Die absurdesten Gemälde wurden für Millionen von Dollar verkauft. Die absurdesten Gemälde wurden für Millionen von Dollar verkauft. Die seltsamsten Gemälde wurden für Millionen verkauft

Kunst kennt keine Grenzen, besonders wenn wir redenüber die Bilder. Einige Künstler schaffen großartige Leinwände, die leider erst nach ihrem Tod erkannt werden, und einige bleiben in der Zeit verloren. Gemälde sind eine Art Spiegel im Bewusstsein, Empfinden und Weltbild des Künstlers. Aber nicht alle Leinwände sind beim ersten Mal zu verstehen, und selbst wenn man das Bild hundert Mal betrachtet, hat man manchmal nur Kritzeleien vor den Augen. Manche sehen das als Kunst an, andere drehen sich einfach die Finger an den Kopf. Trotzdem werden solche "Meisterwerke" für sagenhaftes Geld verkauft.

Der berühmte italienische Maler Lucio Fontana und sein Raumkonzept. Erwartung"

Dank dieser Schnittlinien im Bild wurde Fontana auf der ganzen Welt berühmt. Diese Arbeit Kunst wurde bei einer Auktion für anderthalb Millionen Dollar verkauft. Die Leinwand ist im Stil des Spazialismus gefertigt. Diese Kunstrichtung bringt Malerei und Skulptur zusammen und vereint damit vermeintlich Raum, Zeit, Klang, Bewegung und Farbe. Manche sehen in diesem Bild eine Art Vorhang, der sich gerade vor dem Betrachter öffnet, aber während er geschlossen ist, warten alle auf etwas.

Der berühmte katalanische Bildhauer, Maler und Grafiker Joan Miro und sein weltberühmtes Gemälde „Hund“

Gemälde von Joan Miro sind spezifisch und werden nicht jedem gefallen. Grundsätzlich arbeitete der Künstler in Richtung abstrakte Kunst, dennoch stand ihm auch der Surrealismus nahe. Seine Gemälde ähneln Kinderzeichnungen, Figuren, die nur entfernt verständlichen Bildern ähneln. Das Gemälde von Joan Miro „Dog“ wurde bei einer der Auktionen für 2,2 Millionen Dollar verkauft.

Gerhard Richter

Gerhard Richter ist ein weltberühmter Künstler. Trotz seines ehrwürdigen Alters und eines Schlaganfalls erfreut sich der Mann weiterhin tatkräftig an seiner Arbeit, als berühmte Museen sowie Sammler. Ein berühmter Künstler veröffentlicht etwa zweihundert Gemälde pro Jahr. Es ist erwähnenswert, dass Richter einer der teuersten Künstler der Welt ist und das obige Foto des Gemäldes bei weitem nicht die teuerste Kopie ist. Die abstrakte Leinwand kostete einen der Sammler sechs Millionen Dollar, aber für das teuerste Gemälde des Künstlers musste er ganze 46,3 Millionen Dollar bezahlen.

Cy Twombly

Wenn Sie sich alle Gemälde des berühmten Künstlers des 20. Jahrhunderts, Cy Twomblin, genau ansehen, können wir mit Sicherheit sagen, dass sie alle im Stil der abstrakten Kunst gemacht sind. Dieses Kunstwerk wurde bei einer der Auktionen für neun Millionen Dollar verkauft.

Christopher Wool und sein berühmtes „Apocalypse Now“

Christopher Wool wurde erst 2013 berühmt, nachdem sein Gemälde „Apocalypse Now“ für sechsundzwanzigeinhalb Millionen Dollar verkauft wurde. Nach diesem erfolgreichen Deal schossen die Preise für seine Gemälde in die Höhe und er ist heute einer der bestbezahlten Künstler in New York. Seine Bilder schmücken Ausstellungen und werden auch aktiv von verschiedenen Sammlern und Bewunderern dieses Künstlers aufgekauft.

Robert Ryman und sein berühmtes Gemälde „Die Brücke“

Dieses Gemälde des berühmten Künstlers Robert Ryman hat bei einer Auktion im Jahr 2015 einfach alle in seinen Bann gezogen. Für die Leinwand wurden 20,6 Millionen Dollar bezahlt. Robert Ryman wird von den meisten Künstlern als Minimalist angesehen, aber, wie der Mann selbst sagt, ist er in seiner Arbeit eher ein „Realist“. Ihn interessiert diese pompöse Illusion, die einige seiner Kollegen in ihren Bildern erzeugen, überhaupt nicht. Robert zeigt gerne die wahre Seite der Dinge.

Jasper Johns und sein berühmtes Flaggenbild

Bei einer Auktion im Jahr 2014 erzielte ein Gemälde des lebenden Künstlers Jasper Johns sechsunddreißig Millionen Dollar, was ihn automatisch in die Kategorie der bestbezahlten Künstler unserer Zeit rückte. Flaggen wurden unmittelbar nach seiner Rückkehr aus der Armee zu einer zentralen Figur in Jaspers Arbeit.

Aus irgendeinem Grund werden wir nur gut befördert „Malewitschs schwarzes Quadrat, als Beispiel ... lass es ein gutes Management geben.
Es gibt jedoch immer noch viele Bilder von einem solchen Plan, bei denen Sie beim Betrachten nur denken: "Nun, für WAS, für was für SOLCHES Geld?!" :))

Die zehn angegebenen Beispiele für Malerei - leuchtende Beispiele wie man für jeden Frank Klecks (der zum Beispiel von einem fünfjährigen Kind gezeichnet oder auf einem Flohmarkt gekauft wurde) fabelhaftes Geld bekommt, indem man einen großen Namen dafür erfindet, eine unglaubliche Schöpfungsgeschichte schreibt und ihn aufstellt eine der berühmtesten Auktionen der Welt:

1. "Das Konzept des Raums, warten" Lucio Fontana - 1,5 Millionen Dollar

„Concept of Space, Waiting“ des Künstlers Lucio Fontana wurde bei einer Auktion in London für 1,5 Millionen Dollar verkauft. Bei dieser Arbeit handelt es sich um eine einfarbige Leinwand mit Längsschlitzen. Die Frage unter Tausenden: Steigt der Wert dieses Gemäldes, wenn Sie ein paar Löcher mehr hineinbohren?

2. „Blood Red Mirror“ von Gerhard Richter – 1,1 Millionen Dollar

„Mirror“ wurde für 1,1 Millionen verkauft. Wenn man den Wert der übrigen Werke von Gerhard Richter erkennt, ist es schwierig, den Wert dieses Werks zu verstehen. Es ist nur rote Farbe, die mit einem leichten Farbverlauf auf den Spiegel aufgetragen wurde, richtig? Vielleicht wollte sich der Sammler, der dieses Stück gekauft hat, nur in einem Spiegel in einer nicht standardmäßigen Farbe sehen.

3. Greenblot von Ellsworth Kelly – 1,6 Millionen Dollar

Dieses Gemälde wurde für 1,6 Millionen Dollar verkauft. Nach unserem besten Wissen für die meisten Werke von Ellsworth Kelly große Summen es ist nicht möglich zu helfen, aber diese Leinwand ist eine Ausnahme. Ja, trotz der Tatsache, dass dies nur eine Leinwand mit einem deformierten Kreis in der Mitte ist, gab es einen Kenner und bezahlte dafür so viel, wie eine kleine thailändische Insel kostet.

4 Ohne Titel (1961) Mark Rothko – 28 Millionen Dollar

Dieses Werk von Mark Rothko wurde für über 28 Millionen Dollar versteigert. „Schrecklich“ ist vielleicht übertrieben, aber „langweilig“ ist wohl die treffendste Beschreibung dieses Bildes. Was würden Sie sagen, wenn Ihr Kind nach einem Jahr an der Kunsthochschule ein solches Meisterwerk nach Hause bringen würde? Nun, zum Beispiel: a) sie waren stolz und würden es an die Wand hängen oder c) sie würden sagen: „Sehr gut … aber versuchen Sie das nächste Mal, etwas Wiedererkennbareres zu zeichnen.“

5. "Ohne Titel" Blinky Palermo - 1,7 Millionen Dollar

Dieses Werk wurde für 1,7 Millionen Dollar versteigert. "Untitled" ist, wie der Rest von Palermos Werk, eine Kombination aus mehrfarbigen Streifen. Ein von Kunstkritiker beschrieb dieses Kunstwerk wie folgt: „Die Leinwände von Palermo geben dem Betrachter wenig, wenn überhaupt, sie geben nur kleine Veränderungen im Ton, es gibt keine malerischen Berührungen. Stattdessen zeigen sie dem Betrachter reine, unverdünnte Farbe.“ Bravo! Es ist einfach erstaunlich, dass jemand ein solches Werk beschreiben kann, das nicht reich an Elementen ist, und sogar positive Momente darin findet!

6. „Malerei (Hund)“ von Joan Miro – 2,2 Millionen Dollar

Dieses Werk von Joan Miró wurde für 2,2 Millionen Dollar versteigert. Unter Miros anderen feinen Arbeiten scheint uns dieses eine Anomalie zu sein. Es ist schwer zu verstehen, warum der Sammler dieses Gemälde gekauft hat – vielleicht wollte er nur einen Teil des Nachlasses des großen Meisters besitzen?

7. Weißes Feuer I, Barnett Newman – 3,8 Millionen Dollar

White Fire I von Barnett Newman wurde für 3,8 Millionen Dollar gekauft. „Der Name „Weißes Feuer“ ist ein mystischer Begriff, der aus der Thora stammt. Als solches ist es definitiv von einem tiefen spirituellen Gefühl erfüllt, das Newman versuchte, dem Publikum seines Bildes zu vermitteln. Wirklich? Stehen zwei Zeilen auf einer leeren Leinwand in direktem Zusammenhang mit der Thora?

8. Cy Twombly ohne Titel – 2,3 Millionen Dollar

Dieses Gemälde von Cy Twombly wurde bei Christie's für 2,3 Millionen Dollar versteigert. Diese Arbeit wurde mit Buntstiften auf Papier gemacht, also ganz ähnlich und mit den gleichen Materialien, mit denen sie im Kindergarten versuchen, die ersten Buchstaben zu zeichnen. Von der Seite gesehen sieht es aus wie ein fünfjähriges Kind, das das Schreiben des Buchstabens „e“ übt, nicht wahr?

9 Cowboy, Ellsworth Kelly – 1,7 Millionen Dollar

Ellsworths Cowboy Kelly wurde für 1,7 Millionen Dollar versteigert. Kelly studierte über vier Jahre Malerei am Museum. Bildende Kunst in Boston und Paris, bevor er seinen eigenen Stil entwickelte. Er entschied sich für einen Stil, der hauptsächlich aus Blöcken auf Leinwand besteht. Ein Anfänger mag das für eine schlechte Wahl halten: Was ist das Besondere an Polyedern auf Papier? Aus wirtschaftlicher Sicht hat Kelly jedoch den Nagel auf den Kopf getroffen. Was ist mit Ästhetik? Kaum.

10 Blue Fool Christopher Wool – 5 Millionen Dollar

Und schließlich ist das Bild mit dem symbolischen Namen „The Blue Fool“ der würdigste Abschluss dieses Artikels. Es wurde für über 5 Millionen Dollar versteigert. Es ist schwer zu glauben, dass Christopher, der sich auf das Schreiben von Wörtern auf Leinwand spezialisiert hat, herzhaft gelacht hat, als dieses Gemälde verkauft wurde. Jemanden davon zu überzeugen, ein Gemälde mit dem eloquenten blauen „Narr“ darauf zu kaufen, ist einfach … Bravo, Christopher!

doseng.org

– Vandrey

Die zehn nachstehenden Malbeispiele sind anschauliche Beispiele dafür, wie Sie für jeden frei gemalten Klecks (der zum Beispiel von einem fünfjährigen Kind gemalt oder auf einem Flohmarkt gekauft wurde) fabelhaftes Geld bekommen können, indem Sie ihm einen großen Namen einfallen lassen. eine unglaubliche Schöpfungsgeschichte schreiben und sie bei einer der berühmtesten Auktionen der Welt ausstellen:

1. "Das Konzept des Raums, warten" Lucio Fontana - 1,5 Millionen Dollar

„Concept of Space, Waiting“ des Künstlers Lucio Fontana wurde bei einer Auktion in London für 1,5 Millionen Dollar verkauft. Bei dieser Arbeit handelt es sich um eine einfarbige Leinwand mit Längsschlitzen. Die Frage unter Tausenden: Steigt der Wert dieses Gemäldes, wenn Sie ein paar Löcher mehr hineinbohren?

