Gemälde von El Greco mit einer Hand auf der Brust. El Greco – „Porträt eines Herrn mit einer Hand auf der Brust“

Swetlana Obuchowa

Über das Leben des Kreters Domenico Theotokopuli, des Künstlers, der unter dem Namen El Greco, also der Grieche, das spanische Toledo eroberte, gibt es fast keine Beweise mehr. Die „Torheit“ seines Charakters und die seltsame Bildsprache verblüfften viele und zwangen sie, zur Feder zu greifen – doch nur wenige Briefe sind erhalten. Einer davon enthält folgende Zeilen: „... das Wetter war schön, die Frühlingssonne schien sanft. Alles machte Freude und die Stadt sah festlich aus. Stellen Sie sich meine Überraschung vor, als ich El Grecos Werkstatt betrat und sah, dass die Fensterläden geschlossen waren und es daher schwierig war, zu sehen, was sich in der Nähe befand. El Greco selbst saß auf einem Hocker und tat nichts, war aber wach. Er wollte nicht mit mir ausgehen, weil seiner Meinung nach das Sonnenlicht sein inneres Licht störte ...“

Es gibt fast keine Beweise für den Mann Domenico, nur Anklänge: dass er im großen Stil lebte, die reichste Bibliothek besaß, viele Philosophen las und auch Kunden verklagte (er wurde geliebt, aber häufiger nicht verstanden), fast in Armut starb, so dünne Strahlen Tageslicht Durchbrechen Sie die Risse in den „geschlossenen Fensterläden“ seines Lebens. Aber sie lenken nicht vom Wesentlichen ab – vom inneren Licht, das die Gemälde des Künstlers El Greco erfüllt. Vor allem Porträts.

Es gibt keine Landschaften, die sich hinter der dargestellten Person öffnen, es gibt keine Fülle an Details, die den neugierigen Blick anziehen. Sogar der Name des Helden bleibt oft außen vor. Denn all das würde verhindern, dass man das Gesicht sieht. Und Augen, tief, dunkel, die dich direkt ansehen. Es ist schwer, sich von ihnen zu lösen, und wenn man sich dazu zwingt, die Geste zu erkennen – und wieder in Gedanken innezuhalten.

Dies ist das „Porträt eines Herrn mit einer Hand auf der Brust“ (1577-1579), das der Meister kurz nach seinem Umzug nach Toledo schrieb. Dieses Porträt gilt als eines der besten der spanischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Outlander El Greco schuf „helle Bilder“. Spanisches Leben und Geschichten“, die „echte Lebewesen darstellen, die alles, was in unserem Volk bewundert werden sollte, alles Heroische und Unbezwingbare, mit jenen gegensätzlichen Eigenschaften vereinen, die sich nur widerspiegeln können, ohne ihr eigentliches Wesen zu zerstören“ (A. Segovia). Aristokraten aus den alten Familien von Toledo wurden die wahren Helden von El Greco, er sah sie Inneres Licht- ihr Adel und ihre Würde, Pflichttreue, Intelligenz, Raffinesse der Manieren, Mut, äußere Zurückhaltung und innerer Impuls, die Stärke eines Herzens, das weiß, wofür es lebt und stirbt ...

Tag für Tag bleiben Besucher der Prado-Galerie überrascht vor dem unbekannten Hidalgo stehen und sagen: „Wie lebendig ...“ Wer ist dieser Ritter? Warum öffnet er sein Herz mit solcher Aufrichtigkeit? Warum sind seine Augen so attraktiv? Und diese Eidgeste? Und der Griff des Schwertes? Vielleicht haben diese Fragen zu der Legende geführt, dass es sich bei dem auf dem Porträt Dargestellten um einen anderen großen Spanier handelt: Miguel de Cervantes. Ein Krieger und Schriftsteller, der der Welt die Geschichte eines Ritters mit traurigem Bild erzählte, dem die gleiche göttliche Gabe wie El Greco verliehen wurde – Menschen so zu sehen, wie sie sein sollten, ihr inneres Licht zu sehen ...

Und andere Gemälde aus dem Prado-Museum in der Eremitage ...

El Greco „Christus umarmt das Kreuz“ 1600 - 1605

Vor dem Hintergrund eines für El Greco typischen stürmischen Himmels umarmt Christus das Kreuz mit seinen anmutigen Armen und blickt mit ruhiger Verdammnis nach oben. Das Gemälde war ein großer Erfolg und viele Versionen davon entstanden in El Grecos Werkstatt.

El Greco „Die Heilige Familie mit der heiligen Anna und dem kleinen Johannes dem Täufer“, um 1900. 1600 - 1605

Die Spätphase von El Grecos Werk ist durch die Verwendung durchdringender Farben und Blitze gekennzeichnet; Der Raum ist vollständig mit Figuren gefüllt, die den Horizont verdecken. Mit vibrierendem Strich gezeichnete Formen verlieren ihre Materialität. Der kleine Johannes der Täufer ruft den Betrachter zum Schweigen auf, um den Frieden des Christuskindes nicht zu stören...

