Darüber, wie Künstler die Natur nutzen. Zu offene klassische Gemälde, die jeden in der Weltmalerei verwirren können

Habe ein neues bekommen, mit Bildern:

Ein Kommentar.
"Haken:
* Die Künstler sind aufrichtige und vollkommene Handwerker, Papageien. Aber beide sind nicht in der Lage, von der Natur zu abstrahieren*
Hier scheint es mir einen subtilen Punkt zu geben ... was gilt als „freundlich“?
Ich erinnere mich an Nabokovs Aussage (ich werde sie jetzt nicht genau zitieren, aber die allgemeine Bedeutung) ... Stellen Sie sich vor, dass eine bestimmte „Natur“ – sagen wir, eine ländliche Landschaft – von drei Menschen beobachtet wird – einem Stadtbewohner, der zu Besuch ist, fast sieht zum ersten Mal lebendes Gras und Bäume, einen einheimischen Bauern, der an diesen Orten aufgewachsen ist, auf dem Land arbeitet, Pilze in dem ihm bekannten Wald sammelt usw.
und ein Wissenschaftler-Naturforscher, ein Naturkenner, für den eine Wiese oder ein Wald eine hochdifferenzierte biologische Gemeinschaft ist, in der er viele verschiedene spezifische Pflanzen, Insekten, Tiere sieht, aber er sieht sie nicht nur, sondern auch zahlreich die kompliziertesten Zusammenhänge, weder dem Stadtbewohner noch dem Bauern unbekannt ...
es scheint, dass wir die gleiche Realität, Natur haben, aber tatsächlich ist eine solche „Realität“ eine Abstraktion ... je nach Grad des Eintauchens, der Aufmerksamkeit, der Erkenntnis – für jeden Menschen sind dies völlig unterschiedliche Realitäten, und ihre Gemeinsamkeit tut es die primitivsten Schemata wie „Das Gras ist grün“, „Blätter am Baum“ nicht weiter ausdehnen ...
und der Künstler sieht schließlich auch die „Natur“ mit ganz anderen Augen als der Laie (hier schreibe ich mich in aller Ruhe in solche – mehr als einmal musste ich mich damit auseinandersetzen). persönliche Erfahrung wie viel detaillierter und subtiler die Künstler sehen) - er bemerkt und betont vieles in Formen und Farben und darüber hinaus bereits in jener Brechung, konkret und individuell, in der seine Kunst gefragt ist ...
diese. Der Begriff „Natur“ erscheint mir in dem üblichen Sinn, der darin verwendet wird, sehr unsicher ...“

Antworten.
I. Bildende Künstler.
Das Nabokov-Beispiel berücksichtigt Verschiedene Optionen Interpretation der Natur, je nachdem, welche Art von Verschmelzung von Beobachtungen und Ideen sich bei einer bestimmten Person bildet.
Wenn wir es weiter fassen, dann ist die Interpretation der Natur ihre Widerspiegelung durch den Künstler in den Werken. Überlegungen, in denen Hauptrolle Spielen Sie die Emotionen, Beobachtungen und Darstellungen des Künstlers. Diese Rolle kann jedoch in zwei direkt entgegengesetzten Richtungen gespielt werden.
In einem der besten von ihnen gibt es emotionale Reaktionen auf eine Art Natur oder scharfe Beobachtungen einiger ihrer Eigenschaften. Und hier entstehen lebendige Interpretationen der Natur (Impressionisten und übrigens gute Tiermaler).
Im anderen, noch schlimmeren Fall wird die Interpretation zur Reaktion eines natürlichen Motivs auf eine Emotion oder auf bereits im Kopf des Künstlers vorhandene Ideen. Über solche Gemälde sagt man: „Sie schreiben nicht live, sondern nach der Idee“ oder sie nennen es nachahmend, illustrativ, literarisch. Beispiele: deutsche Romantiker, russische Wanderer, französische Symbolisten usw. In einigen Fällen ist die Malerei „nach Darstellung“ jedoch möglicherweise nicht illustrativ, sondern trägt die Tendenz, die Gesamtheit einer bestimmten Technik in sich. Beispielsweise wurden die Pointillisten (Seurat, Signac) im Gegensatz zu den Impressionisten, die ihre Experimente mit der Fixierung einiger lebendiger Momente der optischen Wahrnehmung der Natur begannen, bald zu Geiseln der entwickelten Methode.

Es ist interessant festzustellen, dass Illustrativität innerhalb des Genres der Illustration durchaus angemessen und gerechtfertigt sein kann – was wir in einer Reihe von Beiträgen zu Kinderbuchgrafiken mit Vergnügen sehen durften. Doch einige Künstler, die dazu neigen, die dekorativen Qualitäten einer illustrativen Komposition zu verschärfen, rütteln an den Grenzen des Genres und führen die Komposition teilweise in den Bereich abstrakter bildnerischer und plastischer Aufgaben, also über die Grenzen jeglicher Naturinterpretation hinaus.
Zwei Beispiele hierfür:

Tatjana Mavrina. Rostow. 1965
(Reproduktion aus Livejournal von O. Bukharov)

Lev Bakst. Porträt von Vaslav Nijinsky als Faun (im choreografischen Gemälde „Der Nachmittag eines Fauns“ zur Musik von Claude Debussy). 1912.
Wadsworth Atheneum, Hartford

Auch wenn streng genommen weder Mavrina noch Bakst jemals in den Bereich der Staffeleimalerei als solchen vorgedrungen sind: Dieser Übergang entsprach wohl nicht ihrer Begabung für angewandte Kunst.

II.
Aber zurück zum Anfang. Künstler können nicht nur „Bilder“ sein. Die Natur nicht nur auf die eine oder andere Weise widerspiegeln (interpretieren). Manche von ihnen können völlig frei damit umgehen und machen das Thema der Arbeit nicht zur Natur, sondern zu etwas Substanziellerem. Durch die Deformation und Transformation der visuell-natürlichen Objektform.

Die Verformung einer objektiven Form ist keine Möglichkeit, sie zu interpretieren oder schärfer zu konkretisieren, sondern ein Werkzeug, um einen außernatürlichen Inhalt durch die Natur auszudrücken, der im Allgemeinen mit natürlichen Mitteln nicht vermittelt werden kann. Bei diesem Inhalt handelt es sich tatsächlich um Dinge philosophischer Natur: Natur und Taten menschliches Bewusstsein, ein ungewöhnlicher Lebenslauf, der Sein genannt wird ... All diese Dinge werden allein von Künstlern in der Sprache der objektiven Form sehr „gelungen“ dargestellt. Andere Künstler versuchen mit viel größeren Schwierigkeiten, diese Dinge jedes Mal aufs Neue zu erschaffen, mit fast der gleichen Sprache der objektiven Form.