2. „Blood Red Mirror“ von Gerhard Richter – 1,1 Millionen Dollar

„Mirror“ wurde für 1,1 Millionen verkauft. Wenn man den Wert der übrigen Werke von Gerhard Richter erkennt, ist es schwierig, den Wert dieses Werks zu verstehen. Es ist nur rote Farbe, die mit einem leichten Farbverlauf auf den Spiegel aufgetragen wurde, richtig? Vielleicht wollte sich der Sammler, der dieses Stück gekauft hat, nur in einem Spiegel in einer nicht standardmäßigen Farbe sehen.

3. Greenblot von Ellsworth Kelly – 1,6 Millionen Dollar

Dieses Gemälde wurde für 1,6 Millionen Dollar verkauft. Soweit wir wissen, bringen die meisten Werke von Ellsworth Kelly keine großen Summen ein, aber dieses Gemälde ist eine Ausnahme. Ja, trotz der Tatsache, dass dies nur eine Leinwand mit einem deformierten Kreis in der Mitte ist, gab es einen Kenner und bezahlte dafür so viel, wie eine kleine thailändische Insel kostet.

4 Ohne Titel (1961) Mark Rothko – 28 Millionen Dollar

Dieses Werk von Mark Rothko wurde für über 28 Millionen Dollar versteigert. „Schrecklich“ ist vielleicht übertrieben, aber „langweilig“ ist wohl die treffendste Beschreibung dieses Bildes. Was würden Sie sagen, wenn Ihr Kind nach einem Jahr an der Kunsthochschule ein solches Meisterwerk nach Hause bringen würde? Nun, zum Beispiel: a) sie waren stolz und würden es an die Wand hängen oder c) sie würden sagen: „Sehr gut … aber versuchen Sie das nächste Mal, etwas Wiedererkennbareres zu zeichnen.“

5. "Ohne Titel" Blinky Palermo - 1,7 Millionen Dollar

Dieses Werk wurde für 1,7 Millionen Dollar versteigert. "Untitled" ist, wie der Rest von Palermos Werk, eine Kombination aus mehrfarbigen Streifen. Ein Kunstkritiker beschrieb dieses Kunstwerk wie folgt: „Die Leinwände von Palermo geben dem Betrachter wenig, wenn überhaupt, sie geben nur kleine Tonänderungen, es gibt keine malerischen Berührungen. Stattdessen zeigen sie dem Betrachter reine, unverdünnte Farbe.“ Bravo! Es ist einfach erstaunlich, dass jemand ein solches Werk beschreiben kann, das nicht reich an Elementen ist, und sogar positive Momente darin findet!

6. „Malerei (Hund)“ von Joan Miro – 2,2 Millionen Dollar

Dieses Werk von Joan Miró wurde für 2,2 Millionen Dollar versteigert. Unter Miros anderen feinen Arbeiten scheint uns dieses eine Anomalie zu sein. Es ist schwer zu verstehen, warum der Sammler dieses Gemälde gekauft hat – vielleicht wollte er nur einen Teil des Nachlasses des großen Meisters besitzen?

7. Weißes Feuer I“, Barnett Newman – 3,8 Millionen Dollar

White Fire I von Barnett Newman wurde für 3,8 Millionen Dollar gekauft. „Der Name „Weißes Feuer“ ist ein mystischer Begriff, der aus der Thora stammt. Als solches ist es definitiv von einem tiefen spirituellen Gefühl erfüllt, das Newman versuchte, dem Publikum seines Bildes zu vermitteln. Wirklich? Stehen zwei Zeilen auf einer leeren Leinwand in direktem Zusammenhang mit der Thora?

8. Cy Twombly ohne Titel – 2,3 Millionen Dollar

Dieses Gemälde von Cy Twombly wurde bei Christie's für 2,3 Millionen Dollar versteigert. Diese Arbeit wurde mit Buntstiften auf Papier gemacht, also ganz ähnlich und mit den gleichen Materialien, mit denen sie im Kindergarten versuchen, die ersten Buchstaben zu zeichnen. Von der Seite gesehen sieht es aus wie ein fünfjähriges Kind, das das Schreiben des Buchstabens „e“ übt, nicht wahr?

9 Cowboy, Ellsworth Kelly – 1,7 Millionen Dollar

Ellsworths Cowboy Kelly wurde für 1,7 Millionen Dollar versteigert. Kelly studierte über vier Jahre Malerei am Museum of Fine Arts in Boston und Paris, bevor er seinen eigenen Stil entwickelte. Er entschied sich für einen Stil, der hauptsächlich aus Blöcken auf Leinwand besteht. Ein Anfänger mag das für eine schlechte Wahl halten: Was ist das Besondere an Polyedern auf Papier? Aus wirtschaftlicher Sicht hat Kelly jedoch den Nagel auf den Kopf getroffen. Was ist mit Ästhetik? Kaum.

10 Blue Fool Christopher Wool – 5 Millionen Dollar

Und schließlich ist das Bild mit dem symbolischen Namen „The Blue Fool“ der würdigste Abschluss dieses Artikels. Es wurde für über 5 Millionen Dollar versteigert. Es ist schwer zu glauben, dass Christopher, der sich auf das Schreiben von Wörtern auf Leinwand spezialisiert hat, herzhaft gelacht hat, als dieses Gemälde verkauft wurde. Jemanden davon zu überzeugen, ein Gemälde mit dem eloquenten blauen „Narr“ darauf zu kaufen, ist einfach … Bravo, Christopher!

Nr. 20. 75.100.000 $. "Royal Red and Blue", Mark Rothko, verkauft 2012.

Die majestätische Leinwand war eines von acht Werken, die der Künstler selbst für seine wegweisende Einzelausstellung im Art Institute of Chicago ausgewählt hat.

Nr. 19. 76.700.000 $. Das Massaker an den Unschuldigen von Peter Paul Rubens, geschaffen 1610.

Das Gemälde wurde im Juli 2002 von Kenneth Thompson bei Sotheby's in London gekauft. hell und dramatisches Werk Rubens kann um den Titel des „unerwartetesten Erfolges“ kämpfen. Christie schätzte dieses Gemälde auf nur 5 Millionen Euro.

Nr. 18. 78.100.000 $. Ball in der Moulin de la Galette von Pierre-Auguste Renoir, gemalt 1876.

Das Werk wurde 1990 verkauft, damals wurde es als das zweitteuerste jemals verkaufte Gemälde der Welt gelistet. Das Meisterwerk gehörte Ryoei Saito, Vorsitzender der Daishowa Paper Manufacturing Co. Er wollte, dass die Leinwand nach seinem Tod mit eingeäschert wird, aber das Unternehmen geriet aufgrund von Kreditverpflichtungen in finanzielle Schwierigkeiten, sodass das Gemälde als Sicherheit verwendet werden musste.

Nr. 17. 80 Millionen Dollar. "Turquoise Marilyn" von Andy Warhol, gemalt 1964, verkauft 2007

Erworben von Herrn Steve Cohen. Der Preis wurde nicht bestätigt, aber diese Zahl gilt als wahr.

Nr. 16. 80 Millionen Dollar. "False Start", Jasper Johns, geschrieben 1959

Das Gemälde gehörte David Geffen, der es an den CEO der Citadel-Investmentgruppe Kenneth S. Griffin verkaufte. Es gilt als das teuerste Gemälde, das zu Lebzeiten des Künstlers, Kultmeisters Jasper Johns, verkauft wurde.

Nr. 15. 82.500.000 $. "Bildnis des Doktor Gachet", Vincent van Gogh, 1890.

Der japanische Geschäftsmann Ryoei Saito erwarb das Gemälde 1990 auf einer Auktion. Damals war es das teuerste Gemälde der Welt. Als Reaktion auf den öffentlichen Aufschrei über Saitos Wunsch, das Kunstwerk nach seinem Tod mit ihm einzuäschern, erklärte der Geschäftsmann, dass er damit seine selbstlose Zuneigung zu dem Gemälde zum Ausdruck bringe.

Nr. 14. 86.300.000 $. Triptychon, Francis Bacon, 1976.

Dieses dreiteilige Meisterwerk von Bacon brach seinen bisherigen Verkaufsrekord von 52,68 Millionen Dollar. Das Gemälde wurde vom russischen Milliardär Roman Abramovich gekauft.

Nr. 13. 87.900.000 $. "Bildnis Adele Bloch-Bauer II", Gustav Klimt, 1912.

Das einzige Modell, das von Klimt zweimal abgebildet und wenige Monate nach der ersten Version verkauft wurde. Dies ist ein Porträt von Bloch-Bauer, eines von vier Gemälden, die 2006 insgesamt 192 Millionen Dollar einbrachten. Der Käufer ist unbekannt.

Nr. 12. 95.200.000 $. Dora Maar mit Katze, Pablo Picasso, 1941

Ein weiteres Gemälde von Picasso, das zu einem sagenhaften Preis unter den Hammer kam. Im Jahr 2006 wurde es von einem mysteriösen russischen Anonymen erworben, der gleichzeitig Werke von Monet und Chagall im Wert von 100 Millionen Dollar kaufte.

Nr. 11. 104.200.000 $. "Junge mit Pfeife", Pablo Picasso, 1905.

Dies ist das erste Gemälde, das 2004 die 100-Millionen-Dollar-Grenze durchbrach. Seltsamerweise wurde der Name der Person, die sich so sehr für Picassos Porträt interessierte, nie veröffentlicht.

Nr. 10. 105.400.000 $. Silberner Autounfall (Doppelcrash), Andy Warhol, 1932

Das ist der teuerste Job. berühmte Legende Pop-Art, Andy Warhol. Das Gemälde wurde zum Star zeitgenössische Kunst, das bei der Sotheby's-Auktion unter den Hammer kam.

Nr. 9. 106.500.000 $. Akt, grüne Blätter und Büste, Pablo Picasso, 1932

Dieses sinnliche und farbenfrohe Meisterwerk ist der teuerste Picasso, der je versteigert wurde. Das Gemälde befand sich in der Sammlung von Mrs. Sidney F. Brody und wurde seit 1961 nicht mehr öffentlich gezeigt.

Nr. 8. 110 Millionen Dollar „Flag“, Jasper Johns, 1958

The Flag ist Jasper Johns berühmtestes Werk. Der Künstler malte 1954-55 seine erste amerikanische Flagge.

Nr. 7. 119.900.000 $. "Der Schrei", Edvard Munch, 1895

Dies ist das einzigartigste und farbenfrohste Werk der vier Versionen von Edvard Munchs Meisterwerk Der Schrei. Nur einer von ihnen bleibt in privater Hand.

Nr. 6. 135.000.000 $. "Bildnis Adele Bloch-Bauer I", Gustav Klimt.

Maria Altman klagte auf das Eigentumsrecht an dem Gemälde, da Adele Bloch-Bauer es vermachte Staatliche GalerieÖsterreich und ihr Ehemann stornierten die Spende später inmitten der Ereignisse des Zweiten Weltkriegs. Maria Altman verkaufte das Porträt, nachdem sie Rechtsansprüche geltend gemacht hatte, an Ronald Lauder, der es in seiner Galerie in New York ausstellte.

Nr. 5. 137.500.000 $. "Frau III", Willem de Kooning.

Ein weiteres Gemälde wurde 2006 von Geffen verkauft, aber diesmal war der Käufer der Milliardär Steven A. Cohen. Diese seltsame Abstraktion ist Teil einer Serie von sechs Kooning-Meisterwerken, die zwischen 1951 und 1953 gemalt wurden.

Nummer 4. 140.000.000 $. "Nr. 5, 1948", Jackson Pollock.

Laut The New York Times verkaufte der Filmproduzent und Sammler David Geffen das Gemälde an David Martinez, den geschäftsführenden Gesellschafter von FinTech Advisory, obwohl dieser die Informationen nicht bestätigt hat. Die Wahrheit ist geheimnisumwoben.

Die Bewertung der teuersten Werke lebender Künstler ist eine Konstruktion, die viel weniger über die Rolle und den Platz des Künstlers in der Kunstgeschichte spricht als über Alter und Gesundheit

Die Regeln für die Erstellung unseres Ratings sind einfach: Erstens werden nur Transaktionen mit Werken lebender Autoren berücksichtigt; zweitens werden nur öffentliche Versteigerungen berücksichtigt; und drittens wird die Regel "ein Künstler - ein Werk" eingehalten (wenn zwei Rekorde bei der Bewertung von Werken zu Jones gehören, bleibt nur der teuerste übrig und der Rest wird nicht berücksichtigt). Die Einstufung erfolgt in Dollar (zum Wechselkurs am Verkaufsdatum).

