Die Proportionen des Gesichts einer Person beim Zeichnen eines Porträts: ein Diagramm. Ideale Gesichtsproportionen

20. Malstunde. Ölgemälde-Porträt.

Im Mal- und Zeichenunterricht Schule Neue künstlerische Absichten Zeichenanfängern wird beigebracht, die Silhouette von Figur und Kopf in Relation zum Hintergrund zu „suchen“, denn nur eine exakt und ausdrucksstark gefundene Silhouette verleiht dem Porträt eine größere künstlerische Aussagekraft.

Um zu lernen, wie man ein Porträt einer Person zeichnet (mit Bleistift oder Farbe), versuchen Sie, den einzigartigen Gesichtsausdruck zu verstehen und durch diesen Ausdruck nur innewohnend diese Person, vermitteln seine innere Befindlichkeit.

Auf dem vorherigen Malstunde Sie haben genügend Erfahrung mit dem Bild des Kopfes gesammelt, haben gelernt, in Farbe zu arbeiten. Der Zweck dieser Lektion ist es, zu lernen, wie man ein Porträt mit maximalem künstlerischen Ausdruck erstellt.

Skizzenzeichnung. Die Praxis, aus dem Leben im Vergleich zu zeichnen.

Im Zeichenunterricht lenken wir die Aufmerksamkeit besonders der angehenden Künstler auf die Körperfarbe einer Person. Diese Farbe unterscheidet sich von der Farbe aller anderen Objekte in der sichtbaren Welt. Die Blutgefäße geben der Körperfarbe nur ihre rosa Eigenfarbe, daher ist der Teint der Menschen körperlich, rosa. Aber das Auge des Künstlers, geübt in der Wahrnehmung feinster Farbnuancen, wird leicht bemerken, dass keine zwei Gesichter absolut identisch in Farbe, identisch im Charakter der Formen, in Proportionen und Textur sind.

Versuchen Sie daher beim Üben, ein Porträt aus dem Leben zu zeichnen, die Hautfarbe richtig zu identifizieren. Der Künstler in jedem separater Fall muss in der Natur die ihr innewohnende Farbe direkt sehen und genau wiedergeben können. Um diesen Farbunterschied besser wahrzunehmen und zu lernen, wie man die Nuancen der Farbwiedergabe richtig zeichnet, empfehlen wir Ihnen, die erste Übung dieser Malstunde mit dem Zeichnen von drei verschiedenen Kopfporträts abzuschließen. unterschiedliche Leute auf einer Leinwand. Sie können die Frage stellen: „Warum ist es notwendig, verschiedene Porträts auf derselben Leinwand zu malen? Wäre es nicht besser, dies auf drei separaten Leinwänden zu tun?" Es wird empfohlen, eine solche Studie zu zeichnen, damit Sie den Unterschied in Farbe und Charakter von Porträtgesichtern beim Vergleich deutlicher fühlen können.

Lassen Sie es uns praktisch überprüfen. Sie haben in ein oder zwei Sitzungen den Kopf des Mädchens auf den linken Rand Ihrer Leinwand gemalt (oder mit Bleistift oder Pastell gezeichnet). Ihr schwarzes Haar umreißt deutlich die Form einer glatten, hellen, leicht gelblichen Stirn, ihre scharlachroten saftigen Lippen formen sanft die Form ihres Mundes. Das Rosa jugendlicher Wangen spiegelt sich in scharlachroten Lippen wider. Ein helles gelblich-rosa Gesicht gibt in den Schatten einen angenehmen grünlich-violetten Unterton.

Für die nächste Porträtsitzung laden Sie einen Mann mittleren Alters ein, dessen Kopf unbehaart ist. In diesem Fall wird die anatomische Struktur des Schädels deutlich. Tiefe Augenhöhlen tragen dazu bei, das Volumen und den Charakter des Kopfes dieser Person zu vermitteln. Bevor Sie es zeichnen, stellen Sie sofort fest, dass sein Bild ganz andere Farben erfordert als für das Studium des Mädchenkopfes.

Dass diese Person offenbar selten der Luft ausgesetzt ist, lässt sich leicht daraus schließen, denn ihre Hautfarbe ist blassgelbgrün und erinnert an die Farbe von Pergament. Die schattigen Teile des Kopfes sind ebenfalls grünlich, aber sie unterscheiden sich grundlegend von dem Grün im Arbeitszimmer des Mädchens - sie sind braungrün und müssen gelöst werden, vielleicht mit Umbra und Wolkonskoite. Sie sehen sofort, dass es in diesem Kopf keine dieser angenehmen Rosatöne gibt, mit denen Sie die Wangen und Lippen des Mädchens bemalt haben, und wenn Sie bunte Mischungen vorbereiten, um die Natur der Farbe zu vermitteln, sind Sie überzeugt, dass sie aus ganz anderen Farben bestehen müssen.

