Музична культура та освіта в епоху ренесансу. музична культура відродження

Музика у період XV-XVII століть.

У середні віки музика була прерогативою церкви, тому більшість музичних творів були священними, в їх основі лежали церковні піснеспіви (григоріанський хорал), які були частиною віросповідання із самого початку християнства. На початку VI століття культові наспіви, за безпосередньою участю папи Григорія I, були остаточно канонізовані. Григоріанський хорал виконувався професійними співаками. Після освоєння церковною музикою багатоголосства григоріанський хорал залишився тематичною основою поліфонічних культових творів (мес, мотетів та ін.).

За Середньовіччям пішов Ренесанс, який був для музикантів ерою відкриттів, нововведень та досліджень, епохою Відродження всіх верств культурного та наукового прояву життя від музики та живопису до астрономії та математики.

Хоча, здебільшого, музика залишалася релігійною, але ослаблення церковного контролю над суспільством відкрило композиторам та виконавцям велику свободу у виявленні своїх талантів.

З винаходом друкарського верстата з'явилася можливість друкувати та розповсюджувати ноти, з цього моменту і починається те, що ми називаємо класичною музикою.

У цей час з'явилися нові музичні інструменти. Найпопулярнішими стали інструменти, на яких любителям музики гра давалася легко та просто, не вимагаючи спеціальних навичок.

Саме в цей час з'явилася віола – попередниця скрипки. Завдяки ладам (дерев'яні смуги упоперек грифа) грати на ній було нескладно, а звук її був тихим, ніжним і добре звучав у невеликих залах.

Також були популярні та духові інструменти- блок-флейта, флейта та ріжок. Найскладніша музика писалася для щойно створених клавесина, верджинела (англійський клавесин, що відрізняється невеликими розмірами) та органу. При цьому музиканти не забували складати і музику простіше, яка не вимагала високих виконавських навичок. На цей час припали зміни в нотному листі: на зміну важким дерев'яним друкованим блокам прийшли винайдені італійцем Оттавіано Петруччі пересувні металеві літери. Опубліковані музичні твори швидко розкуповувалися, дедалі більше людей почали долучатися до музики.

Дивитися обов'язково: Основні події історії класичної музики Італії.

Відродження(Франц. Ренесанс) – епоха у культурно-історичному житті Західної Європи XV-XVI ст. (Італії – XIV-XVI ст.). Це період виникнення та розвитку капіталістичних відносин, утворення націй, мов, національних культур. Відродження – час великих географічних відкриттів, винаходи друкарства, розвитку науки.

Свою назву епоха отримала у зв'язку з відродженнямінтересу до античномумистецтву, яке стало ідеалом для діячів культури того часу. Композитори та музичні теоретики – Й. Тінкторіс, Дж. Царліно та ін. – вивчали давньогрецькі музичні трактати; у музичних творах Жоскена Депре, якого порівнюють із Мікеланджело, «зросла втрачена досконалість древніх греків»; що з'явилася кінці 16 – початку 17 в. опера спрямовано закономірності античної драми.

Основою мистецтва Відродження був гуманізм(від латів. «humanus» - людяний, людинолюбний) – думка, що проголошує людини вищої цінністю, відстоює право людини на оцінку явищ дійсності, висуває вимога наукового пізнання і адекватного відображення мистецтво явищ дійсності. Ідеологи Відродження протиставили богослов'ю Середньовіччя новий ідеал людини, пройнятої земними почуттями та інтересами. Разом про те, мистецтво Відродження утримувалися риси попередньої епохи (будучи світським власне, воно використовувало образи середньовічного мистецтва).

Епоха Відродження була часом широких антифеодальних і антикатолицьких релігійних рухів (гуситство в Чехії, лютеранство в Німеччині, кальвінізм у Франції). Всі ці релігійні рухи об'єднуються загальним поняттям. протестантизм(або « реформація»).

В епоху Відродження мистецтво (в т.ч. і музичне) користувалося величезним громадським авторитетом і набуло надзвичайно широкого поширення. Небувалий розквіт переживає образотворче мистецтво (Л. да Вінчі, Рафаель, Мікеланджело, Ян Ван Ейк, П. Брейгель та ін.), архітектура (Ф. Брунеллескі, А. Палладіо), література (Данте, Ф. Петрарка, Ф. Рабле, М. Сервантес, У. Шекспір), музика.

Характерні риси музичної культури Відродження:

бурхливий розвиток світськиймузики (широке поширення світських жанрів: мадригалів, фроттол, вілланелл, французьких «шансон», англійських та німецьких багатоголосних пісень), її натиск на стару церковну музичну культуру, що існувала паралельно світській;

реалістичнітенденції у музиці: нові сюжети, образи, що відповідають гуманістичним поглядам і, як наслідок – нові засоби музичної виразності;

народна мелодикаяк провідний початок музичного твору. Народні піснізастосовуються як cantus firmus (головна, незмінна мелодія в тенорі в багатоголосних творах) та в музиці поліфонічного складу (в т.ч. церковної). Мелодика стає більш плавною, гнучкою, співучою, т.к. є безпосередньою виразницею людських переживань;

потужний розвиток поліфонічноїмузики, зокрема. і « строгого стилю» (інакше – « класична вокальна поліфонія», т.к. орієнтована на вокально-хорове виконавство). Суворий стиль передбачає обов'язкове дотримання встановлених правил (норми суворого стилю були сформульовані італійцем Дж. Царліно). Майстри суворого стилю володіли технікою контрапункту, імітації та канону. Суворий лист спирався на систему діатонічних церковних ладів. У гармонії панують консонанси, вживання дисонансів суворо обмежувалося спеціальними правилами. Складаються мажорний та мінорний лади та тактова система. Тематичною основою був григоріанський хорал, проте використовувалися й світські мелодії. Поняття суворого стилю не охоплює поліфонічну музику епохи Відродження. Воно орієнтоване головним чином поліфонію Палестрини і О. Лассо;

формування нового типу музиканта – професіонала, що отримував всебічну спеціальну музичну освіту Вперше з'являється поняття «композитор»;

формування національних музичних шкіл (англійська, нідерландська, італійська, німецька та ін.);

поява перших виконавців на лютні, віолі, скрипці, клавесині, органі;розквіт аматорського музикування;

поява нотодрукування.

Основні музичні жанри Відродження

Найбільші музичні теоретики Відродження:

Йоганн Тінкторіс (1446 - 1511),

Глареан (1488 – 1563),

Джозеффо Царліно (1517 – 1590).

Епоха Високого Відродження.

(З історії італійської музики з 1500 р.)

Епоха Відродження є періодом змін у всіх галузях мистецтва – живопису, архітектурі, скульптурі, музиці. Цей період ознаменував перехід від середньовіччя до сучасності. Період між 1500 та 1600, званий Високим Відродженням, є найбільш революційним періодом в історії європейської музики, це століття, в якому було розроблено гармонію та народилася опера.

У 16 столітті вперше поширилося нотодрукування, в 1501 році венеціанський книгодрукар Оттавіано Петруччі видав "Harmonice Musices Odhecaton" - першу велику збірку світської музики. Це була революція у поширенні музики, а також сприяло тому, що франко-фламандський стиль став домінуючою музичною мовою Європи у наступному столітті, оскільки будучи італійцем Петруччі у свою збірку, головним чином включив музику франко-фламандських композиторів. Згодом він опублікував безліч творів та італійських композиторів як світських, так і духовних.

Італія стає центром створення клавесинів та скрипок. Відкривається безліч майстерень зі створення скрипок. Одним із перших майстрів був знаменитий Андреа Аматі з Кремони, який започаткував династії скрипкових майстрів. Він вніс істотні зміни в конструкцію скрипок, що існували, що покращило звучання, і наблизив її до сучасного вигляду.
Франческо Канова да Мілано (1497 – 1543) – видатний італійський лютніст і композитор епохи Ренесансу, створив репутацію Італії як країни віртуозних музикантів. Він досі вважається найкращим лютнистом усіх часів. Після занепаду кінця середньовіччя музика стала важливим елементом культури.
У період Відродження досяг вершини свого розвитку мадригал і став найпопулярнішим музичним жанром епохи. Мадригалісти прагнули створювати високе мистецтво, часто використовуючи перероблену поезію великих італійських поетів пізнього середньовіччя: Франческо Петраркі, Джованні Боккаччо та інших. Характерною рисою мадригала стала відсутність строгих структурних канонів, основним принципом було вільне вираження думок та почуттів.
Такі композитори, як представник венеціанської школи Кіпріано де Роре і представник франко-фламандської школи Ролан де Лассю, експериментували з хроматизмом, гармонією, ритмом, фактурою та іншими засобами музичної виразності, що збільшується. Їхній досвід продовжить і доведе до кульмінації за часів маньєризму Карло Джезуальдо.
У 1558 році Джозеффо Царліно (1517-1590), найбільший теоретик музики з часів Арістотеля і до епохи Барокко, створив "Основи гармоніки", в цьому найбільшому творінні музичної науки 16 століття він відродив античну концепцію звучання, обґрунтував теоретичне і малого тризвучтя. Його вчення про музику мало значний вплив на західноєвропейську музичну науку і лягло в основу численних пізніших характеристик мажора та мінору.