1. JEFF KOONS Kaninchen. 1986. 91,075 Millionen Dollar

Je länger man die Auktionskarriere von Jeff Koons (1955) verfolgt, desto mehr wird man davon überzeugt, dass für die Pop-Art nichts unmöglich ist. Sie können die Koons-Skulpturen in Form von Ballonspielzeug bewundern oder sie für Kitsch und schlechten Geschmack halten - Ihr Recht. Eines lässt sich nicht leugnen: Jeff Koons Installationen kosten wahnsinnig viel Geld.

Jeff Koons begann seinen Weg zum Ruhm als erfolgreichster lebender Künstler der Welt im Jahr 2007, als seine riesige Metallinstallation Hanging Heart für 23,6 Millionen Dollar bei Sotheby's gekauft wurde. Das Werk wurde von der Larry Gagosian Gallery gekauft, die Koons vertritt (in der Presse schrieb das es war im Interesse des ukrainischen Milliardärs Viktor Pinchuk.) Die Galerie erwarb nicht nur eine Installation, sondern tatsächlich ein Werk Schmuckkunst. Obwohl die Arbeit nicht aus Gold besteht (Edelstahl diente als Material) und offensichtlich größer ist als ein gewöhnlicher Anhänger (eine 2,7 m hohe Skulptur wiegt 1.600 kg), hat sie doch einen ähnlichen Zweck. Über sechseinhalbtausend Stunden wurden für die Herstellung einer Komposition mit einem Herz aufgewendet, das mit zehn Farbschichten bedeckt war. In der Folge wurden gigantische Summen für die spektakuläre „Dekoration“ bezahlt.

Als nächstes folgte der Verkauf der Purple Balloon Flower für 12,92 Millionen £ (25,8 Millionen $) bei Christie's London am 30. Juni 2008. Interessanterweise kauften die Vorbesitzer von „Flower“ das Werk sieben Jahre zuvor für 1,1 Millionen Dollar, und es lässt sich leicht berechnen, dass sich der Marktpreis in dieser Zeit um fast das 25-fache erhöht hat.

Der Abschwung auf dem Kunstmarkt in den Jahren 2008-2009 gab Skeptikern Anlass zu verleumden, dass die Mode für Koons vorbei sei. Aber sie irrten sich: Mit dem Kunstmarkt wurde auch das Interesse an den Werken von Koons wiederbelebt. Andy Warhols Nachfolger auf dem Thron des Königs der Pop-Art aktualisierte seine persönliche Bestzeit im November 2012 mit dem Verkauf einer mehrfarbigen Skulptur „Tulips“ aus der „Triumph“-Serie bei Christie’s für 33,7 Millionen Dollar, inklusive Provision.

Aber „Tulpen“ waren „Blumen“ im wörtlichen und übertragenen Sinne. Nur ein Jahr später, im November 2013, folgte der Verkauf der Ballonhund-Skulptur aus Edelstahl (orange): Der Hammerpreis betrug ganze 58,4 Millionen Dollar! Eine fabelhafte Summe für einen lebenden Künstler. Das Werk eines zeitgenössischen Autors wurde zum Preis eines Gemäldes von Van Gogh oder Picasso verkauft. Das waren die Beeren...

Mit diesem Ergebnis stand Koons mehrere Jahre an der Spitze der Rangliste der lebenden Künstler. Im November 2018 wurde er kurzzeitig von David Hockney übertroffen (siehe Platz zwei in unserem Ranking). Aber nur ein halbes Jahr später normalisierte sich alles wieder: Am 15. Mai 2019 bot Christie's in New York bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst eine Lehrbuchskulptur für Koons 1986 zum Verkauf an - ein silbernes „Rabbit“. aus Edelstahl, imitiert einen Ballon ähnlicher Form.

Insgesamt schuf Koons 3 solcher Skulpturen plus ein Autorenexemplar. Versteigert wurde ein Exemplar von „Rabbit“ Nummer 2 – aus der Sammlung des Kultverlags Cy Newhouse, Mitinhaber des Verlagshauses Conde Nast (Magazine Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). Silver "Rabbit" wurde 1992 vom "Vater des Glamours" Cy Newhouse für eine nach damaligen Maßstäben beeindruckende Summe gekauft - 1 Million US-Dollar. Nach 27 Jahren im Kampf von 10 Bietern war der Zuschlagspreis der Skulptur 80-mal höher als der vorherige Verkaufspreis. Und mit der Provision des Käufers war das Endergebnis eine Rekordsumme von 91,075 Millionen US-Dollar für alle lebenden Künstler.

2. DAVID HOKNEY Porträt des Künstlers. Pool mit zwei Figuren. 1972. 90.312.500 $

David Hockney (1937) ist einer der bedeutendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. 2011 wurde David Hockney in einer Umfrage unter Tausenden von professionellen britischen Malern und Bildhauern zum einflussreichsten britischen Künstler aller Zeiten gewählt. Gleichzeitig umging Hockney Meister wie William Turner und Francis Bacon. Sein Werk wird in der Regel der Pop-Art zugerechnet, obwohl er sich in seinen frühen Werken eher dem Expressionismus im Sinne von Francis Bacon zuwandte.

Geboren und aufgewachsen ist David Hockney in England, Yorkshire. Die Mutter des zukünftigen Künstlers hielt die Familie in puritanischer Strenge, und sein Vater, ein einfacher Buchhalter, der ein wenig auf Amateurniveau zeichnete, ermutigte seinen Sohn zum Malen. Mit Anfang Zwanzig zog David nach Kalifornien, wo er insgesamt etwa drei Jahrzehnte lebte. Dort hat er noch zwei Werkstätten. Hockney machte die Helden seiner Werke zu den örtlichen Reichen, ihre Villen, Schwimmbäder, Rasenflächen in die kalifornische Sonne getaucht. Eines seiner berühmtesten Werke aus der amerikanischen Zeit – das Gemälde „Splash“ – ist ein Bild einer Gischt, die aus dem Pool aufsteigt, nachdem eine Person ins Wasser gesprungen ist. Um diese Garbe darzustellen, die nicht länger als zwei Sekunden "lebt", arbeitete Hockney zwei Wochen lang. Dieses Gemälde wurde übrigens 2006 bei Sotheby’s für 5,4 Millionen Dollar verkauft und galt einige Zeit als sein teuerstes Werk.

Hockney (1937) ist bereits in den Achtzigern, arbeitet aber immer noch und erfindet mit technischen Innovationen sogar neue künstlerische Techniken. Einst kam er auf die Idee, aus Polaroidbildern riesige Collagen zu machen, druckte seine Werke auf Faxgeräten, heute beherrscht der Künstler mit Begeisterung das Zeichnen auf dem iPad. Die auf dem Tablett gezeichneten Gemälde nehmen ihren rechtmäßigen Platz in seinen Ausstellungen ein.

2005 kehrte Hockney schließlich aus den Staaten nach England zurück. Jetzt malt er unter freiem Himmel und im Atelier riesige (oft aus mehreren Teilen bestehende) Landschaften heimischer Wälder und Ödlande. Laut Hockney hat er sich in seinen 30 Jahren in Kalifornien so sehr an den einfachen Wechsel der Jahreszeiten gewöhnt, dass es ihn wirklich fasziniert und fasziniert. Ganze Zyklen seiner jüngsten Arbeiten widmen sich beispielsweise derselben Landschaft zu unterschiedlichen Jahreszeiten.

2018 durchbrachen Hockneys Gemälde mehrfach die 10-Millionen-Dollar-Marke. Und am 15. November 2018 wurde bei Christie's ein neuer absoluter Rekord für das Werk eines lebenden Künstlers registriert - 90.312.500 US-Dollar für das Gemälde "Portrait of the Artist (Pool with Two Figures)".

3. GERHARD RICHTER Abstraktes Gemälde. 1986. 46,3 Millionen Dollar

Klassiker leben Gerhard Richter (1932) Platz 2 in unserem Ranking. Der deutsche Künstler war der Anführer unter den lebenden Kollegen, bis der 58-millionste Rekord von Jeff Koons schlug. Aber es ist unwahrscheinlich, dass dieser Umstand Richters ohnehin schon eiserne Autorität auf dem Kunstmarkt erschüttern kann. Nach den Ergebnissen von 2012 liegt der jährliche Auktionsumsatz des deutschen Künstlers hinter Andy Warhol und Pablo Picasso an zweiter Stelle.

Über viele Jahre hinweg ahnte nichts den Erfolg, der nun Richter zuteil werden konnte. Der Künstler nahm jahrzehntelang einen bescheidenen Platz auf dem zeitgenössischen Kunstmarkt ein und strebte überhaupt nicht nach Ruhm. Wir können sagen, dass der Ruhm ihn von selbst überholte. Als Ausgangspunkt wird von vielen der Ankauf von Richters Serie vom 18. Oktober 1977 durch das New Yorker MoMA Museum im Jahr 1995 angesehen. Das American Museum zahlte 3 Millionen Dollar für 15 Graustufenbilder und begann bald darüber nachzudenken, eine umfassende Retrospektive des deutschen Künstlers zu veranstalten. Sechs Jahre später, im Jahr 2001, wurde die grandiose Ausstellung eröffnet, und seitdem ist das Interesse an Richters Werk sprunghaft gewachsen. Von 2004 bis 2008 verdreifachte sich der Preis seiner Gemälde. Im Jahr 2010 haben Richters Werke bereits 76,9 Millionen Dollar eingebracht, 2011 brachten Richters Werke laut Artnet-Website insgesamt 200 Millionen Dollar ein und 2012 (laut Artprice) - 262,7 Millionen Dollar - mehr als die Arbeit von allen andere lebende Künstler.

Während zum Beispiel Jasper Johns einen überwältigenden Erfolg bei der Auktion hat frühe Arbeit, eine so scharfe Trennung ist nicht typisch für Richters Werk: Ebenso stabil ist die Nachfrage nach Dingen aus unterschiedlichen Schaffensperioden, von denen es in Richters Schaffen sehr viele gab. In den letzten sechzig Jahren hat sich dieser Künstler in fast allen traditionellen Genres der Malerei versucht - Porträt, Landschaft, Marina, Akt, Stillleben und natürlich Abstraktion.

Die Geschichte von Richters Auktionsrekorden begann mit einer Serie von Stillleben „Kerzen“. 27 fotorealistische Kerzenbilder kosteten Anfang der 1980er-Jahre zum Zeitpunkt ihrer Entstehung nur 15.000 D-Mark pro Werk. Doch bei ihrer ersten Ausstellung in der Galerie Max Hetzler in Stuttgart kaufte noch niemand Kerzen. Dann wurde das Thema der Gemälde altmodisch genannt; Heute gelten „Kerzen“ als Werke für alle Zeiten. Und sie kosten Millionen von Dollar.

Im Februar 2008 "Kerze", geschrieben 1983, wurde unerwartet für £ gekauft 7,97 Millionen (16 Millionen US-Dollar). Dieser persönliche Rekord hielt dreieinhalb Jahre. Dann im Oktober 2011 noch eine "Kerze" (1982) ging bei Christie's schon für £ unter den Hammer 10,46 Millionen (16,48 Millionen US-Dollar). Mit diesem Rekord reiht sich Gerhard Richter erstmals in die Top 3 der erfolgreichsten lebenden Künstler ein und nimmt seinen Platz hinter Jasper Johns und Jeff Koons ein.

Dann begann der Siegeszug von Richters „Abstrakten Bildern“. Der Künstler schreibt ähnliche Werke in einer einzigartigen Autorentechnik: er wendet eine Mischung aus an einfache Farben, und streicht sie dann mit einem langen Schaber von der Größe einer Autostoßstange über die Leinwand. Dadurch entstehen filigrane Farbübergänge, Flecken und Streifen. Die Untersuchung der Oberfläche seiner „Abstract Paintings“ gleicht Ausgrabungen: Auf ihnen blicken Spuren verschiedener „Figuren“ durch die Lücken zahlreicher Farbschichten.

