muhtemelen bu nedenle, modern zamanlarda klasik üsluplarda yapılan resimler sergilerde çok değerlidir.

Günümüz dünyası çoğu zaman manevi bir krizden, geleneklerle bağların kopmasından, kaçınılmaz olarak ulusal temelleri özümseyen küreselleşmeden sorumlu tutuluyor. Her şey aynı anda kişiselleştirilir ve kişiliksizleştirilir. Eğer sözde klasik sanatı ikiye ayırabilirsek ulusal okullar ve orada olduğunu hayal et İtalyan sanatı Alman sanatı nedir ve Fransız sanatı nedir; o zaman çağdaş sanatı aynı “okullara” bölebilir miyiz?

Bu soruya cevaben Japon çağdaş sanatını dikkatlerinize sunmak istiyorum. yılında bir konferansta Sanat müzesi Mori'nin geçen yıl çağdaş sanatta enternasyonalizm konusunda Tokyo Üniversitesi profesörü Michio Hayashi, Batı'daki popüler "Japonluk" algısının 1980'lerde "kitsch", "doğallık" ve "teknolojik karmaşıklık" üçlüsü tarafından pekiştiğini öne sürdü. ”. Bugün, Japonya'nın popüler ve özellikle ticari olarak popüler olan çağdaş sanatı hala bu üçgene yerleştirilebilir. Batılı izleyici için, yalnızca Yükselen Güneş Ülkesi sanatının doğasında bulunan belirli özellikler nedeniyle gizemli ve orijinal kalır. Ağustos ayında Batı ve Doğu aynı anda üç sanat mekanında bir araya geldi: 8 Ağustos'a kadar “Duality of Existence – Post-Fukushima” sergisi Manhattan'da (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), “teamLab: Ultra” sergisi düzenlendi. 15 Ağustos'a kadar süren "Subjektif Alan" neredeyse yakındır (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); Takashi Murakami'nin Milano'daki Palazzo Reale'deki “Arhat Döngüsü”, ziyaretçilerini fethetmeye ve şaşırtmaya devam ediyor.

Gösterilen tüm sanat eserleri, tsunaminin Japonya'yı vurduğu 11 Mart 2011'den sonra yapılmıştır. Fukuşima nükleer santralindeki nükleer felaket ulusu harekete geçirdi, öncelikleri ve değerleri yeniden gözden geçirmeyi ve uzun süredir unutulmuş geleneklere yeniden dönmeyi gerekli kıldı. Sanat bir yana duramadı ve dünyaya modern izleyicinin ihtiyaçlarına odaklanan ve aynı zamanda tarihi temelleri ve değerleri onurlandıran yeni bir sanatçı türü sundu.

Takashi Murakami - reklam başarılı sanatçı Tekno kitsch'i popülerleştiren ve Japon nihonga resminin geleneklerine ve anime ve manganın özelliklerine dayanan yeni bir görsel dil olan superflat yaratan kişi. Çoğaltılan heykellerinin ve çirkin enstalasyonlarının ideolojisi, Japonya'da savaştan sonra, tüketimciliğin yaygınlaştığı değişimi göstermekti. Ancak 11 Mart 2011, Japonya'nın hayatını, Hiroşima ve Nagazaki'ye nükleer bombaların atıldığı Ağustos 1945'teki iki korkunç gün gibi "önce" ve "sonra" olarak ikiye ayırdı. Korkunç sonuçlara yol açan bu güçlü depremin ardından Murakami, Budizm ve Japon estetiğini yeniden düşünme yoluna girdi, kökenlere ve maneviyata dönüş yolunda bir adım attı. Arhats döngüsünü başlatan ilk eser, Takashi Murakami'nin 2012'de Doha, Katar'daki kişisel sergisinde gösterilen 500 Arhats'tır. Budist temalara dönüş, yazar tarafından bu dünyada sadece bizim olmadığımızı, bizden bağımsız güçlerin de olduğunu ve kendimize bağımlı olmaktan çıkmak için her seferinde gelişmemiz gerektiğini anlama girişimi olarak açıklanıyor. kendi arzuları ve etkileri. Tuvalin 100 metresi boyunca seyirciyi şiddetli unsurlardan koruyormuş gibi yoğun bir arhat duvarı, herkesin ruhuna huzur ve sükunet aşıladı. Ancak Murakami kendini tek bir eserle sınırlamamış ve bir manga tekniği kullanıyor ve görsel tasarımda bir hikaye anlatıyormuşçasına anlatıyı tamamlayarak ve genişleterek resim döngüsüne devam etti. Döngünün ikinci kısmı, 2013 yılında Blum & Poe Gallery'de (Los Angeles) sunuldu. Bugün Milano'da arhatlar üçüncü kez dünyayı dolaşarak maneviyata dönüş ve tutkulardan vazgeçme fikrini yayıyorlar. Düzenleme ve anlam derinliğine rağmen, sanatsal dilin kendisi olan cesur ve parlak renk kararı nedeniyle resimler kolayca algılanıyor. Manga unsurları, Budizm'in yayın fikirlerinin acemi halk tarafından bile kolayca okunması ve kabul edilmesi için onlara gerekli popülerleştirme payını getirdi.

