Музичний романтизм - загальна характеристика. Музичне мистецтво епохи романтизму-презентація з МХК

Музика посіла особливе місце у естетиці романтизму. Вона була оголошена зразком і нормою для всіх областей мистецтва, оскільки в силу своєї специфіки здатна найповніше висловити рух душі."Музика починається тоді, коли слова закінчуються" (Г.Гейне).

Музичний романтизм як напрямок склався на початкуXIXстоліття і розвивався в тісному зв'язку з різними течіями в літературі, живописі та театрі. Початковий етапмузичного романтизму представлений творчістю Ф. Шуберта, Е. Т. А. Гофмана, К. М. Вебера, Н. Паганіні, Дж. Россіні; Наступний етап (1830-50-ті роки) - творчістю Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Мендельсона, Г. Берліоза, Ф. Ліста, Р. Вагнера, Дж. Верді. Пізній етап романтизму тягнеться до кінцяXIXстоліття. Таким чином, якщо в літературі та живописі романтичний напрямок в основному завершує свій розвиток до серединиXIXстоліття, то життя музичного романтизму в Європі набагато триваліше.

У музичному романтизмі, так само як в інших видах мистецтва та літератури, протиставлення світу прекрасних, недосяжних ідеалів і пронизаної духом міщанства і філістерства повсякденності породило, з одного боку, драматичну конфліктність, панування трагічних мотивів самотності, безвиході, блукання тощо, з. інший - ідеалізацію та поетизацію далекого минулого, народного побуту, природи. Перегукуючись із душевним станом людини, природа у творчості романтиків зазвичай забарвлюється почуттям дисгармонії.

Подібно до інших романтиків музиканти були переконані в тому, що почуття становлять глибший пласт душі, ніж розум:«розум помиляється, почуття - ніколи» (Р. Шуман).

Притаманний романтичній музиці особливий інтерес до людської особистості висловився у переважання у нійособистого тону . Розкриття особистої драми нерідко набувало романтиків відтінків.автобіографічність, який вносив у музику особливу щирість. Так, наприклад, багато фортепіанні твориШумана пов'язані з історією його любові до Клари Вік. Берліоз написав автобіографічну "Фантастичну" симфонію. Автобіографічний характер своїх опер всіляко наголошував Вагнер.

З темою «ліричної сповіді» часто переплітаєтьсятема природи .

Справжнім відкриттям композиторів-романтиків сталатема фантастики. Музика вперше навчилася втілювати казково-фантастичні образи суто музичними засобами. В операхXVII - XVIIIстоліть «неземні» персонажі (як, наприклад, Цариця ночі з моцартівської « Чарівної флейти») розмовляли «загальноприйнятою» музичною мовою, мало виділяючись на тлі реальних людей. Композитори-романтики навчилися передавати фантастичний світ як щось специфічне (за допомогою незвичайних оркестрових і гармонійних фарб). Яскравий зразок – «Сцена у вовчій ущелині» у «Чарівній стрілці» Вебера.

Якщо XVIIIстоліття було епохою віртуозів-імпровізаторів універсального типу, що однаково володіють співом, твором, грою на різних інструментах, тоXIXстоліття було часом час небувалого захоплення мистецтвом віртуозів піаністів (К.М. Вебер, Ф. Мендельсон, Ф. Шопен, Ф. Ліст, І. Брамс).

Епоха романтизму цілком змінила «музичну географію світу». Під впливом активного пробудження національної самосвідомості народів Європи на міжнародну музичну арену висунулися молоді композиторські школи Росії, Польщі, Угорщини, Чехії, Норвегії. Композитори цих країн, втілюючи образи національної літератури, історії, рідної природи, спиралися на інтонації та ритми рідного фольклору

Вкрай характерний для музичного романтизму інтерес донародної творчості . Подібно до поетів-романтиків, які за рахунок фольклору збагачували та оновлювали літературна мова, музиканти широко зверталися до національного фольклору - народних пісень, балад, епосу (Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен, І. Брамс, Б. Сметана, Е. Григ та ін.). Втілюючи образи національної літератури, історії, рідної природи, вони спиралися на інтонації та ритми національного фольклору, відроджували старовинні діатонічні лади.Під впливом фольклору зміст європейської музики яскраво перетворився.

Нові теми та образи зажадали від романтиків розробкинових засобів музичної мови та принципів формоутворення, індивідуалізації мелодики та впровадження мовних інтонацій, розширення тембрової та гармонійної палітри музики (натуральні лади, барвисті зіставлення мажору і мінору і т. д.).

Оскільки в центрі уваги романтиків вже не людство загалом, а конкретна людина з її неповторним почуттям, відповідноі в засобах вираження загальне дедалі більше поступається місцем одиничному, індивідуально своєрідному. Зменшується частка узагальнених інтонацій у мелодиці, загальновживаних акордових наслідків у гармонії, типових малюнків у фактурі – всі ці засоби індивідуалізуються. В оркестровці принцип ансамблевих груп поступився місцем солованню багатьох оркестрових голосів.

Найважливішим моментоместетики музичного романтизму булаідея синтезу мистецтв , яка знайшла найбільш яскраве вираження в оперній творчості Вагнера і впрограмної музики Берліоза, Шумана, Ліста.

Музичні жанри у творчості композиторів-романтиків

У романтичній музиці чітко вимальовуються три жанрові групи:

• жанри, що займали підлегле місце у мистецтві класицизму (насамперед - пісня та фортепіанна мініатюра);
• жанри, сприйняті романтиками від попередньої доби (опера, ораторія, сонатно-симфонічний цикл, увертюра);
• вільні, поемні жанри (балади, фантазії, рапсодії, симфонічні поеми). Інтерес до них пояснюється прагненням композиторів-романтиків до вільного самовираження, поступової трансформації образів.

На перший план у музичній культуріромантизму виступаєпісня як жанр, що найбільше підходив для вираження потаємних думок художника (тоді як у професійній творчості композиторів)XVIIIстоліття ліричної пісні відводилося скромна роль - вона служила переважно заповненню дозвілля). У пісенній області працювали Шуберт, Шуман, Ліст, Брамс, Гріг та ін.

Типовий композитор романтик творить дуже безпосередньо, спонтанно, за велінням серця. Романтичне розуміння світу - це не послідовний філософський охоплення дійсності, а миттєва фіксація всього, що торкнулося душі художника. У зв'язку з цим в епоху романтизму розквіт жанрмініатюри (Самостійної або об'єднаної з іншими мініатюрами в цикл). Це не лише пісня та романс, а й інструментальні твори.музичні моменти, експромти, прелюдії, етюди, ноктюрни, вальси, мазурки (у зв'язку з опорою на народну творчість).

Багато романтичних жанрів завдячують своїм походженням поезії, її віршованим формам. Такі сонети, пісні без слів, новелетти, балади.

Одна з провідних ідей романтичної естетики – ідея синтезу мистецтв – природно поставила у центр уваги проблему опери. До оперного жанру зверталися майже всі композитори-романтики за рідкісним винятком (Брамс).

Притаманний романтизму особистий, довірчий тон висловлювання абсолютно перетворює класичні жанри симфонії, сонати, квартету. Вони отримуютьпсихологічне та лірико-драматичне трактування. Зміст багатьох романтичних творів пов'язаний зпрограмністю (фортепіанні циклиШумана, «Роки мандрівок» Ліста, симфонії Берліоза, увертюри Мендельсона).

франц. romantisme

Художня течія, що сформувалася наприкінці 18 - початку 19 ст. спочатку в літературі (Німеччина, Великобританія, ін. країни Європи та Америки), потім у музиці та інших мистецтвах. Поняття «романтизм» походить від епітету «романтичний»; до 18 ст. він вказував на деякі особливості літературних творів, написаних романськими мовами (тобто не мовами класичної давнини). Це були романси (іспан. romance), а також поеми та романи про лицарів. В кін. 18 ст. «романтичне» розуміється ширше: як як авантюрне, цікаве, а й як старовинне, самобутньо народне, далеке, наївне, фантастичне, духовно піднесене, примарне, і навіть дивне, лякаюче. "Романтики романтизували все, що їм було до душі з недавнього і давнього минулого" - писав Ф. Блуме. Як «своє» ними сприймається творчість Данте та У. Шекспіра, П. Кальдерона та М. Сервантеса, І. С. Баха та І. В. Гете, багато в античності; приваблює їх також поезія Др. Сходу і середньовічних мінезінгерів. Виходячи з зазначених вище ознак, Ф. Шиллер назвав свою «Орлеанську діву» «романтичною трагедією», а в образах Міньйони та Арфіста вбачає романтичність «Рок навчання Вільгельма Майстера» Гете.

Романтизм як літературний термінвперше з'являється у Новаліса, як музичний термін- У Е. Т. А. Гофмана. Однак за змістом він не дуже відрізняється від відповідного епітету. Романтизм ніколи не був ясно окресленою програмою чи стилем; це широке колоідейно-естетичних тенденцій, у якому історична ситуація, країна, інтереси художника створювали ті чи інші акценти, визначали різні цілі та засоби. Проте романтичному мистецтву різних формацій притаманні важливі загальні особливості, що стосуються ідейної позиції, і стилістики.

Успадкувавши від епохи Просвітництва багато її прогресивних рис, романтизм водночас пов'язані з глибоким розчаруванням як і самому просвітництві, і у успіхах всієї нової цивілізації загалом. Для ранніх романтиків, які ще не знали підсумків Великої французької революції, що розчаровував загальний процес раціоналізації життя, його підпорядкування усереднено-тверезому «розуму» і бездушному практицизму. Надалі, особливо у роки Імперії та Реставрації, дедалі виразніше описувався соціальний сенс позиції романтиків - їх антибуржуазність. За словами Ф. Енгельса, «встановлені перемогою розуму громадські та політичні установи виявилися злими, що викликає гірке розчарування карикатурою на блискучі обіцянки просвітителів» (Маркс К. та Енгельс Ф., Про мистецтво, т. 1, М., 1967, с. 387 ).

У творчості романтиків оновлення особистості, утвердження її духовної сили та краси поєднується з викриттям царства філістерів; повноцінно-людське, творче протиставляється посередньому, нікчемному, що занурився в марнославстві, суєтності, дріб'язковому розрахунку. До часу Гофмана та Дж. Байрона, В. Гюго та Жорж Санд, Г. Гейне та Р. Шумана соціальна критика буржуазного світу стала одним із головних елементів романтизму. У пошуках джерел духовного поновлення романтики нерідко ідеалізували минуле, намагалися вдихнути нове життяу релігійні міфи. Так народжувалося протиріччя між загальною прогресивною спрямованістю романтизму і консервативними тенденціями, що виникали в його ж руслі. У творчості музикантів-романтиків ці тенденції не зіграли помітної ролі; вони виявлялися головним чином літературно-поетичних мотивах деяких творів, проте у музичної інтерпретації таких мотивів зазвичай переважувало живе, реально-людське начало.

Музичний романтизм, що відчутно проявив себе у 2-му десятилітті 19 ст, був явищем історично новим і водночас виявляв глибокі наступні зв'язки з музичною класикою. Творчість видатних композиторів попереднього часу (включаючи як віденських класиків, а й музику 16-17 ст.) служило опорою для культивування високого художнього рангу. Саме таке мистецтво стало взірцем для романтиків; за словами Шумана, «лише це чисте джерело може живити сили нового мистецтва» («Про музику та музикантів», т. 1, М., 1975, с. 140). І це зрозуміло: тільки високе та досконале можна було з успіхом протиставити музичному марнослів'ю світського салону, ефектному віртуозництву естради та оперної сцени, байдужому традиціоналізму музикантів-ремісників.

Музична класика післябахівської епохи служила базою для музичного романтизму та у зв'язку зі своїм змістом. Починаючи з К. Ф. Е. Баха в ній все більш вільно виявлялася стихія почуття, музика опановувала нові засоби, що дозволяли висловити як силу, так і тонкість емоційного життя, ліризм у його індивідуальному варіанті. Ці устремління ріднили багатьох музикантів 2-й половині 18 в. з літературним рухом «Бурі та натиску». Цілком закономірним було ставлення Гофмана до К. В. Глюка, В. А. Моцарта і особливо до Л. Бетховена як до художників романтичного складу. У таких оцінках позначалися як пристрасть романтичного сприйняття, а й увага до рис «предромантизма», реально властивим найбільшим композиторам 2-ї половини 18 - початку 19 ст.