Velasquez - Porträt von Philipp IV. Porträt von König Philipp IV. 1653-1657

Grundlagen des psychologischen Porträts in Europäische Kunst flach gelegt Spanischer Maler Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Er wurde in eine arme Adelsfamilie in Sevilla hineingeboren und studierte bei Herrera dem Älteren und Pacheco. 1622 kam er erstmals nach Madrid. In praktischer Hinsicht war diese Reise nicht sehr erfolgreich – Velasquez fand keinen würdigen Ort für sich. Er hoffte, den jungen König Philipp IV. zu treffen, doch das Treffen fand nicht statt. Dennoch erreichten Gerüchte über den jungen Künstler den Hof, und bereits im nächsten Jahr, 1623, lud der erste Minister, der Herzog de Olivares (ebenfalls aus Sevilla stammend), Velázquez nach Madrid ein, um ein Porträt des Königs zu malen. Dieses nicht überlieferte Werk machte auf den Monarchen einen so angenehmen Eindruck, dass er Velázquez sofort die Stelle eines Hofmalers anbot. Bald herrschte Streit zwischen dem König und Velasquez freundschaftliche Beziehungen, was für die am spanischen Hof vorherrschenden Ordnungen nicht sehr typisch war. Der König, der das größte Reich der Welt regierte, galt nicht als Mensch, sondern als Gottheit, auf die der Künstler nicht einmal zählen konnte edle Privilegien weil er seinen Lebensunterhalt durch Arbeit verdiente. In der Zwischenzeit ordnete Philipp an, dass fortan nur noch Velasquez seine Porträts malte. Der große Monarch war überraschend großzügig und unterstützte Velasquez. Das Atelier des Künstlers befand sich in den königlichen Gemächern und dort wurde ein Stuhl für Seine Majestät aufgestellt. Der König, der den Schlüssel zur Werkstatt besaß, kam fast jeden Tag hierher, um die Arbeit des Künstlers zu beobachten. Während seiner königlichen Dienste von 1623 bis 1660 malte Velasquez etwa ein Dutzend Porträts seines Oberherrn. Davon sind uns etwas mehr als 10 Gemälde überliefert. So porträtierte Velasquez seinen Oberherrn im Durchschnitt etwa alle drei Jahre. Das Malen von Porträts des Königs war das Werk von Velasquez, und er hat diese Arbeit perfekt gemacht. Dadurch verfügen wir über einen in seiner Art einzigartigen Werkkomplex: Auf den Porträts von Velasquez kann man nachvollziehen Lebensweg König Philipp so deutlich, wie es später erst im Zeitalter der Fotografie zum Brauch wurde. Die Evolution ist auf den Leinwänden des Künstlers deutlich sichtbar. Erstens verändert sich der König selbst, im ersten Porträt ist er 18 Jahre alt und im letzten 50 Jahre alt, sein Gesicht trägt den Abdruck des Alters und spiritueller Veränderungen. Zweitens vertieft sich die Wahrnehmung des Künstlers gegenüber seinem Modell und wandelt sich von oberflächlich zu aufschlussreich. Im Laufe der Zeit ändern sich die Art und Weise, wie das Modell präsentiert wird, und die künstlerischen Techniken. Velazquez‘ Art verändert sich unter dem Einfluss seines eigenen kreativen Wachstums sowie unter dem Einfluss moderner in- und ausländischer Traditionen. In diesem Büstenporträt ist Philipp IV. vor einem dunklen Hintergrund dargestellt. Er trägt ein schwarzes Gewand mit weißem Kragen, der das Gesicht des Monarchen hervorhebt. Velasquez vermeidet im Porträt des Königs protzigen Luxus und zeigt „ menschliches Gesicht» der Monarch ohne jegliche Schmeichelei oder Hoftricks. Wir haben eindeutig das Gefühl, dass die Person, die uns von der Leinwand aus ansieht, unglücklich ist, letzten Jahren Die Regierungszeit war für den König nicht einfach. Dies ist eine Person, die Enttäuschungen erlebt hat, aber gleichzeitig eine Person, deren Fleisch voller angeborener Größe ist, die nichts erschüttern kann. Andere großartiger Künstler, ein Spanier bis ins Mark – Pablo Ruiz Picasso sagt über das Bild des spanischen Königs: „Wir können uns keinen anderen Philipp IV. vorstellen, außer dem von Velazquez geschaffenen ...“

„Porträt von König Philipp IV.“ (ca. 1653 – 1657)

Ein von Neueste Porträts Monarch. Interessant ist, dass es hier kein einziges Element gibt, das auf den königlichen Status der dargestellten Person schließen lässt. Velazquez diente Philipp IV. fast vierzig Jahre lang – von 1623 bis zu seinem Tod malte er Porträts des Königs und seiner Familie, große Handlungsgemälde für die königliche Sammlung.

Diego Velasquez „Porträt des Narren Don Diego de Acedo“ (El Primo) um 1900. 1644

Diego Velasquez „Porträt der Königin Marianne von Österreich“ 1652-1653

Tizian (Tiziano Vecellio) „Venus mit Amor und Organist“ 1555

Der Musiker spielt, zu Füßen der Venus sitzend und den nackten Körper der Göttin bewundernd, ein abstraktes Spiel mit Amor. Einige sahen in diesem Bild ein rein erotisches Werk, während andere es symbolisch wahrnahmen – als Allegorie der Gefühle, bei der Sehen und Hören als Werkzeuge zum Verständnis von Schönheit und Harmonie fungieren. Tizian schrieb fünf Versionen dieses Themas.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) – Büßende Maria Magdalena 1583