Dritte Studie. Zeichnen eines Porträts des Kopfes eines alten Mannes mit buschigem Bart, mit graue Haare. Beginnen Sie mit dem Schreiben, vergleichen Sie diesen Kopf mit zwei zuvor geschriebenen Studien und vergewissern Sie sich, dass er sich in Farbe und Textur vollständig von den beiden vorherigen Köpfen unterscheidet.

So eine Lektion in Malerei, solches Zeichnen von verschiedenen Naturen im Vergleich wird Sie davon überzeugen, dass alles menschliche Gesichter unterschiedlich in der Art der Formen und Proportionen und in der Textur des Körpers und im Farbsystem. Dieser Glaube wird es Ihnen nicht erlauben, alle Köpfe mit der gleichen „Fleisch“-Farbe zu malen, sondern wird Sie dazu zwingen, die Farben des Körpers einer Person jedes Mal sorgfältig zu analysieren und zu studieren, basierend auf Standort und Lichtverhältnissen. Diese Zeichenmethode ermöglicht es Ihnen, Ihr Auge zu trainieren, um die subtilsten Farbschwankungen wahrzunehmen, und hilft Ihnen zu verstehen, wie Sie das Zeichnen lernen Erstphase Ausbildung, sowie in der weiteren selbstständigen kreativen Arbeit.

Wir zeichnen ein Porträt.

Die Inszenierung der Natur soll die wesentlichen Bildmerkmale des Gesichts und des Kopfes als Ganzes deutlich erkennen lassen, beleuchtet von vorne, wenn sich kleine Schattengruppen bilden. Ein von direktem Licht beleuchteter Kopf erfordert einen dunkleren Hintergrund, der zwar nicht unbedingt schwarz, aber farblich so abgestimmt ist, dass der Hintergrund nicht nur tonal, sondern auch farblich mit der Natur kontrastiert.

Diese Malstunde für Anfänger wird in mehreren Lektionen durchgeführt, da sie für Schüler recht schwierig ist. Und ein unerfahrener Künstler ist manchmal gezwungen, viele Male neu zu zeichnen.

Jeder, der zeichnen lernen und die richtigen Fähigkeiten in der Malerei erwerben möchte, sich mit Geschick ausrüsten möchte, muss ein Arbeitssystem zum Zeichnen eines Porträts eines Gesichts und eines Kopfes entwickeln. Wir empfehlen, den Malunterricht über dem Kopfporträt bedingt in drei Phasen zu unterteilen, die miteinander verbunden sind und organisch ineinander übergehen, sich entwickeln und ergänzen.

Die erste Stufe des Porträtmalunterrichts - vorbereitende Zeichnung Köpfe für Malerei und farbige Untermalung (Abb. 1);

Die zweite Stufe des Malunterrichts ist das Studium der Details des Porträts, der Merkmale ihrer Formen und Farbmerkmale (Abb. 2).

Die dritte Stufe des Malunterrichts ist die Verallgemeinerung und Synthese des Untersuchten, um das Porträt zur bildlichen Einheit zu bringen und künstlerische Ausdruckskraft(Abb. 3).

Diese Phasen des Porträtzeichenunterrichts ermöglichen es dem Künstler, seine Arbeit vom Anfang bis zum Ende des Zeichnens bewusster auszuführen, und helfen ihm, viele unnötige und manchmal schädliche, endlose Änderungen loszuwerden. Dies führt normalerweise dazu, dass das Porträt mit Farbe überladen wird, die nicht willkürlich aufgetragen werden kann, da es sonst zu verblassen beginnt und schwarz wird.

Wenn die Inszenierung der Natur abgeschlossen ist, geht der Künstler zur ersten Stufe dieser Malstunde über. Gleichzeitig müssen Sie immer daran denken, dass Sie ohne das Zeichnen eines Modells nicht mit dem Malen mit Farben beginnen sollten. Diese Bestimmung scheint klar, und viele mögen argumentieren, dass sie nicht hätte erwähnt werden sollen. Aber die Praxis des Malunterrichts an unserer Schule zeigt, dass sich die Schüler nicht immer an diese Regel halten. Malanfänger wollen manchmal keine Zeit mit einer Vorzeichnung verschwenden. Manchmal führt dies zu einem traurigen Ergebnis - zunächst erweist sich das Porträt als farbfrisch, und bestimmte Stellen sind interessant und malerisch gelöst, aber dann werden plötzlich viele signifikante Fehler in der Form gefunden.

In weiteren Sitzungen (trocken) fängt man an zu korrigieren, in Teilen zu arbeiten, und es verliert unmerklich den Charme und die Frische, die es am Anfang hatte, es wird zur Skizze, in der Malerei gequält und in der Form gebrochen. Die Arbeit wird langweilig, das Modell wirkt uninteressant, es bestehen Zweifel an ihren Fähigkeiten – ich möchte das Portrait aufgeben und nicht mehr zum Pinsel greifen.