Народження опери (флорентійська камерата)

Кінець епохи Відродження ознаменувався найважливішою подією в музичної історії- Народженням опери.
У Флоренції зібралася група гуманістів, музикантів, поетів під заступництвом свого лідера графа Джованні Де Барді (1534 – 1612). Група називалася "камерата", її основними членами були Джуліо Каччіні, П'єтро Строцці, Вінченцо Галілей (батько астронома Галілео Галілея), Джилорамо Мей, Еміліо де Кавальєрі та Оттавіо Рінуччіні в молоді роки.
Перші задокументовані збори групи відбулися 1573 року, а найактивнішими роками роботи "Флорентійської камерати" були 1577 - 1582 рр.
Вони вірили, що музика "зіпсувалася", і прагнули повернутися до форми та стилю античної Греції, вважаючи, що музичне мистецтво може бути покращено і відповідно суспільство також покращає. Камерата критикувала існуючу музику за надмірне використання поліфонії на шкоду розбірливості тексту та втрату поетичної складової твору та запропонувала створити новий музичний стиль, у якому текст у монодичному стилі супроводжувався інструментальною музикою. Їхні експерименти призвели до створення нової вокально-музичної форми - речитативу, вперше використаного Еміліо де Кавальєрі, згодом безпосередньо пов'язаного з розвитком опери.
Наприкінці 16 століття композитори почали розсовувати межі стилів епохи Відродження, на зміну приходила епоха Бароко зі своїми особливостями та новими відкриттями музики. Одним із них був Клаудіо Монтеверді.

Монтеверді. Presso в Fiume Tranquillo.

Клаудіо Джованні Антоніо Монтеверді (15.05.1567 - 29.11.1643) - італійський композитор, музикант, співак. Найважливіший композитор Бароко, його роботи найчастіше розглядаються як революційні, що відзначають перехід у музиці від Відродження до Бароко. Він жив у епоху великих змін у музиці і сам був людиною, яка змінила її.

Монтеверді. Venite, Venite.

Монтеверді. З опери "Орфей"

Першою офіційно визнаною оперою, що відповідає сучасним стандартам, стала опера "Дафна" (Daphne), вперше представлена ​​в 1598 р. Авторами "Дафни" були Якопо Пері та Якопо Корсі, лібрето Оттавіо Рінуччіні. Ця опера не збереглася. Першою оперою, що збереглася, є "Еврідіка" (1600 р.) цих же авторів - Якопо Пері і Оттавіо Рінуччіні. Ця творча спілка ще створила чимало творів, більшість з яких загублені.

Якопо Пері. Tu dormi, e I dolce sonno.

Якопо Пері. Hor che gli augelli.

Церковна музика 16 ст.

16 століття характеризується дуже сильним впливом Католицької Церкви та її інквізиції на розвиток мистецтва та науки Європи. У 1545 зібрався Тридентський собор, один з найважливіших соборів в історії Католицької Церкви, метою якого було дати відповідь реформаційному руху. У тому числі на цьому соборі розглядалася церковна музика.
Деякі делегати прагнули повернутися до одноголосих григоріанських співів і виключити з піснеспівів контрапункт, негласно вже існувала заборона на використання поліфонічного стилю в духовній музиці, в тому числі, були заборонені майже всі секвенції. Причиною такої позиції було переконання, що багатоголоса музика через контрапунктичні сплетення відтісняє текст на другий план, при цьому порушується і музична милозвучність твору.
Для вирішення спору було створено спеціальну комісію. Ця комісія доручила Джованні П'єрлуїджі да Палестрина (1514-1594), одному з найбільших композиторів церковної музики, створити пробні меси, з урахуванням усіх вимог сторін. Палестрина створив три шестиголосі меси, у тому числі, і свою найзнаменитішу "Месу Папи Марцелла", присвячену Папі Марцеллу II, своєму покровителю в юнацькі роки. Ці твори вплинули на духовенство і поставили крапку в суперечці, виступи проти використання в церковній музиці контрапункту припинилися.
Творчість Джованні П'єрлуїджі Палестрини є вершиною розвитку контрапунктичної духовної музики a capella, поєднуючи у собі всілякі комбінації поліфонії та ясність текстів.

Палестрина. Sicut Cervus.

Палестрина. Gloria

Реферат: Музика епохи Відродження

ФЕДЕРАЛЬНЕ АГЕНТСТВО З ОСВІТИ

ГОУ ВПО "Марійський державний університет"

Факультет початкових класів

Спеціальність: 050708

«Педагогіка та методика початкового навчання»

Кафедра: «Педагогіки початкової освіти»

Контрольна робота

«Музика епохи Відродження»

Йошкар-Ола 2010

Епоха Відродження (Ренессанс) є часом розквіту всіх видів мистецтв та звернення їх діячів до античних традицій та форм.

Ренесанс має нерівномірні історико-хронологічні кордони у різних країнах Європи. В Італії він настає в XIV столітті, в Нідерландах починається в XV столітті, а у Франції, Німеччині та Англії його ознаки найвиразніше проявляються у XVI столітті. Разом з тим розвиток зв'язків між різними творчими школами, обмін досвідом між музикантами, які переїжджали з країни в країну, що працювали в різних капелах, стає знаком часу і дозволяє говорити про тенденції, загальні для всієї епохи.

Художня культура Ренесансу – це особистісний початок із опорою на науку. Надзвичайно складна майстерність поліфоністів XV–XVI століть, їхня віртуозна техніка вживалися разом із яскравим мистецтвом побутових танців, вишуканістю світських жанрів. Все більший вираз у творах набуває лірико-драматизму.

Отже, як бачимо, період Ренесансу-складний період історія розвитку музичного мистецтва, тому представляється розумним розглянути його докладніше, приділяючи у своїй належну увагу окремим особистостям.

Музика - єдина всесвітня мова, її не треба перекладати, нею душа говорить із душею.

Аверба Бертольд.

Музикою епохи Відродження або музикою Ренесансу називають період у розвитку європейської музики приблизно між 1400 і 1600 роками. В Італії початок нової добинастало для музичного мистецтва у XIV столітті. Нідерландська школа склалася і досягла перших вершин у XV, після чого її розвиток все ширився, а вплив так чи інакше захоплював і майстрів інших національних шкіл. Ознаки Відродження чітко виявилися у Франції XVI столітті, хоча її творчі досягнення були великі і безперечні ще попередні століття.

До XVI століттівідноситься підйом мистецтва в Німеччині, Англії та деяких інших країнах, що входять до орбіти Відродження. І все-таки з часом новий творчий рух став визначальним для Західної Європи загалом і по-своєму відгукнувся у країнах Східної Європи.

Музиці Відродження виявилися зовсім чужими грубі та різкі звуки. Закони гармонії склали її головну суть.

Провідне становище, як і раніше, займала духовна музиказвучить під час церковного богослужіння. В епоху Відродження вона зберегла основні теми середньовічної музики: хвалу Господу та Творцю світу, святість та чистоту релігійного почуття. Головна мета такої музики, як говорив один із її теоретиків, – «насолоджувати Бога».

Основу музичної культури становили меси, мотети, гімни та псалми.

Меса - музичний твір, яке є зібранням частин католицької літургії латинського обряду, тексти якої покладено на музику для одноголосного чи багатоголосного співу, у супроводі музичних інструментівабо без, для музичного супроводу урочистого богослужіння у Римо-католицькій церкві та протестантських церквах високого спрямування, наприклад, у Церкві Швеції.

Меси, що становлять музичну цінність, також виконуються поза богослужіння на концертах, навіть багато меси пізнішого часу спеціально складалися або виконання у концертному залі, або з нагоди якогось торжества.

Церковна меса, що сягає традиційних мелодій григоріанського хоралу, найбільш яскраво виражала суть музичної культури. Як і в Середньовіччі, меса складалася з п'яти частин, але тепер вона стала більш величною та масштабною. Світ уже не здавався людині настільки малим і доступним для огляду. Звичайне життяз її земними радощами вже перестала вважатися гріховною.

Моте́т (фр. motetвід mot- слово) - вокальний багатоголосний твір поліфонічного складу, один із центральних жанрів у музиці західноєвропейського Середньовіччя та Відродження.

Гімн (др.-грец. ὕμνος) - урочиста пісня, яка хвалить і прославляє кого-небудь або що-небудь (спочатку - божество).

Псалом (грец. ψαλμός « хвалебна пісня»), Р.П. псалма, мн. псалми (грец. ψαλμοί) - гімни іудейської (івр. תהילים‎) та християнської релігійної поезії та молитви (із Старого Завіту).

Вони складають Псалтир, 19 книгу Старого Завіту. Авторство псалмів традиційно приписується цареві Давиду (близько 1000 до н. е.) та декільком іншим авторам, серед яких Авраам, Мойсей та інші легендарні особи.

Всього в Псалтир входить 150 псалмів, які поділяються на молитви, хвали, пісні та вчення.

Псалми вплинули на фольклор і послужили джерелом багатьох прислів'їв. В юдаїзмі псалми виконувались у вигляді піснеспівів гімнічного характеру під акомпанемент. При кожному псалмі, як правило, вказувалися спосіб виконання і модель (у григоріанському хоралі звана словом інтонація), тобто відповідний наспів. Псалтир зайняла важливе місце у християнстві. Псалми виконувались під час богослужінь, домашніх молитов перед боєм і при пересуванні строєм. Спочатку в церкві вони співалися всією громадою. Псалми здійснювалися а капела, лише в домашній обстановці дозволялося застосування інструментів. Тип виконання був речитативно-псалмодічним. Крім цілих псалмів, використовувалися й окремі, найвиразніші вірші їх. На цій основі виникли самостійні піснеспіви - антифон, градуал, тракт та алілуйя.

Поступово у творах церковних композитори починають проникати світські віяння. У багатоголосну тканину церковних співів сміливо вводять теми народних пісеньзовсім не релігійного змісту. Але тепер це не суперечило загальному духу та настроям епохи. Навпаки, у музиці дивним чиномз'єднувалося божественне та людське.

Найвищого розквіту духовна музика досягла XV в. у Нідерландах. Тут музика шанувалася більше за інші види мистецтва. Нідерландські та фламандські композитори першими розробили нові правила поліфонічного(багатоголосного) виконання – класичний строгий стиль». Найважливішим композиційним прийомом нідерландських майстрів стала імітація- Повторення однієї і тієї ж мелодії в різних голосах. Провідним голосом став тенор, якому доручалася головна мелодія – cantus firmus («незмінний наспів»). Нижче за тенор звучав бас, а вище – альт. Найвищий, тобто піднесений над усіма, голос отримав назву сопрано.