Nach ihrer Bekehrung widmete Maria Magdalena ihr Leben der Reue und dem Gebet und zog sich von der Welt zurück. Auf dieser Leinwand ist sie dargestellt, wie sie in den Himmel blickt und überflutet ist göttliches Licht. Das Bild ist in kräftigen, dunklen Farben gehalten, charakteristisch für Veroneses Stil in der Spätphase seines Schaffens. Bevor das Werk in die königlichen Sammlungen Spaniens gelangte, gehörte es dazu der englische König Karl I. (hingerichtet 1649)

Anthony van Dyck „Porträt eines Mannes mit Laute“ 1622-1632

Anthony van Dyck verdankt seinen Ruhm gerade dem Porträtgenre, das in der Hierarchie steht Europäische Malerei nahm eine eher niedrige Position ein. Allerdings hatte sich in Flandern zu diesem Zeitpunkt bereits eine Tradition der Porträtkunst entwickelt. Van Dyck malte Hunderte von Porträts, darunter mehrere Selbstporträts, und wurde einer der Schöpfer des zeremoniellen Porträtstils des 17. Jahrhunderts. In den Porträts seiner Zeitgenossen zeigte er deren geistige, emotionale Welt, spirituelles Leben, den lebendigen Charakter eines Menschen.
Das traditionelle Vorbild für dieses Porträt ist Jacob Gautier, ein Lautenist am englischen Hof von 1617 bis 1647, aber das Vorhandensein eines Schwertes und vor allem die stilistischen Merkmale des Werks deuten darauf hin, dass es viel früher datiert werden muss Van Dycks Reise nach London, die diese Theorie in Frage stellt. Das Vorhandensein eines Musikinstruments bedeutet nicht unbedingt, dass das Modell ein Musiker war. Als Symbol wurden Musikinstrumente oft in Porträts dargestellt, als Hinweis auf die geistige Raffinesse und Sensibilität der Dargestellten.

Juan Bautista Maino „Die Anbetung der Hirten“ 1612-1614

Eines von Mainos Meisterwerken. In der Sammlung Staatliche Eremitage Eine andere Version dieser Geschichte, geschrieben von Maino, wird aufbewahrt. Der Künstler wurde in Pastrana (Guadalajara) geboren und lebte von 1604 bis 1610 in Rom. In diesem Werk, das er bei seiner Rückkehr nach Spanien schrieb, kann man den Einfluss von Caravaggio und Orazio Gentileschi spüren. Im Jahr 1613 wurde Maino Mitglied des Dominikanerordens und das Gemälde wurde in den Altarzyklus des Klosters St. Peter der Märtyrer in Toledo aufgenommen.

Georges de Latour „Der blinde Musiker mit der Leier“, ca. 1625-1630

Latour stellt einen alten blinden Musiker dar, der eine Drehleier spielt. Er wiederholte diese Geschichte viele Male. Der Künstler, der unter dem Einfluss des Caravaggio-Stils arbeitete, reproduziert mit Begeisterung die Details – das Muster, das schmückt Musikinstrument, Falten im Gesicht eines Blinden, seine Haare.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens „Perseus befreit Andromeda“, ca. 1639-1640

Francisco de Goya „Porträt von Ferdinand VII.“ 1814-1815

Nach der Niederlage Napoleons im Jahr 1814 kehrte Ferdinand VII. auf den spanischen Thron zurück. Auf dem Porträt ist er in einem mit Hermelin gefütterten Königsmantel, mit Zepter und den Orden Karls III. und dem Goldenen Vlies dargestellt.
Ferdinand VII., der das Land bis 1833 regierte, gründete 1819 das Prado-Museum.

Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz“ 1805

Maria von Santa Cruz, die Frau des ersten Direktors des Prado, war zu ihrer Zeit eine der am meisten verehrten Frauen Spaniens.
In einem Porträt von 1805 stellte Goya die Marquise als Muse der Lyrik, Euterpe, auf einem Baldachin liegend und mit einer Leier in der linken Hand dar. Die Wahl eines solchen Bildes ist auf die Leidenschaft der Marquise für Poesie zurückzuführen.

Francisco Goya – „Herbst (Weinlese)“ 1786 – 1787

Francisco Goya – Die Weinlese. Fragment

In den Jahren 1775–1792 schuf Goya sieben Serien von Wandteppichen aus Pappe für die Paläste Escorial und Prado am Stadtrand von Madrid. Insbesondere dieses Gemälde gehört zur Serie der Jahreszeiten und war für das Esszimmer des Prinzen von Asturien im Prado bestimmt. Goya stellte die klassische Handlung als alltägliche Szene dar, die die Art der Beziehung zwischen verschiedenen Klassen widerspiegelt – das Bild zeigt die Besitzer des Weinbergs mit ihrem Sohn und ihrer Magd.

Francisco Goya „Porträt des Generals José de Urrutia“ (um 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) – einer der bedeutendsten spanischen Militärführer und der einzige Armeeoffizier nichtadliger Herkunft im 18. Jahrhundert, der den Rang eines Generalkapitäns erreichte – ist mit dem St.-Georgs-Orden dargestellt. die ihm von der russischen Kaiserin Katharina der Großen für seine Teilnahme an der Eroberung Otschakows während des Krimfeldzugs 1789 verliehen wurde.