Um sich ohne solche Erfahrungen auf dem richtigen Weg zu bewegen, machen Sie zuerst eine gut konstruierte und detaillierte Zeichnung. Zeichnen Sie zum Malen mit Kohle oder weicher Bleistift. Es ist nicht notwendig, im Vollton zu modellieren. Sie können eine Zeichnung mit einem recht hellen Ton anfertigen, vorzugsweise jedoch mit einer Charakteristik der Haupttonabstufungen des Porträts. Anschließend kann die Zeichnung mit Lack fixiert oder mit Wasser aus einer Sprühflasche befeuchtet werden, falls der Untergrund der Leinwand klebrig oder emulsionsartig ist, oder die Kohle leicht abbürsten, so dass die Zeichnung in einem sehr hellen Hellton zurückbleibt.

Dann muss der Künstler, bevor er mit dem Malen beginnt, das Modell je nach Aufgabenstellung mental analysieren und entscheiden, welche Mischungen er für die Porträtstudie nehmen soll, welche Farbkombinationen er im Modell gefunden hat, warme und kalte Töne in der Natur sehen.

Nachdem sich der junge Porträtmaler an die Natur „gewöhnt“ hat, ihr Farbschema mental verstanden hat, als ob er sie gemalt gesehen hätte, geht er zum Untermalen über.

Untermalung (Abb. 1) ist eine leichte Registrierung mit der Farbe der gesamten Leinwand. Die Untermalung erfolgt manchmal ohne Tünche, wie Aquarell, manchmal wird auch eine kleine Menge Tünche hinzugefügt.

Die Untermalung für die Kopfbemalung erfolgt auf die gleiche Weise wie für Stillleben und andere Übungen. Eine Vorstellung davon haben Sie bereits aus den vorangegangenen Lektionen gewonnen.

Von einer leichten Untermalung aus ist es für den Künstler später einfacher, den richtigen Ton und die richtige Farbe zu bestimmen, während dies auf einer leeren Leinwand schwieriger ist. Wenn die Untermalung fertig ist und die Form des Kopfes geformt ist, können Sie mit der vollen Kraft der Natur zur Lösung der Hauptmassen übergehen. Es ist besser, mit voller Kraft von dem Stück aus zu schreiben, das dem Autor am klarsten ist. Angenommen, der Künstler fühlte die Stärke des Tons und die Farbe der Stirn zusammen mit den Haaren und begann, die Farbe punktgenau durch Untermalung aufzunehmen. Beginnend mit aller Kraft die Stirn zu bemalen, nimmt er sowohl die Haare als auch den Hintergrund und bringt alles in Einklang. Dann nimmt er den Rest des Kopfes immer mit der gleichen Kraft und vergleicht die Farbverhältnisse miteinander. So fährt der Autor nach dem Untermalen fort, den Kopf sozusagen in Teilen zu modellieren, indem er diese Teile punktgenau löst und sie miteinander vergleicht.

Doch nicht immer ist es dem ausschnittweise zeichnenden Künstler möglich, die gesamte Inszenierung als Ganzes wahrzunehmen, sein Auge strebt danach, auf dem abgebildeten Naturausschnitt zu verweilen und will die Umgebung nicht sehen. Das ist der ewige Kampf um eine ganzheitliche Sicht der Natur. Ein Zeichenanfänger muss die nötige Willensanstrengung zur ständigen Aufmerksamkeit und zur Entwicklung eines solchen Arbeitsprinzips aufbringen, das es ihm erlaubt, beim Malen der Wange nicht nur den beleuchteten Teil der Wange mit dem Schattenteil zu vergleichen, sondern aber vergleiche die Wange mit der Stirn und mit dem Hals und mit dem Hintergrund und mit dem Haar. Vergleichen Sie daher beim Zeichnen von Details immer so viel und so oft wie möglich, denn der gesamte Prozess des Malens besteht im Vergleich.

Nicht nur Form, Proportionen und Charakter, sondern auch farbliche Beziehungen müssen miteinander verglichen werden.

Um das Problem des Bemalens des Kopfes zu lösen, ist Erfahrung erforderlich, Sie müssen fühlen, wie die Form des Kopfes durch Farbbeziehungen aufgebaut wird. Identifizieren Sie daher beim Ausarbeiten der Form der Details mit jedem Pinselstrich einen bestimmten Teil der Form und achten Sie darauf, einen Strich farblich von den anderen zu unterscheiden.

Nachdem Sie das Formular in mehreren Sitzungen durchgearbeitet haben, werden Sie feststellen, dass Sie der Natur sehr nahe sind. Der Kopf auf dem Porträt sah aus wie ein Model. Die Augen wirken und drücken den Charakter des Looks des Models aus. Die Nase beginnt sich zu definieren, das Volumen des Kopfes wird korrekt aufgebaut, vielleicht werden sogar die unrasierten Wangen einer Person vermittelt, das heißt, alle Details werden liebevoll und sorgfältig dargestellt. Aber leider stellen Sie sofort fest, dass Ihr Porträt in 5 - 6 Metern Entfernung irgendwie träge, ausdruckslos geworden ist. Die Farben sind nicht klangvoll genug, das Werk hat seinen farbenfrohen Charme verloren. Тут же вы обнаруживаете, что, несмотря на выписанность деталей, голова не очень-то объемна и трехмерна, кроме того, лицо как-то скошено, глаза не четко построены, одна скула по отношению к другой съехала вниз, губы тоже куда-то поехали zur Seite. Frustriert beginnst du, zaghaft mit einem kleinen Pinsel Fehler zu korrigieren, jagst der Korrektur von Details hinterher, aber das Portrait wird dadurch nicht besser.