Modern Japon resminin bir sonraki temsilcisi, Murakami'nin öğrencisi Kazuki Umezawa olarak adlandırılabilir, bu da bizi okul ve süreklilik sorununa geri götürür. Ekstra derinlik ve görsel kaos yaratmak için anime karakterlerini çıkartmaların üzerine çizerek dijital görünümlerini yaratıyor. İnternetin her yerine rastgele ve dağınık görüntülerden kolajlar yapıyor, arka planları bozuyor, otaku'nun (anime ve manga hayranları) hayal gücünün yapısını ve içeriğini yansıtan mandalalar yaratıyor. Budist sembolüne yapılan çağrı, genç sanatçının eserlerinin anlamsal değerini artırırken, bir yandan kültürde kutsal ve yerleşik olanı birbirine bağlar, diğer yandan günümüze ait sorunlar, ancak yine belirli bir Japon fenomeni olan anime'nin dahil edilmesiyle.

Takashi Murakami ve Kazuki Umezawa alaka ve gelenek, kitsch ve stil arasında ustaca dengeler.

Şaşırtıcı bir şekilde, Japonya'da 11 Mart 2011'de meydana gelen depremin ardından dokuz gün boyunca evinin enkazı altında mahsur kalan ve kurtarılan 16 yaşındaki bir çocuk, bir gazetecinin gelecek hayallerini sorduğunda, “Ben sanatçı olmak istiyorum.”

Modern Japon sanat sahnesi tamamen küreselleşmiş gibi görünüyor. Sanatçılar Tokyo ve New York arasında seyahat ediyor, neredeyse tamamı Avrupa veya Amerika eğitimi almış, çalışmaları hakkında uluslararası sanat İngilizcesinde konuşuyorlar. Ancak, bu resim tam olmaktan uzak.

Ulusal şekiller ve trendler, Japonya'nın dünya pazarına sunduğu en çok aranan ürünlerden biri olduğunu kanıtlıyor. sanatsal fikirler ve çalışır.

uçak operasyonu. Superflat, Amerikan inek kültürünü ve geleneksel Japon resmini nasıl birleştiriyor?

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Batı dünyasında hemen hemen herkes için (belki de en ateşli postmodern teorisyenler hariç) yüksek ve popüler kültür sorunlu olsa da hala geçerli, Japonya'da bu dünyalar tamamen karışık.

Bunun bir örneği, dünyanın en iyi galerilerindeki sergileri ve canlı yayını başarıyla birleştiren Takashi Murakami'dir.

Murakami sergisi turunun kaydı "Hafif bir yağmur olacak"

Ancak Murakami'nin popüler kültürle ilişkisi - ve Japonya için bu öncelikle manga ve anime hayranlarının (otaku) kültürüdür - daha karmaşıktır. Filozof Hiroki Azuma, otaku anlayışını otantik bir Japon fenomeni olarak eleştiriyor. Otaku, kendilerini 17-19. Yüzyılların Edo döneminin gelenekleriyle - izolasyonizm çağı ve modernleşmenin reddi - doğrudan bağlantılı olarak görüyor. Azuma, manga, animasyon, grafik romanlar, bilgisayar oyunlarına dayanan otaku hareketinin ancak savaş sonrası Amerikan işgali bağlamında Amerikan kültürünün ithal edilmesinin bir sonucu olarak ortaya çıkmış olabileceğini savunuyor. Murakami ve takipçilerinin sanatı, otaku'yu pop art teknikleriyle yeniden icat ediyor ve geleneğin özgünlüğüne dair milliyetçi mitini çürütüyor. "Japonlaşmış Amerikan kültürünün yeniden Amerikanlaşmasını" temsil ediyor.

Sanatsal bir bakış açısından, süper düz, erken dönem Japon ukiyo-e resmine en yakın olanıdır. Bu geleneğin en ünlü eseri gravürdür" büyük bir dalga Katsushiki Hokusai (1823-1831) tarafından Kanagawa'da".

Batı modernizmi için Japon resminin keşfi bir dönüm noktasıydı. Resmi bir düzlem olarak görmeyi mümkün kıldı ve onun bu özelliğini aşmaya değil, onunla çalışmaya çalıştı.

Katsushiki Hokusai. "Kanagawa'daki Büyük Dalga"

Performansın öncüleri. 1950'lerin Japon sanatı bugün ne anlama geliyor?