Man könnte sagen, die Geschichte der europäischen Malerei hat klassische Schule solche philosophische Schöpfung in künstlerische Kreativität: Kunstikonen. Diese Schule entwickelte viele Kanons für Kompositionen neutestamentlicher und alttestamentlicher Szenen, in denen im Allgemeinen objektive Formen, die einige (bei weitem nicht so erzwungene) Deformationen und Transformationen erfahren, zum Ausdruck sowohl des Sichtbaren als auch des Unsichtbaren werden , symbolische Welt. Aber auch diese wunderbare Schule ist der „Sünde der Illustration“ nicht entgangen. Je fester der Kanon in die Praxis eingeführt wurde, desto mehr neigte diese Praxis dazu, bestimmte Beispiele der Aufführung dieses Kanons äußerlich nachzuahmen (dies ist dasselbe, als ob Musiker angewiesen würden, beispielsweise Bach ausschließlich in den Interpretationen von Gould zu spielen, und Chopin in den Interpretationen von Horowitz; obwohl es verständlich ist, dass der Kanon nur aus Noten besteht und die Musik alles irgendwo „zwischen den Noten“ liegt. Darüber hinaus ist jede Darstellung eines Symbols in gewöhnliches Bewusstsein wird als Illustration der Heiligen Schrift wahrgenommen, und selbst der Klerus selbst war nicht abgeneigt, Ikonen „Bücher für Analphabeten“ zu nennen. Das Malen von Bildern „unter Rublev“ oder „unter Dionysius“ verschärfte also nur die illustrative Haltung gegenüber kanonischen Formen und trug zur Verschlechterung der Ikonenmalerei bei.

Es gibt jedoch einen bekannten Standpunkt, dass die Ikone überhaupt keine Kunst ist. Betrachten Sie daher Beispiele kreative Arbeit Maler mit der Sujetform beginnen wir schließlich nicht mit einer Ikone, sondern mit einem Werk eines dieser Kunst nahestehenden Meisters, El Greco.

El Greco. Johannes der Täufer. OK. 1600
Puschkin-Museum

Bei der Beschreibung dieser Arbeit habe ich bereits irgendwie auf die Beine von Johannes dem Täufer geachtet: Wenn man sie betrachtet, sieht man, dass sie deutlich nach rechts „umfallen“. Und gleichzeitig ist der Torso stabil, monumental – entlang der Mittelachse des Bildfeldes gelegen und eingeschrieben in den Kreis des sich aus den Wolken öffnenden Himmels (links – fast geometrisch korrekt). Eine Säule verdichteter Wolken, die nach rechts aufsteigt und sozusagen Johns Oberkörper „stützt“, gleicht kompositorisch die „Blockade“ der Figur nach rechts aus, sie „stößt“ Johns Schulter gewissermaßen ab und biegt sich elastisch nach links nach oben , vervollständigt diese Kompensation. Und diese elastische, kraftvolle Bewegung der Wolken ist ein leichtes und irgendwie verklärtes Echo der freien Neigung von Johns Kopf nach links.

Der Grad der Transformation von Johns Beinen ist im Vergleich zu allen anderen Details dieses Bildes maximal, und diese Transformation ist eine der bedeutsamsten, die ich in der Malerei in Bezug auf die gezeigte natürliche Objektform gesehen habe. Es bringt deutlich das Wesen von Johannes dem Täufer zum Ausdruck. Und die Tatsache, dass im übertragenen Sinne nicht die Beine den Rumpf stützen, sondern im Gegenteil der Rumpf der gesamten Figur des Johannes Stabilität und Monumentalität verleiht – das drückt die Idee dieses Bildes aus. Johannes der Mann geht einen wahrhaft unglaublichen Weg vom Alten zum Neuen Testament, einen Weg, der auf irdischem, natürlichem Weg – also mit natürlichen Füßen – nicht zurückgelegt werden könnte. Daher erfährt ihre objektive Form eine so auffällige, auf den ersten Blick seltsame Verformung; und deshalb ruht die Gestalt Johannes des Täufers nicht auf seinen Füßen und der Erde, sondern erhält eine Stabilität von unnatürlicher, überirdischer Qualität, die sich vor dem Hintergrund des Himmels manifestiert und von ihm ausgeht.
Diese Entscheidung manifestierte sowohl die kreative Freiheit von El Greco als auch seine völlig individuelle Denkweise: Niemand hat vorher oder nachher so geschrieben – schließlich steht das am Rande der Hässlichkeit!
Um Sie nicht zu langweilen, nur noch zwei Beispiele.

Amedeo Modigliani. Porträt von Leopold Survage. 1918
Hm. 61,5x46. Ateneum-Museum, Helsinki

Hier ist ein Künstler, für den es selbstverständlich ist, sich nach El Greco zu bewegen – Modigliani. Auch ein großer Meister nicht der Interpretation, sondern der Transformation der Natur. Und wie sein kretisch-spanischer Vorgänger zeichnete er gerne vertikale Formen. Und was für lange, lange Schlangen! Dabei handelt es sich nicht um eine Art Verlangen „nach dem Erhabenen“, das in einer Pose zum Ausdruck kommt, die Pose selbst sagt nichts aus. Aber bei allen Kräften der Form stellt sich hier ein Verlangen nach dem Transzendenten ein. Und wie intensiv die warmen, fast heißen Farben von Gesicht und Hals in der kalten Umgebung von Schwarz, Blau und Graublau klingen, bringt das Bild des abgebildeten Künstlers aus dem äußerlich friedlichen Zustand des säkularen Alltags in den Raum der Vorahnung Form voller kontrastierender Spannung.

Hier erinnert nur ein Detail teilweise an die Mittel der oberflächlichen illustrativen Symbolik: das Motiv eines Auges ohne Pupille. Modigliani entwickelte dieses Motiv in verschiedenen Kombinationen ständig weiter, und offenbar war es für seine Malerei kein entlehntes Element, sondern eine Art organische Zugehörigkeit. Allerdings gibt es einen Maler, der solche auch kleinen Möglichkeiten einer mehrdeutigen Wahrnehmung der Bildform grundsätzlich vermied. Dieser „anti-illustrative“ Künstler war Cezanne.

Zu Beginn seines Lebens bestanden kreative Art und Weise ein Ausschnitt einer gewissen Abweichung in den Bereich symbolischer Interpretationen der objektiven Form („Ouvertüre zu Tannhäuser“, siehe:), in reife Jahre er konzentrierte sich ganz darauf, das Innere zu enthüllen, natürliches Leben was wir normalerweise Natur nennen: eine Landschaft, eine Person, ein Objekt. Und er hat es offenbart Innenleben auf die schwierigste und direkteste Art und Weise: mit Farben auf Leinwand wahrheitsgetreu zu komponieren, was sein Auge in der Natur sah. Tatsache ist jedoch, dass Cezannes Auge alles Überflüssige, was ein gewöhnlicher Blick in die Natur bringt, aus seinem Blickfeld entfernen könnte. Die ganze Trägheit der alltäglichen Wahrnehmung.