Peter Paul Rubens „Porträt der Marie von Medici“. OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) war die Tochter des Großherzogs der Toskana Francesco I. Im Jahr 1600 wurde sie die Frau des französischen Königs Heinrich IV. Seit 1610 war sie Regentin für ihren kleinen Sohn, den späteren König Ludwig XIII. Rubens gab sie eine Reihe von Werken in Auftrag, die sich selbst und ihren verstorbenen Ehemann verherrlichen sollten. Das Porträt zeigt die Königin mit Witwenkopfschmuck vor einem unvollendeten Hintergrund.

Domenico Tintoretto „Frau entblößt ihre Brüste“, ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna „Porträt von Felix Maximo Lopez, erster Organist der Königlichen Kapelle“ 1820

Spanischer neoklassizistischer Maler, der jedoch Spuren des Rokoko-Stils beibehält. Lopez galt nach Francisco de Goya als einer der besten Porträtmaler seiner Zeit. Im Alter von 13 Jahren begann er in Valencia Malerei zu studieren und gewann vier Jahre später mehrere erste Preise an der San Carlos Academy, was ihm ein Stipendium für ein Studium an der renommierten San Fernando Royal Academy of Fine Arts in der Hauptstadt einbrachte. Nach Abschluss seines Studiums arbeitete Lopez mehrere Jahre in der Werkstatt seines Lehrers Mariano Salvador Maella. 1814, nach der französischen Besetzung, war López bereits ein recht bekannter Künstler, weshalb ihn der spanische König Ferdinand VII. nach Madrid berief und ihn zum offiziellen Hofmaler ernannte, obwohl Francisco Goya selbst der „erste königliche Künstler“ war. damals. Vicente López war ein produktiver Künstler, er malte religiöse, allegorische, historische und mythologische Themen, aber vor allem war er natürlich ein Porträtmaler. Während seiner langen Karriere malte er Porträts von fast jedem berühmte Person Spanien in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
Dieses Porträt des ersten Organisten der königlichen Kapelle und des berühmten Musikers und Komponisten wurde kurz vor dem Tod des Künstlers gemalt und von seinem ältesten Sohn, Ambrosio López, fertiggestellt.

Anton Raphael Mengs „Porträt von Maria Louise von Parma, Prinzessin von Asturien“ 1766

Juan Sanchez Cotán „Stillleben mit Wild, Gemüse und Früchten“ 1602

Don Diego de Acedo ist seit 1635 am Hof. Neben dem „Narrendienst“ fungierte er als königlicher Bote und war für das Siegel des Königs zuständig. Offenbar zeugen die auf dem Bild abgebildeten Bücher, Papiere und Schreibmaterialien von diesen Aktivitäten. Es wird angenommen, dass das Porträt in Fraga in der Provinz Huesca während der Reise Philipps IV. nach Aragon gemalt wurde, auf der er von Diego de Acedo begleitet wurde. Im Hintergrund erhebt sich der Gipfel des Maliceos des Guadarrama-Gebirges.

Hieronymus Bosch „Entfernung des Steins der Dummheit“, ca. 1490

In einer satirischen Szene mit Figuren vor dem Hintergrund einer Landschaft wird eine Operation zur Gewinnung des „Steins der Dummheit“ dargestellt. Inschrift gotische Schriftart lautet: - „Meister, entferne schnell den Stein. Mein Name ist Lubbert Das.“ Lubbert ist ein gebräuchliches Substantiv, das Unwissenheit und Unschuld bezeichnet. Ein Chirurg mit einem Kopfschmuck in Form eines umgekehrten Trichters, der Unwissenheit symbolisiert, „holt“ einen Stein (Seerose) aus dem Kopf eines leichtgläubigen Patienten und verlangt von ihm eine großzügige Bezahlung. Damals glaubten die Einfältigen, dass ein Stein im Kopf für ihre Dummheit verantwortlich sei. Das haben die Scharlatane genutzt.

Raffael (Raffaello Santi) „Heilige Familie mit Lamm“ 1507

Maria hilft dem kleinen Christus, sich auf das Lamm zu setzen - christliches Symbol die kommende Passion Christi und St. Joseph beobachtet sie. Das Gemälde wurde in Florenz gemalt, wo der Künstler das Werk von Leonardo da Vinci studierte, beeinflusst von seinen Kompositionen mit der Heiligen Familie. Im Prado-Museum ist dies das einzige Werk Raffaels, das in der Frühzeit geschrieben wurde.

Albrecht Dürer „Bildnis eines unbekannten Mannes“, ca. 1521

Das Porträt gehört dazu späte Periode Dürers Werk. In einem dem Stil ähnlichen Stil geschrieben Niederländische Künstler. Ein breitkrempiger Hut lenkt die Aufmerksamkeit auf das Gesicht des Dargestellten, das von links einfallende Licht lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf. Den zweiten Schwerpunkt des Porträts bilden die Hände, vor allem die linke, in denen der Unbekannte eine Schriftrolle hält, die offenbar seinen sozialen Status erklärt.