9. November 2011 bei der groß angelegten Auktion moderner und Nachkriegskunst Sotheby's "Abstrakte Malerei (849-3)" 1997 ging es unter den Hammer 20,8 Mio. $ (13,2 Mio. £). Und sechs Monate später 8. Mai 2012 bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst Christie's in New York "Abstrakte Malerei (798-3)" 1993 ging es um einen Rekord 21,8 Millionen Dollar(einschließlich Provision). Fünf Monate später - wieder ein Rekord: "Abstrakte Malerei (809-4)" aus der Sammlung des Rockmusikers Eric Clapton kam am 12. Oktober 2012 bei Sotheby's in London für £ unter den Hammer 21,3 Millionen (34,2 Millionen US-Dollar). Die Schallmauer von 30 Millionen nahm Richter so locker, als ginge es nicht um moderne Malerei, sondern um schon hundert Jahre alte Meisterwerke – nicht weniger. Wobei im Falle Richters die Aufnahme in das Pantheon der „Großen“ schon zu Lebzeiten des Künstlers stattgefunden zu haben scheint. Deutsche Preise steigen weiter.

Richters nächste Platte gehörte einer fotorealistischen Arbeit – einer Landschaft "Domplatz, Mailand (Domplatz, Mailand)" 1968. Das Werk wurde für verkauft 37,1 Millionen bei Sotheby's Auktion 14. Mai 2013. Blick auf den schönsten Platz wurde geschrieben von einem deutschen Künstler 1968 im Auftrag von Siemens Electro, speziell für das Mailänder Büro des Unternehmens. Zum Zeitpunkt der Entstehung war es Richters größtes figuratives Werk (fast drei mal drei Meter groß).

Der Rekord am Domplatz stand fast zwei Jahre, bis 10. Februar 2015 unterbrach ihn nicht "Abstraktes Gemälde" ( 1986): Zuschlagspreis erreichte £ 30,389 Millionen (46,3 Millionen US-Dollar). Das 300,5 × 250,5 cm große Abstrakte Gemälde, das bei Sotheby’s versteigert wird, ist eine der ersten großformatigen Arbeiten Richters in seiner speziellen Autorentechnik des Abkratzens von Farbschichten. IN das letzte Mal 1999 wurde dieses „Abstrakte Gemälde“ für 607.000 $ versteigert (von diesem Jahr bis zum aktuellen Verkauf wurde das Werk im Museum Ludwig in Köln ausgestellt). Bei der Auktion am 10. Februar 2015 erzielte ein gewisser amerikanischer Auftraggeber in Auktionsschritten von 2 Mio. £ den Zuschlagspreis von 46,3 Mio. $, das heißt, seit 1999 hat sich das Werk mehr als 76 Mal im Preis gesteigert!

4. Tsui Zhuzhuo "Große schneebedeckte Berge." 2013. 39,577 Millionen US-Dollar

Lange Zeit haben wir die Entwicklung der Situation auf dem chinesischen Kunstmarkt nicht genau verfolgt, um unsere Leser nicht mit zu vielen Informationen über „nicht unsere“ Kunst zu überfordern. Mit Ausnahme des Dissidenten Ai Weiwei, der nicht einmal so teuer ist wie ein resonanter Künstler, schienen uns chinesische Autoren zu zahlreich und weit entfernt von uns, um uns mit dem zu befassen, was dort auf ihrem Markt vor sich ging. Aber die Statistiken sind, wie sie sagen, eine ernste Dame, und wenn wir über die erfolgreichsten lebenden Autoren der Welt sprechen, können wir nicht auf eine Geschichte über die herausragenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst des Himmlischen Reiches verzichten.

Beginnen wir mit einem chinesischen Künstler Cui Ruzhuo. Der Künstler wurde 1944 in Peking geboren und lebte von 1981 bis 1996 in den USA. Nach seiner Rückkehr nach China begann er an der National Academy of Arts zu unterrichten. Cui Ruzhuo interpretiert den traditionellen chinesischen Tuschemalstil neu und kreiert die riesigen Rollbilder, die chinesische Geschäftsleute und Beamte gerne einander als Geschenke überreichen. Im Westen ist sehr wenig über ihn bekannt, obwohl sich viele an die Geschichte der 3,7-Millionen-Dollar-Rolle erinnern müssen, die von den Reinigungskräften eines Hotels in Hongkong fälschlicherweise weggeworfen und für Müll gehalten wurde. Es war also die Schriftrolle von Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ist in den Siebzigern und der Markt für seine Arbeit floriert. Über 60 Werke dieses Künstlers haben die 1-Millionen-Dollar-Grenze überschritten, seine Werke waren bisher jedoch nur auf chinesischen Auktionen erfolgreich. Cui Ruzhuos Rekorde sind wirklich beeindruckend. Zuerst es "Landschaft im Schnee" bei der Poly-Auktion in Hongkong 7. April 2014 erzielte einen Hammerpreis von 184 Millionen HK$ ( 23,7 Millionen US-Dollar).

Genau ein Jahr später 6. April 2015 bei einer speziellen Poly-Auktion in Hongkong, die ausschließlich der Arbeit von Cui Ruzhuo gewidmet ist, einer Serie "Die große verschneite Landschaft des bergigen Jiangnan"(Jiangnan ist eine historische Region in China, die sich am rechten Ufer des Unterlaufs des Jangtse befindet.) von acht Landschaften mit Tinte auf Papier erzielte einen Zuschlagspreis von 236 Millionen HK$ ( 30,444 Millionen US-Dollar).

Ein Jahr später wiederholte sich die Geschichte erneut: bei der Solo-Auktion von Cui Ruzhuo, veranstaltet von Poly Auctions in Hongkong 4. April 2016 Polyptychon in sechs Teilen "Große schneebedeckte Berge" 2013 erreichte den Preis einen Hammer (inklusive Provision Auktions Haus) 306 Millionen Hongkong-Dollar (39,577 Millionen US-Dollar). Bisher ist dies ein absoluter Rekord unter den in Asien lebenden Künstlern.

Laut Kunsthändler Johnson Chan, der sich seit 30 Jahren mit chinesischer Gegenwartskunst beschäftigt, besteht der unbedingte Wunsch, die Preise für die Werke dieses Autors zu erhöhen, aber all dies geschieht auf einem Preisniveau, das erfahrene Sammler kaum wollen würden etwas kaufen. „Die Chinesen wollen die Bewertungen ihrer Künstler erhöhen, indem sie die Preise für ihre Arbeiten bei großen internationalen Auktionen wie der von Poly in Hongkong überhöhten, aber es besteht kein Zweifel, dass diese Bewertungen völlig erfunden sind“, kommentiert Johnson Chang die von Cui Ruzhuo neuster Rekord.

Dies ist natürlich nur die Meinung eines einzigen Händlers, und wir haben einen echten Rekord in allen Datenbanken. Berücksichtigen wir ihn also. Cui Ruzhuo selbst ist nach seinen Aussagen weit entfernt von der Bescheidenheit eines Gerhard Richter, wenn es um seinen Auktionserfolg geht. Dieses Rennen um Rekorde scheint ihn ernsthaft zu fesseln. „Ich hoffe, dass die Preise für meine Werke in den nächsten 5-10 Jahren die Preise für die Werke westlicher Meister wie Picasso und Van Gogh übertreffen werden. Das ist der chinesische Traum“, sagt Cui Ruzhuo.

5 Jaspis Johns Flagge. 1983. 36 Millionen Dollar

Der dritte Platz im Ranking der lebenden Künstler gehört einem Amerikaner An Jasper Johns (1930). Der aktuelle Rekordpreis für Jones' Arbeit liegt bei $ 36 Millionen. So viel bezahlt für seine berühmte "Flagge" bei Christies Auktion 12. November 2014.

Eine Serie von „Flaggen“-Gemälden, die Jones Mitte der 1950er Jahre unmittelbar nach der Rückkehr des Künstlers aus der Armee begann, wurde zu einem der zentralen in seinem Werk. Schon in seiner Jugend interessierte sich der Künstler für die Idee eines Readymades, der Verwandlung eines Alltagsgegenstandes in ein Kunstwerk. Die Flaggen von Jones waren jedoch nicht echt, sie wurden in Öl auf Leinwand gemalt. Somit nimmt ein Kunstwerk die Eigenschaften einer Sache ab gewöhnliches Leben, es war gleichzeitig sowohl das Bild der Flagge als auch die Flagge selbst. Eine Reihe von Arbeiten mit Fahnen machte Jasper Johns weltweit bekannt. Aber nicht weniger beliebt sind seine abstrakten Werke. Viele Jahre lang wurde die Liste der teuersten Werke, die nach den oben genannten Regeln erstellt wurde, von einem Abstract angeführt "Fehlstart". Bis 2007 galt diese sehr helle und dekorative Leinwand, die 1959 von Jones gemalt wurde, als Besitzer eines praktisch unerreichbaren Preises für einen lebenden Künstler (wenn auch ein lebenslanger Klassiker) - $ 17 Millionen. So viel haben sie dafür in Gold für den Kunstmarkt bezahlt 1988.

Interessanterweise war die Erfahrung von Jasper Johns als Rekordhalter nicht kontinuierlich. 1989 wurde er durch die Arbeit seines Kollegen Willem de Kooning unterbrochen: Die zwei Meter lange Abstraktion „Mixing" wurde bei Sotheby's für 20,7 Millionen Dollar verkauft. Jasper Johns musste umziehen. Doch nach 8 Jahren, 1997, starb de Kooning , und „Fehlstart“ Jones stand erneut fast 10 Jahre lang in der ersten Reihe der Auktionsbewertung lebender Künstler.

Aber 2007 änderte sich alles. Der Fehlstart-Rekord wurde zuerst durch die Arbeit der jungen und ehrgeizigen Damien Hirst und Jeff Koons in den Schatten gestellt. Dann gab es einen Rekordverkauf für 33,6 Millionen US-Dollar des Gemäldes "Der Schlafgeldkontrolleur" von Lusien Freud (inzwischen verstorben und nimmt daher an dieser Wertung nicht teil). Dann begannen die Aufzeichnungen von Gerhard Richter. Überhaupt liegt Jasper Johns, einer der Meister der amerikanischen Nachkriegskunst, der an der Schnittstelle von Neo-Dadaismus, abstraktem Expressionismus und Pop-Art arbeitet, mit einem bisherigen Rekord von 36 Millionen auf einem ehrenvollen dritten Platz.

6. ED RUSHAY Zerschlagen. 1963. 30,4 Millionen Dollar

Der plötzliche Erfolg des Gemäldes „Smash“ eines amerikanischen Künstlers Edward Ruscha (geb. 1937) bei einer Auktion Christies, 12. November 2014 brachte diesen Autor in die Reihe der teuersten lebenden Künstler. Der bisherige Rekordpreis für das Werk von Ed Ruscha (häufig wird der Name Ruscha im Russischen als „Rusha“ ausgesprochen, die korrekte Aussprache ist aber Ruscha) lag bei „nur“ 6,98 Millionen Dollar: So viel zahlten sie für seine Leinwand „Burning Gas“. Bahnhof“ im Jahr 2007. Sieben Jahre später sein Zerschlagen mit einer Schätzung von 15 bis 20 Millionen Dollar erreichte es den Preis eines Hammers 30,4 Millionen Dollar. Es ist offensichtlich, dass der Markt für die Werke dieses Autors ein neues Niveau erreicht hat - es ist nicht umsonst, dass er schmückt Weißes Haus Barack Obama und Larry Gagosian selbst stellen es in ihren Galerien aus.

Das New York der Nachkriegszeit mit seiner Begeisterung für den abstrakten Expressionismus hat Ed Ruscha nie angestrebt. Stattdessen suchte er über 40 Jahre lang Inspiration in Kalifornien, wohin er im Alter von 18 Jahren aus Nebraska zog. Der Künstler stand an den Ursprüngen eines neuen Kunsttrends, der Pop-Art. Zusammen mit Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud und anderen populären Kultursängern nahm Edward Ruscha 1962 an der New Image of Ordinary Things-Ausstellung des Pasadena Museum teil, die zur ersten Museumsausstellung amerikanischer Pop-Art wurde. Ed Ruscha selbst mag es jedoch nicht, wenn seine Arbeiten der Pop-Art, dem Konzeptualismus oder einer anderen Kunstströmung zugeschrieben werden.