Музичний романтизм історично був підготовлений також рухом літературного романтизму в Німеччині, що передував йому, у «ієнських» і «гейдельберзьких» романтиків (В. Г. Ваккенродер, Новаліс, бр. Ф. і А. Шлегель, Л. Тік, Ф. Шеллінг, Л. А.). Арнім, К. Брентано та ін.), у близького до них письменника Жан Поля, пізніше у Гофмана, у Великій Британії у поетів т.з. «озерної школи» (У. Вордсворт, З. Т. Колридж та інших.) цілком склалися загальні принципи романтизму, які потім по-своєму були інтерпретовані і розвинені музикою. Надалі музичний романтизм зазнав значного впливу таких письменників, як Гейне, Байрон, Ламартін, Гюго, Міцкевич та інших.

До найважливіших сфер творчості музикантів-романтиків відносяться лірика, фантастика, народно- та національно-самобутнє, натуральне, характерне.

Першорядне значення лірики в романтич. иск-ве, особливо у музиці, було фундаментально обгрунтовано ньому. теоретиками Р. Їх «романтичне» - це передусім «музичне» (в ієрархії позов-у музиці відводилося найпочесніше місце), бо у музиці безроздільно панує почуття, і тому у ній знаходить свою вищу мету творчість художника-романтика. Отже, музика – це і є лірика. В аспекті абстрактно-філософському вона, згідно з теорією літ. Р., дозволяє людині злитися з душею світу, з універсумом; в аспекті конкретно-життєвому музика за своєю природою - антипод прозаїч. реальності, вона - голос серця, здатний з найвищою повнотою розповісти про людину, її духовне багатство, про її життя і сподівання. Ось чому у сфері лірики муз. Р. належить найяскравіше слово. Новими з'явилися досягнуті музикантами-романтиками лірич, безпосередність та експресія, індивідуалізація лірич. висловлювання, передача психологіч. розвитку почуття, повного нових дорогоцінних деталей всіх своїх етапах.

Фантастика як контраст до прозаїч. реальність схожа на лірику і часто, особливо в музиці, переплітається з останньою. Сама по собі фантастика виявляє різні грані, однаково істотні для Р. Вона постає як свобода уяви, вільна гра думки і почуття і одночас. як свобода пізнання, що сміливо спрямовується у світ «дивного», чудового, незвіданого хіба що всупереч філістерському практицизму, убогому «здоровому глузду». Фантастика є і різновидом романтично-прекрасного. Разом з тим фантастика дає можливість в опосередкованій формі (а отже і з максимальною витівкою. узагальненістю) зіштовхнути прекрасне і потворне, добре і зле. У мистецтв. розробку цього конфлікту Р. зробив великий внесок.

Інтерес романтиків до життя «назовні» нерозривно пов'язаний із загальною концепцією таких понять, як народно- та національно-самобутнє, натуральне, характерне. Це було прагнення відтворити втрачену в навколишній реальності справжність, первинність, цілісність; звідси інтерес до історії, до фольклору, культ природи, трактований як первозданність, як найповніше і неспотворене втілення «душі світу». Для романтика природа - притулок від бід цивілізації, вона втішає, зціляє людину, яка б'ється. Романтики зробили величезний внесок у пізнання, у мистецтв. відродження нар. поезії та музики минулих епох, а також «далеких» країн. За словами Т. Манна, Р. - це «туга за минулим і в той же час реалістичне визнання права на своєрідність за всім, що коли-небудь дійсно існувало зі своїм місцевим колоритом і своєю атмосферою» (Зібр. тв., т. 10 , М., 1961, с.322), У Великобританії розпочате ще в 18 ст. збирання нац. фольклору було продовжено у 19 ст. В. Скоттом; у Німеччині саме романтики вперше зібрали та зробили загальним надбанням скарбу нар. творчості своєї країни (збірка Л. Арніма та К. Брентано «Чарівний ріг хлопчика», «Дитячі та сімейні казки» бр. Грімм), що мало велике значеннята для музики. Прагнення до правильної передачі нар.-нац. мистецтв. стилю («локального колориту») - загальна риса музикантів-романтиків різних країн та шкіл. Те саме можна сказати і про муз. краєвид. Створене у цій галузі композиторами 18 – поч. 19 ст. набагато перевершено романтиками. У муз. втіленні природи Р. досяг невідомої раніше образної конкретності; цьому послужили знову відкриті висловлювання. засоби музики, насамперед ладо-гармонічні та оркестрові (Г. Берліоз, Ф. Ліст, Р. Вагнер).

"Характерне" приваблювало романтиків в одних випадках як самобутнє, цілісне, оригінальне, в інших - як дивне, ексцентричне, карикатурне. Помітити характерне, оголити його - значить прорватися крізь нівелюючу сіру завісу ординарного сприйняття і доторкнутися до дійсного, химерно строкатого життя. У прагненні цієї мети склалося типове для романтиків позов літ. та муз. портретності. Таке позов нерідко було з критицизмом художника і призводило до створення пародійних і гротескних портретів. Від Жан Поля та Гофмана схильність до характерної портретної замальовки передається Шуману та Вагнеру. У Росії її не без впливу романтич. традиції муз. портретність розвивалася у композиторів нац. реалістичні. школи - від А. С. Даргомижського до М. П. Мусоргського та Н. А. Римського-Корсакова.

Р. розвинув елементи діалектики у тлумаченні та відображенні світу, і в цьому відношенні був близький до сучасної йому ньому. класич. філософії. У позові посилюється розуміння взаємозв'язку одиничного і загального. За Ф. Шлегелем, романтич. поезія "універсальна", вона "містить у собі все поетичне, від найбільшої системи мистецтв, що включає знову-таки цілі системи, і до зітхання, до поцілунку, як вони виражають себе в безштучної пісні дитини" ("Fr. Schlegels Jugendschriften", hrsg . von J. Minor, Bd 2, S. 220). Безмежне розмаїття при прихованому внутр. єдності – ось що цінують романтики, напр. у «Дон Кіхоті» Сервантеса; Строкату тканину цього роману Ф. Шлегель називає «музикою життя» (там же, с. 316). Це роман із «відкритими горизонтами» - зауважує А. Шлегель; за його спостереженням, Сервантес вдається до «нескінченних варіацій», «якби він був витонченим музикантом» (A. W. Schlegel. Smtliche Werke, hrsg. von E. Bцcking, Bd 11, S. 413). Така витівка. позиція породжує особливу увагу як до отд. враженням, і до їх зв'язків, до створення спільної концепції. У музиці безпосередньо. вилив почуття стає філософічним, пейзаж, танець, жанрова сценка, портрет переймаються ліризмом і тягнуть до узагальнення. Р. виявляє особливий інтерес до життєвого процесу, до того, що Н. Я. Берковський називає «безпосереднім струменем життя» («Романтизм у Німеччині», Л., 1973, с. 31); це стосується музики. Для музикантів-романтиків характерне прагнення до нескінченних перетворень вихідної думки, «нескінченного» розвитку.

Оскільки Р. вбачав у всіх позовах єдиний зміст і єдину гол. мета - злиття з таємничою сутністю життя, нове значення набувала ідея синтезу позовів. «Естетика одного мистецтва є естетика та іншого; лише матеріал різний», - зауважує Шуман («Про музику та музикантів», т. 1, М., 1975, с. 87). Але поєднання «різних матеріалів» збільшує вражаючу силу художнього цілого. У глибокому та органічному злитті музики з поезією, з театром, з живописом для иск-ва відкрилися нові можливості. У сфері інстр. музики великої ролі набуває принцип програмності, т. е. включення й у композиторський задум, й у сприйняття музики лит. та ін. асоціацій.

Р. особливо широко представлений у музиці Німеччини та Австрії. На ранньому етапі – творчістю Ф. Шуберта, Е. Т. А. Гофмана, К. М. Вебера, Л. Шпора, Г. Маршнера; далі лейпцизькою школою, насамперед Ф. Мендельсоном-Бартольді та Р. Шуманом; у 2-й пол. 19 ст. – Р. Вагнером, І. Брамсом, А. Брукнером, Хуго Вольфом. У Франції Р. проявився вже в операх А. Буальдьйо і Ф. Обера, потім у більш розвиненій і самобутній формі у Берліоза. В Італії романтич. тенденції помітно відбилися у Дж. Россіні та Дж. Верді. Загальноєвроп. значення набуло творчість польського комп. Ф. Шопена, угор. - Ф. Ліста, італ. - Н. Паганіні (творчість Ліста та Паганіні явило собою і вершини романтич. виконавства), ньому. - Дж. Мейєрбер.

У разі нац. шкіл Р. зберігав багато спільного і водночас виявляв помітну своєрідність в ідеях, сюжетах, улюблених жанрах, а також у стилістиці.

У 30-ті роки. виявились істот. розбіжності між ним. та франц. школами. Склалися різні уявлення про допустиму міру стилістич. новаторства; спірним постало також питання про допустимість естетич. компромісів художника для смаків «натовпу». Антагоністом новаторства Берліоза був Мендельсон, який твердо захищав норми помірного «класико-романтичного» стилю. Шуман, що гаряче виступав на захист Берліоза і Ліста, все ж таки не приймав того, що йому здавалося крайнощами франц. школи; автору «Фантастичної симфонії» він надавав перевагу набагато більш урівноваженому Шопену, надзвичайно високо ставив Мендельсона і близьких цьому композитору А. Гензельта, С. Хеллера, В. Тауберта, У. С. Беннетта та ін. З надзвичайною різкістю критикує Шуман Мейєрбера, вбачаючи в ефектної театральності лише демагогію та гонитву за успіхом. Гейне та Берліоз, навпаки, цінують у автора «Гугенотів» динаміч. муз. драматургію. Вагнер розвиває критич. мотиви Шумана, проте у своїй творчості далеко уникає норм поміркованого романтич. стилю; дотримуючись (на відміну Мейербера) строгих критеріїв эстетич. відбору, він йде шляхом сміливих реформ. Все р. 19 ст. як опозиція до лейпцизької школи утворилася т.з. новонімецька чи веймарська школа; її центром став у свої веймарські роки (1849-61) Аркуш, прихильниками були Р. Вагнер, X. Бюлов, П. Корнеліус, Й. Рафф та ін. «Веймарці» були прихильниками програмної музики, муз. драми вагнерівського типу та ін радикально реформованих видів нового муз. позов-ва. З 1859 ідеї новонімецької школи представляли «Загальний німецький ферейн» і створений ще 1834 року Шуманом журн. «Neue Zeitschrift fьr Musik», яким з 1844 керував К. Ф. Брендель. У протилежному таборі поруч із критиком Еге. Гансликом, скрипалем і композитором Й. Йоахимом та інших. був І. Брамс; останній не прагнув суперечок і відстоював свої принципи лише у творчості (у 1860 Брамс єдностей. раз поставив свій підпис під полеміч. статтею - колективним виступом проти деяких ідей «веймарців», надрукованим у берлінському журн. «Echo»). Те, що у творчості Брамса критики схильні вважати консерватизмом, насправді було живим і оригінальним позовом, де романтич. традиція оновлювалася, відчуваючи новий сильний вплив класич. музики минулого. Перспективність цього шляху показало розвиток європ. музики слід. десятиліть (М. Регер, З. Франк, З. І. Танєєв та інших.). Так само перспективними виявилися і прозріння «веймарців». Надалі суперечки двох шкіл історично зживаються.

Оскільки у руслі Р. йшли успішні пошуки нац. справжності, соціальної та психологічної. правдивості, ідеали цієї течії тісно спліталися з ідеологією реалізму. Такі зв'язку очевидні, напр., в операх Верді, Бізе. Той самий комплекс типовий для низки нац. муз. шкіл 19 ст. У русявий. музиці романтич. елементи яскраво представлені вже у М. І. Глінки та А. С. Даргомижського, у 2-й пол. 19 ст. - У композиторів «Могутньої купки» та у П. І. Чайковського, пізніше у С. В. Рахманінова, А. Н. Скрябіна, Н. К. Метнера. Під сильним впливом Р. розвивалися молоді муз. культури Польщі, Чехії, Угорщини, Норвегії, Данії, Фінляндії. .Сібеліус та ін), а також іспан. музика 2-й пол. 19 – поч. 20 ст. (І. Альбеніс, Еге. Гранадос, М. де Фалья).