Akira Kanayama ve Kazuo Shiraga'nın yaratıcı sürecinin belgelenmesi

Superflat sadece 2000'li yıllarda şekillendi. Ancak dünya sanatı için önemli olan sanatsal eylemler Japonya'da çok daha önce - ve hatta Batı'dakinden daha önce başladı.

Sanatta performatif dönüş, geçen yüzyılın 60'lı ve 70'li yıllarının başında gerçekleşti. Japonya'da performans ellili yıllarda ortaya çıktı.

Gutai Group, ilk kez kendi kendine yeten nesnelerin yaratılmasından üretim sürecine odaklandı. Buradan - geçici bir olay lehine sanat nesnesinin terk edilmesine bir adım.

Gutai'den bireysel sanatçılar (ve yirmi yılda 59 tane vardı) uluslararası bağlamda aktif olarak var olmalarına rağmen, genel olarak Japon savaş sonrası sanatının kolektif faaliyetlerinin Batı'da oldukça yakın bir zamanda nasıl başladığını anlamak. Patlama 2013'te New York ve Los Angeles, Tokyo 1955-1970: MoMA'daki Yeni Avant-Garde ve Guggenheim Müzesi'ndeki devasa tarihi retrospektif Gutai: Splendid Playground'daki küçük galerilerdeki birkaç sergiyle geldi. Japon sanatının Moskova ithalatı, bu eğilimin neredeyse gecikmiş bir devamı gibi görünüyor.

Sadamasa Motonaga. Guggenheim Müzesi'nde İş (Su)

Bu retrospektif sergilerin ne kadar modern göründüğü dikkat çekicidir. Örneğin, Guggenheim Müzesi'ndeki serginin ana amacı, Sadamasa Motonaga tarafından, müze rotunda seviyelerinin renkli suyla polietilen borularla birbirine bağlandığı İşin (Su) yeniden inşasıdır. Tuvalden koparılmış fırça darbelerini andırıyorlar ve Gutai'nin "somutluk" üzerine odaklandığının bir örneğini oluşturuyorlar. Japon adı gruplar), sanatçının çalıştığı nesnelerin maddiliği.

Gutai'nin pek çok üyesi klasik nihonga resmiyle ilgili bir eğitim aldı, birçoğu biyografik olarak Zen Budizminin dini bağlamına, karakteristik Japon kaligrafisine bağlı. Hepsi eski geleneklere yeni, prosedürel veya katılımcı bir yaklaşım buldu. Kazuo Shiraga, Rauschenberg karşıtı monokromlarını ayaklarıyla nasıl çizdiğini videoya kaydetti ve hatta halka açık tablolar yaptı.

Minoru Yoshida, Japon baskılarından çiçekleri psychedelic nesnelere dönüştürdü - bunun bir örneği, dünyadaki ilk kinetik (hareket eden) heykellerden biri olan Biseksüel Çiçek'tir.

Guggenheim Müzesi'ndeki serginin küratörleri, bu eserlerin siyasi öneminden bahsediyor:

"Gutai, onlarca yıl boyunca militarist bir hükümetin kritik bir nüfuz kitlesi kazanmasına, Çin'i işgal etmesine ve sonra Dünya Savaşı'na katılın."

İyi ve bilge. Sanatçılar Neden 1960'larda Amerika'ya Gitmek İçin Japonya'dan Ayrıldı?

Gutai, savaş sonrası Japonya'daki kuralın istisnasıydı. Avangard gruplar marjinal kaldı, sanat dünyası kesinlikle hiyerarşikti. Tanınmanın ana yolu, tanınmış klasik sanatçı dernekleri tarafından düzenlenen yarışmalara katılmaktı. Bu nedenle, birçoğu Batı'ya gitmeyi ve İngilizce sanat sistemine entegre olmayı tercih etti.

Özellikle kadınlar için zordu. İlerici Gutai'de bile varlıklarının payı beşte birine bile ulaşmadı. Erişim için gerekli olan geleneksel kurumlar hakkında ne söyleyebiliriz? özel Eğitim. Altmışlı yıllara gelindiğinde, kızlar zaten sanat öğrenme hakkını elde etmişlerdi (eğer bu, beceri setinin bir parçası olan dekoratif bir şey değilse). ryosai kenbo- iyi bir eş ve bilge bir anne), sosyal olarak hoş karşılanmayan bir meslekti.

Yoko Ono. kesilmiş parça

Beş güçlü Japon kadın sanatçının Tokyo'dan Amerika Birleşik Devletleri'ne göçünün öyküsü, Midori Yoshimoto'nun "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" adlı çalışmasına konu oldu. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ve Shigeko Kubota kariyerlerinin başlangıcında New York'a gitmeye karar verdiler ve orada Japon sanatının geleneklerinin modernizasyonu da dahil olmak üzere çalıştılar. ABD'de yalnızca Yoko Ono büyüdü - ancak 1962-1964'teki kısa kalışı sırasında Tokyo'nun sanatsal hiyerarşisinden hayal kırıklığına uğradığı için Japonya'ya dönmeyi de kasıtlı olarak reddetti.