Sein einzigartiger Stil wird „Textmalerei“ genannt. Ab Ende der 1950er-Jahre begann Ed Ruscha, Wörter zu malen. So wie für Warhol eine Suppendose zu einem Kunstwerk wurde, so wurden für Ed Ruscha gewöhnliche Wörter und Sätze, entweder von einer Werbetafel oder Verpackung in einem Supermarkt oder aus dem Abspann eines Films (Hollywood war immer an Ruschas Seite, und Im Gegensatz zu vielen seiner Künstlerkollegen respektierte Rushey die "Traumfabrik"). Die Worte auf seinen Leinwänden nehmen die Eigenschaften von dreidimensionalen Objekten an, es sind echte Stillleben aus Worten. Beim Betrachten seiner Leinwände fällt einem zuerst die visuelle und akustische Wahrnehmung des gezeichneten Wortes ein, und erst danach die semantische Bedeutung. Letztere sind in der Regel nicht eindeutig zu entziffern; die von ruscha gewählten worte und sätze lassen sich unterschiedlich interpretieren. Das gleiche hellgelbe Wort „Smash“ auf einem tiefblauen Hintergrund kann als aggressiver Aufruf wahrgenommen werden, etwas oder jemanden in Stücke zu schlagen; als einsames Adjektiv, das aus dem Kontext gerissen wurde (zum Beispiel Teil einer Zeitungsschlagzeile), oder einfach als einzelnes Wort, das in einem urbanen Strom visueller Bilder gefangen ist. Ed Ruscha schwelgt in dieser Ungewissheit. „Ich hatte schon immer großen Respekt vor seltsamen, unerklärlichen Dingen … Erklärungen töten gewissermaßen eine Sache“, sagte er in einem Interview.

7. CHRISTOPHER WOLLE Ohne Titel (AUFRUHEN). 1990. 29,93 Millionen Dollar

Amerikanischer Künstler Christoph Wolle(1955) brach erstmals 2013 – nach dem Verkauf von Apocalypse Now für 26,5 Millionen Dollar – in die Rangliste der lebenden Künstler ein und stellte ihn mit diesem Rekord sofort auf eine Stufe mit Jasper Johns und Gerhard Richter. Die Höhe dieser historischen Transaktion – mehr als 20 Millionen US-Dollar – überraschte viele, da die Preise für die Werke des Künstlers zuvor nicht 8 Millionen US-Dollar überstiegen, aber das schnelle Wachstum des Marktes für die Werke von Christopher Wool war zu diesem Zeitpunkt bereits offensichtlich : Die Erfolgsbilanz des Künstlers umfasste 48 Auktionstransaktionen im Wert von mehr als 1 Million US-Dollar, von denen 22 (fast die Hälfte) im Jahr 2013 stattfanden. Zwei Jahre später erreichte die Zahl der Werke von Chris Wool, die mehr als 1 Million US-Dollar verkauften, 70, und ein neuer persönlicher Rekord ließ nicht lange auf sich warten. Bei einer Auktion Sotheby's Werk "Untitled (RIOT)" vom 12. Mai 2015 wurde für $ verkauft 29,93 Millionen inklusive Käuferprovision.

Christopher Wool ist vor allem für seine großflächigen schwarzen Schriftzüge auf weißen Aluminiumblechen bekannt. Sie sind es, die bei Auktionen in der Regel Rekorde aufstellen. Das sind alles Dinge aus den späten 1980er und frühen 1990er Jahren. Der Legende nach ging Wool eines Abends durch New York und sah plötzlich Graffiti in schwarzen Buchstaben auf einem neuen weißen Truck – die Worte Sex und Luv. Dieser Anblick beeindruckte ihn so sehr, dass er sofort ins Studio zurückkehrte und mit denselben Worten eine eigene Version schrieb. Wir schreiben das Jahr 1987, und die weitere Suche des Künstlers nach Worten und Phrasen für seine „buchstäblichen“ Werke spiegelt den widersprüchlichen Geist dieser Zeit wider. Das ist der Aufruf „sell the house, sell the car, sell the children“, den Wool aus dem Film „Apocalypse Now“ übernommen hat, und das Wort „FOOL“ („Dummkopf“) in Großbuchstaben und das Wort „RIOT“. ("Rebellion"), oft in den damaligen Zeitungsschlagzeilen zu finden.

Wörter und Sätze Wolle, die mit Schablonen mit Alkyd- oder Emailfarben auf Aluminiumbleche aufgetragen wird, wobei absichtlich Streifen, Schablonenspuren und andere Spuren hinterlassen werden. kreativer Vorgang. Der Künstler teilte die Wörter so, dass der Betrachter die Bedeutung nicht sofort verstand. Zuerst sehen Sie nur eine Ansammlung von Buchstaben, das heißt, Sie nehmen das Wort als visuelles Objekt wahr, und erst dann lesen und entschlüsseln Sie die Bedeutung des Satzes oder Wortes. Wool verwendete eine Schriftart, die nach dem Zweiten Weltkrieg vom US-Militär verwendet wurde, was den Eindruck eines Befehls, einer Richtlinie, eines Slogans verstärkt. Diese „Buchstaben“-Arbeiten werden als Teil der Stadtlandschaft wahrgenommen, als illegales Graffiti, das die Sauberkeit der Oberfläche einiger Straßenobjekte verletzt hat. Diese Werkreihe von Christopher Wool gilt als einer der Höhepunkte der sprachlichen Abstraktion und wird daher von Liebhabern zeitgenössischer Kunst sehr geschätzt.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 Millionen Dollar

britisch Peter Doig(1959), obwohl er der Generation der Postmodernisten Koons und Hirst angehört, wählte für sich ein ganz traditionelles Genre der Landschaft, lange Zeit ehemalige nicht in Gunst mit fortgeschrittenen Künstlern. Peter Doig belebt mit seinem Werk das schwindende Interesse der Öffentlichkeit an der figurativen Malerei. Seine Arbeit wird sowohl von Kritikern als auch von Laien hoch geschätzt, was der rasche Anstieg der Preise für seine Werke belegt. Kosten seine Landschaften Anfang der 1990er-Jahre mehrere tausend Dollar, geht die Rechnung heute in die Millionen.

Doigs Arbeit wird oft als magischer Realismus bezeichnet. Basierend auf realen Landschaften schafft er fantasievolle, geheimnisvolle und oft düstere Bilder. Der Künstler stellt gerne von Menschen verlassene Objekte dar: ein verfallenes Gebäude, das Le Corbusier mitten im Wald errichtet hat, oder ein leeres weißes Kanu auf der Oberfläche eines Waldsees. Neben der Natur und der Fantasie lässt sich Doig von Horrorfilmen, alten Postkarten, Fotografien, Amateurvideos und so weiter inspirieren. Doigs Bilder sind farbenfroh, verschachtelt, dekorativ und nicht provozierend. Es ist schön, ein solches Bild zu besitzen. Die geringe Produktivität des Autors weckt auch das Interesse von Sammlern: Der in Trinidad lebende Künstler schafft nicht mehr als ein Dutzend Gemälde pro Jahr.

In den frühen 2000er Jahren wurden einzelne Landschaften des Künstlers für mehrere hunderttausend Dollar verkauft. Gleichzeitig wurden Doigs Arbeiten in die Saatchi Gallery, auf die Biennale im Whitney Museum und in die MoMA-Sammlung aufgenommen. 2006 wurde die Auktionsmarke von 1 Mio. US-Dollar überwunden, und im folgenden Jahr kam es zu einem unerwarteten Durchbruch: Das Werk „White Canoe“, das am 7. Februar 2007 bei Sotheby's mit einer Schätzung von 0,8–1,2 Millionen US-Dollar angeboten wurde, übertraf die vorläufige Schätzung fünf Mal und wurde für 5,7 Millionen Pfund (11,3 Millionen Dollar) verkauft. Damals ein Rekordpreis für das Werk eines lebenden europäischen Künstlers.

2008 veranstaltete Doig Einzelausstellungen in der Tate Gallery und im Museum of Modern Art in Paris. Preise in Höhe von mehreren Millionen Dollar für Doigs Arbeit sind zur Norm geworden. Der Lebenslauf von Peter Doig wurde in letzter Zeit mehrmals im Jahr aktualisiert – wir haben nur Zeit, das Bild und den Platz dieses Künstlers in unserem Ranking der lebenden Autoren zu ändern.

Peter Doigs bisher teuerstes Werk ist die Rosedale-Schneelandschaft von 1991. Interessanterweise wurde der Rekord nicht bei Sotheby's oder Christie's aufgestellt, sondern bei der Phillips-Auktion für zeitgenössische Kunst. Dies geschah am 18. Mai 2017. Der Blick auf das schneebedeckte Rosedale, eines der Viertel von Toronto, wurde verkauft telefonischer Käufer für 28,81 Millionen US-Dollar, das sind rund 3 Millionen mehr als der bisherige Rekord (25,9 Millionen US-Dollar für das Werk „Swallowed by the Mire“). Das Gemälde "Rosedale" nahm 1998 an Doigs Schlüsselausstellung in der Whitechapel Gallery in London teil, und im Allgemeinen war dieses Werk frisch für den Markt, und daher ist der Rekordpreis verdient.

9. FRANK STELLA Kapkiefern. 1959. 28 Millionen Dollar

Frank Stella ist ein glänzender Vertreter der Post-Painting-Abstraktion und des Minimalismus in der Kunst. Ab einem bestimmten Stadium wird es als Malstil mit harten Kanten bezeichnet. Zunächst kontrastierte Stella die strenge Geometrie, asketische Monochromie und Strukturiertheit seiner Bilder mit der Spontaneität und Zufälligkeit der Leinwände abstrakter Expressionisten wie Jackson Pollock.

Ende der 1950er-Jahre wurde der Künstler vom berühmten Galeristen Leo Castelli entdeckt und erhielt erstmals den Zuschlag für eine Ausstellung. Darauf präsentierte er die sogenannten „Black Paintings“ – mit parallelen schwarzen Linien übermalte Leinwände mit dünnen Zwischenräumen unbemalter Leinwand dazwischen. Die Zeilen summieren sich zu geometrische Formen, erinnert etwas an optische Täuschung, dieselben Bilder, die flackern, sich bewegen, verdrehen, ein Gefühl von Weltraum erzeugen, wenn man sie lange betrachtet. Thema parallele Linien Mit dünnen Trennstreifen arbeitete Stella weiter an Aluminium und Kupfer. Die Farben, die Bildgrundlage und sogar die Form der Gemälde änderten sich (unter anderem stechen Arbeiten in Form der Buchstaben U, T, L hervor). Aber Hauptprinzip seine malerei bestand noch aus klarer kontur, monumentalität, einfacher form, monochrom. In den folgenden Jahrzehnten bewegte sich Stella weg von einer solchen geometrischen Malerei hin zu glatten, natürlichen Formen und Linien und von monochromatischen Gemälden zu hellen und abwechslungsreichen Farbübergängen. In den 1970er Jahren war Stella fasziniert von den riesigen Mustern, die zum Bemalen von Schiffen verwendet wurden. Der Künstler nutzte sie für riesige Gemälde mit Assemblage-Elementen – er baute Stücke von Stahlrohren oder Drahtgeflechten in seine Arbeiten ein.

In seinen frühen Interviews spricht Frank Stella offen über die Bedeutungen, die seiner Arbeit beigemessen werden, oder besser gesagt, über deren Abwesenheit: "What you see is what you see." Das Gemälde ist ein Objekt an sich, keine Reproduktion von irgendetwas. "Es ist eine flache Oberfläche mit Farbe darauf und sonst nichts", sagte Stella.

Nun, unterzeichnet von Frank Stella, diese „Oberfläche mit Farbe darauf“ könnte heute Millionen von Dollar wert sein. Erstmals im Ranking der lebenden Künstler landete Frank Stella 2015 mit dem Verkauf von Delaware Crossing (1961) für 13,69 Millionen Dollar inklusive Provision.

Vier Jahre später, am 15. Mai 2019, stellte das Frühwerk „Cape of Pines“ (1959) einen neuen Rekord auf: Der Hammerpreis lag bei über 28 Millionen Dollar, inklusive Provision. Dies ist eines von 29 "schwarzen Gemälden" - genau die, mit denen Stella bei seiner ersten Ausstellung in New York debütierte. Frank Stella, Absolvent der Princeton University, war damals 23 Jahre alt. Er hatte oft nicht genug Geld für Ölfarben für Künstler. Der junge Künstler arbeitete nebenbei als Reparaturarbeit, er mochte die reinen Farben der Farbe sehr, und dann entstand die Idee, mit dieser Farbe auf Leinwand zu arbeiten. Mit schwarzer Emailfarbe malt Stella parallele Streifen und lässt zwischen ihnen dünne Linien aus ungrundierter Leinwand. Außerdem schreibt er ohne Lineal, nach Augenmaß, ohne Vorzeichnung. Stella wusste nie genau, wie viele schwarze Linien in einem bestimmten Gemälde erscheinen würden. In dem Gemälde „Cape of Pines“ gibt es beispielsweise 35. Der Titel des Werks bezieht sich auf den Namen des Kaps in der Massachusetts Bay – Point of Pines. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte es einen großen Vergnügungspark und ist heute eines der Viertel der Stadt Revere.