Rogier Van der Weyden „Lamentation“ um 1900 1450

Als Vorbild diente das Altartriptychon für das Kloster Miraflores (aufbewahrt). Kunstgalerie Berlin), von Van der Weyden vor 1444 geschaffen und mit einigen Unterschieden wiederholt. In dieser Version, deren oberer Teil zu einem unbekannten Zeitpunkt hinzugefügt wurde, sind Maria, Christus, St. John und der Spender (Kunde des Gemäldes) – ein Mitglied der Familie Broers – sind im selben Raum abgebildet. Ausdrucksstark vermittelt die Künstlerin die Trauer der Muttergottes, indem sie den Körper ihres toten Sohnes an ihre Brust drückt. Der tragischen Gruppe auf der linken Seite steht die durch einen Stein getrennte Figur des Stifters gegenüber. Er befindet sich in einem Zustand betender Konzentration. Damals wurde oft von Kunden verlangt, sich selbst auf den Gemälden darzustellen. Aber ihre Bilder waren immer zweitrangig – irgendwo im Hintergrund, in der Menge usw. Hier ist der Stifter im Vordergrund dargestellt, jedoch durch einen Stein und mit Hilfe der Farbe von der Hauptgruppe getrennt.

Alonso Cano „Toter Christus, gestützt von einem Engel“, um 1900. 1646 - 1652

Vor dem Hintergrund einer Dämmerungslandschaft stützt ein Engel den leblosen Leib Christi. Die ungewöhnliche Ikonographie dieser Leinwand erklärt sich aus der Tatsache, dass sie nicht mit den evangelischen Texten in Verbindung gebracht wird, sondern mit dem sogenannten Christus des Hl. Gregor. Der Legende nach hatte Papst Gregor der Große eine Vision vom toten Christus, der von zwei Engeln getragen wurde. Kano interpretierte diese Geschichte anders – nur ein Engel stützte den regungslosen Körper Christi.

Bartolome Esteban Murillo „Unsere Liebe Frau vom Rosenkranz“, ca. 1650-1655

Das Werk von Bartolome Esteban Murillo vollendet das goldene Zeitalter der spanischen Malerei. Murillos Werke sind von makelloser Genauigkeit in der Komposition, reich und harmonisch in der Farbe und schön im höchsten Sinne des Wortes. Seine Gefühle sind immer aufrichtig und zart, aber in den Gemälden von Murillo gibt es nicht mehr die spirituelle Kraft und Tiefe, die in den Werken seiner älteren Zeitgenossen so schockierend sind. Das Leben des Künstlers ist mit seiner Heimat Sevilla verbunden, obwohl er Madrid und andere Städte besuchen musste. Nach seinem Studium bei dem örtlichen Maler Juan del Castillo (1584-1640) arbeitete Murillo viel im Auftrag von Klöstern und Tempeln. 1660 wurde er Präsident der Akademie der Schönen Künste in Sevilla.
Mit seinen Gemälden zu religiösen Themen wollte Murillo Trost und Beruhigung spenden. Es ist kein Zufall, dass er sehr oft das Bild der Muttergottes malte. Von Bild zu Bild ging das Bild Marias in Form eines hübschen jungen Mädchens mit regelmäßigen Gesichtszügen und einem ruhigen Blick weiter. Ihr unschuldiges Aussehen sollte beim Betrachter ein Gefühl süßer Zärtlichkeit hervorrufen. Auf diesem Gemälde stellte Bartolome Murillo die Madonna und Jesus mit einem Rosenkranz dar, einem traditionellen katholischen Rosenkranz, der gebetet wurde sehr wichtig zur Zeit des Künstlers. In diesem Werk sind noch die Züge des Naturalismus erkennbar, der in den Werken der Vertreter der Sevillaner Schule in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts vorherrschte, allerdings ist der Malstil Murillos bereits freier als bei ihm frühe Arbeit. Besonders ausgeprägt ist diese freie Art in der Darstellung des Schleiers der Jungfrau Maria. Der Künstler nutzt helles Licht, um die Figuren vor einem dunklen Hintergrund hervorzuheben und einen Kontrast zwischen den zarten Farbtönen des Gesichts der Jungfrau und des Körpers des Christuskindes und den tiefen Schatten in den Stofffalten zu schaffen.
Im Andalusien des 17. Jahrhunderts war das Bild der Muttergottes mit dem Kind besonders gefragt. Murillo, der sein kreatives Leben in Sevilla verbrachte, malte viele dieser Gemälde voller Zärtlichkeit. In diesem Fall ist die Muttergottes mit einem Rosenkranz dargestellt. Und hier, wie in frühe Jahre Auch in seinem Schaffen bleibt der Künstler seiner Vorliebe für Licht- und Schattenkontraste treu.

Bartolome Esteban Murillo „Der gute Hirte“ 1655-1660

Das Bild ist von tiefer Lyrik und Freundlichkeit durchdrungen. Der Titel ist dem Johannesevangelium entnommen: „Ich bin der gute Hirte.“ Dies deutet darauf hin, dass das Bild Christus darstellt, wenn auch in einem sehr frühen Alter. Auf dem Bild von Murillo ist alles schön und einfach. Der Künstler liebte es, Kinder zu malen, und all diese Liebe steckte er in die Schönheit des Bildes dieses Knabengottes. In den 1660er und 1670er Jahren, während der Blütezeit seiner malerischen Fähigkeiten, bemühte sich Murillo darum, seine Figuren zu poetisieren, und ihm wurden oft sentimentale Bilder und ihre bewusste Schönheit vorgeworfen. Allerdings sind diese Vorwürfe nicht ganz fair. Das auf dem Bild abgebildete Kind ist heute sowohl in Sevilla als auch in den umliegenden Dörfern zu sehen. Und genau darin manifestierte sich die demokratische Ausrichtung des Schaffens der Künstlerin – indem sie die Schönheit der Madonna mit der Schönheit gewöhnlicher spanischer Frauen und die Schönheit ihres Sohnes, des kleinen Christus, mit der Schönheit von Straßenwildjungen gleichsetzte.