Ono, yalnızca John Lennon'ın karısı olarak değil, aynı zamanda nesneleştirmeye adanmış proto-feminist performansların yazarı olarak beşi arasında en ünlüsü oldu. kadın vücudu. Seyircinin sanatçının kıyafetlerinden parçalar kesebildiği Cut Piece It ile "performansın büyükannesi" Marina Abramović'in "Rhythm 0" adlı eseri arasında bariz paralellikler var.

Kısa bacaklarda. Yazarın oyunculuk eğitiminden Tadashi Suzuki nasıl geçilir?

Ono ve Gutai örneğinde, yazarlardan ayrılan çalışmalarının yöntemleri ve temaları uluslararası düzeyde önem kazandı. Başka ihracat biçimleri de vardır - sanatçının çalışmaları uluslararası arenada ilgiyle algılandığında, ancak özgünlüğü nedeniyle asıl yöntemin ödünç alınması gerçekleşmez. En çarpıcı örnek ise Tadashi Suzuki'nin oyunculuk eğitim sistemi.

Suzuki Tiyatrosu Rusya'da bile seviliyor ve bu şaşırtıcı değil. En son 2016'da Euripides'in metinlerinden uyarlanan Truvalı Kadınlar performansıyla aramızdaydı ve 2000'li yıllarda Shakespeare ve Çehov'un yapımlarıyla birkaç kez geldi. Suzuki, oyunların eylemini mevcut Japon bağlamına aktardı ve metinlerin açık olmayan yorumlarını sundu: İvanov'da anti-Semitizmi keşfetti ve bunu Japonların Çinlilere karşı küçümseyici tavrıyla karşılaştırdı, Kral Lear'ın eylemini aktardı. bir japon akıl hastanesi.

Suzuki, sistemini Rus tiyatro okuluna karşı inşa etti. 19. yüzyılın sonunda, sözde Meiji döneminde, modernleşen emperyal Japonya, muhalefet hareketlerinin yükselişini yaşadı. Sonuç, daha önce aşırı derecede kapalı bir kültürün geniş çaplı bir batılılaşmasıydı. İthal edilen formlar arasında, hala Japonya'da (ve Rusya'da) ana yönetmenlik yöntemlerinden biri olan Stanislavsky sistemi vardı.

suzuki egzersizleri

Altmışlarda, Suzuki kariyerine başladığında, Japon aktörlerin vücut özelliklerinden dolayı o zamanki repertuarı dolduran Batılı metinlerdeki rollere alışamadıkları tezi giderek daha fazla yayılıyordu. Genç yönetmen en inandırıcı alternatifi sunmayı başardı.

Suzuki'nin bacak grameri adı verilen egzersiz sistemi, oturmak için düzinelerce yol ve hatta ayakta durmak ve yürümek için daha fazlasını içerir.

Oyuncuları genellikle yalınayak oynarlar ve ağırlık merkezini alçaltarak, yere mümkün olduğunca sıkı bir şekilde bağlı, ağır görünürler. Suzuki onlara ve yabancı sanatçılara tekniğini Toga köyünde, modern ekipmanlarla dolu eski Japon evlerinde öğretiyor. Topluluğu yılda sadece yaklaşık 70 performans veriyor ve geri kalan zamanını neredeyse köyden ayrılmadan ve kişisel işlere hiç vakti olmadan yaşıyor - sadece çalışıyor.

Toga Center 1970'lerde ortaya çıktı ve yönetmenin isteği üzerine dünyaca ünlü mimar Arata Isozaka tarafından tasarlandı. Suzuki'nin sistemi ataerkil ve muhafazakar görünebilir, ancak kendisi Toga'dan modern ademi merkeziyetçilik terimleriyle bahsediyor. 2000'li yılların ortalarında bile Suzuki, başkentten bölgelere sanat ihraç etmenin ve yerel üretim noktaları düzenlemenin önemini anladı. Yönetmene göre, Japonya'nın tiyatro haritası birçok yönden Rus haritasını andırıyor - sanat Tokyo'da yoğunlaşıyor ve birkaç tanesi daha az büyük merkezler. Rus tiyatrosu düzenli olarak küçük kasabalarda turneye çıkan ve merkezi başkentten uzakta olan bir şirket de zarar görmez.

Toga'daki SCOT Şirket Merkezi

Çiçek yolları. Modern tiyatro noh ve kabuki sistemlerinde hangi kaynağı keşfetti?