Sie fühlen sich unwohl, daran zu arbeiten. Du wurdest müde.

All dies geschah, weil man während einer längeren Malstunde bei der Arbeit an den Details aufgehört hat, das Ganze zu sehen, das Streben nach der Vermittlung von Details hat einen von einer ganzheitlichen Wahrnehmung abgelenkt.

Letzte Stufe Malstunde. Der Zweck dieser Phase besteht darin, den durch Details zersplitterten Kopf wieder zur Verallgemeinerung zu bringen, die Struktur des Kopfporträts wieder zu stärken und die früher durchgeführte Analyse der Formen zur Synthese zu bringen. Um eine Verallgemeinerung und eine ganzheitliche bildnerische Lösung zu erreichen, muss der Künstler eine große innere Anspannung aushalten.

In diesem Moment müssen Sie Ihren ganzen Willen anstrengen, um manchmal viele der gefundenen Details zugunsten einer ganzheitlichen und höchst künstlerischen Lösung aufzugeben. Solche schmerzhaften Momente mussten viele der großen Porträtmaler der Vergangenheit durchmachen.

Aus den Erinnerungen von V. A. Serov wissen wir, wie großartiger Künstler, der es verstand, sechzig oder mehr Sitzungen lang an einem Porträt zu arbeiten, nachdem er das Modell gründlich studiert und beachtliche Funde erzielt hatte, dann rücksichtslos alles Geschriebene mit einem Spachtel abkratzte und, nachdem er seinen Willen und seine Kraft gesammelt hatte, die Arbeit an dem frei vollendete Porträt in 2-3 Sitzungen. In diesen letzten Sitzungen übersetzte er das Porträt in eine neue, Top Qualität, was es zu einem integralen, verallgemeinerten, hochkünstlerischen Werk macht.

In unserem Unterricht lenken wir die Aufmerksamkeit angehender Künstler auf das Wesen und den Zustand der Natur.

Wenn Porträtbild Wenn zu einer Person auch Hände gehören, ist es notwendig, ihnen große Aufmerksamkeit zu schenken, denn manchmal sagen Hände mehr über eine Person aus als ein Gesicht. Gesten und Handbewegungen sollten vital sein, charakteristisch für diese bestimmte Person in dem Zustand, in dem sie sich gerade befindet.

Achten Sie beim Zeichnen eines Porträts maximal auf die Augen der abgebildeten Person und versuchen Sie, durch den Ausdruck der Augen tiefer in die Seele einer Person einzudringen. Schließlich heißt es nicht umsonst, die Augen seien der Spiegel der Seele. Also, um zu lernen, zu übertragen Seelenfrieden Person hinein Porträtgemälde, achten Sie auf die Natur der Augen, auf ihren Ausdruck und zögern Sie nicht, die Augen mit der ganzen Kraft Ihres Pinsels zu zeichnen. Dies bedeutet nicht, dass Sie die Augen gewissenhaft und detailliert mit allen Adern und Glanzlichtern in der Pupille zeichnen müssen. Aber schreiben Sie sorgfältig und genau, damit die Augen schauen, und durch diesen Blick wird der Geisteszustand einer Person übermittelt.

Ein kreativer Mensch ist ein unzulänglicher Mensch, der die Welt anders wahrnimmt als alle anderen. Diese Menschen waren schon immer und werden es sein, und sie erkennen ihre rebellische Natur in ihrer Vision der Welt.
Spitze ungefähr 10 ungewöhnliche Künstler die eine seltsame Herangehensweise an die Erstellung ihrer Bilder verfolgen.

1. Australischer Tim Patch,

„Es gibt viele wunderbare Künstler, aber nur einer malt mit einer Muschi“, sagt Tim Patcher so über sich, wie Sie hier verstehen wir redenüber eine amüsante Art, Farben auf seine Bilder aufzutragen.
Obwohl seine Bilder auf seltsame Weise geschaffen sind, hat er bereits an Popularität gewonnen, und die Leute sprechen sehr gut über seine Bilder.