Alonso Sanchez Coelho „Porträt der Infantin Isabella Clara Eugenia und Catalina Michaela“ 1575

Das Porträt der Prinzessin im Alter von acht und neun Jahren hält einen Blumenkranz in der Hand. Sanchez Coelho malte schon in jungen Jahren Porträts von Infantinnen – den geliebten Töchtern von König Philipp II. und seiner dritten Frau Isabella von Valois. Alle Porträts sind nach den Grundsätzen eines Hofporträts angefertigt – Mädchen in prachtvoller Kleidung und mit teilnahmslosem Gesichtsausdruck.

Anton Raphael Mengs. Porträt von König Carlos III. 1767

Karl III. wurde als vielleicht der einzige wirklich aufgeklärte Monarch in der Geschichte Spaniens bezeichnet. Er war es, der 1785 das Prado-Museum gründete, zunächst als Naturkundemuseum. Karl III. träumte davon, dass das Prado-Museum zusammen mit den benachbarten botanische Gärten zum Zentrum der wissenschaftlichen Ausbildung werden.
Nachdem er den Thron bestiegen hatte, begann er ernsthafte politische und wirtschaftliche Reformen durchzuführen, die das Land damals so dringend brauchte. Seine Bemühungen waren jedoch vergeblich – sein Sohn Karl IV. teilte nicht die fortschrittlichen Ansichten seines Vaters und nach dem Tod Karls III. waren die Reformen beendet.
Dieses Porträt ist absolut typisch für seine Zeit. Mit jedem Detail macht der Künstler auf die Position aufmerksam, die das Modell einnimmt: Ein mit Hermelin besetzter Mantel, ein mit Juwelen eingelegtes Malteserkreuz und eine glänzende Rüstung sind unverzichtbare Attribute königlicher Größe. Üppige Drapierung und Pilaster (Element klassische Architektur) ist ein traditioneller Hintergrund für solche Porträts.
Doch bereits in diesem Porträt ist es überraschend, wie das Gesicht des Models präsentiert wird. Mengs macht keinen Versuch, seine zwiebelartige königliche Nase zu verkleinern oder die Linien in seinen faltigen Wangen zu glätten. Dank maximaler Individualität schafft dieses Gemälde ein Lebensgefühl, das Mengs‘ Vorgänger nicht erreichen konnten. Das Porträt weckt Mitgefühl für Carlos III., der bereit ist, sein unvollkommenes Aussehen zu „zeigen“.

Antoine Watteau „Fest im Park“, ca. 1713 - 1716

Diese bezaubernde Szene ist ein typisches Beispiel für Watteaus „galante Feierlichkeiten“. leichter Nebel, gleitende Umrisse, die fast im Laubwerk über dem Brunnen verborgene Neptunstatue und eine verblasste goldene Farbe – all das vermittelt eine Atmosphäre scharfen, aber flüchtigen Vergnügens.
Das Gemälde gehörte Isabella Farnese, der zweiten Frau von König Philipp V.

Antonio Carnicero „Aufstieg des Heißluftballons in Aranjuez“, um 1900. 1784

Das Gemälde wurde vom Herzog und der Herzogin von Oswan in Auftrag gegeben und spiegelt den Geist der Aufklärung wider, der Interesse an den Errungenschaften des wissenschaftlichen Fortschritts weckte. Abgebildet echtes Ereignis: 1784 fand in den königlichen Gärten von Aranjuez in Anwesenheit des Monarchen, seiner Familienmitglieder und Höflinge ein Flug mit dem Ballon Montgolfier statt. Antonio Carnicero war für seine bezaubernden Genreszenen bekannt und dieses Gemälde ist eines seiner anspruchsvollsten Werke.

José de Madrazo y Agudo „Himmlische Liebe und irdische Liebe“ 1813

Francisco de Zurbaran „Agnus Dei. Lamm Gottes“ 1635-1640

Auf einem grauen Tisch liegt ein Lamm, das sich in einem scharf gebündelten hellen Licht deutlich von einem dunklen Hintergrund abhebt. Jeder Mensch im 17. Jahrhundert würde in ihm sofort das „Lamm Gottes“ erkennen und verstehen, dass dies ein Hinweis auf die Selbstaufopferung Christi ist. Die Wolle des Lammes ist auffallend ausgeprägt und wirkt so weich, dass man den Blick kaum von dem Tier abwenden und es berühren möchte.

Juan Pantoja de la Cruz „Porträt der Königin Isabella von Valois“, ca. 1604 - 1608

Pantoja de la Cruz malte dieses Porträt und wiederholte damit das Werk von Sofonisba Anguishola – das Original brannte 1604 im Palast nieder. Der Künstler fügte dem Outfit der Königin lediglich einen Umhang aus Murmeltierpelz hinzu.
Sofonisba Anguixola ist eine Künstlerin aus Cremona, die am spanischen Hof arbeitete. Es war das erste Porträt einer jungen Königin aus einer Serie des Künstlers. Das Bild ist ähnlich wie Spanisch geschrieben, jedoch in wärmeren und helleren Farben.