Suzuki yöntemi iki eski Japon geleneğinden - ama aynı zamanda kabuki'den - doğar. Sadece bu tür tiyatrolar genellikle yürüme sanatı olarak nitelendirilmekle kalmaz, aynı zamanda daha belirgin ayrıntılarla da karakterize edilir. Suzuki genellikle erkekler tarafından tüm rollerin performansıyla ilgili kuralı takip eder, örneğin kabuki örneğinin hanamichi'si ("çiçeklerin yolu") gibi karakteristik mekansal çözümler kullanır - sahneden oditoryumun derinliklerine uzanan bir platform. Ayrıca çiçekler ve parşömenler gibi oldukça tanınabilir sembollerden yararlanır.

Tabii ki, içinde küresel dünya Japonların ulusal biçimlerini kullanma ayrıcalığı söz konusu değildir.

Zamanımızın en önemli yönetmenlerinden biri olan Amerikalı Robert Wilson'ın tiyatrosu, ancak'dan ödünç alınarak inşa edildi.

Yalnızca Japonya'nın kitlesel izleyicisini hatırlatan maskeler ve makyaj kullanmakla kalmıyor, aynı zamanda hareketin maksimum yavaşlamasına ve jestin kendi kendine yeterli ifadesine dayalı oyunculuk biçimlerini de ödünç alıyor. Geleneksel ve ritüel formları en yeni aydınlatma notaları ve minimalist müzikle birleştirmek (en iyilerinden biri) ünlü eserler Wilson - Philip Glass'ın "Einstein on the Beach" operasının bir prodüksiyonu), Wilson esas olarak modern sanatın çoğunun ulaşmaya çalıştığı kökenler ve alaka düzeyi sentezini üretiyor.

Robert Wilson. "Sahilde Einstein"

Modern dansın temel direklerinden biri olan noh ve kabuki'den, karanlığın dansı - butoh, kelimenin tam anlamıyla tercüme edildi - büyüdü. 1959'da koreograflar Kazuo Ono ve aynı zamanda düşük bir ağırlık merkezi ve ayaklara odaklanma üzerine çalışan Tatsumi Hijikata tarafından icat edilen butoh, travmatik savaş deneyimlerinin yansımalarını bedensel boyuta taşımakla ilgiliydi.

“Vücudu hasta, çökmekte olan, hatta canavarca, canavarca gösterdiler.<…>Hareketler ya yavaş ya da kasıtlı olarak keskin, patlayıcı. Bunun için, hareket iskeletin kemik kaldıraçları nedeniyle ana kasları içermiyormuş gibi yapıldığında özel bir teknik kullanılır” dans tarihçisi Irina Sirotkina butoh'u vücudun kurtuluş tarihine yazar, bağlar bale normatifliğinden ayrılma ile. Butoh'u 20. yüzyılın başlarındaki dansçıların ve koreografların uygulamalarıyla karşılaştırır - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, daha sonraki "postmodern" dans üzerindeki etkiden bahseder.

Butoh geleneğinin modern halefi olan Katsura Kana'nın dansından bir parça

Bugün, orijinal haliyle butoh artık avangart bir uygulama değil, tarihsel bir yeniden yapılanmadır.

Ancak Ono, Hijikata ve takipçileri tarafından geliştirilen hareket sözlüğü, modern koreograflar için önemli bir kaynak olmaya devam ediyor. Batı'da Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ve hatta The Weekend'in "Belong To The World" klibinde bile kullanılıyor. Japonya'da butoh geleneğinin halefi, örneğin Ekim ayında Rusya'ya gelecek olan Saburo Teshigawara'dır. Karanlığın dansıyla paralellikleri kendisi inkar etse de, eleştirmenler oldukça tanınabilir işaretler buluyor: görünüşte kemiksiz bir vücut, kırılganlık, sessiz adım. Doğru, zaten postmodernist koreografi bağlamına yerleştirildiler - yüksek temposu, koşuları, post endüstriyel gürültülü müzikle çalışmaları.

Saburo Teshigawara. metamorfoz

Yerel olarak küresel. Çağdaş Japon sanatı Batı sanatına nasıl benzer?

Teshigawara ve meslektaşlarının birçoğunun çalışmaları, Batı'nın en iyi çağdaş dans festivallerinin programlarına organik olarak uyuyor. Japon tiyatrosunun en büyük yıllık gösterisi olan Festival / Tokyo'da gösterilen performansların ve performansların açıklamalarına göz atarsanız, Avrupa trendlerinden temel farklılıkları fark etmek zor olacaktır.

Ana temalardan biri bölgeye özgüdür - Japon sanatçılar, gökdelen şeklindeki kapitalizm yığınlarından otaku yoğunluğunun marjinal alanlarına kadar Tokyo'nun alanlarını keşfederler.