Муз. Р. активно сприяв розвитку камерної вокальної лірики та опери. Відповідно до ідеалів Р. у реформі вок. музики гол. роль відіграє поглиблення синтезу иск-в. Вок. мелодія чуйно відгукується виразність поэтич. слова, стає більш деталізованою та індивідуальною. Інстр. партія втрачає характер нейтрального «супроводу» і дедалі більше насичується образною змістовністю. У творчості Шуберта, Шумана, Франца, Вольфа простежується шлях від сюжетно розробленої пісні до муз. вірша». Серед вок. жанрів зростає роль балади, монологу, сцени, поеми; пісні у мн. випадках об'єднуються у цикли. У романтич. опері, що розвивалася в разл. напрямки, неухильно посилюється зв'язок музики, слова, театр. дії. Цій меті є: система муз. характеристик та лейтмотивів, розробка мовних інтонацій, злиття логіки муз. та сценіч. розвитку, використання багатих можливостей сімф. оркестру (до вищих здобутків оперного симфонізму належать партитури Вагнера).

в інстр. музиці композитори-романтики особливо схильні до фп. мініатюрі. Коротка п'єса стає бажаною для художника-романтика фіксацією моменту: замальовкою настрою, краєвиду, характерного образу. У ній цінуються та відносить. простота, близькість до життєвих першоджерел музики - до пісні, танцю, можливість відобразити свіжий, оригінальний колорит. Популярні різновиди романтич. коротка п'єса: «пісня без слів», ноктюрн, прелюд, вальс, мазурка, а також п'єси з програмними назвами. в інстр. мініатюрі досягається висока змістовність, рельєфна образність; при стисненні форми вона відрізняється яскравою експресією. Як і у вок. ліриці, тут виникає схильність до об'єднання отд. п'єс у цикли (Шопен – Прелюдії, Шуман – «Дитячі сцени», Лист – «Роки мандрівок» та ін.); у ряді випадків це цикли «наскрізної» будови, де між окремими відносно самостійно. п'єсами з'являються разл. роду интонац. зв'язку (Шуман - "Метелики", "Карнавал", "Крейслеріана"). Такі «наскрізні» цикли вже дають деяке уявлення про основні тенденції романтич. трактування великої інстр. форми. У ній, з одного боку, підкреслюється контрастність, різнохарактерність отд. епізодів, з іншого - посилюється єдність цілого. Під знаком цих тенденцій дається нове творче. тлумачення класич. сонати та сонатного циклу; ті ж прагнення визначають собою логіку одночастинних «вільних» форм, в яких брало зазвичай поєднуються риси сонатного allegro, сонатного циклу і варіаційність. «Вільні» форми були особливо зручними для програмної музики. У їхньому розробці, у стабілізації жанру одночастинної «симф. поеми» велика заслуга Ліста. Конструктивний принцип, що лежить в основі листівських поем, – вільне перетворення однієї теми (монотематизм) – створює вираз. контрасти і водночас забезпечує максимальне єдність всієї композиції («Прелюди», «Тассо» та інших.).

У стилістиці муз. Р. найважливішу роль набувають засоби ладові та гармонійні. Пошуки нової виразності пов'язані з двома паралельними і часто взаємопов'язаними процесами: з посиленням функціонально динамічний. сторони гармоній та з посиленням ладо-гармонич. барвисті. Перший з цих процесів - все більше насичення акордів альтераціями та дисонансами, що загострювало їх нестійкість, посилювало напругу, що вимагала дозволу надалі гармонійності. рух. Такі властивості гармонії найкраще виражали типове для Р. «томлення», потік «почуття, що нескінченно» розвивається, що з особливою повнотою втілилося у вагнерівському «Тристані». Барвисті ефекти виявилися вже у використанні можливостей мажоро-мінорної системи ладу (Шуберт). Нові, дуже різноманітні колористич. відтінки витягувалися з т.з. натуральних ладів, За допомогою яких брало підкреслювався нар. чи архаїч. характер музики; Важлива роль - особливо у фантастиці - відводилася ладам зі звукорядами целотонним і «тон-напівтон». Барвисті властивості виявлялися також у хроматично ускладненій, акордиці, що дисонує, і саме в цьому пункті зазначені вище процеси явно стикалися. Свіжі звукові ефектидосягалися і шляхом разл. зіставлень акордів чи ладів не більше діатонич. звукоряду.

У романтич. мелодиці діяли такі гол. тенденції: у структурі - прагнення до широти та безперервності розвитку, частково і до «незамкнутості» форми; у ритмі – подолання традиц. регулярності метрич. акцентів і будь-який автоматичний. повторності; в інтонац. складі - деталізація, наповнення виразністю як початкових мотивів, а й всього мелодич. малюнку. Вагнеровський ідеал «нескінченної мелодії» включив у себе всі названі тенденції. З ними ж пов'язано позов найбільших мелодистів 19 ст. Шопена та Чайковського. Муз. Р. величезною мірою збагатив, індивідуалізував засоби викладу (фактуру), зробивши їх одним із найважливіших елементів муз. образності. Те саме стосується і використання інстр. складів, особливо симф. оркестру. Р. розвинув колористич. засоби оркестру та драматургію орк. розвитку до висоти, яка не знала музика попередніх епох.

Пізній муз. Р. (кін. 19 - поч. 20 ст.) все ще давав «багаті сходи», і у його найбільших продовжувачів романтич. традиція все ще виражала ідеї прогресивного, гуманістичного. позов-ва (Г. Малер, Р. Штраус, К. Дебюссі, А. Н. Скрябін).

З посиленням та якісним перетворенням тенденцій Р. пов'язані нові творчі. досягнення у музиці. Культивується по-новому деталізована образність - як у сфері зовнішніх вражень (імпресіоністич. барвистість), так і у вишукано тонкій передачі почуттів (Дебюссі, Равель, Скрябін). Розширюються можливості муз. образотворчості (Р. Штраус). Витонченість, з одного боку, і підвищена експресивність – з іншого, створюють ширшу шкалу емоційної виразності музики (Скрябін, Малер). Разом з тим у пізньому Р., який тісно сплітався з новими течіями рубежу 19 і 20 ст. (Імпресіонізм, експресіонізм), наростали симптоми кризи. На поч. 20 ст. еволюція Р. виявляє гіпертрофію суб'єктивного початку, поступове переродження витонченості в аморфність та нерухомість. Полемічно гострою реакцією ці кризові риси з'явився муз. антиромантизм 10-20-х років. (І. Ф. Стравінський, молодий С. С. Прокоф'єв, композитори французької «Шістки» та ін.); пізньому Р. було протиставлено прагнення об'єктивності змісту, до ясності форми; виникла Нова хвиля"класицизму", культ старих майстрів, гол. обр. добетховенської доби. Середина 20 ст. показала, однак, життєздатність найцінніших традицій Р. Всупереч руйнівним тенденціям, що посилилися в західній музиці, Р. зберіг свою духовну основу і, збагачений новими стилістич. елементами, що отримав розвиток у мн. видатних композиторів 20 ст. (Д. Д. Шостакович, Прокоф'єв, П. Хіндеміт, Б. Бріттен, Б. Барток та ін.).

Література:Асмус Ст, Музична естетика філософського романтизму, «СМ», 1934, No 1; Hеф К., Історія західноєвропейської музики, переклад із франц. Би. Ст Асаф'єва, М., 1938; Соллертинський І., Романтизм, його загальна та музична естетика, в його кн.: Історичні етюди, Л., 1956, т. 1, 1963; Житомирський Д., Нотатки про музичний романтизм (Шопен і Шуман), "СМ", 1960, No 2; його ж, Шуман і романтизм, у його кн. Роберт Шуман, М., 1964; Васіна-Гроссман Ст, Романтична пісня XIX століття, М., 1966; Конен Ст, Історія зарубіжної музики, вип. 3, М., 1972; Мазель Л., Проблеми класичної гармонії, М., 1972 (гл. 9 - Про історичний розвиток класичної гармонії в XIX столітті та на початку XX століття); Скребков С., Художні принципимузичних стилів, М., 1973; Музична естетика Франції ХІХ століття. Упоряд. текстів, вступ. стаття та вступ. нариси Е. Ф. Бронфін, М., 1974 (Пам'ятники музично-естетичної думки); Музика Австрії та Німеччини XIX століття, кн. 1, М., 1975; Друскін М., Історія зарубіжної музики, вип. 4, М., 1976.

Д. В. Житомирський

Ідейно- художній напрям, що розвивалося у всіх країнах Європи та Півн. Америки у кін. 18 – 1-а підлога. 19 ст. Р. висловив незадоволеність суспільства бурж. змінами, протиставивши себе класицизму та освіті. Ф. Енгельс зазначав, що "...встановлені "перемогою розуму" громадські та політичні установи виявилися злим, що викликає гірке розчарування карикатурою на блискучі обіцянки просвітителів". Критика нового способу життя, що намітилася у руслі освіти у сентименталістів, ще більше виявилася у романтиків. Світ уявлявся їм свідомо нерозумним, сповненим таємничого, незбагненного і ворожого люду. особи. Для романтиків високі прагнення були несумісні з навколишнім світом, і розлад з дійсністю виявився чи не гол. особливістю Р. Низинності та вульгарності реального світу Р. протиставляв релігію, природу, історію, фантастич. та екзотич. сфери, нар. творчість, але найбільше – внутрішнє життя людини. Уявлення про неї Р. надзвичайно збагатив. Якщо ідеалом класицизму була античність, то Р. орієнтувався на мистецтво середньовіччя та нового часу, вважаючи своїми попередниками А. Данте, У. Шекспіра, І. В. Гете. Р. стверджував мистецтво, не передбачене зразками, але створюване вільною волею художника, що втілює свій внутрішній світ. Не приймаючи навколишню реальність, Р. насправді пізнавав її глибше і повніше, ніж класицизм. Вищим мистецтвомдля Р. стала музика як втілення вільної життєвої стихії. Вона досягла на той час величезних успіхів. Р. був також періодом надзвичайно бурхливого та значного розвитку балету. Перші кроки романтич. балету було зроблено в Англії, Італії, Росії (Ш. Дідло, А. П. Глушковський та ін.). Однак найповніше і послідовно Р. оформився у франц. балетному театрі, вплив якого позначилося в інших країнах. Однією з передумов до того став високий на той час розвиток у Франції техніки класич. танцю, особливо жіночого. Найбільш ясно романтич. тенденції проявилися у балетах Ф. Тальони ( " Сільфіда " , 1832, та інших.), де дія зазвичай розгорталося паралельно у світі реальному і фантастичному. Фантастика звільнила танець від необхідності в приватних побутових виправданнях, відкрила простір для використання техніки, що накопичилася, і її подальшого розвитку з метою виявлення в танці істотних властивостей зображуваних персонажів. У жіночому танці, що висувався в балеті Р. на перше місце, все ширше вводилися стрибки, виник танець на пуантах та ін, що якнайкраще відповідало вигляду неземних істот- Вілліс, сильфід. У балеті Р. панував танець. Виникли нові композиційні форми класич. танцю, різко піднялася роль унісонного кордебалетного жіночого танцю. Розвивалися ансамблевий, дуетний та сольний танці. Зросла роль провідної балерини, починаючи з М. Тальйоні. З'явився тюник як постійний костюм танцівниці. Підвищилася роль музики, найчастіше збірної. Почалася симфонізація танців. дії. Вершина романтич. балету - "Жизель" (1841), поставлена ​​Ж. Кораллі та Ж. Перро. Творчість Перро позначила новий етап балетного Р. Спектакль тепер великою мірою спирався на літ. першоджерело ("Есмеральда" за Гюго, "Корсар" за Байроном та ін.), і відповідно, більше драматизувався танець, збільшувалася роль дієвих композицій (pas d"action), ширше використовувався танцювальний фольклор. балетом Серпня Бурнонвіля Висунулися танцівниці Ф. Ельслер, К. Гризі, Ф. Черіто, Л. Гран, Є. І. Андріянова, Є. А. Санковська.