10. YOSHITOMO NARA Messer hinter dem Rücken. 2000. 24,95 Millionen Dollar

Yoshitomo Nara (1959) ist eine der Schlüsselfiguren der japanischen Neo-Pop-Art. Japanisch - denn trotz Weltruhm und langjähriger Tätigkeit im Ausland zeichnet sich sein Werk immer noch durch einen ausgeprägten Nationalität. Naras Lieblingsfiguren sind Mädchen und Hunde im Stil japanischer Manga- und Anime-Comics. Die Bilder, die er über viele Jahre hinweg erfunden hat, sind „zu den Leuten gegangen“: Sie werden auf T-Shirts gedruckt, Souvenirs und verschiedene „Merchs“ werden damit hergestellt. Geboren in einer armen Familie, weit weg von der Hauptstadt, wird er nicht nur wegen seines Talents geliebt, sondern auch als Mensch geschätzt, der sich selbst gemacht hat. Der Künstler arbeitet schnell und ausdrucksstark. Es ist bekannt, dass einige seiner Meisterwerke buchstäblich über Nacht fertiggestellt wurden. Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara sind in der Regel sehr prägnant, wenn nicht gar sparsam Ausdrucksmittel, tragen aber immer eine starke emotionale Ladung. Teenager-Mädchen in Nara blicken den Betrachter oft mit einem unfreundlichen Schielen an. In ihren Augen - Frechheit, Herausforderung und Aggression. In den Händen - dann ein Messer, dann eine Zigarette. Es besteht die Meinung, dass die dargestellten Perversionen des Verhaltens eine Reaktion auf die unterdrückerische öffentliche Moral, verschiedene Tabus und die von den Japanern übernommenen Erziehungsprinzipien sind. Fast mittelalterliche Strenge und Scham treiben innere Probleme an und schaffen den Boden für eine verzögerte emotionale Explosion. "Messer hinter dem Rücken" spiegelt nur umfassend eine der Hauptideen des Künstlers wider. In dieser Arbeit gibt es einen hasserfüllten Blick eines Mädchens und eine Hand, die sich drohend hinter ihrem Rücken verwundet. Bis 2019 haben die Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara bereits mehr als einmal die Millionen- oder sogar mehrere Millionen-Grenze überschritten. Aber zwanzig Millionen - zum ersten Mal. Nara ist einer der berühmtesten in Japan geborenen Künstler der Welt. Und jetzt das teuerste der Lebenden. Am 6. Oktober 2109 nahm er bei Sotheby's in Hongkong diesen Titel von Takashi Murakami und überflügelte die 90-jährige Avantgarde-Künstlerin Yayoi Kusama (die maximalen Auktionspreise für ihre Gemälde nähern sich bereits 9 Millionen US-Dollar) deutlich.

11. ZENG-FANZHI Das letzte Abendmahl. 2001. 23,3 Millionen Dollar

Bei Sotheby's Hongkong 5. Oktober 2013 Leinwand im Jahresmaßstab "Das letzte Abendmahl" Pekinger Künstler Zeng Fanzhi (1964) wurde für eine Rekordsumme von 160 Millionen Hongkong-Dollar verkauft - 23,3 Millionen Dollar USA. Die Gesamtkosten von Fanzhis Werk, geschrieben natürlich unter dem Einfluss von Leonardo da Vinci, waren doppelt so hoch vorläufige Bewertung etwa $ 10 Mio. Zeng Fanzhis bisheriger Preisrekord lag bei $ 9,6 Millionen bei der Christie's-Auktion in Hongkong im Mai 2008 für das Werk bezahlt Maskenserie. 1996 Nr. 6".

"Das letzte Abendmahl" ist das größte (2,2 × 4 Meter) Gemälde von Fanzhi in der Serie "Masken", die den Zeitraum von 1994 bis 2001 abdeckt. Der Zyklus widmet sich der Entwicklung der chinesischen Gesellschaft unter dem Einfluss wirtschaftlicher Reformen. Die Einführung von Elementen einer Marktwirtschaft durch die Regierung der VR China führte zur Urbanisierung und Uneinigkeit der Chinesen. Fanzhi zeigt die Bewohner moderner chinesischer Städte, die um einen Platz an der Sonne kämpfen müssen. Alle berühmte Komposition Die Fresken von Leonardo beim Lesen von Fanzhi bekommen eine ganz andere Bedeutung: Die Szene wird von Jerusalem in das Klassenzimmer einer chinesischen Schule mit typischen Hieroglyphentafeln an den Wänden verlegt. „Christus“ und „Apostel“ sind zu Pionieren mit scharlachroten Krawatten geworden, und nur „Judas“ trägt eine goldene Krawatte – das ist eine Metapher für den westlichen Kapitalismus, der die gewohnte Lebensweise in einem sozialistischen Land durchdringt und zerstört.

Die Werke von Zeng Fanzhi stehen stilistisch dem europäischen Expressionismus nahe und sind ebenso dramatisch. Aber gleichzeitig sind sie voller chinesischer Symbole und Besonderheiten. Diese Vielseitigkeit zieht sowohl chinesische als auch westliche Sammler in das Werk des Künstlers. Eine direkte Bestätigung dafür ist die Provenienz von Das letzte Abendmahl: Das Werk wurde von dem berühmten Sammler der chinesischen Avantgarde der 1980er und frühen 1990er Jahre, dem belgischen Baron Guy Ullens, versteigert.

12. ROBERT RAYMAN Brücke. 1980. 20,6 Millionen Dollar

Bei einer Auktion Christies 13. Mai 2015 abstrakte Arbeit "Brücke" 85 Jahre alter amerikanischer Künstler Robert Rymann(Robert Ryman) verkauft wurde 20,6 Millionen Dollar unter Berücksichtigung der Provision - doppelt so teuer wie der untere Schätzpreis.

Robert Rymann(1930) war nicht sofort klar, dass er Künstler werden wollte. Im Alter von 23 Jahren zog er von Nashville, Tennessee, nach New York, um Jazz-Saxophonist zu werden. In der Zwischenzeit wurde er kein berühmter Musiker, er musste sich als Wachmann im MoMA etwas dazuverdienen, wo er Saul LeWitt und Dan Flavin kennenlernte. Der erste arbeitete im Museum als Nachtsekretär, der zweite als Wachmann und Fahrstuhlführer. Inspiriert von den Werken abstrakter Expressionisten, die er im MoMA sah – Rothko, De Kooning, Pollock und Newman – begann Robert Ryman 1955 mit der Malerei.

Ryman wird oft als Minimalist bezeichnet, aber er zieht es vor, als "Realist" bezeichnet zu werden, weil es ihm nicht darum geht, Illusionen zu erzeugen, er demonstriert nur die Qualitäten der von ihm verwendeten Materialien. Die meisten seiner Werke sind mit Farben in allen möglichen Weißtönen (von gräulich oder gelblich bis hin zu strahlendem Weiß) gemalt, basierend auf einer lakonischen quadratischen Form. Während seiner Karriere hat Robert Ryman viele Materialien und Techniken ausprobiert: Er malte in Öl, Acryl, Kasein, Emaille, Pastell, Gouache usw. auf Leinwand, Stahl, Plexiglas, Aluminium, Papier, Wellpappe, Vinyl, Tapeten usw. Seine Freund, ein professioneller Restaurator, Orrin Riley, beriet ihn über die Schärfe der Materialien, die er verwenden wollte. Wie ein Künstler einmal sagte: „Ich habe nie eine Frage Was schreiben, hauptsache - Wie schreiben". Es geht um die Textur, die Art der Striche, die Grenze zwischen der farbigen Oberfläche und den Rändern des Sockels sowie die Beziehung zwischen dem Werk und der Wand. Seit 1975 besonderes Element Seine Stücke werden zu Einrichtungsgegenständen, die Ryman selbst entwirft und bewusst sichtbar lässt, wobei er betont, dass seine Arbeit „so echt ist, wie die Wände, an denen sie hängen, echt sind“. Ryman gibt Werken lieber „Namen“ als „Titel“. Der „Name“ hilft dabei, ein Werk von einem anderen zu unterscheiden, und Ryman benennt seine Werke oft nach Lackmarken, Firmen usw., und der „Titel“ behauptet eine Art Anspielung und tief verborgene Bedeutungen, deren Vorhandensein in seinem Werke, die der Künstler regelmäßig bestreitet. Nichts als Material und Technik zählen.

13. Damian Hirst Verschlafener Frühling. 2002. 19,2 Millionen Dollar

Englischer Künstler An Damien Hirst (1965) war dazu bestimmt, in einem Streit mit dem lebenden Klassiker Jasper Johns als erster den ersten Platz in dieser Wertung zu belegen. Das bereits erwähnte Werk „False Start“ könnte noch lange ein unsinkbarer Anführer bleiben, wenn 21. Juni 2007 Installation der damals 42-jährige Hirst "Schlummer Frühling"(2002) wurde bei Sotheby's nicht für £ verkauft 9,76 Millionen, das heißt für 19,2 Millionen Dollar. Die Arbeit hat übrigens ein eher ungewöhnliches Format. Einerseits ist dies eine Vitrine mit Pillenattrappen (6.136 Pillen), eigentlich eine klassische Installation. Andererseits wird diese Vitrine flach gemacht (10 cm tief), in einen Rahmen gefasst und wie ein Plasma-Panel an die Wand gehängt und bietet so vollen Besitzkomfort, der Gemälden innewohnt. Im Jahr 2002 wurde die Schwester der Installation, Sleepy Winter, für 7,4 Millionen Dollar verkauft, mehr als die Hälfte des Preises. Jemand "erklärte" den Preisunterschied damit, dass die Tabletten im Winter stärker ausbleichen. Aber es ist klar, dass diese Erklärung absolut haltlos ist, weil der Preismechanismus für solche Dinge nicht mehr mit ihrer dekorativen Wirkung verbunden ist.

2007 wurde Hirst von vielen als Autor des teuersten Werks unter den lebenden Künstlern anerkannt. Die Frage stammt jedoch aus der Kategorie "je nachdem, wie man zählt". Tatsache ist, dass Hurst für teure Pfund verkauft wurde und Jones für Dollar, die jetzt im Preis gefallen sind, und das sogar vor zwanzig Jahren. Aber selbst wenn wir zum Nennwert zählen, ohne die 20-jährige Inflation zu berücksichtigen, dann war Hirsts Arbeit in Dollar teurer und die von Jones in Pfund. Die Situation war grenzwertig und jeder konnte frei entscheiden, wen er für den teuersten hielt. Doch Hurst hielt sich auf dem ersten Platz nicht so lange durch. Im gleichen Jahr 2007 wurde er von Koons mit seinem „Hanging Heart“ vom ersten Platz verdrängt.

Gerade am Vorabend des weltweiten Preisverfalls für zeitgenössische Kunst unternahm Hirst ein für einen jungen Künstler beispielloses Unterfangen – eine Einzelauktion seiner Werke, die am 15. September 2008 in London stattfand. Die am Vortag verkündete Insolvenz von Lehman Brothers verdarb den Liebhabern zeitgenössischer Kunst nicht den Appetit: Von den 223 bei Sotheby's angebotenen Werken fanden nur fünf keine neuen Besitzer (einer der Käufer war übrigens Viktor Pinchuk). ). Arbeiten "Goldener Stier"- ein riesiges Abbild eines Stiers in Formaldehyd, gekrönt mit einer goldenen Scheibe, - gebracht 10,3 Mio. £ (18,6 Mio. $). Dies ist das beste Ergebnis von Hurst, gemessen in Pfund (in der Währung, in der das Geschäft abgeschlossen wurde). Wir ordnen uns jedoch in Dollar ein, also (möge uns das Goldene Kalb verzeihen) werden wir Hirsts besten Verkauf als Sleepy Spring betrachten.

Seit 2008 hat Hirst Sleepy Spring und Golden Calf nicht mehr verkauft. Neue Aufnahmen der 2010er – für die Arbeit von Richter, Jones, Fanzhi, Wool und Koons – brachten Damien in die sechste Zeile unserer Bewertung. Aber urteilen wir nicht kategorisch über den Niedergang der Ära Hirst. Laut Analysten ist Hurst als "Superstar" bereits in die Geschichte eingegangen, was bedeutet, dass sie es für eine sehr lange Zeit kaufen werden; der größte Wert in der Zukunft wird jedoch den Werken prognostiziert, die in der innovativsten Phase seiner Karriere, dh in den 1990er Jahren, entstanden sind.