Başka bir tema, nesiller arası yanlış anlaşılmanın incelenmesi, farklı yaşlardan insanların canlı buluşma ve organize iletişim yeri olarak tiyatrodur. Toshika Okada ve Akira Tanayama tarafından kendisine adanan projeler, birkaç yıl üst üste Avrupa'nın en önemli performans sanatları festivallerinden biri için Viyana'ya getirildi. 2000'li yılların sonunda belgesel materyallerin ve kişisel hikayelerin sahneye aktarılmasında yeni bir şey yoktu, ancak Viyana Festivali'nin küratörü bu projeleri bir başkasıyla canlı, noktadan noktaya iletişim fırsatı olarak halka sundu. kültür.

Diğer bir ana hat, travmatik deneyim üzerinde çalışmaktır. Japonlar için Gulag veya Holokost ile değil, Hiroşima ve Nagazaki'nin bombalanmasıyla ilişkilendirilir. Tiyatro sürekli olarak ona atıfta bulunur, ancak tüm modern Japon kültürünün doğuş anı olarak atomik patlamalar hakkındaki en güçlü ifade hala Takashi Murakami'ye aittir.

“Little Boy: The Arts of Japan’s Patlayan Alt Kültür” sergisine

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”, 2005 yılında New York'ta sergilenen küratörlüğünü yaptığı projesinin adıdır. "Küçük Oğlan" - Rusça'da "bebek" - 1945'te Japonya'ya atılan bombalardan birinin adı. Önde gelen çizerlerden yüzlerce manga çizgi romanı, özgün eski oyuncaklar, Godzilla'dan Hello Kitty'ye kadar ünlü animelerden ilham alan ürünler toplayan Murakami, müze alanında sevimliliğin - kawaii - yoğunluğunun sınırlarını zorladı. Paralel olarak, içinde bir animasyon seçkisi başlattı. merkezi görseller patlamaların, çıplak toprağın, yıkılan şehirlerin resimleri vardı.

Bu karşıtlık, Japon kültürünün travma sonrası stres bozukluğuyla başa çıkmanın bir yolu olarak çocuksulaştırılmasına ilişkin ilk büyük ifadeydi.

Şimdi bu sonuç zaten açık görünüyor. Inuhiko Yomota'nın akademik bir kawaii çalışması bunun üzerine inşa edilmiştir.

Daha sonra travmatik tetikleyiciler de vardır. En önemlilerinden - 11 Mart 2011 olayları, Fukuşima nükleer santralinde büyük bir kazaya yol açan deprem ve tsunami. Festival/Tokyo-2018'de altı performanstan oluşan programın tamamı, doğal ve teknolojik bir felaketin sonuçlarını anlamaya ayrıldı; Solyanka'da sunulan eserlerden birinin teması oldular. Bu örnek açıkça göstermektedir ki cephanelik kritik yöntemler Batı ve Japon sanatı temelde farklı değildir. Haruyuki Ishii, depremle ilgili televizyon programlarından yüksek hızlı kurgulanmış ve döngüsel görüntüler arasında geçiş yapan üç televizyon setinden oluşan bir enstalasyon yaratıyor.

Küratörler, "Çalışma, sanatçının gördüğü her şeyin artık kurgu olarak algılanmadığı ana kadar her gün haberlerde izlediği 111 videodan oluşuyor" diye açıklıyor. "Yeni Japonya", sanatın ulusal mitlere dayalı yoruma nasıl direnmediğinin, aynı zamanda aynı zamanda nasıl direndiğinin anlamlı bir örneğidir. kritik göz aynı yorumun herhangi bir kökene sahip sanat için geçerli olabileceğini bulur. Küratörler, Lao Tzu'dan alıntılar yaparak Japon geleneğinin temeli olarak tefekkürden bahsediyorlar. Aynı zamanda, neredeyse tüm çağdaş sanatın (serginin adıyla) “gözlemci etkisine” odaklandığı parantezleri dışarıda bırakır gibi - ister tanıdık fenomenlerin algılanması için yeni bağlamlar yaratma biçiminde, ister yükseltme şeklinde olsun. yeterli algı olasılığı sorunu.

Hayali Topluluklar - video sanatçısı Haruyuki Ishii'nin başka bir çalışması

oyun

Bununla birlikte, 2010'ların Japonya'sının bir ilericilik yoğunluğu olduğu düşünülmemelidir.