Cezanne. Pfirsiche und Birnen. OK. 1895
Hm. 61x90. Puschkin-Museum

Im Gegensatz zu manchen Stereotypen Sowjetische Kunst hat sich auch vor dem Hintergrund der Mehrheit nie durch besonderen Puritanismus hervorgetan westliche Länder. Ein Mädchen war nicht zu faul, in ihrer Zeitschrift typische Beispiele des sowjetischen Akts in Malerei und Grafik aus der Zeit von 1918 bis 1969 zu sammeln. Eine solche Auswahl kann etwa auf sowjetischer Fotografie, Kino, Skulptur und monumentaler Kunst getroffen werden.

Original entnommen aus catrina_burana in Nackte Natur in der sowjetischen bildenden Kunst. Teil III. 1950-1969

In den 1950er und 60er Jahren blieb der sozialistische Realismus die Hauptrichtung der sowjetischen Kunst. Und wie in den 30er- und 40er-Jahren musste auch die Darstellung von Nacktheit ihren Kanons entsprechen. Die Anzahl der Situationen, in denen eine solche Natur glänzen konnte, war begrenzt: ein Fluss- oder Meeresufer, ein Badehaus, eine Dusche, ein Bad und natürlich die Werkstatt eines Künstlers. Doch bereits in den 40er Jahren tauchte eine gewisse Themenvielfalt im Aktthema auf, die in der Malerei und Grafik der 50er und insbesondere der 1960er Jahre noch deutlicher zu erkennen war. Hier ist das Thema beispielsweise „Morgen“. Anscheinend glaubte man, dass es einem sowjetischen Mädchen oder einer sowjetischen Frau gut tun könnte, morgens aufzuwachen und oben ohne oder sogar in dem, was ihre Mutter zur Welt gebracht hatte, anzugeben.

1950. N. Sergeeva. Guten Morgen

1950. Ein Zavyalov. Modelle vor dem Hintergrund von Vorhängen

1950. In Arakcheev. Sitzende Frau.

1950. Vl Lebedew. Aktmodell

1950er Jahre in Dmitrievsky. Nackt

1953. Wsewolod Solodow. Modell

Und jetzt - Wasserbehandlungen! Strand, Sauna, Schwimmer, Badegäste.
1950. N Eremenko. Auf dem Sand

1950er Jahre B Scholochow. Bad

1950er Jahre T Eremina. Schwimmer
seltsames Bild Oder besser gesagt, sein Name. Naja, auf jeden Fall rechts, Schwimmer. Es gibt Zweifel, wer in der Mitte ist: Es scheint mir immer noch, dass es sich um einen Schwimmer handelt. Na ja, und links in Tangas und mit nacktem Hintern - na ja, definitiv kein Schwimmer ...

Und hier ist Alexander Deineka mit seinen gewagten Models, was wären wir ohne sie!
1951. A. Deineka. Skizze zum Gemälde „Badende“

1952. A. Deineka. Badegäste

1951. A. Deineka. Modell

1952. A. Deineka. Modell

1953. Deineka. Liegemodell

1953. Deineka. Liegen mit einem Ball
Die letzten beiden, insbesondere der ohne Ball – keine so beeindruckende Erleichterung. Und der kleine Mann ist nichts, nur ein bisschen kurzbeinig.
1955. Deineka. Nackter Sitter
Mehrere Gemälde des Künstlers Andrei Goncharov.
1952. Andrey Goncharov. Akt auf lila Hintergrund

1952. Andrey Goncharov. Sitzender Akt

1954. A. Goncharov. Liegender Akt mit Tulpen

1955. A. Goncharov Liegender Akt auf Rot

1956. A. Goncharov Akt auf einem gestreiften

1958. A. Goncharov. Aktmodell
Und jetzt gibt es bereits eine Vielzahl von Grundstücken. Pimenovs Handlung ist zwar mit dem Baden verbunden, aber nicht ganz Standard, während Glasunovs Handlung voller Erotik ist.
1955. Juri Pimenow. Wintertag

1956. Ilja Glasunow. Morgen
Noch ein paar Studiomodelle von 1957-58. Der erste und dritte – zum Neid von Deineka!
1957. A. Olchowitsch. Nackt

1957. Michael von Gott. Nackt

1958. A. Samochwalow. Nackt

1958. R. Podobedov. sitzendes Modell
Hier bringt A. Sukhorukih noch mehr Abwechslung in die Nacktszenen. Sowohl „Midday Sun“ als auch „Morning“ sind voller Romantik ...
1958. A. Suchorukich. Mittagssonne

1960. A. Suchorukich. Morgen
Auch die Badeszene ist nicht ganz typisch. In der Mitte der Komposition – eine Frau oder ein Mädchen – kann man es hinter dem Laken nicht sehen – aus irgendeinem Grund blockiert genau dieses Laken das Mädchen, das ihre Hand offenbar nach Kleidung ausstreckt. Ich blockiere dich, während du dich anziehst. Aber hier ist das Geheimnis: Von wem? Vom Ufer aus kann man alles sehen, der Künstler hat es erspäht! Und von der Seite des Sees - offensichtlich ist niemand da, und andere sind nicht sehr schüchtern, der rechte sitzt im kompletten Negligé ... Geheimnisvolles Bild.
1958. Tschernyschew. Baden am See
Schon wieder Morgen. Nun ja, es ist unmöglich, ein solches Bild als „lügendes Modell“ zu bezeichnen, es ist in einer frivolen Pose zu schmerzhaft, und so – nun, die Dame ist aufgewacht, nun ja, gestreckt – was ist los?
1959. L. Astafjew. Morgen

Ein weiteres nautisches Thema. Deinekin-Formen kommen überhaupt nicht in Mode ...
Zwei Zeichnungen des Künstlers Grigory Gordon. Auch ein lesendes Mädchen ist in diesen Jahren eine beliebte Handlung. Nun, in diesem Formular können Sie beispielsweise nachlesen, ob es heiß ist.
1960. G. Gordon. Mädchen mit einem Buch

1959. G. Gordon. sitzendes Mädchen
Drei weitere Gemälde zum Thema Wasser.
1960. Wladimir Stozharov. Bad. Waschende Frau

1960er Jahre Fedor Samusev. Nach dem Bad
Mehrere Studioaktfotos. Die Modelle von Urusevsky und Reznikova sind schon ziemlich dünn ...
1960. Gennadi Troschkin. Nackt