14. Maurizio Cattelan Ihn. 2001. 17,19 Millionen Dollar

Der Italiener Maurizio Cattelan (1960) kam zur Kunst, nachdem er als Wachmann, Koch, Gärtner und Möbeldesigner gearbeitet hatte. Der Autodidakt ist durch seine ironischen Skulpturen und Installationen weltberühmt geworden. Er hat einen Meteoriten auf den Papst geworfen, die Frau eines Kunden in eine Jagdtrophäe verwandelt, ein Loch in den Boden eines Museums für Alte Meister gerissen, der Börse in Mailand einen riesigen Mittelfinger entgegengehalten, einen lebenden Esel zur Frieze-Messe gebracht . In naher Zukunft verspricht Cattelan, im Guggenheim-Museum eine goldene Toilette zu installieren. Am Ende fanden die Possen von Maurizio Cattelan breite Anerkennung in der Kunstwelt: Er wird zur Biennale in Venedig eingeladen (die Installation „Others“ im Jahr 2011 – ein Schwarm von zweitausend Tauben, die aus allen Rohren und Balken bedrohlich auf die Besuchermassen blicken unten vorbei), arrangiert eine Retrospektive im New Yorker Guggenheim Museum (November 2011) und schließlich wird viel Geld für seine Skulpturen bezahlt.

Maurizio Cattelans teuerste Arbeit seit 2010 war Wachsskulptur aus einem Loch im Boden lugt ein Mann, der wie der Künstler selbst aussieht (Ohne Titel, 2001). Diese Skulptur-Installation, die in drei Exemplaren plus dem Autorenexemplar existiert, wurde erstmals im Boijmans van Beuningen Museum in Rotterdam gezeigt. Dann schaute diese schelmische Figur aus einem Loch im Boden des Saals mit Gemälden niederländischer Maler des 18. und 19. Jahrhunderts. Maurizio Cattellan assoziiert sich in dieser Arbeit mit einem wagemutigen Verbrecher, der mit Gemälden großer Meister in den heiligen Raum des Museumssaals eindringt. Damit will er der Kunst den Heiligenschein nehmen, den ihr Museumswände verleihen. Die Arbeit, die man aus Ausstellungsgründen jedes Mal durchlöchern muss, wurde bei Sotheby's für 7,922 Millionen Dollar verkauft.

Der Rekord hielt bis zum 8. Mai 2016, als Cattelans noch provokanteres Werk Him, das einen knienden Hitler darstellt, für 17,189 Millionen Dollar unter den Hammer kam. Der Name ist seltsam. Die Charakterauswahl ist riskant. Wie alles andere bei Cattelan. Was meint er? „Seine“ oder „Seine höllische Majestät“? Es ist klar, dass wir definitiv nicht davon sprechen, das Bild des Führers zu singen. Hitler erscheint in diesem Werk eher in einer hilflosen, erbärmlichen Gestalt. Und absurderweise hat die Inkarnation Satans die Größe eines Kindes, das in ein Schuljungenkostüm gekleidet ist und mit einem demütigen Gesichtsausdruck kniet. Für Cattelan ist dieses Bild eine Einladung, über die Natur des absolut Bösen nachzudenken, und ein Weg, Ängste loszuwerden. Übrigens ist die „Him“-Skulptur dem westlichen Publikum bestens bekannt. Ihre Brüder in der Serie wurden mehr als 10 Mal in führenden Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter im Centre Pompidou und im Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Ohne Titel (S III veröffentlicht für France Face 43.14). 2011. 16,8 Millionen US-Dollar

Am 17. Mai 2017 erschien eines der beeindruckendsten Gemälde von Marc Grotjan, das jemals versteigert wurde, bei der Abendauktion von Christie's in New York. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ wurde vom Pariser Sammler Patrick Seguin mit einer Schätzung von 13-16 Millionen Dollar ausgestellt, und da der Verkauf des Loses von einem Dritten garantiert wurde, war niemand besonders überrascht durch die Aufstellung eines neuen persönlichen Auktionsrekords des 49-jährigen Künstlers. Der Zuschlagspreis von 14,75 Millionen US-Dollar (16,8 Millionen US-Dollar mit Käuferaufgeld) übertraf Grotjans früheren Auktionsrekord um mehr als 10 Millionen US-Dollar, wodurch er in den Club der lebenden Künstler aufgenommen wurde, deren Werke im achtstelligen Bereich verkauft werden. Siebenstellige gleiche Ergebnisse (Umsatz mehr als 1 Million Dollar, aber nicht mehr als 10 Millionen Dollar) bei der Auktion Sparschwein Mark Grotyan für etwa dreißig.

Mark Grotjan (1968), in dessen Werk Experten den Einfluss von Moderne, abstraktem Minimalismus, Pop- und Op-Art sehen, kam Mitte der 1990er Jahre zu seiner Corporate Identity, nachdem er mit seinem Freund Brent Peterson nach Los Angeles zog und dort eine Galerie eröffnete "Zimmer 702". Wie sich der Künstler selbst erinnert, begann er damals darüber nachzudenken, was für ihn in der Kunst das Erste war. Er suchte nach dem Motiv, mit dem er experimentieren konnte. Und ich merkte, dass er sich schon immer für Linie und Farbe interessierte. Experimente im Geiste des Rayonismus und Minimalismus mit linearer Perspektive, zahlreichen Fluchtpunkten und vielfarbigen abstrakten Dreiecksformen brachten Grotjan schließlich Weltruhm.

Aus abstrakten, farbenfrohen Landschaften mit mehreren Horizonten und Fluchtpunkten landete er bei dreieckigen Formen, die an Schmetterlingsflügel erinnern. Gemälde von Grotjan 2001–2007 Sie nennen es "Schmetterlinge". Heute gilt das Verschieben des Fluchtpunkts oder die gleichzeitige Verwendung mehrerer Fluchtpunkte im Raum als eine der mächtigsten Techniken des Künstlers.

Die nächste große Werkserie hieß „Faces“; in den abstrakten linien dieser serie lassen sich die züge eines menschlichen gesichts erahnen, vereinfacht zu einer maske im geiste von matisse, jawlensky oder brancusi. Wenn die Forscher über die ultimative Vereinfachung und Stilisierung von Formen sprechen, über die kompositorische Lösung von Gemälden, wenn die verstreuten Konturen von Augen und Mündern uns aus dem Dickicht anzuschauen scheinen, stellen die Forscher die Verbindung von Grotjans Gesichtern mit der Kunst des Primitiven fest Stämme Afrikas und Ozeaniens, während der Künstler selbst einfach "die Bildaugen mag, die aus dem Dschungel blicken. Manchmal stellte ich mir die Gesichter von Pavianen oder Affen vor. Ich kann nicht sagen, dass ich bewusst oder unbewusst von primitiver afrikanischer Kunst beeinflusst wurde, vielmehr wurde ich von Künstlern beeinflusst, die davon beeinflusst wurden. Picasso ist das offensichtlichste Beispiel."

Die Werke der Serie "Faces" werden brutal und elegant genannt, angenehm für das Auge und angenehm für den Geist. Im Laufe der Zeit verändert sich auch die Textur dieser Werke: Um die Wirkung eines Innenraums zu erzeugen, verwendet der Künstler breite, dicke Farbstriche, sogar Spritzer im Pollock-Stil, aber die Oberfläche des Gemäldes wird eingeebnet, so dass bei näherer Betrachtung es scheint völlig flach. Das rekordverdächtige Gemälde Untitled (S III Released to France Face 43.14) gehört zu dieser gefeierten Serie von Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Mein einsamer Cowboy. 15,16 Millionen Dollar

japanisch Takashi Murakami (1962) ist mit Skulptur in unsere Wertung eingegangen "Mein einsamer Cowboy", verkauft bei Sotheby's im Mai 2008 für $ 15,16 Millionen. Mit diesem Verkauf galt Takashi Murakami lange Zeit als der erfolgreichste lebende asiatische Künstler – bis er durch den Verkauf von Das letzte Abendmahl von Zeng Fanzhi in den Schatten gestellt wurde.

Takashi Murakami arbeitet als Künstler, Bildhauer, Modedesigner und Animator. Murakami wollte etwas wirklich Japanisches als Grundlage seiner Arbeit nehmen, ohne westliche oder andere Anleihen. In seiner Studienzeit faszinierte ihn die traditionelle japanische Kunst des Nihonga, später wurde sie von der populären Kunst des Anime und Manga abgelöst. So entstand der psychedelische Mr DOB, Muster aus lächelnden Blumen und leuchtenden, glänzenden Glasfaserskulpturen, als wären sie gerade den Seiten japanischer Comics entsprungen. Die einen halten Murakamis Kunst für Fast Food und die Verkörperung der Vulgarität, die anderen nennen den Künstler den Japaner Andy Warhol – und in dessen Reihen finden sich, wie wir sehen, viele sehr reiche Leute.

Murakami entlehnte den Namen für seine Skulptur Andy Warhols The Lonely Cowboys (1968), den die Japaner, wie er selbst zugab, nie gesehen hatten, aber ihm gefiel die Wortkombination sehr gut. Murakami mit einer Skulptur erfreute Fans erotischer japanischer Comics und lachte sie aus. Vergrößert und zudem dreidimensional wird der Anime-Held zum Fetisch der Massenkultur. Diese künstlerische Aussage ist ganz im Geiste der klassischen westlichen Pop-Art (denken Sie an Allen Jones' Möbelset oder Koons' Pink Panther), aber mit einer nationalen Note.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14.784.505 $

KAWS ist das Pseudonym des amerikanischen Künstlers Brian Donelly aus New Jersey. Er ist der jüngste Teilnehmer unserer Wertung, Jahrgang 1974. Donelly begann als Animator bei Disney (Zeichnen von Hintergründen für den Zeichentrickfilm „101 Dalmatiner“ und andere). Ich interessiere mich seit meiner Jugend für Graffiti. Zunächst war sein charakteristisches Design ein Totenkopf mit „X“ anstelle der Augenhöhlen. Die Arbeit des jungen Schriftstellers wurde von Showbusiness-Leuten und Leuten aus der Modebranche geliebt: Er machte das Cover für das Album von Kanye West, veröffentlichte Kollaborationen für Nike, Comme des Garçons und Uniqlo. Im Laufe der Zeit ist KAWS zu einer bekannten Figur in der Welt der zeitgenössischen Kunst geworden. Seine charakteristische Micky-Maus-Figur hat ihren Weg in Museen, öffentliche Räume und Privatsammlungen gefunden. Einmal veröffentlichte KAWS ein Vinylspielzeug in limitierter Auflage mit der Marke My Plastic Heart, und sie wurden plötzlich Gegenstand eines hohen Sammlerinteresses. Einer der leidenschaftlichen Sammler dieser „Spielzeuge“ ist der Gründer Schwarzer Stern Rapper Timati: Er sammelte fast vollständig die gesamte Serie von "Companions Cavs".

Die Arbeit von KAWS stellte bei der Sotheby's-Auktion in Hongkong am 1. April 2019 einen Rekord für das Oeuvre eines Künstlers auf – 14,7 Millionen US-Dollar. Es war früher in der Kollektion des japanischen Modedesigners Nigo. Meterleinwand Das KAWS Album ist eine Hommage an das Cover des berühmten The Beatles-Albums „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ aus dem Jahr 1967. Nur statt Menschen hat es Kimpsons – stilisierte Charaktere aus der Zeichentrickserie Simpsons mit „X“ statt Augen.

18. JIN-SHAN Tadschikische Braut. 1983. 13,89 Millionen Dollar

Unter den relativ jungen und zeitgenössischen chinesischen Künstlern, die alle der sogenannten „neuen Welle“ der späten 1980er Jahre angehören Chinesische Kunst kam unerwartet ein Vertreter einer ganz anderen Generation und einer anderen Schule in unsere Wertung. Jin Shangyi, jetzt in seinen 80ern, gehört zu prominente Vertreter die erste Generation von Künstlern im kommunistischen China. Die Ansichten dieser Künstlergruppe wurden zu einem großen Teil unter dem Einfluss des engsten kommunistischen Verbündeten – der UdSSR – geformt.

Offizielle sowjetische Kunst, sozialistischer Realismus, Ölmalerei, die schon damals für China ungewöhnlich war (im Gegensatz zur traditionellen chinesischen Tuschemalerei), waren in den 1950er Jahren auf dem Höhepunkt der Popularität, und er kam für drei Jahre (von 1954 bis 1954) an die Pekinger Kunstuniversität 1957) zu unterrichten sowjetischer Künstler Konstantin Methodievich Maksimov. Jin Shani, damals der Jüngste in der Gruppe, kam in seine Klasse. Der Künstler erinnerte sich immer mit großer Wärme an seinen Lehrer und sagte, dass Maksimov ihm beigebracht habe, das Modell richtig zu verstehen und darzustellen. K. M. Maksimov brachte eine ganze Galaxie chinesischer Realisten hervor, die jetzt Klassiker sind.

Im Werk von Jin Shan spürt man den Einfluss sowohl des sowjetischen „strengen Stils“ als auch der europäischen Schule der Malerei. Der Künstler widmete viel Zeit dem Studium des Erbes der Renaissance und des Klassizismus, während er es für notwendig hielt, den chinesischen Geist in seinen Werken zu bewahren. Das 1983 gemalte Gemälde „Tadschikische Braut“ gilt als allgemein anerkanntes Meisterwerk, ein neuer Meilenstein im Werk von Jin Shan. Sie war es, die im November 2013 bei der China Guardian-Auktion ausgestellt und um ein Vielfaches teurer als die Schätzung verkauft wurde - für 13,89 Millionen US-Dollar, einschließlich Provision.

19. BANKSY Das verfallene Parlament. 2008. 12,14 Millionen US-Dollar

Wandmalereien mit dem Banksy-Tag tauchten Ende der 1990er Jahre an den Wänden von Städten auf (zuerst in Großbritannien und dann auf der ganzen Welt). Seine philosophischen und zugleich scharfsinnigen Graffiti widmeten sich der Problematik des Angriffs des Staates auf die Freiheiten der Bürger, Verbrechen dagegen Umfeld, unverantwortlicher Konsum, die Unmenschlichkeit des Systems der illegalen Migration. Im Laufe der Zeit erlangten Banksys „Mauervorwürfe“ eine beispiellose Medienpopularität. Tatsächlich wurde er zu einem der wichtigsten Sprecher der öffentlichen Meinung, der die Heuchelei von Staaten und Unternehmen verurteilte, die wachsende Ungerechtigkeit im kapitalistischen System hervorrief.

Die Bedeutung von Banksy, das Gespür für den „Nerv der Zeit“ und die Genauigkeit seiner Metaphern wurden nicht nur vom Publikum, sondern auch von Sammlern geschätzt. In den 2010er Jahren wurden Hunderttausende oder sogar mehr als eine Million Dollar für seine Werke ausgegeben. Es kam zu dem Punkt, dass Banksy-Graffiti zusammen mit Mauerstücken abgebaut und gestohlen wurden.

In Zeiten fortschrittlicher digitaler Überwachung gelingt es Banksy immer noch, anonym zu bleiben. Es gibt eine Version, dass dies nicht mehr eine Person ist, sondern eine Gruppe von mehreren Künstlern, angeführt von einer talentierten Frau. Das würde einiges erklären. Und die äußerliche Unähnlichkeit der Schriftsteller, die in den Objektiven von Zeugenkameras eingefangen wurden, und die unpersönliche Schablonenmethode der Anwendung (gibt schnelle Geschwindigkeit und erfordert keine direkte Beteiligung des Autors) und die berührende Romantik der Motive der Gemälde (Bälle, Schneeflocken usw.). Wie dem auch sei, die Leute vom Banksy-Projekt, einschließlich seiner Assistenten, wissen, wie man den Mund hält.

2019 wurde das teuerste Werk von Banksy unerwartet zu einer vier Meter großen Leinwand Devolved Parliament („degraded“, „decayed“ oder „delegated“ Parliament). Streitende Schimpansen im Unterhaus scheinen im Jahr des Brexit-Skandals das Publikum zu verspotten. Es ist überraschend, dass das Gemälde 10 Jahre vor diesem historischen Wendepunkt gemalt wurde und daher jemand es für prophetisch hält. Bei einer Sotheby's-Auktion am 3. Oktober 2019 kaufte ein unbekannter Käufer das Öl in einem heftigen Bieterverfahren für 12.143.000 Dollar – das Sechsfache des Preises der vorläufigen Schätzung.

20. JOHN CURREN "Süß und einfach." 1999. 12,007 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler John Curran (1962) bekannt für seine satirischen figurativen Gemälde zu provokativen sexuellen und sozialen Themen. Currens Arbeit schafft es, die Maltechniken der alten Meister (insbesondere Lucas Cranach d. Ä. und der Manieristen) mit der Modefotografie aus Hochglanzmagazinen zu verbinden. Zu Grotesken verzerrt Karren oft die Proportionen des menschlichen Körpers, vergrößert oder verkleinert seine Einzelteile, zeigt Helden in gebrochenen, manierierten Posen.

Curren begann 1989 mit Porträts von Mädchen, die aus einem Schulalbum neu gezeichnet wurden; Fortsetzung in den frühen 1990er Jahren mit Bildern von vollbusigen Schönheiten, inspiriert von Fotos aus Cosmopolitan und Playboy; 1992 erschienen Porträts wohlhabender älterer Damen; und 1994 heiratete Curren die Bildhauerin Rachel Feinstein, die viele Jahre lang seine Hauptmuse und sein Hauptmodell wurde. In den späten 1990er Jahren brachte ihm Currins technisches Können, kombiniert mit dem Kitsch und der Groteske seiner Bilder, Popularität ein. 2003 übernahm Larry Gagosian die Förderung des Künstlers, und wenn sich ein solcher Händler wie Gagosian des Autors annimmt, dann ist der Erfolg garantiert. 2004 fand im Whitney Museum eine John Curran-Retrospektive statt.

Ungefähr zu dieser Zeit begannen sich seine Arbeiten für sechsstellige Beträge zu verkaufen. Der aktuelle Rekord für ein Gemälde von John Curran gehört Sweet and Simple, verkauft am 15. November 2016 bei Christie's für 12 Millionen Dollar, jetzt über 50, das ist definitiv ein Karrieredurchbruch. Sein bisheriger Rekord im Jahr 2008 lag bei 5,5 Millionen US-Dollar (bezahlt übrigens für das gleiche Werk „Cute and Simple“).

21. BRICE MARDEN Die besucht. 1996–1999 10,917 Millionen US-Dollar

Ein weiterer lebender amerikanischer abstrakter Künstler in unserem Ranking ist Bryce Marden (1938). Mardens Arbeiten im Stil des Minimalismus und seit den späten 1980er Jahren - gestische Malerei - zeichnen sich durch eine einzigartige, leicht gedämpfte Palette des Autors aus. Farbkombinationen in Mardens Werken sind von seinen Reisen rund um die Welt inspiriert – Griechenland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Zu den Autoren, die die Gründung von Marden beeinflussten, gehören Jackson Pollock (in den frühen 1960er Jahren arbeitete Marden als Wachmann im Jüdischen Museum, wo er persönlich Pollocks „Drippings“ beobachtete), Alberto Giacometti (er lernte seine Arbeit in Paris kennen) und Robert Rauschenberg (einige Zeit lang arbeitete Marden als sein Assistent). Die erste Phase von Mardens Werk ist klassischen minimalistischen Leinwänden gewidmet, die aus farbigen rechteckigen Blöcken (horizontal oder vertikal) bestehen. Im Gegensatz zu vielen anderen Minimalisten, die die ideale Qualität von Werken suchten, als ob sie von einer Maschine gedruckt und nicht von einer Person gezeichnet würden, behielt Marden Spuren der Arbeit des Künstlers bei, kombinierte verschiedene Materialien (Wachs und Ölfarben). Seit Mitte der 1980er Jahre wurde unter dem Einfluss der orientalischen Kalligraphie die geometrische Abstraktion durch mäanderartige Linien ersetzt, deren Hintergrund dieselben monochromen Farbfelder waren. Eines dieser „Mäander“-Werke – „The Attended“ – wurde im November 2013 bei Sotheby’s für 10,917 Millionen Dollar inklusive Provision verkauft.

22. ZHANG XIAOGANG Ewige Liebe. 10,2 Millionen Dollar

Ein weiterer Vertreter der chinesischen Gegenwartskunst ist Symbolist und Surrealist Zhang Xiaogang (1958). Bei Sotheby's Hongkong 3. April 2011, wo die chinesische Avantgarde aus der Sammlung des belgischen Barons Guy Ullens verkauft wurde, ein Triptychon von Zhang Xiaogang "Ewige Liebe" wurde für $ verkauft 10,2 Mio. Damals war es nicht nur ein Rekord für den Künstler, sondern für die gesamte chinesische zeitgenössische Kunst. Es wird gesagt, dass Xiaogangs Werk von der Frau des Milliardärs Wang Wei gekauft wurde, die kurz davor steht, ihr eigenes Museum zu eröffnen.

Zhang Xiaogang, der Mystik und östliche Philosophie liebt, schrieb die Geschichte der „Ewigen Liebe“ in drei Teilen – Leben, Tod und Wiedergeburt. Dieses Triptychon wurde 1989 in der legendären China/Avantgarde-Ausstellung im National Museum of Art gezeigt. Ebenfalls 1989 wurden Studentendemonstrationen auf dem Platz des Himmlischen Friedens vom Militär brutal niedergeschlagen. Nach diesem tragischen Ereignis begannen die Schrauben anzuziehen - die Ausstellung im Nationalmuseum wurde aufgelöst, viele Künstler wanderten aus. Als Antwort auf den von oben aufgezwungenen sozialistischen Realismus entstand eine Richtung des zynischen Realismus, deren Hauptvertreter Zhang Xiaogang war.

23. BRUCE NAUMAN Der hilflose Henry Moore. 1967. 9,9 Millionen Dollar

amerikanisch Bruce Naumann (1941), der Gewinner des Hauptpreises der 48. Biennale von Venedig (1999), ist längst auf seinem Konto. Nauman begann seine Karriere in den sechziger Jahren. Kenner nennen ihn neben Andy Warhol und Joseph Beuys eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die reiche Intellektualität und absolute Undekorativität einiger seiner Werke verhinderten jedoch offensichtlich seine schnelle Anerkennung und seinen Erfolg in der breiten Öffentlichkeit. Nauman experimentiert oft mit Sprache und entdeckt unerwartete Bedeutungen vertrauter Phrasen. Worte werden zentrale Charaktere viele seiner Werke, darunter Neon-Pseudo-Schilder und Tafeln. Naumann selbst bezeichnet sich selbst als Bildhauer, obwohl er sich in den letzten vierzig Jahren durchaus versucht hat verschiedene Genres- Skulptur, Fotografie, Videokunst, Performances, Grafik. Anfang der 1990er-Jahre sprach Larry Gagosian die prophetischen Worte: „Der wahre Wert von Naumanns Werk muss erst noch erkannt werden.“ Und so geschah es: 17. Mai 2001 bei Christie's von Naumann im Jahr 1967 "Hilfloser Henry Moore (Rückansicht)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) stellte einen neuen Rekord im Segment der Nachkriegskunst auf. Ein Abguss von Naumanns auf dem Rücken gefesselten Händen aus Gips und Wachs kam für $ unter den Hammer 9,9 Millionen in der Sammlung des französischen Magnaten Francois Pinault (nach anderen Quellen die Amerikanerin Phyllis Wattis). Die Schätzung der Arbeit betrug nur 2-3 Millionen US-Dollar, sodass das Ergebnis für alle eine echte Überraschung war.

Vor diesem legendären Verkauf hatten nur zwei Werke Naumanns die Millionengrenze überschritten. Und in seiner gesamten bisherigen Auktionskarriere gingen neben „Henry Moore …“ nur sechs Werke in den siebenstelligen Bereich, aber ihre Ergebnisse sind immer noch nicht mit neun Millionen zu vergleichen.

„Helpless Henry Moore“ gehört zu Naumanns Serie polemischer Arbeiten über die Figur des britischen Künstlers Henry Moore (1898–1986), der in den sechziger Jahren zu den größten Bildhauern des 20. Jahrhunderts zählte. Junge Autoren, die im Schatten eines anerkannten Meisters standen, griffen ihn daraufhin mit heftiger Kritik an. Naumanns Arbeit ist eine Antwort auf diese Kritik und zugleich eine Reflexion zum Thema Kreativität. Der Titel der Arbeit wird zum Wortspiel, da er zwei Bedeutungen des englischen Wortes gebunden verbindet – gebunden (im wörtlichen Sinne) und zu einem bestimmten Schicksal verdammt.

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