Тип романтич. спектаклю, що у балетах Тальони, Перро, Бурнонвиля, продовжував існувати до кін. 19 ст. Проте внутрішня будова цих вистав, насамперед у творчості – балетм. М. І. Петипа, що трансформувалося.

Прагнення відродження романтич. балету в його первісному вигляді проявилося у творчості деяких балетмейстерів 20 ст. М. М. Фокін надав Р. у балеті нові риси імпресіонізму.

Балет. Енциклопедія, СЕ, 1981

I Музика (від грецьк. musikе, буквально мистецтво муз) вид мистецтва, який відбиває дійсність і впливає людину у вигляді осмислених і особливо організованих звукових послідувань, які здебільшого з тонів… Велика Радянська Енциклопедія

- (грец. moysikn, від mousa муза) вид позову, який відображає дійсність і впливає на людину за допомогою осмислених і особливим чином організованих за висотою і в часі звукових послідувань, що складаються в основному з тонів ... Музична енциклопедія

Зміст 1 Історичні аспекти 2 Література 2.1 Зародження 2.2 Реалізм … Вікіпедія

У основі цього терміна лежить грецьк. ή μουσική (має на увазі. τέχνη мистецтво), тобто мистецтво муз (первинно богинь співу і танцю). Пізніше він отримав у греків ширше значення, у сенсі гармонійного розвитку духу взагалі, а в нас знову… Енциклопедичний словник Ф.А. Брокгауза та І.А. Єфрона

ДУХОВНА МУЗИКА- муз. твори христ. зміст, не призначений для виконання за богослужінням. Д. м. часто протиставляють світській і в такому розумінні до цієї галузі іноді відносять надзвичайно широкий спектр явищ від богослужбової музики. Православна енциклопедія

Коріння Н. м. сягає глибокої давнини. Дані археологіч. досліджень свідчать про існування в ін. герм. племен різного роду дух. інструментів (лурів), виготовлення яких відноситься до бронзового віку. Літ. та історич.… … Музична енциклопедія

Особливості формування муз. культури США, що розпочалося кін. 17 ст, багато в чому визначалися колоніальним типом розвитку країни. Перенесені на амер. ґрунт муз. традиції Європи, Африки, пізніше за Азію засвоювалися і, взаємодіючи,… … Музична енциклопедія

Витоки Р. м. сягають творчості сх. слав. племен, що населяли територію Др. Русі до виникнення 9 в. першого русявий. держ ва. Про найдавніших видахсх. слав. музики можна судити гіпотетично по отд. історич. свідченням, … Музична енциклопедія

Витоки Ф. м. сягають фольклору кельтських, галльських і франкських племен, що жили в давнину на території нинішньої Франції. народ. пісенне позов, а також гало римська культура стали фундаментом розвитку Ф. м. Стародавні літ. і… … Музична енциклопедія

Наприкінці XVIII - початку XIXстоліття виник такий художній напрям, як романтизм. У цю епоху люди мріяли про ідеальний світ та "рятувалися втечею" у фантазії. Найбільш яскраве та образне втілення цей стиль знайшов у музиці. Серед представників романтизму відомі такі композитори 19 століття, як Карл Вебер,

Роберт Шуман, Франц Шуберт, Ференц Ліст та Ріхард Вагнер.

Ференц Аркуш

Майбутній народився у сім'ї віолончеліста. Батько вчив його музики з ранніх років. Дитиною він співав у хорі та навчався грі на органі. Коли Францу виповнилося 12 років, його родина переїхала до Парижа, щоб хлопчик зміг навчатися музики. У консерваторію його не прийняли, проте, вже з 14 років він складає етюди. Такі 19 століття, як Берліоз, Паганіні, мали великий вплив.

Паганіні став справжнім кумиром Ліста, і він вирішив відточувати власну майстерність гри на піаніно. Концертна діяльність 1839-1847 років супроводжувалася блискучим тріумфом. У ці роки Ференц створив знамениту збірку п'єс «Роки мандрівок». Віртуоз гри на піаніно та улюбленець публіки став справжнім втіленням епохи.

Ференц Ліст писав музику, написав кілька книг, викладав, вів відкриті уроки. До нього з'їжджалися композитори 19 століття з усієї Європи. Можна сказати, що практично все своє життя він займався музикою, оскільки працював упродовж 60 років. І досі його музичний талант і майстерність є взірцем для наслідування сучасних піаністів.

Ріхард Вагнер

Геніальний творив музику, яка нікого не могла залишити байдужим. У неї були як шанувальники, так і запеклі противники. Вагнер змалку був захоплений театром, а в 15 років задумав створити трагедію з музикою. У 16 років він привіз до Парижа свої твори.

Протягом 3 років він марно намагався поставити оперу, але ніхто не хотів мати справу з невідомим музикантом. Такі популярні композитори 19 століття, як Ференц Ліст і Берліоз, з якими він познайомився в Парижі, не приносять йому везіння. Він перебуває у злиднях, і ніхто не хоче підтримувати його музичні ідеї.

Зазнавши невдачі у Франції, композитор повертається до Дрездена, де починає працювати диригентом у придворному театрі. У 1848 році він емігрував до Швейцарії, оскільки після участі у повстанні був оголошений злочинцем. Вагнер усвідомлював недосконалість буржуазного суспільства та залежне становище художника.

У 1859 році він оспівує в опері «Трістан та Ізольда» кохання. У творі "Парсифаль" утопічно представлено загальне братерство. Зло повалено, і перемагають справедливість та мудрість. Всі великі композитори 19 століття зазнали впливу музики Вагнера і витягли уроки з його творчості.

У XIX столітті сформувалася національна композиторська та виконавська школа у Росії. У російській музиці є два періоди: ранній романтизмута класичний. До першого належать такі російські композитори 19 століття, як А. Варламов, А. Верстовський, А. Гурілєв.

Михайло Глінка

Михайло Глінка заснував композиторську школу у нашій країні. Російський дух присутній у всіх його знаменитих операх, як «Руслан і Людмила», «Життя за царя» пронизані патріотизмом. Глінка узагальнив характерні риси в народній музичній творчості, використовував старовинні наспіви та ритми народної музики. Композитор був також новатором у музичній драматургії. Його творчість – це піднесення національної культури.

Російські композитори подарували світу безліч геніальних творів, які й у наші дні підкорюють серця людей. Серед геніальних російських композиторів ХІХ століття увічнено такі імена, як М. Балакірєв, А. Глазунов, М. Мусоргський, Н. Римський-Корсаков, П. Чайковський.

Класична музика яскраво та чуттєво відображає внутрішній світ людини. На зміну строгому раціоналізму прийшла романтика ХІХ століття.

Романтичний період

Романтичний період у музиці тривав приблизно з 1830-х по 1910-і роки. Якоюсь мірою слово «романтичний» — лише ярлик, поняття, яке не піддається строгому визначенню, як, втім, і багато інших. «Романтичними» з повним правом можна назвати багато творів, згаданих у всіх без винятку розділах нашої книги.

Головна відмінність цього періоду від інших полягає в тому, що композитори тієї епохи приділяли більшу увагу почуттям і сприйняттю музики, намагаючись висловити з її допомогою душевні переживання. У цьому вони відрізняються від композиторів класичного періоду, для яких найважливішою в музиці була форма і намагалися дотримуватися певних правил побудови композиції.

У цьому й у деяких композиторів класичного періоду у творах можна побачити елементи романтизму, а композиторів романтичного періоду – елементи класицизму. Так що все, про що ми говорили вище, це зовсім не жорстке правило, а лише Загальна характеристика.

Історія не стояла на місці, та й усі люди раптом не стали романтиками, яких посідають лише свої душевні переживання. Це час зародження соціалізму, поштової реформи та заснування Армії порятунку. Тоді ж були відкриті вітаміни та радій, побудований Суецький канал; Даймлер сконструював перший автомобіль, а брати Райт здійснили перший політ. Марконі винайшов радіо, вдало надіславши бездротове сполучення на відстань у півтора кілометри. На троні Великобританії найдовше інших англійських монархів сиділа королева Вікторія. Золота лихоманка спонукала тисячі людей вирушити до Америки.

Прогорнувши нашу книгу, ви помітите, що це найбільша з усіх її розділів, в якій згадано щонайменше тридцять сім композиторів. Багато хто з них мешкав і творив одночасно в різних країнах. Тому ми розділили цей розділ на три розділи: «Ранні романтики», «Національні композитори» та «Пізні романтики».

Як ви вже, мабуть, здогадалися, цей поділ також не претендує на абсолютну точність. Проте ми сподіваємося, що воно допоможе зберегти логічність розповіді, хоча і не завжди слідуватиме хронологічному порядку.

Це композитори, які стали свого роду місточком між класичним періодом та періодом пізнього романтизму. Багато хто з них творив у той же час, що і «класики», і на їхню творчість великий вплив зробили Моцарт і Бетховен. При цьому багато хто з них зробив свій особистий внесок у розвиток класичної музики.

Наш перший композитор романтичного періоду був справжньою зіркою свого часу. Під час своїх виступів він демонстрував чудеса віртуозного володіння скрипкою та виконував неймовірні трюки. Подібно до віртуозного року – гітариста Джимі Хендрікса, який з'явився на світ через сто шістдесят років, Нікколо Паганінінезмінно вражав публіку своєю пристрасною грою.

Паганіні міг зіграти твір повністю на двох струнах скрипки замість чотирьох. Іноді

він навіть спеціально робив так, що струни рвалися посеред виступу, після чого він все одно блискуче закінчував твір під гучні оплески публіки.

У дитинстві Паганіні займався виключно музикою. Проте його батько навіть карав його за те, що він мало вправляється, не даючи йому їжі та води.

Ставши дорослим, Паганіні настільки віртуозно володів скрипкою, що ходили чутки, ніби він уклав договір із самим дияволом, оскільки жоден смертний не може грати так чудово. Після смерті музиканта церква спочатку навіть відмовлялася ховати його на землі.

Паганіні, поза всяким сумнівом, і сам розумів усі вигоди своїх публічних виступів, стверджуючи:

«Я некрасивий, але коли жінки чують, як я граю, вони самі приповзають до моїх ніг».

Стиль та структура музичних композицій продовжувала розвиватися як в інструментальних творах, так і в опері. У Німеччині авангард оперного мистецтва очолив Карл Марія фон Вебер,хоча він і жив у роки, які багато хто не відносить до романтичного періоду.

Можна сказати, що для Веберів опера була сімейною справою, і Карл у дитинстві багато мандрував з оперною трупою свого батька. Його опера Вільний стрілець (Чарівний стрілець)увійшла до історії музики завдяки тому, що в ній були використані народні мотиви.

Трохи пізніше ви дізнаєтесь, що подібний прийом вважається характерною особливістюромантичний період.

Вебер також написав кілька концертів для кларнета, і саме ними він здебільшого і відомий сьогодні.

Італія – батьківщина опери і в особі Джоаккіно Антоніо Россінііталійцям пощастило знайти нового героя цього жанру. Він із рівним успіхом писав опери як комічного, і трагічного змісту.

Россіні належав до тих композиторів, які вигадують швидко, і для того, щоб написати оперу, йому, як правило, потрібно лише кілька тижнів. У зеніті своєї слави він одного разу сказав:

«Дайте мені рахунок із пральні, і я покладу його на музику».

Кажуть що Севільського цирульникаРоссіні написав лише за тринадцять днів. Такий швидкий темп роботи призвів до того, що нові опери постійно ставилися в усіх театрах Італії. Але до виконавців його творів він не завжди ставився прихильно і одного разу навіть зневажливо про них висловився:

«Якою чудовою була б опера, якби в ній не було співаків!»

Але у віці тридцяти семи років Россіні раптом припинив писати опери і протягом останніх майже чотирьох десятилітьсвого життя з великих творів створив лише Stabat Mater.

Досі так до кінця і не ясно, чим він керувався, ухвалюючи таке рішення, щоправда, на той час на його банківському рахунку накопичилася чимала сума – гонорари від постановок.