2. Millie Brown ist eine Künstlerin, die Bilder mit ihrem Erbrochenen malt!

Es gibt keinen Menschen, der sich nicht mindestens einmal in seinem Leben übergeben hat. Sie alle haben manchmal ein schlechtes Gewissen, genauso wie die Rülpserjagd. Aber natürlich werden nur wenige Menschen dies mit Gewalt an sich selbst tun.
Auch wenn es Ausnahmen gibt: Die Künstlerin Millie Brown ist fast täglich bereit, bunte Flüssigkeiten aus ihrem Mund zu spucken. Natürlich nicht einfach so, sondern aus Liebe zur Kunst!
Obwohl, was hier überrascht, zeichnet sie ihre Bilder auf so seltsame Weise. Bevor sie mit der Arbeit an ihrem neuen Werk beginnt, bereitet sie Gläser mit Flüssigkeiten vor verschiedene Farben. Diese Substanzen wird sie später während ihrer ekelerregenden Kreativität als Farben verwenden.

3.Hong Yi Mädchenmalerei mit einem Ball.

Yi Hong, ein junger Künstler aus Shanghai, benutzte einen Basketball, um ein Porträt des pensionierten chinesischen Basketballspielers Yao Ming zu malen.
Ein Basketball ist ihrer Meinung nach für diese Arbeit ein geeigneteres Werkzeug als ein Pinsel, obwohl sie nur zwei Stunden brauchte, um ein Bild zu erstellen.

4. Vinicius Quesada ist ein Straßenkünstler aus Brasilien, der mit Blut malt.

Die Kunst liegt ihm im Blut, scheint man über Vinitsa Quesada zu sagen, denn in seinen Gemälden verwendet er sein Blut anstelle von Farben.
Obwohl Bewunderer seines Talents ihr Blut für seine Arbeit anbieten, lehnt er höflich ab. Sie sagen, ihr Blut könne für eine gute Tat verwendet werden, um anderen Menschen zu helfen.

5. Zeichnen unter Wasser.

Auf Lager hat der Künstler im Schnitt etwa 40-60 Minuten für alles über alles. Für die Ölmalerei ist dies sehr wenig - nur eine Rekordzeit.
Aber das hindert Unterwasserkünstler nicht daran, ihre eigenen Gemälde zu schaffen.

6. Eine Amerikanerin mit großen Brüsten malt Bilder damit.

Kira Ain Varsed malt ihre Bilder mit ihrer Brust. Gut, dass sie Quasten hat richtige Größe. Wie macht sie das, fragen Sie? Und ich werde Ihnen antworten: Die Künstlerin streicht Farbe auf ihre Büste und malt dann Bilder für sie.
Laut Kira malt sie Landschaften von fernen unbekannten Planeten.

7. Mit der Zunge malen.

Die indische Künstlerin Ani erschafft ihre Bilder mit Hilfe von Sprache. Er selbst hat viele Möglichkeiten ausprobiert, Farbe auf Leinwände aufzutragen, aber das hatte schon jemand vor ihm getan.
Und es gibt noch keine Sprache, es ist die erste.

8. Der Künstler schuf eine Tafel mit 200.000 toten Ameisen.

Der kalifornische Künstler Chris Trueman schuf ein Wandbild mit 200.000 toten Ameisen.
Der Autor der Arbeit stellt fest, dass er mehrere Jahre gebraucht hat, um das Panel zu erstellen. Irgendwann verspürte er sogar einen Anfall von Mitleid mit Insekten und unterbrach die Arbeit für rund ein Jahr. Richtig, dann erkannte er, dass das Leben bereits getöteter Ameisen nicht zurückgegeben werden konnte, und vollendete die Arbeit.

9. Ein Künstler, der seine Augen benutzt.

Chen hat eine erstaunliche Fähigkeit, Zeichenpinsel zwischen Augenlid und Hornhaut zu halten und kalligrafische Zeichen auf die Blätter zu zeichnen.
Chen entdeckte sein unglaubliches Talent im Alter von 16 Jahren in sich, als er auf einer Baustelle arbeitete, wo ihm Sand in die Augen kam. Dann bemerkte der junge Mann, dass Fremdkörper auf der Hornhaut ihm keine besonders unangenehmen oder schmerzhaften Empfindungen bereiteten.

10. Ein Künstler, der mit menschlicher Asche malt.

Val Thompson verwendet eingeäscherte menschliche Asche als Grundlage für seine Farben. Diese Idee wurde ihr von ihr vorgeschlagen Bruder, der ihr erklärt, dass sie die erste in dieser Art von Genre sein wird.

Doodle-Porträts 4. August 2014

Der malaysische Künstler Vince Low zeichnet Porträts von Prominenten mit Stift auf Papier, „ohne die Hände vom Papier zu nehmen“, sagen manche. Der Illustrator konnte die Mimik und Emotionen von Hollywoodstars, Sängern, Wissenschaftlern und Filmhelden mit unglaublicher Genauigkeit wiedergeben. Vince Lowe nannte seine Bilderserie unkompliziert – „Faces“.

Unter dem Schnitt wird es eine Arbeit geben, die mit einem starken Anstieg betrachtet werden kann, dann werden Sie verstehen, was das Ungewöhnliche und Wesentliche dieser Arbeit ist.