Eski güzel gelenekçiliğin alışkanlıkları ve oryantalist egzotizm sevgisi henüz ortadan kalkmadı. "The Theatre of Virgins", Rus muhafazakar dergisi "PTJ"de Japon tiyatrosu "Takarazuka" hakkında oldukça beğenilen bir makalenin başlığıdır. Takarazuka, 19. yüzyılın sonunda, yanlışlıkla özel bir şehrin terminali haline gelen, aynı adı taşıyan uzak bir şehre turist çekmek için bir iş projesi olarak ortaya çıktı. demiryolu. Demiryolunun sahibine göre erkek seyircileri şehre çekmesi gereken tiyatroda sadece evli olmayan kızlar oynuyor. Bugün Takarazuka, kendi TV kanalı, yoğun konser programı, yerel eğlence parkı bile. Ama yine de sadece evli olmayan kızların toplulukta yer alma hakkı var - en azından bekaretini kontrol etmediklerini umalım.

Ancak Takarazuka, Japonların tiyatro olarak da adlandırdığı Kyoto'daki Toji Deluxe kulübünün yanında sönük kalıyor. Şuna göre kesinlikle vahşi görünüyorlar: Tanım New Yorker köşe yazarı Ian Buruma, striptiz gösterisi: sahnedeki birkaç çıplak kız, üreme organlarının gösterisini halka açık bir ritüele dönüştürüyor.

Birçok sanatsal uygulama gibi, bu gösteri de eski efsanelere dayanmaktadır (bir mum ve bir büyüteç yardımıyla, izleyicilerden erkekler sırayla "ana tanrıça Amaterasu'nun sırlarını" keşfedebilirler) ve yazarın kendisine hatırlatılmıştır. noh geleneğinden.

Aramak Batılı meslektaşları"Takarazuki" ve Toji için bunu okuyucuya bırakacağız - onları bulmak zor değil. Sadece modern sanatın önemli bir bölümünün, süper düz danstan butoh dansına kadar hem Batılı hem de Japon olmak üzere bu tür baskı uygulamalarıyla tam olarak mücadele etmeye yönelik olduğunu not ediyoruz.

Japonya, tüm dünyada yükselen teknolojiler ülkesi olarak kabul edilmesine rağmen, çağdaş çağdaş sanat, gelenekle bağlarını koparmak için hiç acele etmiyor. “Mono no Avare” sergisi. The Charm of Things”, plastik çağdaki insan durumu hakkında üzücü bir hikaye.

Mono farkında değil - sergiye adını veren Japon kültürünün karakteristik özelliği olan estetik bir ilke, şeylerin hüzünlü çekiciliği, şeylerin ve fenomenlerin bariz ve örtük güzelliğine karşı bir büyülenme hissi, nedensiz üzüntünün zorunlu bir gölgesi anlamına gelir. görünen her şeyin yanıltıcı doğası ve kırılganlığı duygusuyla. Geleneksel Japon dini Şintoizm ile ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Şintoistler, her şeyin manevi öz "kami" ile donatıldığına inanırlar. Herhangi bir nesnede bulunur: hem ahşapta hem de taşta. "Kami" ölümsüzdür ve dünyadaki her şeyin sürekli güncellendiği yaşam ve ölüm döngüsüne dahil edilir.

Çağdaş sanat uluslararası bir dil konuşsa da, bu sergide sunulan Japon çağdaş sanatı, geleneklerinin perspektifinden daha iyi görülüyor.

Sanatçı Hiraki Sawa'nın giriş enstalasyonu bütün bir odayı kaplıyordu ve oyuncuların ev eşyaları olduğu bir gölge tiyatrosu. Çocuk demiryolu prensibi üzerine inşa edilmiştir. Sanatçının yarattığı manzaranın içinden fenerli bir tren geçiyor, bir ışık huzmesi nesnelerin mikro dünyasından makro bir dünya doğuruyor. Ve şimdi zaten huş ağacı ve dikey değil ayakta kalemler; ve bunlar tarlalardaki elektrik hatları ve asılı mandallar değil; ve kulplu ters plastik bir leğen bir tüneldir. Eserin adı "İçeride", daha önce Venedik Bienali'nde gösterilmişti.

Shinishiro Kano'nun tablosuna ilkel gerçeküstücülük denilebilir. Kano'nun natürmortunda bir basketbol topu, Dünya gezegeni ve meyveler tek tabakta.

Tabloda resmin kendisi yoktur, sadece yağlı boya ile boyanmış bir çerçeve vardır. Bir tuvalde kırmızı kimonolu bir tanrı figürü, diğerinde kancaya asılmış kırmızı bir havlu ile birleştirilmiştir. Bu resim dizisi dünyanın hayali doğası hakkında değil mi? Ya da belki de her şeyin bir kamisi vardır.

Masaya Chiba'nın resminde, güzel bir ormanın fonunda iki figür var: beyaz cevherden yıpranmış, neredeyse bir erkek ve bir kadına benzeyen antropomorfik yaratıklar. Doğu tiyatro kuklaları gibi çubuklara sabitlenirler. Madde ölümlüdür, sadece bir kabuktur - sanki yazar bize anlatmak ister gibi. Diğer resim çalışması "Uyuyan Adam" da hemen hemen aynı. Resimde kimse yok, pufun üzerinde bir avuç şey var: eski fotoğraflar ve kartpostallar, büyümüş kaktüsler, eldivenler, en sevilen bantlar, bir kavanoz baharat ve bir takım aletler.