Крім музики Россіні плекав пристрасть до кулінарного мистецтва, і його ім'ям названо набагато більше страв, ніж іменами інших композиторів. Можна влаштувати навіть цілий обід, в який увійдуть і Салат Россіні, і Омлет Россіні, і Турнедо Россіні. (Турнедо – це смужки м'яса, обсмажені в сухарях, що подаються з паштетом та трюфелями.)

Франц Шуберт,який прожив лише тридцять один рік, вже до сімнадцяти років зарекомендував себе як талановитий композитор. За свою не довге життявін загалом написав понад шістсот пісень, дев'ять симфоній, одинадцять опер і близько чотирьохсот інших творів. Тільки одного 1815 року він написав сто сорок чотири пісні, дві меси, симфонію та низку інших робіт.

У 1823 році він заразився сифілісом, а через п'ять років, у 1828 році, помер від черевного тифу. Роком раніше він був присутній на похороні свого кумира Людвіга ван Бетховена.

Примітний той факт, що Шуберт був одним із перших великих композиторів, які прославилися завдяки виконанню чужих творів. Сам він дав лише один великий концертна рік своєї смерті, та й його затьмарив виступ Паганіні, який приїжджав у Відень приблизно в той же час. Так що бідолаха Шуберт за життя так і не домігся тієї поваги, якої заслуговував.

Одна з найбільших загадок Шуберта – Симфонія №8,відома під назвою Незакінчена.Він написав лише дві її частини, а потім припинив роботу. Ніхто не знає, чому він так вчинив, але ця симфонія досі залишається одним із його найпопулярніших творів.

Гектор Берліознародився в сім'ї лікаря, тому він, на відміну від багатьох інших згаданих у нашій книзі композиторів, не отримав повноцінної музичної освіти.

Спочатку він вирішив піти стопами батька і стати лікарем, для чого поїхав до Парижа, але там все частіше і частіше став проводити час в опері. Зрештою він вирішив зайнятися музикою, на превеликий жаль батьків.

Образ Берліоза може здатися карикатурним, таким далеким від творчості людям

видаються будь-які композитори: дуже нервовий і дратівливий, імпульсивний, з різкими перепадами настрою і звичайно ж надзвичайно романтичний у стосунках із протилежною статтю. Одного разу він накинувся на свою колишню кохану з пістолетом у руці і погрожував отруїти її; іншу він переслідував, переодягнувшись у жіночий одяг.

Але головним предметом романтичних устремлінь Берліоза була актриса Гаррієт Смітсон, яка згодом страждала від важкого нервового розладу - мабуть, чималою мірою вона їм зобов'язана самому Берліозу. Вперше він побачив її в 1827 році, але особисто зустрітися з нею йому вдалося лише в 1832-му. Спочатку Смітсон відкинула Берліоза, і він, бажаючи досягти взаємності, написав Фантастичну симфонію.У 1833 році вони все-таки одружилися, але, як цього й слід було очікувати, через кілька років Берліоз закохався в іншу жінку.

Щодо музики, то Берліоз любив розмах. Взяти хоча б для прикладу його Реквієм,написаний для величезного оркестру та хору, а також для чотирьох духових оркестрів, що розміщуються у кожному кутку сцени. Така пристрасть до великим формамне надто сприяло його посмертній славі. Виконувати його твори у тому вигляді, в якому він їх задумував, буває дуже дорого, а часом взагалі неможливо. Але його подібні перешкоди анітрохи не бентежили, і він продовжував складати музику з усією пристрастю, на яку тільки був здатний. Якось він сказав:

«Кожен композитор знайомий з болем і відчаєм, що породжуються тим, що йому не вистачає часу записати те, що він вигадав».

Будь-який школяр, який читає цю книгу, повинен відчувати заздрість до таких людей, як Фелікс Мендельсон,до людей, які прославилися ще у дитинстві.

Як бачимо на численних прикладах, у світі класичної музики це не рідкість.

Втім, Мендельсон досяг успіху не тільки в музиці; він був одним з небагатьох людей, яким вдається досягти гарного результату у всьому, за що вони тільки не беруться, – у живописі, поезії, спорті, мовах.

Освоїти все це для Мендельсона не становило жодних труднощів.

Мендельсону пощастило – він народився у багатій родині та зростав у творчій атмосфері берлінських артистичних кіл. Ще в дитинстві він познайомився з багатьма талановитими митцями та музикантами, які приходили у гості до його батьків.

Вперше на публіці Мендельсон виступив у дев'ять років, а на той час, як йому виповнилося шістнадцять, він уже написав Струнний октет.Роком пізніше він написав увертюру до шекспірівської п'єси Сон в літню ніч.Але решту музики до цієї комедії він створив лише через сімнадцять років (зокрема і знаменитий Весільний марш, який досі часто виконується на весіллях).

Особисте життя Мендельсона теж складалося вдало: за роки довгого та міцного шлюбу у них із дружиною народилося п'ятеро дітей.

Він багато працював і подорожував, у тому числі і Шотландією, про жителів якої відгукувався не дуже схвально:

«…[вони] не роблять нічого, крім віскі, туману та поганої погоди».

Але це не завадило йому написати два чудові твори, присвячені Шотландії. Через тринадцять років після першої поїздки було закінчено Шотландська симфонія;в основу Увертюри Гебридилягли шотландські мелодії. З Великобританією Мендельсона пов'язувала ще й його ораторія «Ілля», яка була вперше поставлена ​​у Бірмінгемі у 1846 році. Він навіть познайомився з королевою Вікторією та давав уроки музики принцу Альберту.

Помер Мендельсон від інсульту щодо молодому віці– у тридцять вісім років. Звичайно, можна сказати, що він не шкодував себе і перевтомився від надмірної роботи, але чималою мірою його смерть наблизила смерть улюбленої сестри Фанні, яка також була талановитим музикантом.

Перед нами ще один романтик до мозку кісток. При цьому Фредерік Шопенвідрізнявся ще й пристрасною відданістю одному інструменту, а це велика рідкість для згаданих у нашій книзі композиторів.

Сказати, що Шопен любив фортепіано – це нічого не сказати. Він захоплювався ним, він присвятив все своє життя твору фортепіанних композицій та вдосконаленню прийомів гри на ньому. Інших інструментів для нього як би не існувало, хіба що як акомпанемент в оркестрових творах.

Шопен народився 1810 року у Варшаві; батько мав француз за походженням, а мати – полька. Виступати Фредерік почав уже сім років, до того ж часу належать і його перші твори. Треба сказати, що його відмінною рисоюзавжди була спрямованість у майбутнє.

Згодом Шопен прославився в Парижі, там же став давати уроки музики багатим людям, завдяки чому і сам розбагатів. Він завжди уважно стежив за своїм зовнішнім виглядомі за тим, щоб його гардероб відповідав останній моді.

Як композитор, Шопен відрізнявся методичністю та ретельністю. Він ніколи не дозволяв собі недбалості, всякий твір відточував їм до досконалості. Не дивно, що твір музики для нього був процесом болісним.

Загалом він написав сто шістдесят дев'ять сольних творів для фортепіано.

У Парижі Шопен закохався у відому французьку письменницю з химерним ім'ям Амандіна Аврора Люсіль Дюпен, більш відому під псевдонімом Жорж Санд. Вона була досить примітною особистістю: її можна було часто зустріти на вулицях Парижа сигари, що розгулювала в чоловічому одязі і курила, чим вона шокувала виховану публіку. Роман Шопена та Жорж Санд протікав бурхливо і закінчився хворобливим розривом.

Подібно до деяких інших композиторів романтичного періоду, Шопен не прожив довге життя - він помер від туберкульозу у віці тридцяти дев'яти років, невдовзі після розриву з Жорж Санд.

Роберт Шуман- Ще один композитор, який прожив коротке і сповнене хвилюваннями життя, хоча в його випадку все було приправлено неабиякою часткою божевілля. У наші дні відомі твори для фортепіано, пісні та камерна музика Шумана.

Шуман був блискучим композитором, але за життя перебував у тіні своєї дружини. Клари Шуман,блискучої піаністки на той час. Як композитор вона менш відома, хоч теж писала досить цікаву музику.

Сам же Роберт Шуман не міг виступати в якості піаніста через травму руки, і йому було важко жити поряд з жінкою, що прославилася на цій ниві.

Композитор страждав від сифілісу та нервового розладу; якось він навіть намагався покінчити з життям, кинувшись до Рейну. Його врятували і помістили в психіатричну лікарню, де він і помер через два роки.

До мистецтва Шуман ставився прагматично. Відомо наступне його висловлювання:

«Щоб складати, потрібно лише придумати мелодію, яка ще нікому не спадала на думку».

Якщо Паганіні можна назвати королем скрипалів-виконавців, то серед піаністів-романтиків це звання по праву належить Ференцу Листу.Він також займався викладацькою діяльністю та невтомно виконував твори інших композиторів, особливо Вагнера, про який буде сказано далі.

Фортепіанні твори Ліста надзвичайно складні для виконання, але він писав під свою техніку гри, чудово розуміючи, що краще за нього ніхто їх не зіграє.

Крім цього Ліст перекладав на фортепіано твори інших композиторів: Бетховена, Берліоза, Россіні та Шуберта. Під його пальцями вони набували химерної своєрідності і починали звучати по-новому. Якщо врахувати, що спочатку вони писалися для оркестру, то залишається вражати майстерність музиканта, який напрочуд точно відтворює їх на одному – єдиному інструменті.

Аркуш був справжньою зіркою свого часу; за сто років до винаходу рок - н-ролу він вів життя, гідне будь-якого рок - музиканта, - в тому числі це стосується і різноманітних любовним зв'язкам. Заводити інтрижки йому не завадило навіть рішення ухвалити духовний сан.

Аркуш також популяризував виступи з фортепіано та оркестром – жанр, поширений і досі. Йому подобалося ловити захоплені погляди шанувальників і слухати захоплені вигуки публіки, що спостерігає за тим, як літають його пальці над кнопками. Тому він повернув фортепіано так, щоб глядачі могли стежити за грою піаніста. До цього вони сиділи спиною до публіки.

Широка публіка знає Жоржа Бізеяк творця опери Кармен,але до списку, опублікованого наприкінці нашої книги, потрапив інший його твір, Au Fond du Temple Saint(відоме також як Дует Надира та Зурги)з опери Шукачі перлів.Воно незмінно займало верхні рядки хіт – парадів відколи ми в 1996 році почали складати список найпопулярніших творів серед слухачів Classic FM.

Бізе – черговий вундеркінд, який продемонстрував свої виняткові музичні здібностіще в дитинстві. Свою першу симфонію він написав у сімнадцять років. Щоправда, помер він теж рано, у віці тридцяти шести років, поповнивши список геніїв, що передчасно пішли.

Незважаючи на свій талант, Бізе за життя так і не домігся справжнього зізнання. Опера Шукачі перлівставилася з поперемінним успіхом, а прем'єра Карментак і зовсім закінчилася провалом - модна публіка на той час не прийняла її. Прихильність критиків та справжніх поціновувачів музики Кармензавоювала лише після смерті композитора. З того часу її ставлять у всіх ведучих оперних театрахсвіту.

Ось ще одне вкрай розпливчасте визначення. «Націоналістами» з повним правом можна назвати не лише всіх композиторів – романтиків, а й певною мірою багатьох представників бароко та класичного періоду.

Проте в цій рубриці ми перерахуємо чотирнадцять провідних композиторів романтичного періоду, твори яких написані в такому стилі, що навіть не дуже добре знайомі з класичною музикою слухачі зможуть сказати, звідки той чи інший майстер родом.

Іноді цих композиторів зараховують до тієї чи іншої національної музичної школи, хоч і цей підхід не зовсім вірний.

Зазвичай за слова «школа» представляється навчальний клас, у якому діти під керівництвом вчителя виконують одне й те завдання.

Якщо ж говорити про композиторів, їх об'єднувало одне загальне напрям, а йшли вони кожен своєю дорогою, намагаючись знайти свої власні, неповторні засоби музичної виразності.