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Die Idee, originelle Portraits von Prominenten anzufertigen, kam ihm spontan: Anfangs zeichnete er, wie viele andere, gerne Zeichnungen nach Notizbuch. Da das Ergebnis ziemlich beeindruckend ist, beschloss Vince Lowe, eine ganze Reihe ungewöhnlicher Werke zu schaffen.

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Der Künstler sagt, dass es ihm sehr wichtig ist, die Seele und den Charakter der abgebildeten Person zu vermitteln. Ohne an seinen Fähigkeiten zu zweifeln, beschloss er, die Kunst der „Strich“-Malerei bis zur Perfektion zu beherrschen. Gewiss, diese Richtung zeitgenössische Kunst nicht neu, unter den anerkannten Meistern sollten wir uns an Atsushi Takahashi und Pierre Emmanuel Godet erinnern, die mit „Doodles“ zeichnen, sowie an den Reddit-Amateurillustrator, der Gemälde mit einer durchgehenden Linie erstellt. Vince Lowe gelang es jedoch, eine ganz besondere Nische in der monochromen Porträtmalerei zu besetzen.

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Kritzeleien werden oft als reine Verwöhnung wahrgenommen, bedeutungslose Linien, die auf einer Seite gepunktet werden können. Vince Lowe weiß jedoch, wie man dieses Chaos organisiert und daraus etwas schafft künstlerische Bilder. Seine realistischen Porträts sind emotional und ausdrucksstark, der Künstler setzt gekonnt das Spiel von Licht und Schatten ein, zeichnet Gesichtszüge detailliert nach. Eine scheinbar unsystematische Herangehensweise an die Erstellung einer Zeichnung ermöglicht es Vince Lowe, hervorragende Ergebnisse zu erzielen.

Hier ist ein weiteres Beispiel mit einer großen Steigerung für Sie. Klicken Sie auf das Bild.

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Und noch einer …

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zeitgenössische Künstler das wird dich krank machen">

10 zeitgenössische Künstler, die dich krank machen

Jetzt werden wir über so seltsame kreative Projekte sprechen, dass Sie in einer Ecke liegen möchten, bedeckt mit einer Decke, das Schwarze Quadrat umarmen und sich bei ihm über den Verfall der Moral beschweren, und das war's.

Gepaarte Bürsten

"Neue Hoffnung"

Beginnen wir mit einer eher bescheidenen und sogar niedlichen amerikanischen Künstlerin Kira Ain Varseji. Ihre Technik ist einfach: Sie mischt Farben, trägt sie auf ihre nackte Brust auf, drückt gegen die Leinwand. Sie können ihre abstrakten Werke für 200-300 Dollar kaufen. Kira ist eine positive Frau: Sie liebt das Fischen, ihr Mann, Computerspiele. Manchmal lässt er seine Schildkröte über die Farbe kriechen, zeigt aber auch einzelne Details mit Spielzeug und Gemüse. Brustgröße, falls Sie sich fragen, 38DD. Das ist viel.

Speicherkarte

"Vögel des Lobes"

Sergio Portillo (USA) malt mit gewöhnlichen Pinseln. Das Geheimnis liegt in der Farbe. Die Farbe ist Asche. Menschlich. Nein, es ist alles in Ordnung. Angehörige von Verstorbenen und Eingeäscherten selbst bestellen solche Gemälde bei der Künstlerin. Das ist praktisch: Sie müssen kein Geld für Kunst im Haus und für einen Platz im Kolumbarium ausgeben. Übrigens ist Sergio nicht originell, einen solchen Service bieten mehrere weitere Künstler des nicht schüchternen Dutzends.

Kunst und Opfer

„Porträt mit Waffe“

Chris Truman malte nur ein Bild passend für unsere Liste, aber was! Aus 200.000 toten Ameisen legte er ein Porträt seines jüngeren Bruders an. Und das war gar nicht so einfach, denn der Künstler liebt Ameisen und tötet sie ungern. Aber der Völkermord an Insekten hat sich ausgezahlt - das Gemälde wurde für 35.000 Dollar gekauft.

Maler

"Jimi Hendrix"

Ein älterer Australier Tim Patch arbeitet unter dem Pseudonym Pricasso. Dies kann ins Russische als Hrenasso übersetzt werden. Nun, Sie haben bereits verstanden, was er zeichnet. Und es fällt übrigens ziemlich gut aus für eine so stumpfe Waffe! Übrigens erlaubt Ihnen der Künstler, seine zu beobachten kreativer Vorgang, sodass er gerne zu allen möglichen Festen eingeladen wird, zu denen Kinder keinen Zutritt haben.