Jean Rann „Porträt von Carlos III. als Kind“ 1723

Luis Melendez „Stillleben mit einer Schachtel Süßigkeiten, einer Brezel und anderen Gegenständen“ 1770

Der größte Meister der spanischen Sprache Stillleben XVIII ca. wurde Luis Melendez in Italien in der Familie eines Miniaturisten aus Asturien geboren. Im Jahr 1717 zog die Familie nach Madrid, wo der junge Mann in die Vorbereitungsabteilung der Akademie von San Fernando eintrat und unter den begabtesten ihrer Schüler den ersten Platz belegte. 1747 musste er jedoch die Akademie verlassen, nachdem sein Vater infolge des Konflikts von ihr ausgeschlossen worden war. In dieser Zeit besucht Melendez erneut Italien. Zunächst half er seinem Vater, wurde Miniaturmaler und wurde von Ferdinand VI. nach seiner Rückkehr aus Italien eingeladen, in der Königlichen Kapelle von Madrid Bücher zu illustrieren. Im Genre des Stilllebens, dem sich der Künstler in den frühen 1760er Jahren zuwandte, neues Gesicht seine Kreativität.
Dieses Stillleben wurde gemalt Reifezeit Kreativität des Künstlers. Zu dieser Zeit tauchen in seinen Kompositionen Luxusartikel und Silberutensilien auf. Dennoch bleibt der Künstler seinen Idealen treu und arbeitet danach Genretradition. Die materielle Greifbarkeit jedes der auf Leinwand gemalten Objekte erinnert uns an die besten Beispiele für Stillleben in der Weltkunst. Die spürbare Transparenz des Glases spiegelt sich in der matt glänzenden Oberfläche der silbernen Vase. Weiche Brezel auf einer weißen Serviette, es scheint nach frisch gebackenem Brot zu riechen. Der Hals einer verschlossenen Flasche schimmert matt. Eine silberne Gabel ragt leicht über die Kante des beleuchteten Tisches hinaus. In der Komposition dieses Stilllebens gibt es keine asketische Anordnung der Gegenstände in einer Reihe, wie sie beispielsweise für Zurbarans Stillleben charakteristisch ist. Vielleicht hat es etwas mit den niederländischen Mustern gemeinsam. Aber der Ton ist dunkler, die Objekte kleiner und die Komposition einfacher.

Juan de Arellano „Blumenkorb“, 1670

Er war ein spanischer Barockmaler, der sich auf Blumenarrangements spezialisiert hatte. Er wurde 1614 in Santorcase geboren. Zunächst studierte er im Atelier eines heute unbekannten Künstlers, zog aber im Alter von 16 Jahren nach Madrid, wo er bei Juan de Solis studierte, einem Künstler, der Aufträge für Königin Isabella ausführte. Juan de Arellano lange Zeit lebte von kleinen Aufträgen, unter anderem von Wandgemälden, bis er beschloss, sich ausschließlich auf das Malen von Blumen zu konzentrieren und ein unübertroffener Meister auf diesem Gebiet wurde. Es wird angenommen, dass der Meister zunächst die Werke anderer, insbesondere italienischer Künstler kopierte. Die flämischen Stillleben verliehen seinem Stil Eleganz und Strenge. Später fügte er dieser Kombination eigene kompositorische Erkenntnisse und eine charakteristische Farbpalette hinzu.
Charakteristisch für Arellano ist die eher schlichte Komposition dieses Stilllebens. Durch die intensive Beleuchtung heben sich reine, intensive Pflanzenfarben leuchtend von einem neutralen bräunlichen Hintergrund ab.

Eines der frühesten in Spanien geschaffenen Porträts von El Greco ist vielleicht das sogenannte „Porträt eines Herrn mit einer Hand auf der Brust“ (ca. 1577-1579). Dies zeigt sich vor allem in der eher traditionellen, dunklen Malweise, die auf bräunlichen Farbtönen und einem dichten, glatten Pinselstrich basiert. Typisch ist die psychologische Neutralität der Interpretation, die in Zukunft einer deutlich aktiveren Charakterisierung weichen wird.

Das berühmtes Porträt El Greco ist sozusagen ein im Rahmen des Kanons errichtetes Abbild eines Adligen seiner Zeit. Elegant, sehr ruhig, mit einer Geste des Eids oder der Überzeugung, die rechte Hand auf die Brust legend, verkörpert der unbekannte Caballero das Merkmal der spanischen Aristokratie Gesellschaft, also der Ausdruck in Aussehen Gleichmut, Zurückhaltung, Würde.

Der Griff des Toledo-Schwerts ist ein beredtes Detail seines strengen Auftretens, ein schwarzer Anzug, verziert mit einem hohen Kragen und Manschetten aus schneeweißer Spitze. Antonina Vallantin weist zu Recht darauf hin, dass diese Art von Spanier die Bühne betrat und bereits auf den Seiten von Romanen lebte, aber um dargestellt zu werden, musste er auf die Ankunft von El Greco in Toledo warten.

Das Porträt ist jedoch inhärent interne Inkonsistenz, da der ideelle Aspekt des Bildes nicht ganz der Persönlichkeit der dargestellten Person entspricht – es wird eine wenig aussagekräftige Natur dargestellt. Der Eindruck entsteht durch die Bildstruktur der Leinwand, bei der Gesicht und Hand mit der symbolischen Anordnung der Finger als helle Punkte aus dem dunklen Hintergrund hervortreten; Die kostbare Schönheit dünner schimmernder Spitze, der Griff eines Schwertes, als ob er in der Luft hängt, erhält eine besondere Zerbrechlichkeit. Der distanzierte Blick des Caballeros, ausgestattet mit den typisch elgrekischen, seltsamen Augen, verstärkt die Ausdruckskraft des Bildes.