1960. R. Podobedov. junges Model

1960. S.P. Urusevsky. Aktmodell

1961. Evgenia Reznikova. Model Lisa
Die Helden der Gemälde von V. Kholuyev sind leicht zu erkennen. Sie haben etwas Marionettenartiges. Die Motivauswahl ist Standard: Nackt im Studio, Meer, Morgen.
1960er Jahre V. Kholuev. Liegender Akt

1960er Jahre V. Kholuev. Nackt

1960er Jahre V. Kholuev. aus dem Meer geboren

1960er Jahre V. Kholuev. Morgen

1962. V. Kholuev. Nackt
„Frühlingsmorgen“ von A. Sukhorukikh vereint zwar zwei typische Handlungsstränge – Morgen und Baden, aber hier ist die Nacktheit der Heldin zweitrangig; Dieses „Nackt“ ist nicht um des „Nackens willen“ willen, sondern ganz für sich Gesprächsstoff.
1962. A. Suchorukich. Frühlingsmorgen
Dann schauen wir: und Studios und Strände und ein anderes Mädchen mit einem Buch ... Die 60er Jahre waren geprägt von einem Echo der Freiheit, der Aufhebung vieler Verbote, und je weiter, desto mehr Freiheit war sowohl in der Handlung als auch in der Aufführung zu spüren. Darüber hinaus ist leicht zu erkennen, dass beeindruckende Formen fast nie zu finden sind.
1962. Wladimir Lapovok. In einer Werkstatt

1962. M. Samsonow. Nackt

1963. S. Solovyov. nacktes Mädchen

1964. A. Samochwalow. Am Strand

1964. V. Skrjabin. Nackt

1965. A. Sukhorukih. Mädchen mit einem Buch

1966. A. Sukhorukih. Im Atelier des Künstlers

1965. N. Ovchinnikov. Abendmelodie

1966. Antonow. Badehaus im Dorf Titovo. Schwestern

1966. Teterin. Nackt

1967. Kaparushkin. sibirisch

1967. A. Suchanow. In einer Werkstatt
Nun, das ist eine ziemlich frivole Geschichte. Hetero-BDSM. Kerl wurde beim Gucken erwischt...
1967. A. Tarasenko. Bestrafung
Nicht schwimmen, wohlgemerkt, sondern einfach nur entspannen. Ein Mädchen mit Hut ging in den Bergen spazieren, sie war müde. zog sich aus und setzte sich auf einen Kieselstein ...
1967. V. Chaus. Ausruhen

1968. Wladimir Lapovok. Schlafen

1968. Mai Miturich. Nackt
Und dieses Bild - im Allgemeinen am Rande. Entweder kamen Schulkinder oder Studenten einfach so zur Bank, wohin sie, dem Vorhandensein von Brücken nach zu urteilen, nicht nur gingen, sondern sich auch völlig auszogen, mit Staffeleien Farben herausholten – und, nun ja, sich gegenseitig zeichneten!
1969. M. Tolokonnikowa. Auf Skizzen

1969. Y. Raksha. August

1969. Y. Raksha. Traum
Nicht die meisten schlechte Zeit, es scheint mir, das waren die 1960er Jahre ...

Über das Buch

Über das Buch
Ein unverzichtbarer Leitfaden zur Technik Ölgemälde um das kennenzulernen verschiedene Genres: Stillleben, Porträt, Landschaft, Akt und Handlungskomposition.

Viele Maler beschränken sich auf ein Genre. Und der Künstler und Pädagoge Greg Kreutz erklärt, wie vielfältige Fähigkeiten Ihnen helfen können, kreativ zu wachsen. In jedem Kapitel gibt es Grundlagen, die für ein bestimmtes Genre und für andere gelten. Der Leitfaden beschreibt universelle Methoden, mit denen Sie Ihren Horizont erweitern, aus dem Trott herauskommen und sich in einem neuen Genre versuchen können.

In einer Schritt-für-Schritt-Analyse seiner Werke zeigt Kreutz, wie die in einem Genre erworbenen Fähigkeiten in einem anderen helfen. Eine Diskussion über Theorie und Praxis der Ölmalerei wird als Leitfaden und Inspirationsquelle für die Schaffung erfolgreicher Gemälde dienen.

Vom Autor
Jeder Maler kennt dieses Gefühl. Sie stehen vor der Staffelei und studieren Ihre Arbeit: Es scheint nichts falsch zu sein, aber etwas stimmt eindeutig nicht. Das Bild schreit lautlos um Hilfe, aber es ist nicht klar, was zu tun ist.

Wenn unbekannte Kräfte ein Werk in die düsteren Tiefen ziehen und alle Versuche, es wieder zum Leben zu erwecken, behindern, ist es meiner Erfahrung nach an der Zeit, sich ernsthaften Fragen zuzuwenden, alles Oberflächliche zu verwerfen und in das Wesentliche – die Grundlagen – einzutauchen.

Was sind die Grundlagen? Bald werden Sie viele allgemeine Wahrheiten der Ölmalerei erfahren, aber sie können nicht in einem Arm voll gesammelt und auf ein leidendes Gemälde geworfen werden. Ein Künstler in solch einer verzweifelten Situation braucht das Nötigste!

Glücklicherweise konnte ich sie nach 40 Jahren ernsthafter Recherche prägnant formulieren.

Genauigkeit: Stellen Sie sicher, dass das Motiv so genau wie möglich abgebildet wird.

Komposition: Organisieren Sie Ihre Geschichte in einer dynamischen Komposition.

Räumliche Tiefe: Prüfen Sie, wie nahe und ferne Objekte überzeugend dargestellt werden.

Ausdruckskraft: Ausdrucksmittel aktiv nutzen.

Für wen ist dieses Buch?
Ein Buch für alle, die ihre Fähigkeiten in der Ölmalerei verbessern möchten.

Über den Autor
Greg Kreutz ist Künstler und Lehrer an der Art Students League in New York, Autor des klassischen Lehrbuchs Problem Solving for Ölgemälde". Seine Werke werden in Galerien in New York und anderen US-Städten präsentiert. Er malt und unterrichtet seit über 30 Jahren, seine Meisterkurse sind in seiner Heimat und in anderen Ländern als Videounterricht beliebt. Lebt in New York.

Fahren wir mit einem neuen Abschnitt fort, den ich „Retrospektive“ genannt habe. Dieser Abschnitt wurde von einer der jüngsten Veröffentlichungen eröffnet. Es war apokryphisch biblische Geschichte, und heute werden wir die kanonische Handlung betrachten.