За допомогою математичних розрахунків нідерландським та фламандським композиторам вдалося вирахувати формулу поєднань музичних інтервалів. Головною метою творення стає створення стрункої, симетричної та грандіозної, внутрішньо завершеної звукової конструкції. Один із найяскравіших представників цієї школи Йоханнес Окегем (бл. 1425-1497) на основі математичних обчислень склав мотет на 36 голосів!

У творчості Окегема представлені всі жанри, характерні для нідерландської школи: меса, мотет та шансон. Найважливішим жанром йому виявляється меса, він виявив себе як видатний поліфоніст. Музика Окегема дуже динамічна, мелодійна лінія рухається у широкому діапазоні, має широку амплітуду. Разом про те для Окегема характерні плавність інтонації, найчистіша діатоніка, старовинне ладове мислення. Тому музику Окегема часто характеризують як «спрямовану в нескінченність», що «парить» у дещо відчуженому образному середовищі. Вона менше пов'язана з текстом, багата на розспіви, імпровізаційна, експресивна.

Збереглося дуже мало творів Окегема:

· близько 14 міс (11 повністю):

· Реквієм Missa pro Defunctis (перший багатоголосний реквієм в історії світової музичної літератури);

· 9-13 (за різними даними) мотетів:

· понад 20 шансон

Існує безліч творів, приналежність яких до Окегема ставиться під сумнів, серед них відомий мотет «Deo gratias» для 36 голосів. Деякі анонімні шансони приписуються Окегему на підставі схожості стилю.

Тринадцять мес Окегема збереглися в рукописі XV століття, відомої під назвою «Chigi codex».

Серед мес переважають чотириголосні, є дві п'ятиголосні та одна восьмиголосна. Як мес Окегем використовує народні («L'homme armé»), свої власні («Ma maistresse») мелодії або мелодії інших авторів (наприклад, Беншуа в «De plus en plus»). Є меси і без запозичених тем (Quinti toni, Sine nomine, Cujusvis toni).

Мотети та шансон

Мотети і шансон Окегема безпосередньо примикають до його месам і від них переважно своїми масштабами. Серед мотетів є пишні, святкові твори, а також суворіші духовні хорові твори.

Найбільш відомий святковий подячний мотет «Deo gratias», написаний для чотирьох дев'ятиголосних складів і тому 36-голосний. Насправді він складається з чотирьох дев'ятиголосних канонів (на чотири різні теми), які йдуть одна за одною з невеликими накладеннями початку наступного висновку попереднього. У місцях накладення звучать 18 голосів, реальної 36-голосої в мотеті немає.

Не менший інтерес представляє творчість нідерландського композитора Орландо Лассо (бл. 1532-1594), який створив понад дві тисячі творів культового та світського характеру.

Лассо - найбільш плідний композитор свого часу; через великі обсяги спадщини художня значущість його творів (багато у тому числі були замовними) остаточно ще оцінена.

Працював виключно у вокальних жанрах, у тому числі написав понад 60 мес, реквієм, 4 цикли пристрастей (за всіма євангелістами), офіцій Страсного тижня (особливо значущі респонсорії утрені Великого четверга, Великої п'ятниці та Великої суботи), понад 100 магніфікатів, гімни, фобурдони, близько 150 франц. шансон (його шансон "Susanne un jour", парафраза біблійної історії про Сусанна, була однією з найпопулярніших п'єс у XVI столітті), італійські (віланелли, морські, канцони) та німецькі пісні (більше 140 Lieder), близько 250 мадригалів.

Лассо відрізняє детальну розробку текстів на різних мовах, як богослужбових (в т.ч. текстів Святого Письма), так і вільно вигаданих. Серйозність і драматизм концепції, протяжні обсяги відрізняють твір «Сльози Св. Петра» (цикл 7-голосних духовних мадригалів на вірші Луїджі Транзилло, виданий 1595 року) і «Покаяні псалми Давида» (рукопис 1571 року у форматі in folio. Міліха, які надають цінний іконографічний матеріал про життя, у т.ч. музичних розвагах, Баварського двору).

Разом з тим, у світській музиці Лассо не був чужий гумору. Наприклад, шансон «Різається на бенкетах пиття в трьох особах» (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), переказується старовинний анекдот з життя вагантів; у знаменитій пісні «Matona mia cara» німецький солдат співає любовну серенаду, перекручуючи італійські слова; у гімні «Ut queant laxis» імітується невдале сольфеджування. Ряд яскравих коротких п'єс Лассо написаний на вельми легковажні вірші, наприклад, шансон «Дивилася в замку дама з інтересом / На мармуровій статуї єство» (En un chasteau ma dame...), а деякі пісні (особливо морські) містять обсценную лексику.

Світська музикаВідродження було представлено різними жанрами: мадригалами, піснями, канцонами. Музика, переставши бути «служницею церкви», тепер почала звучати не латинською, а рідною мовою. Найбільш популярним жанром світської музики стали мадригали (італ. Madrigal - пісня рідною мовою) - багатоголосі хорові твори, написані на текст ліричного вірша любовного змісту. Найчастіше з цією метою використовувалися вірші уславлених майстрів: Данте, Франческо Петрарки і Торквато Тассо. Мадригали виконували не професійні співаки, а цілий ансамбль любителів, де кожну партію вів один співак. Основний настрій мадригала – смуток, туга та смуток, але зустрічалися і радісні, жваві твори.

Сучасний дослідник музичної культури Д.К. Кірнарська зазначає:

«Мадригал перевернув із ніг на голову всю музичну системуепохи Відродження: зруйнувалася рівна і гармонійна мелодійна пластика меси… зник і незмінний cantus firmus, фундамент музичного цілого… звичні методи розвитку «строгого листа»… поступилися місцем емоційним і мелодійним контрастам епізодів, кожен з яких максимально виразно намагався донести ув'язнену в тексті. Мадрігал остаточно підірвав сили «строгого стилю», що слабшають.

Не менш популярним жанром світської музики була пісня у супроводі музичних інструментів. На відміну від музики, що звучить у церкві, пісні були досить простими у виконанні. Їх римований текст чітко членувався на 4-6 - малі строфи. У піснях, як і в мадригалах, велике значення набув тексту. При виконанні поетичні рядки не повинні були загубитись у багатоголосному співі. Особливою популярністю користувалися пісні французького композитораКлемана Жанекена (бл.1485-1558). Клеман Жанекен написав близько 250 шансон, здебільшого на 4 голоси, на вірші П'єра Ронсара, Клемана Маро, М. де Сен-Желе, анонімних поетів. Щодо ще 40 шансонів авторство Жанекена сучасна наука заперечує (що не зменшує, втім, якості самої цієї музики, що оспорюється). Головна відмінність його світської багатоголосної музики - програмність і образотворчість. Перед думкою слухача проходять картини битви («Битва при Мариньяно», «Битва при Ренті», «Битва при Меці»), сцени полювання («Спів птахів», «Спів солов'я», «Жайворонок»), побутові сценки («Жіноча балаканина»). Атмосферу буденного життя Парижа Жанекен яскраво передає у шансон «Крики Парижа», де чути вигуки вуличних торговців («Молоко!» - «Тистечка!» - «Артишоки!» - «Риба!» - «Сірники!» - «Голуби!» - «Старі черевики!» – «Вино!»). При всій винахідливості у фактурі та ритміці музика Жанекена у сфері гармонії та контрапункту залишається досить традиційною.

В епоху Відродження було започатковано професійної композиторської творчості. Яскравим представником цього нового віяння безсумнівно Палестрина (1525-1594). Його спадщина складає безліч творів духовної та світської музики: 93 меси, 326 гімнів та мотетів. Він автор двох томів світських мадригалів на слова Петрарки. Довгий час він працював керівником хору у соборі Святого Петра у Римі. Створену ним церковну музику відрізняють чистота та піднесеність почуттів. Світська музика композитора перейнята незвичайною одухотвореністю та гармонією.

Епосі Відродження ми зобов'язані формуванням інструментальної музикияк самостійного виду мистецтва. Саме тоді з'являється ряд інструментальних п'єс, варіацій, прелюдій, фантазій, рондо, токкат. Серед музичних інструментів особливої ​​популярності користуються орган, клавесин, віола, різні види флейт, а кінці XVIв. - Скрипка.

Завершується епоха Відродження виникненням нових музичних жанрів: сольної пісні, ораторії та опери. Якщо раніше центром музичної культури був храм, то відтоді музика зазвучала у оперному театрі. А це сталося так.

В італійському місті Флоренція наприкінці XVI ст. стали збиратися талановиті поети, актори, вчені та музиканти. Ніхто з них тоді не думав про якесь відкриття. І все-таки саме їм судилося зробити справжній переворот у театральному та музичному мистецтві. Відновлюючи постановки творів давньогрецьких драматургів, вони почали складати свою музику, що відповідає, за їхніми уявленнями, характеру античної драми.

Члени камерати(Так називалося це суспільство) ретельно продумували музичний супровід монологів та діалогів міфологічних персонажів. Від акторів вимагалося виконання розмовних партій речетативом(Декламацією, промовою наспів). І хоча слово продовжувало відігравати провідну роль стосовно музики, було зроблено перший крок до їхнього зближення та гармонійного злиття. Подібне виконання дозволяло більшою мірою передавати багатство внутрішнього світу людини, її особисті переживання та почуття. На основі таких вокальних партій виникли арії– закінчені епізоди у музичному спектаклі, зокрема й у опері.

Оперний театр швидко завоював кохання та став популярним не лише в Італії, а й в інших країнах Європи.