Sprache wird ins Museum bringen

"Christus"

Für Hindu Ani Kay ist Kunst nicht einfach. Wegen seiner kreative Methode er leidet immer unter schmerzen im bauch, kopf, schwindel. Und das alles, weil er mit seiner Zunge zeichnet. Er sagt, dass es jetzt noch erträglich ist, und nach den ersten Bildern dachte er, er würde in die nächste Welt gehen. Insgesamt goss er 20 Aquarelle, darunter eine zwei Meter lange Kopie von Da Vincis Das letzte Abendmahl, um nicht zu sagen, dass es von besonders hoher Qualität war. Ein Mitglied wäre auf jeden Fall besser, andererseits das religiöse Thema…

Augenmaß

Der Künstler braucht natürlich ein genaues Auge, aber wir wussten nicht, was so wörtlich gebraucht wird. Xiang Chen, ein chinesischer Meister der Kalligraphie, hält einen Pinsel mit seinem Augenlid und zieht ihn über das Blatt. Generell ist das Ergebnis schwer einzuschätzen, aber die Arbeit kann sich sehen lassen. Übrigens weiß er auch, wie man mit demselben Auge einen Stock hält und auf dem Klavier spielt.

Inspiration von innen

Nexus vomitus

Die Künstlerin Millie Brown kotzt buchstäblich unkontrolliert auf die Leinwand. Dazu trinkt sie getönte Milch und erbricht sie dann auf ein weißes Laken oder auf ihr Kleid. Die Bilder sind abstrakt, aber sie kosten viel. Zum Beispiel wurde das Bild Nexus Vomitus zum Gesang von dreien gemacht Opernsänger und erfolgreich für 2.400 $ verkauft.

rot und gelb

Der Brasilianer Vinicius Quesada malt mit Blut. Und kein Schwein, sondern ein Mensch. Bekannt für seine Bilderserie „Blues of Urin and Blood“, die genau das geschrieben hat, was im Titel steht. Dies sind realistische psychedelische Bilder von Geishas, ​​Affen und Zombies. Warum Geisha? Warum Urin? Warum ist alles?

Freunde, mir wird oft dieselbe Frage gestellt. Darüber, wie man aus der Vorstellungskraft zeichnet, das heißt "aus dem Kopf". Um mich nicht in separaten Briefen zu wiederholen, werde ich diesmal auf der Website antworten. Ich hoffe, meine Antwort wird für Künstler nützlich sein, die sich über dasselbe Problem Sorgen machen.

Und ich beginne mit letzter Buchstabe zu diesem Thema.

Guten Tag!

Letzten Herbst habe ich dir bereits in Form eines „Schreies aus der Seele“ geschrieben, auf den du zu meiner Überraschung sogar geantwortet hast 🙂 Danke dafür!

Ich möchte sagen, dass ich die meisten Hauptprobleme in meiner Arbeit überwunden habe, aber ein weiteres ist aufgetaucht, das mich sehr, sehr irritiert: Ich kann nicht (fast) „aus dem Kopf“ zeichnen. Das heißt, wenn Sie mir Gips vorlegen oder die Utensilien des Meisters mit Früchten oder sogar eine Landschaft, dann kann ich mir ein mehr oder weniger angemessenes Bild machen.

Aber wenn ich mich hinsetze und zeichnen will, was in meinem Kopf ist - ... dann beginnt die Hölle. Es ist, als würde ich zum ersten Mal einen Pinsel oder Bleistift in meinen Händen halten. Das heißt, es ist schwierig, sich einen Baum vor dem Hintergrund eines Flusses vorzustellen und ihn mit Wasserfarben sogar in einer Farbe zu malen. Wenn ich diese Handlung vor mir gesehen hätte, hätte das Schreiben einer Skizze ein paar Minuten und ein paar Pinselstriche gedauert (idealerweise), aber wenn ich mir in meinem Kopf vorstelle, es sieht so aus, als wäre ich 4 Jahre alt und meine Eltern haben es mir gegeben malt mit Pinseln Neujahr, wenn ich nur aufhören würde, durch die Gänge zu rennen.

Manchmal stellt es sich natürlich heraus, aber es ist immer noch ein viel niedrigeres Niveau, als wenn ich aus dem Leben schöpfe ...

So wie ich es verstehe, geht es hier nicht mehr um das Können und nicht um die Zeichentechnik, sondern um „Talent“ oder „Gehirn“ … Natürlich kann man weiterhin aus dem Leben zeichnen, aber manchmal will man zeichnen etwas anderes, das in deiner Seele ist, aber es funktioniert nicht ...

Die beschriebene Situation ist meiner Meinung nach nicht nur typisch, sondern auch NORMAL.

"Out of my head" ist großartig zu schreiben abstrakte Gemälde, der Fantasie sind keine Grenzen gesetzt. Nun, zumindest etwas Fantastisches. Jemand nicht der Wissenschaft bekannt Cheburashka oder ein Porträt eines Schlafwandlers.

Aber wenn Sie etwas darstellen wollen, das in existieren kann echte Welt, und machen Sie es sogar plausibel genug, warum quälen Sie dann Ihren Kopf und versuchen, daraus herauszukommen, was nicht da ist?!

Ja, das ist so.

Glauben Sie nicht? Als Experiment ... Stellen Sie sich etwas Gemüse oder Obst vor, das Sie in Ihrem Kühlschrank haben. Zeichnen Sie es aus Ihrem Kopf heraus, so detailliert, wie Sie es sich vorstellen können. Und dann das Echte aus dem Kühlschrank holen und aus der Natur schöpfen. Welche dieser Zeichnungen sieht wahrer aus?