40. Retrospektive: Lot und seine Töchter

Viele sind bekannt biblische Geschichteüber das Schicksal von Sodom und Gomorra und über die gerettete Familie des gerechten Lot, aber dennoch ist es notwendig, einige Details zu präzisieren, damit die Handlung, die wir betrachten, völlig klar wird.

Lot war der geliebte Neffe des Urvaters Abraham, der als Vorfahre aller Juden (und nicht nur) sowie als spiritueller Vorfahre der drei abrahamitischen Religionen gilt: Judentum, Christentum und Islam, in denen er jeweils besonders verehrt wird . Abraham hatte direkte Kontakte mit Gott, und eines Tages warnte Gott ihn vor seiner Absicht, die Stadt Sodom, in der Lot mit seiner Familie lebte, sowie die benachbarten Städte des Sodom-Fünfecks zu bestrafen, da die Bewohner dieser Region feststeckten extreme Verderbtheit. Wenn dort jedoch mindestens 50 Gerechte gewesen wären, hätte der Herr diese Städte verschont. Abraham begann zu verhandeln, reduzierte diese Zahl konsequent auf zehn und beruhigte sich offenbar, in der Hoffnung, dass sich irgendwie zehn Gerechte in fünf Städten finden würden.

Gott sandte zwei Engel zur Inspektion nach Sodom, und sie erschienen in Gestalt schöner junger Männer bei Lot und erklärten ihm den Zweck ihres Besuchs. Inzwischen hatte sich fast die gesamte männliche Bevölkerung von Sodom bei Lots Haus versammelt. Lot ging in die Menge – sie sagen, was brauchst du, warum bist du gekommen? Sie antworteten, wir hätten gesehen, wie zwei hübsche Jungen zu Ihnen kamen – also geben Sie sie uns, und wir werden sie kennen, sonst werden Sie unglücklich sein. Lot antwortete: „Ich kann nicht, sie sind meine Gäste“, aber weißt du was? - Ich habe zwei Töchter, Mädchen - komm, ich werde sie dir geben, und du wirst hier weggehen. Doch die Öffentlichkeit akzeptierte Lots Vorschlag nicht und forderte die Auslieferung der jungen Männer.

Nun besteht insbesondere in fremdsprachigen Quellen eine deutliche Tendenz, den Begriff „Sodomiesünde“ durch etwas anderes als das allgemein akzeptierte zu ersetzen. Beispielsweise wird im Französischen das Wort „Sodomie“ (in letzte Jahrzehnte) bedeutete Kopulation mit Haustieren. Und einige Dolmetscher schreiben so direkt: Die Sünde der Sodomiten bestand darin, dass sie Philanthropen schlecht behandelten (einiges Mädchen wurde für ihre Freundlichkeit direkt verbrannt), die Umwelt verschmutzten und im Allgemeinen wahrscheinlich Minderheiten beleidigten. Dafür bestrafte der Herr sie. Aber wir glauben doch nicht an diese neuen Interpretationen, oder? Es gibt nur eine Quelle: das Buch Genesis. Und dort heißt es, dass die Engel in der Gestalt junger Männer erschienen seien und nicht, Gott vergib mir, Widdern oder Eseln. Und über das angeblich verbrannte freiwillige Mädchen wird nichts gesagt. Wir bleiben also bei der traditionellen Version, die vollständig erklärt, für welche konkreten Sünden diese Städte zerstört wurden.

Die Ereignisse in der Nähe von Lots Haus überzeugten die Engel davon, dass die Untersuchung und Suche nach zehn Gerechten überflüssig war und alles klar ist. Als vorbeugende Maßnahme blendeten sie jeden, der sich in der Nähe des Hauses versammelt hatte, und sagten zu Lot: „Mach dich bereit, nimm deine Familie mit, wen hast du da?“ Frau, Töchter? Haben die Töchter Verehrer? - Nimm die Stallknechte und verschwinde von hier, denn wir werden jetzt alles verbrennen. Lot nutzte die Tatsache aus, dass die Gegner, die sein Haus belagerten, blind waren, und rannte schnell zu den Bräutigamen seiner Töchter, aber sie glaubten ihm nicht – sie sagen, dass du, Papa, solche Fantasien hast, ich nehme an, sie gingen darüber hinweg Wein ... Nun ja, wie man sagt, wäre eine Ehre.

Aus irgendeinem Grund wird allgemein angenommen, dass nur die Städte Sodom und Gomorra durch himmlisches Feuer zerstört wurden. Das ist nicht ganz richtig. Zusammen mit ihnen brannten die Städte Sevoim und Adma nieder. Und nur eine Stadt des Sodom-Fünfecks war nicht betroffen – Sigor oder Zoar. Nicht weil es noch ein Dutzend Gerechte gab, sondern auf Lots persönlichen Wunsch, denn dorthin wollte er mit seiner Familie fliehen. Vielleicht war die Moral in Sigor tatsächlich nicht so verdorben – wer kann das jetzt mit Sicherheit sagen?

Die Episode von der Flucht von Lots Familie aus Sodom ist wahrscheinlich fast jedem bekannt – die Engel sagten ihnen, sie sollten nicht auf die brennenden Städte zurückblicken, aber Lots Frau drehte sich um und verwandelte sich in eine Salzsäule. Dieser Moment ist sehr wichtig, denn wenn dieser unglückliche Vorfall nicht passiert wäre, hätten wir kein Thema für das heutige Gespräch.

Dieser dramatische Moment ist in dem Bild dargestellt, das der Hauptauswahl vorangeht. Raphael Santi (Raphael, Raffaello Sanzio da Urbino, 1483 - 1520, Italien)
Lots Flucht aus Sodom. Fresko der Loggia von Raffael im Papstpalast im Vatikan.

Hier ist ein weiterer, späterer Stich zum gleichen Thema.

Julius Schnorr von Carolsfeld (1794 - 1872, Deutschland)


Wie Sie sehen können, schleppen die Mädchen einen ganzen Ballen voller Waren mit Krügen und anderen Utensilien und stecken wahrscheinlich die Ersparnisse der Familie in eine Tüte – Gold, ich weiß nicht, oder Silber – Lot war keineswegs arm Mann. Dies ist wichtig für das Verständnis späterer Ereignisse, bei denen sogar Pitcher eine Rolle spielen werden.