Список використаної літератури

1) Енциклопедичний словник молодого музиканта / Упоряд. В.В. Медушевський, О.О. Очаківська. - М.: Педагогіка, 1985.

2) Світова художня культура. Від витоків до XVII століття: навч. для 10 кл. загальноосвіт. установ гуманітарного профілю/Г.І. Данилова. - 2-ге вид., Стереотип. - М.: Дрофа, 2005.

3) Матеріали з архіву музики Реннессансу: http://manfredina.ru/

Глава 1 Особливості музичної культури та мистецтва епохи Ренесансу

1.1 Філософсько-естетичні особливості культури епохи Відродження

Епоха Відродження, або Ренесанс (фр. renaissance), - поворотний моментісторія європейських народів, час великих відкриттів. Відродження вважає початок новому етапі історія світової культури. Етап цей, як зазначав Ф. Енгельс, був найбільшим прогресивним переворотом із усіх пережитих на той час людством. І, справді, епоха Відродження принесла із собою значні зміни у різних галузях економіки, науки, культури, відкрила новий шлях розуміння світу та визначила місце людини в ньому.

В Італії нові віяння з'явилися вже на рубежі XIII-XIV ст., в інших країнах Європи – у XV-XVI століттях. Для цього часу характерні: перехід від феодалізму до капіталізму, географічні відкриття, торгівлі, особистої заповзятливості, вивільнення людини від станових обмежень. А також в епоху Ренесансу зароджується сучасна наука, особливо природознавство. Досить нагадати про геніальні наукові припущення Леонардо да Вінчі, про заснування Френсіса Бекона, про астрономічні теорії Коперника, про географічні відкриття Колумба і Магеллана.

Безперечно, що це не могло не позначитися на характері світогляду. Епоха Відродження - це переворот у першу чергу в системі цінностей, в оцінці всього сущого та ставлення до нього. Виникає переконання в тому, що людина – найвища цінність, народжується філософія гуманізму. Гуманізм висуває зовсім нове трактування естетичних категорій, яке виросло на основі нового розуміння світу.

Однією з центральних категорій було поняття "гармонія". Естетика Відродження виробляє інше уявлення про гармонію, засноване на новому розумінні природи, буття та людини. Якщо середньовіччя бачило в гармонії простий ідеальний відбиток, творчого початку, божественної краси, то в естетичній свідомості епохи Відродження гармонія виступає, перш за все, як розвиток творчих потенцій самої природи, як діалектична єдність тілесного та духовного, ідеального та матеріального.

Ідеал гармонійної людини гуманісти шукали в античності, а давньогрецьке та римське мистецтвослужило їм взірцем для художньої творчості. Однак, говорячи про естетику Відродження, необхідно відзначити той факт, що вона, незважаючи на свою античну опору, все-таки відрізнялася від неї. Відродницька естетика не гірше античної проповідує наслідування природі, але вдивляючись у ці відродницькі теорії наслідування, можна помітити, що у першому плані тут стільки природа, скільки художник, його особистість, його почуття. Спочатку художник на підставі свого власного естетичного смаку відбирає ті чи інші процеси природи, а вже потім піддає їхній художній обробці. У теоретиків Відродження можна простежити таке порівняння: художник має творити так, як бог творив світ, і навіть досконаліше за те.

Таким чином, Ренесанс, використовуючи уроки античності, вводив новації. Він повертав до життя в повному обсязі античні жанри, лише ті, які були співзвучні прагненням його часу та культури. Ренесанс поєднав нове прочитання античності з новим прочитанням християнства. Відродження зблизило ці два основні початки європейської культури.

Бог не визначив людині місця в ієрархії, говорить Піко у знаменитій «Мова про гідність людини»: «Не даємо ми тобі, о, Адаме, ні певного місця, ні власного образу, ні особливого обов'язку, щоб і місце, і особа, і обов'язок ти мав по власним бажанням, згідно з твоєю волею і твоїм рішенням. Образ інших творів визначено межах встановлених нами законів. Ти ж, не стиснутий жодними межами, визначиш свій образ за своїм рішенням, у владу якого я тебе надаю». Тут, італійський мислитель ставить людину в центр світу, це людина, яка не має власної особливої ​​природи, вона повинна сформувати її сама, як і все, що її оточує.

Отже, головне у Відродженні - це висування першому плані і твердження у культурі та суспільстві людської особистості, яке виливається у різні форми відродницького антропоцентризму. Антропоцентризм висував першому плані непросто особистість, а особистість як активний, діяльний початок. У результаті цього твердження творчого, діяльного матеріального початку поступово став вимальовуватися новий образлюдини, його новий тип - «hоmо faber» - «людина-творець», «людина-творець». Саме в ньому і відбувається формування основ новоєвропейського почуття особистості - автономної індивідуалістичної особистості, що усвідомлює власну цінність, активно діє і відчуває потребу у свободі. З цього моменту людська особистість, а чи не світ, не ціле, вперше стає вихідним моментом на формування системи сприйняття світу.

З особливою яскравістю ознаки нового світосприйняття проступили і утвердилися тоді художній творчості, у поступальному русі різних мистецтв, котрим винятково важливою виявилася та «революція умів», яку справила епоха Відродження.

В епоху Відродження мистецтво відігравало виняткову роль у культурі та визначило значною мірою обличчя епохи. Немає сумнівів у тому, що гуманізм у його «відродженому» розумінні влив величезні свіжі сили в мистецтво свого часу, надихнув художників на пошуки нових тем, багато в чому визначив характер образів та зміст їх творів. На зміну середньовічній культурі йшла нова, світська, вільна від церковної догматики та схоластики гуманістична культура.

Для мистецтва Відродження характерно утвердження принципів реалізму та гуманізму в літературі театрі, образотворчому мистецтві. Мистецтво Відродження – це, насамперед світське мистецтво, що виникла з урахуванням гуманізму, яке витісняє релігійні уявлення та викликає інтерес до реального життя, розкриває індивідуальне своєрідність особистості та виявляє соціально типові та характерні якості людини.

Усі основні види мистецтва – живопис, графіка, скульптура, архітектура, музика – надзвичайно змінюються. Аналіз пам'яток культури Відродження свідчить про відхід багатьох найважливіших принципів феодального світогляду . У творі мистецтва, що поступово звільняється від церковної ідеології, найбільше цінується гострий художній погляд на речі, професійна самостійність, спеціальні навички, а його створення набувають уже самодостатнього, а не священного характеру.

Характерною рисою мистецтва Ренесансу став небувалий колись розквіт реалістичної живопису. Реалістичний портрет Відродження пов'язаний з творами таких знаменитих художників як Ян ван Ейк, Леонардо да Вінчі, Рафаеля, Дюрера, Тіціана. Портрети пронизані пафосом утвердження особистості, усвідомленням того, що різноманітність та яскравість індивідуальностей є необхідна риса нормального суспільства, що розвиває. Саме в епоху Відродження живопис уперше розкриває закладені в ній можливості широкого охоплення життя, зображення діяльності людини та навколишнього її життєвого середовища. Середньовічний аскетизм і зневага до всього земного змінюються тепер жадібним інтересом до реального світу, до людини, до свідомості краси та величі природи.

Слід зазначити, що значення для живопису, як й у мистецтва загалом, мало розвиток науки. У мистецтві починають тісно переплітатися шляхи наукового та художнього розуміння світу та людини. Правдиве зображення світу і людини мало спиратися з їхньої пізнання, тому пізнавальне початок відігравало у мистецтві цієї пори особливо значної ролі. Захоплення наукою сприяло оволодінню анатомією людини, розробці реалістичної перспективи, ефектної передачі повітряного середовища, майстерності побудови ракурсів, усьому тому, що було необхідно художникам правдиво зображати людину і навколишню дійсність. Виробляється нова системахудожнього бачення світу, заснована на довірі до чуттєвого сприйняття людини, насамперед зоровим. Зображати так, як ми бачимо, у єдності із середовищем – ось вихідний принцип художників Ренесансу.

У період пізнього Відродження до цього додалася розробка системи прийомів, що надають безпосередню емоційну виразність мазку, оволодіння передачею ефектів освячення, розуміння початку світлоповітряної перспективи. Творцями теорії перспективи стають такі відомі художники як Мазаччо, Альберті, Леонардо та Вінчі. Відкриття перспективи мало важливе значення, вона допомогла розширити коло явищ, що зображаються, включити в живопис простір, пейзаж, архітектуру.

Прогресивний гуманістичний зміст культури Відродження набув яскравого вираження і в театральному мистецтві, яке зазнало значного впливу античної драматургії. Його характеризує інтерес до внутрішнього світу людини, наділеного рисами потужної індивідуальності. Відмінними рисамитеатрального мистецтва епохи Відродження з'явився розвиток традицій народного мистецтва, життєстверджуючий пафос, сміливе поєднання трагічних та комічних, поетичних та буффонно-майданних елементів. Таким є театр Італії, Іспанії, Англії.

В архітектурі ідеали життєстверджуючого гуманізму, прагнення гармонійно ясної краси форм позначилися з меншою силою, ніж у інших видах мистецтва і викликали рішучий поворот у розвитку зодчества. Особливо велику роль зіграло звернення до класичної традиції. Воно виявилося у відмові від готичних форм і відродженні античної ордерної системи, а й у класичної пропорційності пропорцій, у створенні у храмовому зодчестві центричного типу будинків із легко осяжним простором інтер'єру.

Широкого розвитку набули споруди світського призначення, це різні міські будівлі - ратуші, будинки купецьких гільдій, університети, ринкові фонтани. Разом з тим поряд з архітектурою, що обслуговує суспільні потреби міста, складається зовсім новий порівняно із середніми віками тип архітектури, житло багатого бюргера – палаццо, який надзвичайно легко відображає дух святкової атмосфери, що панує в палацах аристократів того часу. Таким чином, мистецтво в епоху Відродження вступило на нову стадію розвитку, в якій воно прагнуло пізнати та відобразити реальний світ, його красу, багатство, різноманітність за допомогою нових методів та прийомів.