Der Mann im Spiegel der Kunst: das Genre des Porträts

Porträt(Französisches Porträt) – ein Bild einer bestimmten Person oder Personengruppe. Das Porträtgenre verbreitete sich in der Antike in der Bildhauerei, dann in der Malerei und Grafik. Aber Ähnlichkeit Das ist nicht das Einzige, was der Künstler zu vermitteln hat. Viel wichtiger ist es, wenn der Meister das innere Wesen eines Menschen auf die Leinwand überträgt und die Atmosphäre der Zeit vermittelt. UnterscheidenHaustür Und Kammer Porträts. Es gibt Porträtsgepaart Und Gruppe. Sie sollen die Hauptsäle schmücken, bestimmte Personen loben und die Erinnerung an Menschen bewahren, die durch berufliche, spirituelle und familiäre Bindungen verbunden sind. SonderkategorieIst Selbstporträt, auf dem sich der Künstler selbst darstellt.

Jedes der Porträts kann entweder einem psychologischen Porträt zugeschrieben werden, oder
zu einer Porträtfigur oder zu einer Porträtbiographie.

Kunst hilft, einen Menschen kennenzulernen. Nicht nur, um sein Äußeres zu sehen
Gesicht, sondern auch, um sein Wesen, seinen Charakter, seine Stimmung usw. zu verstehen. Das Porträt ist fast
immer realistisch. Denn ihr Hauptziel ist die Wiedererkennung des Dargestellteneine Person darauf. Allerdings ist die Aufgabe des Künstlers meist nicht die exakteKopieren äußere Merkmale Modelle, keine Nachahmung der Natur, sondern eine „malerische Nachbildung“ des Bildes einer Person. Es ist kein Zufall, dass der WunschErkennen Sie sich einfach im Porträt wieder und entdecken Sie vielleicht sogar etwas Neues an sich.
Die Haltung des Künstlers zum Modell wird dem Betrachter unwillkürlich vermittelt. Wichtig
ist alles, was Emotionen, Lebensgefühl, gegenüber Menschen ausdrückt: Mimik
dargestelltes Gesicht, Augenausdruck, Lippenlinie, Kopfdrehung, Körperhaltung,
Geste.
Oft interpretieren wir ein Werk aus der Perspektive des heutigen Menschen.
Heute schreiben wir dem Charakter Eigenschaften zu, die für seine Zeit völlig untypisch sind, das heißt, wir streben danach, das Unbekannte durch das Bekannte zu verstehen.
Es ist auch sehr wichtig, den sozialen Status der porträtierten Person darzustellen, um ein typisches Bild eines Vertreters einer bestimmten Epoche zu schaffen.

Als Genre tauchte das Porträt bereits vor mehreren Jahrtausenden in der antiken Kunst auf. Zu den Fresken des berühmten Palastes von Knossos, die Archäologen bei Ausgrabungen auf der Insel Kreta gefunden haben, gehören ganze Zeile Bildliche Darstellungen von Frauen im Zusammenhang mit XVI Jahrhundert Chr. Obwohl die Forscher diese Bilder „Hofdamen“ nannten, wissen wir nicht, wen die kretischen Meister darzustellen versuchten – Göttinnen, Priesterinnen oder edle Damen in eleganten Kleidern.
"Pariser". Fresko aus dem Palast von Knossos, 16. Jahrhundert v. Chr

Am berühmtesten war das Porträt einer jungen Frau, die von Wissenschaftlern „Pariserin“ genannt wurde. Wir sehen vor uns ein Profilbild (nach den Traditionen der damaligen Kunst) einer jungen Frau, die sehr kokett ist und das Make-up nicht vernachlässigt, wie ihre dunkel umrandeten Augen und hell geschminkten Lippen beweisen.
Die Künstler, die Freskenporträts ihrer Zeitgenossen schufen, haben sich nicht mit den Eigenschaften der Modelle befasst, und die äußere Ähnlichkeit dieser Bilder ist sehr relativ.
Religiöse Überzeugungen im alten Ägypten, die mit dem Kult verbunden waren
Verstorbener, bestimmte den Wunsch, im skulpturalen Bild einer Person eine Porträtähnlichkeit zu vermitteln: Die Seele des Verstorbenen musste ihren Behälter finden.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Archäologen haben der ganzen Welt ein wunderbares Porträtbild von Königin Nofretete entdeckt.

Erstellt in 14. Jahrhundert Chr e.,Dieses Bild beeindruckt durch die Glätte der Profillinien, die Anmut des flexiblen Halses, die luftige Leichtigkeit und die fließenden Übergänge der unregelmäßigen, aber schönen Züge des weiblichen Gesichts.. Nofretete war nicht nur die Königin von Ägypten, sie wurde auch als Göttin verehrt. Die berühmteste und vielleicht schönste Ehefrau der ägyptischen Pharaonen lebte mit ihrem gekrönten Ehemann in einem riesigen luxuriösen Palast am Ostufer des Nils.

In Kunst Antikes Griechenland Einen besonderen Platz nehmen verallgemeinerte, idealisierte Helden- oder Götterbilder ein. Geistiges und Körperliches verschmelzenMaler und Bildhauer sahen die VerkörperungSchönheit und Harmonie des Menschen.