Sanatçı Teppei Kanueji, kişisini aynı prensibe göre “yontuyor” (inşa edilmiş nesne): ev çöpünü antropomorfik bir yaratık şeklinde yapıştırıyor ve beyaz boyayla kaplıyor.

Yerde büyük bir mandala tuzla kaplı; Bu, görünüşe göre Budizm'den gelen Japonya için geleneksel bir tapınak ritüeli. Böyle bir mücevher parçası, ya bir labirentin ruhunu ya da gizemli bir diyarın haritasının ruhunu yakalar ve müzede rüzgar olmaması ne kadar iyidir. Bu enstalasyon benzersizdir, sanatçı onu birkaç gün boyunca müzenin duvarları içinde yapmıştır. İlginç bir Japon geleneği de var: Dövüşten önce sumo güreşçileri yere tuz serpiyor.

Hiroaki Morita'nın "Evian'dan Volvik'e" adlı enstalasyonu epeyce açılıyor. ilginç konu Japonya için modern - plastik işleme. Cam rafta bir şişe Evian suyu yatıyor, gölgesi tam olarak yerde duran başka bir Volvik şişesinin boynuna düşüyor. Suyun şişeden şişeye aktığı yanılsamasını yaratır. İlk bakışta saçma. Japonlar için bu kavramsal çalışma sadece "kami" döngüsünü, yani manevi özü değil, aynı zamanda gerçekten geri dönüşüm ilkesi - geri dönüşüm. Bir ada ülkesi olarak Japonya, plastik atığın nasıl toplanacağını, ayrılacağını ve geri dönüştürüleceğini öğrenen ilk ülkelerden biriydi. Ortaya çıkan malzemeden sadece yeni şişeler ve spor ayakkabılar yeniden üretilmiyor, hatta yapay adalar bile yaratılıyor.

Teppei Kuneuji'nin enstalasyonu ilk bakışta bir çöp tasnif istasyonunu andırıyor. Plastik nesneler burada farklı sıralarla dizilir: kepçeler, kalıplar, çeşitli oyuncaklar, askılar, renkli diş fırçaları, hortumlar, bardaklar ve diğerleri. Beyaz toz serpilmiş, görünüşe göre burada sonsuza kadar yatıyorlar. Bu tanıdık ama artık kullanılmayan nesnelerin arasında dolaştığınızda, onları zaten kopmuş olarak düşündüğünüzde, insan bir kaya bahçesinde meditasyona benzer bir duyguya kapılır. Teppei Kuneuji, fotoğraf kolajlarında "zihinsel olarak" inşaat molozlarından taretler inşa ediyor. Ancak bunlar, sanatsal ikili Fishli ve Weiss'inkiler gibi kinetik zincirler değil, taşın bağlayıcı malzeme olmaksızın taşın taşa dayandığı bir Budist kutsal binası gibi.

Sanatçı Suda Yoshihiro, Moika'ya bakan müze penceresindeki camların arasına, ustalıkla yapılmış, bir yaprağı düşmüş ahşap pembe bir gül yerleştirdi. Müzedeki bu çok incelikli ve şiirsel müdahaleye bakarak, “Kış. Müzedeki bir gül bile sonsuza kadar çiçek açar.”

Onishi Yasuaki'nin daha az şiirsel olmayan bir başka eseri The Opposite of Volume, ortaçağ ressamı ve Zen keşişi Toyo Sesshu'nun çalışmalarına gönderme yapıyor. Bu Japon klasiği ülkeye getirmesiyle ünlüdür. Doğan güneşÇin tek renkli mürekkep çizimi.

Yasuaki'nin enstalasyonu, tavandan üzerine donmuş sıvı plastik jetleri (yağmur gibi) düşen bir dağın gri polietilen üç boyutlu siluetidir. Sağanak altında sanki tek renkli bir dağmış gibi "boş" bir dağ yapmayı söylüyorlar. Toyo resimleri Sanatçı Sessu'nun kutulardan bir dağ yapması, ince polietilenle kaplaması ve ardından tavandan sıcak plastik damlatması gerekiyordu.

Son olarak, Kengo Kito enstalasyonu: Rusya'ya getirilen, sanki "Japon selamları" gibi aşağı sarkan renkli plastik spor çemberlerinden çelenkler. Olimpiyat Oyunları. "Nesnelerin Cazibesi" sergisinin plastiği Japon sanatçıların sadece çevresel değil, aynı zamanda manevi konulara da dokundukları bir malzeme olarak kullanması ilginçtir.