1.2 Місце музики у системі мистецтв епохи Відродження

Загальні закономірності розвитку мистецтва, нове філософське та естетичне розуміння сутності та природи гармонії характерні для епохи Відродження, виявились і в музиці. Як і інших видів мистецтв цього часу, музики теж характерний активний підйом творчих сил, гуманістичні тенденції.

Слід зазначити, що музика у період займає особливе місце у системі мистецтв, поступаючись чільне місце лише живопису. На думку Леонардо да Вінчі музика була лише «молодшою ​​сестрою живопису» і навіть прислужувала їй. «Живопис перевершує музику і панує з неї», «Музика – служниця живопису».

Не можна не погодитися з визначенням великого художника, музика дійсно займала далеко не перше місце в системі мистецтв, але, проте, вона відіграла величезну роль у культурі Відродження, залишила відбиток на подальший розвиток, як у галузі музичної культури, так і мистецтва загалом . Музична культура Відродження – це своєрідний перехід від Середньовіччя до Нового часу, до епохи, коли по-новому звучить і сприймається це мистецтво.

Музика мала, мабуть, особливо широкі можливості суспільного впливу, більше інших мистецтв вона була всепроникною: незмінною частиною побуту простих людей, надбанням багатьох груп, що істотно відрізняє її від музики середньовіччя. Відхід від середньовічної традиціїнайбільш відчутним на трактаті Раміса і Пареха «Практична музика». Раміс каже: "Нехай ніхто не залякається ні величі філософії, ні складності арифметики, ні заплутаності пропорцій. Бо тут кожен, хоча б і необізнаний, але не зовсім позбавлений кмітливості і схильний схиляти слух до науки, може стати вартим і знаючим музикантом. Ми ставимо своїм завданням повчати не лише філософів чи математиків; кожен, знайомий із підставами граматики, зрозуміє цю нашу роботу. Тут можуть пропливти однаково миша і слон; і пролетіти і Дедал і Ікар". У даному трактаті, Раміс різко критикує середньовічну музику, говорить про те, що теоретики писали свої твори лише для музикантів - професіоналів та вчених, музика ж, на його переконання, повинна охоплювати ширші верстви населення. Безперечно, твір Раміса вплинув на сучасників, традиції середньовіччя були сильно підірвані, здійснюється перехід від Середньовіччя до Нового часу, до епохи Відродження.

Епоха Відродження, з її гуманістичним світоглядом, вплинула і на музичну культуру. Для музичного мистецтва гуманізм означав, перш за все, поглиблення у почуття людини, визнання за ними нової естетичної цінності. Це сприяло виявленню та реалізації найсильніших властивостей саме музичної специфіки. Найбільш виразно риси раннього Відродження виявилися в мистецтві італійського Ars nova XIV століття, головним представником якого був Франческо Ландіно. У його творчості робиться акцент на світське професійне мистецтво, що поривало з колом образів та естетикою культової музики і спиралося, в першу чергу, на народну пісенність, написану вже не латинською, а на національною мовою.

Надалі хвиля перетворень у галузі музичного мистецтва охопила й інші країни Європи. У французькій музиці з'явилася поліфонічна пісня – шансон, представники: До. Жанекен, До. де Сермізі, Р. Котле та інші; даний жанр був пройнятий народно-побутової жанровістю, що тяжіє до реалістичної програмної образотворчості, що свідчило різкий відхід церковної музики. У музиці Іспанії ренесансними рисами відзначені пісенні жанри народного походження, такі як вільянсіко та романс. Для німецької професійної музики характерна багатоголосна пісня, що тяжіла до гармонійного хорального складу, з основною мелодією в тенорі.

В епоху Відродження починається інтенсивний розвиток інструментальної музики, при цьому зберігається зв'язок із вокальними жанрами. Посилюється вплив народного мистецтва на духовну музику, особливо це відбувалося у країнах, охоплених антикатолицьким рухом Реформації, що викликав до життя гуситські гімни в Чехії, протестантський хорал у Німеччині, гугенотські псалми у Франції. Проте церква продовжувала грати роль потужного організаційного центру, будучи провідником офіційної ідеології, вона виховувала основну частину композиторів-професіоналів.

Але, навіть попри це, передові світські вокальні і вокально-інструментальні жанри дедалі голосніше заявляли про своє право більш значне місцеу музичній культурі, прагнули витіснити меси, мотети та близькі їм жанри церковної музики. Це було пов'язано з тим, що дані жанри, призначені або для церкви (у майстерні виконання добре організованої хорової капели), або (мотет) для двору того чи іншого короля, князя, герцога (у художній передачі засобами придворної капели) не надто сприяла висловлення власне особистісного початку. Лише згодом, як у гуманістичних колах склалася інша естетична атмосфера, лірика і драматизм отримали ширше і вільне втілення спочатку у італійському мадригале, та був у ранніх зразках нового жанру - «драми музикою», тобто італійської опери.

Італійська, німецька та англійська мадригал та пісенні жанри яскраво відобразили характерну для гуманістичного мистецтва Відродження увагу до внутрішнього світу особистості. Істотним проявом передових реалістичних тенденцій у музиці було створення нових сюжетів, нових музично-поетичних образів, а й далекосяжні зміни у засобах музичної виразності. Багато жанрах композиторської музики з'являється народна мелодика. Народні пісні застосовуються як cantus firmus (основою наспів, що багато разів повторюється, що йшов у другому знизу голосі багатоголосних творів) і в музиці поліфонічного складу. Подальший розвитокполіфонії на заході Європи призвело до розвитку та закріплення закономірностей так званого «суворого стилю» - однієї з вершин тогочасної музики багатоголосного складу. Суворий стиль донині є істотним етапом в історії поліфонії.

Головним, основним досягненням передової музики став новий характер всього інтонаційно-мелодійного розвитку, плавність, гнучкість, співучість; більш значний порівняно з минулим ступінь узагальненості мелодики «великого дихання» - найяскравішої виразниці людських переживань.

Великим досягненням музичної культури Відродження став розвиток інструментальної музики з опорою на нові різновиди наспівно-мелодійних смичкових інструментів, які допускали спів на інструментах (віола, смичкова ліра, гамба, скрипка), а з іншого боку – значне розширення виразних можливостей клавішних інструментів. орган, клавікорд, клавесин) щодо акордово-гармонічних наслідків. Швидко вдосконалюється і лютня – один із найпоширеніших інструментів побутового та концертного музикування.

Крім цього в епоху Ренесансу відбувається розвиток професійної майстерності, пов'язаних з появою метриз - співочих шкіл-інтернатів - свого роду хорових капел, де навчання співу, грі на органі, музичної теоріїта загальноосвітнім предметам проводилося з раннього дитинства та забезпечувало систематичне вдосконалення музичних здібностейучнів.

Так формується новий тип музикант - не дилетант з аристократів, не жонглер та шпильман, а професіонал, який здобув спеціальну музичну освіту.

Закріплення музичного професіоналізму призвело до створення національних музичних шкіл майстерності, які складалися в найбільших осередках міської музичної культури, які мали великі можливості виховання. Однією з раніше оформившихся у Європі стала поліфонія Англії, швидко розвивалася і досягла розквіту у творчості Дёнстепла – перша половина XV століття. Найбільш впливовою стала нідерландська чи франко-фламандська школа, у якій працювали такі знамениті композиториГ. Дюфаї, Й. Окегема, Я. Обрехта, О. Лассо. Працюючи у різних країнах, вони об'єднували особливості низки національних музичних культур: нідерландської, німецької, французької, італійської, англійської, створили високорозвинений поліфонічний стиль, переважно хоровий, у якому ясно позначалися ренесансні риси.

До середини XVI століття безпосередніми приймачами нідерландських поліфоністів та провідними європейськими. композиторськими школамистають римська школа на чолі з Палестриною, у творчості якого ренесансні риси поєднуються з особливостями, що відображали вплив Контрреформації, та венеціанська школана чолі з Д. Габріелі, у якого намічаються вже риси бароко. Для національних шкіл було характерно використання нових музичних засобів, які вносили у твір зв'язність та єдність. Головним музичним засобом, що вносив у твори зв'язність, єдність стала імітація, тобто повторення голосом мелодії, безпосередньо перед виконанням іншим голосом. У школах існували своєрідні види імітацій: канонічна, імітація у зверненні, збільшенні, зменшенні, що призвело згодом до найвищої контрапунктичної форми – фуги.

Стиль представлених національних шкіл знайшло відображення у творчості видатних поліфоністів інших країн – К. Моралеса та Т. Вікторія (Іспанія), У. Берда та Т. Талліса (Англія), М. Заленського з Польщі та багатьох інших.

Таким чином, музика в ряді мистецтв епохи Відродження займала дещо особливе місце, як через її специфіку, так і залежно від умов її існування в суспільстві. Тим не менш, вона була мистецтвом свого часу, виражала його, відчувала характерні для нього труднощі та протиріччя, виробляла відповідно до нього свій стиль, здобувала немислимі раніше перемоги та завойовувала нові творчі успіхи.

Розділ 2 Культура танцю в епоху Відродження

2.1 Музика та танець: аспекти взаємодії

Отже, музична культура займала особливе місце у мистецтві та культури Відродження. Розглядаючи музику, неможливо не звернутися до різних її сфер. Однією з таких галузей є танцювальне мистецтво.

Танець - вид мистецтва, у якому художні образи створюються засобами пластичних рухів та ритмічно чіткої та безперервної зміни виразних положень людського тіла. Не можна не відзначити, що музика та танець протягом багатьох століть активно взаємодіяли. Танець нерозривно пов'язаний із музикою, емоційно-образний зміст, якою знаходить своє втілення у його хореографічній композиції, рухах , фігур.