Als Lot mit seinen Töchtern in Sigor ankam, wurde ihm klar, dass es unmöglich war, in der Stadt zu bleiben. Wirklich lebensgefährlich. Es ist verständlich – in der Stadt herrschte Panik, denn dort war deutlich zu sehen, wie die Nachbarstädte brannten, und das Feuer des Herrn ist für Sie kein häusliches Feuer! Und die Sitten der Einwohner von Sigor unterschieden sich kaum von denen von Sodom und Gomorra, sodass die Gefahr, in der Verwirrung, die die überlebende Familie verursachte, getötet und ausgeraubt zu werden, sehr real war. Deshalb traf Lot eine Entscheidung: Ziehen wir uns vorerst in die nahegelegenen Berge zurück, dort gibt es praktische Höhlen, und dann werden wir sehen. Und so taten sie es: Sie fanden eine anständigere Höhle und richteten dort hastig ihr Leben ein. Die Anwesenheit des überlebenden Sigor in der Nähe rettete offenbar Lot und seine Töchter: Irgendwo mussten sie ihr eigenes Essen kaufen und hatten viel Geld.

Einige Dolmetscher interpretieren die folgenden Ereignisse etwa so: Lots Töchter, sagen sie, glaubten aufrichtig, dass es außer ihnen niemanden auf der Welt gab, alles brannte nieder, und alle brannten nieder, und deshalb seien sie für den Fortbestand des Menschen verantwortlich Wettrennen. Nun, natürlich ist es das nicht. Sigor überlebte, sie lebten offenbar ganz in der Nähe, und ich wiederhole, sie haben sich dort wahrscheinlich mit Proviant eingedeckt. Die Leute blieben dort, und es gab Männer – aber Sie und ich wissen bereits, welche Vorlieben diese Männer hatten. Es ist unwahrscheinlich, dass sich Segor in dieser Hinsicht von Sodom unterschied – schließlich verbrannten ihn die Engel nicht nur auf Wunsch Lots.

Es stellt sich also heraus, dass die Mädchen sich Sorgen um den Fortbestand nicht eines Menschen, sondern einer Art machten. Und sie können verstanden werden: Ihre Bräutigame wurden im Feuer von Sodom verbrannt, das weiterhin am Himmel loderte, und in der einzig zugänglichen Stadt ist die Chance, einen Bräutigam zu finden, gleich Null. „Unser Vater ist immer noch ziemlich stark“, argumentierten die Mädchen offenbar, „und er ist sicherlich in der Lage, unsere Familie weiterzuführen … und wer kann zu diesem edlen Unterfangen beitragen, wenn nicht wir?“ Darüber hinaus muss man verstehen, dass der Begriff „Inzest“ damals noch nicht wirklich existierte. Abraham zum Beispiel heiratete seine Halbschwester und Lots Schwester Milka heiratete ihren Onkel – und nichts.

Der Plan der Mädchen war folgender: Papa mit Wein bis zur Bewusstlosigkeit trinken – zum Glück haben sie die Krüge mitgenommen, und Wein kann man in der Stadt kaufen – natürlich auch Sie selbst, für Mut, trinken und sich mit hinlegen ihn für die Nacht, zuerst den Ältesten, und dann wiederhole das alles mit jüngere Schwester. Tatsächlich setzten sie ihren Plan für sich recht erfolgreich um, beide wurden schwanger und brachten zur richtigen Zeit jeweils einen Sohn zur Welt. Der eine hieß Moab, der andere Ammon. Aus ihnen gingen die Moabiter und die Ammoniter hervor. und übrigens heißt die Hauptstadt Jordaniens nicht ohne Grund Amman (und all diese Ereignisse fanden irgendwo in der Nähe statt) ... aber das ist noch eine ganz andere Geschichte.

Beginnend mit der Spätrenaissance und sogar mit der Hochrenaissance, als das „Tabu“ des Bildes eines nackten Körpers irgendwie von selbst verschwand, griffen Künstler die Handlung von „Lot und Töchter“ freudig auf. Vielleicht wurden zu diesem Thema nicht weniger Gemälde geschrieben als über Susanna und die Ältesten, obwohl es im Fall von Susanna eine Hymne an die Frömmigkeit war und im Fall der Töchter Lots ... diese Geschichte natürlich mit All seine rationalen Interpretationen sehen immer noch etwas, sagen wir ja, mehrdeutig aus. Es ist jedoch nicht unsere Aufgabe, darüber zu urteilen.

Die Bilder werden wie immer nach den Geburtsjahren der Künstler sortiert, die sie gemalt haben. Also, fangen wir an zu schauen.
Giacomo Palma der Ältere, alias Palma il Vecchio (Palma il Vecchio, alias Jacopo Negretti, 1480 - 1528, Venedig)

Albrecht Altdorfer (Albrecht Altdorfer, ca. 1480 - 1538, Deutschland)


Hier sieht Papa-Lot, anders als auf dem vorherigen Bild, ganz vernünftig und sich seiner Handlungen bewusst aus ...

Fragment des Gemäldes


Oh, verdammt, wir haben Haferbrei gemacht ...

Bonifacio Veronese (Bonifacio Veronese, 1487 - 1553, Verona - Venedig)


Etwas seltsame Version. Warum wir zwei Amoretten brauchen, kann ich immer noch verstehen, aber warum trägt einer von ihnen eine Maske?
Und ja, es scheint, dass die zweite Tochter mit einem Tablet sitzt und das Geschehen auf Instagram postet ...

Lucas van Leyden, alias Lukas von Leyden, alias Lucas Huygens (Lucas van Leyden, 1494 - 1533, Niederlande)


Und hier ist nicht klar, was für Leute auf dem Hügel sind?

Georg Pencz (Georg Pencz, 1500 - 1550, Deutschland)


Nun ja, genau das waren damals die Schönheitsideale...

Jan Massys (Jan Massys, Matsys oder Metsys, ca. 1509 – 1575, Flandern – Niederlande)


Und hier sehen die Mädchen recht modern aus, besonders das linke.

Andrea Meldolla, alias Schiavone (Andrea Meldolla, 1510 - 1563, Italien)

Frans Floris (Frans Floris, besser gesagt Frans „Floris“ de Vriendt, 1520 – 1570, Niederlande)


Hier sieht weniger Lot betrunken aus als vielmehr die zweite Schwester. Gelangweilt, sehen Sie, und nicht berechnet, ging rüber.
Und hier sehen wir die Figur von Lots Frau in Form einer Salzsäule, obwohl sie theoretisch nicht dort sein sollte. Aber es ist ein Symbol...

Eine weitere Version von Frans Floris


Und hier ist Vater Lot noch gar nicht alt, er sieht gut aus. Obwohl offensichtlich podshofe.

Und noch einmal Frans Floris!


Interessanterweise ist es Floris, der als unsympathischer, furchteinflößender Mensch dargestellt wird, doch Lots Töchter sind für sich selbst nichts Besonderes.

Unbekannter Künstler des 16. Jahrhunderts, Nachfolger von Frans Floris

Mir gefällt dieses Bild, die Bilder der Charaktere sind gut rübergebracht. Mädchen nehmen ohne große Begeisterung an der „Party“ teil,
aber ohne Ekel wissen sie, was sie tun und warum. Auch der Vater versteht offenbar alles perfekt.