Якщо у російської класичної музики є батько - засновник, то це, поза всяким сумнівом, Михайло Іванович Глінка.Музиканти – націоналісти відрізняються саме тим, що використовують у своїх творах народні мелодії. Глінку із російськими піснями познайомила його бабуся.

На відміну від багатьох інших талановитих композиторів, що часто згадуються на сторінках нашої книги, Глінка почав серйозно займатися музикою в відносно пізньому віці – років у двадцять з невеликим. Спочатку ж він служив чиновником у міністерстві шляхів сполучення.

Коли Глінка вирішив змінити кар'єру, він вирушив до Італії, де виступав як піаніст. Саме там у нього зародилася глибока любов до опери. Повернувшись додому, він написав свою першу оперу Життя за царя.Публіка його відразу визнала найкращим російським сучасним композитором. Друга його опера, Руслан і Людмила,не мала такого ж великого успіху, хоча краще винесла випробування часом.

Олександр Порфирович Бородінналежить до композиторів, які, крім музики, активно займалися й іншими видами діяльності. Що ж до Бородіна, він свій шлях починав як учений – хімік. Його перший твір називався "Про дію йодистого етилу на гідробензамід і амарин", і його звичайно ж ви ніколи не почуєте на Classic FM, оскільки це наукова робота, яка не має жодного відношення до музики.

Бородін був незаконнонародженим сином грузинського князя; любов до музики та інтерес до мистецтва взагалі він перейняв від матері, зберігши їх на все життя.

З-за постійної зайнятості йому вдалося опублікувати лише близько двадцяти робіт, до яких входять симфонії, пісні та камерна музика.

Разом з Милієм Балакірєвим, Миколою Римським – Корсаковим, Цезарем Кюїі Модестом МусоргськимБородін входив до складу музичного співтовариства «Могутня купка». Успіх всіх цих композиторів ще більш примітний тим, що у них крім музики були й інші заняття.

У цьому вони безперечно відрізняються від більшості інших композиторів, згаданих у цій книзі.

Найпопулярніший твір Бородіна – Половецькі танціз його опери Князь Ігор.Слід згадати, що він так і не завершив її (хоч і пропрацював над нею сімнадцять років). Оперу дописав його друг Римський - Корсаков, про якого детальніше ми поговоримо далі.

Згідно з нашою думкою, Модест Петрович Мусоргськийбув найвинахідливішим і найвпливовішим з композиторів «Могутньої купки», хоча він, як людина незвичайна, не уникнув однієї – двох вад, властивих багатьом представникам творчих професій.

Залишивши армію, Мусоргський влаштувався на цивільну службу. У молодості він любив, що називається, погуляти, відрізнявся вразливістю, а під кінець життя страждав на алкоголізм. З цієї причини його часто зображують зі скуйовдженим волоссям і неприродно червоним носом.

Мусоргський часто не закінчував своїх творів, і за нього це робили друзі – іноді не так, як задумував він сам, тому зараз ми не впевнені в тому, яким був початковий задум автора. Оркестрування опери Борис Годуновпереробив Римський – Корсаков, як і найвідомішу « музичну картину» Ніч на Лисій горі(використану у диснеївському фільмі Фантазія).Оркестрування до Зображення з виставкинаписав Моріс Равель, і у цьому варіанті вони відомі у наш час.

Незважаючи на те, що Мусоргський походив з багатої сім'ї і мав величезний талант як піаніста, так і композитора, помер він у віці лише сорока двох років від алкоголізму.

Батьки Миколи Римського – Корсаковамріяли про те, щоб їхній син служив у морському флоті, і він виправдав їхні очікування. Але, прослуживши кілька років на флоті та здійснивши ряд морських подорожейВін став композитором і викладачем музики, що, безсумнівно, виявилося сюрпризом для його рідних. Сказати по правді, музикою Римський – Корсаков цікавився завжди, і навіть почав писати Симфонію №1,коли його корабель стояв на причалі у промисловій області Грейвсенда у гирлі Темзи. Напевно, це одне з найменш романтичних місць для створення музичних творів, згаданих у цій книзі.

Крім того, що Римський - Корсаков дописав і опрацював деякі твори Мусоргського, він сам створив п'ятнадцять опер на теми з російського життя, хоча в його роботах відчувається і вплив екзотичних країн. Так наприклад, Шехеразадазаснована на казці з «Тисячі та однієї ночі».

Особливо добре Римському Корсакову вдавалося показати красу звучання всього оркестру. Він приділяв цьому велику увагу у своїй викладацькій діяльності і цим вплинув на багатьох російських композиторів, які творили після нього, особливо на Стравінського.

Петро Ілліч Чайковськийтеж використовував у своїх творах російські народні мелодії, але, на відміну від інших російських національних композиторів, він обробляв їх за своїм, як, втім, і музична спадщина всієї Європи.

Особисте життя Чайковського, оповите різними таємницями (широко ходили чутки про його гомосексуальні нахили), було нелегким. Сам він якось сказав:

«Справді було б від чого збожеволіти, якби не музика!»

Дитиною він відрізнявся вразливістю, а ставши дорослим, був схильний до нападів меланхолії і навіть депресії. Неодноразово його відвідували думки про суїцид. В юності він навчався праву і деякий час пропрацював у міністерстві юстиції, але незабаром залишив службу, щоб повністю присвятити себе музиці. У віці тридцяти семи років він несподівано одружився, але його шлюб став справжньою мукою як для нього самого, так і для його дружини. Зрештою його дружина потрапила до психіатричної лікарні, де й померла. Сам Чайковський теж довго страждав від розриву, що стався лише через два місяці після весілля.

Ранні твори Чайковського були визнані широкої публікою, і це завдало йому чимало страждань. Цікаво, що багато з цих робіт, у тому числі Концерт для скрипки з оркестромі Концерт для фортепіано з оркестром № 1,Нині мають велику популярність. Запис Концерту для фортепіано з оркестром №1взагалі стала першим записом класичної музики, яка отримала статус «Золотий диск» за продаж мільйона копій.

Чайковський написав десять опер, включаючи Євгенія Онєгіна,та музику до балетів, таких як Лускунчик, Спляча красуняі Лебедине озеро.Слухаючи цю музику, одразу ж усвідомлюєш всю велич таланту Чайковського, який вмів створити надзвичайно гармонійну та захоплюючу мелодію. Його балети досі часто ставляться на світових сценах і викликають постійне захоплення публіки. З цієї ж причини музичні фрази з його симфоній та концертів відомі навіть тим, хто мало знайомий із класичною музикою.

Протягом багатьох років Чайковський користувався прихильністю багатої вдови на ім'я Надія фон Мекк, яка надсилала йому великі суми грошей, але за умови, що вони ніколи особисто не зустрінуться. Цілком можливо, що за особистої зустрічі вони б і не впізнали один одного.

Досі не зовсім зрозумілі обставини смерті композитора. Згідно з офіційним висновком, Чайковський помер від холери: він випив заражену вірусом воду. Але існує версія, згідно з якою він сам наклав на себе руки, побоюючись, що будуть оприлюднені його гомосексуальні зв'язки.

Якщо батьком російської класичної музики вважається Глінка, то ту ж роль у чеській класичній музиці виконує Бедржих Сметана.

Сметану незмінно надихали чеська народна культурата природа рідної країни. Особливо це відчувається у його циклі симфонічних поем Моя Батьківщина,на написання якого у Сметани пішло вісім років.

Нині найпопулярніший твір цього циклу – Влтава,присвячене одній з найбільших чеських річок, що протікає Прагою.

Під кінець життя Бедржих Сметана важко захворів (імовірно на сифіліс), оглух і втратив розум. Помер він у віці шістдесят років.

Його музика вплинула на наступного в нашому списку композитора Антоніна Дворжака, твори якого отримали визнання далеко за межами Чехії.

Антонін Дворжакбув справжнім чеським національним героєм, котрий палко любив свою батьківщину. Його співвітчизники відповідали йому взаємністю і обожнювали його.

Твори Дворжака широко пропагував Брамс (про який буде розказано трохи згодом). Поступово ім'я Дворжака дізналися у всьому світі. Так, наприклад, у нього з'явилися шанувальники в Англії, де він виступав на запрошення Королівського філармонічного товариства, а також на фестивалях у Бірмінгемі та Лідсі.

Після цього Дворжак вирішив вирушити до Сполучених Штатів, де йому в 1890-х роках запропонували посаду диригента Національної консерваторії в Нью-Йорку, яку він обіймав три роки. Двіржак нудьгував за батьківщиною, але не переставав цікавитися місцевою музикою. Враження від неї відображені у його Симфонії №9,отримала назву З Нового Світу.

Зрештою, Дворжак вирішив повернутися додому і останні роки свого життя провів у Празі, займаючись викладацькою діяльністю.

Крім музики Дворжак цікавився поїздами та кораблями, і саме ця його пристрасть, ймовірно, сприяла тому, що він погодився відвідати США, хоча вирішальну роль міг зіграти і запропонований йому великий гонорар.

d До представників національної чеської музичної школи також належать Йозеф Сук, Леош Яначекі Богуслав Мартіну.

Норвежець Едвард Грігналежить до кола композиторів, котрі палко любили свою батьківщину. І батьківщина відповідала йому взаємністю. У Норвегії його твори досі мають надзвичайну популярність. Але все могло скластися інакше, оскільки родина Гріг насправді була шотландського походження – його прапрадід емігрував до Скандинавії після поразки у битві з англійцями під Куллоденом.

Найкраще у Грига виходили твори невеликих жанрів, такі як Ліричні п'єсидля фортепіано Але його найвідоміший концерт – Фортепіанний концертз великим вступом, у якому звуки фортепіано немов сиплються градом під тремоло литавр.

d До представників скандинавської національної музичної школи також належать Карл Нільсені Йохан Свендсен.

Незважаючи на те, що в XIX століттів Іспанії теж писали класичну музику, там жило не так багато композиторів, які досягли світової популярності. Один із винятків – Ісаак Альбеніс,в юності не відрізнявся поступливим вдачею.

Кажуть, що грати на фортепіано Альбеніс навчився вже за один рік. Через три роки він виступав на публіці, а у віці восьми років почав гастролювати. До п'ятнадцяти років він встиг побувати в Аргентині, на Кубі, США та Англії.

Особливо вдавалися Альбенісу імпровізації: він міг на льоту придумати якусь мелодію і тут же обіграти її в кількох випадках. Також він демонстрував чудеса володіння інструментом – грав стоячи до нього спиною. На додачу до всього, він щоразу одягався в костюм мушкетера, додаючи тим самим видовищності своїм виступам.

У зрілому віці він трохи став розсудливим і вражав публіку вже не своєю епатажною поведінкою, а творами. Особливо прославився його цикл фортепіанних п'єс Іберія.Завдяки своєму успіху цей композитор вивів Іспанію з тіні і привернув до неї увагу світової музичної громадськості.

d Альбеніс вплинув на багатьох інших композиторів іспанської національної школи, включаючи Пабло де Сарасате, Енріке Гранадоса, Мануеля де Фальяі Ейтора Вілла – Лобоса(який був бразильцем).

Артур Саллівандобре відомий і в наші дні. Але історія обійшлася з ним не надто справедливо, оскільки сьогодні згадують далеко не найкращі з його робіт. У 1870-ті роки він став співпрацювати з поетом та лібреттистом У. Ш. Гілбертом. Разом вони написали кілька комічних оперет: Суд присяжних, Пірати з Пензансу, Фрегат її величності «Пінафор», Принцеса Іда, Мікадо, Йомен – гвардієцьта інші.

Незважаючи на величезний успіх їхніх спільних робіт, ці два автори не дуже добре ладнали один з одним, а під кінець після бурхливих сварок взагалі перестали спілкуватися. Сварки ці, втім, були марними.

Так, наприклад, одна з них стосувалася нового килима в лондонському театрі «Савой», де зазвичай ставилися їхні оперети.

Салліван мріяв про те, щоб прославитися як серйозний композитор, але до теперішнього часу його твори, що не належать до жанру оперет, забуті.

Втім, він написав оперу Айвенго,досить цікаву Симфонію ми – мінорта гімн «Вперед, Христове воїнство!»– мабуть, найвиконаніший його твір.

d До представників англійської національної музичної школи також належать Арнольд Бакс, Хьюберт Перрі, Семюел Кольрідж - Тейлор, Чарльз Вільєр Стенфорді Джордж Баттерворт.

Французьким аналогом оперет Гілберта та Саллівана можна назвати твори Жака Оффенбаха,людини, безперечно володіла почуттям гумору. Він народився в Кельні і тому іноді підписувався як «О. з Кельна» («О. de Cologne» звучить як «одеколон»).

1858 року Оффенбах вразив парижан канканомз оперети Орфей у пеклі; витонченій публіці такі танці простолюду здавалися дикими і непристойними, втім, і саму оперету вважали скандальною.

До речі, якщо ця назва здається вам знайомою, варто згадати, що музику на міф про Орфея у попередні століття писали Пері, Монтеверді та Глюк. Версія Оффенбаха була сатиричною, призначеною для розваг, і тому включала вельми фривольні сцени. Проте, незважаючи на перше враження, публіка зрештою полюбила оперету, тож у самого Оффенбаха навряд чи були причини шкодувати про написане.

Серед інших творів відома серйозна опера Казки Гофмана,у якій звучить Баркарол.

Лео Деліббув не менш впливовим композитором, ніж Оффенбах, хоча зараз переважно згадують лише одну його оперу – Лакме,у якій звучить знаменитий Квітковий дует,використовується у численних телевізійних заставках та рекламних роликах.

Серед знайомих Деліба були такі великі музиканти, як Берліоз та Бізе, з якими він працював, як керівник хору «Ліричного театру» в Парижі.

d До представників французької національної музичної школи також належать Алексіс – Еммануель Шабріє, Шарль Марі Відор, Жозеф Канте – лубі Жуль Массне,опера Таїсякого, включаючи інтермеццо Роздуми (Медитація),користується популярністю серед багатьох сучасних скрипалів.

Два наших останніх національних композитора – романтика – це батько і син, хоча різниця у віці між ними (двадцять один рік) не така вже й велика для історії. Йоган Штраус – старшийвважається "батьком вальсу". Він був чудовим скрипалем і керував оркестром, який виступав по всій Європі та отримував за це солідні гроші.

Проте титул «короля вальсу» по праву належить його синові, якого так само звали Йоганн Штраус. Батько не хотів, щоб він ставав скрипалем, але молодший Йоган все одно присвятив своє життя музиці та організував свій власний оркестр, який змагався з оркестром батька. У молодшого Штраусабула хороша ділова хватка, завдяки якій йому вдалося зміцнити своє фінансове становище.

Усього Йоганн Штраус – синнаписав сто шістдесят вісім вальсів, включаючи найпопулярніший із них – На чудовому блакитному Дунаї.Зрештою ім'ям Штраусів називалося цілих шість оркестрів, одним з яких керував брат Йоганна – молодшого Йозеф, а іншим – ще один його брат, Едуард (кожен із них написав близько трьохсот композицій).

Вальси та польки Йоганна були справжніми хітами віденських кав'ярень, а легкий та задерикуватий стиль став стандартом танцювальної музики по всій Європі.

Деякі любителі класичної музики досі вважають твори Штраусів надто вульгарними та легковажними. Не вірте їм і не піддавайтеся на їхні провокації! Це сімейство вміло писати по-справжньому великі твори, що піднімають настрій і запам'ятовуються надовго відразу після першого прослуховування.

Багато композиторів цього періоду продовжували писати музику і в XX столітті. Однак про них ми розповідаємо тут, а не в наступному розділі, тому що в їхній музиці був сильний саме дух романтизму.

Потрібно зауважити, що деякі з них підтримували тісні зв'язки та навіть дружбу з композиторами, згаданими у підрозділах «Ранні романтики» та «Націоналісти».

Крім того, слід мати на увазі, що в зазначений період у різних європейських країнах творило так багато чудових композиторів, що будь-який поділ їх за будь-яким принципом буде цілком умовним. Якщо у різній літературі, присвяченій класичному періоду та періоду бароко, згадуються приблизно однакові часові рамки, то романтичний період скрізь визначається по-різному. Схоже, що межа між кінцем романтичного періоду і початком XX століття музикою дуже розмита.

Провідним композитором Італії ХІХ століття був, безсумнівно, Джузеппе Верді.Цей чоловік, що дивиться на нас блискучими очима, з густими вусами і бровами стояв на цілу голову вище за всіх інших оперних композиторів.

Всі твори Верді буквально переповнені яскравими мелодіями, що запам'ятовуються. Загалом він написав двадцять шість опер, більшість із яких регулярно ставляться й у наші дні. Серед них – найвідоміші та найвидатніші твори оперного мистецтва всіх часів.

Музику Верді високо цінували за життя композитора. На прем'єрі Аїдипубліка влаштувала таку тривалу овацію, що артистам довелося виходити на уклін цілих тридцять двічі.

Верді був багатою людиною, але гроші не змогли врятувати від ранньої смерті обох дружин і двох дітей композитора, тож у його житті були і трагічні моменти. Він заповів свій стан притулку старих музикантів, побудованому під його керівництвом у Мілані. Сам Верді саме створення притулку, а не музику вважав своїм найбільшим досягненням.

Незважаючи на те, що ім'я Верді насамперед пов'язане з операми, говорячи про нього, неможливо не згадати Реквієм,який вважається одним із найкращих зразків хорової музики. Він сповнений драматизму, і в ньому прослизають деякі риси опери.

Нашого наступного композитора не назвеш найчарівнішою людиною. Взагалі – це найскандальніша і неоднозначна фігура з усіх, хто згаданий у нашій книзі. Якби ми складали список, ґрунтуючись лише на особистих рисах, то Ріхард Вагнерніколи б у нього не потрапив. Однак ми керуємося виключно музичними критеріями, а історія класичної музики немислима без цієї людини.

Талант Вагнера незаперечний. З-під його пера вийшли одні з найзначніших і вражаючих музичних творівза період романтизму – особливо це стосується опери. Разом з тим про нього відгукуються як про антисеміт, расист, тяганину, останнього ошуканця і навіть злодії, який не соромиться брати все, що йому потрібно, і грубіяни без докорів совісті. У Вагнера було гіпертрофоване почуття власної гідності, і він вірив, що його геніальність підносить його над іншими людьми.

Вагнера пам'ятають завдяки його операм. Цей композитор вивів німецьку оперу на зовсім новий рівень, і, хоча він народився одночасно з Верді, його музика сильно відрізнялася від італійських творів того періоду.

Одне з нововведень Вагнера полягало в тому, що кожному головному персонажу підбиралася своя музична тема, Що повторювалася щоразу, як тільки він починав грати значну роль на сцені.

Сьогодні це здається само собою зрозумілим, але на той час ця ідея справила справжню революцію.

Найбільшим досягненням Вагнера став цикл Кільце нібелунгу,що складається з чотирьох опер: Золото Рейну, Валькірія, Зігфріді Загибель богів.Зазвичай їх ставлять чотири вечори поспіль, і вони тривають близько п'ятнадцяти годин. Одних цих опер було б достатньо, щоб прославити їх автора. Незважаючи на всю неоднозначність Вагнера як людини, слід визнати, що він був видатним композитором.

Відмінною рисою опер Вагнера можна назвати їхню тривалість. Його остання опера Парсіфальтриває понад чотири години.

Диригент Девід Рендольф якось сказав про неї:

«Це опера з розряду тих, що починаються о шостій, а коли через три години ви дивитесь на наручний годинник, то виявляється, що вони показують 6:20».

Життя Антона Брукнераяк композитора - це урок того, як потрібно не здаватися і наполягати на своєму. Він практикувався по дванадцять годин на день, присвячував весь свій час роботі (був органістом) і багато чого в музиці навчився самостійно, закінчивши освоювати творчість з листування в досить зрілому віці - в тридцять сім років.

Сьогодні найчастіше згадують симфонії Брукнера, яких він загалом написав дев'ять штук. Часом його охоплювали сумніви у своїй спроможності як музиканта, але він все-таки досяг визнання, хоч і під кінець життя. Після виконання його Симфонії №1критики нарешті похвалили композитора, якому на той час вже виповнилося сорок чотири роки.

Йоганнес Брамсне з тих композиторів, що народилися, якщо можна так сказати, зі срібною паличкою в руці. До моменту його народження сім'я втратила колишнє багатство і ледве - ледве зводила кінці з кінцями. У підлітковому віці він заробляв життя тим, що грав у борделях свого рідного міста Гамбурга. На той час, як Брамс став дорослим він, поза всяким сумнівом, познайомився з далеко не найпривабливішими сторонами життя.

Музику Брамса пропагував його друг Роберт Шуман. Після смерті Шумана Брамс зблизився з Кларою Шуман і зрештою навіть закохався у неї. Якого роду стосунки їх пов'язували, достеменно невідомо, хоча почуття до неї напевно грало якусь роль у його стосунках з іншими жінками – жодної з них він не віддав свого серця.

Людиною Брамс був досить нестримним і дратівливим, але його друзі стверджували, що є в ньому і м'якість, хоча він не завжди демонстрував її оточуючим. Якось, повертаючись додому зі званого вечора, він сказав:

«Якщо я когось – то там не образив, то прошу у них вибачення».

Не виграв би Брамс і конкурс на наймоднішого та витончено одягненого композитора. Він страшенно не любив купувати новий одяг і часто ходив в одних і тих же мішкуватих штанах із латками, майже завжди надто короткими для нього. Під час однієї вистави штани в нього майже злетіли. Іншого разу йому довелося зняти краватку і підперезатися ним замість ременя.

На музичний стиль Брамса великий вплив зробили Гайдн, Моцарт і Бетховен, і деякі музичні історики навіть стверджують, що він писав у дусі класицизму, який на той час уже вийшов з моди. При цьому йому належать кілька нових ідей. Особливо йому вдавалося розвивати невеликі музичні уривки і повторювати їх у всьому творі – те, що композитори називають мотивом, що «повторюється».

Опер Брамс не писав, проте він випробував себе майже у всіх інших жанрах класичної музики. Тому його можна назвати одним із найбільших композиторів, згаданих у нашій книзі, справжнім гігантом класичної музики. Сам він так говорив про свою творчість:

«Зчиняти не важко, але напрочуд важко кидати зайві ноти під стіл».

Макс Брухнародився лише через п'ять років після Брамса, і останній неодмінно затьмарив би його, якби не один твір, Концерт для скрипки №1.

Брух сам визнавав цей факт, з невластивою багатьом композиторам скромністю стверджуючи:

«Через п'ятдесят років Брамса називатимуть одним із найбільших композиторів усіх часів, а мене пам'ятатимуть за те, що я написав Концерт для скрипки сіль – мінор».

І він мав рацію. Щоправда, і самого Бруха є за що пам'ятати! Він вигадав багато інших творів – загалом близько двохсот, – особливо багато у нього творів для хору та опер, які в наші дні ставлять нечасто. Його музика мелодійна, але нічого особливо нового він у її розвиток не вніс. На його тлі багато інших композиторів на той час здаються справжніми новаторами.

1880 року Бруха призначили диригентом Ліверпульського Королівського філармонічного товариства, але через три роки він повернувся до Берліна. Музиканти оркестру були від нього не в захваті.

На сторінках нашої книги ми вже познайомилися з багатьма музичними вундеркіндами, та Каміль Сен – Сансзаймає серед них не саме останнє місце. У два роки Сен-Санс вже підбирав мелодії на фортепіано, а читати та писати музику він навчився одночасно. У три роки він грав п'єси свого твору. У десять років чудово виконував Моцарта та Бетховена. Разом з тим він серйозно зацікавився ентомологією (метеликами та комахами), а потім і іншими науками, включаючи геологію, астрономію та філософію. Здавалося, така талановита дитина просто не може обмежитися чимось одним.

Закінчивши навчання в Паризькій консерваторії, Сен-Санс багато років пропрацював органістом. З віком він почав впливати на музичне життяФранції, і саме завдяки йому почала виконувати музика таких композиторів, як І. С. Бах, Моцарт, Гендель і Глюк.

Саме відомий твірСен – Санса – Карнавал тварин,який композитор за життя забороняв виконувати. Він турбувався про те, як би музичні критики, почувши цей твір, не вважали його надто легковажним. Зрештою, це ж кумедно, коли оркестр на сцені зображує лева, курок з півнем, черепах, слона, кенгуру, акваріум з рибами, птахів, осла та лебедя.

Деякі інші свої твори Сен - Санс написав для не так часто зустрічаються поєднань інструментів, включаючи знамениту «Органну» симфонію № 3,прозвучала у фільмі "Бейб".

Музика Сен – Санса вплинула на творчість інших французьких композиторів, у тому числі й Габріеля Форе.Цей юнак успадкував посаду органіста в паризькій церкві Святої Магдалини, яку раніше обіймав Сен-Санс.

І хоча талант Форе не йде в жодне порівняння з талантом його вчителя, піаністом він був чудовим.

Чоловік Форе був небагатий і тому старанно працював, граючи на органі, керуючи хором і даючи уроки. Вигадуванням він займався в вільний час, якого залишалося зовсім небагато, але, незважаючи на це, йому вдалося опублікувати понад двісті п'ятдесят своїх творів. Деякі з них вигадувалися дуже довго: так, наприклад, робота над Реквіємомтривала понад двадцять років.

У 1905 році Форе став директором Паризької консерваторії, тобто людиною, від якої багато в чому залежало розвиток тогочасної французької музики. Через п'ятнадцять років Форе пішов у відставку. Наприкінці життя він страждав від втрати слуху.

Сьогодні Форе поважають і за межами Франції, хоча там його найбільше цінують.

Шанувальникам англійської музики поява такої фігури, як Едуард Елгар,мабуть, здалося справжнім дивом. Багато істориків музики називають його першим значним англійським композитором після Генрі Перселла, який творив у період бароко, хоча раніше ми згадували і Артура Саллівана.

Елгар дуже любив Англію, особливо свій рідний Вустершир, де й провів велику частину життя, знаходячи натхнення у полях Молверн – Хіллз.

У дитинстві його всюди оточувала музика: його батько володів місцевим музичним магазином та вчив маленького Елгара грати на різних музичні інструменти. У дванадцять років хлопчик уже заміняв органіста на церковні служби.

Попрацювавши в конторі адвоката, Елгар вирішив присвятити себе набагато менш надійному з фінансової точки зору заняття. Якийсь час він підробляв, даючи уроки гри на скрипці та фортепіано, грав у місцевих оркестрах і навіть трохи диригував.

Поступово слава Елгара як композитора зростала, хоча йому довелося важко пробивати собі дорогу за межами рідного графства. Популярність йому принесли Варіації на оригінальну темуякі зараз більш відомі під назвою Варіації Енігма.

Зараз музика Елгара сприймається як дуже англійська та звучить під час найбільших подій національного масштабу. При перших звуках його Концерту для віолончелітут же представляється англійська сільська територія. Німродз Варіаційчасто грають на офіційних церемоніях, а Урочистий та церемоніальний марш № 1,відомий як Країна надії та слави,виконують на випускних вечорах по всій Великій Британії.

Елгар був сімейною людиною і любив спокійне, впорядковане життя. Проте він залишив свій слід в історії. Цього композитора із густими пишними вусами можна одразу помітити на двадцятифунтовій банкноті. Очевидно, дизайнери грошових знаків визнали, що таку рослинність на обличчі буде дуже важко підробити.

В Італії спадкоємцем Джузеппе Верді в оперному мистецтві став Джакомо Пуччіні, вважається одним із визнаних світових майстрів цього виду мистецтва.

Сімейство Пуччіні здавна мало відношення до церковній музиці, але коли Джакомо вперше почув оперу АїдаВерді, він зрозумів, що це його покликання.

Пройшовши навчання в Мілані, Пуччіні складає оперу Манон Лєско,що принесла йому перший великий успіх у 1893 році. Після цього одна успішна постановка йшла за іншою: Богема 1896 року, Тугав 1900 і Мадам Баттерфляй 1904.

Всього Пуччіні написав дванадцять опер, останньою з яких стала Турандот.Помер він, не дописавши цього твору, і завершив роботу інший композитор. На прем'єрі опери диригент Артуро Тосканіні зупинив оркестр точно в тому місці, де зупинився Пуччіні. Він повернувся до публіки і сказав:

«Тут смерть здобула перемогу над мистецтвом».

Зі смертю Пуччіні закінчився період розквіту оперного мистецтва Італії. У нашій книзі більше не згадуватимуться італійські оперні композитори. Але хто знає, що готує майбутнє?

За життя Густав Малербув відомий як диригент, ніж як композитор. Диригував він взимку, а влітку, як правило, вважав за краще займатися вигадуванням.

Говорять, що в дитинстві Малер знайшов фортепіано на горищі будинку своєї бабусі. Через чотири роки, у віці десяти років, він уже дав свою першу виставу.

Навчався Малер у Віденській консерваторії, де й почав писати музику. У 1897 році він став директором Віденської державної опери і протягом наступних десяти років здобув на цій ниві чималу славу.

Сам він почав писати три опери, але їх так і не закінчив. У наш час він відомий насамперед як автор симфоній. У цьому жанрі йому належить один із справжніх «хітів» – Симфонія №8,при виконанні якої буває задіяно понад тисячу музикантів та співаків.

Після смерті Малера його музика років на п'ятдесят вийшла з моди, але в другій половині XX століття знову набула популярності, особливо у Великобританії та США.

Ріхард Штрауснародився Німеччини і до династії віденських Штраусів не належав. Незважаючи на те, що цей композитор прожив майже всю першу половину XX століття, він все ще вважається представником німецького музичного романтизму.

Світова популярність Ріхарда Штрауса дещо постраждала від того, що він вирішив залишитися в Німеччині після 1939 року, а після Другої світової війни його взагалі звинуватили у співпраці з нацистами.

Штраус був чудовим диригентом, завдяки чому чудово розумів, як має звучати той чи інший інструмент в оркестрі. Ці знання він часто застосовував на практиці. Він також давав різні поради іншим композиторам, як:

"Ніколи не дивіться на тромбони, так ви тільки заохочуєте їх".

«Не потійте під час виступу; жарко має ставати лише слухачам».

У наші дні Штрауса згадують насамперед у зв'язку з його твором Так казав Заратустра,вступ до якого Стенлі Кубрик використав у своєму фільмі "Космічна одіссея 2001 року". Але він також написав кілька одних із найкращих німецьких опер, серед них – Кавалер троянди, Соломіяі Аріадна на Наксос.За рік до своєї смерті він також написав дуже красиві Чотири останні піснідля голосу та оркестру. Взагалі – то це були не останні пісні Штрауса, але вони стали свого роду фіналом його творчої діяльності.

Досі серед згаданих у цій книзі композиторів був лише один представник Скандинавії – Едвард Гріг. Але зараз ми знову переносимося у цей суворий та холодний край – цього разу до Фінляндії, де народився Ян Сібеліус,Великий музичний геній.

Музика Сібеліуса ввібрала міфи і легенди його батьківщини. Його найбільший твір, Фінляндія,вважається втіленням національного духу фінів, подібно до того як у Великій Британії національним надбанням визнано твори Елгара. З іншого боку, Сібеліус, як і Малер, був справжнім майстром симфоній.

Що ж до інших уподобань композитора, то він у своєму повсякденному житті надмірно захоплювався випивкою та курінням, так що у віці сорока з невеликим років захворів на рак горла. Йому часто не вистачало грошей, і держава виділила йому пенсію, щоб він продовжував писати музику, не хвилюючись про своє фінансове благополуччя. Але більш ніж за двадцять років до смерті Сібеліус взагалі перестав складати будь-що. Залишок життя він прожив у відносній самоті. Особливо різко він відгукувався про тих, хто отримував гроші за відгуки про його музику:

«Не звертайте увагу на те, що кажуть критики. Досі ще жодному критику не поставили статую».

Останній у нашому списку композиторів романтичного періоду також дожив майже до середини XX століття, хоча більшість своїх найвідоміших творів він написав у 1900-х роках. І все ж таки його зараховують до романтиків, причому нам здається, що це самий романтичний композиторз усієї групи.

Сергій Васильович Рахманіновнародився в дворянській сім'ї, яка на той момент порядком постратилася. Інтерес до музики у нього виявився ще в ранньому дитинстві, і батьки відіслали його на навчання спочатку до Петербурга, а потім і до Москви.

Рахманінов був напрочуд талановитим піаністом, і композитор з нього також вийшов чудовий.

Свій Концерт для фортепіано №1він написав у дев'ятнадцять років. Знайшов він час і для своєї першої опери, Алеко.

Але життям цей великий музикант, зазвичай, був особливо задоволений. На багатьох фотографіях ми бачимо сердитий чоловік, який насупився. Інший російський композитор, Ігор Стравінський, якось зауважив:

«Безсмертною суттю Рахманінова була його похмурість. Він являв собою шість з половиною футів похмурості… це була людина, яка вселяє страх».

Коли юний Рахманінов грав для Чайковського, той прийшов у таке захоплення, що поставив на аркуші його партитури п'ятірку із чотирма плюсами – найвищу оцінку за всю історію Московської консерваторії. Незабаром про молодий дар заговорило все місто.

Проте доля ще довго залишалася неприхильною до музиканта.

Критики дуже жорстко відгукнулися про його Симфонії №1,прем'єра якої закінчилася невдачею. Це доставило Рахманінову важкі душевні переживання, він втратив віру у свої сили і взагалі не міг що-небудь написати.

Зрештою, лише допомога досвідченого психіатра Миколи Даля дозволила йому вийти з кризи. До 1901 Рахманінов завершив концерт для фортепіано, над яким старанно працював довгі роки і який присвятив доктору Далю. Цього разу публіка зустріла твір композитора із захопленням. Відтоді Концерт для фортепіано з оркестром №2став коханим класичним твором, виконуваним різними музичними колективамипо всьому світу.

Рахманінов почав їздити з гастролями Європою та США. Повертаючись до Росії, він диригував і складав.

Після революції 1917 року Рахманінов із сім'єю вирушив на концерти до Скандинавії. Додому він уже не повернувся. Натомість він переїхав до Швейцарії, де придбав будинок на березі Люцернського озера. Він завжди любив водойми і тепер, коли став досить багатою людиною, міг дозволити собі відпочивати на березі і милуватися краєвидом, що відкривається.

Рахманінов був чудовим диригентом і завжди давав наступну пораду тим, хто хотів відзначитися на цій ниві:

«Хороший диригент має бути хорошим шофером. Обом потрібні ті самі якості: зосередженість, безперервна напружена увага і присутність духу. Диригенту залишається лише трохи знати музику…»

У 1935 році Рахманінов вирішив влаштуватися в США. Спочатку він жив у Нью-Йорку, а потім переїхав до Лос-Анджелеса. Там він почав будувати собі новий будинок, повністю ідентичний тому, що залишив у Москві.

З віком Рахманінов дедалі менше диригував і майже зовсім перестав складати музику. Вершин своєї слави він досяг як чудового піаніста.

Незважаючи на тугу за батьківщиною, у США Рахманінову подобалося. Він пишався своїм величезним "кадилаком" і часто пропонував гостям здійснити автомобільну прогулянку тільки для того, щоб похвалитися машиною.

Незадовго до смерті Рахманінов отримав громадянство США. У цій країні він і був похований.

Романтичному періоду в нашій книзі ми приділили набагато більше уваги, ніж решті періодів класичної музики.

У цю епоху відбувалося так багато цікавого в різних країнах, що розповісти про все в невеликій статті просто неможливо. Класична музика дуже сильно змінилася, як змінилося і її звучання, яке стало завдяки великим симфонічним оркестрамбільш багатим та насиченим. У багатьох відношеннях ідеальним прикладом цього звучання є твори Рахманінова. Якщо зіставити його з Бетховеном, стане зрозуміло, наскільки грандіозними були зміни.

Але якими б значними не здавалися ці зміни, що відбулися у світі музики приблизно за вісімдесят років романтичного періоду, вони не йдуть у жодне порівняння з тим, що трапилося надалі. А надалі музика стала ще більш різноманітною та незвичайною – що, на нашу думку, не завжди йшло їй на користь.