Ще з часів античності ми виявляємо своєрідний синтез музики, поезії, танцю, вони були для греків не різними мистецтвами, а одним єдиним цілим. Для позначення цього єдиного мистецтва вживалося слово «хорея», що походить від слова «хор», що увійшло і в російську мову, тільки що позначало не стільки колективний спів, скільки колективний танець. Надалі слово «хорея» перетворюється на хореографію, що позначала саме мистецтво танцю чи, ще точніше, мистецтво твору танцю.

В епоху Середньовіччя також виявляються риси взаємозв'язку музики та танцю, що охоплює складніші прийоми та форми, танцювальна музика стає переважно інструментальною. Основний вплив на її структуру та інші особливості починає надавати хореографія, яка характеризується рівномірністю, що все більше посилюється, і періодичністю рухів танців. Танцювальні ритми охоче проникають у жанри інструментальної музики, призначеної виключно слухання. Для таких танців властиво значне ускладнення музичної мови: зростає роль наскрізного розвитку, відбувається порушення періодичних танцювальних структур секвенціями, поліфонічними прийомами. Внаслідок чого подальший зв'язок музичної культури та танцю ставати складнішим і специфічнішим.

Величезне перетворення музики та танцю здійснилося в епоху Відродження. Танець, танцювальна музика – найважливіші пласти ренесансної культури. Розвиток музичного мистецтва в епоху Ренесансу був тісно пов'язаний з розвитком танцю, оскільки майже всі великі композитори у своїх творах орієнтувалися на танець. Танцювальні ритми проникають у жанри інструментальної музики, призначеної виключно слухання. Павана, гальярда, жига, куранта, вольта та інші види народних танців стали матеріалом для віртуозних композицій: вироблялася гнучкість мелодій, чіткість періодів, безперервний зв'язок мотивів. Музиканти запозичують із народних пісень та танців мелодії та ритми для жанрів інструментальної музики, особливо яскраво можна це побачити у такому творі музичної культури як сюїта.

на початковому етапісвого розвитку музика сюїти мала прикладний характер – під неї танцювали. Вона являла собою свого роду поєднання лютневих, а пізніше клавірових та оркестрових танцювальних п'єс. У XV-XVI століттях прообразом сюїти послужили серії з трьох і більше танців (для різних інструментів), що супроводжували придворні процесії та церемонії, а також парні об'єднання контрастних танців (павана - гальярда, пассамеццо - сальтарелло та ін.). Найбільш типовою основою для танцювальної сюїти послужив набір танців, що склався в сюїтах І.Я.Фробергера: алеманда - куранта - сарабанда - жига. Але для розвитку драматургії циклу сюїти знадобилося відоме віддалення від побутових танців. Цей перелом відбувається в епоху Відродження, і вже потім найяскравіше відбивається в музиці XVIIстоліття. З середини XVII століття танцювальна сюїта, втративши прикладне призначення, існує переважно під назвами партиту (нім.), lessons(англ.), balletto, sonata da camera, ordre(франц.), інколи ж як «збори клавірних п'єс». Таким чином, за допомогою перетворення та взаємодії з музикою, вона стає частиною музичного мистецтва, впливає на становлення сонатної форми. Художніх вершин у цьому жанрі досягли І. С. Бах (французькі та англійські сюїти, партити для клавіра, для скрипки та віолончелі соло) та Г. Ф. Гендель (17 клавірних сюїт).

Торкаючись інших аспектів, насамперед, варто відзначити той вплив, який мала танцювальна музика на формування гомофонно-гармонічного складу. Саме з нею, у професійне мистецтво, у розпал поліфонічного церковного багатоголосся приходить гомофонно-гармонічне мислення, ясно розчленована, тематично яскрава мелодика, періодична ритміка; відбувається становлення тональної організації (так, новий на той час лад мажор найперше утвердився у танцях епохи Відродження.

У танцювальній музиці перебувають витоки багатьох великих інструментальних форм, у яких грунтується все класичне мистецтво (період, проста тричастинна форма, варіаційна, циклічна). З танцювальною літературою багато в чому пов'язана і емансипація інструментальної музики (з'являються нові жанри), формування самостійного клавірного (пізніше – фортепіанного), лютневого, оркестрового стилів. Багатство танцювальних образів, відображених у класичній музиці, Величезно. І це не дивно: адже образне втілення танцювальних ритмів та інтонацій поряд із пісенним фольклором відіграє важливу роль у зміцненні реалістичних основ музичного мистецтва. Композитори незмінно втілюють у своїх творах міміку, жест, пластику у русі танцю чи маршу, звертаючись до танцювальної музики під час створення і інструментальних (камерних, симфонічних), і вокальних, зокрема - оперних творів.

Таким чином, слід відзначити важливу роль танцю у музичній культурі Західної Європи, починаючи з епохи Відродження. Танцювальні ритми залучали великих композиторів, а музика, заснована на таких ритмах, своєю чергою впливала на практику і теорію танцю. Музика наказувала танцю слідувати за її відкриттями, вбирати в себе щось нове та взаємодіяти з іншими видами мистецтва. Свідчення такого зсуву дають нам танці епохи Відродження як символ становлення танцювального мистецтва на новий шлях розвитку.

2.2 Хореографія на підступах до самовизначення

Серед інших видів мистецтва за доби Відродження починає виділятися танцювальне мистецтво. Танець стає особливо популярним і досягає у своєму розвитку небувалих успіхів. Якщо в попередні епохи танець був лише частиною культу або загальної розваги, то в епоху Відродження у хореографічного мистецтва з'являються нові функції, нове ставлення до танцю. гріховність, негідність цього заняття, характерна для епохи Середньовіччя, в епоху ж Відродження він перетворюється на обов'язкову приналежність світського життя і стає одним з найнеобхідніших для вихованої та освіченої людини навичок (нарівні з такими як майстерне володіння шпагою, вміння їздити на конях, ввічливо говорити, витончено ораторствувати). Танець вливається у загальний перебіг перетворень: під впливом музики він перетворюється на професійне мистецтво.

Хореографія вступає на шлях до самовизначення: мистецтво впорядковується, встановлює певні правила та норми, відточує прийоми та структурні форми, відбувається поділ видів танцю: народного (селянського) та придворного (дворянсько-феодального) танцю, що розпочалося ще в середньовіччі, продовжується. Процес цей йшов поступово і був пов'язаний з розшаруванням суспільства, що посилюється, і витікаючими звідси відмінностями між способом життя простих людей і знаті. «Довільність минула, - пише Курт Сакс. – Придворний та народний танець розділилися раз і назавжди. Вони постійно впливатимуть одна на одну, але їх цілі стали в своїй основі різні».

Якщо народні танці зберігають свій невимушений, грубуватий характер, то стиль придворних танців стає все більш урочистим, розміреним, частково манірним. Це зумовлювалося кількома чинниками. По-перше, пишний та важкий стиль одягу феодалів виключав енергійні, напружені рухи, різкі стрибки. По-друге, сувора регламентація манер, правил поведінки та всього танцювального етикету призводить до виключення з танцю пантомімного та імпровізаційного елементів.

Відбувається суттєва зміна в техніці танцю: баланс між рухами та ритмами танцю, упорядковуються періоди коливання від спокою до руху та від спокою до напруги, чергування ритму в одному танці. Крім цього, змінюється техніка виконання: На зміну танцям з хороводною та лінійно-шеренговою композицією приходять парні (дуетні) танці, які будуються на складних рухах та фігурах, що мають характер більш менш відвертої любовної гри. Основою хореографічного малюнка стає швидка зміна епізодів, різних за характером рухів та за кількістю учасників.

Необхідність регулювання танцювального етикету сприяє формуванню кадрів танцмайстрів. Танцмайстри створюють канонічні форми танців, які старанно та пунктуально вивчає привілейоване суспільство. Цьому сприяють підручники, де систематизуються рухи, робиться спроба зафіксувати танцювальні композиції. Стверджуючи важливість цього моменту історія танцю, Курт Сакс особливо відзначає Північну Італію, у якій, передусім, виникло професійне навчання танцям. І справді, найбільш пишно танцювальне мистецтво розквітає в Італії. Бали у Флоренції XV-XVI століть - зразок пишноти, барвистості, винахідливості. Італійські вчителі танців запрошуються до різних країн. «Раніше професійні танцівники були мандрівними мімами і ганебними жонглерами, - пише Сакс, північноіталійський вчитель танців займав почесне становище. Він був супутником принців, іноді наперсником; на венеціанських весіллях, де існував звичай представляти наречену у мовчазному танці, він міг виступати замість батька. Вчителі особливо були зацікавлені у створенні шкіл для навчання танців. І вже в XV столітті в Італії з'явилися спеціальні школи, міцно затверджується професія вчителя танців. Отже, мабуть, що у XVI столітті Італія була королевою танцю, як і, мабуть, це й у XV столітті.

Першим італійським теоретиком танцювального мистецтва вважають Доменіко із П'яченці. Доменіко і Пьяченца межі XIV – XV століття написав трактат «Про мистецтво танцю та танці». Книга складається із двох частин. Перша частина присвячена танцю загалом і визначає п'ять її елементів: міра, манера триматися, поділ майданчика, пам'ять та елевація. Міра є головним принципом зв'язку швидких та повільних рухів у музиці; розподіл майданчика – істотний композиції групового танцю; пам'ять потрібна для створення танцю; манера триматися звільняє танець від нерухомих та застарілих форм; елевація розрахована на розвиток техніки танцю. Інша частина трактату встановлює категорії основних рухів. Тут він руху поділяє на два види: штучні та природні. Природні рухи – простий і подвійний крок, шляхетна поза, поворот та напівповорот, уклін та стрибок. До штучних рухів відносить удари ніг, крок і стрибок зі змінною ногою.