Jacques de Backer (Jacob de Backer, 1555 – 1590, Flandern – Niederlande)


Wieder sehen wir eine Salzsäule, die tatsächlich in der Nähe von Sodom steht. Wir werden ihn immer wieder lieben.

Agostino Carracci (Agostino Carracci, 1557 - 1602, Italien)

Hendrick Goltzius (1558 - 1617, Niederlande)


Die ganze Legende fliegt davon... Aber wie gut ist Goltzius!
Und der Fuchs ist da. Direkt atmete Lars unser von Trier ...
Und die Legende fliegt, weil diese Firma, die dargestellt wird, alles perfekt versteht, während sie positiv und ironisch ist und sich einen Dreck darum schert, als ob sie sich mit ihren Interpretationen zum Narren halten würde, liebe Nachkommen. Wir machen alles richtig und ohne Ihr Nachdenken.

Adam van Noort (1562 - 1641, Flandern)

Orazio Gentileschi (1563 - 1639, Italien)

Zwei Gemälde von Gentileschi zeigen den Moment, offenbar den Abschluss des „Banketts“.
Ich glaube, dass die Töchter Lots einander den Glanz brennender Städte zeigen – sie sagen, das ist alles
der Rest wird auch brennen! Und Sigor wird brennen! Also – wir haben alles richtig gemacht, Schwester!

Joseph Heintz der Ältere (Joseph Heintz der Altere, 1564 - 1609, Schweiz)

Abraham Bloemaert (1564 - 1651, Niederlande)


Der alte Lot war natürlich nicht so betrunken und verstand alles.

Lazarus van der Borcht (1565 - 1611, Flandern)

Vergessen Sie nicht: Zu jeder Zeit gab es ein weibliches Schönheitsideal

Joachim Uttewael (Joachim Wtewael oder Uytewael, 1566 - 1638, Niederlande)


Nun ja, Utteval ist immer gut, unabhängig von der Handlung.

Jan Bruegel der Ältere (1568 - 1625, Niederlande)
Lot mit seinen Töchtern vor der Kulisse von Sodom und Gomorra

Jan Müller (1571 - 1628, Niederlande)

Peter Paul Rubens (1577 – 1640, Flandern – Niederlande)


Rubensovsky Lot ist völlig verrückt.

Giovanni Battista Caracciolo, alias Battistello (Battistello Caracciolo, 1578 - 1635, Italien)


Eine interessante Kompositionsidee mit Knien ...

Filippo Vitale (1585 - 1650, Italien)

Massimo Stanzione (1585 - 1656, Italien)

Im ersten Bild von Stanzione ist der Beginn des Lot-Trinkvorgangs zu sehen, im zweiten ist die Party bereits in vollem Gange.
Die Mädchen sind recht schlank und sehen sozusagen modern aus. Allerdings sah Susanna ihm ähnlich.

Simon Vuet (1590 - 1649, Frankreich)

Unbekannt Künstler XVII Jahrhundert, Anhänger von Simon Vouet

Guercino, alias Giovanni Francesco Barbieri (1591 - 1666, Italien)

Es gibt eine weitere Version desselben Künstlers:

Artemisia Gentileschi (1593 - 1653, Italien)

Cornelis van Poelenburch (1594 - 1667, Niederlande)

Die Salzsäule in beiden Gemälden von Pulenburg ist offenbar das Bild der Mutter als Vorwurf an die Mädchen. Das ist es, was sie auf dem zweiten Bild in Panik gerieten ...

Hendrick Bloemaert (1601 oder 1602 – 1672, Niederlande)

Francesco Furini (Francesco Furini, 1603 - 1646, Italien)

Andrea Vaccaro (Andrea Vaccaro, 1604 - 1670, Italien)

Girolamo Forabosco (1605 - 1679, Italien)

Pietro Liberi, alias Libertino (Pietro Liberi, 1605 - 1687, Italien)

Pietro Ricci (Pietro Ricci, 1606 - 1675, Italien)

Hendrick van Somer (1607 - 1655, Niederlande)

Lubin Bozen (Lubin Baugin, 1610 oder 1612 - 1663, Frankreich)

Jacob van Loo (1614 - 1670, Niederlande)

Unbekannter Künstler des 17. Jahrhunderts, Niederlande


Ist der rechte bei guter Gesundheit?

Bernardo Cavallino (Bernardo Cavallino, 1616 - 1656, Italien)


Diese – sie sind irgendwie nicht ganz so modern – eher sowjetisch.

Gerard Terborch (1617 - 1681, Niederlande)


Sowohl die Tochter als auch der Vater sehen irgendwie ziemlich karikiert aus ...

Flaminio Torre (Flaminio Torre, 1620 - 1661, Italien)

Giovanni Battista Langetti (1625 - 1676, Italien)

Federico Servelli (Federico Cervelli 1625 – früher 1700, Italien)

Jan Stan (Jan Havickszoon Steen, ca. 1626 - 1679, Niederlande)

Viel hier ist gut! Und die Töchter sind auch gut.

Pietro Negri (Pietro Negri, 1628 - 1679, Italien)


Die zweite Tochter blieb aus irgendeinem Grund hinter den Kulissen

Luca Giordano (1634 - 1705, Italien) - zwei Bilder

Gregorio de Ferrari (1647 - 1726, Italien)

Marcantonio Franceschini (1648 - 1729, Italien)

und eine andere Version davon:

Antonio Bellucci (Antonio Bellucci, 1654 - 1726, Italien)

Johann Michael Rottmayr (1654 - 1730, Österreich)

Adrian van der Werff (Adriaen van der Werff, 1659 - 1722, Niederlande)

Paolo de Matteis (Paolo De Matteis, 1662 - 1728, Italien)

Willem van Mieris (1662 - 1747, Niederlande)

Frantisek Karel Remb (Francisek Karel Remb, 1675 - 1718, Slowenien)

Jean-Francois de Troy (1679 - 1752, Frankreich)

Allen dreien scheint es wirklich gut zu gehen!

Jacopo Amigoni (1682 - 1752, Italien)

Frans van Mieris der Jüngere (Frans van Mieris II, 1689 - 1763, Niederlande)

Unbekannter Künstler, spätes XVII- Anfang des 18. Jahrhunderts, Russland


In der heimischen Version ist Lot völlig altersschwach, wie hat er die Aufgabe gemeistert ...

Unbekannt Künstler XVIII Jahrhundert

Jean-Baptiste Greuze (1725 - 1805, Frankreich)


Für Grez gilt also No-Mom-No-Pull. Wie haben sie Kinder gezeugt?