Sie sehen, jedes Objekt in der Natur ist einzigartig, es existiert nur in einer Kopie.

Wir haben ein bestimmtes verallgemeinertes Bild, eine Reihe von Eigenschaften, die in unserem Kopf gespeichert sind. Karotte sieht aus wie ein länglicher Kegel orange Farbe. Und sie kann so sein:

Die Umgebung ist viel abwechslungsreicher als das was wir uns vorstellen können...

Neben der Biodiversität gibt es noch weitere Variablen. Zufällige Schatten und Reflexe. Farbe, abhängig von der allgemeinen Beleuchtung. Kathedrale von Rouen am Mittag und die Kathedrale von Rouen bei grauem Wetter - zwei Kathedralen in verschiedenen Farben.

Künstler haben die Natur schon immer mit großem Respekt behandelt. Und tatsächlich besteht kein Widerspruch darin, von der Natur zu schreiben oder zu schreiben, was in der Seele ist. Du kannst von der Natur schreiben, was in deiner Seele ist – du musst nur eine passende Natur finden.

Nehmen wir zum Beispiel „Die Erscheinung Christi vor den Menschen“ von A. Ivanov.

Es ist klar, dass die Idee des Bildes „aus dem Kopf“ stammt und der Autor diese Szene nicht aus dem Leben geschrieben hat. Und die Idee hier ist wirklich monumental. So sah der Künstler seine Aufgabe: „Es ist notwendig, sich in meinem Bild die Gesichter verschiedener Klassen vorzustellen, alle traurig und untröstlich, ein lugendes trauriges Gefühl, ein Verlangen nach Freiheit und Unabhängigkeit.“

Aber diese Gesichter sind nicht fiktiv, wie die Details der Landschaft. Es ist bekannt, dass Ivanov für dieses Gemälde etwa 400 Vorzeichnungen und Skizzen angefertigt hat. Die Arbeit an der Leinwand dauerte 20 Jahre.

Und Skizzen wurden mit geschrieben echte Menschen. Zum Beispiel war der Prototyp einer der Figuren Gogol.

Einige dieser Skizzen sind in der Sammlung des Russischen Museums zu sehen.

Jede Umsetzung eines Plans beinhaltet das Sammeln von Material, und es ist nicht ratsam, diese Phase zu überspringen. In Ihrem Sparschwein befinden sich möglicherweise Skizzen, Skizzen, einige geeignete Fotos zum Thema. Und dann wird die realisierte Idee gewichtig und glaubwürdig.

Aber ich möchte auch eine kleine Bemerkung machen. Das Zeichnen „aus der Vorstellung heraus“ unterscheidet sich vom Zeichnen „aus dem Gedächtnis“. Von außen fällt der Unterschied nicht auf, der Künstler zeichnet etwas, ohne die Natur zu betrachten. Aus dem Gedächtnis kann man jedoch etwas wirklich mehr oder weniger Überzeugendes zeichnen.

Natürlich ist es in diesem Fall notwendig große Erfahrung. Wenn Sie tausend Porträts aus dem Leben gezeichnet haben, werden Sie in der Lage sein, ein Gesicht zu zeichnen, das sehr wohl dazugehören kann echte Person. Ihr Gedächtnis wird Ihnen einige individuelle Merkmale und Nuancen von Gesichtern erzählen, die Sie bereits gezeichnet haben.

Um aus dem Gedächtnis zu schöpfen, reicht es nicht aus, sich nur ein vertrautes Objekt vorzustellen. Es muss sorgfältig studiert werden, mit einem Bleistift in der Hand, Skizzen und detaillierte Zeichnungen anfertigen.

Zum Aufwärmen zeichne ich ab und zu ein Selbstporträt. Infolgedessen kann ich ein ähnliches Gesicht wie meins zeichnen, ohne in den Spiegel zu schauen ... Aber ich kann die Gesichter von Verwandten oder Freunden nicht aus dem Gedächtnis zeichnen, insbesondere nicht von denen, die ich noch nie zuvor gemalt habe.

Laut Zeitgenossen viele berühmte Künstler besaß ein einzigartiges zähes Gedächtnis. Ich denke, das ist kein angeborenes Talent, sondern das Ergebnis der Ausbildung, jeder dieser Künstler hatte umfangreiche Erfahrung im Zeichnen nach der Natur.

Wenn Sie also "aus dem Kopf" zeichnen möchten, sammeln Sie unbedingt Erfahrungen mit Zeichnungen aus dem Leben, machen Sie Skizzen - je mehr, desto besser. Und bald wird dieses Problem kein Problem mehr für Sie sein)

„Für mich ist es ziemlich offensichtlich, dass die Gewohnheit, genau das zu zeichnen, was wir sehen, eine entsprechende Fähigkeit verleiht, genau das zu zeichnen, was wir denken“ ...
Joshua Reynolds

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