Крім цього варто відзначити ще одного теоретика та вчителя танців – Гульєльмо Ембрео, який написав «Трактат про мистецтво танцю». У своєму трактаті він також радить узгоджувати рухи з мірою, яку встановлює музика. Він вводить термін contro tempo – проти темпу, якому треба підкорятися, щоб досягти успіху в ученому танці. Крім цього, висуває поняття арії, що передбачає здатність рухатися між темпами і переходити від одного танцю до іншого. Працю Гульельмо переоцінити неможливо, він висловив гуманістичний світогляд Ренесансу, коли оголосив танець «свободомислючою наукою» так само піднесеною і значною, як інші, і більше тих зверненої до людської природи.

Серед італійських праць з хореографії XVI століття заслуговує на увагу книга Фабриціо Карозо «Танцівник», що вийшла друком у 1581 році. Ця книга – своєрідне керівництво, призначене для бального танцю, проте можна сказати, що ці правила були використані і в сценічному танці, хоча в них переважали більш представницькі па. У книзі він намагається систематизувати не лише танці, а й складові їхнього руху. Наприклад, він ділить реверанси на "важливі" ("grave"), "малі" ("minima"), "середні" ("semiminima"). "Середні" реверанси включали стрибок. Погоджуючись варіаційність танцю з різноманітністю музичних ритмів, Корозо користувався вже позиціями, близькими до першої, третьої та четвертої позицій класичного танцю, а також піруетами та різними видами стрибків, включаючи заноски (антраша). Техніка танцю включала акробатичні прийоми, наприклад saut de noeud (стрибок з вузлом), проте цей прийом пізніше зник. Нова техніка дозволила Корозо складати балети з п'яти, шести і навіть десяти елементів, відповідно до музики. Карозо вимагав, щоб еволюція танцівників відповідала розміром античного віршування, і згадувала дактиль, сапфічну строфу, сподей. Він писав про танець - вільний ансамбль, «виконуваний з математичною точністю, у згоді з віршами «Овідія».

Карозо, безсумнівно, започаткував розвиток балету його техніки і виконання. Природно, перші балетні спектаклі з'явилися торік у Італії. Так, наприклад, у 1489 році ломбардець Бергонцо ді Бота на честь одруження герцога міланського Гальацо Вісконті створив пишне театральне свято, в якому танець чергувався зі співом, музикою та декламацією. Італійська хореографія дуже вплинула на перші французькі балети. До кінця XVI століття з'являються балетні постановки, що мають закінчений сюжет, який виявляється через танець, спів, віршований речитатив, складне та пишне декоративне оформлення. Досвід молодого італійського балету, його педагогічна методика та праці з хореографії були сприйняті багатьма європейськими країнами. Таким чином, в епоху Ренесансу можна вже говорити про зачатки балету.

Ще один знаменитий авторза «мистецтвом танцю» – Туано Арбо – французький письменник, священик. Його внесок у розвиток танцю не менш значний, ніж італійські танцмейстери. «Орхезографія» Туано Арбо - найпопулярніший трактат, що містить інформацію про французькі бас-данси XVI століття. Арбо намагається відновити середньовічний танець, переконструювати його на новий лад звідси і зароджується його слава як першого спеціаліста з реконструкції танцю.

Підсумовуючи, можна сказати, що танцювальне мистецтво ставати в один ряд з іншими видами мистецтва і анітрохи їм не поступається. Танець піддається стилізації, наводиться у систему. Відкриваються великі можливості людського тіла. Танець переходить від розповіді реальності до вираження абстрактної думки. Далі - від придворної вистави до театрального танцю.

В епоху Відродження танець стає способом суспільної розваги та спілкування. Наприкінці XVI століття всі вважали, що танець необхідний суспільству як грайливого флірту для демонстрації витонченості і чарівності дам і сили і кавалерів. Бали влаштовувалися з нагоди всіх значних подій, спільних та приватних. Краса та витонченість кожного учасника були важливими для створення святкової бальної атмосфери, підтвердження високого соціально-політичного статусу господаря та сприяли укладенню шлюбів, що на той час було надзвичайно важливим для підтримки структури суспільства. Уміння танцювати дворяни і наслідують їх представники середнього класу відточували щоденною практикою під керівництвом безлічі вчителів. При монарших дворах складалися хореографи - вчителі танців, їх обов'язки входило і навчання танцям осіб обох статей, і навіть у цілому постановка видовища.

Так професійний танецьпочав входить у всілякі видовища. Танець, який в епоху Середньовіччя був призначений для «священного дійства», відступив у XV столітті перед святами світського характеру. Найбільше тим часом захоплювалися маскарадами, - маски мали у цю епоху особливе значення. Танець був задіяний також у вуличних ходах, в яких розігрувалися цілі постановки танцювального характеру. Найчастіше такі вуличні ходи трактували язичницькі сюжети, зміст міфів, що характерно для Ренесансу, як епохи, зверненої до античності.

Великий внесок у танець як суспільну розвагу вносили і карнавали. Найбільш пишними з них були тріумфи (trionfi), вистави на міфологічні сюжети з майстерно виконаними декораціями. Дещо скромнішими були каррі (carri, від італ. carro – «візок») – маскаради ремісників і купців у італійських містах: тут натовпи людей у ​​масках йшли за декоративними символами своїх професій Видови, де змішувалися музика, спів, декламація, пантоміма та танець супроводжували й урочисті трапези, різні придворні бенкети.

Та все ж танець епохи Ренесансу значно ширший за просту розвагу. У цей час відроджуються давні уявлення про глибокий вплив танцю на духовний та фізичний стан людини. На сторінках численних танцювальних трактатів часто висловлюється думка, що танець – аж ніяк не чиста пластика, а спосіб відображення душевних рухів. «Що стосується вищої досконалості танців, воно полягає в удосконаленні духу і тіла і приведенні їх у найкраще розташування, яке тільки можливо», - писав в одній зі своїх праць французький музичний теоретик, філософ, фізик і математик М. Мерсенн. Часто танцю, як і в давні часи, надається космологічне

значення. Невипадково зацікавленість і обізнаність у питаннях танцювального мистецтва виявляють особи духовного звання - абат де Пюр, канонік Арбо, священик Менетріє.

2.3 Жанрова палітра танцювального мистецтва

Нове ставлення до танцю за часів Ренесансу викликало появу численних танцювальних жанрів. Якщо судити з найменувань п'єс, вміщених у різних нотних зборах, практичних посібниках і трактатах, то картина виходить надзвичайно строкатою: одні танці швидко виходять із моди; інші, з'явившись в одному столітті, зберігають своє значення в іншому (наприклад, сальтарелло, бас-данс, бранль), деякі з них з часом змінюють характер і стиль хореографії.

У кожній провінції існують свої танці та своя манера виконання. Новерр писав, що менует прийшов до нас з Ангулема, що батьківщина танцю буррі – Овернь. У Ліоні вони знайдуть перші зачатки гавота, у Провансі – тамбурину.

Отже, Усі побутові танці цього часу ділилися на дві основні групи: Bassa danza (фр. basses danses) – тобто «низькі» танці, в яких не було стрибків, і ноги майже не піднімалися над підлогою (павану, алеманду, куранту) , Сарабанда та ін); Alta danza (фр. haute danses) - тобто «високі» танці хороводного руху, в яких танцюючі крутилися і підстрибували (мореска, гальярда, вольта, сальтарелло, різні види бранлей та інше.)

У період раннього Ренесансу характерне протиставлення танців повільного і жвавішого руху (bassa danza і alta danza). Воно зустрічається як на балах, так у професійній музиці, що зароджується, вже в пізньому середньовіччі. У музичних джерелах XIV-початку XV століть звичайні угруповання танців по 2: 1-й танець кожної пари витриманий у парному розмірі та повільному темпі, 2-й - у 3-дольному розмірі та швидкому темпі. Найбільше були поширені пари павана - гальярда пасамеццо - сальтарелло. Вони взаємодіяли один з одним, проте зберігали свої індивідуальні риси.

Торкаючись жанрів танцювального мистецтва епохи, їх було досить багато, але найпопулярнішими вважалися: бас – данс, павана, куранта, бранль, мореску, гальярда, сальтарелло і вольта. Для того, щоб розібратися в чому полягала специфіка кожного з танців, необхідно звернутися до їх опису та інтерпретації.

Бас-данс(фр. basse danse – «низький танець») – збірна назва придворних танців у помірному або помірно-повільному темпі і, як правило, у 4-дольному розмірі, поширених у Франції, Італії, Нідерландах між 2-ю половиною XIV та серединою XVI ст. Походження назви не зовсім зрозуміле. Можливо, воно пов'язане з практикою виконання музики даних танців на інструментах низького регістру, а можливо з відсутністю в бас-дансах високих стрибків танцюристів. Внаслідок відсутності швидких па та стрибкових рухів, характерних для «високих танців» (фр. – haute danse, італ. – alta danza), бас-данси часто називали «променадними». Композиційний малюнок міг будуватися як хоровода, ходи. Бас-данси становили ніби невелику хореографічну композицію, в якій танцюючі показували себе суспільству, що зібралося, і демонстрували своє багатство, пишність нарядів і шляхетність манер. У XV столітті, за словами К. Сакса, бас-данс «…не дотримувався ніякого встановленого порядку кроків. Строкатий, як фарби в калейдоскопі, він комбінував щоразу нові рухи». Музика для бас-дансу, яка часто має хоральний склад, зазвичай імпровізувалася на основі cantus firmus. Вільній хореографії відповідала і незамкнена (відкрита) музична структура з довільною кількістю розділів. Для виконання бас-дансу використовувалися різні інструментальні склади: лютня, арфа та барабан; тромбон, флейта з малим барабаном та ін. Як одна з частин, бас-данс входив у ранні інструментальні сюїти. Різновиди бас-дансу: бассаданця- більш вишуканий італійський різновид бас-дансу, популярний у XV столітті. Відрізняється рухливішим темпом; пива -італійський танець XV століття, темп ще швидший ніж у бассаданця, до XVI століття назва «пива» охоронялася за швидким 3-дольним танцем, перед яким часто виконували паван і сальтарелло.

Павана- урочистий повільний танець. Походження цього танцю досить неоднозначно: згідно з однією версією павана - споконвічно італійський танець, найменування його пов'язане з місцем виникнення, містом Падуя, за іншою версією, павану - танець іспанського походження. Є підстави вважати, що термін «падована» вживався також як слово, що означає родове поняття - певний тип танців, що об'єднує павану та її різновид - пасамецьцо.

Вже на початку XVI століття павана стала одним із найпопулярніших придворних танців: танцювали її в плащі та при шпазі під час урочистих церемоній: при відбутті нареченої до церкви, при здійсненні хресних ходів духовенства, виході князів, членів міського управлінні. Для музики павани характерні: чіткість будови, нерідко квадратність метроритмічної структури, переважно акордовий виклад, іноді розцвічений пасажами.

Збереглися свідчення про те, що виконання ванни супроводжувалося тамбурином, флейтою, гобоями та тромбонами за підтримки барабана, що підкреслює ритм танцю. У кожній країні характер рухів і манера виконання павани мали свої особливості: у Франції - кроки плавні, повільні, граційні, ковзаючі, в Італії - більш жваві, неспокійні, що чергуються з маленькими стрибками. У 2-й половині XVI століття павану практично вийшла з вжитку в Європі, залишаючись, однак, до середини 1620-х рр.. одним із найпопулярніших танців в Англії. Світанку інструментальна павана досягла у творчості англійських верджіналістів. Споріднені павані були: паванілля- Інструментальний танець, популярний в Італії в 1-й половині XVII століття, відрізнявся більш жвавим характером і темпом; падуана -набув поширення в кінці епохи Відродження, і був характерний для XVII століття - так називалися щонайменше два різні танці: дводольна павана і 3-дольний танець, що виконувався після пассамеццо; пасамецьцо- італійський танець, відрізняється від павани рухливішим темпом. Дослівно перекладається як «танець у 1,5 кроку», що й вказує на швидший характер його руху, ніж у павані. Існували два найбільш поширені різновиди «старовинна» (antico) і «сучасна» (moderno), що випливають з особливостей гармонійного плану супроводу.

Куранта- придворний танець, італійського походження, від італійського слова corrente, що означає течія води, плавна, рівномірна. Композиційний малюнок танцю зазвичай йшов овалом, але це міг бути і подовжений квадрат, і восьмикутник, що давало можливість робити зигзагоподібні рухи, характерні для італійського танцю piva, що існував у XV столітті. Куранта була проста та складна. Перша складалася з простих, глиссирующих кроків, які виконували переважно вперед. Складна куранта мала пантомімічний характер: троє кавалерів запрошували трьох дам для участі в танці, вони відводили дам у протилежний кут залу і просили танцювати, пані відмовлялися, кавалери, отримавши відмову, йшли, але потім поверталися знову і ставали перед дамами на коліна. Тільки після пантомімної сцени розпочинався танець. У складній куранті рухи виконувалися вперед, назад та убік. У XVI століття пантомімна частина танцю відпадає. Куранта багато разів змінювала свій музичний розмір. Спочатку він був на 2/4, пізніше – тридольним.

Бранль- Спочатку народний хороводний, пізніше також бальний, придворний танець XV-XVII століть. Саме слово branle, що означає у перекладі з французької - хитання, хоровод, характеризує і один з основних рухів - хитання корпусу. Відомі його численні різновиди, що відрізняються один від одного за розміром темпу, хореографії (простий Би., подвійний Би., Би. прачок, Би. башмака, Би. з факелом, Би. з поцілунками та ін) і місцеві варіанти (Б. з Пуату, Би. з Шампані). Темп танцю – помірно швидкий, жвавий. Розмір - зазвичай 2-дольний, іноді 3-дольний (у «веселому бранле», що включав стрибки та розгойдування) і 4-дольний (в Шампані). Народний бранль - енергійний, рвучкий, карбований, бальний - більш плавний і спокійний, з великою кількістю реверансів. Іноді супроводжувався співом (куплети з приспівом) та грою на народних інструментів(дудці, сопілці, тамбурині, волинці). У XV столітті виконувався як завершення бас-дансу, від якого, можливо, й походить. За хореографією був ще досить примітивним, тим більше що музичний супровід його складався з досить одноманітних ударів тамбурину, звуків флейти та монотонного співу танцівників. Але, в той же час, треба відзначити, що бранль став першоджерелом всіх салонних танців, що з'явилися пізніше, зігравши велику роль у розвитку бальної хореографії.

Мореска -(moresca(італ.) – буквально «мавританська», морісданс – від англійської morris dance) – музично – танцювальна сцена. Сцена символічно відтворювала боротьбу християн та маврів. В Італії танець називали «Мориска», так само іменували маврів, що хрестилися і прийняли християнство. З'явившись Іспанії, мореска спочатку була народним танцем і танцювалася двома групами. В епоху Відродження мореску була одним із найпопулярніших танців, стаючи приналежністю різних міських театралізованих видовищ та вистав зароджуваного музичного театру. Там вона втрачає свої споконвічні прикмети народної гри (зберігши, однак, маску мавра), і поступово перетворюється на фігурний танець урочистого, часто войовничого характеру. Пізніше у XVII столітті терміном мореску позначався балет чи танець-пантоміма в опері: наприклад Монтеверді ввів мореску у фінал опери «Орфей» -1607 року.

Гальярда(gagliarda, італ. весела, смілива, бадьора) – старовинний танець романського походження кінця XV – XVII століть. Походить, мабуть, з Північної Італії, в різних областях і містах вона мала відбиток місцевих звичаїв і вдач. Це веселий і живий танець, що бере свій початок у народній хореографії, хоча найбільшого поширення набув у привілейованих класів, зберігши риси селянських танців - стрибки та різкі рухи, які нерідко мають жартівливі назви («журавлиний крок», «лягання корови»). Як і куранта, мала характер своєрідного діалогу. Супроводжувалась невеликим оркестровим ансамблем або грою на лютні та гітарі. Для гальярди XVI століття характерні 3-дольний метр, помірно швидкий темп, акордовий склад, діатоніка. Виконувалася зазвичай після повільної 4-дольної павани, варіюючи її мелодійний і

метроритмічний малюнок. Подібна послідовність повільної 4-дольної павани та швидкої 3-дольної гальярди стала прообразом барочної інструментальної сюїти.

Салтарела- італійський народний танець. Назва його походить від італійського слова saltare – стрибати, скакати. Він відомий у Романьї, Лацо, Сан-Марино, В Абруцціо. У кожній області його виконують по-своєму. Салтарела - дуже простий танець, він не має встановлених фігур. Основний рух – balance. Але виконавці повинні мати спритність і силу, тому що темп у танці весь час наростає, доходячи до дуже бурхливого. Салтарела - парний танець, Число пар, що беруть участь у танці, може бути дуже великим. Як і багато інших народних танців, салтарела починається іноді ігровою пантомімною сценою. У деяких районах Італії, наприклад, у Джіогарії, салтарела існує як низький безстрибковий танець.

Існують і її хороводні різновиди. У хороводній салтарелі танцюючі стоять, тісно притиснувшись один до одного, їхні тіла нахилені вперед, голови майже стикаються в центрі кола; руки лягають на плечі один одному. Босі ноги м'яко ковзають по землі. Виконавці мірно розгойдуються у такт руху ніг. Своєрідне виконання салтарели в Романії. Тут вона супроводжується піснею, яку співає один із учасників, і є ніби демонстрацією спритності. Жінки ставлять на голову склянку, до країв наповнену водою чи вином. Під час складних та швидких рухів не повинно бути пролито жодної краплі.

Вольта– парний танець італійського походження. Назва його походить від італійського слова voltare, що означає "повертатися". Зазвичай танець виконується однією парою (чоловік та жінка), але кількість пар може бути збільшена. Як і багато інших народних танців, вольта, незабаром після появи стала виконуватися на придворних святах. У XVI столітті вона відома у всіх європейських країнах, але найбільшого успіху мала при французькому дворі. Проте вже за Людовика XIII французький двір вольти не танцює. Найдовше цей танець проіснував в Італії.

Ліванова, Т. "Історія західноєвропейської музики до 1789 (Епоха Відродження). [Текст] / Т. Ліванова. - М., 1983 453с.: С5.

Історія естетики. [Текст] / Пам'ятники світової естетичної думки у 5-ти тт. Т.1. - М., 1985. 876с.: З 506-514.

Лосєв, В. Естетика Відродження. [Текст]/А. Лосєв. - М., 1982. 415с.: З 154.

«Історія мистецтв: Ренесанс» [Текст]/- М., 1989. з 356.: З 205.

Шестаков, В. Музична естетика Відродження. [Електронний ресурс] / В. Шестаков. / / Режим доступу: # "#_ftnref6" name = "_ftn6" title=""> Грубер, Р. Історія музичної культури. [Текст]/Р. Грубер. - М., 1975. 478с.: З 123.

Захаров, Р. Твір танцю. [Текст]/Р. Захаров. - М., 1983. 250с.: С67.

Блок Л.Д. Класичний танець. Історія та сучасність». [Текст]/Л.Д. Блок. - М., 1987. 556с.: З 167.

Васильєва – Різдвяна, М. Історико – побутовий танець. [Текст]/М. Васильєва - Різдвяна. - М., 1987. 328с.: С107.