Louis-Jean-Francois Lagrenee (1725 - 1805, Frankreich)

Peter Jozef Verhaghen (1728 – 1811, Flandern – Niederlande)

Und die zweite Version von Verhagen. Die Charaktere sind durchaus erkennbar.

Johann Gotthard von Müller (1747 - 1830, Deutschland)


Hier scheint es, dass niemand komplex ist und alle glücklich sind.

William Blake (1757 - 1827, Großbritannien)

Giuseppe Bernardino Bison (1762 - 1844, Italien)

Samuel Woodford (1763 - 1817, Großbritannien)

Francesco Hayez (1791 - 1882, Italien)

Gustave Courbet (1819 - 1877, Frankreich)

Josef Worlicek (1824 - 1897, Tschechische Republik)

Domenico Morelli (1826 - 1901, Italien)

Und damit endete die Ära des Akademismus bei Versuchen, Lot und seine Töchter darzustellen. Aber diese Versuche selbst - ziemlich lange!

Konstantin Pawlowitsch Kusnezow (1863 – 1936, Russland – Frankreich)

Mark Sacharowitsch Chagall (1887 – 1985, Russland – Frankreich)

Isaac Hirsche Grunewald (1889 - 1946, Schweden)

Otto Dix (1891 - 1969, Deutschland)

Renato Guttuso (1912 - 1987, Italien)

Ted Seth Jacobs (1927, USA)


Bei Jacobs sieht wie bei Guttuso eigentlich alles recht realistisch aus.

David Becker (1940, Ukraine)

Tatyana Grigorievna Nazarenko (1944, Russland)
Lot und Töchter - Diptychon

Stefano Puleo (1950, Italien)
Töchter Lots

Und am Ende der heutigen Anthologie schlage ich vor, zum Anfang der Geschichte mit Lot und seinen Töchtern zurückzukehren: zum Vorfall mit der Belagerung von Lots Haus in Sodom. Deutscher Künstler Michael Hütter (1963) schrieb das epische Gemälde „Lot bietet den Bewohnern von Sodom seine Töchter an.“ Wir schauen.

Groß – ein Fragment, in dem Lot sie tatsächlich anbietet.

Hier enden wir hier.

Studenten unterrichten klassische Kunst, Pädagogen ermutigen Künstler seit langem, nach der Natur zu arbeiten. Nun, in unserer westlichen Welt; Sie wissen nicht, wie es auf Asiatisch ist, aber ich denke, es ist dasselbe.
Die Schüler lernen das Zeichnen, Malen und Formen, indem sie die Objekte, Modelle und Szenen, die sie „live“ sehen, beobachten. Allerdings ist die Arbeit mit der Natur keine Selbstverständlichkeit.

Heutzutage verwenden viele Künstler Fotografien. Hier sind wir auf rutschigem Boden. Wenn Sie sich ausschließlich auf Fotografien verlassen, können Sie Ihre Zeit damit verbringen, das Weltbild der Kamera nachzubilden, und nicht auf Ihr eigenes menschliches, individuelles, originelles Bild – kurz gesagt, auf das, was eine der Säulen der Kunst ist.

1. Die Menschen sehen die Welt nicht so, wie es Kameras tun.

In einer Millisekunde kann die Kamera absolute Details einfangen, das Bild weist jedoch nicht genügend Tiefe auf.
Im Bild unten sind beispielsweise alle Elemente der Szene, von den Blumen im Vordergrund bis zu den Kacheln im Hintergrund, gleichzeitig scharf.

Man kann nur sagen, dass einige Objekte hinter anderen liegen. Bäume und Sträucher wirken nicht dreidimensional; Sie sehen aus wie flache Figuren mit Blattmuster. Wenn Sie gerade drinnen sind – gehen Sie zum Fenster und schauen Sie nach, wenn Sie im Park von einem Bildschirm lesen – machen Sie dasselbe. Schau dir den Baum an. Sie sehen einen voluminösen, runden Stamm, Äste, die über eine weite Fläche verteilt sind und sogar die Tiefe des Himmels betonen.
Das bedeutet, dass wir der Kamera in der Tiefe der Wahrnehmung überlegen sind – sie ist für uns dreidimensional und für die Kamera zweidimensional.

2 Und hier kommt eine unserer Fähigkeiten ins Spiel. Oder besser gesagt, seine Abwesenheit: Wir können uns nicht auf mehr als eine Sache gleichzeitig konzentrieren. Um also jedes Element zu sehen, müssen Sie Ihre Augen bewegen.

Café-Konzert von Edgar Degas im Les Ambassadeurs (1876–1877). Sehen Sie, wie er den Grad der Aufmerksamkeit durch die Natürlichkeit der Pose manipuliert.

Sein Interesse gilt dem Gesicht und der rechten Hand des Sängers, alle anderen Figuren sind mit weichen Kanten und reduziertem Kontrast bemalt.

So sieht es auf einem Foto aus. Zum Hintergrund hinzugefügte Personen.

Michele Del Campo. Werke sowohl aus Fotografien als auch aus dem Leben (viel seltener).😊 ). Erhielt zahlreiche Kunstpreise, darunter 2006 den von Königin Sofia von Spanien verliehenen BMW-Preis.

Michele Del Campo

3. Wir können eine Szene mit Schatten und hellen Lichtern studieren und dank der Bewegung unserer Augen alles im richtigen Licht sehen. Und das ist sehr, sehr bedeutsam.
Im Gegensatz dazu wählen Kameras eine Belichtung, die für die gesamte Szene gut genug ist. Dadurch verzerrt sich zwangsläufig etwas, es wird zu dunkel oder zu hell. Künstler, die mit Fotografien arbeiten, kopieren diesen Mangel oft und kennzeichnen ihre Arbeit leider als fotografisch. Das ist sofort sichtbar.

Megan Boodie ist eine amerikanische Künstlerin. Arbeitet hauptsächlich anhand von Fotografien mit digitalen Manipulationen. 2009

In der Fotografie ist eine typische Objektivverzerrung das Ergebnis des festen Blickwinkels der Kamera und der Nähe zum Motiv.
Wenn wir im wirklichen Leben am selben Ort stehen, sehen wir anders. Unsere sich ständig bewegenden Augen begegnen großen Objekten und Formen Stück für Stück, nicht als Ganzes.

4. Wir scannen die Figur, fokussieren und fokussieren mehrmals neu, und wenn jeder neue Bereich fokussiert wird, kehrt der vorherige zu einer verschwommenen peripheren Sicht zurück.
Unser Gehirn verknüpft diese vielfältigen Ansichten zu einem einzigen, intelligenten Ganzen.

Wenn wir ein lebendes Pferd betrachten, gibt es für uns keine riesige Vorderhälfte und keine winzige Rückseite, und der Künstler schreibt nicht so. Es wird so angezeigt: